#mixage et mastering du son

[musitechnicformation]

Notre Cours d'Ingénierie du Son International est conçu pour les aspirants ingénieurs du son du monde entier. Ce programme complet couvre tous les aspects de l'ingénierie sonore, y compris les techniques d'enregistrement, le mixage, le mastering, l'acoustique, le design sonore et le son en direct. Avec des formateurs experts et des équipements à la pointe de la technologie, notre cours offre une formation pratique et une expérience concrète qui vous aideront à construire une carrière réussie dans l'industrie audio mondiale. Que vous soyez intéressé par la production musicale, le son pour le cinéma ou les événements en direct, le Cours d'Ingénierie du Son International vous fournira les compétences et les connaissances nécessaires pour exceller.

[nouvellesdumaquis]

Cubongo - Naza feat Taly Diampovesa

Dj Cubongo alias Bastien Lavigne dévoile Naza, son nouveau single avec la chanteuse Taly Diampovesa qui a écrit des paroles en lingala et en français qui sont une invitation à exprimer nos singularités et à ne pas avoir peur de s'affirmer comme on est.

Depuis déjà quelques années, le Dj et producteur Cubongo partage ses explorations musicales entre l’Afrique et les Caraïbes. Aujourd'hui, il retrouve la chanteuse franco-congolaise Taly Diampovesa pour Naza, un titre plein de groove et et bonnes vibrations.

Pour Naza, Cubongo a fait appel à à l'ingénieur du son Mathieu Gibert (Guts et David Walters) pour l'enregistrement et le mixage et à Blanka (La Fine Equipe) pour le mastering.

Inspiré de l’enfance de Taly à Kinshasa, Naza signifie « je suis » en lingala. Les couplets sont une invitation à célébrer notre singularité et ignorer les « qu'en dira-t-on ». Le refrain nous entraîne à assumer notre personnalité.

Regardez le clip de Naza :

[nudacystudio]

Trouver le Meilleur Studio de Répétition Musique à Paris

La recherche d’une salle de répétition musique à Paris peut parfois être un défi, surtout pour les musiciens exigeants qui cherchent un lieu bien équipé, confortable et inspirant. La capitale française regorge de musiciens, de groupes, et d'artistes cherchant un espace idéal pour exprimer leur créativité. Que vous soyez guitariste, chanteur, batteur, ou pianiste, choisir un bon salle de répétition musique paris à Paris est essentiel pour optimiser votre temps de répétition et obtenir un son de qualité.

Pourquoi Choisir un Studio de Répétition Professionnel?studio repetitions paris

L’acoustique, l’équipement et l’atmosphère d’une salle peuvent transformer une simple session en un moment productif. Un studio de répétition équipé propose généralement des amplificateurs, des micros de qualité, une bonne isolation sonore et parfois même des instruments pour ceux qui préfèrent voyager léger. Certains studios à Paris offrent également des services additionnels comme l'enregistrement, le mastering, ou même l’accompagnement par un ingénieur du son pour optimiser la qualité des répétitions.

Par ailleurs, en louant une salle de répétition musique à Paris professionnelle, vous bénéficiez souvent d’un espace où vous pouvez vraiment vous concentrer sans distractions, ce qui est plus difficile à trouver lorsqu'on répète à domicile ou dans des lieux moins adaptés. L’ambiance d’un studio bien conçu ajoute souvent à l’inspiration et favorise la créativité, que ce soit pour une répétition avant un concert ou pour une session d'enregistrement plus sérieuse.

Ce Qu'il Faut Chercher dans un Studio de Répétition Paris

Lors de la recherche d’unstudio music Paris, plusieurs critères sont à considérer pour faire le bon choix :

L’acoustique et l’insonorisation : Assurez-vous que l’espace est bien isolé pour éviter les interférences sonores, surtout si vous êtes un groupe avec des instruments bruyants comme la batterie ou la guitare ��lectrique.

L’équipement disponible : Un studio de répétition équipé doit proposer des amplis pour guitare et basse, une batterie, des microphones de qualité, et idéalement un clavier ou d'autres instruments. Certains studios fournissent également des consoles de mixage et d’autres équipements professionnels.

L'accessibilité : Pour les musiciens parisiens, un studio bien situé est important. Vérifiez que le studio répétitions Paris que vous envisagez est facile d'accès, que ce soit en métro, en bus, ou même en voiture.

La taille de la salle : Si vous êtes un groupe, il vous faut une salle suffisamment spacieuse pour accueillir tout le monde confortablement. De même, si vous avez des instruments volumineux, la taille de l’espace peut avoir un impact.

