#parodia a pintura

[massabios]

La Sonrisa Misteriosa 📷 La Mona Lisa, pintada por Leonardo da Vinci en el Renacimiento, es famosa por su enigmática sonrisa. ¿Sonríe o no sonríe? La ambigüedad ha desconcertado a espectadores durante siglos.

Las Miradas que Siguen 📷 Otro detalle intrigante es cómo los ojos de la Mona Lisa parecen seguirte a donde quiera que vayas. Este efecto, conocido como "mirada perspicaz", añade una dimensión casi mágica a la obra.

El Retrato del Renacimiento 📷 Pintada entre 1503 y 1506, la Mona Lisa representa la maestría técnica y artística de Da Vinci. Su uso del sfumato, técnica de difuminado, crea transiciones suaves entre luces y sombras.

Ubicación en el Louvre 📷 La pintura ha estado en el Louvre desde la Revolución Francesa. En 1911, fue robada pero recuperada en 1914. Ahora, resguardada tras un vidrio a prueba de balas, es una de las atracciones más visitadas.

Tamaño del Cuadro 📷 Sorprendentemente, la Mona Lisa es más pequeña de lo que la mayoría imagina. Mide solo 76,8 cm de alto y 53 cm de ancho, pero su impacto es monumental.

El Fondo Paisajístico 📷 Aunque muchos no lo notan, el paisaje detrás de la Mona Lisa ha sido estudiado en detalle. Representa una región italiana y ha llevado a especulaciones sobre la verdadera ubicación de la modelo.

Teorías Sobre la Identidad de la Modelo 📷 A lo largo de los años, ha habido varias teorías sobre quién podría haber sido la mujer retratada. Desde la teoría de la amante de Da Vinci hasta sugerencias más recientes, el misterio perdura.

El Código de Da Vinci 📷 La fama de la Mona Lisa se disparó aún más gracias a "El Código Da Vinci" de Dan Brown. Aunque es ficción, el libro introdujo a millones a la fascinación por esta obra de arte.

Análisis con Tecnología Moderna 📷 La ciencia ha desentrañado secretos de la Mona Lisa. Un análisis en 2004 reveló que ella llevaba velos y joyas, ahora desvanecidos con el tiempo.

Influencia Cultural 📷 La Mona Lisa ha dejado su huella en la cultura popular, desde parodias hasta referencias en la música y cine. Su impacto va más allá del mundo del arte.

Descubre la fascinante historia detrás de la Mona Lisa, una obra maestra que sigue inspirando preguntas y asombro hoy en día. 🎨✨

[nievesmorena]

Versiones de la Última Cena de es la obra original de Leonardo da Vinci (Cenacolo Vinciano) es una de las pinturas más famosas del mundo, la obra fue pintada entre 1494 y 1498 bajo el gobierno de Ludovico el Moro que representa la última "cena" entre Jesús y sus discípulos. Es una de las obras más emblemáticas del Renacimiento, retratando el momento en que Jesús revela la traición de uno de sus apóstoles.

Existen 2 versiones de "La Última Cena": originales y las más antiguas que son la de Leonardo y Tintoretto.

Pero cientos más en la cultura popular y no es algo nuevo de los Juegos Olímpicos de Paris, Una parodia del cuadro de la Última Cena de Leonardo Da Vinci, con la participación de “drag queens”, durante la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos París 2024 generó críticas y muestras de rechazo e indignación, principalmente entre católicos y cristianos. Considerado como inaceptable e irrespetuoso.

#Porsimelees❤️

[juanmecanico]

