#museo de arte moderno de san francisco

[andii872]

Avance proyecto transversal parcial 2

Alumna: Andrea García Rodríguez

Semestre: 4

Figura artesanal: Una muñeca

Reseña sobre el estado de chihuahua.

El estado de Chihuahua, ubicado en el norte de México, es una tierra rica en diversidad cultural y natural. Sus características culturales incluyen:

1. **Herencia Indígena:** La región ha sido habitada por diversas culturas indígenas a lo largo de la historia, incluyendo a los rarámuris (también conocidos como tarahumaras), los cuales conservan muchas de sus tradiciones ancestrales, como su arte textil y su habilidad para correr largas distancias.

2. **Arte Popular:** La artesanía es una parte integral de la cultura chihuahuense, destacando la cerámica de Mata Ortiz, el tallado en madera, las muñecas de barro y textiles elaborados con técnicas tradicionales.

3. **Gastronomía:** La comida chihuahuense es variada y deliciosa. Destacan platillos como el asado de res, el cabrito al pastor, los burritos, la machaca, el queso menonita y la tradicional birria.

4. **Festividades:** En Chihuahua se celebran diversas festividades religiosas y tradicionales a lo largo del año, como la Semana Santa, el Día de los Muertos y las fiestas patronales en honor a la Virgen de Guadalupe y a San Francisco de Asís.

5. **Música y Danza:** La música norteña y la danza folclórica son parte importante de la identidad cultural de Chihuahua. El corrido, el huapango y el polka son géneros musicales populares en la región, acompañados de instrumentos como el acordeón, la guitarra y el bajo sexto.

Estas son solo algunas de las características culturales que hacen de Chihuahua un estado único y lleno de tradiciones.

La ciudad de Chihuahua, capital del estado del mismo nombre en México, es una metrópoli vibrante y llena de historia que combina encanto colonial con modernidad. Conocida como la "Puerta del Norte", esta ciudad ofrece una experiencia cultural única y una amplia gama de atracciones para visitantes y residentes por igual.

Con una arquitectura que va desde edificios coloniales hasta modernos rascacielos, el centro histórico de Chihuahua es un testimonio de su rico pasado. La Catedral Metropolitana, la Casa Chihuahua y el Palacio de Gobierno son solo algunas de las joyas arquitectónicas que se pueden encontrar en sus calles empedradas.

Además de su patrimonio cultural, Chihuahua ofrece una variada oferta gastronómica que combina la cocina tradicional mexicana con influencias internacionales. Desde los sabrosos tacos de carne asada hasta los exquisitos platillos típicos como el menudo y el mole, la ciudad es un paraíso culinario para los amantes de la buena comida.

Para aquellos interesados en la historia y la cultura, Chihuahua cuenta con una serie de museos fascinantes, como el Museo Casa Juárez, que muestra la vida del célebre líder mexicano Benito Juárez, y el Museo de Arte Contemporáneo Casa Redonda, que alberga una impresionante colección de arte moderno y contemporáneo.

Por último, la naturaleza también tiene un lugar destacado en Chihuahua, con parques y áreas naturales cercanas que ofrecen oportunidades para practicar senderismo, ciclismo y otras actividades al aire libre.

En resumen, la ciudad de Chihuahua es un destino lleno de contrastes que combina historia, cultura, gastronomía y naturaleza en un solo lugar, ofreciendo una experiencia inolvidable para todos sus visitantes.

Figura artesanal: Muñecas Tradicionales

¿Cómo se hace una muñeca?

La elaboración de una muñeca artesanal del estado de Chihuahua es un proceso que requiere habilidad, creatividad y paciencia. Aunque los detalles específicos pueden variar dependiendo del tipo de muñeca y de las técnicas utilizadas por cada artesano, aquí hay una descripción general del proceso:

1. **Diseño y planificación:** El artesano comienza por decidir el diseño y tamaño de la muñeca. Puede basarse en personajes folclóricos, figuras históricas o simplemente en la imaginación del creador.

2. **Selección de materiales:** Se eligen los materiales adecuados para la muñeca, que pueden incluir barro, madera, tela, hilos y pinturas naturales. Es importante seleccionar materiales de alta calidad que sean duraderos y que permitan la expresión artística deseada.

3. **Modelado:** Si la muñeca se fabrica con barro o arcilla, el artesano comienza por dar forma al cuerpo, la cabeza y las extremidades. Cada parte se moldea con cuidado para lograr la forma y proporciones deseadas.

4. **Decoración:** Una vez que las partes principales de la muñeca están listas, se procede a decorarlas. Esto puede incluir pintura, tallado, bordado u otros detalles ornamentales que agreguen personalidad y estilo a la muñeca.

5. **Ensamblaje:** Si la muñeca consta de múltiples partes, como cabeza, torso y extremidades separadas, estas se ensamblan cuidadosamente utilizando técnicas específicas para garantizar la estabilidad y la movilidad adecuadas.

6. **Detalles finales:** Una vez que la muñeca está ensamblada, se agregan los toques finales, como el peinado, la ropa y los accesorios. Estos detalles pueden ser tan simples o elaborados como lo desee el artesano, y contribuyen en gran medida al carácter único de cada muñeca.

7. **Acabado:** Finalmente, se aplican los toques finales al acabado de la muñeca, que pueden incluir barnizado, pulido o cualquier otro tratamiento para mejorar su apariencia y durabilidad.

El proceso de fabricación de una muñeca artesanal del estado de Chihuahua es un verdadero acto de creatividad y destreza manual, que resulta en una obra de arte única que refleja la rica tradición cultural de la región.

En qué ciudad del estado de chihuahua?

De cual ciudad son originales las muñecas?

Las muñecas originales del estado de Chihuahua suelen estar hechas a mano por artesanos locales y están inspiradas en la rica historia y cultura de la región. Pueden representar a personajes históricos, figuras folclóricas o simplemente reflejar la vida cotidiana de la zona. Los materiales utilizados pueden variar, pero a menudo incluyen textiles, madera y otros elementos naturales. Cada muñeca es única y lleva consigo el talento y la creatividad de quien la elabora.

Las muñecas originales del estado de Chihuahua se elaboran en diferentes ciudades y pueblos de la región, pero su producción es especialmente destacada en la ciudad de Chihuahua, la capital del estado. Sin embargo, también se pueden encontrar artesanos que fabrican estas muñecas en otros lugares de la entidad, como Ciudad Juárez, Creel, Casas Grandes y otros municipios. Cada localidad puede tener sus propias variaciones en el diseño y estilo de las muñecas, lo que añade diversidad al arte regional.

Para que se utilizan?

Las muñecas artesanales tienen una variedad de usos y propósitos en diferentes contextos culturales y sociales. Algunos de los usos más comunes incluyen:

1. **Objetos de decoración:** Las muñecas artesanales se utilizan frecuentemente como elementos decorativos en hogares, oficinas, tiendas y otros espacios. Su belleza y singularidad las convierten en piezas de conversación y puntos focales en la decoración interior.

2. **Regalos y souvenirs:** Las muñecas artesanales son populares como regalos únicos y memorables. Tanto para turistas como para locales, son una forma de llevar consigo un pedazo de la cultura y la tradición de la región.

3. **Representaciones culturales:** Las muñecas artesanales a menudo representan personajes históricos, figuras folclóricas o escenas de la vida cotidiana, lo que las convierte en herramientas para preservar y transmitir la cultura y las tradiciones locales a las generaciones futuras.

4. **Objetos de colección:** Para algunos aficionados, las muñecas artesanales son objetos de colección que se aprecian por su valor estético, artístico e histórico. Se pueden exhibir en vitrinas o colecciones privadas y pasar de generación en generación como legado familiar.

5. **Fuentes de ingresos:** Para los artesanos que las fabrican, las muñecas artesanales son una fuente de ingresos importante. La venta de estas muñecas les permite ganarse la vida y mantener viva la tradición artesanal en sus comunidades.

En resumen, las muñecas artesanales tienen una amplia gama de usos y significados, desde objetos decorativos hasta representaciones culturales y fuentes de ingresos para los artesanos que las crean. Su valor va más allá de lo estético, ya que también son portadoras de historia, tradición y creatividad.

Quién las creo?

Las muñecas artesanales del estado de Chihuahua son creadas por hábiles artesanos locales que han pasado de generación en generación sus técnicas y conocimientos sobre la fabricación de estas hermosas piezas. No hay una persona específica que haya creado todas las muñecas artesanales de Chihuahua, ya que esta forma de arte es el resultado del trabajo y la creatividad de numerosos artesanos a lo largo del tiempo.

