#maestros mexicanos

[friyasleal]

My teachers

Los profesores comparten su entendimiento y su forma de ser, de transmitir valores y te inspiran a ser mejor. Es como un guía que te va acompañando y formando durante tu vida.

[beautiful-side-of-somewhere]

[spanishskulduggery]

Maybe I'm dumb, but I'm having issues using Spanish descriptors. When is the right time to add "de" and when is it not? I would have "restaurante mexicano", but then my head would spin at "maestro de español". I know this is a stupid question, but I don't like how confused I am... is there some rule that denotes when "de" is appropriate to indicate a descriptor, like how you explained "cual" and "que" to me?

With this particular example it's about the nationality and how it comes across

If you said restaurante de México it would be "a restaurant from Mexico" as if the restaurant had originally been in Mexico (which could happen for foreign chains)

And if you said maestro español it would sound like "a Spanish teacher" as in the teacher is from Spain

(el) español is "the Spanish language", but español / española is "Spanish" or "Spaniard", so it becomes a different thing

...This can be especially useful if you don't know the gentilicio "demonym" of what someone is called when they're from a place - like there's a city in Spain called Huelva - someone from there is called onubense ... so un hombre onubense = un hombre de Huelva ; that's an irregular one though, a lot of them are generally straight-forward but still

It also helps if you don't know the nationality like danés/danesa is "Dane/Danish" but then the country is Dinamarca "Denmark"

You may also run into some cities/states/etc where it could be like un restaurante chico "a small restaurant" vs. un restaurante de Chico "a restaurant from (or potentially "in") Chico"

...

But for your example, it's especially important for genders - say you have una maestra francesa "a French teacher" as in "a female teacher who is French" vs. una maestra de francés "a French teacher" as in a "female teacher who teaches French"

Same idea with de inglés "English-related" vs. inglés/inglesa "English" the nationality; or un profesor/una profesora de literatura inglesa "an English literature teacher" for example has nothing to do with their nationality at all

Subjects in school are generally considered nouns, but especially in something where you could confuse someone's nationality with the subject they teach

-

In general if you're talking about adjectives by themselves they don't usually need a de

The adjectival phrases with de are normally de + noun (person, place, or thing)

Sometimes with nationalities it's a bigger difference like above

Other times it can be sort of whichever one you feel like - as in una camisa roja "a red shirt" vs. una camisa de color rojo is "a red-colored shirt" [lit. "a shirt of red color"; where de color (algo) is an adjectival phrase]

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You will sometimes see de + adjective + noun or de + noun + adjective; same general idea as the other it's just a longer phrase

As an example - de primera is understood as "first-rate", probably de primera categoría ...as de segunda is "second-rate" or sometimes understood as "second class (citizen)" probably again de segunda categoría

But that's different from something like de primera mano "first-hand" where it is specifically "first + hand", and again de segunda mano would be "second-hand" which would mean like a thrift store or "second-hand" clothes etc.

-

Again, not really a set rule aside from a few where it's very important to make a distinction

[Also, side note, de + algo is sometimes referred to as "genitive" in case systems but it's - "of" or "belonging to", where it can also be property/possession in some cases; like la casa de mi amigo "my friend's house" vs a simple su casa "his house" which is much simpler but vague, as it could be "her house" or "their house" too - de + pronoun can be used to indicate clear ownership when something could be vague....... still considered a kind of adjectival phrase, but not the kind of adjective you'd immediately think of]

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If you have any other specific examples you want me to go over, just message me it can be sort of hard to generalize when some examples come up but I hope that sort of helps

[latinotiktok]

No es propaganda ni nada, pero vengo como testigo de jehova a hablarles de los caballeros del zodiaco y de sus personajes latinos, quería empezar diciéndoles que el maestro de Shun es argentino y se ve diferente en el manga y el anime

En el manga se ve así

Y en el anime así

Por otro lado, a Guilty, el maestro de Ikki lo han confirmado como mexicano a pesar de que no tenia nacionalidad y la mayoría de sus datos estaban como “desconocido” porque la persona con más cosas de Saint Seiya era un mexicano así que en honor a él, el mangaka dijo “pos ahora Guilty es mexicano y se llama José como tú”

Y la verdad, sí me lo creo, su papel es nada más andarle pateando y en memes mexicanos nunca faltan los 40tones diciendo “la golpiza que me daba mi papá” y es un meme con esa foto

NICE

[senig-fandom]

Cual de los tres hermanos mexicanos representa los deportes de contacto de lucha, ya sabe, Karate, kickboxing, boxeo, judo, lucha libre, taekwondo.

Norte, Centro o Sur?

Bueno explicacion primeramente, Sur representa cualquier acto de manera negativa, aunque este sepa artes marciales, lucha libre o kickboxing, suele ser solamente un espectador en la mayoría de deportes, incluyendo el futbol.

Sur dejo de ser nuestro Representante hace tiempo, y la mayoría lo asocia a actos negativos, como el robo, la ira incontrolable y los asesinatos, incluso lo narco aunque el no hace eso,etc etc...aunque eso si, Sur es sicario eso no se lo quito.

Así que ante todo, debemos olvidar a Sur en nuestra representación, aunque se que muchos lo quieren pero es su triste realidad.

Eso dejaría a Norte y Centro, bueno solo cono información Norte era la representante del Boxeo y el Kickboxing, pero al ver que su fuerza dañaba a la gente y al mismo tiempo ella se menosprecio por su increíble habilidad en las peleas cuerpo a cuerpo, ella abandono esa representación, y se dirigió a los deportes como el futbol, el beisbol, lanzamiento, etc etc ( aunque claro al desaparecer Centro volvió pero solo como espectadora y no participante para practicar contra otros países)

Así que como ultimo, claramente el maestro de los deportes de contacto clasificación lucha es para EDUARDO (México Centro)

Y no solamente esa área maneja, tambien es el que hace trabajos de inteligencia, sean matemáticas, ciencias, robótica etc etc pues Centro desea no solo ser el representante de la política (mas porque lo han traicionado esa área y ya no quiere ayudarlos en nada) si no alcanzar la imagen de alguien que puede competir con intelecto y habilidad como otros países.

Así que Centro es el maestro de la lucha cuerpo a cuerpo.