"Karts de Noches de Talledega, El Hallazgo de Hoy en Bring a Trailer" ¡Dios mío!¿Les mencioné cuánto adoro el sitio de subastas Bring a Trailer? ¡Honestamente, cada vez que entro, parece Navidad anticipada! Hoy, me topé con estos dos maravillosos go karts de Talledega Nights. Sí, has leído correctamente, los mismos locos, divertidísimos y absurdos karts que encontraste en Talledega Nights: The Ballad of Ricky Bobby. #CineAutomotriz Imagínate tener estos dos bólidos de cartón comprimido con fibra de vidrio, listos para ser exhibidos, decorando tu sala de estar, y brillando con sus esquemas de pintura amarillo-melocotón o grenadine-shock gloss. Su atractivo estético es impresionante, y su historia de película (literalmente) además le agrega un caché inigualable. ¿Necesito mencionar que cada vez que miras esos minúsculos coches de carreras, inevitablemente sonríes recordando aquellas excéntricas escenas de la comedia de Will Ferrell? Amén de la nostalgia cinematográfica, estos karts son notablemente aptos para uso en pista. Equipados con un motor de 3,5 caballos de fuerza y capaces de alcanzar velocidades de hasta 20 mph, estos pequeños corredores son más que meros artículos de colección. Cada uno se encuentra equipado con un interruptor de apagado de emergencia, un acelerador y frenos de pie, y ruedas de goma. Son completamente funcionales, aunque me hace pensar en el tamaño de la persona que podría caber en su pequeña cabina. Aún así, son absolutamente divertidos, sin importar cuan grande o pequeño seas. Estos karts son la personificación de la diversión automovilística pura y la extravagancia hollywoodense combinada. Además de los vehículos en sí, el comprador afortunado se lleva un trofeo de la película y fotografías firmadas por el elenco, lo que acentúa aún más el atractivo de este conjunto de coleccionistas de películas. Puedes pujar con la certeza de estar adquiriendo una parte especial de la historia de la comedia, ensamblada en un paquete compacto de fibra de vidrio y motor susurrante. Y aunque estos karts están lejos de ser considerados "vehículos" en el sentido convencional, sin duda aportarán un valor único a cualquier colección de coches. Para mi, estos karts representan un pedazo de cultura pop automotriz, una mezcla brillante de la realidad de las carreras de coches y su parodia en comedias de Hollywood. En verdad, los karts ofrecen una oportunidad única para revivir y honrar uno de los momentos más hilarantes y memorables de la comedia de carreras en pantalla grande. #ReviveLaComedia Cuando se trata de este conjunto peculiar de vehículos de película, solo puedo decir: "Si tú no eres el primero, eres el último". Una analogía perfecta tanto para las carreras como para las subastas. Y si alguna vez has soñado con gritar: "¡Shake and bake!" mientras recorres el vecindario en uno de estos karts llamativos, entonces este es tu momento. ¡Buena suerte a todos los postores y recuerda, hay que divertirse al máximo con cada curva de la vida! #CarLife

[sebastianbianchi-blog]

“Ultra-futurismo”: la parodia como operación de retaguardia

Los distintos eventos que se sucedieron durante el convulsionado año 1924 en el campo de las artes visuales porteñas colaboraron en la elaboración de una nueva poética, la cual, vista en retrospectiva, permite situar allí un mojón temporal que funcione a modo de brecha –un antes y un después para la plástica nacional– y, además, entrever la identificación de un momento de fundación (Verón, 36) en el cual la muestra de Pettoruti en Witcomb constituye una de las tres o cuatro manifestaciones de la emergencia de una pintura vanguardista en nuestro país. Sumadas a ella, las muestras de Curatela Manes y Xul Solar, la del periódico Martín Fierro y la inauguración de Amigos del Arte, todas conforman la nueva plataforma del arte moderno, al tiempo que sitúan estos eventos como una lucha por validar un nuevo “espacio plástico”, entendido en términos de Francastel. Al respecto, la resistencia llevada a cabo por los sectores más conservadores tomó, en esa oportunidad, la forma de una exposición en clave paródica. Mediante el pastiche satírico de las obras cubo-futuristas y de una estrategia publicitaria que adopta el recurso del humorismo batallador, las rémoras del impresionismo y del academicismo pictórico montan su campaña de desprestigio como una forma de resistencia del arte antiguo frente a la incipiente modernidad en las artes. Las páginas que siguen intentarán dar cuenta –a partir de una serie de críticas y reseñas de época– de la puja por el control del campo del arte y por la legitimación de un novedoso hacer para la pintura, encarnada en este caso mediante dos operaciones discursivas propias de la vanguardia, pero que aparecen operando aquí en tanto estrategias enunciativas de una resistencia académica.

Artículo completo: https://www.argus-a.com/archivos-dinamicas/1657-1.pdf

Revista Argus-a, Vol. XII, Nº 45, septiembre de 2022.

[poeticasvisuais]

. . . . . #fotografia #photography #art #pintura #masp #jesus #beard #bearded #museu #beardedmen #parodia #saopaulo #sp #men #instafoto #instaart #instaarte #instaphotograpy (em MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand) https://www.instagram.com/p/B0SIRfMF-b7/?igshid=18bskh0iw4sey

[nomames]

Jajaja!!! 😂🌌

[youtubemundo-blog]

CONVIERTO LA CASA DE MI MAMÁ EN UNA OBRA DE ARTE // Mario Ruiz

---- ABRE LA PESTAÑA---- Contacto: marioruizinfo@gmail.com Twitter: Facebook: Instagram: https://www.youtube.com/watch?v=M0mwhiLAT78 Read the full article

[microrrealismo]

6. ¿Qué es el realismo cínico?