Le tarif : Bien sûr, le budget reste un facteur important. Les tarifs varient selon les studios et les équipements disponibles, donc choisissez un studio qui correspond à vos besoins sans dépasser votre budget.

Les Avantages des Studios de Répétition à Paris

Les studios de répétition parisiens offrent souvent des installations de haut niveau, et certains sont fréquentés par des artistes professionnels et des groupes renommés. Beaucoup d’entre eux, comme les studios de studio music Paris, disposent de plusieurs salles avec différents niveaux d’équipement, permettant aux musiciens de choisir en fonction de leurs besoins. Ces studios offrent aussi des services complémentaires comme la location d’instruments et de matériel, ainsi qu'un personnel professionnel pour assister les artistes dans leurs configurations techniques.

Quelques Studios Recommandés à Paris

Voici quelques options intéressantes pour ceux qui recherchent un studio répétitions Paris de qualité :

Studio Bleu : Situé dans différents quartiers de Paris, il est équipé de matériel de qualité et propose des salles pour tous types de musiciens.

L’Olympic Café : Ce studio se distingue par son ambiance chaleureuse et ses équipements professionnels. Parfait pour des groupes de rock ou des formations jazz.

Les locaux de répétition du Point Éphémère : Ce lieu est très apprécié pour son atmosphère unique et son cadre inspirant en bord de Seine.

Karate Bros : En plus d'offrir un espace de répétition de haute qualité, Karate Bros se distingue par son matériel à la pointe et son environnement accueillant pour les musiciens de tous niveaux.

[valloninfo]

Photo: Gilles Simon C’est un moment d’exception pour les mélomanes de la région : Stéphanie Geiser, alias Eyna, l’artiste au parcours musical riche et varié, annonce la sortie de son premier album solo "Ose" prévu pour Noël 2024. Originaire de Val-de-Travers, Eyna a dédié les trois dernières décennies de sa vie à la musique, faisant vibrer les scènes locales avec sa voix puissante et son amour pour le rock français. Une passion dévorante pour la musique Maman de trois enfants, Stéphanie a su jongler entre sa vie familiale et sa passion pour la musique. Dès 1994, elle a fait ses débuts en tant que chanteuse du groupe Naphtaline, dans la mythique usine Stoppani1 à Travers, berceau de nombreux artistes vallonniers. En 1995, elle a intégré le groupe Britannicus System (BS), suivi de son adhésion en 1996 au groupe 2 Pièces Cuisine, où elle a exploré la musique française à textes. De 1997 à 2007, Eyna a su se faire une place en animant diverses manifestations privées et publiques, de mariages aux fêtes villageoises, souvent accompagnée d’amis au clavier sous le nom de "Un gars, une fille". En 1999, elle a accepté le premier rôle de la comédie musicale "Dégénération", un défi qu’elle a relevé avec brio. De plus, entre 1995 et 2003, elle a fait partie d’Alambic Production, une branche bénévole du Centre culturel du Val-de-Travers dédiée à l’organisation de concerts. Tout au long de sa carrière, Eyna a eu l’opportunité de se produire lors de plus d’une centaine de représentations et de participer à l’enregistrement de six albums, ce qui fait de "Ose" son septième opus. Un album né d'une quête personnelle À 40 ans, Eyna a décidé de réaliser son rêve : créer son propre album solo. "Ose" est le fruit de neuf années de travail acharné, où elle a mis à profit son expérience en tant qu’auteure, compositrice et interprète. Cet album de 11 titres, riche en émotions et en diversité musicale, mêle funk, rock, ballades et tango, tout en intégrant des sons modernes grâce à des instruments virtuels. Ose – entre états d’âme et émotions Écrit à différents moments de sa vie, "Ose" reflète véritablement ses états d’âme, son ressenti, son vécu, ses amitiés et amours, ainsi que ses opinions et ses coups de gueule. L’écrivaine a trouvé une évidence à écrire ses propres textes, rendant cet album personnel et sincère. Un processus créatif collaboratif La création de "Ose" a été un véritable voyage musical. Eyna a commencé chez elle, avec un équipement modeste : un zoom 16 pistes, un clavier, un micro et un enregistreur multipiste. Elle a composé, écrit et chanté, allant au feeling pour donner vie à ses idées. Après avoir finalisé ses ébauches, son ami Thierry Jaccard, batteur du groupe BS, a réorganisé et structuré les chansons dans un programme de musique assistée par ordinateur (MAO). Trois titres ont même eu l’opportunité de passer par le studio parisien de Quentin Seewer, un ex-vallonnier, pour sublimer les arrangements et les lignes de guitares. D’autres morceaux ont été composés par des membres de Britannicus System, avec des enregistrements finaux gérés par David Morard et des collaborations avec Hélène Franceschi et Damien Phillot. Renaud de Montmollin, ingénieur du son et ancien guitariste du groupe BS, a également contribué au mixage et au mastering de l’album, un travail titanesque qui assure une qualité sonore exceptionnelle. Un support physique et digital Fidèle à la tradition musicale de sa génération, Eyna souhaite que son album soit matérialisé sous la forme d’un CD avec une pochette mettant en valeur les paroles. Bien sûr, l'album sera également disponible sur les plateformes de streaming comme Spotify. Pour la pochette, les photos ont été prises par le photographe vallonnier Gilles Simon, reconnu pour ses clichés du groupe Europe et Elmer Food Beat, dans un lieu emblématique du Val-de-Travers, "Le séchoir à Absinthe" à Boveresse. Le graphisme a été élaboré par sa sœur, Caroline Karakash, qui a su donner une identité qui lui ressemble.

