#pictórica

[i4nmura]

(★) memories with you; jakehoon

♡︎ capa teste / don’t repost

✎ 18.09.24 | cr. @nishimurallery

[luizdominguesfan]

A edição 37 do programa "Eu Recomendo, com Luiz Domingues" pela Webradio Orra Meu, já está disponível no YouTube, para quem perdeu as execuções radiofônicas!

[charrovirtual]

Habrá una exposición pictórica de charrería

Habrá una exposición pictórica de charrería

Como parte del marco de evento que habrá en la ciudad Por Rosa María Morales / PULSO Lunes, 02 enero 2023  MATEHUALA. –  Los pintores matehualenses Beatriz Delgado y Dagoberto Campos preparan su material para instalar la exposición pictórica denominada “La Charrería en Matehuala”. El Gobierno del Estado a través de la Secretaría de Cultura organizan esta exposición pictórica en el marco del…

[seddenostalgia]

Cómo le podes decir goache a la tempera naciste en latam hablá bien la concha de tu hermana

[cuartoretorno]

Francis Bacon 1961 South Kensington (UK)

(Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909-Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor británico de estilo figurativo idiosincrásico,  caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Fue autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos.

Considerable ambivalencia puede además ser detectada en comentarios suyos, tales como «quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de eventos pasados, como el caracol que deja su baba» o «acaso algún día logre capturar un instante en toda su violencia y toda su belleza»​

[elchaqueno]

Invitación a la Noche de Museos en la Casa Dorada de Tarija

Mike Figueroa, director de la Casa de la Cultura, ha invitado a la población de Tarija a participar en la Noche de Museos en la Casa Dorada el 18 de mayo. Este evento se realiza en conjunto con la Universidad Juan Misael Saracho y la Alcaldía. En esta ocasión, se presentará un trabajo de investigación sobre el aporte de Moisés Navajas y Esperanza Morales a Tarija. También habrá una exposición…

[magrico-info]

quem vier atrás que feche a porta

quem vier atrás que feche a porta, 2023 técnica mista s/tela [80x80]

«quem vier atrás que feche a porta. ditado popular português usado normalmente para expressar a ideia de que alguém, que não o próprio, deve lidar com a(s) me#d@($)! deixada(s) para trás. Atribuição de responsabilidade ou um alerta sobre as ações ou negligências de terceiros para resolver questões deixadas por aqueles que vieram antes.» in Magriço (2023) Elucidário de Palavras e Afins

[arte-e-homoerotismo]

Paul Cadmus (1904-1999) - Nu Masculino, por volta de 1969

Paul Cadmus é um pintor, pasteleiro e designer americano. dos quais este blog publica, desde 2016, todos os desenhos conhecidos.

Durante sua vida, alcançou fama com uma série de têmpera sobre tela retratando cenas de gênero urbano, parte do movimento social realista então dominante, misturando sátira, ironia e gosto pelo grotesco, e recebeu inúmeras encomendas. Na década de 1960, o seu trabalho revelou mais abertamente ao público uma forma de homoerotismo assertivo, entre outras coisas através de uma série de desenhos de nus masculinos, enquanto o seu estilo evoluía para o que se chamava de realismo mágico. Na segunda metade da vida, Cadmo desacelerou a produção pictórica e deu mais espaço ao desenho. É muito importante o trabalho desenhado de Paul Cadmus, constituído principalmente por nus masculinos, e por mulheres e homens do mundo da dança durante os seus exercícios. Sua técnica de desenho é acadêmica, lembrando muito a época barroca. Ele trabalha muito com papel colorido e mistura técnicas e ferramentas para alcançar um estilo pessoal. Seu uso de hachuras amplas e pequenas áreas sobrepostas para a modelagem de corpos é uma característica importante.

[efimera-lunar-intemporal]

Yo sólo quiero contemplar cuadros de arte a tu lado, para verlos a ellos, después verte a ti y decidir a cuál corriente pictórica pertenece tan hermoso lienzo en movimiento.