Dos figuras son fundamentales para el establecimiento del realismo cínico. La primera es el marchante de arte hongkonés Johnson Chang, de formación estadounidense y con contactos internacionales. Hong Kong es una ciudad muy diferente al resto del país, donde el arte contemporáneo podía ser expuesto, e incluso había un mercado para sus obras. Chang, no solo lanza a estos artistas en la ciudad, también populariza sus nombres en el ámbito internacional. Por otro lado, la figura de Li Xianting, considerado el abuelo del movimiento. Defiende a artistas como Fang Lijun, que gracias a él participa en la exposición China/Avant Garde. Su nombre se populariza en la muestra que consolida tanto el realismo cínico como el pop político, organizada por Chang y Xianting tras la masacre de Tiananmen.

Según las palabras del crítico Li Xianting, el realismo cínico es un movimiento neo-realista. Toma la palabra “cínico” del inglés, apropiándose así de sus connotaciones cercanas al ridículo, el sarcasmo y unas perspectivas frívolas con respecto a su contexto. Los artistas se vuelven hacia la realidad, rechazan el elitismo propio del alto arte de vanguardia y abrazan la sátira y la ironía llegadas de Occidente, adaptándolas a estos movimientos artísticos, dando lugar a un humor cínico y melodramático, concebido como una forma de realismo.

Se trata del humor como una manera de lidiar con lo absurdo y con el trauma que los acontecimientos recientes han dejado en el país; como reacción ante la nueva condición sociohistórica del ciudadano chino, que disminuye la brecha entre arte y realidad. El humor como una manera de superar la realidad absurda y sin esperanza. Por ello no puede definirse como caricaturesco, pues su función última no es la mejora de la sociedad, sino el reconocimiento de su absurdo. La risa como reflejo del dolor auténtico. Este es el punto clave del realismo cínico, y profundizaremos en él con la figura de Yue Minjun.

Así, los artistas del realismo cínico se especializan en retratos. Retratos de personas corrientes, cotidianas, con gestos exagerados, sonrisas estúpidas, sobre fondos que no parecen relacionados en modo alguno con los retratados. La dureza del impacto de las imágenes (a veces en escenas violentas) se suaviza con el sentimiento irónico y la auto-crítica. Los personajes normalmente aparecen en grupo, pero no hay una relación estrecha entre ellos, ni cruces de miradas, ni un indicio de colectividad que les salve del absurdo.

La multitud era percibida en China como algo natural hasta la Revolución Cultural. Tenía el poder de derrocar al emperador si no seguía el designio del cielo (según Confucio). Pero con el ascenso al poder de Mao, la multitud se convierte en masa. Una masa gobernada, estandarizada, descartada de la narrativa histórica. Una masa que pierde la esencia de la colectividad china. Con la apertura a Occidente y la introducción en su mercado capitalista, la individualidad entra en tensión con la masa política, que actúa en Tiananmen, pero es sofocada. Se trata de una lucha que se inscribe en los cuerpos.

El individuo, aunque dentro de un grupo, se representa autónomo, como una afirmación o como una anulación del mismo, qué más da. Todos los personajes son radicalmente similares, la repetición es fundamental.

Judith Butler en su revisión de las teorías del lenguaje de Derrida, acuña un significado en una dimensión más amplia para el concepto de iterabilidad. La subjetividad es producto de una serie de repeticiones, y así, refleja los factores sociopolíticos y culturales en los que se forma. El sujeto chino moderno, a través de la repetición que lo conforma, refleja la problemática del contexto del país a través de su cuerpo, un cuerpo que alude al biopoder que el estado chino ejerce sobre él.

Así, por un lado, estas repeticiones reflejan la conformación de la subjetividad que a su vez es un espejo de la problemática del país. Por otro lado, reflejan la estandarización y la deshumanización de la masa, culpa de su pérdida de colectividad. En las teorías de Butler, la performatividad que se configura gracias a la iterabilidad, es bidireccional. Es decir, entra en el sujeto, constituyéndolo, y sale de él, modificando su medio. El problema es que, en las pinturas del Realismo Cínico, el sujeto parece tan encerrado en sí mismo que esta reciprocidad no funciona correctamente, y la única manera que tiene de relacionarse con el exterior, es la risa. Una risa que, en definitiva, genera malestar.