Cada artesano tiene su propio estilo y enfoque único, lo que hace que cada muñeca sea una obra de arte individual y distintiva. Sin embargo, se puede decir que la comunidad de artesanos de Chihuahua en su conjunto es responsable de preservar y promover esta tradición artesanal tan apreciada en la región.

Que proponen?

Las muñecas artesanales del estado de Chihuahua no suelen proponer algo específico en términos de mensaje o agenda, sino que más bien representan una forma de expresión cultural y creativa. Sin embargo, pueden transmitir valores, tradiciones y aspectos de la identidad cultural de la región a la que pertenecen.

Por ejemplo, algunas muñecas pueden representar personajes históricos o figuras folclóricas que son importantes para la identidad de la comunidad. Otras pueden reflejar escenas de la vida cotidiana o festividades locales, mostrando la riqueza y diversidad de la cultura chihuahuense.

En resumen, las muñecas artesanales del estado de Chihuahua proponen una manera única de celebrar y preservar la historia, la tradición y la creatividad de la región, ofreciendo al mismo tiempo belleza estética y significado cultural.

INGLESS

Avance del proyecto transversal parcial 2

Figura artesanal: Una muñeca

Reseña sobre el estado de Chihuahua:

El estado de Chihuahua, located in northern Mexico, is a land rich in cultural and natural diversity. Its cultural characteristics include:

1. **Indigenous Heritage:** The region has been inhabited by various indigenous cultures throughout history, including the Rarámuris (also known as Tarahumaras), who preserve many of their ancestral traditions such as their textile art and their ability to run long distances.

2. **Popular Art:** Handicrafts are an integral part of Chihuahua's culture, highlighting pottery from Mata Ortiz, wood carving, clay dolls, and textiles crafted with traditional techniques.

3. **Gastronomy:** Chihuahua's cuisine is varied and delicious. Dishes such as beef roast, roasted kid, burritos, machaca, Mennonite cheese, and traditional birria stand out.

4. **Festivals:** Various religious and traditional festivals are celebrated in Chihuahua throughout the year, such as Holy Week, Day of the Dead, and patron saint festivities in honor of Our Lady of Guadalupe and Saint Francis of Assisi.

5. **Music and Dance:** Northern music and folk dance are an important part of Chihuahua's cultural identity. Corridos, huapangos, and polkas are popular musical genres in the region, accompanied by instruments such as the accordion, guitar, and bass sexto.

These are just some of the cultural characteristics that make Chihuahua a unique state full of traditions.

The city of Chihuahua, the capital of the state of the same name in Mexico, is a vibrant metropolis full of history that combines colonial charm with modernity. Known as the "Gateway to the North," this city offers a unique cultural experience and a wide range of attractions for visitors and residents alike.

With architecture ranging from colonial buildings to modern skyscrapers, Chihuahua's historic downtown is a testament to its rich past. The Metropolitan Cathedral, the Chihuahua House, and the Government Palace are just some of the architectural gems that can be found on its cobbled streets.

In addition to its cultural heritage, Chihuahua offers a varied gastronomic offer that combines traditional Mexican cuisine with international influences. From tasty beef tacos to exquisite typical dishes such as menudo and mole, the city is a culinary paradise for food lovers.

For those interested in history and culture, Chihuahua has a series of fascinating museums, such as the Juárez House Museum, which showcases the life of the famous Mexican leader Benito Juárez, and the Contemporary Art Museum Casa Redonda, which houses an impressive collection of modern and contemporary art.

Finally, nature also has a prominent place in Chihuahua, with parks and natural areas nearby that offer opportunities for hiking, cycling, and other outdoor activities.

In summary, the city of Chihuahua is a destination full of contrasts that combines history, culture, gastronomy, and nature in one place, offering an unforgettable experience for all its visitors.

Artesanal figure: Traditional Dolls

How is a doll made?

The making of an artisanal doll from the state of Chihuahua is a process that requires skill, creativity, and patience. Although specific details may vary depending on the type of doll and the techniques used by each artisan, here is a general description of the process:

1. **Design and planning:** The artisan begins by deciding on the design and size of the doll. It can be based on folk characters, historical figures, or simply the creator's imagination.

2. **Material selection:** The appropriate materials for the doll are chosen, which may include clay, wood, fabric, threads, and natural paints. It is important to select high-quality materials that are durable and allow for the desired artistic expression.

3. **Modeling:** If the doll is made of clay or clay, the artisan begins by shaping the body, head, and limbs. Each part is carefully molded to achieve the desired shape and proportions.

4. **Decoration:** Once the main parts of the doll are ready, they are decorated. This may include painting, carving, embroidery, or other ornamental details that add personality and style to the doll.

5. **Assembly:** If the doll consists of multiple parts, such as a separate head, torso, and limbs, these are carefully assembled using specific techniques to ensure proper stability and mobility.

6. **Final details:** Once the doll is assembled, final touches are added, such as hair styling, clothing, and accessories. These details can be as simple or elaborate as the artisan desires and greatly contribute to the unique character of each doll.

7. **Finishing:** Finally, finishing touches are applied to the doll's finish, which may include varnishing, polishing, or any other treatment to enhance its appearance and durability.

The process of making an artisanal doll from the state of Chihuahua is a true act of creativity and manual skill, resulting in a unique work of art that reflects the rich cultural tradition of the region.

In what city in the state of Chihuahua?

Which city are the dolls originally from?

The original dolls from the state of Chihuahua are usually handmade by local artisans and are inspired by the region's rich history and culture. They can represent historical figures, folkloric figures, or simply reflect daily life in the area. The materials used may vary, but often include textiles, wood, and other natural elements. Each doll is unique and carries with it the talent and creativity of its maker.

The original dolls from the state of Chihuahua are made in different cities and towns in the region, but their production is especially prominent in the city of Chihuahua, the capital of the state. However, artisans who make these dolls can also be found in other places in the state, such as Ciudad Juárez, Creel, Casas Grandes, and other municipalities. Each locality may have its own variations in the design and style of the dolls, adding diversity to regional art.

What are they used for?

Artisanal dolls have a variety of uses and purposes in different cultural and social contexts. Some of the most common uses include:

1. **Decorative objects:** Artisanal dolls are often used as decorative elements in homes, offices, shops, and other spaces. Their beauty and uniqueness make them conversation pieces and focal points in interior decoration.

2. **Gifts and souvenirs:** Artisanal dolls are popular as unique and memorable gifts. Both for tourists and locals, they are a way to carry a piece of the region's culture and tradition.

3. **Cultural representations:** Artisanal dolls often represent historical characters, folkloric figures, or scenes from everyday life, making them tools for preserving and transmitting local culture and traditions to future generations.

4. **Collectibles:** For some enthusiasts, artisanal dolls are collectible items appreciated for their aesthetic, artistic, and historical value. They can be displayed in showcases or private collections and passed down from generation to generation as a family legacy.

5. **Sources of income:** For the artisans who make them, artisanal dolls are an important source of income. Selling these dolls allows them to make a living and keep the artisanal tradition alive in their communities.

In summary, artisanal dolls have a wide range of uses and meanings, fro

Villanueva, A. (2022c, septiembre 17). Muñeca tarahumara; un legado del estado de Chihuahua | El Souvenir. El Souvenir. https://elsouvenir.com/muneca-tarahumara-legado-chihuahua/?amp=1

https://www-mexicodesconocido-com-mx.cdn.ampproject.org/v/s/www.mexicodesconocido.com.mx/como-hacer-munecas-de-trapo.html?amp=&amp_gsa=1&amp_js_v=a9&usqp=mq331AQIUAKwASCAAgM%3D#amp_tf=De%20%251%24s&aoh=17131918229040&referrer=https%3A%2F%2Fwww.google.com&ampshare=https%3A%2F%2Fwww.mexicodesconocido.com.mx%2Fcomo-hacer-munecas-de-trapo.html

https://www.gob.mx/siap/articulos/se-erige-el-estado-de-chihuahua#:~:text=Est%C3%A1%20ubicado%20en%20la%20regi%C3%B3n,pol%C3%ADtica%20consta%20de%2067%20municipios.

[asambleaeru]

Tengo que terminar esto y tengo que terminarlo ahora...

