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[marcfarraspiera]

Rotherhithe: princesas, colmenas y bucaneros

América empieza en Rotherhithe. La historia es caprichosa y tiende a olvidarse del origen de muchas cosas. Ahora casi nadie se acuerda, pero durante siglos Rotherhithe, el extremo oriental del puerto de Londres, fue el punto de partida de expediciones marítimas que cambiaron la faz del mundo. Y ahí sigue, con 900 años de vida y miles de anclas levadas a sus espaldas, y con apenas 14.000 vecinos. Entre sus dársenas, sus bodegas y sus calles empedradas con olor a sal y alquitrán se gestaron aventuras de coraje, compromiso absoluto y estoicismo religioso. Algunas de ellas levantaron continentes enteros - luego lo veremos.

Los historiadores difieren en el origen del nombre de Rotherhithe. Como suele pasar, los hay prosaicos (“tierra de ganado”) y poetas (“refugio de la rosa roja”). A juzgar por el presente, se deberían imponer los primeros: en Rotherhithe no hay rosas, pero sí ganado - esto también lo veremos. Lo que no admite discusión es su geografía, una discreta península al sureste de Londres, en el distrito de Southwark, antigua frontera con el condado de Surrey.

Lejos quedan los años de grúas y mercancías. El nuevo milenio cambió a Londres para siempre. También a Rotherhithe. Con la llegada del metro (línea Jubilee, la más rápida y moderna) el barrio se ha regenerado a una velocidad de vértigo. Los viejos muelles isabelinos han dado paso a un centro comercial, y la arquitectura tradicional de ladrillo austero convive con grandes bloques de vidrio y acero. Actualmente es una zona pacifica y aseada, rodeada de agua y con uno de los aires más frescos de la ciudad. A primera vista, la rutina y la flema del vecindario muestran un típico arrabal británico, pero en cuanto uno empieza a rasgar con paciencia, emergen relatos y curiosidades fascinantes, aventuras que llegan a la orilla del presente como los restos de un naufragio.

Reyes y bombas

Sea por codicia, sea por olvido, Londres no es muy amiga de las ruinas. No hay sitio ni tiempo para la nostalgia. Hay excepciones, por supuesto. Como la mansión del rey Eduardo III, construida en Rotherhithe hacia 1350, en plena Época Negra por la peste bubónica. El monarca, famoso por haber iniciado la Guerra de los Cien Años contra Francia, y muy aficionado al cuidado de aves, ordenó construir una cetrería con todos los lujos dignos de su real figura, foso incluido. Lamentablemente, sus descendientes no desarrollaron el amor a la ornitología y este refugio natural inició una larga decadencia, siendo alfarería y bodega hasta ser demolido en 1970. Sus restos, en una bella y tranquila plaza cuadrada, ofrecen una de las mejores vistas del perfil de Londres. Ideal para degustar el atardecer con la solemnidad y la soledad de un rey.

Muchos siglos después, Rotherhithe se citó de nuevo con la historia. Esta vez, en lugar de pájaros, el cielo se llenó de bombas. Los muelles del este de Londres fueron objetivo prioritario de la aviación nazi durante el Blitz. El 7 de septiembre de 1940, los alemanes acribillaron el barrio con una lluvia incesante de plomo. Murieron decenas de personas. Ardieron un millón de toneladas de madera almacenada en el puerto. Nunca se vio (ni se ha vuelto a ver) un incendio de tal magnitud en todo el país. Los bombardeos continuaron hasta 1944, pero el barrio, cual lobo de mar en medio de la tormenta, resistió.

El fotógrafo y la princesa

Rotherhithe tiene su porción de gloria en la mitología cinematográfica del país. Aquí nació Michael Caine en 1933 y Hitchcock rodó en sus calles escenas de su primera película, Number 13 (1922). Incluso Marlene Dietrich puso brillo y glamour a noches inolvidables en las tabernas marineras.

El barrio también alumbró, en la ficción, a Lemuel Gulliver, el más famoso personaje de Jonathan Swift; inspiró a Sherlock Holmes para engañar a su querido Watson con una supuesta enfermedad contagiosa, y sirvió a Dickens para cerrar su emblemático Oliver Twist.

Sin embargo, una vez más son los royals quienes se llevan la mejor parte del pastel de anécdotas. Un viejo almacén de Rotherhithe fue el escenario de uno de los romances más sonados del siglo pasado, entre el fotógrafo Tony Armstrong-Jones (también conocido como Lord Snowdon) y la Princesa Margarita. En el número 59 de Rotherhithe Street (hoy demolido) el artista adecentó una alcoba secreta para sus apasionados encuentros con la hermana de la reina. Lejos de la purpurina de Buckingham, la oscuridad de Rotherhithe escondió a los dos amantes de los flashes y la salsa rosa.

A juzgar por la leyenda, se lo pasaron en grande: bacanales infinitas de pastel de ternera y vino negro, bacalao frito cocinado por el propio Snowdon, sesiones de fotos subidas de tono… En medio del jolgorio, la pareja llegó a lanzar un sofá rojo por la ventana que se hundió lentamente en el fondo del río. Margarita se encariñó con el barrio, y bautizó a su nido de amor “Little White Room” en recuerdo de los cisnes que pululaban alrededor de la casa. Quien quiera revivir esos días de vino y rosas solo tiene que ver Beryl, el cuarto capitulo de la segunda temporada de The Crown. Oro puro de la televisión.

Guerra y paz

Los feligreses del barrio se reúnen puntualmente en la señorial iglesia de Saint Mary. Pese a que en sus fundamentos se encontraron restos de una construcción romana y de que hay constancia de una iglesia desde 1282, el templo actual fue erigido a principios del siglo XVIII. El diseño fue obra de John James, discípulo del genial Sir Christopher Wren.

Los imperios se empiezan con guerras, se sueldan con fe y se inmortalizan con arte. La historia se encarga de mezclarlos. St Mary da cuenta de ello: la mesa de la capilla y dos cátedras obispales fueron construidas con restos de madera del buque militar HMS Temeraire, cuyo viaje al desguace de Depftord fue inmortalizado por Turner en uno de sus cuadros más emblemáticos, y que se puede ver en la National Gallery.

La estrella polar

De Rotherhithe zarparon barcos hacia todos los rincones del mundo, pero curiosamente con los países nórdicos se estableció una conexión particular, primero con la llegada de marineros y navegantes, y más tarde por urgencias políticas: durante la Segunda Guerra Mundial el barrio hospedó al gobierno noruego en el exilio.

La impronta escandinava es fuerte en la zona, así en la historia como en la estética. Hasta cuatro iglesias (una finlandesa, una sueca, una danesa, y la mejor, St Olav’s, la noruega), tiendas, cafés, alberges e incluso una sauna. Además del legado en el nomenclátor de calles y edificios, la huella nórdica es visible en la arquitectura y en el diseño harmónico y de colores claros de muchos interiores.

Animales vs corbatas

El capitalismo manda en Londres con puño de acero, pero aun hay grietas -pocas, pero fascinantes- por donde se cuelan resquicios de otro tiempo. Seguramente lo último que el visitante esperará encontrar a los pies de la City es un puñado de cabras, ovejas y cerdos correteando alegremente al aire libre. Sólo hay que visitar la Surrey Docks Farm (Granja de los Muelles de Surrey), apenas una hectárea de terreno que acoge a una familia variopinta de patos, pollos, pavos, abejas y asnos, y aun queda espacio para el cultivo de flores y hortalizas. Quien tenga antojo de miel natural o de forjar una espada, puede visitar la colmena o probar su destreza medieval en la herrería, ambas abiertas al público.

Activa desde 1743 y reubicada en 1975, la granja cuenta con espacios educativos y con una de las postales más pintorescas de Londres: corrales y conreos con los imponentes rascacielos de Canary Wharf al fondo. Para redondear la visita y reflexionar sobre el lado oscuro del poder, nada mejor que sentarse en un banco y leer Rebelión en la granja, del maestro Orwell.

400 metros de viaje submarino

Hace 200 años, Rotherhithe protagonizó uno de los grandes hitos de la ingeniería civil gracias al túnel que unió el barrio con el centro de la ciudad. Fue el primer túnel construido bajo un río, y lo diseñaron Marc Isambard Brunel y su hijo Isambard Kingdom, autor del mítico puente colgante de Bristol, otra maravilla de la ingeniería.

La construcción fue digna de una epopeya homérica. Usando el revolucionario escudo tunelador patentado por el propio Brunel, y con el apoyo económico del Duque de Wellington, se necesitaron nada menos que 18 años para finalizar las obras (1825-1843). Fueron dos décadas infernales con un arsenal de calamidades: hundimientos, inundaciones, incendios, fugas de gas, bancarrotas e incluso muertes. Nada quebró el espíritu indomable de los Brunel, seguramente los ingenieros más mediáticos de su tiempo, víctimas de incontables sátiras y burlas en los periódicos y las tertulias.

Pese a todo, el resultado fue espectacular. Las cifras hablan por si solas: 11 metros de ancho, 6 de alto, 396 de largo, y 23 por debajo del Támesis. También lo fue la factura: 630.000 libras.

El túnel se convirtió rápidamente un icono de Londres. Fue tanto su éxito que se llenó de tiendas y de todo tipo de animaciones. Un Atlantic City avant la lettre. Los periodistas locales, siempre rivalizando con París, lo bautizaron “la resplandeciente avenida de la luz”. Londres quedó fascinada con la obra de los Brunel. El túnel se transformó en un harén subacuático multiusos. Centro comercial de día, raves victorianas de noche. Dos millones de personas lo visitaban cada año y llegó a ser considerado “la octava maravilla del mundo”.

Ya se sabe que el éxito y las multitudes atraen también a las almas más oscuras, y el túnel no tardó en llenarse de carteristas, ladrones, prostitutas y fugitivos. Lo más llamativo es que el túnel, originalmente diseñando para el tránsito de carruajes, nunca sirvió para tal propósito. La modernidad lo enmendó, y hoy forma parte de la red del Overground.

