#picasso primitif

[lupitovi]

Je veux faire le nu comme il est. Il faut qu'il se fasse de lui-même. Je ne veux pas, moi, faire le nu, je veux qu'on ne puisse pas faire autrement que de voir le nu comme il est.

Pablo Picasso - Propos recueilli par Hélène Parmelin

[rosehybridethe]

Musée du Quai Branly

[b-o-t-t]

[jbgravereaux]

Du Bolidenfa malien au bronze de femme de Pablo Picasso : https://www.franceculture.fr/emissions/les-regardeurs/du-bolidenfa-malien-au-bronze-de-femme-de-pablo-picasso

[mabelleflanerie]

The Birth of Fauvism

A Study of Matisse’s The Young Sailor II

As I walked through the Metropolitan’s exhibition gallery of Greek and Roman art, through the great hallway showcasing pieces from Africa, Oceania, and the Americas, and into the Modern and Contemporary Art galleries, I realized that within the span of three short minutes I had experienced the fastest chronological and geographical exploration of art history. Hidden towards the far back of the museum is a group of rooms showcasing a collection named “Reimagining Modernism”. It houses the paintings of everyone from Picasso to Grünewald. The smallest of the rooms, 904, is quite unlike the rest. It doesn't have a bright vibrant wall on which the paintings have been mounted. While the other rooms have walls painted in a rich burgundy or deep royal blue, 904 is a pale grey room. Upon further inspection of its contents, I began to understand the reason for the choice of wall colour: Filled with extremely vibrant artwork by Matisse, Vlaminck, Picasso, and Derain (to name a few), it would have been an eyesore to make the walls equally as colourful. It would have even taken away from the paintings themselves. The largest, most multi-coloured, and therefore loudest of all the pieces is Matisse’s 1906 painting The Young Sailor II. At first glance, I responded in shock and to be honest, slight fear. Why would Matisse choose a bright pink background for his model who is already dressed in a jarring blue and green get-up? Well, upon further research I have discovered that these colour choices are what made Matisse stand out from his fellow modern artists. 

The Young Sailor II is a fauvist portrait of a young fisherman named Germain Augustin Barthélémy Montargè from a small Catalan village called Collioure (Rewald, 89). Germain is seated on a wooden chair and his facial expressions are painted in a very cartoon-like manner (Fig. 1). Although much sharper than Matisse’s first version, there is still a lot of ambiguity that is heavily present. The only sense of differentiation between the body parts or pieces of clothing is through colour choice. The painting itself is a striking palette of green, blue, pink, and orange. The face of the model does have a few details however: The eyebrows are extremely exaggerated and I even sense a playful expression being presented. Sabine Rewald, curator of Modern Art at the Metropolitan Museum states that Germain’s “theatrical looks and his colourful costume, set against the pink, candy-coloured ground, combine to make this work one of Matisse’s most decorative portraits in the Fauve manner” (Rewald, 90). The model is dressed in some sort of a bright blue jacket, green pants with a checkered printed cuff, pink shoes, and a blue-green cap. Being that Matisse has not included any details of the garments, I find myself staring at the cuffs of the pants wondering if he intended them to be boots or checkered socks instead. This sort of confusion seems to be a common reaction to Matisse’s artwork: Julia Brucker, contributor at The Art Story, states that although Matisse’s artwork “was important in endorsing the value of decoration in modern art” the manner in which he paints with his colours is frequently disorienting to viewers (Brucker). This fauvist portrait does exactly that and I suppose it is what forced me to keep staring at it until I was completely hypnotised and enraptured by it. 

Matisse - Young Sailor II

“Fauve” was a word that kept appearing on the information plaques of 904’s paintings so I sought to discover the meaning behind this strange word. Synonymous to “grand félin féroce” or in English “wild cat”, “Fauvism” describes a movement in modern art where the artists  focused on personal expression through eccentric colour use (Wolf). The artists, or “Fauves” as they were known, included Henri Matisse himself, Albert Marquet, and Georges Henri Rouault. They were inspired by the artwork of Van Gogh, Gauguin, Seurat, and Cezanne and they concentrated on the use of vibrant colours: “Matisse emerged as the leader of the group, whose members shared the use of intense colour as a vehicle for describing light and space, and who redefined pure colour and form as means of communicating the artist's emotional state. In these regards, Fauvism proved to be an important precursor to Cubism and Expressionism as well as a touchstone for future modes of abstraction” (Wolf). Justin Wolf, from The Art History Contributors specifies three key ideas important to Fauvism: Firstly, the Fauves saw the significance of colour and the atmosphere it created. Colour was in fact autonomous to the painting itself. Secondly, the Fauves drew attention to the flatness of the canvas in order to create a sense of unification in the artwork. Lastly, the Fauves focused on depicting human expression and inner emotions. Being that Matisse excelled in these three modes of painting, he was considered to be the forerunner and pioneer of Fauvism: “Synthesizing all these ideas, Matisse turned away from using subtle hues of mixed paints and began working with bright colour, directly from the tube, as a means of conveying emotion. He had been working outdoors since the mid-1890s, and his travels to Corsica and the south of France in 1898 increased his interest in capturing the effect of strong natural light” (Wolf). Looking at the painting, I see exactly what Wolf is describing. There is very little shading or colour gradient in the piece. The jacket is a flat blue with a small number of purple stripes and the pants are a solid green just as the background is a solid pink. The brush strokes are visibly large but other than that there is no sense of texture being created. 

However insignificant of a fact this may seem to us, to Matisse, it was very intentional: “Rather than using modelling or shading to lend volume and structure to his pictures, Matisse used contrasting areas of pure, unmodulated colour. These ideas continued to be important to him throughout his career” (Brucker). The reason Matisse did this is because he felt it permitted him to better communicate the model’s emotion and the emotion that is depicted in the painting is one that is quite peculiar. The young man seems to be posing in a “look how fabulous I am” manner with a particularly wily look on his face. What I began to wonder while I was sat on the wooden bench in 904 staring in beguilement at this piece is how much say Matisse had in the posture or expression of the model. According to Brucker, it’s highly possible that Matisse was in fact using the model as a medium in which he could portray his own feelings by “reducing them to ciphers in his monumental designs” (Brucker). This theory seems to be proven by Matisse himself - “Matisse, by way of Cezanne and impressionism, attempted to realize his emotion in front of the object. (Matisse frankly stated in an interview of 1912: ‘I do not literally paint that table, but the emotion that it produces upon me’)” (Bock-Weiss, Matisse, 58). So now, this painting gives us much more than just a depiction of a sailor in Collioure. It gives us insight on Matisse’s life during the summer of 1906. Matisse painted The Young Sailor II while on one of his travels to the Catalan region near the Spanish border. This small village of Collioure was a frequent vacation spot of his and is in fact the birthplace of Fauvism (Brucker). Germain, the model, was one of many fisherman from this small seaside village.

Collioure, France (by journalistontherun.com)

But what exactly made Germain stand out from the eight hundred and ninety-nine other fishermen that lived in this village? According to Rewald, the Montargè family were unlike other Catalans: “Since Germain was six-feet tall and of athletic build – which is unusual for  Catalans – it is not surprising that he might have caught Matisse’s eye during one of the painter’s early morning strolls along the pier in Collioure’s harbour… Another characteristic that made Germain stand out in a crowd was his Slavic features. These are shared by the Montargè family … and are still referred to, by the people in Collioure, as ‘cet air primitif’ (‘that primitive look’)” (Rewald, 89). Prior to this painting, during the summer of 1905, Matisse produced many other works of art portraying Collioure: The Open Window, View of Collioure, and Landscape at Collioure are among Matisse’s most well-known fauvist paintings. He worked alongside Derain and together they developed and refined the fauvist style (Wolf). After four months in Collioure, Derain and Matisse set off for Paris to present their work at the Salon d'Automne. 