Efimera Lunar Intemporal

[joseandrestabarnia]

Borovikovsky Vladimir (1757-1825) Retrato de Murtaza Quli Khan 1796 Tamaño: 58,8 x 42,5 Material - lienzo Técnica - óleo Número de inventario - Inv.101 Adquirido por P.M. Tretiakov. 1881

El retrato del príncipe persa Murtaza Quli Khan (1796, Museo Estatal Ruso) fue encargado a Borovikovsky por la corte imperial rusa. La pintura será uno de los primeros experimentos del artista en la creación de un retrato ceremonial.

En el boceto preparatorio del gran retrato, Borovikovsky presenta al príncipe vestido con lujosos atuendos orientales, de pie contra el fondo de un paisaje montañoso. La línea del horizonte, como casi siempre en los retratos ceremoniales, es muy baja. Gracias a esto, la figura parece monumental, majestuosa, el espectador la mira como desde abajo. La impresionante pose de la figura parece bastante natural y justificada en relación con la personalidad del aristócrata oriental representado en el retrato. Su rostro inteligente y sutil es serio y pensativamente triste. Borovikovsky, artista de la era del sentimentalismo, no pudo evitar prestar atención al aspecto emocional de la vida interior de su héroe, un exiliado obligado a buscar refugio en una tierra extranjera. Sin embargo, esta sutil característica interna entra en cierta disonancia con el concepto de retrato ceremonial: una obra diseñada principalmente para enfatizar el significado social de la modelo, la altura de su estatus social.

Murtaza Quli Khan fue derrotado en la lucha por el trono con su hermano mayor, Shah Agha Mohammed, y fue privado de todas sus posesiones. Temiendo por su vida, se vio obligado a huir del país. Murtaza Quli Khan fue recibido favorablemente por la emperatriz rusa Catalina II, que perseguía principalmente objetivos políticos en relación con Persia. En una de sus cartas, escribió sobre la refinada cortesía de su huésped, argumentando que los turcos, en comparación con los persas, son "verdaderos patanes groseros".

En el retrato de Murtaza-Kuli Khan, Borovikovsky construye expresividad pictórica a partir de la yuxtaposición contrastante de grandes planos de color. Una túnica confeccionada en tela oscura, brocado dorado con toques rojizos, pelaje marrón oscuro, fajín, botas rojas y zapatos verdes enfatizan la palidez del rostro enmarcado por una barba negra azulada. Borovikovsky representa telas elegantes bordadas con patrones con habilidad segura, combinando pinceladas amplias y libres con una representación en miniatura y cuidadosa de pequeños detalles y decoraciones.

Otros dos bocetos de este retrato se encuentran en el Museo Ruso y en la Galería de Arte Regional de Tver. Esto indica la búsqueda del artista de una combinación de colores para el retrato ceremonial. Borovikovsky utiliza un método de trabajo similar al crear un retrato de Pablo I con las vestimentas del Gran Maestre de la Orden de Malta: un boceto (1799-1800) y un retrato ceremonial (1800, Museo Estatal Ruso).

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.

[notasfilosoficas]

“Plantearse los menos problemas posibles es la única manera de resolverlos”

Jean Cocteau

Fue un poeta, dramaturgo, pintor, escritor, crítico de arte y director de cine francés nacido en Maisons-Laffitte, una pequeña ciudad cerca de París, en julio de 1889.

Fue una de las figuras más vanguardistas del siglo XX.

Nacido en una familia burguesa, su padre se suicidó en 1898 cuando Jean tenia 10 años y fue el menor de tres hermanos, su madre fue muy sobre protectora con el pequeño Jean y vivieron en casa de su abuelo.

A los once años ingresó al Lyceé Condorcet del que fue expulsado y a los 17 años continuó su educación donde nunca logró un rendimiento regular debido a su falta de interés. 

A los 20 años Cocteau comenzó a escribir poemas y en 1908 el actor parisino Edouard de Max, lo presentó como un joven prodigio, en donde un año después gracias a su amistad con Sergei Diaghilev y a la revelación de su compañía de danza, ingresó en el circulo del ballet y el teatro. 