La épica y el desenfreno de aquellos años no han caído en saco roto. La casa edificada para guardar las bombas de drenaje alberga actualmente el Museo Brunel, con explicaciones detalladas del titánico proceso de construcción y con piezas de coleccionista como acuarelas originales del propio ingeniero. Uno de los pozos de ventilación ha sido adaptado como eventual espacio cultural. Es una cavidad cilíndrica única, de paredes crudas, con los arañazos del tiempo bien visibles, y una escalera metálica de ensueño, como un descenso a los infiernos. No hay que desaprovechar por nada del mundo la oportunidad de presenciar un concierto de música clásica. Hay pocas experiencias en la vida comparables a escuchar a Bach o a Mozart bajo el Támesis. Para los más expeditivos, el día de San Valentín se organizan visitas al túnel para parejas. Los publicistas, inspirados por Springsteen, lo rebautizaron Tunnel of Love.

Cine Paraíso

A veces ocurren milagros. Puede que paseando por el barrio uno se dé de bruces con Keira Kinghtley, Benedict Cumberlatch o la mismísima Vanessa Redgrave luciendo capas reales o enfundados en corsés victorianos. Todo tiene su explicación. Y es que un viejo granero de Rotherhithe esconde uno de los secretos mejor guardados de la industria cinematográfica británica, la productora Sands Films, una de las grandes especialistas mundiales en vestuario de época. Sus creaciones han resplandecido en Orgullo y Prejuicio, Los Miserables, El fantasma de la ópera y un sinfín de películas, series de televisión y obras de teatro, mayormente adaptaciones de clásicos de la literatura.

El interior del elegante edificio, con mosaicos de ajedrez, vigas de madera carcomida y grandes ventanales rojos, es historia viva del cine de sombreros y tacitas. Sus archivadores verdes, sus estanterías repletas de bobinas, e interminables hileras de vestidos, pelucas y accesorios guardan mil secretos con aroma de celuloide y terciopelo rojo. Si alguna vez soñaste con ser Elizabeth Benneth, este el lugar ideal. Difícilmente encontrarás a un Mr Darcy a la salida, pero ya lo decía Aute, todo en la vida es cine, y los sueños, cine son.

La semilla americana

Antes de partir hacia el ártico, el explorador Ernest Shackleton publicó en The Times la oferta de trabajo más célebre de la historia: “Se buscan hombres para viaje peligroso. Sueldo bajo. Frío atroz. Peligro constante. Retorno improbable. Honor en caso de éxito”. El anuncio lo hubiera podido firmar perfectamente hace cuatro siglos Christopher Jones, capitán del buque The Mayflower, que protagonizó el viaje fundacional de la nación estadounidense.

En 1620, 135 almas zarparon del puerto de Rotherhithe a bordo de este velero holandés de 34 metros de eslora hacia las costas de Virginia. Se hicieron llamar los Padres Pelegrinos, ya que muchos de ellos estaban en guerra contra la iglesia anglicana. 45 no sobrevivieron al invierno del Nuevo Mundo, pero los que se quedaron hicieron mella: George Bush, Richard Nixon, Marilyn Monroe y Humphrey Bogart son descendientes directos de aquel centenar de aventureros.

El recuerdo de la travesía sigue vivo en Rotherhithe gracias al pub The Mayflower, ubicado justo delante del muelle desde el que el barco se despidió de Londres. Por si la emoción fuera poca, el local ostenta el honor de ser el pub más antiguo del Támesis. Aunque del velero original solo conserva el ancla y algunos restos de madera, The Mayflower es una puerta abierta al espíritu del siglo XVI. No hay en toda Londres un escenario igual.

Hoy en manos de una franquicia, hay que reconocer que la comida no es nada del otro mundo, pero hay una buena oferta de cervezas, vinos y quesos. La terraza, con soberbias vistas al Támesis, hará las delicias de los enamorados – si tienes previsto pedir la mano a tu pareja, cuidado con la marea alta, muy traicionera.

A los filatélicos más acérrimos les interesará saber que, a fecha de hoy, The Mayflower sigue siendo el único pub de todo Reino Unido con licencia para vender sellos americanos y británicos, una tradición que se remonta al siglo XVIII. Y por último, antes de viajar, revisa tu árbol genealógico. En caso de que tengas lazos de sangre con los Padres Pelegrinos, tendrás el honor de estampar tu firma en el ‘Libro de los Descendientes’.

Si, por el contrario, eres un vulgar plebeyo sin antepasados gloriosos, limítate a observar, escuchar y degustar. En invierno, con una pinta negra al calor del fuego y a la luz de las velas cual Barry Lyndon, la experiencia adquiere tintes místicos. Luego mira al horizonte. Dicen los agoreros que a lo lejos verás América.

[salguerofatima10]

Arquitectura Contemporánea.

Se refiere a los estilos arquitectónicos mas actuales. Encontramos edificios dentro de una una amplia gama de usos y que están diseñados y construidos desde los últimos 20 o 30 años en adelante. Estos edificios son diferentes a los edificios modernos, y carecen de cualquier rasgo de estilos arquitectónicos históricos.

Es importante no confundir la arquitectura contemporánea con la arquitectura moderna. Moderno se refiere a un estilo particular de arquitectura que fue popular a mediados del siglo XX, que está separado de los tipos de estilos contemporáneos populares que se usan actualmente. Contemporáneo es sinónimo de “actual”. De alguna manera, la arquitectura contemporánea puede ser similar a la arquitectura moderna con sus líneas limpias y el uso de ventanas y vidrio. 

Características de la arquitectura contemporánea...

Gran enfoque en el exterior: ademas tiene como objetivo fusionarlo con el interior de la propiedad. Esto se puede hacer usando ventanales de vidrio, así como en formas más creativas a través de combinaciones de colores y decoración.

Ligereza: aporta un interior más relajado al hogar contemporáneo. Los diseñadores de muebles comenzaron a crear sofás, mesas y muebles para el hogar que reflejaban un enfoque más relajado de la vida. 

Importancia de los accesorios: De manera similar a los períodos de diseño del pasado, los detalles son esenciales en un estilo contemporáneo. Los elementos finos, como los accesorios de iluminación son mantienen simples y originales. Los pasamanos y barandillas que una vez fueron grandes piezas de madera hechas a mano en pasadas décadas son reemplazados por cables de tensión innovadores, vidrio o materiales industriales.

Concepto de espacios abiertos: Las espacios contemporáneos tienen la sensación de unir todos los espacios interiores en una gran experiencia.  Un plano de planta abierto es ideal y es emblemático en los espacios contemporáneos y crea una estética de diseño unificado en todo tu hogar.

Exteriores contemporáneos: La mayoría de los detalles exteriores están libres de adornos pesados ​​de edificios históricos clásicos y se reemplazan por formas rectilíneas o curvilíneas simples. Las líneas del techo son distintas: voladizos grandes, y las características únicas, como las líneas del techo aparentemente planas, así como los materiales del exterior, por lo general se combinan armoniosamente con la naturaleza de su hogar en estilos contemporáneos.

Algunos arquitectos famosos de la arquitectura contemporánea...

Zaha Hadid.

Frank Owen Gehry

Renzo Piano

Jean Nouvel

Kazuyo Sejima

Obras contemporáneas... 

EL MUSEO GUGGENHEIM DE BILBAO

El Museo Guggenheim Bilbao es obra del arquitecto canadiense-americano Frank Gehry y representa un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 9.000 m2 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración y su diseño innovador, conformando un seductor telón de fondo para el arte que en él se exhibe. En conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura escultórica y espectacular perfectamente integrada en la trama urbana de Bilbao y su entorno

LA CATEDRAL DE BRASILIA

La obra empezó en 1958 y se concluyó en 1971. Primero se terminó la estructura de la nave principal y luego se prosiguió con el baptisterio, el campanario, la sacristía, la rampa y el espejo de agua. La capacidad de la catedral es para que reciba a 4 mil personas.

Su estructura está cerrada por una corona de 16 pilastras que le aportan un aspecto de flor en el momento de abrirse, también se compara esta estructura con la mano de un sacerdote en el momento de la consagración o, incluso, con una piña, pilastras cerradas por láminas de vidrio de color. La única nave, de planta circular, está hundida y tiene 70 metros de diámetro, alcanzándose los 40 metros de altura. El acceso al templo se flanquea por cuatro gigantescas estatuas de los Evangelistas. El interior se llena de luces, sombras y colores, lo que hace del simple y esquemático espacio un lugar cargado de espiritualidad y de simbolismo, características que definen los edificios diseñados por Niemeyer en Brasilia.

ESTADIO NACIONAL DE PEKÍN

El diseño del estadio estuvo inspirado en la formación de los nidos de las aves. Los arquitectos han logrado plasmar el concepto de tal manera sobre su obra que el proyecto pronto se ganó el sobrenombre de “nido de pájaro” de manera espontanea entre la población china.

El diseño se basa en los nidos de las aves no sólo a nivel estético sino también a nivel estructural. Toda la estructura visible desde el exterior imita las ramas entrelazadas de los nidos que al trabajar en conjunto las unas con las otras logran resistencias inimaginables para cada elemento aislado. En el centro del área que alberga también las demás estructuras olímpicas, el estadio parece estar posado como una astronave, con una silenciosa majestuosidad cuyo atractivo viene dado también por su forma ligeramente ondulada.

OPERA HOUSE DE SIDNEY

La Ópera de Sídney es también uno de los edificios más famosos del siglo XX. Fue diseñada por el arquitecto danés Jørn Utzon en 1957 e inaugurado en 1973. El edificio es singular en todos sus ángulos, el tejado tiene 67 metros de altura, tiene 27.000 toneladas de azulejos suecos, y más de 1.000.000 de piezas. 4.5 millones de visitas al año.

La Ópera de Sídney tiene cuatro auditorios principales para Ópera, danza, conciertos y teatro. Realiza más de 2.400 eventos anuales, por lo que no sólo es un impresionante edificio, sino que también es una referencia para el arte. La Ópera de Sídney fue declarada Patrimonio de la Humanidad en el 2007. Es la sede de la compañía Ópera Australia, la Compañía de Teatro de Sídney y la Orquesta Sinfónica de Sídney.