- Decidido a hacer algo más que estar durmiendo que no se quejaba porque tenía que descansar aunque sea algunas horas había decido ir a la biblioteca mínimo dos horas por cada día. Había conseguido gracias a su libro que no sabía que también era tan bien recibido en aquel país algunas columnas en los periodicos de aquella cuidad así que tenía que escribir un poco desde la perspectiva de un americano en Londres. Por lo que tenía que investigar un poco y visitar algunos lugares que quizás no le daría tiempo durante la noche con Armand. Pero, si claro que le mostraría lo que escribiera a él pues sería siempre su crítico número uno así que allí estaba solo en aquella enorme biblioteca que era espectacular además era muy fácil perderse entre sus estanterías. le gustaba escribir en aquella máquina pero está vez se dedicó a hacerlo a puño y letra claramente habían un montón de papeles hechos bolas tirados sobre el suelo.-

" Londres es uno de los grandes destinos turísticos del mundo. Cuando llegas, te das cuenta rápidamente del porqué. Londres es una ciudad diversa, colorista, cosmopolita, deslumbrante. Una ciudad que cuenta con una historia de más de dos mil años, pero en la que se funde lo moderno y futurista con una gran profusión de artes y espectáculos"

- Frustrado un poco bebio un trago directo de whisky. Parecía costarle un poco más pero tenía su walkman así que lo puso a funcionar y PinkFloyd lo había llevado de pronto a San Francisco una leve sonrisa se dibujo en sus labios mientras volvía a escribir. Había decidido volver a escribir no solo para Armand, no solo para el mismo si no también para otros y tenía que retornarlo desde ahora porque no quería perder todo lo que había ganado todo ese conocimiento tenía que estar plasmado en algún lado -

". La Londres histórica, la moderna, la Londres del Big Ben y el Parlamento, la de la Abadía de Westminster y el London Eye, la Londres de Notting Hill y la del centro histórico, la que se echa a las calles y se mete en los pubs, la que visita sus museos o la que se pierde entre los espectáculos del West End. Es imposible marcharse indiferente de esta ciudad."

Que más puedo poner aquí ...

-Comento para el mismo puesto que la soledad de aquella biblioteca notaría aún cuando eran casi las seis de la tarde, tomo otro poco de whisky para luego volver a la escritura. Tachando algunas palabras y colocando otras por sobre estas, eso después de que estuviese terminado sería pasado en la máquina de escribir que tenía en aquel hotel en dónde seguramente Armand estaba dormido. Pasaron dos horas más ya eran aproximadamente las nueve de la noche y aún seguía allí se había tenido que esconder para que no le sacarán de ese lugar porque deseaba terminarlo allí -

"Londres es una ciudad global, uno de los centros neurálgicos en el ámbito de las artes, el comercio, la educación, el entretenimiento, la moda, las finanzas, los medios de comunicación, la investigación, el turismo o el transporte. Es el principal centro financiero del mundo junto con Nueva York."

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CASA MEDICI

Arquitecto: Mario Bott

Año de Construcción: 1981-1982      

Año de Diseño: 1980

Área del terreno: 700m2

Superficie útil: 250m2

Volumen construido: 1400m3

Ubicación: Stabio, Ticino, Suiza

Biografía del arquitecto

Mario Botta nació el 1 de abril de 1943 en Mendrisio, cantón Tesino, Suiza. Él consiguió su título de arquitecto en IUAV de Venecia en 1969 tras haber dejado los estudios con 15 años y convertirse en dibujante en prácticas para el estudio de Carloni Y Camenish en Lugano (Suiza) . Allí conoce a Luis Kahn y trabaja en el taller de Le Corbusier. Ellos finalmente serán un gran ejemplo e inspiración para Botta que a su vez consigue evolucionar su lenguaje y proyectar formas puras, geométricas e imponentes.  Botta utiliza el ladrillo como uno de los materiales a los que vincula su poética, cubriendo con una fina capa así todos sus proyectos. 

En 1969 abre su estudio en Mendrisio con él, empezará su gran auge su carrera profesional realizando obras significativas y ejemplares destacando especialmente la arquitectura religiosa. En ese mismo tiempo comienza a tantear el territorio de la docencia, conferencias y seminarios.  

Su trabajose puede ver ampliamente en Suiza, particularmente en la región de Tesino y también en la Médiathèque de Villeurbanne (1988), en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1994) o en la Catedral en Évry (1995).

Descripción de la obra

La Casa Medici, o también conocida como `Casa Rotonda´ se ubica  en el extremo norte de un barrio residencial en las afueras de Stabio, Ticino, Suiza.

La forma de esta casa cuenta con la peculiaridad, que se trata de una forma cilíndrica, evitando así cualquier tipo de contraste o comparación con ella misma, ya que Botta desarrolló esta forma con esa intención donde se desarrolla la vivienda en cuatro niveles. De esta manera, al contar con un diseño circular, la casa no tiene fachada y no se puede cuadrar con el edificio del pueblo cercano. Con la intervención del hormigón macizo parece que el propio edificio ignora el paisaje, pero no, ya que la posición fue estudiada para dar respuesta a la topología del entorno y a las casas que la rodean.

En cuanto a la programación del edificio, se desarrolla en cuatro plantas unidas mediante una escalera que corta a cada una de ellas incluso al sótano, lo que hace que a medida que los usuarios suben a las plantas superiores, van experimentando diferentes niveles de privacidad, pese a que la organización sigue siendo la misma. En la planta baja, nos encontramos con un diseño que relaciona en pequeña medida el interior con el exterior debido a las paredes de vidrio en las `paredes´ opuestas. Ésta, está ocupada por un porche abierto y un garaje que dan paso al vestíbulo de entrada y a la caja de escaleras. En la primera planta, se desarrollan las actividades diurnas, cuenta con un gran ventanal orientado al sur y un lucernario del segundo piso, donde a un lado se encuentran la sala de sala de estar y estudio y al otro, el comedor y la cocina, los cuales, estos dos últimos tienen acceso a un balcón común. En la segunda y última planta nos encontramos con las zonas privadas donde se hallan las habitaciones, siendo la habitación principal la que ocupa todo un lateral del edificio. En esta última planta nos encontramos con un hueco que permite observar la planta inferior a través de él.

Cuenta con una iluminación de hileras de ventanas desde el techo hasta el suelo ubicadas a lo largo de las fachadas norte y sur, hacen que se maximicen y dejan que el paisaje entre en el espacio conectándose así con el exterior.

Debido al uso del hormigón macizo parece que el propio edificio ignora el paisaje, pero es totalmente al contrario ya que la posición fue estudiada para dar respuesta la propia tipología del entorno y a las casas que la rodean. El contraste del muro circular exterior y la organización interior ortogonal ilustra cómo los dos elementos pueden unirse con éxito.

Contexto Cultural

Cuando Mario Botta empezó a proyectar la casa para los clientes Liliana y Ovido Medici, se imaginaba un edificio de planta circular macizo de hormigón gris, atravesada en su eje norte-sur por una fisura por la que desciende luz cenital. La casa Rotonda fue construida y diseñada con una serie de fases: la intención principal era evitar cualquier comparación o contraste con otros edificios circundantes siendo esta la primera fase, pero a su vez buscando una relación espacial con el paisaje lejano y el horizonte. En segunda fase se proyectó la casa en cuatro niveles destinados a separar las actividades diurnas y nocturnas.

La arquitectura de Mario Botta en la villa Rotonda es una crítica a la arquitectura del capitalismo, sin escrúpulos y creadora de productos indisciplinados. Proponiendo un retorno a las buenas maneras y a la dignidad tradicional ciudad europea. 

Webgrafía

Casa Rotonda - Consultado el 01/12/2022

URL: https://www.idesign.wiki/es/casa-rotonda-1982-2/

Casa Rotonda  - Consultado el 01/12/2022

URL: https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-rotonda/

Casa Rotonda (1982)- Consultado el 01/12/2022

URL:  https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Rotonda

Mario Botta - Consultado el 24/11/2022

URL: https://www.laprairie.com/es-es/the-house-artist-mario-botta.html 

Mario Botta - Consultado el 24/11/2022

URL: https://www.laprairie.com/es-es/the-house-artist-mario-botta.html

[deviajemexico]

Viaja de la Ciudad de México, Central del Norte, a San Miguel de Allende, Guanajuato.

¿Qué hace especial a San Miguel de Allende?

Arquitectura colonial: Calles adoquinadas, fachadas coloridas, iglesias barrocas y casas antiguas conforman el paisaje urbano de San Miguel. La Parroquia de San Miguel Arcángel, con sus imponentes torres rosas, es uno de los símbolos más emblemáticos de la ciudad.