Comment soutenir ce projet ? Pour donner vie à cet album de qualité, un budget de CHF 17’000.- est nécessaire, couvrant les frais de production, d'enregistrement et de communication. Une campagne de financement participatif a été lancée le 4 octobre, permettant à chacun de contribuer à ce projet musical ambitieux. Un vernissage festif pour célébrer "Ose" Les fans et curieux sont invités à un vernissage le vendredi 30 novembre 2024 (lieu à confirmer), une occasion parfaite pour découvrir l’univers d’Eyna. En attendant, l’album "Ose" sera une belle idée de cadeau pour les amateurs de musique lors des fêtes de fin d’année. Ne manquez pas l’occasion de soutenir une artiste locale qui mérite d’être célébrée !

[delivraence9music]

Album Delivraence 9

Français

Cela faisait un moment déjà que l’idée de composer un disque sur le thème du cosmos me trottait dans la tête. Mais je ne savais pas encore sous quelle forme. La réponse m’en fut donnée par le jongleur Valentin Lechat. Il me proposa de composer la musique de son prochain spectacle de cirque contemporain : « Delivraence 9 ». En plus de cette aubaine, jouer avec un artiste de ce talent, mon homonyme qui plus est, était une opportunité plus qu’enthousiasmante.

Les répétitions commencèrent sur un toit surplombant Taïpei entre une queue de typhon et le soleil tapant de l’été. Il nous a fallu plusieurs mois de recherche chorégraphique et musicale pour fixer le spectacle. Valentin venait avec des balles différentes, des gestuelles, divers accessoires comme des bambous, des dinosaures pour enfants, une bouée, des idées de mise en scène. De mon côté, j’apportais plusieurs instruments : guitares, clavier, accordéon, clarinette, flûte chinoise ou turc, saxophones …

Quels sons pour quels gestes et accessoires, pour quelle atmosphère, à quel moment ? Nous explorions plusieurs formules, avancions, reculions, progressions. L’un et l’autre s’influencèrent mutuellement, le jonglage galvanisait la musique et la musique sublimait le jonglage.

Petit à petit l’histoire se renforçait. Un jongleur et un musicien se perdent, sautent de planète en planète, s’égarent dans les frontières du passé et du futur. Se rencontrent, se confrontent, se séparent, se reperdent.

Pour représenter ces tableaux, coller au jonglage, soutenir le jongleur, cinq instruments se sont imposés : un vieux clavier Yamaha, une flûte kaval, un Korg ms20, un saxophone ténor et soprano (symbolisant les apparitions sur scène du musicien au côté du jongleur comme sur Big Bang, Double Stars et Planet Dance). Les sublimes installations lumineuses d’Alexis Mailles et les costumes de Cecilia Celma Jonker vinrent parfaire le spectacle, le tout filmé par Amandine Dubois et Lu Siping, photographié par Tasoyuan et Una Chen.

 Afin de redonner vie à la musique, de laisser une trace de cette aventure artistique et pour une écoute de qualité, j’ai décidé d’enregistrer la musique. La difficulté a été de reproduire en studio la même intensité que pendant le spectacle et de recréer le dialogue improvisé entre le jonglage et la musique. Merci à Valentin de s’être prêté au jeu de l’enregistrement sonore de ses gestes de jonglage, de son souffle, du bruit de ses balles rebondissant, roulant, voltigeant dans les airs (Double Star, Two Red Dwarfs, Constellation).

 Enfin, je suis reconnaissant envers mon frère Kévin Lechat d’avoir bien voulu s’occuper du mixage et du mastering des musiques, d’avoir renforcé et révélé l’esprit des compositions de Two Red Dwarfs et de Yellow Satellite.