Todo esto, se une con elementos surrealistas de la fascinación por las primeras vanguardias occidentales, y una identificación con el arte pop (especialmente en la obra de Yue Minjun). Una evocación a sus medios de reproducción, y su parodia de la sociedad consumista, presente a través de los colores llamativos, colores pop que también se empleaban en el realismo socialista para representar la fortaleza del dictador como héroe. El realismo cínico se reapropia estos elementos del realismo socialista para burlarse de ellos y hacerlos menos dolorosos. Una burla que en política genera desmitificación y que, gracias a la ironía y la sátira constituye una forma de crítica sutil al régimen. Una herencia del realismo socialista que se transforma con la estética de la China consumista, la China pop, que, aunque recorta los derechos básicos, se abre al mercado occidental, generando el intenso choque masa-individualidad en el cuerpo de los ciudadanos chinos.

Finalmente, el contenido político de estas obras ha conseguido hacerlas más apetecibles al coleccionismo internacional. El gobierno chino no las condena de manera escandalosa porque triunfan en el extranjero, y permitirlo le otorga un aire de libertad de expresión de cara al exterior. En el interior, se encarga de que tengan nulo impacto.

Gracias al enfoque satírico, estas obras son plenamente aceptadas en las sociedades occidentales, quizás porque identifiquen su humor y sus métodos de burla en ellas, una sátira que en Occidente tiene bases arraigadas. También podría deberse a que son el germen de un movimiento reaccionario contra el régimen, una estética de la revolución que siempre ha fascinado al mundo Occidental, y que ha sido mercantilizada por ello.

[marcopolorules]

ARREPENTIMIENTO⠀ ⠀ He sido derrochadora, lasciva, alocada, atrevida ⠀ y he amado con manos codiciosas y ojos lujuriosos⠀ a lo largo de días frenéticos y cielos de verano,⠀ a lo largo de calles sin fin; pero ahora soy vieja⠀ y estoy enferma y mal –me contento con el descontento–, ⠀ soportando el malestar y los golpes del destino⠀ con la cabeza hundida y el corazón aún agitado.⠀ Resignada a esperar sentada en castigo,⠀ una mártir que nada reclama, una parodia⠀ de los clásicos apóstoles coronados y los dulces santos⠀ ahora glorificados en mármol y magníficas pinturas⠀ o sonoras partituras y armonías...⠀ Permanezco sentada en esta habitación, apenada y en silencio⠀ mientras las calles húmedas se adentran en la oscuridad.⠀ ___________________________⠀ REMORSE⠀ ⠀ I have been wasteful, wanton, foolish, bold,⠀ And loved with grasping hands and lustful eyes⠀ All through the hectic days and summer skies,⠀ And through the endless streets; but now am old⠀ And ill and bad—content with discontent, —⠀ Enduring the discomfort and the blows⠀ With sunken head and heart that shaking goes.⠀ Resigned to sit and wait in punishment,⠀ A martyr without claim, a parody⠀ Of classic crowned apostles and sweet saints⠀ Now praised in marble and in gorgeous paints⠀ Or singing in loud scores of harmony...⠀ I sit ashamed and silent in this room⠀ While the wet streets go gathering in their gloom.⠀ ⠀ Nancy Cunard⠀ Wheels⠀ & Luo Fahui (artist)⠀⠀ ⠀⠀ ⠀⠀ #portraitpainting #oilpaint #oilpainting #oilpainter #oilpaintings #oilpaints #oilportrait #oiloncanvas #contemporaryart #oilpaintingart #oilfeature #contemporaryartist #contemporarypainting #contemporarypainter #contemporarypaintings #contemporary_art #contemporarypainters #contemporaryfigurativeart #contemporaryoilpainting #modernart #modernpainting #artgallery #contemporaryartgallery #figurativeart #figurativepainting #figurativeoilpainting #figurativeportrait #vagabondwho #marcopolorules #luofahui https://www.instagram.com/p/CMwfjxznXsG/?igshid=5e2c7w0fhyl4

[blogfotografia2nm]

Cindy Sherman

Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura reconoce: «... no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella». Y ciertamente, fue en la fotografía donde encontró su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.

Ella misma, una cámara fotográfica y algo de atrezo es la materia prima que Cindy Sherman ha necesitado para añadir su nombre al elenco de los grandes fotógrafos de la segunda mitad del siglo XX, aunque ella, más que fotógrafa, se considere una artista visual que utiliza la fotografía.