Escena artística: San Miguel es un imán para artistas de todo el mundo. Galerías de arte, talleres de artesanía y estudios de diseño abundan en la ciudad, ofreciendo una amplia variedad de expresiones artísticas.

Ambiente cosmopolita: La ciudad ha sabido combinar su rica herencia cultural con un ambiente cosmopolita y moderno. Encontrarás una gran variedad de restaurantes, bares, tiendas y hoteles que satisfarán todos los gustos.

Eventos culturales: A lo largo del año se celebran diversos festivales y eventos culturales, como el Festival de San Miguel de Allende, que atrae a artistas y amantes del arte de todo el mundo.

Actividades al aire libre: Además de explorar el centro histórico, puedes disfrutar de actividades al aire libre como senderismo, ciclismo de montaña y visitas a viñedos cercanos.

¿Qué hacer en San Miguel de Allende?

Pasear por el centro histórico: Perderse entre las calles empedradas y admirar la arquitectura colonial es una experiencia inolvidable.

Visitar las iglesias: Además de la Parroquia, te recomendamos visitar el Templo de San Francisco y la Capilla de Nuestra Señora de la Salud.

Explorar los museos: El Museo Histórico de San Miguel de Allende y el Museo del Desierto son dos opciones interesantes para conocer más sobre la historia y la cultura de la región.

Comprar artesanías: Encontrarás una gran variedad de artesanías locales, como cerámica, textiles y joyería.

Disfrutar de la gastronomía: La cocina mexicana tiene un lugar especial en San Miguel. Prueba los platillos típicos como los chiles rellenos, los tacos y los mole.

Relajarte en un spa: Después de un día de exploración, puedes relajarte en uno de los muchos spas de la ciudad.

¿Por qué visitar San Miguel de Allende?

San Miguel de Allende es un destino ideal para aquellos que buscan una experiencia cultural rica, un ambiente relajado y una belleza arquitectónica sin igual. Ya sea que estés interesado en el arte, la historia, la gastronomía o simplemente en disfrutar de un buen clima, esta ciudad tiene algo que ofrecerte.

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IMAGENES Y DATOS INTERESANTES DEL 10 DE SEPTIEMBRE DE 2024

Día Internacional para la prevención del suicidio, Semana Europea del Cáncer de Pulmón, Año Internacional de los Camélidos.

Santa Pulqueria, San Sóstenes, San Nemesiano, San Auberto, San Nicolás de Tolentino y Santa Metrodora.

Tal día como hoy en el año 2023

Un "Medicán", huracán formado en el Mediterráneo, entra en Libia en forma de violento ciclón tropical y es tanta la lluvia que, en la localidad de Derna se produce la rotura de dos presas que arrasan la ciudad con la tremenda cifra de 20.000 fallecidos 30.000 desplazados. Tambíén se llegan a formar lagos en pleno desierto. (Hace 1 año)

2008

En el Laboratorio Europeo de Física de Partículas del CERN, ubicado en Suiza, se lleva a cabo el mayor experimento de la Historia hasta este momento cuando, sobre las 9:30 h, el mayor y más caro acelerador de partículas del mundo, el LHC, entra en funcionamiento y el primer haz de protones recorre sus 27 kilómetros de largo para tratar de simular el "big bang" a muy pequeña escala, la explosión que ocurrió hace 15.000 millones de años dando origen al espacio conocido. 10.000 científicos de más de 80 países esperan resolver grandes enigmas: de dónde venimos, cómo hemos llegado hasta aquí, de qué está hecho el universo y por qué es como es. Con ello se culminan casi 20 años de trabajo para físicos, ingenieros, técnicos y personal de apoyo de más de 80 países. (Hace 16 años)

2002

Suiza, país tradicionalmente neutral y una de las democracias más antiguas del mundo, se une a las Naciones Unidas pasando de observador a miembro de pleno derecho. (Hace 22 años)

1981

El "Guernica", monumental pintura contra la guerra, de Pablo Picasso vuelve a España. La pintura, realizada por encargo del Gobierno Republicano para el pabellón español en la Exposición Universal de París de 1937, se inspira en un execrable hecho acaecido en 1937, en el transcurso de la Guerra Civil Española, al consentir Francisco Franco, que la Alemania nazi de Hitler probara su recién estrenada fuerza aérea en Guernica, pueblo del país vasco. Después de tres horas de bombardeo, unos 1.600 de los 5.000 vecinos habían fallecido. En señal de protesta y recuerdo de la ignominia para la Historia, Pablo Picasso pintó este enorme cuadro en su destierro de París. En 1939, la pintura fue envíada a Nueva York, en cuyo Museo de Arte Moderno (MOMA) permaneció, de acuerdo con los expresos deseos del pintor, hasta que la democracia volviese de nuevo a España. En la actualidad se puede admirar este gigantesco cuadro en el Museo Reina Sofía de Madrid. (Hace 43 años)

1952

Se celebra en Luxemburgo la primera sesión de la Asamblea de la Comunidad del Carbón y del Acero (CECA), integrada por 77 diputados y antecesora del Parlamento Europeo. (Hace 72 años)

1943

En Italia, tras haberse producido la caída del régimen fascista a finales de julio pasado, las tropas alemanas entran en la ciudad de Roma comenzado su ocupación que durará hasta la liberación de la citada urbe por el ejército angloamericano el 4 de junio de 1944. El territorio Vaticano permanecerá sin violarse, demostrando el reconocimiento de la independencia de la Santa Sede por parte de la Alemania nazi. (Hace 81 años)

1919

Se firma el Tratado de Paz de Saint Germain en Laye (Francia). A consecuencia del mismo, Austria quedará obligada a cumplir con importantes cesiones territoriales a Italia, Yugoslavia y Checoslovaquia. Asimismo se la obliga a reconocer, según el apartado V del tercer Capítulo, a las minorías étnicas. (Hace 105 años)

1831

En España se promulga un real decreto que dispone la creación de una Bolsa de Valores en la ciudad de Madrid. (Hace 193 años)

1823

Simón Bolívar llega al puerto de Callao (Perú) donde se dedica a adiestrar y organizar el nuevo ejército mientras continua con las actividades políticas, todo ello para liberar el continente americano. (Hace 201 años)

1814

Mediante decreto de esta fecha, en Buenos Aires (Argentina), el director supremo de las Provincias Unidas del Río de la Plata Gervasio Posadas, separa la provincia de Entre Ríos de la de Corrientes, separándolas de la Gobernación Intendencia de Buenos Aires y fijando sus respectivas jurisdicciones con sus propios titulares. (Hace 210 años)

1785

Prusia firma un tratado comercial con la recién nacida nación de los Estados Unidos de América. (Hace 239 años)

1721

Rusos y suecos firman en Nystadt (Rusia) un tratado de paz que pone fin a la Gran Guerra del Norte, dando con ello comienzo a un siglo de equilibrio de fuerzas en el Báltico. Rusia se anexiona Livonia, Estonia, Ingria y Carelia. (Hace 303 años)

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Arquitectos en el norte de España

Los arquitectos en el norte de España, una región conocida por su diversidad geográfica y cultural, juegan un papel fundamental en el desarrollo y conservación del entorno construido. La arquitectura en esta área es variada, reflejando tanto influencias históricas como innovaciones modernas. A continuación, se presenta un análisis detallado de la arquitectura en el norte de España, destacando regiones clave, estilos arquitectónicos, profesionales influyentes y desafíos contemporáneos.

Contexto Regional

El norte de España incluye varias comunidades autónomas, cada una con sus propias características culturales y arquitectónicas:

Galicia

Arquitectura Vernácula: Las casas tradicionales gallegas, conocidas como "pazos" y "casas de aldea", están construidas principalmente con piedra y tienen techos de teja o pizarra.

Modernismo y Contemporáneo: Santiago de Compostela y A Coruña son ejemplos de ciudades donde la arquitectura moderna coexiste con monumentos históricos. Arquitectos como César Portela han contribuido significativamente a la arquitectura contemporánea de la región.

Asturias

Patrimonio Histórico: Oviedo y Gijón tienen una rica herencia arquitectónica que incluye iglesias prerrománicas como Santa María del Naranco y San Miguel de Lillo.

Arquitectura Industrial: La reconversión de antiguas fábricas y espacios industriales en centros culturales y comerciales es una tendencia creciente.