[shu-of-the-wind]

welcome to my pinned post! buenas tardes y bienvenidos, よろしくお願い足します！sut dych chi heddiw?

i'm alix, pronouns they/them/theirs. i am an attorney and i will not be giving you legal advice so don't ask. (this is different from asking basic questions about how the law works. asks will be answered on a case by case basis.) my specialties are family law, DV law (including nonconsensual pornography), human trafficking law both domestic and international, and US indigenous law but i also have experience in criminal and juvenile defense, child protection, youth law, immigration and asylum law, and mass tort litigation.

i write. you can find my fanfics here. you won't be able to see my fic without an AO3 account; i've locked things to protect my work from AI scoops. if you are here for swallows on the beam questions (including character guides), click here. if you're looking for the sotb tag, click here. sotb fanart can be found here. if you are here for other projects of mine, click here.

i study fascism, high control religions and organizations, conspiracy theories, the evangelical christian right, american legal history, and some other things for fun. i'm building a youtube channel to do this more consistently. keep an eye on this space for links. i'm also mid-construction on a podcast with a friend, so i will be posting links to that here as well once it's up and running.

日本語が話せます！y estudiando español pero lo siento, mis maestros eran salvadoreños, mexicanos, y puertorriqueños entonces mi vocabulario es muy variado. a dw i'n dysgu cymraeg.

i am also exploring conversion to judaism. i won't talk about it here much because religion is a very private thing for me. i'll tag what little i do post here. i absolutely do not tolerate any zionism on my page. if you are a zionist i do not want to associate with you. that being said, being jewish and being a zionist are not equivalent and i will not tolerate antisemitism of any stripe from any of my mutuals. antizionist jews exist. zionist goyim exist. zionism is an idea, not an immutable identity. regardless of whether i do wind up converting, do not fuck with my friends.

my patreon is under construction. my ko-fi is here.

recommendations for books, tv/movies, and podcasts. also i sometimes go viral which i find weird (anything over 450 notes is viral to me). my fandom mixtapes are here.

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if you're here just to hang, hi!

[chicanoartmovement]

CHICANO ART MOVEMENT: “Las Manos de Aztlán” art talk with Emmanuel C. Montoya 2023/2024

(Social media capture of Montoya print sale.)

In early May 2023,  the Apachicano artist Emmanuel C. Montoya, Bay Area creative, announced through his social media the availability to purchase his vintage prints. For Robert, it was the prime opportunity to add an artwork by Montoya who for many years has dedicated himself as an artist to the Chicana/Chicano community. Within a few moments and with technology’s help, we were in direct contact with Emmanuel and became patrons to the piece titled “Las Manos de Aztlán” - a linocut print measuring 16 inches by 17 inches and was specifically made for the Chicana/Chicano students and faculty on the campus of University of California at Santa Cruz in 1989. 

A few weeks later and upon the arrival of the print, we unrolled to survey the “Las Manos de Aztlán” piece and were very intrigued to learn more about it. We messaged Montoya regarding the safe arrival of his artwork and inquired if he was available to answer a few questions about the piece itself. We explained to the artist that we wanted to ascertain more information about the “Las Manos de Aztlán” in order to write a future article. 

Montoya replied that he was open to talking more over the phone and we coordinated a future & mutual date to go in-depth about his “Las Manos de Aztlán” print. We called el maestro Emmanuel C. Montoya and we were greeted with warmth y gusto from the artist who welcomed us with a “Que viva la Raza!” After exchanging introductions and stating it was our pleasure to speak with a great community member, artist, elder, and activist, Anita took the lead with this on this one-on-one interview with Emmanuel C. Montoya.

(View of “Las Manos de Aztlán” by Emmanuel C. Montoya, 1989)

When asked about the history and background surrounding the “Las Manos de Aztlán” print, Montoya shared that in 1989 he “was approached by Francisco X. Alacrón, the famous Chicano poet. He was teaching at UC Santa Cruz, at that time, and of course was involved with the Chicano students, at that time. I met him of course in the Mission in San Francisco back then in the ‘80s & ‘70s - very vibrant art community in the Mission at that time. So, he approached me. He’d seen my work and liked my work. He approached me about doing this poster celebrating the Chicano students at UC Santa Cruz. It was the ten year anniversary.”

Emmanuel explained that he featured the maguey at the center of the piece due to la planta’s resilience and adversity against many elements as well as its important symbolization in ancient and contemporary cultures. Montoya happily retold a funny moment of enlightenment when looking at “Las Manos de Aztlán” that “if you looked at the image,” said the artist, “it’s two hands - five and five - which adds up to ten. Of course, I didn’t know that. Somebody else pointed that out to me.” He laughed and continued: “Este so…the idea, of course, is my idea. I thought about the maguey plant  which is an important symbol in pre-Columbian/Mexicano/Chicano history and culture. I have the two hands growing from the maguey plant and it, of course, symbolizes their ten years” as a Chicana/Chicano organization on the UC Santa Cruz campus in 1989.

(Detailed view #1 of “Las Manos de Aztlán”)

When asked why the medium of linocut was used, Emmanuel stated that it was his preferred style since he studied specifically printmaking in the woodblock linoleum cut format both at the undergraduate and graduate levels at San Francisco State University (B.A. 1985 and M.F.A. 1991). He explained: “I sort of studied in school but I was also inspired to study to develop my own style, my own interest, in linocut and printmaking. From the tradition and history of printmaking in Mexico. I was very inspired by the work of a number of different Mexicano printmakers in the mid 19th century, the Mexican Revolution. Out of that came so much culture and art and one of those organizations was Taller Gráfica Popular…artist workshop. It was founded in 1935 by Mexicano, Leopoldo Méndez, he along with a number of Mexicano artists and printmakers established this organization TGP [el Taller de Gráfica Popular]. How I can I say this? For me, it was inspiration, it was you know, it was my roots as Chicano artist, as a Chicano printmaker specifically, and I just, you know, did a lot of, how can I say this…research, read, and went down to Mexico…Mexico City…and meet some of those printmakers…Yes, I was…you know, it was my mecca.” He laughed as he recollected his inspiration which has not waivered at all, and has only gotten stronger since his youth. 