Matisse - Vue de Collioure

While Collioure proved to be the birthplace of the fauvist technique, the Salon d’Automne of 1905 is where the movement got its name: Louis Vauxcelles, an art critic who was inspecting the pieces at the exhibition used the phrase “Donatello parmi les fauves” in reaction to what he saw (Wolf). Translating to “Donatello among the wild beasts”, the word “Fauve” endured despite being disparaging. However slighting the reviews were, their portraits were bought by the likes of Leo and Gertrude Stein and Fauvism proved to be important to how colour was seen and used in the domain of modern art: “The Fauves liberated colour from any requirements other than those posed by the painting itself. "When I put a green," Matisse would say, "it is not grass. When I put a blue, it is not the sky." Art exerted its own reality. Colour was a tool of the painter's artistic intention and expression, uncircumscribed by imitation” (“Explore This Work - Henri Matisse, Open Window, Collioure”). What colour did was add meaning and context to the painting in a new and different way. Instead of asking why Matisse painted a sailor boy looking into the distance, we can now contemplate as to why the sailor boy’s ear is  orange while his right hand is pink and what Matisse is trying to communicate by doing this. Before Matisse and Derain, artists were compelled to paint a blue sky, a tan face, and a red flower. Now, the artist was free to paint a red sky, a blue face, and a tan flower. Fauvism, for the first time diminished the authority the object had over how it was painted and it consequently gave way to the more successful abstract movements such as Cubism and Expressionism. 

Along with painters such as his rivals Picasso and Mondrian, Matisse re-invented the way in which art was produced. By the use of simplification and color as the sole subject of painting, Matisse had a considerable influence on art and future abstract artists, proving him to be a major figure during the twentieth century. Be it Cubism, Pointillism, or Fauvism, the art of painting went through some drastic experimentation during the early 20th century and Matisse was surely an important part of it.

Bibliography: 

Bock-Weiss, Catherine, and Henri Matisse. Henri Matisse: Modernist Against the Grain. Pennsylvania State University Press, 2009. p.58 Brucker, Julia. “Henri Matisse Artist Overview and Analysis.” The Art Story - Modern Art Insight, The Art Story Contributors, www.theartstory.org/artist-matisse-henri.htm. “Explore This Work - Henri Matisse, Open Window, Collioure.” National Gallery of Art, www.nga.gov/Collection/highlights/highlight106384.html. Kleiner, Fred S. Gardner's Art through the Ages: The Western Perspective. Vol. 2, Cengage Learning, 2009. P.688 Matisse, Henri. “The Young Sailor II” .Jacques and Natasha Gelman Collection, 1998. Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York Matisse, Henri. “The Young Sailor I” . Private Collection, 1906. Rewald, Sabine. Twentieth-Century Modern Masters: the Jacques and Natasha Gelman Collection: , Metropolitan Museum of Art. Abrams, 1989. p.89-90 Schapiro, Meyer. Nature of Abstract Art . American Marxist Association, 1937. Wolf, Justin. “Fauvism Movement Overview and Analysis” The Art Story - Modern Art Insight, The Art Story Contributors, www.theartstory.org/movement-fauvism.htm.

[buz-muet]

Barbara Hepworth taillant une œuvre au Palais de Danse, 1961, The Hepworth photograph collection (© Photographie Mathews)

Le musée Rodin propose la première exposition monographique à Paris de Barbara Hepworth (1903-1975), figure majeure de la sculpture britannique du XXe siècle, méconnue en France. Dans l'entre-deux-guerres, elle a côtoyé Henry Moore, Picasso, Mondrian et de nombreux autres artistes. En quête d'une nouvelle esthétique, elle crée des formes abstraites, pures et poétiques qui jouent avec le plein et le vide, le convexe et le concave. L'artiste, pour qui la sculpture est "une projection tridimensionnelle de sentiments primitifs", travaille à la main le marbre et l'albâtre, la pierre et l'ardoise, les bois durs tropicaux, l'acajou et le sycomore. Elle trouve l'inspiration dans la nature des Cornouailles où elle vit (jusqu'au 22 mars 2020).

[sukamuda-blog]

KESENDIRIAN ITU UTRILLO

Picture Source : Lukisan Le Jour ni l'Heure 6134 : Maurice Utrillo, 1883-1955

Oleh : M Gumilang - 3 September 2019

Tak seperti biasanya, tangan ini begitu gemetar saat membuka sebuah buku berjudul “Utrillo”, di dalamnya berisi koleksi lukisan Maurice Utrillo. Seketika sebuah kesan aneh muncul menyerang pikiran, lukisan Utrillo adalah lukisan tersepi yang mungkin pernah ada. Berawal dari kesan aneh tersebut yang kemudian memicu pencarian lebih lanjut tentang Utrillo dan karya-karyanya, hingga akhirnya mengetahui bahwa Utrillo merupakan sosok yang kerap kali digambarkan sebagai pelukis “pemalu”, pemabuk dan setengah gila yang lahir di Mountmartre, sebuah pusat kehidupan dan perayaan seni di Paris, Prancis.

Picture Source : Lukisan: Maurice Utrillo, Place des Abesses

Maurice Utrillo lahir serta tumbuh besar menjadi seorang seniman lukis, pemabuk setengah gila, hingga ia meninggal lalu dikuburkan di Montmartre. Dalam sejarah seni modern, sosoknya kemudian dikenal dengan sebutan “The Last Painter of Montmartre”, istilah ini hadir karena sekitar tahun 1912 terjadi “emigrasi” yang dipelopori Picasso dengan memindahkan pusat kesenian Paris dari Montmartre ke Latin Quarter dan ketika kawanan artis ini pindah, Utrillo tetap tinggal dan melanjutkan hidupnya untuk melukis di Montmartre hingga akhir hayatnya.

Namun rasanya istilah “The Last Painter of Montmartre” kurang tepat, karena Utrillo bukan hanya pelukis terakhir di sana, tapi ia menjadi salah satu dari jajaran nama mentereng di Montmartre yang memang lahir di sana. Dengan kemampuan seninya, tidak menutup kemungkinan Utrillo bisa saja berkeliling Eropa, namun nampaknya si penyendiri ini tidak tertarik dengan hal tersebut, ia memilih untuk menetap dan melukis di Montmartre dari sudut yang hanya bisa dilakukan oleh “penduduk asli” di sana.

Picture Source : Suzanne Valadon, Portrait of Maurice Utrillo

“Ah, Montmartre, with its provincial corners and its Bohemian ways, how many stories could be written on this section of Paris…I would be so at ease near you, sitting in my room, composing a motif of white-whased houses” (dari memoar yang ditulis Utrillo di sebuah rumah sakit jiwa pada tahun 1916)

Bakat lukis Utrillo muncul setengah terpaksa dari kondisi yang sebenarnya kurang menyenangkan. Utrillo, merupakan anak tunggal dari Suzanne Valadon, seorang pelukis wanita yang memiliki reputasi tinggi, mengingat ia adalah wanita pertama yang diakui dalam Société Nationale des Beaux-Arts (komunitas nasional seniman fine art Perancis, red). Utrillo lahir pada 26 Desember 1883 dengan  nama lahir Maurice Valadon, ia tidak pernah benar-benar mengenal siapa ayah kandungnya, nama Utrillo adalah pemberian dari Miguel Utrillo, seorang kawan Valadon sebagai bentuk pemberkatan legal bagi Maurice. Pada zaman itu di Montmartre, seorang remaja yang menginjak usia belasan tahun akan sangat wajar terlihat di perayaan-perayaan seni, menikmati kabaret atau memadati kafe-kafe, namun berbeda dengan Utrillo, ia lebih memilih asyik berada di tempat lain seperti rumah sakit jiwa, karena alkoholisme akut dan depresi yang dialaminya. Terapisnya kemudian menyarakan kepada sang Ibu agar Utrillo mulai melukis sebagai upaya untuk mengalihkan ketegangan dan kegelisahan yang pada satu titik membuatnya hampir bunuh diri pada saat itu. Sejak saat itulah Utrillo kerap ditemukan tenggelam dalam lukisannya di susut-sudut sepi jalanan Montmartre.

