#famosos pintores actuales

[mariaraquelbonifacino]

OMEGA ALPHA

Algo está finalizando… algo está cambiando. Los cambios deben ser tomados como algo natural de este software de vida. A pesar de que los relojes marquen compasadamente las etapas de alteraciones. Oscuridad noche, iluminación día. El final de algo es un comienzo. “OMEGA ALPHA” 110 X 60 CMS acrílicos.

[selvaurbana]

Artistas Destacados y Colectivos - liss

Artistas reconocidos El arte urbano, lo que comenzó como un acto de rebeldía en las calles ha crecido hasta convertirse en un movimiento cultural con impacto global, donde cada obra cuenta una historia y cada artista es una voz más en la conversación pública. Figuras destacadas utilizan el arte para cuestionar la política y la sociedad en murales. Bansky: es el artista callejero más famoso del mundo. Sus obras abarcan desde simples imágenes en blanco y negro hasta elaboradas instalaciones en espacios públicos, tiene siempre una chispa de crítica social o política. Surgió en la escena underground de Bristol de Reino Unido, durante los años 90. Desde el principio, su enfoque era subversivo, cuestionaba la autoridad y el sistema con obras que aparecían de la noche a la mañana. Los motivos recurrentes de Banksy son niños, policías y animales como ratas, todos empleados para lanzar mensajes anti-guerra, anti-capitalistas y anti-establishment.

Shepard Fairey: es un artista urbano que ha logrado fusionar el arte callejero con el activismo social de una manera impresionante. Comenzó su carrera en 1989 con la serie "Obey Giant," usando la imagen de André the Giant para cuestionar la propaganda y la autoridad. Su obra más famosa, el póster "Hope" de Barack Obama en 2008, se convirtió en un símbolo de la campaña presidencial, destacando por su uso del rojo y azul para simbolizar la unidad. Su enfoque creativo sigue inspirando a muchos a ver el arte como una herramienta de cambio y reflexión en la sociedad​.

Os Gemeos: un dúo formado por los gemelos Otávio y Gustavo Pandolfo, ha dejado una huella significativa en el mundo del arte urbano. Nacidos en São Paulo, Brasil, en 1974, se enamoraron del graffiti a una temprana edad, influenciados por la cultura hip-hop de los años 80. Sus obras son reconocibles por el uso de colores vibrantes y personajes de piel amarilla, que reflejan la calidez de la cultura brasileña y sus propias experiencias. Su arte ha sido exhibido en importantes galerías y museos, y su influencia se extiende más allá del graffiti, trabajaron con marcas de moda y participaron en eventos como los Juegos Olímpicos de Río 2016. A través de su trabajo, Os Gêmeos han logrado conectar con una amplia audiencia, inspirando a nuevas generaciones de artistas urbanos​.

Artistas emergentes en el panorama urbano actual En la actualidad, existen artistas que están llamando la atención y dándole forma al futuro del arte. Principalmente están: Lila Nguyen: Artista vietnamita-estadounidense que combina surrealismo con narrativas personales sobre identidad. Mateo Rodríguez: Escultor argentino que utiliza materiales reciclados para cuestionar el consumismo y el impacto ambiental. Zara Patel: Artista india conocida por sus vibrantes murales que fusionan arte popular tradicional con problemas sociales contemporáneos. Ethan Kim: Pintor coreano-estadounidense cuyas obras expresionistas abstractas exploran emociones a través de color y textura. Amara Okafor: Artista multimedia nigeriana que crea instalaciones que dan voz a comunidades marginadas mediante fotografía y sonido. Colectivos y crews de grafiteros

1UP Crew: Originarios de Berlín, 1UP es un grupo que se destaca por su energía vibrante y su deseo de llevar el arte del grafiti a todos los rincones de la ciudad. Sus impresionantes murales son inconfundibles, llenos de colores brillantes y formas llamativas que no solo embellecen los espacios urbanos, sino que también cuentan historias. El documental "A Week with 1UP" ofrece una mirada fascinante a su proceso creativo y a la vida de estos apasionados artistas.

Mad Society Kings (MSK): Este colectivo de Los Ángeles es un verdadero ícono en la cultura del grafiti. Formado en los años 90, MSK es conocido por la calidad y el detalle de su trabajo. La crew combina talento y creatividad, reflejando la diversidad de su entorno. A lo largo de los años han influido en la escena del grafiti global, llevando su arte a lugares icónicos y dejando una huella perdurable.

The Seventh Letter: Este colectivo es un punto de encuentro para artistas de grafiti que buscan explorar y expandir las fronteras del arte urbano. Fue fundado en Los Ángeles, The Seventh Letter no solo se centra en el grafiti, sino que también incluye diversas formas de arte contemporáneo, creando espacios de exhibición que celebran la creatividad colectiva. La comunidad que han construido es un reflejo de la colaboración y la innovación en el mundo del arte urbano.

Banksy:

The Collector. (n.d.). Banksy. The Collector. https://www.thecollector.com/banksy/

Shepard Fairey y el retrato de Obama:

Smithsonian Magazine. (n.d.). Shepard Fairey: The artist behind the Obama portrait. Smithsonian Magazine. https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/shepard-fairey-the-artist-behind-the-obama-portrait-45936012/

Os Gêmeos:

Graffter Gallery. (2023, mayo). Os Gêmeos: Unraveling the enigmatic world of Os Gêmeos. Graffter Gallery. https://www.grafftergallery.com/2023/05/os-gemeos-unraveling-enigmatic-world-of.html

Artistas contemporáneos emergentes:

The Art World. (2024, junio 12). 10 emerging contemporary artists to watch in 2024. The Art World. https://www.the-art-world.com/blog/2024/06/12/10-emerging-contemporary-artists-to-watch-in-2024/

Mad Society Kings (MSK) y el legado del graffiti:

Sprayed Paint. (n.d.). Mad Society Kings (MSK): Vermächtnis der Kunst, Rebellion und Brüderlichkeit. Sprayed Paint. https://de.sprayedpaint.com/Blogs/Artikel/Mad-Society-Kings-MSK-Graffiti-Crew-Verm%C3%A4chtnis-der-Kunst%2C-Rebellion-und-Br%C3%BCderlichkeit

[agendaculturaldelima]