Obras contemporáneas de El Salvador

Iglesia El Rosario

Esta ubicada frente al parque Libertad es una edificación que mide 24 metros de ancho y 80 de largo cuya forma es oval sin columnas, con 22 metros de altura.  El efecto de la Luz es lo mas hermoso dentro de esta obra arquitectónica.

Ademas, esta extraordinaria edificación guarda un estilizado víacrucis hecho a base de hierro negro forjado sobre cemento y piedra pómez elaborado de una manera extraordinaria que suscita a la contemplación artística de cada una de las piezas.

Estilo contemporáneo: interiorismo 

Hablamos de estilo contemporáneo en interiorismo para referirnos a la estética actual, que abarcaría a las tendencias que se han popularizado desde principios del nuevo siglo.

Se trata de un estilo actual que se caracteriza principalmente por encontrarse a caballo entre el estilo clásico y las vanguardias. A veces, se confunde con el estilo minimalista ya que en ambos estilos abundan las tonalidades clara y los espacios grandes y diáfanos.

El estilo contemporáneo es elegante y busca espacios amplios, de aspecto ordenado. Eso sí, nos alejamos de la estética aséptica de los tiempos de minimalismo, ya que se añaden toques de calidez ya sea en la selección de los materiales (materias nobles como la madera, la piedra y los textiles de alta calidad).

Suelos de madera o con baldosas hidráulicas tradicionales o, por el contrario, cerámica un diseño innovador, que se complementan con paredes lisas con un toque de color o bien de ladrillo visto para dar un toque moderno, serían la base para una serie de objetos (no demasiados) seleccionados.

Respecto al mobiliario, lejos de buscar entornos “conjuntados” se buscan unas piezas clave, con las que nos sintamos identificados, como un sofá singular o una mesa de un material noble que hable del gusto y el estilo de vida del propietario, alrededor del cual se construirá el interior.

Como decíamos, se apuesta por ciertas piezas clave que atraerán la vista gracias a su aspecto llamativo o lúdico, que se completarán con otros elementos más funcionales o de diseño tradicional. Se huye del abigarramiento y el exceso. 

El color es uno de los elementos más importantes en los interiores actuales, se trata de elegir colores alegres, saturados o bien que tiendan a los tonos pastel, y dar toques de color precisos en el interior. En ese sentido, el mobiliario cada vez tiende más al uso del color para aportar un toque cálido a los interiores. De la misma forma, los textiles pueden jugar un papel clave, focalizando la atención sobre determinados puntos del espacio.

Se trata de introducir en el hogar elementos divertidos, propios del juego, ya sea mediante el uso de elementos figurativos como en la apuesta por formas redondeadas y combinaciones de colores inusuales.

Además de la apuesta por los elementos de juego y los materiales nobles, vivimos tiempos de recuperar y revalorizar la artesanía.

[arquitectura-miriam]

ART DECO

El arte Déco es el aquel estilo artístico que tuvo lugar en las primeras décadas del siglo XX aunque su período de mayor auge y crecimiento fue la década de 1920. París fue la ciudad donde surgió y pronto se extendió a lo largo de Europa, así como también en Estados Unidos y algunos países sudamericanos.

Este tipo de arte influyó positivamente en todas las artes decorativas como por ejemplo son la arquitectura, el diseño gráfico e industrial y el diseño de interiores, además no solo influyó positivamente a las artes decorativas, sino que también influyo en las artes visuales como por ejemplo puede ser la escultura, la cinematografía, la moda, el grabado y la pintura. El término Art Déco, abarca un amplio abanico de ramas y especialidades del arte y la artesanía. Es por eso por lo que este arte se ha considerado muy importante ya que influyó a varias modalidades de representación.

CARACTERÍSTICAS

Líneas elegantes

El Art Decó introdujo elegantes esquinas redondeadas, diseños aerodinámicos y un estilo futurista. Los asientos son con frecuencia ligeramente curvados hacia adentro, lo que sugiere intimidad y sensualidad. Las figuras humanas estilizadas con formas alargadas fueron emblemáticas influencias decorativas de este estilo utilizadas en estatuas, iluminación y obras de arte.

Patrones geométricos

Los diseños geométricos proporcionan a menudo un contrapunto a las líneas redondeadas suaves de los muebles clásicos del estilo Art Decó. Los diseños de abanico se incorporaron a menudo utilizando triángulos en capas, y también eran comunes lo diseños circulares.

Materiales y acabados industriales

Los materiales industriales fueron incorporados en el diseño o el acabado de muebles Art Decó. Metales, cromo, plástico y vidrio suelen combinarse con la madera para agregar elementos de textura y adornos reflectantes. Los acabados fueron brillantes o satinados. La madera fue fuertemente laqueada o esmaltada y pulida para lograr mucho brillo.

Telas

Las telas mejoran la sensación de lujo y opulencia en el art decó. Acentuados y exagerados estampados geométricos, animales o florales en materiales suaves y suntuosos fueron utilizados para contrastar y complementar el estilo elegante. Los detalles como flecos y bordes fueron toques finales comunes para los mullidos cojines.

Optimismo

El Art déco refleja el optimismo general y el estado de ánimo despreocupado que se extendió por Europa y los Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial. La esperanza y la prosperidad están representados en diseños de rayos solares, galones y referencias a la buena vida en las elegantes figuras representadas en poses sensuales, casuales, a menudo bailando o bebiendo cócteles. Las influencias modernas anunciaban un panorama futuro brillante y resplandeciente que se abrió camino en la arquitectura, joyería, diseño de automóviles e incluso se extendió a las cosas ordinarias, como refrigeradores y botes de basura.

Diseños modulares

Los muebles modulares aparecieron por primera vez con el diseño Art Decó. Las piezas separadas con aristas curvas que se acoplan se hicieron populares. El estilo era audaz e innovador, pero también acogedor y confortable, por lo que los muebles modulares.

ARQUITECTURA 

La Zigzag Moderne

La de las primeras obras y la más opulenta. Algunas muestras de la arquitectura Art Decó Zigzag Moderne son, entre otros: el Teatro Éden de Lisboa, el Edificio de La Unión y el Fénix de Madrid, el General Electric Building de Nueva York, el club Paramount de Shanghai, el Observatorio Griffith de Los Ángeles y el edificio New India Assurance de Mumbai.

La Streamline Moderne, 

La característica de muchos de los primeros rascacielos españoles y de, también, muchos de los rascacielos más famosos del mundo.  También conocida como aerodinámica o racionalista, al estar inspirado en la forma de los aviones, se da por primera vez en 1925 en Orly (Francia), pero la que se considera la obra que dio paso a este segundo tipo de arquitectura Art Decó fue el edificio Chrysler de Nueva York, levantado en 1930. Dentro del estilo aerodinámico existe un subtipo, el naval, aquel que imita las formas de los grandes trasatlánticos.

El Neo-Art Decó, 

Es decir, arquitectura Art Decó construida cuando el estilo ya no estaba de moda. Dentro de este grupo, se encuentra el añadido/enchufe de 1993 de las Torres de Colón de Madrid, el centro comercial de Las Rozas Village y muchos edificios de Las Vegas.

MOBILIARIO

Bar

El mueble bar está hecho de madera maciza y reforzado con una preciosa chapa, que ofrece una gran durabilidad y una estética incomparable.

Aparador 

es un mueble utilizado como almacén para platos, mantelerías y provisiones. Por lo general, se coloca en el comedor.

El escritorio 

Se distinguen principalmente por su diseño geométrico y acabado refinado. El barniz se aplica a todo el marco y al almacenamiento de una manera tradicional para conservar las características y la originalidad de los muebles de los años 30.

Los sofás  

Están montados en un marco de madera maciza y con incrustaciones de especies de maderas preciosas, este mobiliario de sala de estar se cubre con telas de alta calidad, cuero genuino o imitación de cuero para crear una decoración interior de la época de los años veinte.

La silla  

Se distingue por su estilo limpio, su color a menudo oscuro, pero especialmente sus materiales nobles, resistentes y fáciles de mantener. 

La consola 

Es el elemento más representativo del mobiliario de las artes decorativas, a menudo utilizado como mesa auxiliar, con una línea delgada y una superficie plana, donde se colocaron jarrones, estatuas de bronce u objetos de arte Deco.

ARTISTAS

Emile galle

Émile Gallé se caracterizó por la multiplicidad de técnicas que aplicó en el mundo de las Artes Decorativas, tanto en la vidriería como en la ebanistería, y por las calidades mágicas de su universo decorativo: formaciones vegetales o zoomórficas siempre en función de una última función, la búsqueda de la belleza absoluta. Para ello, Gallé se movió en un ambiguo terreno artístico cuyas fronteras son el Simbolismo y el Modernismo. En la parte de su producción más famosa y reconocida, sus Vidrios parlantes (Verres parlants), Gallé incorporó desde flores y motivos vegetales hasta versos de significativos poetas simbolistas como Stephane Mallarmé o Charles Baudelaire.

En cuanto a sus realizaciones en el campo de la ebanistería, el artista francés se caracterizó por su uso de las maderas nobles, que eran talladas siguiendo sus complicados diseños y enriquecidas con fantásticas aplicaciones.

Louis Majorelle

Su estilo se distingue claramente por sus peculiares juegos florales y sus arabescos, con una técnica que continuó cultivando incluso en los años de la primera Vanguardia.

Antoni Gaudi

Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como a las funcionales y decorativas.

Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección como: cerámica, vidriería, foja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso trencadís hecho con piezas de cerámica de desecho.

En el siguiente video se observan escenas de la pelicula “El Gran Gatsby” en donde se puede apreciar este estilo

ESTILO ART DECÓ

Inspirado en  el trencadís es un tipo de aplicación ornamental del mosaico a partir de fragmentos cerámicos, que utilizo Gaudi en sus obras,y los tonos que se observan en tapices y demás elementos de este estilo.