中文

我想要灌錄一張關於宇宙的唱片已經有一段時間了。可是我還不確定具體的形狀。這時Valentin Lechat (陳星樂) 來幫我作了解答﹐他問我願不願意為他的現代馬戲團的下一個戲碼« Delivraence 9 » 創作音樂。運氣真好﹐跟這麼一位具有才華﹐而且跟我法文同姓氏的藝術家在一起表演﹐是一個另人興奮的機會。

 在一個台北的屋頂上﹐在颱風的尾巴和夏天的艷陽中﹐我們開始排練。需要幾個月的推敲研擬才能好好確定表演的順序。陳星樂 每一次都會帶來不一樣的球球﹐動作和道具。像是扁擔﹐發條恐龍玩具﹐浮標﹐和不同的表演方式和想法。我自己也使用不同的樂器﹐像是吉他﹐電子琴﹐手風琴﹐中國和土耳其笛子﹐薩克斯風…

 哪一個聲音適合哪一個動作或道具﹐想要給什麼氣氛﹐在哪一個時間 ﹖我們探測不一樣的方式﹐往前走﹐往後退﹐一起前進著。互相影響﹐雜技激動音樂﹐音樂激發雜技。

 一點一滴故事的形狀慢慢變得圓滿。一個雜耍家和一個音樂家在宇宙﹐在過去或未來﹐在時間的邊境裡迷失方向﹐從一個星星跳到另外一個星星去﹐彼此相遇﹐戰鬥﹐分離﹐又再度迷失方向…

 為了表演的視覺呈現﹐緊貼著支持雜耍家的演出﹐我選擇了五個樂器﹕一台Yamaha的老電子琴(謝謝陳勇成的提供)﹐一枝土耳其笛子﹐一台Korg ms20 ﹐一個次中音薩克斯風和高音薩克斯風 (象徵著在舞台上音樂家以不同的角色出現在雜耍家的旁邊 “ Big Bang ”, “ Double Stars ”, “Planet Dance ” ) 。Alexis Maille巧妙出色的燈光設計和發明﹐Cecilia Celma Jonker的服裝﹐Amandine Dubois和呂絲平的攝影﹐陳瑀和許造元的照像﹐完整了我們的表演。

 為了讓音樂留下來﹐給這段藝術旅程刻下一個足跡﹐也為了聆聽的品質﹐我決定再重新錄音。最困難的事是在錄影室重現跟表演時一樣的強度﹐還有再創造表演時雜耍和音樂的即興對話。謝謝陳星樂讓我再錄音他的動作﹐他的呼吸﹐球跳躍的聲音﹐溜玻璃球的聲音﹐球在天空飛來飛去的聲音 (Double Stars, Two Red Dwarfs, Constellation) 。

 最後﹐我非常得感謝我弟Kévin Lechat同意幫我混音和母帶的後製﹐把“ Two Red Dwarfs ”和“ Yellow Satellite ”這兩首曲子變得更完整。

English

It has been a considerable while since the idea of composing a disc on the theme of the cosmos occupied my mind. At the time, I didn’t yet know in which form my expression would take. The solution was given to me by a captivating juggler named Valentin Lechat whom offered me the opportunity to compose the music to accompany his next contemporary circus show, “Delivraence 9”. In addition to this exciting prospect, collaborating with an artist of this talent, my homonym moreover, this seemed to me a highly rewarding artistic challenge.

The rehearsals began on a roof overlooking Taipei, at the time of year between a typhoon tail-end and the beating sun of the summer. It took us several months of choreographic and musical research to determine the show, during which time Valentin tried various approaches involving different balls, gestures, various accessories like bamboos, dinosaurs for children, a buoy and ideas concerning staging. For my part, I brought several instruments, including guitars, keyboard, accordion, clarinet, Chinese and Turkish flute and saxophones …

Decisions arose: what sounds should accompany what gestures and accessories, what should the atmosphere be, and when should it be? We explored several possibilities, moving forwards, backwards, gradually making progress. Influences and conceptualization flowed between myself and Valentin as juggling galvanised music, and music sublimated juggling.

Little by little, the story grew stronger. Both juggler and musician were transported, lost in endeavors, jumping from planet to planet, losing their way in the boundaries of the past and the future. They meet, confront each other, separate, become lost again.

To best represent these paintings, to highlight the juggling and to support the juggler, five instruments seemed obvious for the task: an old Yamaha keyboard (thank you Chen Yun-Chen), a kaval flute, a Korg ms20, as well as tenor and soprano saxophone (symbolizing the musician’s appearances on the juggler’s side as on “Big Bang”, “Double Stars” and “Planet Dance”). Alexis Mailles’s brilliant lighting installations and the costumes of Cecilia Celma Jonker came to complete the show, all filmed by Amandine Dubois and Lu Siping and photographed by Una Chen.

