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Peinture abstraite sur toile | Grand dégradé carré bleu rose irisé

Œuvre créée au couteau à la peinture acrylique sur châssis en bois entoilé en coton 100%

Couleurs iridescentes

Rebords de la toile peints à la peinture acrylique noire

Protection / Finition : œuvre vernie à la bombe aérosol brillante

Pour voir un aperçu vidéo de cette peinture, rendez-vous sur : https://youtu.be/GHSaWxIca4U

Format : 80 cm x 80 cm x 3,5 cm

Diagonale : 113,1 cm

Poids approximatif : 1,5 kg

Date de réalisation : 04/2024

Artiste : Jonathan Pradillon Pièce unique Œuvre signée Certificat d’authenticité fourni Emballage soigné

Prix : 350 Euros.

Pour acheter cette peinture, rendez-vous sur :

Artinsolite : https://www.artinsolite.com/product-page/grand-degrade-carre-bleu-rose-irise

Amazon : https://www.amazon.fr/dp/B0D2WCK2VY?ref=myi_title_dp

Artsper : https://www.artsper.com/fr/oeuvres-d-art-contemporain/peinture/2202188/grand-degrade-carre-bleu-rose-irise

Singulart : https://www.singulart.com/fr/oeuvres-d-art/jonathan-pradillon-grand-d%C3%A9grad%C3%A9-carr%C3%A9-bleu-rose-iris%C3%A9-1999762

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Etsy : https://jonathanpradillon.etsy.com/fr/listing/1722530565/decoration-design-pour-interieur-o-grand

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[soummaison-blog]

Top 10 des meilleures marques de peinture

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[satinea]

“Très cher René,

Par gros temps en mer je pense toujours à ce peintre dont je ne sais plus le nom qui se faisait attacher au mât de misaine pendant la tempête pour voir et garder la vision de tous ces déchaînements d’écume.

Terre-Neuve. Un froid de loup, j’ai le visage comme une tomate picoté d’aiguilles salines. Quel temps, mais l’essentiel est qu’on avance sans se contenter de ne pas dériver.

Seize heures de sommeil sur vingt-quatre, le reste à deviner le paysage.

Si le coeur t’y porte, tu trouveras autant de variétés, d’aspects différents sur ce long parcours, que la terre nous en donne sur le sien.

Il n’y a pas que cette immense ébullition où l’on se contente de quelques tracés monotones. C’est extraordinairement mesuré l’océan, bien bâti, alerte, différent à chaque instant heureux et quelles trouées au couchant avec ces petits nuages pâles qui semblent rire du poids des vagues, bleues, vertes, serpents, miroirs superbes, que cela s’organise bien ce débordement.

Quel tempérament équilibré. Je n’en ai jamais tant vu de couleurs fugitives, certaines impossibles, éclatantes, calmes. Quelle joie René, quel ordre.

Tu vois, je suis heureux en diable, je pense à toi, mon amour dort un peu plus que moi mais supporte très bien ce vacarme, intérieurement serein.

Je t’embrasse.

Nicolas

Te peindrai des tempêtes en rentrant.”

Nicolas de Staël “Lettres”

***

Tableau : Mer et nuages (1953)

[lisaalmeida]

Bleu comme toi..

"Malgré les difficultés de notre monde, je n'ai jamais renoncé, en mon for intérieur, à l'amour dans lequel j'ai été élevé, pas plus qu'à l'espoir de l'homme dans l'amour. Comme sur la palette d'un peintre, il n'y a dans notre vie qu'une seule couleur qui donne un sens à la vie et à l'art, la couleur de l'amour".

- Marc Chagall, Les amants bleus, 1914

[leclap]

MY FAVORITE MOVIE OF JANUARY.

★★★★★ “Murnau aurait adoré.”