Fueron Diaghilev e Igor Stravinsky quienes le aconsejaron alejarse del éxito fácil de Paris, retirándoselos al campo para componer poesía y el dibujo.

En 1916 conoció a Picasso y frecuento a pintores y escritores de vanguardia. Fue en 1917 cuando los ballets rusos ofrecieron la primera representación de Parade, ballet realizado por Cocteau, Erik Satie y Picasso, el cual provocó gran escándalo. 

En diciembre de 1923 muere súbitamente su gran amor, el joven escritor Raymond Radiguet, declarando que no escribiría más y presa de una gran depresión  surge su afición al opio.

En 1930 realiza su primera película “La sangre de un poeta”  y dos años mas tarde mantiene una relación con la hija del gran duque ruso Pablo Romanov, con quien tras sufrir un aborto terminaría su relación y ya no se le conocerían relaciones sentimentales con mujeres.

Trabajó como guionista cinematográfico entre los cuales destacan La Bella y la Bestia, El águila de dos cabezas, Orfeo y El testamento de Orfeo, en donde paralelamente compone algunos de sus mas bellos poemas.

En 1955 es elegido como miembro de la Academia Francesa, y dos años después en miembro honorario del Instituto Nacional de Artes y de letras de Nueva York

Fue en sus últimos años de vida que se dedicó a la actividad pictórica realizando la decoración de diversas iglesias de la Costa Azul.

Jean Cocteau muere a la edad de 74 años en octubre de 1963 de un infarto agudo al miocardio, horas después de enterarse del fallecimiento de su amiga Edith Piaf.

Fuentes Wikipedia y biografiasyvidas.com

[lapetitemortarts]

Norman Alfred William Lindsay (1879-1969) Australia.

Isabelle Y Orleans 1938. Óleo sobre lienzo, firmado y fechado "Norman Lindsay / 38" abajo en el centro, 100 x 74 cm.

La pintura "Isabelle and Orleans" de Norman Lindsay es una representación evocadora y sensual que destaca por su enfoque en la figura humana y el uso dramático de la luz y el color. La obra muestra a una mujer desnuda, Isabelle, acompañada de un hombre vestido con ropajes elaborados, probablemente Orleans.

Análisis Visual:

Composición y Posicionamiento:

Isabelle está en primer plano, posando con una actitud confiada y desafiante. Su mirada directa y su postura relajada capturan la atención del espectador. Orleans, detrás de ella, está vestido con una túnica rica en detalles y colores, lo que contrasta con la desnudez de Isabelle. Su expresión y postura sugieren una actitud de protección o posesión.

2. Color y Técnica:

Lindsay utiliza una paleta rica y vibrante, especialmente en la vestimenta de Orleans. Los tonos cálidos de la piel de Isabelle se destacan contra el fondo más oscuro y el ropaje de Orleans. La técnica pictórica es detallada y meticulosa, con un enfoque particular en las texturas, como se puede observar en los pliegues de la tela y los adornos del vestido.

3. Iluminación y Ambiente:

La iluminación está dirigida principalmente a Isabelle, resaltando su figura y creando un contraste entre la luz y la sombra que añade profundidad y dramatismo a la escena. El fondo oscuro y texturizado contribuye a enfocar la atención en los personajes principales, creando una atmósfera íntima y teatral.

Interpretación y Contexto:

Norman Lindsay, conocido por sus representaciones de la mitología y la sensualidad, probablemente busca explorar temas de poder, erotismo y la dinámica entre los sexos en esta obra. La desnudez de Isabelle puede interpretarse como una celebración de la forma femenina y su belleza natural, mientras que la vestimenta opulenta de Orleans puede simbolizar el poder y el estatus.

Conclusión:

"Isabelle and Orleans" es una obra que encapsula el estilo audaz y distintivo de Norman Lindsay. A través de la composición, el uso del color y la representación detallada de los personajes, Lindsay crea una pintura que es tanto provocativa como visualmente atractiva. La obra invita al espectador a reflexionar sobre las relaciones humanas, el poder y la sensualidad, características que definen gran parte del trabajo de Lindsay.