We inquired more about that trip to El Taller and Montoya was glad to share that “it was such an inspiration…such an opportunity to meet some of those artists in person and trade artwork.  And este, in 1985, el Taller was celebrating its 50 year anniversary and so they had a show at Bellas Artes in Mexico City. One of the artists that I specifically meet close to, and became good friends with Alberto Beltran. I met him through another Mexicano artist that was up here [California] in the ‘80s, working with muralists up here, Mexicanos/Chicanos muralists up here. I was introduced to him; Alberto and I became good friends. We communicated, correspondence, and I would send him materials - books, information about the arts as they were happening up here in the Chicano communities. And so, 1984 I got a chance to go down and actually meet him for the first time. And I spent a good time…20 years corresponding back and forth. All those letters and information that he would send me; I saved, I collected, and it is now housed in the Bancroft Library at UC Berkeley [...] He turned me onto all these other artistas: Arturo García Bustos, Alfredo Zalce - was one of the founders of El Taller and he was in Morelia. I had a chance to go out to Morelia and meet Alfredo Zalce. It was so inspiring and it was so historical for me to meet these artists that I had read about and saw their work. It was a delight.”

(Detailed view #2 of “Las Manos de Aztlán”)

Anita further inquired how that inspiration from visiting the artistic mecca of Mexico, El Taller, helped him with his techniques when making the print “Las Manos de Aztlán” for UC Santa Cruz; Montoya responded: “Yes…in 1989, I have been doing printmaking. I studied and did my graduate work in printmaking and my thesis was also in printmaking and actually, I wrote about the connection with Chicano printmakers and with the history and tradition of Mexican printmakers [...] The tradition of Mexican printmakers at that time, at El Taller, it was important to them to create things that reflect their times, you know. And it was work based in realism, you know, something to work with…to…the work that they did that reflected the revolution or reflected their history as Mexicanos, their history as pre-Columbian, Native peoples. It was all so inspiring and of course, for me being here in the Bay Area. I was born in Texas and came to California, came to the Bay Area in 1964. And have been here in the bay Area ever since. Went to school here; got involved in Chicano Art and Chicano Culture, and the Chicano community. A lot of that was inspired by what was happening in other communities across the country, in the midwest, in Texas, in Arizona, in Southern California area. It was all this, how can I say it, birth of activism…very much.”

Activism and resilience are some of the recurring themes within the vast works by Emmanuel C. Montoya - both big and small pieces. Montoya was glad to hear that CHICANO ART MOVEMENT had visited his works in the Bay Area via trips to:

CHICANO ART visits: San Francisco Public Library, Mission Branch 2013

CHICANO ART MOVEMENT visits: SFO Museum at San Francisco International Airport (SFO), California 2014.

(Detailed view of artist’s signature on “Las Manos de Azltán”)

To close the interview with the great artist Montoya, it was asked if he could share more about the term Apachicano as well as any projects that he was currently working on at his studio, Apachicano Art Productions. Emmanuel stated: “I am Apache and I am Chicano. I guess one day I decided to just put the two together. (Chuckles) My history as an Apache with that culture…many years…a chingado…in the past, I  would say that for 40 years or so that I have become aware that I am Apache, I am Native American and what that means and how that’s reflect in the work that I do as an artist, as a print maker [...] I am retired [and] I work out of a studio; I have been for the past 35 years now here in Berkeley. I have produced quite a bit of work.”

During our final exchange, Emmanuel kindly extended an personal invitation to visit him and his taller in Berkeley and we in return, thanked Emmanuel for the honor to interview him and for the opportunity to learn more about him, his trajectory, his community work, and some of the unknown Chicana/Chicano art history.

[callmeanxietygirl]

Un día como hoy, del año 1940, nació el maestro Francisco Toledo, el artista prolífico, defensor férreo de la cultura y creador de espacios culturales. Francisco Benjamín Lopez Toledo, dejó a Oaxaca (su adorado terruño), a su país y al mundo, un legado invaluable como artista, como activista social, como defensor del acceso al arte y del medio ambiente, por ello merece el reconocimiento a su paso por esta tierra, para que su legado siga resonando en cada generación y en el mundo mismo.

A lo largo de su trayectoria no sólo realizó múltiples obras, además fundó diversos talleres, instituciones, bibliotecas, museos y centros de arte, estos últimos se encuentran activos y ocupándose de hacer llegar el arte a los oaxaqueños y visitantes, los cuales son: Instituto de Artes Gráficas (IAGO) y BIAGO ~ (1988) • Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (CFMAB) ~ (1996) • Centro de Artes San Agustín (CASA) ~ (2006). Le dedicamos este espacio para recordarlo y para rendir homenaje al Maestro, que nos espera seguramente en la otra vida con hazañas y espacios idílicos para mostrarnos. ¡Gracias, Maestro Toledo!

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📸 1▪︎ Graciela Iturbide

📸 2▪︎ Diario "El país"

📸 3 y 4 ▪︎ Revista Líderes Mexicanos

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#FranciscoToledo #MaestroToledo #talentooaxaqueño #artistasoaxaqueños #arte #cultura #oaxacacultural

[edgar-edmundo]

QUE ME ENTIERREN CON LA BANDA.

(Texto que escribí para ser publicado en la Revista Menocchio. En septiembre de 2020 dejé de tener notificaciones sobre el proceso.)

Cuando se desató la polémica por la quema de la bandera de Alemania por parte de algunos aficionados al futbol mexicano, a raíz del triunfo de la selección mexicana frente a la alemana en el reciente mundial de futbol (junio, 2018), me encontré en Facebook por casualidad con un “meme” que aseguraba que ese tipo de comportamientos eran típicos de gente sin educación que, además, escuchaba música de banda. Me pareció alarmante semejante actitud esnobista que tiene estereotipada a la gente bajo un filtro de prejuicios con cierto cariz clasista. Mi molestia sólo me dio para comentarle a quien lo publicó que, irónicamente, el origen de la música de Banda se lo debemos a inmigrantes alemanes allegados al puerto de Mazatlán.

Poco después por conmemorarse el día del padre, en un ataque de sentimentalismo bravío me puse a escuchar “el hijo desobediente”, interpretada por Banda el recodo, cuando aún era su vocalista Julio Preciado. La inercia de YouTube me llevó a recordar muchas de las canciones y corridos que escuché en mi infancia, en la década de 1990. Y si, por último escuché “el niño perdido” porque así lo dicta “el sinaloense”.

Con esta inquietud y melancolía vi una serie de entrevistas en la que hombres avezados en la tradición y la historia de esa música hablaban de los pormenores, de los antecedentes, de las variaciones que ha sufrido a lo largo del tempo y el espacio, pues reconocen que hay bandas en todo el país pero que no es lo mismo una banda en Zacatecas o en Oaxaca que una banda de la región de Mazatlán. Cuando el maestro Víctor Rubio, de Mocorito Sinaloa, menciona las piezas más emblemáticas de la composición sinaloense, me doy a la tarea de buscarlas y todo tiene sentido. Al fin toda esa efervescencia que la tarola provoca en mi pecho cobra su justa dimensión y gravita sobre los paisajes de mi infancia.