 #AmigosInolvidables #Poesia

📖 “BRUMA DETENIDA” 📜✒

🗯 Una poeta contempla el mundo desde la banca de un parque o desde una terraza, observa la realidad, recuerda su infancia lejana en el norte del Perú, doradas playas de Colán; revive su experiencia primordial y escribe unos versos. Admira el cuadro de un pintor famoso. De pronto, toma conciencia de su soledad y siente una ausencia, pero dicha ausencia es una presencia concreta, percibe la brisa y el viento –el viento siempre rodeándola– y se refugia en el silencio. El jardín y los árboles son mágicos en su visión contemplativa. Lo amado y lo perdido colma su ilusión, la luz tardía pero nunca es tarde para escribir poesía. Esto es lo que nos demuestra el libro de la escritora de literatura infantil, quien aquí vuelca su inspiración: la de una poeta consumada que nos hace partícipes de su búsqueda del eterno y perfecto instante, en el que hallamos mística, defensa de la naturaleza, de la cultura nativa del pasado; todo con un logrado manejo de la lengua explayándose en la elípsis y el hallazo gramatical y/o filosófico. Y por supuesto la dimensión del amor que no evade cierta crítica social o la consideración metafísica. En suma, la publicación marca el debut de una nueva, vibrante y talentosa poeta en el concierto de la poesía peruana actual.

✍️ Autoría: Guiomar Du Bois @guiomardubois

🎤 Comentarios: Roger Santiváñez y Teófilo Gutiérrez

📕 Editorial: Hipocampo Editores.

📌 PRESENTACIÓN DEL POEMARIO:

📆 Viernes 19 de Julio

🕖 7:00pm.

🏫 Book Vivant (calle Miguel Dasso 111 - San Isidro)

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre 

[demoura]

DIA 30 DE JUNHO DE 2024 ; MORTE DE MANUEL CARGALEIRO AOS 97 ANOS ; A LONGA VIDA DE UM ENTUSIASTA PRATICANTE DA GEOMETRIA CROMÁTICA :HISTÓRIA DO BELO GOUACHE DA NOSSA COLECÇÃO : pintor e ceramista mas também desenhador, gravador e escultor, Cargaleiro deixou a sua assinatura em igrejas, jardins ou estações de metro, em inúmeras peças geométricas e cromáticas. Cargaleiro viveu grande parte da sua vida em Paris desde 1957, mas ao contrário de outros nunca deixou que o cosmopolitismo significasse desenraizamento . Prova disso é a memória das imagens e das cores da Beira Baixa na sua obra, a lembrança das mantas de retalhos e a Fundação e o Museu Cargaleiro na região onde nasceu “De Cargaleiro disse Maria Helena Vieira da Silva que possuía a técnica perfeita, a medida certa, as cores raras; e Álvaro Siza Vieira que evidenciava uma alegria invulgar no panorama artístico português. Acontece que na nossa pequena coleção de pintura temos um belíssimo guache da sua melhor fase. Foi uma oferta nos nos anos 70 do famoso marchand Pereira Coutinho fundador da Galeria. São Mamede que mo ofereceu na década de 70 quando tratei o pai . Mede 32 por 15 cm assinado com data de 1953 . Pertencia ao acervo da primeira exposição de Cargaleiro na galeria com a qual manteve uma estreita relação . Tem alto valor de mercado mas para mim a sua principal valia é que a Maria Zaza gostava muito dele. Conheci bem Francisco Pereira Coutinho (1922-2006) que fundou a Galeria de São Mamede. Além de galerista, foi também antiquário, marchand e colecionador de antiguidades e de arte moderna. Como disse Mário Cesariny foi um desbravador e um amigo .Pela sua mão, estiveram ligados à Galeria São Mamede os artistas mais relevantes no panorama artístico português das décadas de 60, 70 e 80.Nessa seleção incluem-se Almada Negreiros, António Areal, Armanda Passos, Cargaleiro, Carlos Botelho, Carlos Calvet, Cesariny, Cruzeiro Seixas, D’Assumpção, Emília Nadal, Escada, Eurico Gonçalves, Gonzalez Bravo, Helena Almeida, Jorge Barradas, Jorge Vieira, Júlio (Reis Pereira), Justino Alves, Manuel Amado, Mário Botas, Nadir Afonso, Nuno de Siqueira, Paula Rego, Poliakoff, Raúl Perez e Vieira da Silva.etc .Nas fotografias MZ numa vernissage e com o meu querido doente pai do fundador e avô do actual dono da galeria .

[crevillam]

Los cuadros más famosos de la historia

Por Carlos Revilla “La tentación de San Antonio” : Joos van Craesbeeck (ca. 1605–1661) Fue un pintor flamenco del siglo XVII, conocido por sus escenas de género, retratos y bodegones. Nació en Neerlinter, Brabante (actual Bélgica), en una familia de panaderos. Su fecha exacta de nacimiento no se conoce, pero se estima alrededor de 1605. Van Craesbeeck comenzó su carrera como panadero, siguiendo…

[anak0601]

Examen unidad 2- Fase 1: Fichas

Obras y autores mencionados en la lectura de la biblioteca Laurenziana de Miguel Ángel, por Paolo Portoghesi.

-Donato di Angelo di Antonio, Bramante.

Fue un pintor y arquitecto italiano que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el “Alto Renacimiento” en Roma. Nació en Monte Asdrualdo, hoy en día Fermignano, en el año 1443 y muere en Roma en 1514. Se formó probablemente en Urbino. El duque, Ludovico Sforza, le hizo virtualmente su arquitecto de corte, a partir de 1476. Alrededor de 1474, Bramante se trasladó a Milán, una ciudad con una profunda tradición arquitectónica gótica,  donde desplegó una gran actividad como pintor y arquitecto. En 1477 está documentada su presencia en Bérgamo, trabajando en la decoración al fresco del palacio del Podestà. En 1499, su patrón Sforza fue expulsado de Milán por el ejército francés invasor, y Bramante decidió marchar a Roma.

Sus obras más destacadas se encuentran en Roma. Allí fue pronto reconocido por el cardenal Della Rovere, que se convertiría en el papa Julio II. Su primera obra es fruto del encargo de los Reyes Católicos, el Templete de San Pietro in Montorio, construido  en 1502. En noviembre de 1503, es nombrado arquitecto pontificio, llevando a cabo dos intervenciones: el llamado Palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro en el Vaticano, proyecto este último que solo llegó a comenzar y por el cual alcanzó gran fama.  La arquitectura de Bramante  está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula, diseño que utilizó para San Pedro, con una planta de cruz griega.

-Filippo Brunelleschi.

Fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Nació en 1377 en la República de Florencia y fallece el 15 de abril de 1446 en el mismo lugar. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarlo a la invención de la perspectiva cónica. Participó en un concurso que consistía en realizar los bajorrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia en 1401. En 1434 fue el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes. Siendo un elemento clave de la pintura renacentista.