[escrituraporcostumbre]

Carlota

A Carlota le interesaba vestir bien. Y cuidarse. Tanto como pudiese. Su armario era enorme, y en él había mucho movimiento: se compraba ropa nueva cada poco, y donaba aquello que ya estaba harta de ver. El baño de su loft en el centro de Madrid también daba buena cuenta de ello. En la estantería a la izquierda del grifo había todo tipo de cremas y potingues para el pelo, la cara y la piel, varias colonias, pintalabios de diversos colores… Había múltiples espejos por toda la casa, de diferentes tipos y tamaños, y siempre en armonía con los muebles y las diversas estancias que estos generaban.

Nada más entrar en su casa, en el pequeño pasillo que precedía a la amplia estancia, ya encontraba el primer vidrio en el que poder contemplarse. Colgaba de la pared, sobre la cómoda de madera en la que se apoyaban un par de fotografías eróticas antiguas. Era un espejo veneciano original, de Murano, se lo habían regalado en uno de sus viajes de trabajo. Tenía un labrado elaborado alrededor, con pequeños espejos en el marco, y delicadas flores hechas de cristal.

Tras el pasillo estaba la estancia principal, a la derecha estaba el escritorio de madera blanca en el que solía trabajar cuando estaba sola en casa. Al lado del soporte para el portátil tenía otro espejo pequeño, de maquillaje, con pie y marco de forja negra, que contrastaba estupendamente con el color del escritorio y con el cactus que adornaba la otra esquina de este. Carlota se miraba siempre, siempre, mientras trabajaba en sus redes sociales, pues sentía que así tenía que hacerlo. También lo hacía antes de comenzar una jornada de trabajo propiamente dicha, pues allí se maquillaba en ocasiones. Lo hacía exactamente como le habían enseñado en el curso de automaquillaje al que asistió cuando pudo dar el salto.

Frente al escritorio estaba la mesa del comedor. En esta pared no había espejos, pues el ventanal no permitía colgarlos. De todas formas, se veía reflejada en muchas ocasiones en los cristales de las ventanas. Muchas veces, cuando las veladas de trabajo se alargaban y acababan en la mesa de su comedor, Carlota se veía y emitía juicios hacia sí misma. Tenía que estar siempre elegante, por muy tarde que se le hubiese hecho, por muchas horas que le hubiese dedicado al último plan. Y es que Carlota, si en medio de una faena se veía fea, o poco deseable, se excusaba unos minutos para retocarse de nuevo. Así lo hacía en su casa si es que era donde estaba. En el baño, frente a ese espejo redondo del que tenía que desconfiar a la hora de probarse vestidos nuevos, pues la hacía gorda. No era que desconfiase de sí misma, ella sabía que su figura era adecuada, solo que no podía confiar en cualquier vestido. Carlota manejaba sus potingues con soltura, se arreglaba y volvía en un momento, a seguir en donde hubiese dejado a su huésped o huéspedes, a la estancia principal.

Desde la mesa de comedor, de madera labrada muy acorde con el estilo de su casa (y con las sillas), se abría la estancia: allí tenía, paralelo a la mesa y perpendicular a la pared de las ventanas, un chaise longue con tonos rosa crema. Una vez a la semana el tapicero pasaba para limpiar cualquier mínima mancha que este tuviese. También limpiaba una alfombra de piel natural, regalo por otro trabajo, que separaba el sofá de la mesita baja en la que se colocaba la televisión de plasma. Grande, de más de cincuenta pulgadas, para poder ver los frutos de sus faenas si alguna circunstancia lo requería, o si a alguien que anduviese de visita le apetecía. Junto a la tele, como no, había otro espejo. Un espejo de pie, también de forja, que hacía que Carlota pudiese verse justo antes de tumbarse en el sofá.

Al lado del sofá había un sillón, de esos que llaman de leer, a medio camino entre un sillón normal y un diván. En él, Carlota muchas veces desarrollaba ideas de trabajo. Algunas, la mayoría, no eran suyas, pero era un lugar magnífico para desarrollarlas, según decían muchas personas, y tal y como ella había podido comprobar. Tras el sillón una estantería negra, preciosa, pegada a una columna vista, separaba también zonas. En ella había algunos libros, sobre todo de moda, aunque también álbumes de fotos. Había también objetos de adorno caros, muchos se los habían regalado. Uno de ellos era una figura africana de madera, en la que predominaban las curvas, de dos muñecos que se enlazaban en un beso.

La cocina estaba tras la estantería, entre el baño y la pared en la que estaba el escritorio. Era una cocina americana, moderna, elegante. En la encimera isla que la separaba se podía abrir el mueble por la parte que daba hacia afuera, hacia el salón comedor. Carlota guardaba en una de las puertas licores y vinos caros, pues eran los únicos que se atrevería a servirle a sus invitados. En la otra puerta había copas y vasos para cada tipo de bebida: copas anchas para el vino, alargadas para el champagne, vasos bajos para el whisky…

Separado parcialmente por el baño y por un biombo con motivos chinescos del resto de la estancia, estaba el dormitorio. Era amplio, como todo en su casa. Una cama con dosel de dos metros de ancha gobernaba la habitación. A la derecha de la cama, en la pared y junto a la ventana, había otro espejo, este estrecho y largo, de cuerpo entero, con un marco de madera de estilo envejecido. En él se miraba por las mañanas, tras las largas noches de fiestas a las que la invitaban, también por trabajo. En ocasiones, tras verse en él por la mañana, salía corriendo de nuevo al baño a manejar potingues. Según el día no podía permitirse verse recién levantada, de ninguna de las maneras.

A la izquierda de la cama había un armario grande, empotrado, cuyas puertas también eran espejos. Daba aún más amplitud a la estancia. Carlota muchas veces se miraba desde la cama, para evaluar su gesto. Tenía un Channel nº 5 en la mesita de noche, pues, aunque esa colonia no le gustaba demasiado para salir al mundo real, en su mundo había que dormir al estilo de Marilyn. Los beneficios de un gesto así, de acostarse con tan solo ese perfume, saltaban a la vista a la mañana siguiente. Carlota confiaba en que así era, al igual que mucha de la gente con la que se relacionaba. Enfrente de la cama había un sofá antiguo, con una estructura de brocados de madera. Era un lugar perfecto para sentarse y contemplar, sobre todo cuando por la tarde el sol iluminaba totalmente la estancia.

De todos los espejos, el que Carlota más odiaba sin duda era el del techo. Pero así lo querían todos los clientes, era una constante en cualquier clase social. Le recordaba a uno prácticamente igual al que había en el primer burdel en el que ejerció, siete años antes. Aún era menor de edad, aunque en su documentación falsa pusiese lo contrario, y estaba recién llegada de Paraguay. También lo hubo en el siguiente, al que llegó pensando que el trato sería mejor. Y en el siguiente a ese, al que fue a parar porque en el anterior la consideraron demasiado mayor para los gustos habituales de los hombres que lo frecuentaban.

Carlota estudiaba Derecho, pero guardaba los libros dentro del armario, tras los espejos, pues a sus clientes no les gustaba que se metiesen en sus asuntos.

[livreiranarquista]