Picture Source : Maurice Utrillo, La Ferme Debray

Idiosinkratik inilah yang memunculkan kesan aneh pada lukisan-lukisan Maurice Utrillo. Kesan pertama pada lukisan landscape Utrillo tidaklah selalu memukau seperti lukisan milik Van Gogh atau mencengangkan seperti karya Munch ataupun menghipnotis layaknya Renoir. Lukisan-lukisan Utrillo cenderung monoton, repetitif dan kaku. Namun justru inilah letak kekuatannya, bahwa melalui pemilihan warna putih yang kelam, sudut pandang yang biasa saja, serta garis kaku yang terkadang terlalu mencolok, membuat lukisan Utrillo memunculkan kesan sepi yang menusuk menggambarkan tembok-tembok pucat, pepohonan yang sekarat dan sudut-sudut mati di Montmartre.

Tidak perlu waktu lama baginya untuk mendapatkan tempat di lingkaran elit pelukis Paris, selain karena pengaruh ibunya, lukisannya pun berbicara banyak. Oleh para kritikus ia dimasukkan pada jajaran “pemberontak seni”, sebuah posisi yang unik karena Utrillo sendiri hampir tidak pernah mengeluarkan pernyataan apapun tentang lukisannya, apalagi tentang konsep-konsepnya. Kesederhanaan dalam lukisannya bukanlah sebuah bentuk “pemberontakan” seperti pemberontakan yang diusung oleh para fauvist atau avant-garde, tapi lebih mengacu pada kekuatan instingtif dalam melihat dunia apa adanya. Kesederhanaan ini jarang ditemukan dalam setiap aliran lukisan yang lahir di akhir pada abad ke-19, karena pada era tersebut, lukisan adalah teknik, gaya, warna, perasaan dan konsep, sedangkan keindahan objek yang dilukis sendiri adalah hal kesekian. Tapi bagi Utrillo, melukis hanya untuk berlindung dari kegilaan dan alkoholism, sudut sunyi Montmartre adalah sanctuari bukan perspektif.

Kesederhanaan dalam lukisan Utrillo memberi inspirasi pada sejumlah pelukis untuk memunculkan “realitas baru” bahwa realita baru tidak hanya bisa dimunculkan melalui abstaksi, tapi juga melalui simplisitas. Kesederhanaan Utrillo tidak muncul sembarangan, dari sekian pelukis yang mengikuti gayanya, tidak ada satupun yang mampu menyentuh inti simplisitas Utrillo, sehingga namanya tetap berdiri sendiri diluar aliran manapun dengan gaya kakunya, lukisan Utrillo tidak termasuk realism, impressionism, post-impressionism, ekspresionism dan bukan pula kubism. Dalam seni lukis modern, reputasi ini hanya disandang oleh dua orang, yaitu Utrillo dan Henri Rousseau, jika Rousseau dikenal karena memperkenalkan sudut pandang primitif sebagai sebuah realita yang juga baru, Utrillo dikenal melalui simplisitas hingga ketulang-tulangnya.

Yang patut digaris bawahi adalah, kesederhanaan bukanlah satu-satunya kekuatan Utrillo, karena dibalik dinding dan jalanan sunyi, kita akan menemukan sebuah kesendirian dengan intensitas yang menakutkan. Sisi ini muncul dalam tiga presentasi yakni warna, manusia dan kota.

Picture Source : Maurice Utrillo, Sacre-Coeur de Montmartre

Para kritikus menyatakan puncak kreasi Utrillo berlangsung dari tahun 1909 hingga 1914, masa ini dikenal dengan sebutan “White Period” mengacu pada penekanan warna putih dalam lukisan-lukisannya. Namun putih yang Utrillo gunakan bukanlah putih terang dan mencerahkan, tapi “putih bisu” yang hadir tanpa berkata apa-apa. Dalam narasi warna putih ini, Utrillo tidak ada tandingannya.

Kesendirian juga hadir pada sosok-sosok manusia dalam lukisan Utrillo, mereka selalu digambarkan jauh atau bergerak menjauh. Gambaran ini semakin memperkuat pembacaan idiosinkratik sang pelukis yang memang anti-sosial dan tidak pernah berniat mengenal manusia secara emosional. Sisi ini pun muncul dalam kehidupan aslinya, Utrillo digambarkan hampir tidak pernah terlibat dalam hubungan serius hingga memasuki usia lima puluh dan menikah dengan Lucie Valore, bahkan tidak juga ditemukan studi tentang tubuh dan emosi manusia seperti yang biasa dilakukan pelukis lain.

Dalam lukisannya, Utrillo mereduksi manusia sebagai bagian dari landscape tidak lebih. Presentasi lain yang memperkuat kesan kesendirian dalam lukisan Utrillo hadir dari pemilihan sudut kota. Montmartre merupakan sebuah kawasan perbukitan yang indah dan senantiasa selalu dipenuhi oleh para turis, tapi Utrillo seringkali memilih sudut-sudut sepi dimana langkah kaki turis terhenti. Pilihan sudut inilah yang menjadikan Utrillo didaulat sebagai “Sang Pelukis Montmartre”, karena hanya melalui mata Utrillo, Montmartre muncul dalam wajah aslinya, sederhana dan tidak dilebih-lebihkan.

Tapi ada satu tujuan lain dibalik pilihan unik Utrillo yang kerap kali mengunjungi daerah sepi dan menawarkan diri untuk melukis bistro yang langka pengunjung, yaitu untuk menikmati seni kesendirian dan segelas anggur sebagai bayaran.

Picture Source : Maurice Utrillo, Bistros in a Suburb

Sumber :

1. Werner, Alfred, 1953, Utrillo (the Pocket Library of Great Art), Harry N. Abrams Inc., New York

2. Slocombe, George, 1951, Rebels in Art, Arts and Decoration Book Society, New York

[lounesdarbois]

Une conférence religieuse

Les concepts du répertoire ecclésial se succédaient depuis une demi-heure, prélature, incardiné, économie du salut, romanité... ponctués de gestes circulaires de la main. Tout n’était sur ce gros homme, que dandinement, rondeur, jabot. Parfois la main s’immobilisant pendait quelques instants au poignet dans la posture qu’affectent les mimes pour figurer l'efféminé. Cette succession d’épithètes, d’hyperboles et d’adverbes ébahissait peut-être l’assistance mais glissait sur Vincent sans lui en remontrer, cependant au détour d’une remarque sur la notion de contrition il marmonna « Putain, mais La cage aux folles, quoi... ». Il voulut se boucher les oreilles, les inflexions de fausset que prenait le monsieur lui étaient insupportables. « Non mais, un jars! ». C’était jusqu’ici la seule chose que Vincent retenait, prenant conscience grâce à l’horloge que voici trente-sept minutes qu'il écoutait cacarder cette pédale. Vint l’image des racailles. En examinant ce petit monsieur gras, féminin, paré de fanfreluches, révéré par toute une cour et présenté partout comme l’unique prélat fidèle au Molinisme originel, Vincent voyait un excès de Civilisation. Aussitôt lui vint l'image des barbares symétriques. Qu’est-ce que Monsieur le Surintendant allait faire concrètement contre les racailles ? Les racailles continueraient à saloper toujours plus loin chaque mètre carré de la laborieuse, vertueuse, vénérable civilisation dont se réclamait Monsieur le Surintendant, quel que soit le nombre de conférences, tractages, manifestations qu’organiserait la Société des Bons Messieurs. Oui, lorsqu’apparaissait le prélat, et que les redeudeus rangés en double haie d’honneur ployaient le genou gauche, lorsque tous ces rubans venaient l’un après l’autre recevoir de l’air recueilli puis éberlué du courtisan, un précieux mot, un chuchotement, lorsque s’ébranlait ce fatras de protocole sorti d’une caricature anticléricale, l’image des bandes de racaille qui marchent à 8 en ligne sur les Champs-Elysées le samedi après-midi se dessinait en ombre chinoises dans l’esprit de Vincent Dubois. Mais oui ! Les racailles, résurgences des bédouins du désert pilleurs de caravane constituaient l’antimatière la plus exacte de ce monde de bourgeois intellectuels privés de force vitale. C’était parce que ces derniers avaient depuis le 17ème siècle corrompus les classes viriles des Blancs travailleurs manuels, notamment par l’hypertrophie du culte marial sous le pontificat de Léon XIII, par l’exercice d’une autorité tenant davantage de la mère abusive que du bonhomme, par la torture mentale de la culpabilisation, par les mille petites phrases toujours négatives achevées de « ce serait dommage de l’oublier », que le moment venu  les racailles avaient pu débarquer à Marseille et à Chartres, dans les galettes des rois et les fêtes de village, dans tous les interstices gentils de cette société pacifique, et, comme l'analysait Xavier, tout sodomiser.