Brunelleschi fue el iniciador de la arquitectura de estilo renacentista, caracterizado por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico. La cúpula de la Catedral Santa Maria del Fiore es su obra más famosa y más controvertida. Brunelleschi planteó una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza. La iglesia de San Lorenzo es otra de sus obras destacadas, en donde Brunelleschi trabajó la horizontalidad empleando elementos arquitectónicos para reforzarla, al igual que la armonía, utilizando la geometría y aplicando la perspectiva lineal de fuga.

-Iglesia de San Biagio di Montepulciano.

También llamada por su monumentalidad, Templo de San Biagio, es un lugar de culto católico, siendo la sede de la parroquia homónima perteneciente a la diócesis de Montepulciano-Chiusi-Pienza. Se encuentra ubicada en Montepulciano, en la provincia de Siena, Italia, a las afueras del centro histórico de la ciudad. Su arquitecto es  Antonio da Sangallo el Viejo, un arquitecto florentino que trabajó durante el renacimiento Italiano. La obra por la que más destacó fue San Biagio, encargada por el pueblo de la ciudad y apoyados por el Papa León X. Su construcción duró hasta 1545, mucho después de la muerte del arquitecto.

El edificio es ejemplo de la arquitectura renacentista toscana del siglo XVI. Presenta una planta de cruz griega, con cuatro brazos rectangulares simétricos que salen del crucero, que está cubierto por una cúpula de 13 metros de diámetro que descansa sobre cuatro pechinas. Esta tiene la particularidad de que existe una gran diferencia de altura entre el tambor exterior, desplazado mediante pilastras jónicas que se alternan con hornacinas y ventanas, y el interior, con una logia falsa formada por una serie de arcos redondos, lo que da como resultado una menor altura en comparación con la primera. Cerca del muro del ábside, se encuentra el altar mayor, donde se desarrolla en medio de dos columnas corintias, el famoso fresco del siglo XIV, considerado milagroso, que representa a la Virgen con el Niño, llamada la Madonna de San Biaggio (Virgen de San Blás).

La fachada principal está dividida en dos alturas con un marcado entablamento. Su lado izquierdo está flanqueado por un campanario de varios niveles, lleno de elementos decorativos plásticos, que terminan en una cúspide piramidal.

-Marco Vitruvio.

Fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a. C. Nació entre los años 80-70 a. C. y falleció en el 15 a. C. Fue arquitecto de Julio César durante su juventud, y al retirarse del servicio entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum en Italia. Es el autor del tratado más antiguo sobre arquitectura que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en 10 libros, dedicado al emperador Augusto. Influyó profundamente a los artistas desde el primer Renacimiento, a pensadores y arquitectos. Vitruvio es famoso por afirmar en su libro De Architectura que ciertos edificios públicos deben exhibir las tres cualidades de firmitas, utilitas, venustas, es decir, deben ser sólidos, útiles, hermosos. Siendo llamadas estas cualidades la Tríada de Vitruvio. La arquitectura es una imitación de la naturaleza, los seres humanos construyen vivienda a partir de materiales naturales según Vitruvio.  Para el perfeccionamiento de este arte de la construcción, los griegos inventaron los órdenes arquitectónicos y se les dio un sentido de la proporción, que culminó en la comprensión de las proporciones de la mayor obra de arte: el cuerpo humano. Esto llevó Vitruvio a la definición de un canon del cuerpo humano.

-Templete de San Pietro in Montorio.

La construcción se encuentra ubicada en uno de los patios del convento franciscano homónimo en Roma, actual Academia de España en Roma, Italia. Fue erguido entre  1502 – 1510, por encargo de los Reyes Católicos. Se alza sobre el lugar en el que según la tradición, San Pedro Apóstol fue martirizado. Es obra de Donato di Angelo di Antonio, conocido como Bramante.

El templete se considera como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa. Fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco. Bramante parte de un módulo que no es una medida sino una forma: el cilindro. Su planta es circular, imitando a los templos romanos o a los martyrium paleocristianos. Está rodeada por una columnata, que conforma un peristilo, y envuelve a la cella, cubierta por una cúpula semiesférica.  El templete se encuentra sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata de orden toscano, rematada por un entablamento coronado por una balaustrada. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.

Justo debajo del altar mayor está la cripta, donde supuestamente se clavó la cruz de San Pedro al ser crucificado.

[crucigrama-victoria-blog]

“Sueña en grande. Comienza en pequeño. Pero sobretodo, comienza”

Me encuentro frente al monitor hace una o dos horas tratando de comenzar este blog, mi hoja sigue en blanco. Tipeo en google “freses inspiradoras” y hallo esta frase de Simon Sinek. No se quién es, ni que ha hecho en este mundo, pero doy gracias por sus palabras porque me han servido para arrancar este párrafo.

Es algo muy contemporáneo escribir frases que inspiren para iniciar un texto. Lo que yo asumo es que el lector tiende a engancharse de forma instantánea, intentando aplicar la frase inspiradora a su propia vida. Y yo simplemente utilicé ese recurso contemporáneo para poder enganchar a usted, lector, en mis próximas palabras que oscilarán entre algo informativo-académico formal y de forma más informal, un derrame personal de pasión por lo que decidí hacer hace ya varios años como ocupación vital.

Agradezco virtualmente Simon, es frase muy bella y que sin duda, tanto yo como ustedes, lectores, aficionados o no a la temática de éste blog, podrán relacionar a su pasión. La mía es el diseño gráfico y en éste blog analizaré temas propuestos en la clase "Tendencias del diseño contemporáneo", dictada por los profesores Rodolfo Sosa y Fabián Barros.

En primera instancia, sería conveniente definir los términos “tendencias” y “diseño contemporáneo” con el fin de comprender de qué se trata esta asignatura.

Una tendencia refiere a una idea orientada a cualquier dirección, sea de la índole que sea. El diseño contemporáneo comprende ideas originales pertenecientes al tiempo en el que vivimos. Dicho esto entonces, a lo largo del semestre se tratarán temas de la actualidad, aplicados a las diferentes áreas del diseño.

La temática de este año se centra en los conceptos de la “sustentabilidad” y la “sostenibilidad”. Se intentará comprender los mismos mediante charlas con diferentes disertantes, una larga investigación y tal vez alguna que otra recurrencia a Wikipedia.

Sustentabilidad y sostenibilidad, ¿tendencia o una necesidad?