Creía que los primeros contactos con la música de banda habían sido los bailes de la fiesta de Sábado de Gloria y del santo patrono del pueblo, el 24 de Junio en San Juan Daxthi, perteneciente al no lejano, pero si profundo, Estado de México. Pero esos son bailes nocturnos, letras de canciones que acompañan los tamborazos y equipo de sonido que modula la instrumentación. El verdadero germen de mi fascinación por este sonido se halla en la tambora que ronda calles y veredas. Cuando niño no iba a los bailes, pero si escuchaba la banda “de viento” (que muchas veces era la misma que por la noche se subiría, armada de micrófonos y cantantes, al templete del auditorio municipal destinado al baile) apostada en el quiosco o afuera de la iglesia. La relación de mi infancia y la banda de viento no se limita a las fiestas religiosas. Los desfiles escolares para conmemorar “la independencia” o “la revolución” también suelen ser acompañados de una banda de viento.

El mío no es un caso aislado, como lo demuestra la cantidad de emisoras de radio que transmiten “música grupera”, entre la cual destaca la banda. ¿En que radica la proliferación y la popularidad de la música de banda? ¿Cómo un estilo y un género musical originado en una latitud específica es asumida por una entidad social más expandida (el México rural)? ¿Por qué éste tipo de música tan popular en nuestro país, escuchada en campos y ciudades no es asumida emblemáticamente, como si lo es el mariachi?

No es fortuito que a toda la orquestación de este tipo de música se le conozca simple y llanamente como “la tambora”, una operación lingüística que convierte al bombo (conocido como tambora) en el sinécdoque de la banda completa. Como nota al pie cabría mencionar un primo rioplatense de este instrumento: el “bombo legüero”, conocido así porque es posible escucharlo a leguas de distancia. Lo expansivo de esa percusión de profundidad, es quizás un factor determinante en la proliferación de la tambora. Reforzada por la tuba, cada uno de sus golpes se dejan escuchar a calles y veredas de distancia. La música de banda no se puede constreñir a un lugar cerrado, precisa espacios amplios, ya sea las plazas, kioscos, milpas, llanos o auditorios pero no da cabida a la contención. En el rancho es posible, en medio de la quietud de la noche, detectar a varios kilómetros dónde hay un baile; a veces el puro rugido de la tambora cuenta como invitación a la tertulia, la fiesta la hacen los que llegan, los que bailan, los que se embriagan entre trompetas  y clarinetes, la hacen los que sienten, no solo los formalmente “invitados”.

La banda está hasta en la muerte. En México no es extraña la costumbre de acompañar con música el paso de alguno de los nuestros hacia el reino de los muertos; pero hacerlo con la tambora tiene su símil con el toque militar de “silencio” “media vuelta” o “retirada”. La primera vez que vi un cortejo de esa índole fue en el sepelio de uno de mis tíos. La música fue constante en los intervalos del rosario, en la comida, y sin parar durante el trayecto de su casa al “campo santo”; la banda tocaba melodías que nos hacía recordarlo mientras una sonrisa contrapunteaba las lágrimas, pero también piezas que ahora he reconocido como repertorio clásico de este género. Después de aquél día me es posible reconocer los acordes menores al medio día que se oyen en la distancia, cimbrando lo apacible de los colores campiranos.

Pero ¿cómo asociar el poder de convocatoria rural que tiene esta música con un gusto y popularidad de nivel nacional? El primer factor explicativo se encuentra en la música castrense. Suele asociarse el origen de la banda sinaloense a los inmigrantes europeos, alemanes principalmente. Pero eso sólo es una pequeña parte y tiene que ver con la importación de instrumentos; el estilo y orquestación viene dado en cierto porcentaje a las bandas militares de países que sitiaron el puerto de Mazatlán durante diferentes conflictos en que se vio el país, las bandas de marinos de esos países solían tocar piezas populares internacionales para la libre concurrencia. Pero la orquestación militar no era privativa de las naciones europeas; la música siempre ha sido elemento esencial de los ejércitos, las cajas que marcan el tempo orden y disciplina, y las cornetas con sus potentes agudos que ponen en alerta a la tropa. Eso quiere decir que el sonido primigenio de la música de banda ha estado presente en todo el país a través de la distribución de sus regiones militares, siendo reafirmado a raíz del nombramiento de Jaime Nunó como inspector de las bandas de los regimientos en 1864. Dos veces por semana en las plazas públicas no sólo era posible escuchar marchas castrenses y combativas, sino también piezas clásicas de compositores como Wagner y Verdi, así como polcas, mazurcas y pasos dobles.

Visto así, por su distribución se trata de un sonido auténticamente nacional, aunque periféricamente social. La razón de que se le asocie sólo a la región de Sinaloa, va más allá de la instrumentación particular que tiene en ese estado, cosa que es en sí innegable. Como dije al principio, lo alarmante es que popularmente toda la música de banda se asocia indistintamente con un solo concepto fuertemente asociado también con Sinaloa y con el noroeste mexicano, el de narcocultura; asociación hecha muchas veces sobre todo por parte de gente que conoce poco de ambas cosas. Pero incluso esa  cultura (el concepto narcocultura, es más reciente que lo que se pretende denotar con ello) ha manifestado muchos cambios a los largo de las últimas cinco décadas, y en ella la música privativa no es la banda, ésta goza del gusto de la gente a la par  del conjunto norteño, el mariachi mismo, y más recientemente junto a lo que se denomina “ritmo alterado”, curiosa mezcla del conjunto norteño con la tambora.[1]

Atribuir la popularidad a de la música de banda a los medios de comunicación masiva no es incorrecto, pero deja fuera muchos factores sociales y antropológicos. Atribuirla a la narcocultura termina siendo un juicio sesgado que roza alarmantemente el absurdo supuesto de que la mayoría de la población nacional se dedica al narcotráfico o gusta del estilo de vida asociado a esta actividad. Habría que preguntarse si acaso no tiene que ver con que la música de banda no goza del aval académico que los funcionarios y burócratas de la cultura si le dieron al mariachi en las primeras décadas del siglo XX para ser exportado, y vendido a los propios mexicanos, como máximo y único sonido del alma nacional. Así de desamparada, es susceptible de que a la tambora se le mire con repugnancia como algo kitsch, asociada a la violencia y la ignorancia.