Les conférences de Monsieur le Surintendant (Le Beau, reflet de la Vérité, 2011, Splendeurs de l’Eglise, 2013, Talent et Devoir d’Etat : être bien ce que nous sommes, 2014) remportaient toujours l’adhésion générale. Les premières minutes consistaient généralement en l’énumération de toutes sortes de désastres contemporains bien connus (crise des vocations sacerdotales, doctrines fausses) qui avaient le mérite de rappeler aux auditeurs tatillons que l’heure était grave, que le navire coulait et que seule l’unité sans faille autour des derniers détenteurs d’autorité (comme Monsieur le Surintendant) permettrait de sauver quelques meubles. Puis, et c’était là que certaines têtes parmi les moins chenues de l’assistance ébauchaient les prodromes d’un branlement négateur, le propos déviait non sur la condition de ces patriciens et de cette plèbe de petits blancs condamnés dans leur pays, mal regardés, volés, chassés partout, mais sur la situation du clergé. Celle-ci était, on le savait depuis cent au moins, catastrophique etc. Ca-ta-stro-phique glapissait Monsieur le Surintendant cessant un instant de lire sa fiche pour regarder les vieux des premiers rangs, tous acquis à la démonstration. Séminaires vides, infiltrations maçonniques, collégialité, il y avait toutes les raisons de croire que nous étions « à la veille d’un châtiment divin terrible, auprès duquel le Déluge ferait figure de bagatelle ». Selon Monsieur le Surintendant la désertion chronique des églises par les fidèles avait pour cause les abus de la liturgie moderne, etc.

Vincent bailla, sortit son téléphone, consulta ses courriels en attente de réponse archivés dans la section "grande forme". Il y classait les courriels douloureux qui nécessitaient une très grande santé mentale pour  y répondre à-propos. Bien qu'il fût de fort méchante humeur il relut comme poussé par la haine de soi le message de ......... vieux de 7 mois, auquel il n'avait toujours pas trouvé la force de répondre.

Le 8/8

Cher Vincent,

Aussi loin que porte le regard le paysage ressemble à une Italie qui serait vierge ; des collines vêtues de maquis et d’oliviers et c’est tout. Je t’écris depuis la place passager d’une voiture de location sur l’autoroute Split-Zadar car je fais conduire Clara, comme d’habitude. Depuis Santa Maria di Leuca nous avons effectué une magnifique traversée de ce qui fut autrefois le golfe de Venise sur le voilier que Monsieur Jacques nous prête, puis avons remonté l’Albanie jusqu’ici. La mer Adriatique recèle de ravissants joyaux orthodoxes sur son rivage monténégrin. Nous avons laissé loin derrière l’Albanie, désert où ne poussent que des sacs plastiques pris dans les ronces et battus au vent, et avons accueilli avec joie l’apparition de l’ile Saint-Stéphane à l’aube du 5, cet ancien bastion de la république de Venise aujourd’hui île privée. Grande joie de regarder depuis les murailles de ce paradis les boloss jeunes touristes à casquette hipster et lunettes essence, et de leur adresser quelques doigts d’honneur règlementaires. Clara ne manifeste aucune pitié pour ces promeneurs ignares en religion qui pour leurs vacances se ruinent par pur snobisme Instagram, se chargent de gros sacs, somnolent dans des dortoirs puants tout cela pour photographier la synthèse de tout ce qu’ils méprisent : des églises et des monastères. Touristes hipsters : "Bah on cherchait surtout l'authenticité. Pas trop l'argent". Clara compare l’ignorance de ces foules qui rigolent des saints et ignorent la vraie religion à son enfance chez les sœurs dominicaines de Fanjeaux, « Nous c'était le contraire on étudiait émerveillées les pères de l’Eglise mais on ne voyageait jamais faute d’argent. Alors pourquoi ces ploucs à casquette Obey viennent-ils admirer des chapelles ? ». « Mais c’est parce que c’est beau » se défendraient-ils, eux qui juraient deux secondes auparavant que la beauté est subjective, que Caravage vaut Picasso ou même un masque baoulé (mais jamais chez eux ils ne paient les 7 euros de l’entrée du musée des arts primitifs quai Branly). Nous avons ensuite admiré Kotor, Herceg-Novi, Dubrovnik… Petits reliquaires ramassés derrière des murailles épaisses de quatre mètres et hautes de quinze, prix de la survie pendant cinq siècles face aux ottomans massacreurs, inventeurs de la pédomazona. Le génie bâtisseur européen guetté par l'arriération saccageuse oriental, n’en sommes-nous pas exactement là ? C’est à croire que rien n’a changé depuis les Thermopyles. Connais-tu la thèse de Philippe Fabry sur Lépante répétition exacte de Salamine? Cette visite de Dubrovnik apprend davantage sur l’époque actuelle que dix ans à lire les journaux. Les murailles de Dubrovnik m’ont révélé la fonction véritable des frontières. Je tance Clara sur sa vitesse car elle dépasse actuellement les 160, warnings allumés sur la bande de gauche, et qu’elle ouvre la vitre pour lâcher un doigt d’honneur aux radars de vitesse (je crois que son pied droit écrase l’accélérateur aussi fort que Notre-Dame écrasera la tête du serpent dans les temps eschatologiques). Bientôt Zadar d'où nous repasserons l'Adriatique pour quelques jours à Venise. Les doges prenaient jadis le titre d’époux de l’Adriatique, n’est-ce pas tout à fait lyrique ? Nous descendrons d'ailleurs dans le palais de l’un d’eux, Andrea Gritti, où les selfies sont interdits ce qui tu l'imagines, a précipité le choix de Clara. On ne bouge plus d’Italie jusqu’au 20 avant de passer en France. Viendras-tu au Réyol cette année ? Nous y serons du 20 au 27 avant de remonter doucement vers la Loire. J’ai lu ton mémoire sur Scorcese, excellent. J’entame Mort à Crédit, et Clara termine Rester Vivant, si si.