Cada vez estamos más acostumbrados a escuchar a hablar de estos adjetivos. Lo más habitual es que las personas los empleen como sinónimos, sin embargo existe una diferencia entre sustentable y sostenible.

El término sustentable refiere a un sistema endógeno, o sea que no precisa de la intervención humana o externa para poder mantenerse. Un modelo sustentable no sólo se valdría por sí mismo sino que también realizaría la función de alimentar y mantener a las personas que lo conforman.

Por otro lado, el término sostenible se diferencia por ser un sistema exógeno, necesitando de una fuente externa que le permita mantenerse y desarrollarse. La sostenibilidad consiste en satisfacer las necesidades de la actual generación sin sacrificar la capacidad de futuras generaciones de satisfacer sus propias necesidades.

“De acuerdo con las Naciones Unidas, la diferencia que existe entre desarrollo sostenible y desarrollo sustentable es que el desarrollo sustentable es el proceso por el cual se preserva, conserva y protege solo los Recursos Naturales para el beneficio de las generaciones presentes y futuras sin tomar en cuenta las necesidades sociales, políticas ni culturales del ser humano, mientras que el desarrollo sostenible es el proceso mediante el cual se trata de satisfacer las necesidades económicas, sociales, de diversidad cultural y de un medio ambiente sano de la actual generación, sin poner en riesgo la satisfacción de las mismas a las generaciones futuras"

Para que esto ocurra:

Los recursos renovables nunca deben gastarse a un ritmo mayor que el de su generación.

Los contaminantes no se pueden producir a un ritmo mayor al proceso que se requiere para reciclarlos, neutralizarlos o para que se biodegraden.

Se debe de basar en las energías renovables, que nos ayudan a producir el recurso energético sin comprometer el medio ambiente.

Indagando sobre el tema me encontré con iniciativas que fusionan los conceptos diseño y sustentablidad/sostenibilidad.

Hace poco tuve la oportunidad de visitar Holanda, un país que abraza la sostenibilidad y sustentabilidad global. Su compromiso por el medio ambiente y cultura ciclista ha inspirado a sus habitantes a llevar a cabo diferentes proyectos que prometen el cuidado del medio ambiente con el fin de devolver un planeta mejor a futuras generaciones.

Uno de sus proyectos se encuentra en Zwolle, en donde se inauguró una bicisenda hecha 100% con botellas, vasos y embalajes de plástico reciclado, convirtiéndose en la primera en el mundo. Tiene 30 metros de longitud y es tres veces más fuerte que el asfalto, incluso está equipada con sensores para controlar el comportamiento de la carretera, incluyendo su temperatura y el número de bicicletas que circulan por ella. La vía, realizada mediante el montaje de perfiles prefabricados de fácil transporte e instalación, también ha sido diseñada para permitir la evacuación del agua de lluvia.

Para los inventores, Anne Koudstaal y Simon Jorritsma, este primer proyecto piloto “representa un gran paso hacia una carretera sostenible y preparada para el futuro hecho de residuos plásticos reciclados“.

De hecho, este carril tiene muchas ventajas. Sin duda, un menor uso del asfalto, responsable de 1,5 millones de toneladas de emisiones de CO2 al año, lo que representa el 2% de las emisiones mundiales del transporte por carretera. Además, se hace una mejor gestión de los residuos plásticos.

Otro proyecto que captó más mi atención, tal vez porque la participación del diseño es más evidente, es otra ciclovía, esta vez solar, inspirada en “La noche estrellada”, pintura del famoso holandés Vincent Van Gogh.

Pintura “La noche estrellada” de Vincent Van Gogh.

Se encuentra en la provincia de Brabant, lugar donde nació y se crió el célebre pintor.

El sendero cuenta con aproximadamente 1 km de luces LED que brillan en la noche gracias a la energía solar, incluyendo también elementos reflectivos. Daan Roosegaarde trabajó en conjunto con un grupo de destacados ingenieros y diseñadores para llevar a cabo su idea. En su página web publicó:

“Se creó un diseño para observar la dinámica relación entre las personas, la tecnología y su entorno. La idea es que el paseo en bici se convierta en una experiencia mágica y poética; este es el tipo de lugares donde se arregla para una primera cita. Nuestro principal objetivo fue traer a Vincent Van Gogh de nuevo a la vida.”

Sin duda es un increíble proyecto y que prueba una vez más que lo multidisciplinario puede llegar a resultados donde se observa una perfecta conjunción entre lo tecnológico, lo sustentable y lo estético. Me alegra haberlo encontrado y poder estar compartiéndolo con ustedes. Admiro muchísimo esta obra de arte de Van Gogh y es un placer verla reflejada en la realidad, espero algún día poder visitarla y vivir la experiencia de realizar ese recorrido nocturno. 

Dejo aquí un link para que puedan leer más sobre esta espectacular ciclovía y para que puedan apreciar más fotos sobre ella.

https://www.studioroosegaarde.net/project/van-gogh-path

Volviendo a nuestro país, encontramos también diversas propuestas que apuntan a la sostenibilidad.

“Ruta 10 upcycling” es una marca que apuesta al uso del caucho de cámaras de vehículos y otros materiales reciclados para la creación de bolsos, carteras y accesorios.

En mayo del 2018 inauguró un taller productivo en la Unidad de Internación de Personas Privadas de Libertad N13 (“Las Rosas”) en el departamento de Maldonado, en donde los reclusos trabajaron junto a la emprendedora de la marca, Ana de León, confeccionando una colección de marroquinería sustentable.

“Es un material al que se le da una segunda vida y una segunda oportunidad. Y quisimos completar el ciclo para que también sea sustentable desde el punto de vista humano, permitiendo que sea trabajado por personas que también merecen una segunda oportunidad”

Ana aseguró que trabajar con estos materiales conlleva un proceso muy largo y delicado, ya que “tiene una morfología complicada”, siendo esta la parte de adentro de la rueda, circular y no plana, deformado por el uso y con distintos espesores variando la zona.  

Foto del taller para reclusos en “Las Rosas” y uno de los productos de la colección terminado. 

Aquí tenemos un ejemplo entonces, que se compromete con la sostenibilidad en todas sus dimensiones, demostrando que es posible conjugar buenos resultados económicos, con conciencia social y ambiental.

Zhú Innovación en bambú es una empresa que se encarga de articular oportunidades para desarrollar proyectos de negocios sostenibles que incorporan bambú.

El equipo detrás de esto comprende a Analaura Antúnez (Lic. en Diseño Industrial), Gabriel Arenares (Ingeniero Agrónomo) y José Burlando.