In order to give vibrancy to the music, to leave a trace of this artistic adventure and for a high-quality listening experience, I decided to record the music. The difficulty was to reproduce in the studio the same intensity as during the show and also to recreate the improvised dialogue between juggling and music. Thanks are due to Valentin for lending his insight to the sound recording of his gestures and breathing while juggling as well as the sound of balls bouncing, rolling and fluttering in the air (“Double Stars”, “Two Red Dwarfs”, “Constellation”).

Additionally, I am hugely grateful to my brother Kévin Lechat for his role in the mixing and mastering of the music, and for reinforcing and revealing the spirit of the compositions of “Two Red Dwarfs” and “Yellow Satellite”.

Enjoy listening

 Arnaud Lechat 2016

[mysteriis-moon666]

Daåth – The Deceivers

Le groupe de death metal progressif Dååth originaire d'Atlanta, en Géorgie a émergé de sa pause de 13 ans avec un nouvel album « The Deceivers » via Metal Blade, dont Eyal Levi le fondateur et guitariste du groupe a réalisé une refonte de la formation, composé du chanteur Sean Zatorsky (depuis 2007), de Kerim « Krimh » Lechner à la batterie (Septicflesh et ex-Decapitated), Jesse Zuretti à l'orchestration et à la guitare, le guitariste principal Rafael Trujillo et le bassiste David Marvuglio.

Levi a cofondé Unstoppable Recording Machine, une école qui enseigne la production de musique metal, et son école sœur, Riffhard, qui enseigne la guitare metal, et ce fut dans les années sa priorité de Levi. Lorsque les confinements liés à la pandémie et une blessure ont freiné la capacité de Levi à entraîner, il a eu besoin d'un exutoire pour son énergie. Il reprit sa guitare. Après avoir secoué des années de rouille, son amour pour son instrument s'est réveillé. "Une fois que mon jeu a commencé à sonner comme moi, j'ai commencé à écrire et les riffs ont commencé à sonner comme Dååth", explique Levi. "À ce moment-là, j'ai parlé à Sean et il m'a dit qu'il attendait cet appel téléphonique depuis 11 ans."

Les 9 morceaux ont été produits par Levi, avec Andrew Wade pour la production vocale, John Douglass pour l'ingénierie, Jens Bogren pour le mixage et Tony Lindgren pour le mastering.

Daåth met en valeur sa technique et l'intensité heavy dévastatrice, mais aussi monstrueusement orchestré de manière cinématographique dans l’opulence esthétique des films de Tim Burton de Danny Elfman. Les solos de guitare invités ont contribués à la magie sur de nombreux morceaux, avec Jeff Loomis (Nevermore, Arch Enemy); Mark Holcomb (Periphery); Dean Lamb (Archspire); Per Nilsson; (Scar Symmetry, Meshuggah); Spiro Dussias (Platonist), and Dan Sugarman (Ice Nine Kills), avec le célèbre compositeur de jeux vidéo Mick Gordon (Doom Eternal) contribuant à la conception sonore et au synthétiseur de « Purified By Vengeance ».

« L’album est une critique cinglante et une exploration de certains éléments sociétaux. Tous ceux qui entravent votre progression par le subterfuge et la manipulation. Cette critique du monde moderne est pleinement exposée dans le single et la vidéo « Hex Unending », qui contient les paroles : « Purifiez-moi, débarrassez-vous de la malignité, commencez la délivrance, séparez-vous, de ce misérable hex sans fin. » « Il s'agit de perdre la peau, de nettoyer mon ancien moi ; réinventer et tracer un nouveau chemin vocalement, physiquement et mentalement », explique Sean Z. « Cette chanson devait être au premier plan du disque. » dixit Levi

[jeromeminiere]