Fuentes consultadas

TINAJERO MEDINA, Rubén y Hernández Iznaga, María del Rosario. 2004 El narcocorrido ¿tradición o mercado? Chihuahua, Chui. Universidad Autónoma de Chihuahua.

SIMONETT, Helena. “Música vernácula del siglo XIX hasta los setenta del siglo XX”. 2015. En Historia temática de Sinaloa. Tomo IV, arte y cultura. Maciel Sánchez, Carlos y Elizabeth Moreno Rojas (coord.) Instituto Sinaloense de Cultura, CONACULTA. p. 209-235 

“LA TAMBORA SINALOENSE – Culiacán Vs Mazatlán”. YouTube https://www.youtube.com/watch?v=01vg9Tjz2Mk

[1] Cuando escribí esto no se vislumbraba aún el fenómeno del popular “corrido tumbado”.

[jartita-me-teneis]

'Un moralista mexicano, Mario Moreno “Cantinflas”, le dijo en cierta ocasión a un señor con el que discutía: “Pero oiga, mire nomás, ¡qué falta de ignorancia!”. Cantinflas era un maestro de la paradoja, pero su broma contenía una gran verdad. Existe una cultura no escrita que se manifiesta en la memoria, la transmisión oral y el cultivo de la tradición. En el habla de todos los días. Para conocerla-Cantinflas tiene razón- hace falta un poco de ignorancia. El filósofo español José Ortega y Gasset, a principios del siglo XX, llevó a cabo una encuesta entre campesinos andaluces, que no sabían leer ni escribir, llegando a una conclusión: “¡Qué cultos son estos analfabetas!”. Lo mismo podría decirse, hoy, de muchos grupos indígenas y campesinos de indo-afro-hispano América: ¡Qué cultos son estos analfabetas! La “ignorancia” alabada por Cantinflas acaso sea sinónimo de “sabiduría” no escrita-ancestral-tradicional-. “Ignorante” para nosotros, es “sabia” en tanto cultura dicha, no registrada, memoriosa, que somos nosotros quienes la ignoramos”' Carlos Fuentes

[arloqui]

Sufrir con coquetería

Ezra Pound aconsejaba ignorar a los críticos literarios que jamás han escrito una obra notable. Su advertencia puede extenderse al arte del sufrimiento. Muchos han teorizado sobre el dolor pero sólo unos cuantos espíritus selectos pueden hablar del tema con autoridad y conocimiento de causa. El escritor más atormentado del siglo XX, y el que más testimonios dejó de sus conflictos existenciales, fue sin duda el portugués Fernando Pessoa. Su Libro del desasosiego, tan brillante como depresivo, no es sólo el testimonio de una mente desgarrada y lúcida, sino una preceptiva del sufrimiento. A diferencia de Sabines, Garibay o José Alfredo Jiménez, Pessoa nunca tuvo un sufrimiento puro. Su principal defecto o su principal virtud fue intelectualizar todo lo que sentía, flagelarse por partida doble con la observación atenta de sus heridas. Más que refocilarse en sí mismo, le interesaba someter el dolor a una valoración estética. Llegó a ser un crítico tan rigoroso del sufrimiento propio y ajeno, que desaprobaba por vulgar y falso el dolor de las multitudes. “El que sufre sufre solo”, sentencia Bernardo Soares, el protagonista del Libro del desasosiego al contemplar una manifestación de obreros.

Ángel Crespo, uno de los principales traductores de Pessoa al español, junto con el mexicano Francisco Cervantes, cree que Pessoa despreciaba a las masas por su ideología monarquista. Pero las simpatías políticas de Pessoa tal vez hayan sido un reflejo de su mentalidad esquizoide. El poeta de los heterónimos tuvo tantas personalidades que difícilmente pudo haber sufrido solo, pues los demás escritores alojados en su interior (Álvaro de Campos, Ricardo Reís, Alberto Caeiro, el propio Bernardo Soares) jamás le concedieron un momento de intimidad. Para entender el funcionamiento de un cerebro tan sobrepoblado y contradictorio, la psicología de las masas resulta más útil que la psicología individual. Según Freud, los individuos reunidos en una multitud, cualquiera que sea su género de vida, forman una masa psicológica o un ser provisional compuesto de elementos heterogéneos, exactamente como las células de un cuerpo vivo forman al juntarse un ser nuevo. Pessoa, que llevaba dentro una multitud sin líder, tal vez haya envidiado la cohesión espiritual de las masas, cohesión que él mismo nunca disfrutó, por no poder unificar sus múltiples personalidades bajo un mando central. Lo que tenia en la conciencia era una multitud desgobernada, un “tumulto civil de pensamientos”, donde ninguna figura de autoridad lograba contener la anarquía. De ahí su aspiración al orden, que probablemente fue resultado de una confusión entre lo que deseaba para la sociedad y lo que deseaba para sí mismo. Más que un ideal político, para Pessoa la monarquía era un ideal de paz interior: el sistema de gobierno que nunca pudo implantar en su alma.

Pero si Pessoa valoraba por encima de todo el sufrimiento solitario, por otro lado recomendaba “sufrir con coquetería”, lo que presupone la existencia un público y una vocación teatral por parte del sufridor. El libro del desasosiego es un testimonio de su extraña propensión al aislamiento exhibicionista. Pessoa se propuso hacer encantadora su desolación, estudiando con elegancia y espíritu lúdico el dolor de estar vivo, un tema más propicio al llanto y al gimoteo que al juego intelectual. Hasta cierto punto, el autor de la “Oda marítima” es un precursor lejano de actores como James Dean y Montgomery Clift, que hicieron en la pantalla algo muy parecido, si bien emplearon el talento histriónico en lugar de la inteligencia. Dean y Clift fueron dos maestros en el arte de sufrir seductoramente. Sin perder jamás la figura, sin desmelenarse como los actores de la vieja escuela teatral de Hollywood, lograron proyectar al espectador el impulso autodestructivo que despertaba el instinto maternal de sus fans.