Consideran al bambú como un elemento con el potencial de generar emprendimientos basados en “la producción sustentable, la regeneración ambiental y el bienestar social”

¿Por qué bambú?

“Es un recurso renovable de rápido crecimiento, de fácil establecimiento de plantación, mantenimiento y cosecha. A nivel global se procesa como materia prima para infinidad de usos, incluyendo construcción, muebles, objetos, textiles, carbón, papel, y alcohol”

Además es considerado como un elemento clave contra el cambio climático ya que fija más CO2 que cualquier otro árbol en el mundo, generando 35% más de O2 que un bosque de árboles.

No hay duda de que estos aspectos hacen de él una opción interesante para crear soluciones en el plano ambiental, social y económico, y para poder desarrollar nuevos modelos productivos que sean conscientes y amigables con planeta.

Un ejemplo de emprendimiento que incorporó al bambú como materia prima es Laboratorio X, una empresa uruguaya que se dedica a la investigación y desarrollo de materiales alternativos a partir de materias primas naturales. A partir del bambú generó telas para luego confeccionar paños, bufandas y abrigos.

En las últimas décadas, la Tierra ha experimentado fuertes cambios medioambientales. El fenómeno de la deforestación avanza a un ritmo de 13 millones de hectáreas cada año, en la última década los desastres naturales causados por el clima dejaron aproximadamente 600 mil muertes, a nivel mundial se producen más de 2.100 millones de toneladas de desechos cada año y tan solo 16% (323 millones de toneladas) de esa basura es reciclada.

Un problema de esta magnitud nos lleva a pensar que est�� todo perdido...No puedo evitar preguntarme, ¿Cómo ayudo? ¿Por dónde empiezo? 

Como diseñadora considero que tengo una responsabilidad, un poder de generar cambio y de proyectarlo al mundo. Comunicar con conciencia, elegir materiales que no comprometan el futuro de nuestro planeta y lo empeoren. Hay que ser capaces de contemplar que el desarrollo sustentable y sostenible es ya una prioridad y no una elección.

Ain’t no sunshine if she’s gone…

[labitacoradelhombresolitario]

Leer a Maugham

Leer a Maugham me llena de dicha y de disfrute intelectual. Esta misma tarde he pensado que me encantaría irme a vivir a una de sus muchas y muy queridas novelas; cualquier libro suyo me valdría en realidad, exceptuando tal vez los de cuentos, porque ahí no se podría vivir, y además muchas de esas short stories tienen desenlaces lamentables o desafortunados. Lo mejor sería uno de sus volúmenes de viajes, como El caballero en el salón, o el que escribió con bosquejos y estampas de su largo periplo de hace un siglo por exóticas tierras chinas (On a Chinese Screen; no sé cómo se titularía en español). Otro libro suyo que en su momento me deleitó fue A Writer's Notebook (Cuaderno de un escritor), que el autor publicó a muchos años vista, recogiendo notas sueltas redactadas a lo largo de gran parte de su carrera.      Mi actual relectura de Maugham se produce veintitantos años después de mi primer contacto con el famoso autor inglés; hace algo más de dos décadas que devoré prácticamente todas las obras del maestro (me place y me complace llamarlo así), en ediciones exentas en papel, la mayoría de ellas de Vintage y de Penguin. Casi todas esas ediciones las compré nuevas en su día, pero también hubo alguna que adquirí de segunda mano, como por ejemplo The Narrow Corner, que está además asociada —bueno, está asociado mi ejemplar— con una curiosa anécdota: en un viaje de hace mucho a Santiago o La Coruña (no recuerdo ahora cuál de las dos poblaciones) me dejé el libro olvidado en el avión, en el trayecto de ida desde Madrid; me faltaba una tercera parte para terminarlo, y lo sentí casi tanto por tener que interrumpir la lectura, durante mis dos jornadas de trabajo en Galicia, como por la pérdida física del volumen. ¡Pero resultó que a la vuelta tenían el ejemplar en Objetos Perdidos, en el aeropuerto, y en el vuelo de regreso retomé el relato en una especie de mágico «como decíamos ayer» que me llenó de alegría poco menos que infantil! El volumen descansa hoy, tres o cuatro lustros más tarde, en una de mis estanterías, junto con todos los otros títulos de Maugham de mi biblioteca, y acompañado además de las tres biografías que poseo del célebre caballero y narrador: la de Ted Morgan, una de Jeffrey Meyers y otra (la más reciente) de Selina Hastings.      Me cuesta explicar con perfecta exactitud lo que la obra de Somerset Maugham despierta en mí y me hace sentir; pero en este breve apunte creo que arrojo algo de luz sobre mi afición por él. Lo adoro, francamente; y en numerosos lugares he hablado ampliamente del escritor (en el Nostradamus incluyo una larga reflexión, suscitada por Maugham, sobre el dinero o la falta del mismo, y la amargura y la rabiosa frustración que dicha falta engendra en el carácter, sobre todo de ciertos sujetos sensibles. Ese pasaje de mi diario de 1999 lo ilustro con una extensa cita tomada de un parlamento del personaje de Foinet, atrabiliario pintor académico y cruel fustigador de aprendices de artista en la novela Servidumbre humana, en cuyos labios pone Maugham una serie de consideraciones acerca de lo mezquino y displicente que te hace ser la perpetua falta de peculio, y del efecto mortificante y anulador que la crónica angustia económica puede tener en el talento y las facultades del creador).      En esta noche de recién caída lluvia en Madrid —regalo impagable de don Agosto en la jornada de hoy—, refrescado mi estudio y refrescada mi mente por el descenso térmico y el aroma a ciudad mojada que entra por mi ventana abierta de par en par, me permito volver a recordar al gran Somerset Maugham (ejemplo no solo de escritor profesional, sino de «buen» o «correcto» vividor, en el sentido que le daban a ese concepto los clásicos latinos)  y me sumerjo de nuevo en su gozosa lectura, tras más de veinte años de haberlo devorado por primera vez.