Entre 1977 y 1980 realiza la serie Untitled Film Stills en la que se retrata a sí misma adoptando multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina). Sus imágenes, realizadas en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50. Desde un principio, no ha querido dar título a sus obras, que son conocidas por su número de inventario, es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen.

En History Portraits vuelve al autorretrato, pero esta vez en color y recreando pinturas renacentistas y barrocas, representando personajes femeninos y masculinos, o personajes mediáticos del momento. Su intención es desmitificar las personalidades que la sociedad se empeña en ensalzar, ya sea en forma de obras maestras o de estrellas de televisión.

Con el cambio de siglo, empieza a recurrir al tratamiento digital de las imágenes, lo que le permite crear escenas cromáticamente chillonas y montajes de numerosos caracteres, como en la serie Clowns, donde no queda muy claro si se trata de una parodia de sí misma. Enmarcada en opulentos escenarios, los personajes que encarna en sus Society Portraits sin título no representan personas reales, sin embargo, la artista las ha hecho parecer familiares en su lucha contra los estándares de belleza que predominan en nuestra sociedad obsesionada por la juventud y la belleza.

[gobqro]

MACQ anuncia sus próximas inauguraciones

En rueda de prensa se dio a conocer las próximas exposiciones a inaugurarse en el Museo de Arte Contemporáneo Querétaro (MACQ), la presentación estuvo a cargo de Arturo Mora Campos, director de Difusión y Patrimonio de la Secretaría de Cultura (SECULT); Papus Von Saenger, director del MACQ y de los artistas Alan Pfeiffer, Diego Martínez Peña,  María Calzada y Salvador Herrera.

Serán tres las próximas exhibiciones que se inaugurarán el próximo jueves 19 de septiembre, mismas que, en su haber artístico, contienen miradas que ofrecerán al público una apuesta conjunta y a la vez diversa, sobre una serie de temáticas universales con tintes propios a través de múltiples creaciones plásticas. Una de ellas es la muestra colectiva titulada “En tiempos de Trump”, en la cual, participan alrededor de 30 artistas y que a decir de ellos, funge como válvula de escape a toda esa ansiedad y descontento acumulado desde el triunfo electoral del presidente estadounidense Donald Trump; como un comentario más de lo que se habla en todas partes. Desde la parodia contestataria, al análisis sutil del eclipse de un imperio.

La muestra reúne artistas de diferentes latitudes, con disciplinas variadas y una visión personal sobre un tema que pareciera a veces ser más fuerte que todo lo que se pueda hablar al respecto. Esta muestra es una coma en este párrafo de la historia al que aún le quedan programados veinticuatro meses, brindando un momento para reflexionar y opinar sobre un mundo dividido. Salvador Herrera presentará la exposición “Los cánticos de las criaturas”, el cual trata de un proyecto de ilustración basado en exploraciones y experiencias oníricas propias del artista,  como un psiconauta, en las cuales pareciera que la existencia pierde sentido y la realidad se desvanece frente a los ojos del espectador, dando la oportunidad de explorar y experimentar a través de los sentidos. Cada obra encierra  un vistazo a mundos míticos y ancestrales, viajes en el tiempo y espacio.

Salvador explora y desdobla su universo interior a través de diferentes medios, principalmente animación, video, pintura e ilustración y  entiende a sus medios de expresión como una extensión del sistema nervioso para representar estados alterados de conciencia, creando portales a mundos psicodélicos. Por su parte, María Calzada presenta la colección “Veintitrés”, la cual está compuesta por obras que realizó el último año  de Universidad en Nueva York, con las que se inicia a descubrir y desarrollar la manera de comunicarse con el color, la luz y la forma.

Con  impulsos y emociones,  recreó memorias y experiencias que relatan su mundo a los 23 años, combinando referencias vividas con objetos, lugares y personas importantes en su vida, con el uso de colores y líneas, escala y perspectivas, contrastes y texturas, la artista traslada al papel, momentos para compartir, explorando temas sencillos, pero con alto valor estimativo. La inauguración tendrá lugar el próximo 19 de septiembre a las 19:30 hrs. con acceso libre. Dichas exposiciones engalanarán la planta alta del MACQ.