FvdR

En somme, poursuivait Monsieur le Surintendant, nous allons conquérir les places par le haut. Il existe encore aujourd’hui une élite catholique, qui fait des enfants, et qui nous est fidèle. Ils remplissent nos églises et nos séminaires et c’est la seule chose qui compte pour l’avenir. La hiérarchie vaticane, bien qu’hostile à notre congrégation sera forcée le jour venu de nommer nos prêtres aux places de choix et qui sait, de faire l’un d’entre nous évêque, alors nous investirons et réunirons ces parcelles disparates comme autant de micro-chrétientés, d’un coup réunies en une grande. Les charges qui nous seront échues deviendront nos places fortes d’où nous proclamerons, inexpugnables, bien haut l’Evangile. Les gens reviendront à l’Eglise poussés par un monde encore plus vicieux et irrespirable qu’aujourd’hui. Alors leur vie prendra un sens, un but, irradiée en filigrane par la joie, par la vie de l’esprit dont nous aurons rendu les conditions d’épanouissement possible par l’établissement d’une atmosphère chrétienne, catholique, comme celle dans laquelle ont vécu nos pères durant mille cinq cent ans. Sommes-nous plus intelligents que nos pères parce que nous avons la voiture, le vote à bulletin secret et le telefonino ? Sommes-nous plus heureux que nos pères à votre avis ? A ce moment précis de la démonstration, les paroles du prélat trouvait pour la première fois en Vincent une oreille attentive. Certes, ceci était bien amené, et l’on voyait où Monsieur le Surintendant voulait en venir. Mais s’il avait tant raison pourquoi son public était-il surreprésenté en vieillards et femmes obèses? Cela, le renouveau? Depuis l'ouverture de cette paroisse il y a dix ans, non seulement aucun nouveau converti n'était apparu, mais aucun couple ne s'y était formé, et ceci pour une raison simple : aucune fille célibataire en âge de procréer ne fréquentait les lieux. Les jeunes adultes fuyaient l'Eglise dès qu'ils n'étaient plus surveillés par leurs parents ou tournait vieux garçon et vieille fille selon qu'ils aient une vocation ou une aversion  innée pour le cul, et on voyait effectivement chaque dimanche venir s'asseoir un peu plus de bide, un peu plus de menton. Cette désertion de la Santé procédait d'un simple principe: le marché attirait à lui la santé, ponctionnait dans les familles chrétiennes les plus prometteurs éléments, happait les belles baigneuses, rejetant sur le sable à marée basse  les obèses, les tarés. La jeune fille jolie trouverait toujours cent fois plus d'intérêt, cent fois plus de joie immédiate, à aller dans le monde plutôt qu'à épouser un jeune catho même très à son goût, et lui faire dix enfants. "Ce sont les carences en dialectique et apologétiques qui causent l'abandon de la vie chrétienne" maugréait en lui-même Vincent, baissé sur sa chaise, observant par en-dessous Monsieur le Surintendant sur son estrade. « Quelles armes dialectiques tous ces emmerdeurs donnent-ils à un type de 20 ans qui se ferait coincer sur l'avortement dans un débat improvisé devant témoins? On vient à l’Eglise par Charles Péguy et Chesterton, tout embaumé, et lorsque l’on s’en ouvre à un inconnu la première chose qu’il vous dit c’est « Mais et la capote ? Et l’avortement ? Et les pédophiles ? » Quel autre possibilité que de se rendre ridicule avec tous les principes qu'il défend, le nouveau chrétien? Et ces cuistres de répondre que c'est justement là le choix entre vie chrétienne et vie du monde! Mais non! Mais non sales flemmards que vous êtes! C'est pas ces deux choix là! Il y a une troisième voie et vous le savez bien! C'est de gagner dialectiquement le débat, calmement, logiquement! Or la dialectique de débat n'est pas faite de thomisme, de catéchisme et de droit canon, lourds éléphants d’Hannibal, bref n'est pas faite de ce que l'on dit, mais de comment on le dit. Il faut pouvoir improviser, menacer, exhorter, insinuer, avec un esprit d’à-propos, avec des équivoques, avec des synthèses ramassées, avec des questions oratoires, avec des  palettes de 30 figures rhétoriques maîtrisées jusqu'à pouvoir frapper d'instinct selon le contexte, avec la phrase qui retourne toute la bataille. Car ces débats, clashs, controverses, sont les jeux du cirque de notre monde civilisé. Seuls les conférenciers capables de parler sans note intéressent les foules, et influencent éventuellement leur opinion. Dans un débat contradictoire, le Verbe c'est la dialectique. Dangerosité en politique d'avoir trop intégré des préceptes tels que ne rien demander, ne rien refuser et l'honneur de souffrir pour Notre-Seigneur-Jésus-Christ ».

Pour gagner dialectiquement les débats contre le monde il faudrait que les jeunes soient formés, initiés aux figures de rhétorique et entraînés à leur application en terrain difficile : un débat improvisé dans la rue, un entretien avec un journaliste hostile, etc. NSJC, modèle par excellence du maître dialecticien à imiter. Il faudrait aider à comprendre quelles figures privilégier selon que l’on dialogue avec tel contradicteur devant tel public ou tel autre, pratiquer l’art d’avoir toujours raison mais à l’école de Saint Dominique, se repasser certains grands débats cruels des années 90-2000 sur les plateaux de Virieu, Ardisson, Ruquier, Fogiel, pour comprendre ce qu’il aurait fallu dire, comment et quand, et bien prendre conscience de cette vulgarité admise par les foules, qui exige de vaincre ou de périr. La plupart des cultures basées sur le mensonge se réclament, on le sait, toujours du dialogue car elles savent pouvoir y triompher, le mensonge et la dissimulation étant chez elles non des péchés mais le mode habituel de rapport à l’autre, à l’étranger haï, à détruire, à soumettre. Ces enjeux de rue intéressent très peu ce clergé pour qui toute la question est de connaître le nombre de séminariste dans tel diocèse et qui en est l’évêque, ou si untel se conforme ou non à telle hiératique, ou encore d’expliciter les mérites comparés de deux congrégations jadis florissantes et aujourd’hui éteintes. Les foules de rombières et de vieux efféminés qui se passionnaient pour ces sujets seraient bafoués en deux minutes de débat face à un Dynovicz, Touitou, Ramadan, ou quelque autre sophiste habile au tour de passe-passe lévinassien (« Nous ne défendons pas le voile, qui est un tissu, mais la pudeur, qui est une vertu. Le voile n’est que l’excipient de cette vertu ») et dont la syntaxe rustique, loin de les desservir, formait le raccourci, le joker pour foncer plus vite au résultat sans la manière, laissant les héritiers de Bossuet s’empêtrer dans les ornements du beau style (liaisons, doubles négations), faites pour l’apparat des conférences avec fiches, faites pour cette foutue conférence. Ainsi à Crécy des soudards mal dégrossis massacrèrent avec des flèches et des poignards plusieurs milliers de chevaliers carapaçonnés de la plus haute extraction.

Le regard de Vincent erra un moment sur les portraits des vénérables prédécesseurs aux murs de la salle. De vieux messieurs impeccables aux regards aguerris, cardinal untel, père untel… Si de pareils soldats de la Foi n’avaient pu endiguer le flot à l’époque timide de l’arriération orientale qui montait en Occident par le moyen « civilisé » de l’Etat Profond pendant les années Nixon, que pourraient faire aujourd’hui les obèses châtrés de la Société des Bons Messieurs face aux torrents de merde rajoutés chaque jour par « étapes graduelles » aux égouts du monde qui montaient désormais jusqu’à eux?

Vincent baissant les yeux sur son téléphone appuya rageusement sur « répondre » et s'employa à rédiger.

Cher Franz,

Désolé d’avoir tardé à te répondre. Mon ferry a pris du retard cet été. Hélas je n'ai pas eu le loisir de pouvoir vous suivre au Réyol, des questions bassement monétaires m'empêchant la location de voiture et l'hôtel. Ce sont probablement les prodromes du déclassement. Je ne voulais pas que vous me traînassiez comme un boulet. Misère! Je n'ai même pas accès à l’argent pour pouvoir le mépriser, ni à la bourgeoisie pour pouvoir la renier.