Ce sont les trois mots de ma review Letterboxd, et je le pense sincèrement. Pour moi, Eggers a absolument tout compris et tout absorbé de ce qui fait l’essence du cinéma expressionniste allemand. Les ombres marquées, les jeux de lumière qui oscillent avec la nuit, sculptant l’espace comme autant de visions cauchemardesques, conférant à chaque image une puissance quasi hypnotique. Tout comme chez Lang ou Murnau, l’ombre du mal plane ; elle n’est pas une simple absence de lumière, mais une entité menaçante, presque tangible. Elle s’étire, dévore l’espace, et fait écho aux terreurs enfouies. Murnau était un poète de la nuit, comme le souligne Mathieu Macheret, et Eggers lui rend ici un hommage parfait, avec une colorimétrie bleutée qui flirte presque avec le noir et blanc, et un jeu de feu et d’ombre qui nous envoûte. On retrouve des lignes qui perturbent les directives du regard, des surcadrages — que ce soit à travers les fenêtres ou les croix des cimetières — emprisonnant les personnages autant que leurs destins. Sans compter l’ombre, terrible et planante, de Nosferatu. Eggers ne s’appuie pourtant pas uniquement sur Murnau. Les scènes de jour s’accompagnent presque d’une tendresse marquée par les empreintes du peintre romantique Caspar David Friedrich (un Allemand, encore). Il est difficile de ne pas faire écho au Der Wanderer über dem Nebelmeer (Le Voyageur contemplant une mer de nuages) lorsque Thomas contemple les montagnes et les forêts depuis un point élevé. Des ses peintures léchées où la nature s’incarne en miroir des sensations humaines. Ce n’est sans doute pas un hasard si l’on retrouve chez Eggers, comme chez Friedrich, des paysages maritimes qui deviennent le reflet des questionnements intérieurs. Souvenez-vous des crises épileptiques d’Ellen (Lily-Rose Depp), filmées sur ces longues étendues de sable, qui témoignent de la capacité d’Eggers à puiser dans divers médiums pour nourrir son art.

Der Mönch am Meer (Le Moine au bord de la mer) Caspar David Friedrich, Huile sur toile, entre 1808 et 1810, Alte Nationalgalerie, Berlin. Les acteurs, quand à eux, transcendent cette énergie macabre. Lily-Rose Depp livre une performance envoûtante, oscillant entre fragilité et désir, entre grâce et menace, insufflant à son personnage une intensité presque spectrale. On ne peut que remercier le cinéaste de nous permettre de retrouver Nicolas Hoult (Vous vous souvenez ? Skins, ces nuits passées à suivre les errances de Tony Stonem) et de lui offrir un rôle à la hauteur de son talent. Il campe parfaitement le mari crédule, naïf et transi amoureux de sa femme. Au fur et à mesure, son personnage se transforme, dévoilant une force insoupçonnée. Il se redécouvre, s’armant de courage pour affronter la bête, et Hoult parvient à rendre cette évolution émotive et saisissante, naviguant habilement entre la soumission et l’audace. Et puis, on adore Willem Dafoe dans le rôle du savant fou, chasseur de vampires. Sa voix grave, son regard perçant et sa folie, il incarne à merveille l’archétype du scientifique obsédé, prêt à tout pour traquer la créature de la nuit. Créature portée par Bill Skarsgård, qui n’en est pas à sa première transformation physique. On notera la moustache, clin d’œil, on l’espère, à l’origine même du mythe du vampire Dracula : Vlad Tepes (Vlad III). Il incarne une présence glaciale, à la voix hypnotique et aux yeux brillants dans la pénombre.

Portrait of Vlad III Dracula Anonyme, seconde moitié du 16ième siècle, huile sur toile, Château d’Ambras, Kunsthistorisches Museum, Vienne.