[anniefri]

Alfredo Ghierra (Uruguay)

El miércoles 18 de setiembre recibimos al artista multidisciplinario Alfredo Ghierra

        Es un artista multidisciplinario que comienza su charla con:

¨La sustentabilidad es la capacidad que tiene una sociedad para hacer un uso consciente y responsable de sus recursos, sin agotarlos o exceder su capacidad de renovación, y sin comprometer el acceso a estos por parte de las generaciones futuras ¨

Alfredo trabajo en el equipo de la escuela cinemateca. Ahí fue donde hizo su primera aparición. Esta escuela dictaba talleres para jóvenes y adolescentes, luego fue a bellas artes donde destaco haber podido asistir a seminarios de sensibilización y donde tomo la idea de sensibilizar por medio de la practica. Mas tarde fue también a la facultad de arquitectura que abandonó a poco de culminar

Se fue a vivir a San Pablo luego o casi terminada la dictadura. El cuenta que no le fue tan grave la dictadura por que no había con que compararla entonces era eso y listo. Pero luego de la dictadura el ambiente era muy depresivo, todo estaba mal, entonces fue ahí que decidió irse. San Pablo fue el destino seleccionado porque era donde le daban los recursos para ir. Ademas de ser de los centros de artes más importantes. 

Empezó a trabajar para un estudio de arquitectura muy importante donde el tenia que hacer las perspectivas de cómo iban a quedar las casas de los clientes.

Maria Freire era una persona muy importante a la hora de hablar de arte. Era un paradigma de los artistas contemporáneos en Uruguay. A su vez le fue fácil llegar a ella porque tenían un vinculo familiar. Tuvo un encuentro con ella donde llevo sus dibujos y le mostró lo que hacia. De ese encuentro una de las cosas mas relevantes que destaco fue que primero uno tiene que estar contento con lo que uno hace para que después pueda recibir la aprobación del otro. Después de este encuentro se le abrieron las puertas para poder llevar su trabajo a distintos críticos. Luego de no tener respuestas por ninguno, uno de los críticos vio sus trabajos y empezó a ver lo bueno en su arte.

Alfredo fue criado en una familia con cierta sensibilidad hacia la arquitectura. Su arte se destaca por ser figurativo’- en sus obras se ven dibujadas siempre muchas ciudades. Cuenta tener un obsesión con el tiempo. Procesos con principio y fin.

Su primera exposición fue en 1994. Se propuso sacarle el jugo a esto que se tenia fe que iba a durar. A su vez su punto de partida para dibujar y mostrar en sus pinturas muchas veces empezaban por ser sus obsesiones. Él en su vida es obsesivo una de sus obsesiones es el tiempo. Esto es su motor es lo que lo hace estar vivo. En paralelo empezó a trabajar en audiovisual. Estando ahí con sus compañeros se encontró siempre hablando de Montevideo, la procuración que le generaba la ciudad. Entonces fue ahí que sus propios amigos le decían porque no se postulaba como intendente. 

Uno puede suponer que el arte y la política no contienen puntos en común y es todo lo contrario a eso. Perfectamente se puede ver un interés entre el arte y la política ya qué política muchas veces esta relacionado a los temas de la ciudad.

En ese entonces se venían las elecciones del 2010 y decide hacer una lista (falsa) postulándose como intendente, exposición que no transcendió por la falta de redes sociales. En 2015 se da otro lanzamiento de esa misma lista pero esta vez con más preparación y con un trabajo mucho mas elaborado y profundo en redes. Tenia un muy buen equipo gráfico atrás, tanto es así que empezaba a ser super creíble todo... uno de los puntos a favor de estas elecciones a las pasadas era que jugo mucho tiempo antes con la difusión en los medios y genero mucha exposición. A muchos ciudadanos por no decir todos se les ocurría o tenían un proyecto para Montevideo, todos son ficciones en la (política) el dinero, naciones, fronteras, etc. Con ese pensamiento fue que la lista falsa pudo tener su lugar en las elecciones y no era algo tan fuera de lugar.

En Montevideo muchas de las construcciones antiguas vemos que las demuelen para hacer nuevos edificios y no se dan cuenta que eso no es sustentable porque con eso que ya esta ahí hace varios años se puede revertir la manera de rediseñarlo y que no se pierda todo por completo. Esas construcciones que se destruyen en su interior vemos estructuras que jamas van a volver a reproducirse. Sin embargo cuándo viajemos y vamos a Europa vemos estas mismas construcciones y hacemos cola para sacarnos fotos y cuando esta en nuestro país dejamos que se tiren abajo. Un ejemplo son las fincas que siempre podrían ser reutilizadas. Alfredo piense que cuando se esta en plena fertilidad de tener todo no es sustentable demolerlo. 

En resumen hablo del patrimonio de culturas. Le debemos dar valor a nuestro patrimonio tenemos que aprender a ver conocimiento. Su proyecto multidisciplinario tomado con mucho humor realizando una parodia de la política. Está esta vinculada a la ciudad dice que todo habla. Los artista deberían poder gestionar el trabajo de otros artistas, de esta manera se genera un mayor provecho a todo.