c' est le temps des crédits et remerciements parce qu' un disque ne se fabrique jamais tout seul: merci à mes précieux partenaires et conseillers sur ce projet : José Major ; Philippe Brault ; Francoiz Breut ; Ngabo ; Fé ; Guido Del Fabbro ; Albin de la Simone ; Joseph Marchand ; Denis Wolff, Jean-Philippe Béraud ; Sonia Cesaratto ; Simon Bourdou et Ludivine Lavenant chez Ray-On ; Matthieu Malon ; Rémy Poncet merci à : Marie, Félixe, Marius, Clément, Mike, Fafy, Dom, Pierrette, Gilles et toute la famille, et les amis qui habitent proche ou loin, je vous envoie des tonnes d’amour, vous êtes ma boussole ! voix Jérôme Minière, sauf « Nuit américaine » en duo avec Ngabo ; « Ta maison » en duo avec Françoiz Breut ; « Paruline » en duo avec Fé batterie José Major, sur « Le son du temps qui nous dépasse », « Cairo », « Enfants du paysage », « Simple comme bonjour » et « Le singe musicien » guitare électrique Joseph Marchand, sur « Le son du temps qui nous dépasse », « Enfants du paysage » et « Simple comme bonjour » violon Guido del Fabbro, sur « Le son du temps qui nous dépasse » et « Détour » basse Philippe Brault, sur « Cairo » et « L’index des microconflits » synthés, piano una corda et ciboulette (percussion) Albin de la Simone, sur « Le singe musicien », « L’index des microconflits », « Enfants du paysage », « Simple comme bonjour » chœurs Fé, sur « Détour » et « Cairo » arrangements Jérôme Minière arrangement des violons Guido del Fabbro et Jérôme Minière, sur « Le son du temps qui nous dépasse » et « Détour » autres intruments et programmation: Jérôme Minière réalisation: Jérôme Minière et Philippe Brault mixage Pierre Girard ; sauf « Oiseaux Montréal » et « L’index des microconflits », Philippe Brault ; « Deux choses à la fois », « Sentiment vibrato » et « Séries transparentes », Jérôme Minière mastering Marc Thériault à LeLab Mastering (Montréal) photographies Félixe Minière et Marie-Pierre Normand artwork Rémy Poncet @Brest Brest Brest (Paris) relations de presse: Sonia Cesaratto (Canada) et Jean-Philippe Béraud (France) et enfin merci au CALQ sans qui ce projet n' aurait pas vu le jour https://www.instagram.com/p/ChsLjdgLfnO/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[whileiamdying]

En 1970, Miles Davis devient électrique

L'album "Bitches Brew" est réédité en coffret avec des inédits.

Par Sylvain Siclier   Publié le 13 novembre 2010 à 14h00 Mis à jour le 13 novembre 2010 à 14h00

Sur l'étiquette qui orne le recto du coffret Bitches Brew, 40th Anniversary, de Miles Davis, le guitariste Carlos Santana s'enflamme : " Comme la 5e Symphonie de Beethoven, voici une oeuvre qu'il est nécessaire et obligatoire de connaître." De fait, Bitches Brew, quarante ans après sa publication, en avril 1970, est l'album de référence de la première période électrique de Miles Davis (1926-1991)au même titre que Kind of Blue, paru en 1959, symbolise la veine acoustique du trompettiste.

Bitches Brew marque en effet l'entrée, en grande pompe, de Miles Davis dans son ère électrique, psychédélique et funky. D'où ce coffret commémoratif dans une présentation sophistiquée, comme dela devient la norme pour les albums que le temps, le succès, l'influence ont transformé en légende (Le Monde daté dimanche 31 octobre-lundi 1ernovembre).

Avec le Grateful Dead

Soit trois CD avec les thèmes de l'album original - dans le mixage et le master d'une précédente édition en 1998 -, des versions raccourcies destinés à des 45-tours pour la radio, deux inédits et un concert de 1970. S'y ajoutent un fac-similé de l'édition originale sur deux disques vinyles, un DVD d'un concert de 1969, des photographies et documents. Dont un savoureux mémo dans lequel Miles Davis annonce aux patrons de Columbia Records qu'il souhaite appeler son album Bitches Brew, - "le chaudron des salopes".

Certifié disque d'or (pour 500 000 ventes), Bitches Brew sera acheté de manière marginale par le public du jazz ; celui du rock se rue dessus. Davis est, en effet, à cette période, programmé dans les mêmes salles et les mêmes festivals que Santana, le Grateful Dead, Jefferson Airplane, Sly and The Family Stone ... avec une musique allumée en accord avec celle de ces groupes californiens.

L'orchestre de Bitches Brew en impose : deux, voire trois claviéristes (dont Joe Zawinul et Chick Corea), deux batteurs (dont Lenny White), le saxophoniste Wayne Shorter et le clarinettiste - basse - Bennie Maupin, deux bassistes (dont Harvey Brooks à l'électrique), John McLaughlin à la guitare et le son de trompette de Miles Davis, déformé, passant par des effets d'échos. La plupart des compositions oscille entre quinze et près de trente minutes.

Cette musique, Miles Davis et ses musiciens l'ont inventée, trouvée, lors de concerts. Lorsqu'elle arrive en studio, du 18 au 21 août 1969, elle est déjà bien avancée. Pour construire les différents morceaux du disque, le producteur Teo Macero puise dans les improvisations conduites par Miles Davis. Une méthode déjà employée quelques mois plus tôt pour le contemplatif In A Silent Way.