Cantabria

Arquitectura Tradicional: Las casas montañesas del estudio de arquitectura cantabria, con su distintiva balconada de madera y tejados a dos aguas, son comunes en la región.

Proyectos Contemporáneos: El Centro Botín en Santander, diseñado por Renzo Piano, es un ejemplo de arquitectura moderna en Cantabria.

País Vasco

Modernismo y Vanguardismo: Bilbao es un referente mundial con el Museo Guggenheim, diseñado por Frank Gehry, que ha sido un catalizador para la transformación urbana de la ciudad.

Arquitectura Sostenible: El País Vasco ha adoptado prácticas de construcción sostenible y diseño urbano, con proyectos como la regeneración de la ría de Bilbao.

Arquitectos y Estudios Destacados

Santiago Calatrava

Conocido por sus diseños innovadores y estructuralmente complejos, Calatrava ha dejado su huella en varias ciudades del norte de España. Su obra en Bilbao y Oviedo destaca por su combinación de arte e ingeniería.

Rafael Moneo

Moneo, un arquitecto Galicia galardonado con el Premio Pritzker, ha diseñado edificios emblemáticos en el norte de España, incluyendo la Catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles en Asturias.

Francisco Mangado

Con proyectos destacados en Galicia, Mangado es conocido por su enfoque en la integración del entorno natural y urbano, utilizando materiales locales y técnicas sostenibles.

Cesar Portela

Arquitecto gallego con una larga trayectoria en proyectos que respetan el entorno natural y cultural, Portela ha diseñado desde viviendas hasta grandes infraestructuras.

Estilos Arquitectónicos

Prerrománico y Románico

Asturias: Ejemplos notables incluyen Santa María del Naranco y San Miguel de Lillo, que datan del siglo IX y son Patrimonio de la Humanidad.

Gótico y Renacentista

Catedrales y Monasterios: La Catedral de Santiago de Compostela en Galicia es uno de los ejemplos más impresionantes del gótico español.

Modernismo

Influencias Catalanas: Aunque el modernismo está más asociado con Cataluña, su influencia se extiende al norte de España, especialmente en ciudades como Bilbao y San Sebastián.

Contemporáneo y Vanguardista

Leon: El Museo Guggenheim es el ejemplo de arquitecto Leon más destacado, pero también hay otros edificios modernos que han transformado el paisaje urbano.

Desafíos Contemporáneos

Sostenibilidad

La arquitectura sostenible es una prioridad en el norte de España. Los arquitectos están adoptando prácticas que incluyen el uso de materiales reciclados, eficiencia energética y diseño pasivo.

Preservación del Patrimonio

El desafío de mantener y restaurar edificios históricos mientras se adaptan a las necesidades modernas es una constante. La integración de tecnologías modernas en estructuras antiguas es una solución común.

Urbanización y Regeneración

Las ciudades del norte de España están experimentando un proceso de regeneración urbana, transformando antiguos barrios industriales en modernos espacios residenciales y comerciales.

Conclusión

Los arquitectos en el norte de España desempeñan un papel crucial en la creación de un entorno construido que refleja la rica herencia cultural y la innovación contemporánea. Desde la restauración de monumentos históricos hasta el diseño de edificios modernos y sostenibles, su trabajo es fundamental para el desarrollo de la región. La combinación de tradición y modernidad, junto con un enfoque en la sostenibilidad, asegura que la arquitectura del norte de España seguirá siendo un referente a nivel nacional e internacional.

[agendaculturaldelima]

   #EspacioAtemporal

🖼 “EMPTY ROOMS / SALAS VACIAS” 📷🎨🖌️

💥 Serie fotográfica que reflexiona sobre la conexión entre el pasado y el presente, y cómo los espacios vacíos pueden ser llenados con historias personales. Invita al espectador a reflexionar sobre la relación entre la memoria individual y la experiencia colectiva en espacios culturales compartidos.

👩 Artista: Anamaría McCarthy

🔎 Curaduría: Isabela Oliva Hare

 © Producción: Universidad Ricardo Palma.

📌 Inauguración:

 📆 Jueves 23 de Mayo

🕖 7:00pm.

🏛 Galería de Artes Visuales del Centro Cultural Ccori Wasi (av. Arequipa 5198 - Miraflores)

🎯Temporada: Hasta el 30 de junio

👪 Visitas: Lunes a domingo 🕙 11:00am. a 8:00pm.

 🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre.

📝 CV.- (Nueva York, 1955), de madre peruana y padre norteamericano, reside en Lima desde el año 1973. Cursa la especialidad de cerámica escultórica e incursiona en la fotografía, centrándose en el desnudo, el autorretrato y en su archivo familiar. Ha sido premiada con la medalla del 50° Salón Internacional de Fotografía del Japón, y reconocida en la I Bienal de Fotografía de San Juan, Puerto Rico (1998). En el año 2021, recibe el premio de Reconocimiento a la trayectoria profesional “Comunicación y Fotografía” de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas-UPC. Ente sus numerosas exposiciones se cuentan Fotofest 1996, Houston; Fotoseptiembre, México DF; Museo de las Artes, Guadalajara, México;  VI y VII Bienal de La Habana 1997 y 2000; A gift for India, Nueva Delhi; Camerawork, San Francisco, California; Museo de Arte Moderno de Mérida, Venezuela; FotoEspaña en Casa de América, Madrid; Museo del Barrio, Nueva York; antológica El espejo infiel, ICPNA, Lima; Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Santiago de Chile. Ha publicado siete libros de fotografía incluyendo sus memorias tituladas Reflejo de un momento, 2019. 

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¿Cuál es la diferencia entre cali antiguo y cali moderno?

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¿Cuál es la diferencia entre cali antiguo y cali moderno?

Arquitectura colonial en Cali

La arquitectura colonial en Cali es un reflejo de la rica historia de esta ciudad en Colombia. Durante la época colonial, Cali experimentó un importante crecimiento y desarrollo que se vio reflejado en su arquitectura. Los edificios coloniales de Cali se caracterizan por su estilo único, que combina influencias españolas y locales.

Uno de los ejemplos más destacados de arquitectura colonial en Cali es la Iglesia de San Francisco, construida en el siglo XVI. Este hermoso templo destaca por su fachada elaborada y su imponente torre, que se eleva sobre el cielo de la ciudad. En su interior, los visitantes pueden admirar impresionantes obras de arte religioso y disfrutar de la tranquilidad y la paz que se respira en este lugar histórico.

Otro importante monumento colonial en Cali es la Casa del Alférez Real, una casa señorial que data del siglo XVIII. Con su arquitectura bien conservada y su encantador patio interior, esta casa es un testimonio de la elegancia y el buen gusto de la época colonial en Cali. Actualmente, la Casa del Alférez Real alberga un museo que exhibe objetos y artefactos históricos relacionados con la vida en la ciudad durante la época colonial.

En resumen, la arquitectura colonial en Cali es un patrimonio cultural invaluable que nos transporta en el tiempo y nos permite apreciar la belleza y la riqueza histórica de esta encantadora ciudad colombiana.

Desarrollo urbano en Cali

El desarrollo urbano en Cali ha experimentado una transformación significativa en los últimos años, convirtiéndose en uno de los principales focos de atención en Colombia. Con una población en constante crecimiento y una economía en expansión, la ciudad se ha enfrentado a diversos desafíos y oportunidades en su desarrollo urbano.

Uno de los aspectos más destacados del desarrollo urbano en Cali es la modernización de su infraestructura. Se han realizado importantes inversiones en la construcción de nuevas carreteras, puentes y sistemas de transporte público, lo que ha mejorado la accesibilidad y conectividad dentro de la ciudad y con otras regiones del país.

Además, Cali ha apostado por el desarrollo de proyectos urbanos sostenibles y amigables con el medio ambiente. Se han implementado iniciativas de reforestación, creación de espacios verdes y programas de reciclaje, con el objetivo de preservar el entorno natural y promover un estilo de vida saludable para sus habitantes.

Otro aspecto fundamental del desarrollo urbano en Cali es la revitalización de áreas degradadas y la creación de nuevos espacios públicos. Antiguas zonas industriales y abandonadas han sido transformadas en modernos barrios residenciales, centros comerciales y parques recreativos, contribuyendo a la mejora del entorno urbano y la calidad de vida de sus habitantes.

Sin embargo, el desarrollo urbano en Cali también enfrenta desafíos importantes, como la necesidad de mejorar la seguridad ciudadana, reducir la informalidad y garantizar el acceso equitativo a los servicios básicos para todos los sectores de la población.