Para sufrir como Pessoa, Dean y Clift no es indispensable ser un adolescente con problemas de identidad sexual, pero ayuda mucho. A juicio de su biógrafo João Gaspar Simoes, el poeta portugués tuvo siempre 16 años, edad mental que nunca rebasaron sus colegas de la pantalla. El dato debe tomarse en cuenta para no tratar de imitarlos después de los 30. La coquetería de estos genios del autoflagelo consiste en guiñar un ojo al público a la hora fe los fuetazos, implorando su colaboración en el ritual masoquista. Más que pedir un consuelo, en todo momento están pidiendo un espejo. Si logran conmover al auditorio no es tanto por la autenticidad de su dolor sino por el encanto infantil de su narcisismo. El espectador los ven tan vulnerables, tan necesitados de clavarse alfileres en el orgullo, que accede a compadecerlos por temor a hacerles más daño si no se presta a su juego.

Cuando un adulto practica el mismo chantaje con un propósito estético, sentimos que hay afectación en su dolor. A cierta edad ya no se puede sufrir con coquetería. Si un cuarentón trata de sufrir en público, más le vale componer boleros o rasgarse las vestiduras. De lo contrario, se expone al ridículo como T.S. Eliot en una de sus múltiples crisis nerviosas, cuando le dio por polvearse la cara de verde, ganándose las burlas de Virginia Woolf y otros compañeros de generación. Según Osbert Sitwell, uno de los mejores amigos de Eliot, “se polveaba la nariz para acentuar su aspecto de sufrimiento, a fin de provocar compasión con más facilidad, como si solo mediante la manifestación del dolor pudiera experimentarlo como real”. A semejanza de Eliot, algunos jóvenes poetas mexicanos que hace tiempo dejaron de ser jóvenes creen que la exteriorización del dolor es una cuestión de polvos y maquillaje. Fósiles del sentimiento, esconden sus penas bajo un denso plumaje metafórico, suponiendo que basta un leve indicio de su desdicha para conmover al lector. Con tímidas insinuaciones y lamentos impersonales, pretenden falsificar un tono emotivo sin descorrer el velo de su intimidad, no vaya a ser que los tachen de cursis. Nadie les niega el derecho a sufrir con la mayor discreción posible, pero si tienen esos pudores de colegiala deberían sufrir en silencio como Marga López.

Las caricaturas me hacen llorar, Enrique Serna, 2012

[lustucruestmonami]

Ocho años.

Ocho años.

16 de septiembre de 2023.

Si mi teclado tiene eñe es porque me traje mi vieja computadora de México, pero se logró el objetivo y estoy escribiendo esto desde Baton Rouge, Louisiana, Estados Unidos. Llegué aquí el 9 de septiembre pasado y ahora estoy viviendo a unos diez minutos en autobús de la Universidad Estatal de Louisiana junto con dos colombianas y una española de Canarias, Verónica, Lina y Paula, comparto baño con la última.

Ha sido una experiencia interesante venir para acá, realmente no conozco la ciudad aún, a duras penas he salido un par de veces fuera de trayecto diario escuela-casa, aunque no parece que haya demasiado que ver en esta ciudad, de la cual la universidad es sin duda el lugar más importante.                             La universidad en sí no es tampoco la gran cosa en la mayor parte de las categorías, es algo vieja, la sede actual teniendo un poco menos de cien años. Aparentemente es lo que llaman “universidad de blancos”, pues las otras escuelas del estado tienen una mucho mayor población afroamericana, y claramente son blancos la mayoría, aunque hay una gran variedad de estudiantes internacionales en los cursos de posgrado, sobre todo africanos del este y asiáticos del sur. En la escuela de música y el colegio de música y artes dramáticas, donde paso la mayor parte de mi tiempo hay unos cuantos hispanohablantes: he conocido a mis dos compañeras de departamento, las colombianas, tres venezolanos, dos ecuatorianos, otros dos mexicanos (de Chihuahua y Puebla/Tamaulipas) y dos españolas, todos gente muy agradable y con quienes ya he tenido oportunidad de festejar cinco cumpleaños en tres reuniones hasta ayer. Puedo ver que será gente con la que disfrutaré compartir mi tiempo a lo largo de la maestría.

Algo por lo que sí se destaca la universidad es por sus instalaciones deportivas, que a pesar de que estamos en un estado relativamente pobre son realmente impresionantes. Ya he tenido la oportunidad de visitar el gimnasio de usos múltiples, donde se juegan los partidos de voleibol y de básquet, y también el atractivo principal y prácticamente razón de ser de la universidad, que es el estadio de fútbol, un edificio enorme con capacidad para 102,321 personas, siendo el 5to más grande del país en la categoría universitaria.

En cuanto al cello me he unido junto a dos venezolanos, una china, dos estadounidenses y una española a la cátedra de Dennis Parker, un magnífico cellista que estudió en Indiana con Janos Starker y en Yale con Aldo Parisot. Es toda una eminencia, con un conocimiento increíble del instrumento y el repertorio, tanto solista como de música de cámara y orquesta, pero también es una persona muy gentil y abierta, cuyo padre lamentablemente falleció esta semana. Con el maestro Dennis estoy teniendo que replantearme toda mi técnica en el instrumento, porque durante los últimos quince años bajo la enseñanza del maestro Edgardo yo había aprendido que cuando uno pisa por ejemplo con el dedo cuatro, los otros tres dedos deben de pisar con él, acompañándolo. Con el maestro Parker la cosa es completamente opuesta, y él nos pide la total independencia de todos los dedos; no es que estos queden flotando, pero sí deben de estar libres sobre la cuerda. Pensar de esta forma me está siendo bastante complicado, y creo que más aún porque hace un tiempo que no tomo clases y siento que mi capacidad de reaccionar a las instrucciones se encuentra bastante oxidada. Además Dennis pide una mayor conciencia sobre la armonía y la sustitución interválica de los dedos, y una preparación para los desmangues hacia arriba y hacia abajo que me está costando mucho trabajo implementar. Ante todo esto he sentido que mi nivel aparente ha bajado por tener que estar concentrándome en todas estas cuestiones además de estar pensando en la música y en todo lo demás, pero sé que es una inversión a futuro y que cuando logre internalizar todos estos conceptos voy a ser una mejor música como resultado, aunque por el momento todo esto me tiene con una muy baja autoestima musical, exacerbada porque todos los otros compañeros de la cátedra tocan muy bien, incluso hay un ex miembro de la orquesta juvenil nacional de Venezuela.

Además de la clase individual y grupal de cello estoy tomando francés (de forma totalmente extracurricular), seminario de literatura de cuerdas (que es básicamente escuchar música poco conocida del siglo XX a la fecha y aprender sobre los compositores), música de cámara (ahora mismo batallando con el quinteto para dos chelos de Schubert), orquesta (“Cuadros de una exposición”, Concertino para saxofón de Ibert y “De una mañana de primavera” de Lili Boulanger, por el momento estoy de asistente de principal con mi compañera de China) y reseña de técnicas analíticas (en este momento Post-tonal set theory).