Le disque donne à la musique de Miles Davis et ses musiciens l'apparence d'une forme définitive. Mais elle continuera d'évoluer dans les concerts à venir, avant et après la sortie du disque. Les ébauches, les motifs mélodiques et rythmiques éphémères que le montage de Macero transforme en compositions seront une partie de la bande son de l'année 1970. Elles restent, en 2010, de bons motifs à susciter l'imaginaire musical.

Bitches Brew, 40th Anniversary, de Miles Davis : un coffret de 3 CD, 1 DVD et 1 double album 33-tours Columbia-Legacy/Sony Music. Existe en version 2 CD et 1 DVD.

[afterivoryoff]

Notre premier clip est enfin disponible ! On vous laisse découvrir "The Maze"...

En espérant qu'elle vous touche et en attendant impatiemment vos réactions, on vous remercie sincèrement pour votre soutien sans lequel tout cela n'aurait pas été possible ! :)

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Réalisation : Sélim Mahieu vidéaste Maquillage : Marie Dufresne Makeup Artist Lieu du tournage : Studio LUNA ROSSA Son/Mixage : Michel Boubiela Mastering : Christian Wright (Abbey Road Studios)

[aliceanimal-carnetdevoyage]

Fin de session, on a une bonne TOUNE, il y a encore du travail de production mais l’essentiel est là et on s’est bien amusés à explorer ensemble pendant une après midi, un bout de nuit et on a terminé au petit matin.

Les choses rouges qui se trouvent derrière nous s’appellent des “diffuseurs” si je ne fais pas d’erreur, c'est pour traiter le son. Etienne est vraiment spécialiste en terme d’enregistrement , mixage, mastering  etc... d’ailleurs j’invite tous les musiciens qui veulent approfondir le sujet à aller voir sa chaine youtube “La Machine à Mixer”, c’est une mine d’or !

[villefrancois]

Je vous présente ma dernière musique, un pur instrumental : SPATIAL TRIPC'est un morceau avec une ambiance inédite pour moi, planante, avec des sons inusités dans ma discographie, qui me font penser à des musiques d'animés, de mangas.Sinon, ça me rappelle aussi certaines musiques des Deftones.Cela fait très longtemps que je porte en moi le riff du début, avec ces accords un peu bizarres, ces dissonances mélodiques. Je suis super content d'en avoir fait quelque chose.Jean-Yves Guilé a apporté un plus en ajoutant des arrangements et des sons de derrière les fagots, merci à lui !Bonne écoute !Mixage et arrangements : Jean-Yves GuiléMastering : Master Lab Systems#rock #manga #metal #psychedelic #instrumental #BO #numetal

[musitechnicformation]

Notre Formation d'Ingénieur du Son au Québec est conçue pour fournir aux aspirants ingénieurs du son les compétences et les connaissances nécessaires pour réussir dans l'industrie de l'audio. Cette formation complète couvre tous les aspects de l'ingénierie sonore, y compris les techniques d'enregistrement, le mixage, le mastering, l'acoustique, le design sonore et le son en direct. Que vous soyez intéressé par la production musicale, le son pour le cinéma ou les événements en direct, notre Formation d'Ingénieur du Son au Québec offre une expérience pratique avec du matériel de pointe utilisé dans l'industrie. Apprenez auprès de formateurs expérimentés dans l'un des centres créatifs les plus dynamiques et lancez votre carrière en ingénierie du son.

[mysteriis-moon666]

DYING FETUS - Make Them Beg for Death

Une envie brutale de vous faire tronçonner la tronche comme dans un slasher ?

« Make Them Beg for Death » via Relapse Records, 9ème tranche lardée de Dying Fetus l'accomplira à merveille.

Dying Fetus est un groupe de brutal death metal américain, originaire d'Upper Marlboro, dans le Maryland, formé en 1991.

Son nouveau disque abonde d'un riffing incisif et groovy, un mur de blast brutaaaaal, un chant de bas-fond sans concession, et sur le plan esthétique le cimetière est à ciel ouvert, avec tripaille en abondance, un sens ( sang) de la découpe affutée, bref c'est une boucherie sonique imparable. La production a été laissée à Steve Wright (Acid Bath, Diabolic, Misery Index...) et à Mark Lewis (Cannibal Corpse, Deicide, Gutslit, The Black Dahlia Murder...) pour mixage et mastering.