Ferry Italie-Albanie. 

Chapitre 1. Le Ramona (coke en stock) 

On arrive dans le bateau, départ 21h avec deux heures retard. Salles communes déjà remplies d'albanais assis par terre, bar, salon, ambiance chiourme entassée. Partout, des pieds d'hommes, des bides, des mâchoires où dents manquent qui mastiquent puis qui baillent, des regards qui n'attendent plus rien. Seaux rouges au milieu des couchages pour écoper des fuites du plafond. Un camp de réfugiés. Le "restaurant" : la salade caprese c'est laitue plate avec monotranche feta et monotranche tomate le tout dans assiette dessert. J'opte pour un bourguinss haricots verts. Dehors, le coucher de soleil, la chiourme s'étale partout pour dormir, bouche ouverte, nombreuses paillasses jetées sur le pont extérieur, femme jambes ouvertes avec gros chien, des types genre bédouins des mers gueulent aux dominos avec bières etc. On voit que seule une cheminée fume sur les deux existantes. On dort sur banquettes du restaurant. Arrivée prévue demain 15h.

Chapitre 2. Le boat-people à la dérive.

Réveil 7h du matin. Une seule cheminée fumait, effectivement, verdict : 1 seul moteur marche sur les deux. Annonce indique 24h de retard à cause allure trop lente, ambiance d'émeute, va falloir redormir en mer ce soir, le camp de réfugié flottant devient radeau des cinglés, les capitaines se hurlent dessus dans le poste du haut on les entend depuis le pont, genre "mais c'est toi qui devait faire le plein de mazout" etc. 

On redescend : tribus d'hommes trapus obèses crânes courts peau craquelée, femmes allongées en vrac dans les couloirs, encore 19h de traversée, 30 degrés on va manquer d'eau. Odeurs corporelles, bouffe, toilettes, vomi, enfants qui crient, les gens avec des paquets de cigarette, des glaces, des chips qui bouffent hagards. Files d'attente d'hommes debout frôlent des femmes allongées (quasi contact pied-bouche) sous couvertures Bambi. Visages gras, promiscuité, haleines, colère... Partout des ventres, des poils, des tatanes quechua. A l'horizon : mer plate. Physiques louches de soudards à cous épais qui engueulent l'équipage grec. Femmes tatouées en short paillette, cheveux violets  cinq doigts six bagues etc. Annonce du bateau : bouffe gratuite en dédommagement. Ruée immédiate massive au restaurant, gens frappent aux vitres, tambourinent aux portes, insinuent doigts par interstices en appelant les serveurs façon "nuit des morts-vivants" ; soudain les portes cèdent, les tribus raflent les tables de 4 comme aux soldes, embrouilles de 10 pachydermes pour les places assises, vont-ils se taper en sang par terre dans miettes de chips et tâches de mayonnaise ? 30 degrés, midi, bateau en perdition. Les gros se hurlent dessus en albanais dans le "restaurant", une femme essaie de ramener le calme en faisant tinter une fourchette contre un verre, (disproportion des bruits) pendant que ceux déjà servis le nez dans l'assiette font des soupirs de satisfaction, s'en foutent. Dans les assiettes : nouilles ketchup. 2 heures de queue je renonce. Toutes les prises occupées pour charger portables. 14h les gens commencent à ouvrir armoires sauvetage, fouillent, raclent tiroirs, s'emparent de tout à porté de main, ambiance de vengeance, l'équipage se retranche derrière des guichets.

16h déjeuner : pâtes sauce tomate. Arrêt de la climatisation, les gens qui ont des cabines ouvrent les portes pour respirer, gros hommes à 4 par chambre en superposés, dorment ventre à l'air dans cabines puantes et bouillantes. Femmes qui allaitent par terre. 16:30 tout le bateau a mangé, l'émeute se calme, digère. 17h des dauphins sautent autour du bateau. Prochain service à 21h. Ca recommence. Nuit. 4h du matin Albanie en vue. 10h on commence à sortir du bateau.

As-tu saisi la morale de cette histoire? Ainsi mon cher Franz, tout porte à croire, pour répondre à nos longues discussions sur l'avenir de l'Europe, que non ça ne va pas péter. Pour que ça pète il faudrait que la pression interne de la société soit élevée, or la satiété qu'elle éprouve trois fois par jour régule son humeur, et l'aiguille de son baromètre indique "Beau Fixe" envers et contre tout. L'histoire montre qu'il n'y a que deux types d'émeute : celle de la faim et celle financée par une organisation extérieure.

Cordialement

VD

Il faut garder l’espoir braillait maintenant Monsieur le Surintendant, cette confiance, en la France. Heureusement qu’il demeure des gens fidèles, les « appelés ». Et quand je vous vois, je réalise que cet espoir et cette confiance, sont au rendez-vous. Monsieur le Surintendant désigna d’un geste, au premier rang du parterre, une cinquantaine de vieux au teint de flaque d’eau. Vincent n’y prêta nulle attention. Ainsi le clergé actuel en était-il réduit à sa plus inoffensive expression : la fuite dans la théologie, l'abstraction, et selon qu'il soit moderno ou tratra, le baratin ou l’orthopraxie liturgique. D’où son agonie, songea Vincent en rangeant son téléphone. Encore quelques paragraphes sur le renoncement franciscain et l’union hypostatique et ce serait fini, on se dirait au revoir et l'on partirait chacun chez soi. Et les éventuels transports mystiques qui avaient saisi les auditeurs dix minutes auparavant, la certitude du Ciel et des Miracles, tout cela ne serait plus qu’un amas de mots insignifiantsnoyés dans le fatras des publicités, faisant jeu égal avec les titres des journaux, les résolutions du premier de l’an. La Religion fabriquait des brebis émues, désarmées et balancées dans le monde.

[tynatunis]

Ce lundi matin nous démarrons la semaine en couleurs pimpantes en Angleterre, au centre de Londres avec le Designer réputé Hugh Leslie @houseandgardenuk Photos @owengale Designer @hugh_leslie John Hoyland, né à Sheffield le 12 octobre 1934 et mort le 31 juillet 2011, est un peintre anglais. Il est considéré comme l'un des peintres abstraits britanniques les plus influents et des plus reconnus. Il a dit: "Les peintures sont faites pour être expérimentées, ce sont des événements. Elles sont aussi pensées pour être méditées et savourées par les sens, être ressenties par les yeux..." James Alan Davie est un peintre et musicien de jazz britannique, né le 28 septembre 1920 à Grangemouth en Écosse et mort le 5 avril 2014. Alan Davie a été aussi fasciné par l’œuvre du psychanalyste Carl Jung. À la manière de Pollock qu’il a rencontré peu de temps avant sa mort, Davie réalise de nombreuses œuvres au sol. Il couvre et recouvre la surface de peintures perdant la première improvisation dans une remise en question constante. Malgré la vitesse d’exécution, il réalise souvent plusieurs tableaux en même temps et proclame que ces images ne sont pas de pures abstractions mais en ensemble de signes et de symboles. Se voulant primitif, il conçoit le rôle de l’artiste comme celui d’un shaman. Living 1-2-3 An eclectic display of art includes an original Picasso linocut, Tête de Femme au Chapeau/Paysage avec Baigneurs, above the chimneypiece, a painting by John Hoyland above the sofa and Oceanic wooden shields. The ‘F10’ single-arm chair is from Mint Kitchen 4-5 The breakfast bar is teamed with a vintage orange stool from 1stDibs and a ‘Chester’ wall light in satin copper from Original BTC. Bedroom 6-7 An 18th-century Japanese paper screen from Gregg Baker hangs above the bed and bedside tables, Sandy Jones rug. Flexform’s ‘Evergreen’ chaise longue in Etro corduroy sets off the Alan Davie painting on the far wall of the bedroom. https://www.instagram.com/p/Clxk_rMtoo3/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[vagabondageautourdesoi]

Fondé au milieu du XIX siècle, ce Musée comprend cinq pavillons de part en d’autres de la rue Sherbrooke Ouest et sont reliés par des passages souterrains. L’endroit où l’on prend les billets est le Pavillon Jean-Noël Desmarais, œuvre d’une grande modernité.