En las cuestiones de la transición, que como es natural se vuelven menos relevantes cada año, las cosas han ido bastante bien. Ya estoy básicamente recuperada de mi revisión de feminización facial con el doctor Malagón, que fue todo un martirio y sobreviví gracias a la ayuda de mi amiga Angelina, me acabaron haciendo una cirugía ortognática Lefort 1, osteotomía de mentón y ángulos mandibulares y unos implantes malares para compensar mi falta de desarrollo óseo en el tercio medio. Todavía siento que me veo algo rara, pero afortunadamente el resultado es que aparentemente paso ahora al 100, lo cual es genial y una bendición, sobre todo ahora que me he mudado a un lugar nuevo donde nadie conoce “mi vida anterior”. He convencido a todo mundo de que mi extraña voz es resultado de una condición que me provocó el estrés (aunque los demás detalles son ciertos) y todo mundo parece haberla aceptado sin muchos peros. Hasta donde sé, estoy pudiendo mantener el stealth al 100%, lo cual ha tenido el inesperado efecto de dejarme con la duda de si toda la gente que estoy conociendo y con la que me estoy llevando bien sería tan amable y amistosa conmigo si supieran que soy trans, esto específicamente con las chicas con las que comparto departamento, pues no tengo ni idea de su posición acerca de estos temas, y me da un poco de miedo que al final se acaben enterando y me rechacen ya fuera por odio a la gente trans o por la desconfianza que les provocase que les ocultara una verdad tan importante. Como sea estoy disfrutando esta nueva etapa post transición de la vida en la que no tengo que estarme preocupando por la gente que me conocía antes, aunque es raro ir por la vida como una mujer sin tener que agregar el “*trans” por donde voy. Seguiré viendo cómo se desarrollan las cosas para decidir si salgo del closet en algún punto del futuro.

Quisiera tomarme un breve paréntesis para escribir que tristemente en los meses previos a mi salida de México el director fundador de Consortium Sonorus dejó la orquesta y a los músicos en la difícil situación de no saber claramente qué hacer después. CS fue una parte muy importante de mi desarrollo musical y me duele que su futuro sea tan incierto, porque yo tenía la esperanza de que en un futuro no tan lejano, cuando yo acabe mis estudios, me fuera posible regresar a México y reintegrarme a la orquesta, pero en este momento no sabemos si quiera si va a sobrevivir a lo que queda del año, mientas Cárdenas continúa con otros proyectos personales (lo cual por supuesto me da gusto por él, aunque no esté de acuerdo con la forma en la que decidió renunciar). Voy a extrañar al ensamble, aunque más aún a los pocos amigos que logré hacer dentro de él, principalmente Angelina y Miguel.

Volviendo a mis nuevas experiencias en Estados Unidos, la semana pasada empecé un nuevo trabajo en una escuela primaria tetralingüe, el trabajo se llama Kids Orchestra, y soy la instructora de chelo de diez niños entre 8 y 10 años. Esto es un gran salto para mí, porque hasta este momento yo no tenía experiencia con alumnos de menos de 12 años, mucho menos con un grupo. Hasta ahora llevo solo dos clases y ya tengo una idea clara de cuáles niños van a ser muy lindos para trabajar con ellos y de cuales me van a estar dando problemas. También estoy en proceso de iniciar clases con una alumna particular. Quisiera no meterme en tantas cuestiones laborales, pero estoy intentando comportarme en la medida de lo posible como si no tuviera dinero ahorrado y ganar algo de dinero intentando sacrificar la menor cantidad de tiempo de estudio posible; estas han sido las mejores oportunidades hasta ahora y la paga es de 60 dólares por día en KO y de 60 por clase individual con esta nueva alumna, tomando en cuenta que estoy pagando alrededor de 400 dólares de renta (más servicios y alimentación) y que pronto tendré que hacerme cargo de la totalidad de la renta de mi abuela y todos los otros gastos que surjan a medida que ella vaya envejeciendo, se vuelve importante hacerme de una cantidad de dinero que me traiga algo de seguridad para el futuro. También tengo pendiente conseguir una aseguradora médica (probablemente será medicaid), tanto para la cuestión de mi TRH como para las emergencias leves que puedan ir surgiendo, y también tengo que resolver lo de mi actualización de número de seguridad social para que tenga mi nombre actual y mi identificación del estado para acceder a los beneficios estatales y poder votar.

En resumen, las cosas van OK considerando todo lo nuevo que está pasando, que es mucho. Que todo sea para bien.

Emilia

[lamiseriadesiylosotros]

Felicidades a quienes nos muestran el camino desde las aulas

A quienes nos muestran un nuevo mundo con cada enseñanza

A quienes tienen la vocación de educar al pueblo

A quienes saben que la educación es importante pero solo si es para emancipar

Por la Escuela del Rayo y el Socialismo, que enseño a los primeros socialistas mexicanos la necesidad de la revolución

Por Arturo Gamiz, quien dió un paso al frente para detener la violencia y explotación de los caciques y entendió que solo el socialismo y la vía revolucionaria, cambiarían la situación concreta de los oprimidos mediante la constitución del Grupo Popular Guerrillero

Por Genaro Vazquez, profesor normalista quien vio en las armas la vía para emancipar al pueblo, máximo líder de la Asociación Civica Nacional Revolucionaria

Por Lucio Cabañas, profesor normalista, héroe y comandante de todo el pueblo pobre de nuestra nación. Comandante y maestro del Partido de los Pobres.

Por Misael Nuñez Acosta, organizador popular, dirigente indiscutible del proletariado, maestro de las masas y revolucionario. Militante del PROCUP.

Por los 43 camaradas que no han podido llegar a las aulas.

Por ellos, educar, movilizar y organizar al pueblo son las tareas.

Por ellos, lucharemos hasta vencer.

[shanahazuki]

THE FIRST SLAM DUNK tiene talento mexicano

Edo “Haruma”, animador de origen mexicano radicado en Japón y con más de 12 años de experiencia en el medio. Actualmente trabaja también en la adaptación animada de One Piece. ¿Qué nos puedes contar de la producción de SLAM DUNK? He trabajado en otras películas como Nerawareta Gakuen, Harmony e Index The Movie, pero nunca antes me había involucrado en el proyecto desde su nacimiento. El maestro…

[zerounotvadri]

El Instituto Mexicano de Yoga y el Consejo de Promoción Turística de Quintana Roo presentan la 20° edición del Encuentro Nacional de Yoga “Cancún 2023”

Este magno encuentro se realizará por primera vez en Cancún del 10 al 12 de noviembre del año en curso, y previamente se llevará a cabo un evento en la Ciudad de México los días 7 y 8 de octubre.