Norman Willian Lindsay. Rita 1945. Óleo sobre lienzo, firmado "Norman Lindsay" abajo a la izquierda, 54,2 x 44 cm

Isabelle And Orleans 1938. Oil on canvas, signed and dated "Norman Lindsay / 38" lower center, 100 x 74 cm.

Norman Lindsay's painting "Isabelle and Orleans" is an evocative and sensual depiction notable for its focus on the human figure and dramatic use of light and color. The work depicts a nude woman, Isabelle, accompanied by a man dressed in elaborate robes, probably Orleans.

Visual Analysis:

Composition and Positioning:

Isabelle is in the foreground, posing with a confident and defiant attitude. Her direct gaze and relaxed pose capture the viewer's attention. Orleans, behind her, is dressed in a richly detailed and colorful robe, which contrasts with Isabelle's nudity. His expression and posture suggest an attitude of protection or possession.

Color and Technique:

Lindsay uses a rich and vibrant palette, especially in Orleans' clothing. The warm tones of Isabelle's skin stand out against the darker background and Orleans' clothing. The painterly technique is detailed and meticulous, with a particular focus on textures, as can be seen in the folds of the fabric and the embellishments of the dress.

Lighting and Environment:

The lighting is primarily directed at Isabelle, highlighting her figure and creating a contrast between light and shadow that adds depth and drama to the scene. The dark, textured background helps to focus attention on the main characters, creating an intimate and theatrical atmosphere.

Interpretation and Context:

Norman Lindsay, known for his depictions of mythology and sensuality, likely seeks to explore themes of power, eroticism and the dynamics between the sexes in this play. Isabelle's nudity can be interpreted as a celebration of the female form and her natural beauty, while Orleans' opulent clothing may symbolize power and status.

Conclusion:

"Isabelle and Orleans" is a work that encapsulates Norman Lindsay's bold and distinctive style. Through composition, use of color, and detailed depiction of characters, Lindsay creates a painting that is both provocative and visually appealing. The work invites the viewer to reflect on human relationships, power and sensuality, characteristics that define much of Lindsay's work.

[luizdominguesfan]

Amigos: a 27ª edição do programa: "Eu Recomendo, com Luiz Domingues” pela Webradio Orra Meu, apresenta grandes novidades. A partir de agora, além das execuções radiofônicas tradicionais, haverá também uma exibição pela TV (via Twich), e posterior acomodação permanente no YouTube.

Desta vez eu relacionei um grupo de artistas que apresentarão estilos tais como o Jazz-Rock, Rock'n' Roll, Folk Prog-Rock, Psicodelia, Soft-Rock, Pop-Rock e Art-Rock, através do trabalho dos seguintes artistas: Maurício Fernandes, Gozi, Rodrigo Hid, Messias Elétrico, Confraria Fusa, Nelson Ferreira, Pictórica e Aless Scaranto.

Terça-Feira, dia 12 de setembro de 2023, às 19 horas. Repetição nas terças posteriores (19, 26 e 29 de agosto, além de 3 de outubro de 2023), no mesmo horário. Pela TV no Twich: domingo, dia 17, às 20:40 horas pelo endereço: twitch.tv/orrameu). No YouTube, a partir do dia 18 (https://youtube.com/@radioorrameu9161)

Pauta e apresentação: Luiz Domingues. Edição e produção geral: Emmanuel Barreto

[letsjorgepartida]

La llamada Mona Lisa de Isleworth es una obra pictórica que tradicionalmente se ha considerado como una copia de La Gioconda, aunque también se ha sugerido que pudo ser una versión anterior a la del famoso cuadro del Museo del Louvre. Según esta hipótesis, que sigue siendo discutida, habría sido realizada por el propio Leonardo da Vinci.

[emvisual]

Una película de las más pictóricas. Pero tiene truco, la fotografía es de Nestor Almendros. Es de Terrence Malik, con Richard Gere. Se titula Dias del cielo (Days of heaven).