Eggers, en véritable artisan de l’excès, ne cherche pas à atténuer la force de l’absurde. Au contraire, il l’amplifie, offrant une expérience cinématographique où l’atmosphère gothique n’est pas simplement une toile de fond, mais un personnage à part entière. L’exagération visuelle et émotionnelle sert à plonger le spectateur dans un univers où la beauté, la terreur et le désir se mêlent. L’absurde est nécessaire, l'excès est sublimé. Vous avez peut-être détesté Nosferatu, mais en tout cas, ici, on l’a adoré. C’est un film qui ne craint pas de s’emparer de l’histoire du mythe pour en faire un tourbillon visuel et émotionnel, et même si tout n’est pas parfait, c’est ce qui en fait une expérience unique et mémorable.

[detournementsmineurs]

La Maison Méert (fondée en 1677) et ses fameuses gaufres fourrées, sa façade et son intérieur par l'architecte Charles Benvignat, le peintre Charles Stalars et le sculpteur Félix Huidiez (1839) dans le Vieux-Lille, octobre 2024.

[leblogdemarinaetjm]

SAMEDI 12 OCTOBRE 2024 (Billet 1 / 3)

« WE ARE HERE »

Une exploration d’Art Urbain au Petit Palais

(Du 12 juin 2024 au 19 janvier 2025)

Entrée libre

Avenue Winston Churchill 75008 Paris

Ouverture : tous les jours de 10h à 18h (Fermeture le lundi)

Métro : Champs-Elysées

La direction bicéphale du « Blog de Marina & JM » a demandé à son photographe attitré d’aller faire un tour au Petit Palais pour voir si cette Exposition en valait la peine.

Le photographe est rentré avec quelques photos que vous pourrez voir ci-dessous, EMBALLÉ par la plupart des œuvres exposées, bien intégrées et mises en scène dans la collection permanente du Musée.

Très certainement, profitant d’une belle journée, il y retournera, mais plus tout seul cette fois. Vous devinez quelle est la personne qui l’accompagnera… Ils en profiteront pour voir la nouvelle Exposition temporaire, « La Suède sauvage », consacrée au peintre animalier, Bruno Liljefors (il a fait, entre autres, de superbes « portraits » de chats). Et pour finir, ils déjeuneront dans le petit restaurant du Musée qui a mis en place un nouveau système : après avoir payé, les clients partent avec leur plateau (boisson, couverts…), vont s’asseoir et sont « bippés » quand il faut aller chercher à la caisse le plat qu’ils ont commandé, ce qui évite l’attente interminable qui décourageait beaucoup de visiteurs.

Autre nouveauté : de charmantes chaises longues ont été disséminées dans le jardin intérieur. Elles sont très appréciées…

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Pour la première fois, le Petit Palais ouvre ses portes aux artistes d’Art Urbain, les invitant à engager un dialogue subtil avec ses collections permanentes et son architecture. Une véritable exploration d’Art Urbain s’offre ainsi aux visiteurs à travers un parcours d’œuvres inédites, accessible gratuitement.

13 artistes majeurs du mouvement « Street Art » investissent le Petit Palais et tissent des liens avec les collections du musée. Cette déambulation conduit le visiteur jusqu’à une installation de plus de 200 œuvres, présentée dans une seule salle des collections.

Cet accrochage spectaculaire a été pensé comme un hommage aux différents Salons comme le « Salon des Refusés » ou le « Salon d’Automne » qui sont à l’origine de nombreuses révolutions artistiques au tournant des XIXe et XXe siècles. Dans cet esprit, les œuvres réunies dans cette salle ont été créées par des artistes majeurs qui ont écrit et continuent d’écrire l’histoire du mouvement « Street Art ». Une scénographie immersive invite le public à plonger dans toute la diversité et la richesse de ce mouvement artistique.

« Le Petit Palais est très heureux d’accueillir la première exposition d’Art Urbain de cette envergure au sein d’une institution publique, accessible à tous et totalement gratuite, dans un souci de partage de la culture avec le plus grand nombre, fidèle aux principes qui animent le mouvement Street art. » (Annick Lemoine, Directrice du Petit Palais, commissaire générale de l’Exposition)

(Source : « Extrait de la brochure éditée par le Petit Palais »)

Nous dédions ce Billet à Maïlys (J.D.) dont on connaît l’intérêt pour ce genre de peinture.