14 ideas de bricolaje para la decoración del hogar

Aquí hay algunas nuevas tendencias de decoración para el hogar para personalizar ambientes con estilo. La mejor parte es que todas son sencillas, por lo que pone en práctica su creatividad sin temor a huir del presupuesto. ¿Qué hay de empezar? ¡Echa un vistazo y elige las ideas que tienen más que ver con tu estilo! Todo el mundo sabe que Internet es un baúl lleno de tutoriales con posibilidades de decoración para la casa. Resulta que, dependiendo del tema buscado, las referencias son tantas que es difícil decidir cuál es la mejor inspiración. Pensando en esto, seleccionamos en esta publicación algunos consejos para personalizar los entornos con estilo. La mejor parte es que todas son sencillas, por lo que pone en práctica su creatividad sin temor a huir del presupuesto. ¿Qué hay de empezar? ¡Echa un vistazo y elige las ideas de tendencias que tienen más que ver con tu estilo! Cestas en la pared del baño. Las canastas en la pared son una gran idea para la decoración porque mantienen las toallas y otros objetos de higiene y perfumería, manteniendo el baño siempre organizado. Además, son piezas sencillas, asequibles y fáciles de encontrar en cualquier tienda para que el entorno sea innovador y funcional. Cuando se trata de decorar, puede identificar ciertos patrones que ya existen en su baño y elegir cestas de mimbre o de picnic, en forma redonda o cuadrada. Lo importante es encontrar un modelo que coincida con el estilo presente en el entorno y con los otros objetos. Es fácil colocar las cestas en la pared: puede usar ganchos individuales o toalleros con formato de barra horizontal. Si no es posible fijar los mangos de la cesta directamente a los soportes, la punta es atar bandas elásticas o cintas de satén en cada extremo de las piezas para que queden suspendidas. Decoración para el hogar con tarros de cristal. ¿Conoces la compota y los vasos enlatados que todos mantienen sin saber cuándo la usarán? Pues bien, puedes aprovecharlos en la decoración de la casa. Simplemente seleccione los objetos correctos para llenar cada maceta, ya sean joyas coloridas, pañuelos de tela, frutas y más. Una idea interesante del arreglo para fiestas o Nochebuena es distribuir vasos con velas encendidas en la mesa del comedor. Y, si te gustan las plantas, prueba poner pequeños terrarios con cactus y suculentas plántulas dentro de los frascos de vidrio. La secuencia de capas de materiales es la siguiente: Posteriormente, es solo sembrar la especie y regar con la ayuda de una jeringa, cada 15 días. Los terrarios se ven muy bien en los escritorios, estanterías y mesas de café, pero también puedes colocarlos en la cocina o el baño. El último consejo es perfecto para perfumar las habitaciones. Para ello, debes convertir las macetas de vidrio en difusores de aroma. La receta incluye 700 ml de alcohol de cereal, 200 ml de agua y 100 ml de tu esencia favorita. Mezcla todo dentro de la olla, sumerge cinco palillos de bambú o de madera y listo. Ideas de decoración con lunares Para alegrar cualquier decoración, puede dibujar o pintar algunas canicas de colores en la pared con pintura en aerosol o pincel. También es posible instalar ganchos en ellos y usarlos como perchas para colgar bolsas, ropa y juguetes. Si prefiere un aspecto discreto, el consejo es pintar todas las canicas de un solo color o invertir en blanco y negro. Este tipo de composición es ideal para crear un efecto minimalista y, debido a que tiene una base neutral, puede complementarse con pequeños accesorios en tonos vibrantes (amarillo y rojo, por ejemplo). Otra forma de incluir lunares en el medio ambiente es invertir en tejidos de álamo. Cubiertas de cama, ropa de cama, manteles y cortinas son solo algunos ejemplos, y tiene la posibilidad de combinarlos con cadenas de luces, aquellas hechas con lámparas redondas, como si fueran bolas iluminadas. Contenedores en la decoración del hogar. Las cajas de madera son perfectas para cualquier persona que quiera contribuir al reciclaje de materiales. La ventaja es que se pueden encontrar en las principales ferias o supermercados de las ciudades, a precios bajos o sin costo alguno. Puedes convertir las cajas en piezas sorprendentes para adornar diferentes entornos. Como son artículos pequeños, la sugerencia es apilarlos o combinarlos de diferentes maneras para armar estantes, estantes, nichos, mesas pequeñas y mesas de noche. La preparación de cada pieza requiere el lavado y lijado de toda la superficie. Una vez que esté completamente seco, puede aplicar barniz o pintura con una pintura del color de su preferencia. La chapa es interesante porque protege y resalta el aspecto natural de la madera manteniendo un aspecto rústico. Con los acabados listos, aproveche la versatilidad de las cajas. Pueden almacenar vajilla y comida en la cocina, cuadros y esculturas en la sala de estar, libros y carpetas en la oficina del hogar, zapatos en el dormitorio y macetas en el porche. Que simple Muebles hechos con palet. Al igual que las cajas, las paletas también se pueden encontrar y transformar fácilmente en elementos decorativos para el hogar. Incluso el proceso de preparación y acabado se realiza de la misma manera, con la diferencia de que las paletas son más grandes y dan un poco más de trabajo. Pero las dimensiones generosas de los palets también tienen buenos puntos. Le permiten ensamblar muebles grandes y resistentes, como camas y paneles de TV. El uso de las piezas como base para el colchón se ha convertido en una tendencia y continúa alto, especialmente si el objetivo es construir una cama baja o japonesa. Objetos transformados en macetas. Distribuir plantas y flores a través de los ambientes es una gran estrategia para hacer que la casa esté alegre y llena de vida. Por lo tanto, la falta de macetas hermosas para poner los arreglos no puede ser motivo para dejar de cultivar algunos pequeños cambios. En estos casos, es posible transformar objetos cotidianos que no se utilizan en contenedores personalizados. Pueden ser tazas o tazas rajadas, pintura o latas de conservas, un hervidor o tetera viejo y regaderas pequeñas. Incluso un gabinete antiguo con cajones puede servir como soporte para las plantas, y se ve encantador en el patio o en el porche de la casa. Para crear un efecto fresco, mantenga los cajones abiertos, ligeramente más bajos que los de arriba, y luego rellénelos con el suelo y las especies seleccionadas. Muebles antiguos reformados. Con creatividad, es posible dar nueva vida a ese móvil lleno de personalidad que está en malas condiciones debido al paso del tiempo. El proceso requiere paciencia, pero el resultado puede parecer asombroso con el papel de lija adecuado, un poco de pintura, tela, adhesivo o papel tapiz. Hay muchas opciones de recubrimiento disponibles, con diferentes colores, tipos de acabado y texturas para personalizar una sola pieza. Todo dependerá del estilo elegido, que deberá armonizar con la decoración del entorno. En una habitación moderna, por ejemplo, puede incluir un mueble de color para contrarrestar con los tonos neutros que predominan en el lugar. Ya una habitación decorada en estilo vintage requiere piezas decoradas y trabajadas en tonos pastel (salmón, lila, turquesa) o, aún, con un estampado floral. Decoración con cinta washi. Desde que las cintas adhesivas japonesas tradicionales comenzaron a colorearse, el mundo de la decoración y la artesanía ha sido invadido por una ola de posibilidades creativas. Hechas con papel washi, estas cintas se llaman cintas washi y se pueden usar para decorar todo lo que imaginas, desde la cúpula de una lámpara hasta una pared entera. Hay modelos con colores puros y también estampados con lunares, rayas y diseños abstractos. Elija su favorito para componer rayas horizontales y verticales en las paredes, armar figuras y frases, improvisar marcos de fotos y marcos de papel o incluso crear un árbol de cintas en la decoración navideña. Las cintas washi también pueden cubrir detalles de muebles y otros elementos como puertas, ventanas, interruptores y columnas elevadoras. Y no tiene que tener miedo de mover la casa con ellos, después de todo, son fáciles de aplicar y quitar. pintura mural Aunque parezca difícil, pintar la pared no es tan complejo y no requiere un gasto excesivo. Con suficiente cuidado y un poco de paciencia, puede crear efectos maravillosos en el dormitorio, la sala de estar e incluso en la cocina. Además del proceso común, que cubre toda la superficie, intente invertir en la pintura de la plantilla. La técnica es más adecuada para crear símbolos, diseños y palabras. Para hacerlo, solo necesita imprimir moldes de papel en el formato deseado (reproduciendo letras o figuras) y cortando el centro de cada uno. Luego coloque la plantilla elegida en la pared y luego llene la figura con pintura en aerosol. Repita el mismo proceso hasta que alcance el resultado deseado y espere a que se seque. Para hacerlo aún más interesante, elija un color de tinta que contraste con el tono de fondo. Otra idea simple que se puede hacer con pintura es una pizarra. Ya hay productos que dan este efecto y que son adecuados para ambientes de pintura. Lo bueno es que, una vez que se seca, la pintura en la pizarra le permite dibujar y escribir oraciones con tiza. Marco de cuerda para espejo Nada mejor que invertir en espejos para magnificar y resaltar un entorno, ¿verdad? Para aquellos que tienen modelos muy simples o sin forma, el resultado es cubrir sus extremos con materiales que aportan volumen y textura. En esta idea de decoración para el hogar, necesitará un espejo de cualquier tamaño o forma, cuerda de sisal gruesa, pegamento blanco y paciencia. ¿El resultado? Un espejo enmarcado a estrenar, lleno de encanto y personalidad. Si queda cuerda de sisal, tómese el tiempo para crear un asa que pueda sostener el espejo y mantenerlo suspendido frente a la pared. Solo asegúrese de sujetar los extremos firmemente para no arriesgarse a romper y romper la pieza. Titular de la olla de madera Perfectos para plantas de todos los tamaños, los soportes de madera dan protagonismo a estos pequeños notables en la decoración de ambientes. En una de las fotos de abajo, dos jarrones grandes ganaron la compañía de otro jarrón pequeño; pero, como sería desproporcionado, obtuvo el apoyo de un taburete. El mejor de estos soportes es la posibilidad de utilizar contenedores con diferentes formas, como recipientes de fondo redondos o irregulares. Si se colocaran directamente en el piso, estos modelos no tendrían suficiente estabilidad para estar de pie. Los soportes suelen comercializarse en varios tamaños. Los más altos son perfectos para levantar macizos de flores y valorar áreas interiores. Además de flores y follaje, puede llenarlos con jarrones decorados con ramitas. Este tipo de arreglo se ve maravilloso y no requiere cuidados de mantenimiento. División de ambientes con cortinas. Es un hecho que las habitaciones integradas son más funcionales y permiten aprovechar al máximo el área útil del edificio. Sin embargo, nada le impide delimitar espacios con características discretas que ayudan a mantener la continuidad visual. No estamos hablando de paneles y pantallas, sino de cortinas. ¡Eso es! Son perfectos para demarcar distintos entornos que comparten el mismo espacio interior. Debido a que son livianos y flexibles, permiten ajustar el tamaño del área de paso que se mantiene entre las habitaciones según sea necesario. Disfruta utilizando cortinas modernas, hechas con telas de colores y diferentes patrones. Otra opción es crear móviles o cortinas con cables. Para hacer, cortar varios trozos de lana y pasarlos por una varilla. Establece el tamaño del hilo a la altura deseada. Luego, simplemente fije la varilla en el techo y disfrute el resultado. Si buscas departamentos en renta no olvides hacer click en el enlace

[chiquihistoria]

¡Hola chiqui amigos! Espero que hayan pasado unas felices vacaciones en familia y qué mejor manera de regresar a nuestras grandes aventuras que viajando a la época en donde nació y se fundó la primera escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura, la más grande e influyente de su tiempo. Esta adoptó el nombre de:

BAUHAUS

Primero hablemos un poco sobre el origen de su nombre, este es derivado de la unión de las palabras “Bau”: construcción y “Haus”: casa, palabras claro de origen alemán ya que fue ahí donde se fundó esta escuela.

Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal).

                              Logo Bauhaus,Oskar Schlemmer, 1922

Fue inaugurada en 1919 y su contenido crítico y compromiso de izquierda causaron su cierre en 1933.

Su historia tiene tres fases:

La primera (1919-1924) coincide con el periodo en que la Escuela Bauhaus tiene sede en Weimar. La obra más importante desarrollada entonces es el proyecto del Chicago Tribune de Gropius. Progresivamente la consolidación de la república democrática de Weimar, después de la I Guerra Mundial, así como la conjunción de la arquitectura y el diseño modernos con el sistema capitalista, determinarán una nueva orientación en el estilo de la Bauhaus.

En la segunda fase (1925-1927), la Escuela se traslada a Dessau, y esta etapa se caracteriza por los diseños de todos los aspectos del entorno arquitectónico (muebles, accesorios) y la inserción de la práctica arquitectónica en los procesos industriales. El edificio más importante de la Bauhaus de entonces es el de su sede, de planta geométrica, aunque carece de simetría.