En resumen, el desarrollo urbano en Cali es un proceso dinámico y multifacético que ha transformado la ciudad en un centro vibrante de actividad económica, cultural y social. Con una visión de futuro y un compromiso con la sostenibilidad, Cali continúa avanzando hacia un desarrollo urbano integral que beneficie a todos sus habitantes.

Transformación urbanística de Cali

La transformación urbanística de Cali es un tema de gran relevancia en el desarrollo de esta ciudad colombiana. Durante las últimas décadas, Cali ha experimentado un notable cambio en su estructura urbana, impulsado por diversos factores como el crecimiento demográfico, la expansión económica y los proyectos de renovación urbana.

Uno de los aspectos más destacados de esta transformación es la modernización de su infraestructura vial. Se han construido nuevas avenidas, puentes y autopistas que han mejorado significativamente la movilidad dentro de la ciudad y han reducido los tiempos de viaje. Además, se han implementado sistemas de transporte público más eficientes, como el MIO (Sistema Integrado de Transporte Masivo), que ha contribuido a descongestionar las calles y a disminuir la contaminación ambiental.

Otro aspecto importante de la transformación urbanística de Cali es la revitalización de sus espacios públicos. Parques, plazas y zonas verdes han sido objeto de intervenciones que buscan fomentar la convivencia ciudadana y promover un estilo de vida saludable. Estos espacios se han convertido en puntos de encuentro para la comunidad, donde se realizan actividades recreativas, culturales y deportivas.

Además, se han llevado a cabo proyectos de desarrollo inmobiliario que han transformado el skyline de la ciudad. Edificios de gran altura, complejos residenciales y centros comerciales han surgido en distintos sectores de Cali, contribuyendo a su modernización y al dinamismo de su economía.

En resumen, la transformación urbanística de Cali refleja el compromiso de las autoridades y la comunidad en mejorar la calidad de vida de sus habitantes y en proyectar a la ciudad como un polo de desarrollo en la región. Este proceso continuará en los próximos años, con nuevos proyectos e iniciativas que consolidarán a Cali como una ciudad moderna, sostenible y vibrante.

Patrimonio cultural de Cali

El patrimonio cultural de Cali es una riqueza invaluable que resalta la historia y la identidad de esta vibrante ciudad colombiana. Cali, conocida como la "Capital de la Salsa", no solo es famosa por su música y baile, sino también por su patrimonio cultural diverso y significativo.

Uno de los principales elementos del patrimonio cultural de Cali es su arquitectura colonial. En el centro histórico de la ciudad, podemos encontrar edificaciones que datan de la época colonial española, con hermosas fachadas y detalles arquitectónicos que nos transportan en el tiempo y nos cuentan historias pasadas.

Además, Cali es hogar de diversos museos que preservan y exhiben la historia y la cultura de la región. El Museo de Oro Calima, por ejemplo, alberga una impresionante colección de artefactos precolombinos de la cultura Calima, brindando a los visitantes la oportunidad de aprender sobre las antiguas civilizaciones que habitaron la zona.

La gastronomía de Cali también es parte fundamental de su patrimonio cultural. Platos tradicionales como la sancocho de gallina, el arroz atollado y el champús caleño son ejemplos de la rica tradición culinaria de la región, influenciada por las costumbres indígenas, africanas y españolas.

En resumen, el patrimonio cultural de Cali es una fuente de orgullo para sus habitantes y un atractivo turístico para visitantes de todo el mundo, que buscan sumergirse en la historia, la cultura y la tradición de esta encantadora ciudad colombiana.

Evolución arquitectónica de Cali

Cali, la tercera ciudad más grande de Colombia, ha experimentado una fascinante evolución arquitectónica a lo largo de su historia. Desde su fundación en el siglo XVI, la ciudad ha sido testigo de diversos estilos arquitectónicos que reflejan su crecimiento y transformación a lo largo de los siglos.

En sus inicios, la arquitectura de Cali estaba influenciada por el estilo colonial español, con edificaciones de adobe y tejas de barro. Con el paso del tiempo, se incorporaron elementos de la arquitectura republicana, caracterizada por sus balcones de hierro forjado y fachadas coloridas. Durante el siglo XX, la ciudad experimentó un auge en la construcción de edificios modernos y rascacielos, que han redefinido su horizonte urbano.

Uno de los ejemplos más representativos de la evolución arquitectónica de Cali es el barrio San Antonio, donde se pueden apreciar casas de estilo republicano junto a construcciones contemporáneas. Otro punto de interés es el centro histórico de la ciudad, que alberga iglesias coloniales, plazas y edificaciones de gran valor arquitectónico.

La diversidad arquitectónica de Cali es un reflejo de su rica historia y su constante crecimiento como centro urbano. A través de sus edificios y espacios públicos, la ciudad nos invita a recorrer un viaje en el tiempo y a apreciar la fusión de estilos que la hacen única en el contexto colombiano.

[cleoenfaserum]

CAMPO GRANDE, VALLADOLID, ESPAÑA

Heme en frente de la Puerta del Principe ansioso por entrar al Campo Grande desde el Paseo de Filipinos via 1) el Monumento a Colon o 2) Por el Paseo Arco de Ladrillo. Yo me he tirado mas de 20 años atravesando el Paseo Central de Campo Grande hasta la Plaza de Zorrilla donde esta ubicado el Banco donde trabaje, La Caja Rural llamado hoy Cajamar.

Pasear por todo el Campo Grande apreciando los monumentos que en ella descansan nos podría llevar, digamos, con contemplaciones y reposos, dos horas. Como puedes apreciar en la foto, el paseo central divide Campo Grande en dos partes, Izquierda y Derecha. La parte Izquierda es por donde vamos iniciar este paseo del blog, contiene menos monumentos que la parte de la derecha.

A continuación es la primera parte del paseo de hoy. Lo he adoptado a video. Es experimental y es la primera realización que espero ir mejorando y perfeccionando. Cada avance es de 10 segundos, algunas fotos 5 segundos para que le de tiempo a pulsar "Pausa" para detenerse a leer, si así lo desea.

760-1 NEPTUNE - FUENTE CISNE (Pergola)

FUENTE: 1) Arte en Valladolid: !!!NEPTUNO EN VALLADOLID¡¡¡ El Olimpo en Pucela (artevalladolid.blogspot.com) 2) Monumentos de Valladolid: Esculturas del "Campo Grande" de Valladolid (valladolidmonumental.blogspot.com)

Monumento a Rosa Chacel (28)

La escultura está formada por un busto realizado en bronce de tamaño natural, situado sobre un gran bloque de granito. El Ayuntamiento de Valladolid encargó esta escultura como homenaje a la escritora vallisoletana Rosa Chacel al artista don Francisco Barón en 1988, después de que obtuviese el “Premio Valladolid de Escultura” en 1983.Busto de Rosa Chacel

Francisco Barón (1931,206, Madrid) fue un artista de acreditada fama, tanto en España como fuera de nuestras fronteras. Realizó la carrera de Bellas Artes en la Academia de San Fernando, fue becado en 1957 para continuar sus estudios en la “Central London School”. Con una nueva beca del “Instituto Internacional de Nueva York” se trasladó a la Universidad de Yale, donde impartían clase los antiguos profesores de la “Bauhaus” alemana.

Creó numerosas esculturas y las mostró en distintas exposiciones obteniendo premios importantes. Algunas de sus esculturas se pueden contemplar en importantes museos tanto nacionales como internacionales como son el “Museum of American History”; el “Museo de Arte Moderno” de Bilbao; el “Museo de Villafamés” en Castellón; y el “Museo de Arte Moderno” de Sevilla entre otros.Monumento a Rosa Chacel

Rosa Chacel sentada en un banco en la Plaza de Oriente.

ENLACE: ROSA CHACEL poetisa, escritora…. Como hijo adoptivo y orgulloso de esta… | by Cleoenfaserem | Medium (REF: 665)

Busto de Leopoldo Cano (12)

En abril de 1934 la Comisión de Gobierno del Ayuntamiento de Valladolid acordó la realización de un concurso de ámbito nacional para levantar un monumento en homenaje a don Leopoldo Cano, poeta y dramaturgo vallisoletano.

Se presentaron tres proyectos, los cuales se sometieron al jurado formado por el arquitecto de la Diputación don Constantino Candeira, el arquitecto municipal don Juan Agapito y Revilla y el pintor vallisoletano don Aurelio García Lesmes. La decisión unánime del jurado fue la de adjudicar el concurso al proyecto de don Emiliano Barral, obteniendo el segundo lugar el de don Juan José Montero Liebra conocido por el apodo de “Cheché”.