[petit-atelier-de-poesie]

Lorsqu’un écrivain est à l’écoute de ces multiples voix qui le convoquent à écrire, lorsqu’un peintre obéit à l’image intérieure qui se présente à lui et tente de la représenter sur une toile ou tout autre support, il est en rapport avec ce « je est un autre » que toute création convoque et ranime. Ce qui est addictif dans la création, ce pour quoi un peintre ou un musicien n’échangerait aucun autre destin contre cet état troublant dans lequel vous met l’acte de création quand il survient, n’est pas étranger, semble-t-il, à cette solitude surmontée qui ranime intérieurement cette ligne de faille conjurée en soi, pour cette fois encore, dans et par l’œuvre qui se dessine dans ce geste, cette pensée, cet écho.

Anne Dufourmantelle. En cas d’amour. Psychopathologie de la vie amoureuse. 2009

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Marthe Solange  Pastels 1921-1926

sous la direction de Véronique Serrano

SilvanaEditoriale, Cinisello Balsamo 2023, 80 pagine,  21 x 29,5 cm, brossura con alette,  Francese, ISBN 9788836654505

euro 23,00

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Le Musée Bonnard, Le Cannet

Pour chacun d’entre nous Marthe est la muse inconditionnelle de Pierre Bonnard et chacun croit connaître cette personnalité secrète à travers la peinture de son mari. Pourtant Marthe a laissé une œuvre éclair sous le nom de Marthe Solange (1869-1942). Celle-ci est apparue aux environs de 1921, aussi mystérieusement qu’elle a disparu vers 1926, même si l’on sait par le témoignage du peintre lui-même qu’elle continue sporadiquement à travailler après cette date au gré de leurs déplacements ou de son état de santé, sans que rien ne soit parvenu jusqu’à nous. Aujourd’hui, presque 100 ans après sa première et unique exposition personnelle à Paris à la galerie Druet en juin 1924, le musée Bonnard a souhaité lever un pan du mystère Marthe, personnalité aussi énigmatique qu’essentielle pour le peintre qu’elle accompagnera et inspirera tout au long de sa vie. Activité ignorée de tous, Marthe a presque exclusivement pratiqué le pastel, parfois rehaussé de gouache, initiée en cela par l’artiste Louise Hervieu, amie du couple. L’œuvre qu’elle nous laisse dit combien ce medium subtil et exigeant lui convenait parfaitement, maniant à la fois le plaisir de la couleur et l’expression d’une certaine naïveté. Intimistes, ses pastels racontent sa vie intérieure, proche de la nature et des animaux.

22/04/23

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Huile sur toile /Juin 1999 "Fleur de Fumier" Mon grand ami, espiègle et solitaire, Maurice Chollier. Miguel Le Bacon?... Un peintre, une peinture, des pigments naturels pour un résultat tout proprement Surnaturel!...😮 ********************************************#MiguelleBacon & de si singuliers univers ...️⭐#Ambition #VivrePlusEnGagnantMoins ******************************************************************************Lettre ouverte au néant : « J’ai vu et aimé le vent chaud de la Tanzanie du nord, jusqu’à son équateur sud. J’ai longé les pierres chaudes, les diamants ensemencés du Botswana, jusqu’aux limites des arêtes du sable d’or de nos déserts intérieurs, illégitimes et bandits. Toujours libre mais inconstant, d’une étole à l’autre, j’ai su goutter tout le suc de la beauté des femmes, de celles qui ne se donnent qu’en rêve, les yeux fixés, loin, si loin, vers notre ciel levant. Mais, las, de tous les astres, toutes les marches d’aventures bruyantes et inutiles, jamais, Ô grand Jamais! Je n’aurais pu voir tant de vigueur incongrue que dans le cadavre du regard lumineux mais éteint de la belle inconnue. Est-ce possible ?... Le fut -il ?... Promesse d’un bonheur indicible évanoui ?... Là? Dans ce caveau d’une étoile ensevelie… En ton ventre ?... Il dût y avoir la vie. Au lieu de quoi ?... Pour moi, pour toi, en toi, en moi, voici le noir, voici la nuit. » #GrandeGuerre ... #Muse #Artiste #Arts #Singulier ⭐️ #MightyWind… #Cinéma 🎬#Film 📽️#PopCulture #Rêve #Poésie #Océan #Voyage #Beauté #Naturlovers #Baleines #Littérature #Photographie #Life #ArtistePeintre...#Enfance #Mythes #Mythologie #Sculpture #VanGogh #GrandsPeintres