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Manet, biografía

Datos biográficos:

Nombre completo: Édouard Manet

Nacimiento (fecha y lugar): 23 de enero de 1832. Francia.

Fallecimiento (fecha y lugar): 30 de abril de 1883. Francia.

Estudios: Pintura.

Ocupación: Pintor.

Movimiento: Impresionismo.

Religión: Catolicismo.

Hitos:

1847. Finaliza sus estudios sin obtener la calificación necesaria para estudiar Derecho. Esta situación causa indignación en su padre, que era magistrado.

1853 - 1856. Recorre Italia, los Países Bajos, Alemania, Austria y España conociendo las obras de grandes maestros, como actividad de aprendizaje.

1856: Abandona el taller de Thomas Couture, donde estaba estudiando, pues considera anticuadas las enseñanzas del maestro.

1863. Finaliza uno de sus cuadros más rechazados por la crítica: «Almuerzo sobre la hierba». La pintura es rechazada por el Salón de París y enviada el “Salon des Refusés”.

1865. Una nueva obra es rechazada por el Salón de París: «Olympia». Este exhibe una clara parodia a una obra renacentista y describe los hábitos sexuales de la época.

1865. Regresa a España. En ese viaje descubre la pintura barroca española, especialmente la Diego Velázquez, que tendrá una enorme influencia en sus posteriores obras.

1867. Cansado de la mala acogida de sus obras, decide crear su propia exposición, con cincuenta de sus obras. Infortunadamente, no consigue éxito público.

1871. Luego de la guerra franco-prusiana y durante el armisticio, hace parte de la Federación de Artistas de la Comuna de París. Esta se conformó por 14 pintores y 10 escultores.

1870’s. Se fortalece su relación con el pintor francés Claude Monet, uno de los padres del impresionismo. Producto de esta relación, Manet comienza a implementar técnicas impresionistas en sus obras.

1872. El comerciante francés Paul Durand-Ruel adquiere 24 obras, por un valor de 35000 francos. Con ellas, organiza la primera exposición de impresionistas, aunque no obtiene un éxito comercial.

1880’s. Se reconoce su talento y se le otorga una medalla de segunda clase concedida por el Salón de París. Además, es nombrado Caballero de la Legión de Honor, la mayor distinción del gobierno francés.

Infográfico

En compañía de Carolina Monsalve y Juliá Guarín, la hitos en la vida del artista Edouart Manet se indican en este infográfico.

Referencias bibliográficas:

Adherents. (2014). Religion of Edouard Manet, famous painter. Recuperado el 24 de marzo de 2019 de http://www.adherents.com/people/pm/Edouard_Manet.html

Wikipedia. (2019). Claude Monet. Recuperado el 30 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

Wikipedia (2019) Édouard Manet. Recuperado el 24 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Édouard_Manet

Wikipedia. (2019). Paul Durand-Ruel. Recuperado el 30 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Durand-Ruel

Wikipedia. (2019). Salon des Refusés. Recuperado el 30 de marzo de 2019 de https://es.wikipedia.org/wiki/Salon_des_Refusés

Esta actividad pertenece al curso de “Creatividad”, a cargo de la profesora Claudia F. Castiblanco.

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Juan Carlos Morales S. Estudiante de Diseño Gráfico Sígueme en Twitter: @juancadotcom Mírame en Instagram: @juancadotcom

[gguadarrama]

ESTRATEGIA- PARODIA

“Magna Mutatio”, Imagen manipulada digitalmente, 1172 x 1800 pixeles, 500 dpi, 2021. 

Para la realización de la pieza Magna Mutatio, ocupé igualmente una pintura del tratado Splendor Solis, en este caso fue la número quince, titulada “Solis” que en su traducción significa “El Sol”. La elección de ella se basó principalmente en dos razones; la primera es porque para los alquimistas el sol es la representación más cercana del oro. La segunda razón es porque el oro es el material principal que buscaban con la creación del Opus Magnum. 

Para producir un discurso nuevo sobre la pieza, decidí ocupar la parodia debido a que quería ocupar imágenes de la actualidad, como lo son los memes, para “traducir” elementos más antiguos que además son más complejos y poco conocidos, por lo que de esta manera sería una forma en que las personas puedan tener un acercamiento y mayor comprensión de éste tipo de obras. 