Comme ce musée présente un résumé de l’art mondial, il est bien évident qu’on ne peut l’appréhender dans son ensemble au cours d’un séjour bref.

Lorsque nous l’avons visité, Picasso primitif était l’exposition temporaire phare que nous avions visité à Paris il y a 2 ans.

Ce mini -Louvre présente un résumé de l’art mondial à travers les siècles et les collections permanentes.

Nous avons choisi de se “limiter” à l’Art québecois et canadien et aux Arts décoratifs et Design.

Art québecois et canadien

Ce pavillon, appelé Pavillon Claire et Marc Bourgie,  est composé d’une ancienne église et d’un bâtiment moderne. Ce panorama démarre au 4ème étage pour se poursuivre jusqu’au RDC. Impossible donc de donner une vision générale, aussi, je limiterai la présentation à mes coups de cœur !

Os de baleine- Andrew Innuklun – 1971 – Art contemporain Inuit

Casque à cimier-Le corbeau, créateur et bienfaiteur de l’humanité chevauche un poisson évidé est un casque en bois que le danseur porte au cérémonie rituelle.

Masque représentant une grousse (oiseau)

A l’ombre de la treille – Helen Gallaway Mc Nicoll – 1914

Ça ressemble à …. Normal ! Helen Gallaway Mc Nicoll est LE peintre impressionniste au Canada qui a séjourné en France.

Couple de caribou de Shorty Killiktee, sculpteur contemporain Inuit

L’emprise de la pensée – Alfred Laliberté-

Pareil … Normal, Alfred Laliberté est venu étudier à Paris, notamment dans l’atelier de Rodin. Mais, là encore c’est LE sculpteur québecois.

Saint Siméon Marc-Aurèle Fortin – 1938

“Le prolifique Marc-Aurèle Fortin a été peintre, aquarelliste, graveur et dessinateur et ses paysages très décoratifs et colorés mettent en valeur l´aspect pittoresque de la nature. Parmi ses sujets préférés, mentionnons d´énormes ormes feuillus, des maisons rustiques, des charrettes de foin et le port de Montréal; ses rares sujets humains semblent habituellement écrasés par la nature. Sur le plan technique, Fortin était inventif, expérimentant à l´aide de différentes méthodes d´aquarelle, de peinture à l´huile et de techniques mixtes”. Musée des Beaux-Arts du Canada

Mais, l’enfant du pays des temps modernes, c’est Jean-Paul Riopelle. Rendez-vous compte, bien avant l’exposition universelle à Montréal qui a eu lieu en 1967 et qui a fait connaître la ville et la province du Québec au monde entier, Jean-François Riopelle a exporté ce pays dans ses recherches picturales lorsque  New-York a compté dans l’Art international.

“Jean-Paul Riopelle est un expressionniste abstrait canadien surtout connu pour ses paysages non figuratifs. Riopelle utilise de la peinture pressée directement du tube et appliquée librement à l’aide d’un couteau à palette pour élaborer des mosaïques denses et à grande échelle. Après un voyage à Paris en 1947, Riopelle devient l’un des membres de l’École de Paris, dont fait partie Joan Mitchell, avec laquelle il vit et travaille pendant près de 15 ans.  ” Artnet

Vertige – Jean-Paul Riopelle 195

Gros plan

Gravité-1956

Autriche III – 1954

Soleil de minuit – Collection Iceberg- 1972/1978

Détails

Owl – 1979

Hibou II – 1970

Un autre enfant du pays et celui-ci exclusivement dans le domaine de la sculpture, c’est Louis Archambault (1915-2003), un grand artiste de l’art moderne.

Dame lunaire – 1992

L’oiseau lunaire -1954

Et, je terminerais par ce tableau pour témoigner de la richesse de la création au Québec.

Jardin rouge – Alfred Pellan – 1958

  Questions pratiques:

Musée des beaux arts Montréal

1380, rue Sherbrooke Ouest Pavillon Jean-Noël Desmarais

Visite d'une partie du Musée des Beaux-Arts à Montréal. Art québecois et canadien Voir « à la place de » pour donner envie Fondé au milieu du XIX siècle, ce Musée comprend cinq pavillons de part en d'autres de la rue Sherbrooke Ouest et sont reliés par des passages souterrains.

[mon-univers-camille]

2. Brut

Le brut rime pour moi avec neutre, simple, sauvage, naturel, spontané, réaliste ou inachevé. Autant de notion que je tente d'explorer dans mon travail et ma réflexion.

Le travail de Peter Lindbergh, dans un style réaliste et intemporel enrichit mon travail. En effet, ses photographies travaillées mais qui ont l'air spontanées et naturelles m'ont incitées à voir le simple comme intéressant et le quotidien comme inspiration.

La fondation César Manrique à Lanzarote est fascinante dans le sens où l'architecture intègre la magnifique nature. Cela m'a appris à m'adapter, intégrer le défaut dans mon travail qui en devient plus authentique.

L'antivilla d'Arno Brandlhuber m'a fait réfléchir sur l'ultra simplicité, le neutre et l'inachevé. De plus, j'ai l'impression que l'espace aide à respirer et le manque de sophistication et de finition laisse la place à l'imagination.

Les meubles en mousse de Dewi von de Kemp est inspirant sur le plan de la matière, le meuble perd son utilité et reste intact ou alors il stock des choses mais perd sa forme. Cela m'encourage à mieux connaître les matières pour pouvoir explorer différentes choses.

Le classique 1984 développe une réflexion sur les libertés et la dictature percutante mais il construit un imaginaire primitif et brutal où tout est froid u compris les bâtiments. Les descriptions des paysages me nourrissent grandement.

La fabrica de Ricardo Bofill me coupe le souffle à chaque fois que je la vois. J'aime beaucoup le béton, matière froide et brutale mais neutre et aéré et aussi l'immensité qui donne au bâtiment un aspect surréel. De plus, le fait que la forme d'usine ne suive pas la fonction me pousse à me questionner sur la forme et la fonction.

Cette sculpture de Pablo Picasso me captive et rejoint mon travail dans le sens où j'aime travailler les matières simples comme le carton ou le papier avec un crayon et un cuteur. Même si la sculpture représente apparemment une tête de femme, je l'interprète comme deux amoureux qui se regardent.

Le vestiaire Yeezy me plaît. En effet, les matières et les couleurs choisies semblent naturelles (laine, coton) et pures. Cela m'encourage à faire un travail de connaissance des matières et de leur processus de fabrication, j'ai pu faire l'acquisition de techniques comme le crochet ou le tricot.

L'artiste Lucas Simoes engage sculptural intéressant en vue des matières qui me sont familières. Je trouve que les formes qu'il créé en les mêlant rende les matériaux poétiques.

[lupitovi]

Mes plus pures émotions, je les ai éprouvées dans une grande forêt d'Espagne, où, a seize ans, Je m'étais retiré pour peindre. Mes plus grandes émotions artistiques, je les ai ressenties lorsque m’apparut soudain la sublime beauté des sculptures exécutées par les artistes anonymes de I'Afrique. Ces ouvrages d'un religieux, passionné et rigoureusement logique, sont ce que l’imagination humaine a produit de plus puissant et de plus beau. Je me hâte d'ajouter que cependant, je déteste l'exotisme.