[lun3-de-m1nu1t]

Jeremy Mann est un peintre américain connu pour travailler dans le style réaliste. Toujours ambitieux, Mann couvre un large éventail de sujets au-delà des paysages urbains: des scènes intérieures de jeunes femmes solitaires aussi frappantes et agitées que la ville elle-même; Un autoportrait audacieux et intrigant, des natures mortes magistrales et des scènes pastorales qui lui rappellent le paysage de sa ville natale.

[havaforever]

REOUVERTURE DU MUSEE BOURDELLE et Expo de Philippe Cognée

Le magnifique et trop peu connu Musée BOURDELLE réouvre ses portes après quelque rénovation. 

Émile-Antoine Bordelle naît le 30 octobre 1861 à Montauban. A dix-sept ans il quitte sa ville natale pour la capitale languedocienne avec, comme seule ressource, une maigre bourse de la ville de Montauban. Il réalise là ses premiers portraits grâce à ses relations montalbanaises et toulousaines.

Il n’a alors qu’une idée en tête : réussir ses études pour pouvoir passer le concours final qui lui permettra de rejoindre Paris, seule voie d’accès, en ces temps-là, à une véritable carrière de sculpteur. Il y arrive dès 1884, alors qu’il n’a que vingt-trois ans. Heureux mais pauvre, il doit partager une chambre avec son ami carcassonnais, le peintre Achille Laugé, dans un petit hôtel de la rue Bonaparte, à côté de l’École des Beaux-Arts où il suit les cours de Falguière, son compatriote toulousain. 

Finalement, il trouvera un atelier, dans le quartier Montparnasse, impasse du Maine qu’il occupera jusqu’à sa mort. C’est l’actuel musée Bourdelle. 

Toujours aussi impressionnant de par sa structure magistrale, et ses contenus monumentaux, les ateliers de l’élève de Rodin, et l’immense et majestueuses salle des plâtres sont rafraichis et accueillants. 

Attenante à l’atelier de sculpture, la foisonnante salle des techniques propose désormais sur 60 m² aux publics de tous âges, une offre de dispositifs autour du processus de fabrication des œuvres et des métiers de l’atelier. Un vaste mur des manipulations mêle œuvres originales à toucher, matériaux, dispositifs ludiques, sonores et numériques. Un coin salon composé de trois postes dotés d’écrans permet d’approfondir ses connaissances par des films et une nouvelle offre de jeux et modules interactifs.

Densifié, le nouveau parcours des collections présente sous un angle chrono-thématique l’œuvre de Bourdelle. 

L’accent est porté sur une mise en contexte, en particulier par des œuvres de ses contemporains et élèves, issues des collections du musée Bourdelle (Auguste Rodin, Jean Arp) ou nouveaux dépôts, généreusement consentis par des institutions (Musée national d’art moderne, Petit Palais, musée Zadkine, Fondation Giacometti) et collections particulières (Mme Sylvie Martin-Raget pour deux œuvres de Germaine Richier). 

Tout est impressionnant, presque intimidant, sans oublier le jardin aux géants de bronze, ainsi que les différentes cours intérieures. 

Un labyrinthe où l’on se promène de découverte en surprise, et en éblouissement.