En la tercera fase (1927-1930), la Bauhaus es dirigida por Hans Meyer, que trató de vincular la problemática técnica y estética de la construcción con las organizaciones obreras. Para él, la casa debe responder a los modos de vida del morador y no a las aspiraciones estéticas del diseñador. En 1930 finalizó su dirección en la Bauhaus, iniciándose una rápida caída de la institución.

Van der Rohe asume la dirección de la escuela hasta que en 1933 la escuela fue cerradas por los nazis, que pensaba eran un centro que fomentaba las ideas comunistas.

Les dejo un corto video que trata sobre las sedes y lo que sucedió con esta primera y gran escuela de diseño...

Lo que caracteriza este estilo es la simplicidad, la ausencia de ornamentación, lo que ahora conocemos como minimalismo. En los edificios fachadas lisas, grandes ventanales, aprovechar la luz. Inspiración cubista y minimalista que se hacía presente desde los edificios hasta muebles u otros objetos de uso cotidiano como bicicletas.

CARACTERÍSTICAS DE LOS MUEBLES ESTILO BAUHAUS

Hoy estamos acostumbrados a ver sillas o mesas con tubos de hierro, aluminio, con cristal o plástico. Los muebles prácticos y ergonómicos son comunes. En los años 1920-1933 esto fue toda una revolución. Los materiales que se usan en el estilo Bauhaus son el vidrio, el metal, tubos de distintos metales, la madera doblada, el acero, el cuero y el plástico. Todos materiales que hoy nos parecen de lo más convencionales para muebles y decoración.

Los colores más usuales en este estilo son el negro, el blanco, el gris, el marrón, el color cromo. Curioso colores que son claves en la tendencia moderna y minimalista.

Muebles de líneas rectas con diseños geométricos eran habituales en el estilo Bauhaus, sillas o sillones con tubos de acero u otros metales que se tapizaban de cuero. Son famosos el sillón Wassily que se crea en 1926 por Marcel Breuer con tubos de acero cromado y tela de lona en el asiento y respaldo.

Mesa y silla Barcelona creada por el arquitecto Ludwing Mies van der Rohe.

Sillón de Le Corbusier.

[escuela-nauticas-blog]

Gray wolf

El objetivo del diseño de "Lobo Gris" era combinar una apariencia clásica con un rendimiento completamente moderno. Como un diseño personalizado, ella fue desarrollada para un dueño experimentado que ha circunnavegado y corrido botes de trapecio. Se beneficia de esta valiosa aportación, así como de nuestra propia experiencia en el diseño de regatas de Clase Abierta tipo BOC, cruceros rápidos y navegables, botes de regata y trabajos en la America's Cup. El éxito de "Lobo Gris" es el resultado de un pedigrí ganado con esfuerzo! Su combinación de apariencia y rendimiento ha tocado el nervio de los marineros que sintieron que tenían que conformarse con el rendimiento a la antigua usanza en un yate de aspecto clásico. Afortunadamente, éste no es el caso.

 Mientras que "Lobo Gris" tiene algunos "aditivos" en su desempeño,"su velocidad y su energía marinera son simplemente el resultado de un diseño limpio y moderno, sin impedimentos por las reglas restrictivas de clasificación. Las computadoras y los programas de predicción de velocidad nos permitieron ejecutar una serie sistemática de variaciones de casco, aparejo y apéndices para encontrar la mejor combinación para el desplazamiento y propósito del barco, de la misma manera que lo haríamos para un programa de botes de regata. Doce variaciones fueron ejecutadas a través de la V. P. P. P. antes de que el casco final fuera elegido. La forma del casco resultante es potente con secciones fáciles, una entrada fina para olas penetrantes y una amplia y justa popa. Este trabajo informático también nos permitió estudiar la forma de su casco y las características de flotación en varios ángulos de navegación con tacones para que pudiéramos asegurarnos de que se sintiera bien equilibrada en el timón y la pista. Simplemente no es posible hacer esto con formas dibujadas a mano, o con computadoras si usted no sabe qué buscar! Las necesidades de espacio interior y bañera fueron equilibradas con la estética de su perfil, escarpado y freeboard para alcanzar la mejor combinación de forma y función. Conseguir este equilibrio "correcto" separa un diseño inspirado de uno que también podría navegar, pero no le da al propietario los elementos de orgullo y satisfacción que este diseño ha proporcionado. Todos estos elementos deben evolucionar juntos para que el diseño tenga éxito en su conjunto. Construcción "Lobo Gris" original de la construcción de Wolf fue que se construyó de madera, en parte por razones "históricas", y porque su propietario quería competir en la clase moderna de la serie de carreras de barcos clásicos en la Costa Este de la U. S. A..S. Steve Koopman, Arquitecto Naval e Ingeniero Naval en Rodger Martin Yacht Designs, diseñó ocho paneles de 2? X 2?, diseñados para ser el mismo peso, para pruebas por Gougeon Brothers. Siete de estos paneles eran de madera en varias combinaciones, y un panel compuesto de vidrio fue diseñado como referencia, ya que la mayor parte de nuestra experiencia está en este material.

 Los paneles se probaron en la máquina de prueba de paneles de Gougeon y el panel de cedro rojo occidental de 1? de fleje con tela de sesgo ligero que corría a través de las costuras resultó ser el más eficiente (es decir, el más fuerte y rígido por su peso) de los paneles de madera, en segundo lugar al panel compuesto de vidrio. Todos los marcos, (en centros de 3'6?,) pisos y longitudinales son de caoba laminada, resultando en una estructura de madera rígida, fuerte y atractiva. Las tapas de carbono refuerzan los pisos de la quilla contra las cargas de puesta a tierra. La cubierta es contrachapada sobre vigas de madera espaciadas más cercanas. Un sumidero de fibra de vidrio, integrado en el casco, soporta el keelfin de acero inoxidable, que es inclinado por una bombilla de plomo de baja fricción. El timón está bien en popa y es profundo, con una reserva de carbono. "Lobo Gris" está completamente diseñado e inmensamente fuerte. Disposición El plano de distribución muestra un interior sencillo y espacioso. En línea con su uso como atleta diurno y para las carreras cortas, su interior no está lleno de taquillas que requeriría un crucero a largo plazo. Ella está abierta desde la popa, con un cuarto de litera a estribor, y un gran navío. de navegación y comunicaciones electrónicas. Enfrente, a babor, hay una buena cocina, abierta por debajo donde los cruceros pueden poner taquillas y más cajones, pero excelente para su uso actual, y con una gran caja de hielo en popa. Puedes ver las ventanas claras de los tanques de lastre fuera de borda. Un marco anular separa la cocina y el nav. áreas del salón que tiene amplios y cómodos sofás/barreras con combustible y depósito de agua debajo.  Un asiento se extiende abaft de la mesa, ideal para ponerse las botas o hablar con el cocinero o el navegante. Las baterías están delante del motor en la misma caja, y el acceso es excelente. El mamparo principal que soporta el mástil está delante de los sofás, con una abertura a la cabeza hacia el puerto. Un breve paso a estribor, con un gran casillero colgante fuera de borda, conduce a la cómoda litera delantera. Un anillo-boquete lo separa del casillero de proa/ancla. El casco, donde es visible, está barnizado. El resto del interior está pintado de blanco con adornos barnizados en los marcos de los anillos y mamparos. La parte inferior de la casa es de pino machihembrado pintado de blanco, y los lados y la suela de la casa están barnizados. Los cojines son de color verde oscuro. Un interior muy agradable, fresco y aireado. La disposición de la cubierta favorece un largo y espacioso.

[arquitectura-miriam]

ARTS & CRAFTS

William H. Grueby (1867–1925), fundador de Grueby Faience Company, desarrolló los esmaltes característicos por los cuales la cerámica se hizo famosa. Varios diseñadores importantes, incluidos George Prentiss Kendrick y Addison LeBoutillier, contribuyeron a la apariencia y el diseño de la cerámica Grueby. Aunque la cerámica Grueby es tradicionalmente conocida por el esmalte verde mate que se hizo omnipresente en las alfarería de Arts and Crafts, este jarrón presenta un esmalte amarillo mostaza inusual. En Grueby, los alfareros elaboraron las macetas y los modeladores, generalmente mujeres, los terminaron. El diseño del florero, que alterna entre una hoja plana estilizada y un rollo elegante y delgado, se atribuye al primer director de diseño de la compañía Grueby, George P. Kendrick.   El movimiento Arts & Crafts surge como rechazo a la estética de la revolución industrial, fría y despersonalizada, que estaba invadiendo Europa a principios del siglo XX. La revolución industrial primero, y el levantamiento ruso y la inminente 1ª Guerra Mundial más tarde fueron el caldo de cultivo perfecto para ese estilo algo deshumanizado y ‘demasiado’ funcional. 

Se argumentó que la verdadera base del arte se encontraba en la artesanía, Morris y sus seguidores atacaron la esterilidad y fealdad de los productos hechos a máquina, dedicando su actividad a la producción de tejidos, libros, papel pintado y mobiliario hecho a mano. Las ideas que tuvieron fueron de gran influencia historia en las artes visuales y en el diseño industrial del siglo XIX.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

PRINCIPIOS DEL ARTS & CRAFTS

Entre las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:

Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas.

Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.

Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.

Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

REPRESENTANTES DE ARTS AND CRAFTS

WILLIAM MORRIS (1809-1896)

Artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.El gran paso de la crítica conceptual la materialización llego con la fundación por parte de Morris, de la compañía: Morris Marshall, &Faulkner en 1861, conocida como Morris and Company.

JOHN RUSKIN (1819-1900)

Es su teórico más representativo. Autor de numerosos libros, artículos y conferencias, llevo una vida muy activa y combativa.     

Cuestiona los productos industriales y plantea el retorno de la producción artesanal.  

Pensamiento: Productos industriales sin VALOR estético.La producción mecánica priva la posibilidad de un trabajo a la perfección.

Pensamiento: no es una pieza de arte porque no fue hecha por manos humanas.

OBRAS:

Pintores modernos (1843-1860).