Ce qui ressort c'est un groove pantelant sa majestueuse pachydermique, une brutalité grind éléphantesque et une technicité noyée dans une efficacité de mammouth. Le groupe fait ce qu'il connaît, et réalise de meilleur, pas de surprise, juste une mutilation positive, pragmatique, prépondérante. Dying Fetus assoie sa suprématie névralgique et féroce comme étant un des meilleurs tueurs en série du brutal death metal.

[sublimationleblog]

Olivier Gosseries : la mixtape qui a changé ma vie

En parallèle du podcast You’re On The Guest-List +1 (#SublimationIsBack Episode 2) dont il a été l’invité exceptionnel, le DJ Olivier Gosseries nous a accordé une série d’entretiens relatifs à sa carrière et sa vie. Aujourd’hui, il nous parle d’une cassette audio qui a, dit-il, bouleversé la trajectoire même de son existence.  

Un lieu : Bruxelles. Une période : le début de l’année 1983. Une personne : Eric de Wouters. C’est ce jeune de quinze balais qui me vend cet hiver-là sa première cassette mixée. Eric est deux ans plus âgé que moi. Il m’impressionne par son aisance en société et sa grande culture musicale. Il faut dire que son frère est DJ et son père, disquaire. Il a donc un accès aisé tant au matériel de sonorisation qu’à tous les nouveaux disques qui sortent. De plus, il fréquente déjà les boîtes de nuit et s’inspire, au moment de réaliser son propre mix, de ce qu’il y a vu et entendu. Désireux de pouvoir entrer dans son monde, d’en comprendre les codes, j’accepte de débourser trois cent francs belges (approximativement 7,50 EUR) pour acquérir cette cassette que je vais longuement chérir. Eric m’a prévenu que la première face serait un mix artisanal de chansons new-wave, la seconde faisant la part belle à la musique funk. Alors je rentre chez moi et, fébrile, je glisse ladite cassette dans mon walkman Sony flambant neuf. J’appuie sur Play et, instantanément, je suis hypnotisé, transporté, ma vie bascule. Littéralement. J’écoute la cassette en boucle toute la nuit.

Track-listing partiel de la mixtape :

Face new-wave

Peter Godwin – Emotional Disguise Heaven 17 – Let Me Go Spandau Ballet – Communication Human League – (Fascination) Keep Feelin’ Duran Duran – Is There Something I Should Know Yello – Bostich Liaisons Dangereuses – Los Ninos Del Parque

Face funk

Nile Rodgers – Yum Yum George Clinton – Atomic Dog George Benson – Gimme The Night Brother Johnson – Stomp Grand Master Flash – White Line

La cassette est une révélation, elle donne rien de moins qu’un nouveau sens à ma vie. Acquérir coûte que coûte et aussi vite que possible un matériel de disc-jockey devient ma première obsession; je veux imiter Eric, mixer aussi bien que lui et peut-être même mieux. Et confronter mes choix musicaux et ma science du mix à un public. Car je vais travailler pour atteindre ce but, énormément travailler... J’achète dans un premier temps une platine bon marché et je me fais offrir la seconde par mon oncle. J’investis une partie de ce qu’il reste de mon argent de poche dans une table de mixage d’occasion négociée au prix de mille francs belges (approximativement 25 EUR). Et une fois ce matériel installé, je m’entraine, je m’entraine…  L’équipement n’est pas vraiment adapté à cet usage mais je m’en accommode, je m’adapte aux contraintes techniques et je parviens vite à me débrouiller. J’apprends sur le tas... Problème : je ne dispose que très peu de disques et mon père n’est pas disquaire. En acquérir autant que possible devient, dès cet instant, ma principale occupation, c’est une quête quasi quotidienne dans laquelle tout mon argent d’adolescent est rapidement et inexorablement englouti. Ma mère me donne cette année-là cent francs belges (2,50 EUR) par jour pour manger, c’est juste de quoi acheter un sandwiche et une boisson pour la pause de midi.

Entre se nourrir et acheter des disques, le choix est vite fait. Je me passerai souvent de déjeuner pour investir ces sommes cumulées dans l’achat de 45 tours. En fonctionnant de la sorte, je peux me procurer un nouveau single environ tous les deux jours mais, rapidement, ce n’est pas suffisant... La soif de disposer d’un très large éventail de chansons pour mes mix se fait cruellement ressentir. Trop de nouvelles plaques sortent chaque semaine et, idéalement, il me les faudrait toutes si je veux pouvoir proposer une mixtape au top de la modernité. Face au manque d’argent et en proie à une décision dévorante, je me résous à faire ce que beaucoup de grands deejays ont fait à leur début : à défaut de pouvoir acheter les disques, je vais les voler. A suivre...