“La Frontera”, nombre del proyecto ganador fue inaugurado el 9 de abril de 1935, el grupo escultórico recibió los elogios de la prensa, pero no ocurrió así con la opinión del público.

Fue objeto de numerosas críticas y maltrato, lo que ocasiono que el Ayuntamiento ofreciera al artista la posibilidad de sustituir el monumento por un busto del poeta. El autor se negó y el Ayuntamiento se vio obligado a rescindir el contrato y retirar la estatua.

Esto supuso la aceptación del proyecto de don Juan José Montero Liebra, el cual fue inaugurado en marzo de 1936, situándose inicialmente en la Plaza de la Libertad, para posteriormente tras unas reformas de la plaza proceder a su traslado en su actual emplazamiento en los jardines del “Campo Grande”.

La escultura consta de un pilar de piedra blanca con la inscripción “Poeta L. Cano” donde se apoya el busto del dramaturgo realizado en cobre galvánico.

En cuanto al autor vallisoletano conocido por el apodo de “Cheché”, se formó entre 1914 y 1918 en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valladolid. Trabajó como escultor, cartelista, y pintor en el taller madrileño de Victorio Macho, también años más tarde colaboró con los hermanos Eloy y Osmundo Hernández, joyeros de Vigo.

LEER MAS: Leopoldo Cano - Wikipedia

El Fotógrafo del Campo Grande (33)

Escultura en bronce de 1,70 mt. de altura, situada en uno de los caminos adyacentes al “Paseo del Príncipe”, lugar que ocupó el fotógrafo Vicente Muñoz con su cámara durante más de 50 años.

Vicente Muñoz pertenecía a la saga de los Muñoz, una conocida familia de fotógrafos callejeros. En 1994 la Diputación de Valladolid encargó una escultura de tamaño real para homenajear a dicha familia de fotógrafos, homenaje extensivo a todos los fotógrafos callejeros que hace años deambulaban por las ciudades y pueblos con sus aparatosas máquinas fotográficas.

La escultura que fue realizada por Eduardo Cuadrado, representa a un fotógrafo con su aparatosa cámara y su trípode, a punto de tomar una fotografía, metido bajo la lona de su cámara y con el brazo en alto llamando la atención del retratado para que se mantuviera inmóvil mientras se toma la fotografía.

Eduardo Cuadrado (1947 Valladolid) se formó como artista en la “Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valladolid”, siendo uno de los representantes más importantes de la actual escultura castellano-leonesa. En 1997 se le concedió la medalla de oro del “Trofeo Internacional Lorenzo el Magnífico”, en la 1ª Bienal Internacional de Florencia.

Además de la escultura del “Fotógrafo del Campo Grande” es el autor de “El Comediante” en la Plaza Martí Monsó y del “Homenaje al Voluntariado Social” en la Plaza de España.

REF: 760

Monumentos de Valladolid: Esculturas del "Campo Grande" de Valladolid (valladolidmonumental.blogspot.com)

[libralibre]

EL CARGADOR DE FLORES 1935

Diego Rivera, México(1886-1957)

Óleo y témpera sobre madera masonita; 121.9 × 121.3 cm.

Museo de Arte Moderno de San Francisco, (California, EE.UU. )

Comentario:

"El cargador de flores es una obra pictórica cuyo autor fue el mexicano Diego Rivera. El cuadro fue pintado en 1935 y mide 121,9 x 121,3 cm. Para crearlo, Rivera utilizó pintura al óleo y témpera sobre una tabla de masonita. Hoy en día, la obra se expone en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (Estados Unidos).

Diego Rivera fue uno de los máximos representantes del muralismo mexicano. Entre otros aspectos, esta corriente se caracterizaba por la temática social que reflejaban en sus obras. En general, las pinturas de Rivera mostraban la vida de los obreros, indígenas y el resto de las clases humildes del país.

Como el resto de los muralistas, Rivera se interesó también por el arte azteca y maya. Como fundador del Sindicato de Obreros Técnicos, Pintores y Escultores, el artista proponía que el arte debía estar dirigido al pueblo y dejar de ser considerado como algo destinado a las élites.

En el caso de El cargador de flores, a pesar de no tratarse de un mural, Rivera muestra a un campesino llevando una pesada cesta con flores. Junto a él se encuentra una mujer que trata de ayudarlo. De esta forma, la obra contiene dos de los temas más frecuentes en el artista: los trabajadores y el tema agrario".

Joaquín Montaño

Fuente: Artenet

Imagen de la red

[artemartinpietro]

Una inmersión profunda en el arte verde efímero de Andy Goldsworthy

Como avezado entusiasta del arte verde, he tenido el honor de contemplar innumerables obras de arte comprometidas con la sostenibilidad medioambiental. Sin embargo, hay un artista que siempre ha conseguido cautivarme con sus creaciones sencillas pero efímeras hechas con materiales naturales como piedras, hojas, ramitas y hielo. Ese artista no es otro que el prodigio británico Andy Goldsworthy.

Goldsworthy es un maestro en la creación de un lenguaje artístico que trasciende la mente humana y habla directamente al mundo natural. Su arte no está hecho para durar indefinidamente, sino para fundirse con el entorno en un diálogo que deja una huella imperecedera. Este carácter fugaz de su obra es intencionado, ya que busca armonizar la humanidad y el entorno natural. En lugar de afirmar que su obra es una entidad separada, Goldsworthy la considera un componente integral de la naturaleza.

La obra eco-artística: un recordatorio de nuestra conexión con el mundo natural

Una de las obras más conocidas de Goldsworthy es la instalación “Stone River”, que se exhibe orgullosa en el Museo de Young de San Francisco. La instalación presenta un serpenteante río de piedras que serpentea por el patio del museo. Goldsworthy tuvo mucho cuidado al seleccionar cada piedra, lo que le permitió crear un flujo de aspecto natural, y el río es tan convincente que engaña incluso al visitante más avezado.

Otro ejemplo de la brillantez de Goldsworthy es el proyecto “Techo”, que emprendió en colaboración con la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno. Para esta obra maestra, Goldsworthy utilizó materiales de origen local para diseñar un tejado verde para un pequeño edificio de las instalaciones de la galería. El tejado está cubierto de tierra y plantado con hierbas y flores silvestres locales, lo que lo convierte en una magnífica y práctica obra de arte que también sirve de hábitat para la fauna local.

La obra de Goldsworthy no es sólo un regalo para la vista, sino también un potente recordatorio de nuestro inquebrantable vínculo con el mundo natural. A través de sus creaciones artísticas, nos implora que apreciemos la gracia y la delicadeza de nuestro entorno. Al utilizar materiales naturales, Goldsworthy hace hincapié en la importancia de la sostenibilidad y subraya la necesidad de que coexistamos con el mundo natural.

En un universo en el que las cuestiones medioambientales se encuentran en un momento crítico, la obra de Andy Goldsworthy es más relevante que nunca. Su arte es una proclamación autorizada de nuestro lugar en el mundo natural y de la responsabilidad que tenemos de cuidarlo. Como entusiasta del arte ecológico, estoy convencido de que la obra de Goldsworthy es un testimonio del poder y la influencia del arte a la hora de generar cambios positivos.

Originally published at http://todosobreballenas.com/ on January 16, 2023.

[ferrerocubo]

RITCHIE, MATTHEW

Matthew Ritchie es un artista británico que actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Asistió a la Escuela de Arte Camberwell de 1983 a 1986. Se describe a sí mismo como "entrenado de manera clásica" pero también señala una influencia minimalista. Nació en 1964 en Londres.

IMAGEN 1 - Where I'm Coming From, 2003, Oil and marker on canvas, 99 1/5 × 120 9/10 in, 252 × 307 cm

IMAGEN 2 - Sea State One, 2001, Relief print in colors, on Somerset paper, the full sheet, with accompanying wove paper artist's book/Certificate of Authenticity., 16 × 32 in, 40.6 × 81.3 cm, Edition 6/70

IMAGEN 3 - Relative Light, 2018, Ink on fabric w/ LED matrix, 50 × 55 × 3 in, 127 × 139.7 × 7.6 cm

IMAGEN 4 - Matthew Ritchie. No Sign of the World, 2004. Oil and marker on canvas; 99 x 154 inches.

https://art21.org/artist/matthew-ritchie/

https://art21.org/watch/extended-play/matthew-ritchie-the-morning-line-short/

[santistebanmoreno]

DIJKSTRA, RINEKE

Rineke Dijkstra (2 de junio de 1959, Sittard, Países Bajos) es una fotógrafa holandesa.