Las siete lámparas de la arquitectura (1849). Su obra fundamental, donde desarrolla sus ideas estéticas.·         

Las piedras de Venecia (1851-1853). Obra escrita tras sus estancia en Venecia, también exponente de sus ideas estéticas, así como de su visión sobre el Gótico.·         

Conferencias sobre la arquitectura y la pintura (1853).·        

Economía política del arte (1857). 

EDWARD BURNE-JONES 

Ilustrador y pintor que colaboró con Morris de manera más estrecha. Sus obras, todas de corte clásico y medievalista,Poseen un estilo muy personal, que se adaptaba muy bien a las ornamentaciones diseñadas por Morris.

AUBREY BREADSLEY 

Uno de los ilustradores mas famosos del diseño editorial de fines del XlX, aunque su nombre no traspaso fronteras del XX. Murio antes de cumplir 30 años y debe si fama al toque erótico de sus dibujos, conseguidos frecuentemente con blanco y negro puros, tratados en masas y líneas constantes.

PHILIP WEBB Es considerado como el primer arquitecto del arts and crafts, construyo la ¨Casa Roja¨ para William Morris, donde abandono la simetría clásica para buscar efectos plásticos y funcionales más próximos al gótico rural.

Se buscaba además de calidad y diseño / educar en el campo de artes visuales·        

Tenían la concepción de arte como calidad de vida·         

Se intentó resucitar la ARTESANIA

Se buscaba:·Materializar la unidad de la forma, La función, El diseño

Tenia como fuentes de  inspiración: Historia Góticao, Motivos lineales y orgánicoso,  Formas inspiradas en la naturaleza·         

Orden·         

Simetría·         

Plantas·         

Aves      

MOBILIARIO

Los diseños de los muebles de la época colonial eran tan hermosos y prácticos que las piezas americanas del siglo XVIII aún se reproducen en tiendas y fábricas y se venden bien en competición con los estilos más recientes. Los mejores muebles americanos fueron el trabajo de maestros artesanos. Reflejaba estilos europeos y mantiene los estándares europeos de excelencia en el diseño y la artesanía, y al mismo tiempo con un sabor americano.

HANGING SHADE, 1899

El artista y diseñador Louis Comfort Tiffany diseñó esta pantalla de vidrio emplomado hecha por su firma Tiffany Glass and Decorating Company alrededor de 1899. La pantalla muestra patrones en zigzag en las cestas de los nativos americanos, que se ve reforzada por los colores vivos de rojo, negro y amarillo. . La lámpara colgaba en "Wawapek", la casa de Robert y Emily de Forest, en Cold Spring Harbor, Nueva York, al otro lado del puerto de Laurelton Hall, la finca de Tiffany. Emily de Forest recordó que su esposo le había pedido a Tiffany un tono floral, a lo que él respondió: "Eso no es lo que necesita para su salón, necesita una canasta india". El motivo estilístico de la lámpara complementaba la gran colección de cestas de nativos americanos de De Forests y la cerámica de los indios Pueblo.

VASE, 1899 1910

William H. Grueby (1867–1925), fundador de Grueby Faience Company, desarrolló los esmaltes característicos por los cuales la cerámica se hizo famosa. Varios diseñadores importantes, incluidos George Prentiss Kendrick y Addison LeBoutillier, contribuyeron a la apariencia y el diseño de la cerámica Grueby. Aunque la cerámica Grueby es tradicionalmente conocida por el esmalte verde mate que se hizo omnipresente en las alfarería de Arts and Crafts, este jarrón presenta un esmalte amarillo mostaza inusual. En Grueby, los alfareros elaboraron las macetas y los modeladores, generalmente mujeres, los terminaron. El diseño del florero, que alterna entre una hoja plana estilizada y un rollo elegante y delgado, se atribuye al primer director de diseño de la compañía Grueby, George P. Kendrick.

TALL CLOCK 1900

Charles Rohlfs, cuyo taller se inauguró en 1898, hizo muebles relacionados con el estilo, la forma, el tallado a mano y los adornos. Este reloj de roble y cobre fue diseñado para la propia casa de Rohlf. Quizás porque no era un diseñador comercialmente exitoso (dejó una producción relativamente pequeña), no tuvo restricciones en sus elecciones de diseño. Este reloj tiene afinidades con el diseño contemporáneo de Europa Central, particularmente un reloj alto del diseñador alemán Richard Riemerschmid. Rohlfs exhibió muebles en la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 en Turín, lo que le trajo nuevo prestigio y comisiones.

LINEN PRESS, 1904

Esta prensa de lino de roble personifica los muebles Byrdcliffe en su forma simple y rectilínea, paneles tallados a mano, superficies de madera natural acabadas con manchas transparentes en los colores de la naturaleza. Los paneles tallados, de hojas estilizadas de sasafrás, fueron diseñados por Edna M. Walker, quien se graduó de la Pratt School of Design de Brooklyn, donde estudió con Arthur Wesley Dow. El gabinete permaneció en la familia Whitehead que generosamente lo hizo un regalo parcial al Museo.

LIBRARY TABLE, 1904

Esta mesa de biblioteca tipo caballete representa lo mejor de la producción de Rose Valley. La construcción de mortaja y espiga "suelta", la tracería gótica tallada a mano y los pernos de mortaja figural, y las juntas de doble cola de milano en la mesa son excelentes ejemplos de los métodos de construcción tradicionales y artesanales que el movimiento Arts and Crafts defendió y que Price y la Asociación Rose Valley se utilizaron hasta 1910 

CHANDELIER, 1907

Este candelabro con forma de linterna abierta es uno de los seis tonos de la sala de estar de la Casa Blacker. Diseñados por Greene y Greene, los paneles de iluminación fueron hechos por Emil Lange (quien había trabajado anteriormente para Tiffany Studios). Los lirios de agua abstraídos y las hojas en una paleta de crema, verde y marrón están dispuestos asimétricamente para reflejar la influencia japonesa. Alrededor del vidrio con plomo hay costillas delicadamente curvadas que terminan en un desplazamiento en C modificado. El diseño de Greene y Greene se caracteriza por formas sobrias, discretas y elegantes con una decoración sutil.

ARMCHAIR, 1907 09

Este sillón fue producido para el comedor de la casa que diseñaron para Robert R. Blacker. Ubicada en Pasadena, la casa sobrevive, pero no en su estado original, que presentaba un interior unificado con carpintería, iluminación y muebles diseñados en suite. Hecho por el Taller de Peter y John Hall (también en Pasadena), el sillón con respaldo alto presentaba maderas caras, tallas intrincadas y delicadas incrustaciones de plata, cobre y nácar. Las influencias japonesas se manifiestan en la silueta, la madera con incrustaciones y los detalles decorativos, incluidos los soportes y las clavijas. Greene y Greene lograron un alto nivel de calidad en la artesanía de sus diseños.

BOX, 1910 20

En esta caja combina madera exquisitamente tallada y pintada, piedras preciosas radiantes y marfil precioso para producir un recipiente que encarna los ideales de Artes y Oficios de la construcción artesanal y la integración armoniosa de varios medios. Los motivos de abanico y cobra en la carpintería metálica y el patrón tallado entrelazado derivan de fuentes de diseño egipcias que fueron populares a principios del siglo XX. Zimmermann estaba particularmente orgullosa de la caja, ya que la conservó en su colección durante toda su vida. 

DIBUJO DE MUEBLE

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BAUHAUS

Durante los años 1919 a 1933 La Bauhaus (cuyo nombre es una derivación de la unión de las palabras alemanas “Bau” que significa construcción y “Haus” que significa casas) supera con gran diferencia la función de cualquier centro de enseñanza ya que no solo se convierte en la primera escuela de diseño del Siglo XX, sino que se convierte en todo un movimiento artístico; un gran referente, no solo del diseño, sino también de la arquitectura y el arte.

El movimiento artístico de esta escuela no tuvo solo una gran influencia artística, sino que sus alcances llegaron a un nivel político y social. Con el fin de la primera guerra mundial, comenzaron a surgir movimientos revolucionarios, cuya función era provocar una renovación cultural y social debido a la necesidad de encontrar nuevos caminos en cuanto diseño y composición.

Para Gropius, la base del arte existía en la artesanía, los artistas debían volver al trabajo manual. Con esto se intentaba unir todas las artes, estableciendo una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos posibles de la vida cotidiana: “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo” (Heinrich von Eckardt).

Por primera vez, el diseño industrial y gráfico se consideraban como profesiones, ya que se establecieron bases normativas y fundamentos académicos, tal y como los conocemos en la actualidad.

Uno de estos principios establecidos desde su fundación se refería a: “la forma sigue la función”, por lo que, en la arquitectura, se ve que en los diferentes espacios eran diseñados con formas geométricas según la función para la que fueron concebidos.

La Bauhaus es un sinónimo de modernidad, de colores primarios, nuevas concepciones del espacio y forma e integración de las artes.

Esta escuela tuvo su sede en tres ciudades distintas de Alemania: Weimar, Dessau y Berlín en las que se logran apreciar distintas etapas:

La primera etapa se lleva a cabo en Weimar y abarca desde la fundación de Bauhaus hasta 1923 (1919-1923).

Desde el momento de apertura de la escuela se establecieron sus objetivos con origen del manifiesto de Bauhaus: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, leva la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intenta comericualizar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público.”

Con la mentalidad del arte como una respuesta a las necesidades sociales, se pretendía la eliminación de las diferencias entre artistas y artesanos que, además de tratar de vender sus productos realizados en la escuela para dejar de depender del Estado (que hasta ese momento era quien los subsidiaba).

En 1923, el gobierno le exigió a la escuela muestras de lo que se estaba trabajando, por lo que se realizó por primera vez, la Primera Exposición de Bauhaus.

Para lo que durante 6 meses, los alumnos trabajaron en distintos talleres. Bajo la metodología de aprender trabajando, se formaban en numerosas áreas, para así, descubrir sus preferencias y orientarse para su posterior formación; los alumnos eran capaces de trabajar con piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio, colorantes; todo esto mientras se le enseñaba tanto dibujo como moldeado. Aprendían también las pautas básicas de distintos oficios y el trabajo con materiales nuevos para elaboración de todo tipo de objetos incluyendo edificios.