ROGER WOLFE · 2 al 3 de agosto de 2022

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[mayaal21p1]

Blog 7: Artista de Habla Hispana (37 en la lista)

Para mi blog séptimo, yo encontré información sobre artista Joan Miró. Miró es un pintor Spanish, y fue nació en Barcelona en 1893. Él hizo arte cerámica y hizo esculturas también. El arte de Miró es surrealista y expresionismo.

https://spanishmama.com/famous-hispanic-artists-and-latino-artists/

Este pintura se llama “The Hunter” (El Cazador, 1923). Yo veo cosas como un globo ocular, formas como triángulos y conos, y pájaros. Miró usé colores vivos. Hay amarillo y naranja encima la tela. Otros colores son presente también, pero para detalles minores. Por ejemplo, un globo ocular tiene azul.

https://arthistoryproject.com/artists/joan-miro/the-hunter-catalan-landscape/#:~:text=The%20Hunter%20(Catalan%20Landscape)%20is,Abstract%20Art%20and%20Abstract%20Figures.

Mientras haciendo este actividad, yo aprendí información interesante sobre Joan Miró. Antes de este actividad yo no supe alguna sobre Miró. Me gusta que Miró hizo más que pinturas solo, y hizo otros artes también como arte cerámica. Me gusté la actividad porque yo pude usar vocabulario que es en el capítulo actual. Yo tuve dificultad con reconociendo palabras de la lista de vocabulario de el año pasado sobre arte y artístas. Yo tuve dificultad con escogiendo que artista aprender sobre también, porque la red da información sobre muy popular artistas primero y yo quise hablar sobre una artista que es menos famoso.

[mariaraquelbonifacino]

"Auras"

“Auras”

vemos mas cuanto menos elementos tenemos.

[johnnyzuri]

Cuando Urbano Galindo triunfó en Kempinski Hotel Bahía

Fué un éxito Urbano Galindo en Kempinski Hotel Bahía, en 2018.

El acto fue inaugurado por el alcalde de Estepona y contó con la presencia del artista

ASÍ NOS LO CONTARON LOS MEDIOS

Estepona, 20 de julio de 2018 – La inauguración de la exposición de arte del pintor y escultor madrileño Urbano Galindo en Kempinski Hotel Bahía fue todo un éxito. Más de un centenar de invitados disfrutaron del acto inaugural, que contó con la presencia del artista, muy conocido por sus retratos de la aristocracia y destacadas personalidades.

La exposición, formada por 17 obras, fue inaugurada oficialmente por el alcalde de Estepona, José María García Urbano, a quien le acompañaban el concejal delegado del Área Sociocultural, Blas Ruzafa, y la concejala del Área de Turismo, Ana Velasco.

El regidor se refirió a la apuesta por la cultura que está llevando a cabo el Ayuntamiento en la ciudad y valoró el esfuerzo de Kempinski Hotel Bahía para contribuir a fomentar el arte a través de estas iniciativas.

Por su parte, Urbano Galindo mostró su satisfacción por el evento. En este sentido señaló que «ha sido un verdadero placer exponer mis obras en un hotel tan maravilloso como es Kempinski Hotel Bahía en Estepona”

Asimismo explicó la evolución de su obra, afirmando que “durante mis últimos años y en los más de tres mil retratos he percibido una transformación en mis pinturas-esculturas utilizando materiales etéreos, mostrando así mi espiritualidad, transformando mis obras color sepia, que eran más clásicas, a unas obras en colores morados, ocres y dorados, las cuales realizan el viaje desde mi interior buscando la belleza de la energía y la armonía del cosmos».

La muestra, que se puede visitar hasta el 8 de agosto, ha sido traída por LuxStyle, Fashion & Luxury Consulting. Está compuesta por 17 obras escultóricas y pictóricas del nuevo estilo del artista, con trabajos en morado, azul y dorado. Entre las obras de esta exposición, resaltar los retratos de la jequesa de Qatar y la primera dama china.

Urbano Galindo es pintor, escultor, poeta y místico. Sus famosos retratos unen belleza física e interior percibida en sonrisas y miradas. Su transformación va desde sus retratos en sepia marcados por la aristocracia de los años 90 a la creación de obras en morado, azul y dorado a jequesas, reinas y miembros de la aristocracia actual con su pintura. Las esculturas de Urbano Galindo sumergen al visitante y espectador en el infinito del Dios creador y lo envuelve entre espirales multicolores.

Cabe recordar que la exposición permanece en Kempinski Hotel Bahía, cinco estrellas Gran Lujo, hasta el 8 de agosto en horario de once de la mañana a nueve de la noche. Es la primera muestra de la serie de eventos de arte que tendrán lugar en el hotel a lo largo de este año, además de otras citas culturales. Para más información visite www.kempinski.com/estepona

Sobre Kempinski

Fundado en 1897, Kempinski Hotels es el grupo hotelero de lujo más antiguo de Europa. Desde sus inicios hasta la actualidad Kempinski se caracteriza por su impecable servicio personal y de hostelería excelente que se complementa con la exclusividad e individualidad de sus propiedades, tanto hoteles como estancias.

Kempinski gestiona en la actualidad 76 hoteles y estancias de cinco estrellas en 32 países y continúa incorporando nuevas adquisiciones en Europa, Oriente Medio, África, Asia y América.

Cada uno de ellos refleja la fuerza y el éxito de la marca Kempinski sin perder de vista sus orígenes. El portfolio incluye propiedades históricas, galardonados hoteles de estilo de vida urbano, destacados resorts y prestigiosas residencias. Cada uno de ellos está impregnado de la alta calidad que los huéspedes esperan de Kempinski y además se mantienen las tradiciones culturales de cada ubicación. Kempinski es miembro fundador de Global Hotel Alliance (GHA), la mayor unión mundial de marcas hoteleras independientes.

Contacto de Prensa:

Justine Haughey – Marketing Manager – Kempinski Hotel Bahía

Tel: +34 952 809 500

www.kempinski.com/estepona

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[art-now-italy]