Tia, Amsterdam, the Netherlands, 14 November 1994 - Tia, Amsterdam, the Netherlands, 23 June 1994 , 1994

chromogenic prints

35 x 27 cm. (13.8 x 10.6 in.)

Kolobrzeg, Poland, 27 July , 1992

Chromogenic print

34.9 x 27.9 cm. (13.7 x 11 in.)

Amit, Golani Brigade, Elyacim, Israel, May 26, 1999 , 2001

chromogenic print

180 x 149.9 cm. (70.9 x 59 in.)

Vondelpark, June 10, 2005

C-print

113 x 140 cm. (44.5 x 55.1 in.)

[lolagoth]

“ sé que hay razones de sobra...” murmuró a un volumen moderado hacia la persona que tenía a su lado para no molestar al resto de la gente que apreciaban todo lo que el Museo de Arte Moderno de San Francisco guardaba en sus paredes. “ pero hablando honestamente ¿no te parece algo absurdo que un lienzo en blanco con una mancha azul esté valuado en 6 millones de dólares? necesito empezar a pintar cuadros con manchas. ” 

[henrimatisse31]

Mujer con sombrero (1905) se encuentra en el museo de arte moderno en San Francisco, fue hecho a óleo en lienzo, es un retrato de medio cuerpo que tiene de figura a una mujer, tiene una gran variedad de colores puros y pastel.

[dcamanes]

El movimiento Black Lives Matter en las artes

Los artistas visibilizan el movimiento y sus protestas mientras que museos e instituciones han sido criticados por sus silencios y tibieza.

(Artículo publicado el 28 de Septiembre de 2020 en el suplemento “Encuentros” del Diari de Tarragona)

Nada ha vuelto a ser igual en Estados Unidos tras la muerte de George Floyd el pasado 25 de mayo a manos de policías blancos de Minneapolis. El grito apagado de “I can’t breath” (“no puedo respirar”) de este hombre negro desarmado mientras moría asfixiado por la rodilla de uno de los policías, se ha convertido en clamor popular y grito de guerra del movimiento Black Lives Matter. Las protestas desde entonces no han cesado y a lo largo del país los manifestantes han tomado las calles con diferentes acciones donde los enfrentamientos con la policía han sido constantes e intensos. Estados Unidos está ardiendo, y la rabia contenida por muchos de sus ciudadanos, expuestos durante un largo tiempo al racismo institucional y estructural de la sociedad, ha estallado. Junto a las exigencias de justicia e igualdad se han abierto debates y se han llevado a cabo actividades que denuncian el racismo enquistado en la sociedad americana. Estos debates y acciones no han sido ignorados por el mundo del arte que ha respondido con fiereza y premura, aunque en ocasiones se ha visto señalado como un foco más del privilegio blanco perpetuador de actitudes y narraciones racistas.

Primero empezaron los grafitis apoderándose de calles y espacios urbanos, como el mural con las gigantescas letras de Black Lives Matter tiñendo de amarillo Hollywood Boulevard en Los Ángeles, ahora convertido en símbolo permanente y que representa el primer espacio público dedicado a la comunidad queer y transgénero negra. Numerosos artistas de la comunidad negra pusieron su tiempo y sus recursos en iniciativas como Art for Philadelphia Community Bail Fund, una plataforma creada por artistas y diseñadores para comprar obra de siete artistas negros cuyos beneficios iban destinados a pagar las fianzas de los activistas encarcelados.

Luego llegaron las declaraciones de numerosos museos e instituciones artísticas en las redes sociales y en sus páginas web. Unos respondieron con manifiestos de apoyo al movimiento BLM y peticiones de plegarias. Otros, tras un largo silencio, se vieron obligados a responder debido a la presión popular. Todos ellos, sin embargo, fueron señalados por mantenerse al margen durante demasiado tiempo y por no hacer lo suficiente para denunciar y visibilizar el racismo también dentro de sus instituciones. Museos como el Getty Centre en Los Ángeles o el Museo de Arte Moderno de San Francisco, se vieron obligados a disculparse ante la tibieza de su discurso en redes sociales. Muchos fueron acusados de hipócritas, ya que sus palabras no se corresponden con hechos concretos como la falta de artistas y comisarios negros, así como la falta de personal negro y racializado en sus instalaciones y consejos de administración. Otros fueron directamente denunciados por trabajadores de prácticas racistas y discriminatorias, como el Whitney Museum en Nueva York, que se vio obligado a cancelar una exposición tras estas acusaciones.

Las protestas de BLM están inspirando a instituciones, galerías y museos a replantearse comportamientos y estrategias de comunicación a la hora de tratar temas incómodos, así como a autoanalizarse y percatarse de la falta de diversidad, tanto en el número de artistas racializados expuestos como entre sus trabajadores. Un estudio de 2018 señala que sólo un 2,37% de las adquisiciones y un 7,6% de las exposiciones en 30 importantes museos estadounidenses pertenecen a artistas afroamericanos, un flaco porcentaje teniendo en cuenta que son más de un 12% de la población norteamericana.

En Europa la cosa no mejora y como señaló Eva Langret, directora artística de la feria Frieze London en Reino Unido, “aunque las artes se sientan atraídas por el éxito de algunos artistas afroamericanos, se sigue ignorando el trabajo de artistas negros y racializados locales, desentendiéndose así de la propia historia mientras escrutamos la narración americana”.

No obstante, museos, galerías, ferias y bienales, como apunta Langret, han aumentado su interés por artistas africanos y afroamericanos. Interés del que se hace eco también el mercado del arte. Artistas como Zanele Muholi, presente en la Bienal de Venecia, Arthur Jaffa, artista afroamericano de cabecera, el fallecido Noah Davis, Kerry James Marshall, Faith Ringgold, a la que Hans Ulrich Obrist dedicó una exposición en la Serpentine Gallery o Njideka Akunyili Crosby son alguno de los nombres de los creadores más cotizados. Sin ir más lejos, 22 artistas emergentes participaron en la exposición online que Christie’s organizó el julio pasado que bajo el nombre de “Say it Loud (I’m black and Proud)” como promoción de jóvenes creadores de color.

También algunas publicaciones muy populares como Vogue o Vanity Fair han colaborado con artistas negros en sus portadas como la pintora Jordan Casteel que retrató la activista Aurora James para su portada, o Kerry Hames Marshall, retratando a una joven mujer negra con vestido blanco. Vanity Fair, por otro lado, presentó una portada con un retrato de Breonna Taylor, creado por la artista Amy Sherald. Breonna fue otra de las numerosas víctimas de la brutalidad policial en Estados Unidos, asesinada en su propia casa mientras dormía. Para el número de septiembre, esta misma revista, muestra en portada a la activista, escritora y pensadora Angela Davis fotografiada por Deana Lawson y entrevistada por su colega y cineasta Ava Du Vernay.

Sin embargo, voces como las de Osei Bonsu, comisario de arte internacional en la Tate Modern, apuntaba para el diario The Independent que, aunque podemos ver obra de artistas negros en los museos “el relato hegemónico está ya establecido”. “Para que estos artistas entrasen en el museo tuvieron que usar el lenguaje de la historia del arte occidental - la pintura figurativa - como medio para unir y subvertir la narrativa artística”. Y continúa diciendo Bonsu: “a menudo se trataba de afirmar su presencia dentro de la pintura como un medio de inscribir a la gente de color en una historia del arte elitista y profundamente codificada”

Para Bonsu la clave pasa por aumentar el número de comisarios, historiadores y galeristas negros sin caer en el tokenismo para recontextualizar narrativas, amplificar voces y resemantizar el imaginario del artista negro en la mente del narrador blanco. Bonsu insiste además que la mayoría de las veces solamente se trata con artistas negros cuando el contexto habla sobre raza o identidad, sin tener en cuenta que muchos de estos artistas tienen discursos artísticos mucho más amplios.

La búsqueda de la igualdad y la variedad de voces no debería ser solo un ejercicio de cuotas y demografía. Si los museos y galerías tienen que liderar un discurso cultural, más vale que este sea capaz de reflejar el cambiante mundo actual y que su contenido alcance e interpele a todo el mundo, de verdad.