En este tiempo, la escuela también llego a realizar un curso obligatorio “vokurs”, conocido posteriormente como: “Método Bauhaus”, creado por un arquitecto llamado Johannes Itten, donde se realizaban investigaciones a cerca de los principales componentes visuales en texturas, colores, formas, contornos y materiales.

Gracias a este tipo de formación, al salir de la escuela sus estudios eran bastante completos, tanto en dibujo, modelado, fotografía. Diseño de muebles, como en escenificación, danza, tipografía, entre otras artes y oficios. 

 Los pintores Paul Klee y Kandinsky se unieron a la escuela en la primera época: Paul Klee dando clase de composición de tejidos y Kandinsky, en el taller de pintura manual y dando un curso de diseño básico en conjunto con Klee.

Esta primera fase es la fase idealista, expresionista y de experimentación de formas, productos y diseños. Se utilizan bastante las formas geométricas y el conjunto de colores primarios, aunque siempre los colores principales fueron el blanco, el negro y el rojo.

 La segunda etapa abarca desde 1923 hasta 1925

Desde 1923, la Bauhaus llevo un cambio en dirección a la incorporación como profesor de Lázló Moholy-Nagy, que introdujo las ideas del constructivismo ruso y el neoplasticismo.

Se manejaba un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. De estas épocas se obtienen los escritos teóricos más influyente de la Bauhaus como los que realizaron Kandisky y Klee.

Aunque esta metodología se basaba en una “investigación de esencia” y un “análisis de la función”, la influencia de la estética proveniente de la Bauhaus fie minoritaria y se tuvo que esperar a los años sesenta para que estas ideas se popularizaran de manera comercial.

En esta época,

Herbert Bayer

, que estudio en Bauhaus durante cuatro años y fue el publicista más destacado de la escuela, fue nombrado director de impresión y publicidad por Gropius. En 1925, mientras seguían el principio de eliminar lo superfluo y dejar lo esencial, Bayer diseño un estilo tipográfico en donde se eliminan las mayúsculas y las serifas, creando una fuente geométrica y universal, cuya versión digital porta el nombre de Architype Bayer. Con los principios utilizados, estableció un nuevo estilo tipográfico y los fundamentos de la tipografía.

La tercera etapa se desarrolla desde 1925 hasta el cierre de la escuela en 1933.

La gran depresión económica fue la causal de un cambio de sede de la escuela, ahora se ubicaría en Dessau en 1925, una ansiosa ciudad industrial, que quería potenciar su oferta cultural.

Esta nueva sede, se convertirá en el edificio más emblemático de Bauhaus que fue diseñado por Walter Gropius: de planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y predominio de las ventanas horizontales (característica de la arquitectura racionalista)

En esta época, se realizan grandes fiestas (que generalmente tenían temática, como la fiesta blanca o la fiesta de metal…) cuyas organizaciones y diseños se trabajaban durante semanas con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y también para promover una relación de Bauhaus con los ciudadanos, ya que al ser considerada socialista se le veía como un enemigo.

En 1925. Debido a la presión del gobierno, Moholy-Nagy abandona la escuela y dos años más tarde, Walter Gropius deja la dirección a manos del suizo Hannes Meyer.Varios profesores abandonan la escuela, incluyendo a Gropius y en 1930 la dirección pasa a cargo de Ludwing Miës Van Der Rohe. 

 En 1932, con la llegada de los nazis, se acabó la ayuda financiera del gobierno para la escuela y esta se trasladó a Berlín, hasta que las autoridades nazis ordenaron su clausura el 11 de abril 1933, con la justificación de “eliminar rastros de cosmopolitismo judío y del arte decadente y bolchevique”Miës van der Rohe, profesores y alumnos perseguidos por el régimen, huyeron del país y se trasladaron a Estados Unidos, en donde siguieron con sus ideales y donde Lázló Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el instituto de diseño de Chicago.

Personajes importantes de Bauhaus.

Walter Gropius: Era un arquitecto, urbanista y diseñador alemán. Su innovador diseño fue pionero de la arquitevtura moderna, que impulsaría Bauhaus. Fue el fundador de Bauhaus.

Una de sus obras más icónicas es el edificio de la escuela Bauhaus en Dessau.

 Hannes Meyer: Fue el segundo director de Bauhaus (1928-1930). Meyer era arquitecto y urbanista suizo que impulso el área de arquitectira de la escuela. Durante su dirección de la escuela, la Bauhaus se acerco al comunismo. Una de sus obras más conocidas es la Escuela Sindical de Bernau.

 Ludwing Miës Van Der Rohe: Fue un arquitecto alemán, pionero de la arquitectura moderna e internacionalista. Tiene un frase muy famosa: “Más es menos.”

Él fue el tercer director de Bauhaus.

Van der Rohe se mudó a los Estados Unidos y trabajó como director de la Escuela de Arquitectura de Chicago. Sus edificios se caracterizan por tener espacios abiertos muy grandes y dejar los materiales a la vista.

Una de sus obras más conocidas, que diseñó junto a Lilly Reich, es el Pabellón Alemán de Barcelona.

 Herbert Bayer: Fue conocido por crear el logo de Bauhaus. Además de diseñador, fue arquitecto, publicista, pintor y fotografo.

Además asentó las bases de la tipografía.

Wassily Kandinsky: Fue uno de los pintores rusos más importantes del siglo XX. Fue profesro de economía hasta lo 30 años y despues de eso, se dedicó al arte.

Fue profesor en Bauhaus desde 1922 hasta 1933, cuando el partido nazi cerro la escuela.

Kandinsky es conocido por sus cuadros abstractos, en los que ytilizaba formas geometricas básicas y colores primarios.

Productos de la BAUHAUS

Silla Wassily, Marcel Breuer, 1925-26

Hasta nuestros días ha llegado la silla Wassily, un hito del diseño realizado en tubos de acero niquelados, con asiento y respaldo de cuero. Diseñada por Marcel Breuer, recibe su nombre del venerado maestro de la Bauhaus Wassily Kandisky. Muchos de los diseños de este arquitecto húngaro son archiconocidos, como la silla Cesca.

Silla Barcelona, Mies van der Rohe y Lilly Reich, 1929 

El por aquel entonces director de la Bauhaus, Mies van der Rohe, colaboró con la arquitecta Lilly Reich para crear esta silla para la Exposición Internacional de Barcelona.

MT 49 y cenicero, Marianne Brand, 1924

La Bauhaus estaba abierta a las mujeres y Marianne Brand fue una de las más destacadas. Su cenicero y su infusor de té MT 49 son grandes ejemplos de cómo combinar formas básicas para producir objetos de uso diario. También desarrolló otro de los objetos más vendidos de la Bauhaus: la lámpara de mesa Kandem.

Lámpara WA 24, Wilhelm Wagenfeld, 1924

Conocida como la “lámpara Bauhaus”, es una creación de Wilhelm Wagenfeld. Su diseño en vidrio y metal se basa en formas circulares, cilíndricas y esféricas.

Nesting Tables, Josef Albers, 1926 + Laccio Tables, Marcel Breuer, 1925

Siguiendo su máxima de sacar el máximo provecho con los mínimos medios, Josef Albers creó estas mesas nido, que permiten ahorrar espacio en casa, en roble y vidrio lacado en diferentes colores. Su compañero de escuela Marcel Breuer se había guiado por el mismo espíritu para crear sus mesas Laccio, con tubos de acero.

Cuna, Peter Keler, 1922

El empleo del color y la simplicidad de las formas es lo que más llama la atención en la cuna de Peter Keler. Un diseño divertido que tiene en cuenta las formas artísticas.

Video complementario sobre la historia y creación sobre la BAUHAUS

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Las mesas de Centro Contemporáneas dan Estilo a tu Hogar

Mesas de centro contemporáneas Si estás buscando un lugar para descansar los pies después de un largo día de trabajo o una elegante pieza de mobiliario para agregar cierta sofisticación y un toque moderno a tu sala de estar, las mesas de centro contemporáneas son la mejor alternativa. De madera, metal o vidrio y cada forma y tamaño que se puede imaginar, hay una mesa de centro contemporánea correcta para su hogar. Todos recordamos las tablas de café torpes, de gran tamaño que residían en casas de nuestros padres o abuelos. Heck, algunos de ustedes todavía tienen uno. Estas piezas increíblemente pesadas tenían cajones en todas partes, rellenas las probabilidades y termina que van desde cartas hasta guías de televisión tres años de edad y todo lo demás. De hecho, el peso de estas viejas tablas probablemente tenía más que con toda la basura que encuentran que el pedazo sí mismo. Mesas de centro modernas no podía ser más diferentes. Estas nuevas piezas son amplias y luminosas, con espacios abiertos y elegantes diseños que a veces podrían pasar por una obra de arte. Mejor encontrar un lugar donde almacenar su basura. Madera sigue siendo un componente clave en muchos diseños de mesa de centro contemporánea. Envejece bien y es fácil de limpiar y mantener. Los acabados que encontrará hoy en día difieren de aquellos en pasado, sin embargo. Oscuro, ricos cafés y acabados naturales limpias, claros han sustituido los acabados caoba y cerezos en su mayor parte. Diseños cuadrados y rectángulo estándar son aún comunes, algunos inventiva y extravagantes estilos han surgido últimamente. Formas asimétricas y pedazos seccionales intercambiables, por nombrar algunos, están disponibles para las tendencias que hay. Tapas de tabla de cristal llegó a ser populares en los años 80 y han mantenido un material básico para diseñadores modernos también. Tapas de vidrio permiten la base para ser acentuado y pueden en casos para convertirse en el punto focal de la tabla. Como tablas de madera, mesas de centro de vidrio se pueden encontrar en todas formas y tamaños. Por desgracia, todavía no inventaron un cristal que no muestra el polvo y huellas dactilares, por lo que estas obras de arte deben limpiarse cada dos días.