Model 135, Lorenz Guss

Lorenz Guss is a multifaceted and eclectic Italian artist. Lorenz studied in London, Paris, New York and Milan. His career as a photographer begins in Milan, to continue with the Cinema in London and painting in Paris. Lorenz is the first artist to apply what is now called: Lorenz Guss Upgrade or Lornez Guss Restyle on the major classical works. The artist brings to life a classic work and emphasizing the changing colors, the light, the contrasts. And actualizing the works of the greatest painters in history. Sometimes it's also been called Guss Rebirth This choice of unique style has brought Lorenz Guss to be considered a pioneer in the art world. Creating a new artistic style. Among his most famous Upgrade: Leonardo da Vinci, Caravaggio and Michelangelo English: Lorenz Guss is a multifaceted and eclectic Italian artist. Lorenz studied in London, Paris, New York and Milan. His career as a photographer begins in Milan, to continue with the Cinema in London and painting in Paris. Lorenz is the first artist to apply what is now called: Lorenz Guss Upgrade or Lornez Guss Restyle on the major classical works. The artist brings to life a classic work and emphasizing the changing colors, the light, the contrasts. And actualizing the works of the greatest painters in history. Sometimes it's also been called Guss Rebirth This choice of unique style has brought Lorenz Guss to be considered a pioneer in the art world. Creating a new artistic style. Among his most famous Upgrade: Leonardo da Vinci, Caravaggio and Michelangelo. русский: Лоренз Гусс итальянский эклектический многосторонний художник. Лоренз обучался в Лондоне, Нью-Йорке и Милане. Его карьера фотографа началась в Милане, позже он изучал кинематограф в Лондоне и учился на художника в Париже. Лоренз извесен созданием нового направле��ия, известное как "Стиль Лоренз Гусс",ставшее класикой. В своих картинах Лоренз делает акцент на красках, свете и содержании, тем самым реализовывая работу великих художников истории. Иногда данное направление называют "Возрождение Гусс". Выбранный уникальный стиль Гусс делает его основателем данного направления. К самым известным реконструкциям относятся картины: Леонардо Да Винчи, Караваджо и Микиланджело. Italiano: Lorenz Guss è un poliedrico ed eclettico artista di italiano. Lorenz ha studiato a Londra, Parigi, New York e Milano. La sua carriera inzia come fotografo a Milano, per continuare con il Cinema a Londra e la pittura a Parigi. Lorenz è il primo artista ad applicare quello che è ormai chiamato: Lorenz Guss Upgrade o Lorenz Guss Restyle sulle maggiori opere classiche. L'artista fa rivivere un'opera classica modificando ed enfatizzando i colori, la luce, i contrasti. E attualizzando le opere dei maggiori pittori della storia. Qualche volta è stata anche chiamata Guss Rebirth. Questa scelta di stile unico ha portato Lorenz Guss ad essere considerato un precursore nel mondo artistico. Creando un nuovo stile artistico. Tra i suoi più famosi Upgrade: Leonardo da Vinci, le Opere di Caravaggio e di Michelangelo español Lorenz Guss es un artista italiano polifacético y ecléctico. Lorenz estudió en Londres, París, Nueva York y Milán. Su carrera como fotógrafo comienza en Milán, para continuar con el Cine de Londres y de la pintura en París. Lorenz es el primer artista de aplicar lo que ahora se llama: Lorenz Guss actualización o Lorenz Guss rediseño de las grandes obras clásicas. El artista revive una obra clásica y haciendo hincapié en el cambio de colores, la luz, los contrastes. Y la actualización de las obras de los grandes pintores de la historia. A veces también se le ha llamado Guss Renacimiento. Esta elección de estilo único ha traído Guss Lorenz para ser considerado un pionero en el mundo del arte. Al crear un estilo artístico. Entre su más famoso Upgrade: Leonardo da Vinci, las obras de Caravaggio y Miguel Ángel français Lorenz Guss est un artiste i

https://www.saatchiart.com/art/Photography-Model-135/448111/1801434/view

[mundo-misterio]

Almost Love (2020) reseña y resumen de la película

Almost Love (2020) reseña y resumen de la película

Incluso sin el estrés actual, ¿qué tiene de difícil la vida de Adam? Es pintor y se gana la vida pintando (sí, pinta para un pintor famoso y no recibe crédito por su trabajo, pero aún así: nada le impide hacer su propio trabajo, excepto que parece sentir que elegir hacerlo. Ser artista será fácil). Ha estado saliendo con Marklin (Augustus Prew) durante cinco años. Marklin tiene un blog de moda /…

[sergiobang]

Si estáis en Madrid esta semana, coincidiendo con los últimos días de celebración del Orgullo 🏳️‍🌈🏳️‍⚧️, no podéis dejar de visitar "Cuestión de ambiente. Diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20", una exposición comisariada por Joaquín García 🤍 @eljoaquingarcia en el espacio cultural @centrocentrocibeles , para la que Grant Libreria @grantlibreria ha ofrecido apoyo documental 📚. Estamos muy contentos de colaborar a difundir la vida y el trabajo de una serie de personalidades de la cultura que en los años 20 del siglo pasado fueron pioneras en vivir y mostrarse con libertad. Son Álvaro Retana y Antonio de Hoyos que escriben historias de personajes ambiguos y pansexuales. Su amiga Tórtola Valencia que revoluciona la danza contemporánea con vestuarios diseñados por el famoso José Zamora. Edmond de Bries triunfa en los mejores escenarios de la ciudad con sus espectáculos. Los poetas de la Residencia de Estudiantes publican sus primeras obras y viven sus primeras relaciones, siendo retratados por el pintor Gregorio Prieto, y la escenógrafa Victorina Durán realiza sus primeras exposiciones. A través de la vidas y las obras de estas y estos artistas, la exposición muestra "un Madrid creativo, de vanguardia, moderno y mucho más fuera del armario y próximo al actual de lo que nos podíamos imaginar”, como señala el comisario, Joaquín García. 👉 "Cuestión de ambiente. Diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20" permanecerá abierta en la planta 4 de @centrocentro hasta el 24 de octubre. ¡No te la pierdas! #cuestióndeambiente #grantlibreria #orgullo #lgtbiq #lgtbiq+ #años20 #madrid (en CentroCentro) https://www.instagram.com/p/CQ4Ni4AD6Sh/?utm_medium=tumblr

[grantlibreria]

Si venís a Madrid esta semana, coincidiendo con los últimos días de celebración del Orgullo 🏳️‍🌈🏳️‍⚧️, no podéis dejar de visitar "Cuestión de ambiente. Diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20", una exposición comisariada por Joaquín García 🤍 @eljoaquingarcia en el espacio cultural @centrocentrocibeles , para la que Grant Libreria @grantlibreria ha ofrecido apoyo documental 📚. Estamos muy contentos de colaborar a difundir la vida y el trabajo de una serie de personalidades de la cultura que en los años 20 del siglo pasado fueron pioneras en vivir y mostrarse con libertad. Son Álvaro Retana y Antonio de Hoyos que escriben historias de personajes ambiguos y pansexuales. Su amiga Tórtola Valencia que revoluciona la danza contemporánea con vestuarios diseñados por el famoso José Zamora. Edmond de Bries triunfa en los mejores escenarios de la ciudad con sus espectáculos. Los poetas de la Residencia de Estudiantes publican sus primeras obras y viven sus primeras relaciones, siendo retratados por el pintor Gregorio Prieto, y la escenógrafa Victorina Durán realiza sus primeras exposiciones. A través de la vidas y las obras de estas y estos artistas, la exposición muestra "un Madrid creativo, de vanguardia, moderno y mucho más fuera del armario y próximo al actual de lo que nos podíamos imaginar”, como señala el comisario, Joaquín García. 👉 "Cuestión de ambiente. Diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20" permanecerá abierta en la planta 4 de @centrocentro hasta el 24 de octubre. ¡No te la pierdas! #cuestióndeambiente #grantlibreria #orgullo #lgtbiq #lgtbiq+ #años20 #madrid (en CentroCentro) https://www.instagram.com/p/CQ38uEIjW-e/?utm_medium=tumblr