En la representación original se podía visualizar en la parte superior central a unos caballos que jalan un carruaje y en el cual iba sentado la personificación del sol como rey. En su lugar coloque el famoso personaje Cheems, debido a que ya desde hace bastante tiempo, es un meme que no ha dejado de producirse, cambiar e incluso crear nuevos discursos. 

En las zonas laterales de la imagen se encontraban personajes realizando actividades físicas de pelea, por lo cual en su lugar coloqué algunos memes que están realizando alguna actividad de esa índole o bien tienen un físico con musculatura marcada. Por otro lado, la región inferior estaba caracterizada por personajes que parecían platicar, por esta razón incluí en esa parte imágenes que tuvieran alguna semejanza gestual o corporal con éstos. 

En el sector del marco central se posicionaba un dragón de tres cabezas el cual tenía una expresión dura y de agresividad, por lo que para seguir en la línea de lo semejante y de la parodia, cambie las caras por un meme en el cual se pueden interpretar ambas cuestiones, tanto la fuerza con la que se encuentran dos de las figuras combinado con el toque de burla que tiene la otra y que es representativa de los memes. Tanto la reinterpretación de la obra, como el proceso de cambio, se pueden asemejar a la producción del Opus Magnum. 

[sorenlorenson23]

Página 14-15 carga de materia

Para esta práctica me imaginé una parodia de la pintura salvador mundi donde Jesús sostiene una esfera representando al mundo , sin embargo yo hice una bola de carne sostenida por una mano robótica representando que en la actualidad y en el futuro solo somos y seremos un producto desechable para las corporaciones y muy posiblemente para las máquinas o inteligencias artificiales .

Para la carga de materia use harina de trigo con sellador comex para hacer la mano y los brillos en blanco de la esfera de carne , también le pegue alambres de cobre delgados pero al final se perdieron en la pasta de harina con sellador (yo esperaba que los alambres resaltaran por su color rojo)

[estoesdivertido]

Sobre cirugias y belleza

Amo esta canción y este video musical, me re llamó la estética medio futurista y el formato parodia, los trajes, las enfermeras, tampoco había visto antes una canción sobre el tema de las cirugias. Igual tiene ciertas ideas sobre belleza que a mi parecer son para debatir, es re interesante el tema. Según entrevistas, la cantante intentó transmitir el mensaje que: "en la era 4.0 no hay nada malo en la cirugía plástica para mejorar la belleza y la confianza. El destino siempre está en tus manos. Sin embargo, ¡no se exceda!" por ahí lei una critica que decía que el video había sido patrocinado por una cosmetología lo cual explicaría muchas cosas. La cosa es que desde que la escuche no puedo sacarmela cabeza UM BA LA UN BA LA. ENCIMA LA VERSION EN VIVO ES MEJOR, ES MIEL PARA MIS OIDOS.

"Beauty 4.0"- Hồ Ngọc Hà

Solo cierra los ojos un poco

Solo cierra los ojos un poquito, solo un poquito

Solo quedate quieta y descansa

Mañana seremos las más bellas, las más hermosas

Solo un monitor de frecuencia cardíaca, un anestésico y una aguja

Cuando me quedo quieta, solo hay oscuridad

Ahora mira en el espejo y date cuenta, ¿quién en el mundo es igual a ti?

Tan hermosa como una pintura

espejo, veo a mucha gente mirandome

espejo, veo a mucha gente que quiere ser yo

L a gente cree que que um ba la, um ba la, resulta que mi cuerpo es de jade y marfil

espejo, ves mucha gente queriendo alabarme

espejo, ves mucha gente elogiandome

pero no lo necesito porque estoy hecha de perla y marfil

Um ba la, um ba la, hey

Mientras lo intente cada minuto

Debo intentarlo cada minuto que pasa

ya nadie se burlara de mi

Un día seremos nosotros mismos

La superficie de la herida acaba debe ser suturada.

produce un dolor profundo

Muchas voces se entrelazan

La forma con la que soñe durante mucho tiempo,

experimenté muchas veces el dolor

Pensé que todavía estaba soñando

espejo, veo a mucha gente mirandome

espejo, veo a mucha gente quiere ser yo

la gente cree que um bala, um ba la, resulta que mi cuerpo es de jade

um bala, um ba la, hey

la gente cree que umbala um bala

resulta que mi cuerpo es de jade y marfil

espejo, ves a mucha gente queriendo alabarme

espejo, ves a mucha gente elogiandome

pero no lo necesito

porque estoy hecha de perla y marfil

um ba la, um ba la, hey me ves en ese espejo