Pablo Picasso - Correspondance avec Guillaume Apollinaire

[impressivepress]

How a small African figurine changed art

Folk art from Africa and the Pacific changed the modern world by pushing Western artists to be more confrontational, writes Fisun Güner.

A small seated figurine from the Vili people of what is now the Democratic Republic of Congo was instrumental in the lives of two of the greatest artists of the 20th Century. The carved figure in wood, with its large upturned face, long torso, disproportionately short legs and tiny feet and hands, was purchased in a curio shop in Paris by Henri Matisse in 1906. The French artist, who liked to fill his studio with exotic trinkets and objets d’art, objects that would then appear in his paintings, paid a pittance for it.

Yet when he showed it to Pablo Picasso at the home of the art patron and avant-garde writer Gertrude Stein, its impact on the young Spaniard was profound, just as it was, though to an arguably lesser extent, on Matisse when the compact but powerful figure had fortuitously caught his eye.

For Picasso, his appetite whetted, visits to the African section of the ethnographic museum at the Palais du Trocadéro inevitably followed. And so precocious was the 24-year-old artist that it seemed that he had already absorbed all that European art had to offer. Hungry for something radically different, something almost entirely new to the Western gaze that might provide fresh and dynamic impetus to his feverish creative energies, Picasso became captivated by the dramatic masks, totems, fetishes and carved figures on display, just as he had with the Iberian stone sculptures of ancient Spain which he also sourced as material. Here, however, was something altogether different, altogether more dynamic and visceral.

When, after hundreds of preparatory paintings and drawings, he finally unveiled his breakthrough proto-Cubist masterpiece, the 8 sq ft Les Demoiselles d'Avignon, even his most avant-garde friends were shocked. Surely he had gone too far. What confronted them in his Montmartre studio, in that late Summer of 1907 (though the painting wasn’t exhibited publicly until 1916) was brutal and disconcerting. Five women, three of whom stare back at the viewer with huge, fierce eyes, were arranged in various confrontational poses and aggressively sexualised attitudes. The three women to the right have the smooth, though now distorted, features he took from Iberian carved heads, while the two ‘Africanised’ women to the left have the dark facial markings that resemble scarified flesh, or perhaps the texture and hue of roughly hacked wood. Their faces are all somewhat mask-like.

But it wasn’t just the small Congolese figure that had provided the spur and turning point for Picasso’s work – and you can see this figure currently in the Royal Academy’s exhibition Matisse in the Studio, along with other objects Matisse kept that informed his painting and sculpture. It was the companionable rivalry provided by this new relationship with the older French artist, for Matisse was, at that point, the far more experimental and radical artist – the leading Fauve, or ‘Wild Beast’.

Matisse had painted his multi-coloured, dream-pastoral Le Bonheur de Vivre in 1906, the year he bought the African figurine and the year the two artists met (and he was soon experimenting with his own ‘Africanised’ nudes), and Les Demoiselles was painted partly in answer to it. Picasso was intent on painting something even more radical and daring, a work that would leave its mark, which, for the last 110 years it certainly has.

But Matisse wasn’t the first artist to appropriate non-Western art. Primitivism, as it came to be known, was beginning to be embraced by artists in France at the end of the 19th Century, though some of its roots go back further, to the pastoral paintings of a golden age of the Neo-Classical period. And although fundamental to it, it wasn’t only non-Western artefacts that were of interest. Children’s art, and later the art of the mentally ill, so-called outsider art and folk art were significant contributions to the evolution of modernism, not just in visual art but in music too.

Back to basics

Matisse himself was always fascinated by the drawings of his own children and saw within them possibilities for the direction of his own work. That interest, too, was followed through by Picasso, who later famously remarked that, “Every childis an artist. The problem is how to remain an artistonce he grows up.”

What was taken from each category of art produced from these non-conventional sources, was a sense of spontaneity, of innocence, of a creative impulse not suffocated by academic fine art training or indeed by Western values, which were beginning to be seen in some intellectual and avant-garde circles as corrupt and decadent or as simply a spent force. The unmediated, the unspoiled and the authentic was what was now prized, and that included art that expressed the artist’s inner world, or what emerged in the 20th Century as the unconscious. Art, in other words, unfettered by the supposed artificial values of bourgeois society.

Though naivety and lack of sophistication was hardly true of either African art or art from other non-Western cultures, artists were struck by a directness, a pared-down simplicity and a non-naturalism that they discovered in these objects. But no thought was given to what these artefacts might actually mean, nor to any understanding of the unique cultures from which they derived. The politics of colonialism was not even in its infancy.

The Trocadéro museum, which had so impressed Picasso, had opened in 1878, with artefacts plundered from the French colonies. Today’s curators, including those of the Royal Academy’s Matisse exhibition in which African masks and figures from the artist’s collection appear, at least seek to acknowledge and redress this to a small extent. A similar effort was made earlier this year for Picasso Primitif at the Musée du Quai Branly, Paris, an exhibition exploring Picasso’s life-long relationship to African art. The sculptures, from West and Central Africa, were given as much space and importance as Picasso’s own work and one could appreciate at first hand the close correspondence between the works.

Meanwhile, the Art Institute of Chicago has an exhibition that looks at the creative process of an artist who was profoundly influenced by art from French Polynesia and who in turn was a particular influence on Matisse – those colour-saturated dream-like pastoral paintings again, including the early Le Bonheur de Vivre mentioned above. Paul Gauguin, perhaps the quintessential European artist to ‘go native’, first in Martinique, then in Tahiti, where he died in 1903 aged 54, had long felt a disgust at Western civilisation, its perceived inauthenticity and spiritual emptiness.

Even before he left European shores for good he had lived in an artist’s colony in Brittany, painting the deeply religious peasant women in traditional Breton dress. These paintings, such as Vision After the Sermon (Jacob Wrestling with the Angel), 1888, possess a rather unsettling and erotic sense of the numinous, as do his Tahiti paintings, with their piquant mix of sex and death. Gauguin: Artist as Alchemist shows us an artist fully immersed in the life from which his art was born.

The significance of non-European art on the avant-garde and on 20th-Century art modernism can’t be overestimated. It goes far beyond these three prominent artists, though all three were particularly instrumental in spreading its impact, from the Surrealists to Jackson Pollock. And even nearer our own time, seemingly long after the fascination with the primitif had been exhausted, the ritualised performance-land art of Ana Mendieta and the energetic postmodern faux-tribal paintings of Jean-Michel Basquiat saw that it certainly hadn’t.

~ Fisun Güner · 21st August 2017.

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[jbgravereaux]

Masque nègre Léopold Sédar SENGHOR Recueil : "Chants d'ombre"

A Pablo Picasso

Elle dort et repose sur la candeur du sable. Koumba Tam dort. Une palme verte voile la fièvre des cheveux, cuivre le front courbe. Les paupières closes, coupe double et sources scellées. Ce fin croissant, cette lèvre plus noire et lourde à peine – ou’ le sourire de la femme complice? Les patènes des joues, le dessin du menton chantent l’accord muet. Visage de masque fermé à l’éphémère, sans yeux sans matière. Tête de bronze parfaite et sa patine de temps. Que ne souillent fards ni rougeur ni rides, ni traces de larmes ni de baisers O visage tel que Dieu t’a créé avant la mémoire même des âges. Visage de l’aube du monde, ne t’ouvre pas comme un col tendre pour émouvoir ma chair. Je t’adore, ô Beauté, de mon œil monocorde!                                                                                                                           https://www.franceculture.fr/emissions/les-regardeurs/du-bolidenfa-malien-au-bronze-de-femme-de-pablo-picasso

[griffes]

Sortie automnale au Lam... pour un “rapport au monde plus intense, plus authentique”, presque “primitif”...

Exposition “De Picasso à Séraphine, Wilhem Uhde et les primitifs modernes”, Villeneuve d’Ascq