[jartita-me-teneis]

Angelina beloff la amante olvidada de diego rivera que era mejor artista que frida kahlo

Los muralistas mexicanos fueron uno de los primeros grupos que implementaron el acrílico como técnica pictórica. Ese material fue comercializado con fines artísticos a comienzos del siglo XX y a diferencia del óleo, permite crear obras con colores más vivos. Lo que aún causa desconcierto sobre este material, es la duración de los colores y resistencia del tiempo de los cuadros que son realizados con este.

Puede que los lienzos al óleo resistirán más que los trazos en murales; es algo que sólo en algunos cientos de años se sabrá. Lo que sí resistirá serán las palabras. Escribimos para recordar, como sentenció en la primera línea de sus memorias Angelina Beloff (1879-1969).

El amor es más tenaz que la memoria.

Eran los años 20 y antes de su triunfal regreso a la academia de pintura mexicana, Diego Rivera (1886-1957) se enamoró de una pintora rusa que había sido alumna de Henri Matisse, para quien también traducía tratados de pintura al francés.

En 1909, ella tenía 29 y él 23. Estaban en Brujas cuando fueron presentados por una de sus amigas en común. Diego Rivera no hablaba francés y Angelina Beloff entendía poco el español, aún así comenzaron a verse, y junto a algunos amigos, recorrieron parte de Europa estudiando y ensayando obras. Al regresar a París, comenzaron la relación formal.

Beloff escribió en sus memorias, refiriéndose a Rivera: «En aquel entonces era un pobre estudiante de 23 años que no sabía mucho del mundo de París, pero yo ya empezaba a amarlo en serio».

Comenzaron a trabajar y pintar juntos; actualmente se expone en el Museo de Arte Moderno de México, un retrato de la rusa hecho por Diego Rivera.

«Cuando nos reuníamos hablábamos de nuestro porvenir, del matrimonio. Diego argüía que sentía temor, en caso de que nos casáramos, de que por falta de trabajo tuviéramos que vernos obligados a vivir en un taller, y que si tuviéramos un hijo tendríamos que tener los pañales dentro».

Aunque el trabajo de Diego Rivera destacó más que el de ningún otro artista mexicano de la época, el de Beloff, igual que el de muchas de las compañeras de los grandes pintores, quedó en el olvido. La rusa sobrepuso la obra artística de Diego a la suya, por lo que su obra no es tan reconocida en México, ni Rusia, ni el resto del mundo.

En 1910, Diego Rivera regresó a México durante un año y al volver a París, se casaron y comenzaron a vivir juntos en diferentes países europeos. Juntos se unieron al cubismo de Picasso, quien los visitaba de vez en cuando en su pequeño departamento.

En 1914, Angelina comenzó una relación amistosa con el escritor y político Alfonso Reyes, que años más tarde sería la persona que posibilitaría su traslado para vivir en México, en 1932; aceptando el puesto de maestra de artes plásticas en escuelas oficiales de la que es parte hasta el año de 1945.

Su trabajo no sólo se basó en el óleo, Angelina realizaba acuarelas y serigrafia para componer bodegones, autorretratos y paisajes. Buscando a través de su obra la reflexión y observación paciente del mundo.

Diariamente, Angelina realizó cuadros para representar el México urbano, los edificios modernos y las olvidadas montañas de las zonas aún rurales. Creó personajes como “la muñeca pastillita” para los niños de este país e incursionó en el teatro guiñol.

Sin embargo, muchos inviernos antes de venir a México, en el crudo frío parisino de 1917, murió de una bronquitis, que después se volvió bronconeumonía, Miguel Ángel, el bebé de Angelina y Diego. Había nacido en el verano de agosto de 1916. Este hecho lo cambió todo ya que el futuro muralista se fue separando de su mujer, abandonó el cubismo y ella se fue sumergiendo en sí misma.

En agosto de 1921, Rivera rompe su vida en París, y decide regresar a México, donde realiza su primer mural al siguiente año.