[radiounidadsai]

SAI BABA EN UN CUADRO SOBRE LA RESURRECCIÓN DE JESÚS DE 1894 ? ¿Podría existir una pintura de un reconocido pintor francés y cristiano, de la forma actual de Bhagaván Sri Sathya Sai Baba, realizada 32 años antes de que Sai Baba naciera? Ha sido recientemente "descubierto", que en una obra del famoso pintor cubista Maurice Denis (1870-1943) que se encuentra bajo protección y exhibición del museo francés Maurice Denis en Saint Germain, en Laye: "Mujeres Santas en la Tumba", que muestra al grupo de mujeres que se acercó a la Tumba de José de Arimatea desde donde Resucitó Nuestro Señor Jesucristo, aparece la imagen de Sai Baba. En ese sentido nosotros mismos hemos consultado con algunas personas que hemos tenido cerca y que no son devotas de Sai Baba (inclusive que no aceptan Su Divinidad) pero que conocen "Su Forma", y sin titubear en cuestión de segundos nos han dicho que "definitivamente se trata de El", sin ninguna duda. Tratamos, al máximo, de ser objetivos y siempre veraces. Aunque según la descripción que da el Museo mismo, y de lo que ha interpretado algunas personas de la Organización Sai, la imagen de Sai Baba debería de corresponder a la Imagen de Jesucristo (es decir, la sustituye), es nuestra interpretación personal de que NO NECESARIAMENTE es exacta esa forma de interpretar, pues perfectamente Sai Baba puede ser Sai Baba en dicho cuadro, anunciando que Jesús había resucitado.   La visión de la Forma de Bhagaván se evidencia con solo observar la figura. Multitud de fotos de Swami se delínean exactamente como lo muestra el cuadro de Maurice Denis quien tenía 24 años cuando hizo la obra. Por otra parte, resultaría demasiado extraño en la historia de este arte, que a Jesús lo pinten con una túnica naranja.Lo invariable es que a Jesús lo pinten con túnica blanca y mucho más, y esto hay que enfatizarlo, si se trata del momento después de Su Resurección, dado que era costumbre que las mortajas o lienzos en que sepultaban a los fallecidos fueran blancos. Si a Jesús, según lo más probable históricamente, lo sepultaron con túnica blanca, es difícil que un pintor cristiano como lo era Denis, lo pintara con túnica naranja, pues nada tiene que ver con el momento. Según el historiador Fred Wight, Jesús vestía de blanco y en caso de no hacerlo, lo más posible fuera que lo hiciera de azul. De rojo no podía ser pues era un color militar y no les estaba permitido.Menos aún podemos pensar en que vistiera de naranja y mucho menos, cuando fuera sepultado. Los historiadores que para nosotros son los más congruentes, hablan de la pertenencia esenia de Jesús, y estos se caracterizaban, más aún, por vestir de blanco. En la Historia del Arte lo han hecho de blanco pues este color ha representado la pureza y santidad. El manto ha sido pintado de otros colores, pero LA TUNICA, no. La figura redonda de su cabeza también muestran inequívocamente, al Avatar por su "afro". En todo caso, y con todo respeto, antes de que alguien nos diga de que cualquier opinión debe de ser "oficial" para ser creíble, nosotros en "SSB:Amor en Acción" sostenemos que la comunicación de cualquier forma (mensajes, milagros, etc) se da entre el Avatar y el corazón del devoto, sin pasar por el razonamiento de terceros. Cada cual siente y piensa según su corazón y su discernimiento le inspiren. ASí lo dijo Baba que es y así será. No conocemos que haya delegado la autoridad para decir qué de El es válido y qué no. Nosotros sí nos atrevemos a pensar que pintó a Sai Baba en un fenómeno inexplicable, pues lo hizo hace 119 años. Una vez más, cumplimos con mostrarles y desde todas partes del mundo, pues lo hemos hecho desde muchos y muchos países en donde han sucedido fenómenos extraordinarios que creemos que muestran su omnipotencia y magnificencia de Su Divinidad, para que cada uno considere lo que sienta que debe de considerar. Igualmente, en inglés, en el siguiente link vienen otros criterios más "oficiales" sobre este fenómeno:http://theprasanthireporter.org/2013/03/easter-findings/ Al pie verán la fotografía de la pintura y sus referencias del Museo. Las anteriores consideraciones son exclusivamente propias y no reflejan el de ningún grupo u organización.  

..................................................................................................................... Musée Maurice Denis Saintes Femmes au tombeau (Matinée de Pâques) Saintes Femmes au tombeau (Matinée de Pâques), Maurice Denis, 1894, Huile sur toile, don de Dominique et Yvonne Denis. © ADAGP, Paris 2010 Maurice Denis réunit dans ce tableau deux épisodes évangéliques liés à la résurrection du Christ, les « Saintes Femmes au tombeau » et le « Noli me tangere », au sein du paysage familier de la colline de Saint-Germain-en-Laye. Cette introduction du divin dans le cadre de la vie quotidienne et chrétienne du peintre est une des caractéristiques de l’œuvre de Denis. Elle contribue à la création d’images d’une pureté et d’une poésie toutes particulières. Au vêtement intemporel et au geste de salut des figures angéliques répond la délicate inclinaison des communiantes portant des robes contemporaines. Le trait de lumière qui nimbe la tête des personnages et l’éclairage irréel qui irradie le paysage accentuent la spiritualité de l’œuvre. Le miracle du printemps jaillit tandis que la présence du Christ dans le jardin familial rappelle le message divin dont rend compte l’artiste. Horaires Du mardi au vendredi de 10h à 17h30 Samedi, dimanche et jours fériés de 10h à 18h30 Nocturne le 1er jeudi de chaque mois jusqu’à 21h. Visite virtuelle du Musée UN ÉTABLISSEMENT CULTUREL DU CONSEIL GÉNÉRAL DES YVELINES