En conferencia de prensa se dio a conocer una importante alianza turística y cultural con el Consejo de Promoción Turística de Quintana Roo y la marca destino Cancún.

Ciudad de México, 21 de junio 2023.-  En el marco de la celebración del Día Internacional del Yoga, el Instituto Mexicano de Yoga (IMY), el Consejo de Promoción Turística de Quintana Roo (CPTQ), Cancún y SABINO Producciones presentaron la 20º edición del Encuentro Nacional de Yoga, que por primera vez se llevará a cabo en el principal destino turístico de México: Cancún. Los organizadores también anunciaron la realización de actividades especiales previas en la Ciudad de México.

Apoyado por el Consejo de Promoción Turística de Quintana Roo, este Encuentro Nacional tendrá sede en la ciudad de Cancún los días 10, 11 y 12 de noviembre como parte de la alianza turística y cultural entre este maravilloso estado y el Instituto Mexicano de Yoga.

Sin embargo, rumbo a la 20° edición del Encuentro Nacional de Yoga Cancún 2023, la comunidad yogui y público en general podrán convivir y ser parte del Encuentro de Yoga en CDMX by Bebbia, los días 7 y 8 de octubre en el Hilton Reforma de la Ciudad de México, para practicar en compañía de maestros nacionales e internacionales de la talla de Brigitte Longueville, Tenzin Wangyal Rimpoche, Rod Stryker, Ana Paula Domínguez, entre otros, en donde además tendrán información, paquetes y costos preferenciales para el magno evento en Cancún.

El Encuentro Nacional de Yoga Cancún 2023 tendrá actividades abiertas al público en general sin costo alguno, así como eventos especializados con registro. Se darán master classes con el mejor talento nacional e internacional, conciertos holísticos, meditaciones, expo feria y otras actividades que sentarán las bases para una experiencia memorable.

“En Cancún nos sentimos muy complacidos por ser la sede de la vigésima edición del Encuentro Nacional de la Yoga, los escenarios naturales, la extraordinaria infraestructura hotelera y turística y sobre todo la hospitalidad de nuestra gente, será la perfecta combinación para un evento exitoso” recalcó Jesús Almaguer Salazar, presidente de la Asociación de Hoteles de Cancún, Puerto Morelos e Isla Mujeres.

El encuentro busca consolidar al mundialmente famoso destino dentro del nicho del turismo de bienestar; generando promoción al destino, ocupación hotelera y derrama económica; al tiempo que se acercarán las actividades holísticas al público residente y originario de Quintana Roo; ante la premisa de formar seres humanos integrales mediante la práctica de este tipo de disciplinas.    

“De acuerdo a información proporcionada por la OMS, el 80 por ciento de las enfermedades, provienen de nuestro estilo de vida, es por eso que el Yoga es una gran herramienta para reducir el estrés a nivel físico, mental y emocional”, comenta Ana Paula Domínguez, fundadora del Instituto Mexicano de Yoga.

Como siempre y desde hace 20 años, el Encuentro Nacional de Yoga promete ser un espacio de mucho aprendizaje y guía para beneficiar la salud física y mental de todos los asistentes e interesados en mantener su bienestar y vivir una vida más plena.

Para más información y venta de localidades visita: www.encuentrodeyoga.com

#eny2023 

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Sobre el Instituto Mexicano de Yoga A.C.

El Instituto Mexicano de Yoga (IMY) es una asociación civil fundada en el 2002 por Ana Paula Domínguez, que congrega a practicantes, instructores y escuelas de esta disciplina con el propósito de promover estilos de vida saludables y de difundir la filosofía del yoga tradicional para impulsar la salud y el bienestar de la sociedad mexicana. Su consejo académico se conforma por los más destacados maestros e instructores en el país con la finalidad de marcar las pautas para mantener un nivel de excelencia en la instrucción de esta ancestral filosofía ofreciendo siempre el Distintivo de Calidad IMY. Para más información, ingresa a:

Web

www.encuentrodeyoga.com

Instagram 

@encuentrodeyoga

@yogamx

Sobre Cancún, Quintana Roo

Reconocido en todo el mundo por sus espectaculares playas de fina arena blanca y su fascinante mar azul turquesa, Cancún está localizado en el norte del Caribe Mexicano. Con lugares naturales únicos, cultura maya, actividades acuáticas y de aventura. Deliciosas ofertas gastronómicas, 207 hoteles con 43,109 habitaciones, siete espectaculares campos de golf, sofisticadas instalaciones de spas; exclusivos centros comerciales, mercados típicos de artesanías y una incomparable vida nocturna. Para más información, por favor visita: https://www.caribemexicano.travel/cancun/

Sobre la participación de Bebbia en el Encuentro Nacional de Yoga CDMX

Bebbia apoya el Encuentro de Yoga CDMX rumbo al Encuentro Nacional de Yoga CANCÚN, ya que en el ADN de Bebbia está la búsqueda del bienestar de las personas. Más del 70% del cuerpo humano está compuesto por agua. Por lo que tener un balance físico mental y emocional, fomentar un estilo de vida saludable, significa alimentar al cuerpo y mente con la mejor calidad de agua. Bebbia ofrece un servicio de purificación de la más alta calidad que permite a las personas estar hidratadas de una forma práctica y segura diariamente. Para más información, ingresa al sitio web  https://bebbia.com/

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Centro Cultural Los Pinos realiza segunda edición de ORIGINAL, encuentro de textil mexicano, bajo la inspiración p'urhépecha. Con el objetivo de poner a las instituciones al servicio de las comunidades creadoras, la Casa Miguel Alemán del Complejo Cultural Los Pinos y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, muestran la segunda edición de ORIGINAL. Los telares y prendas tendrán permanencia hasta el 20 de noviembre con siete pasarelas que destacan tejidos de 15 comunidades michoacanas, además de 28 entidades federativas y 5 países invitados. La muestra reúne a maestras y maestros artesanos, diseñadores tradicionales, gestores, promotores e investigadores, en torno a la riqueza original y diversidad de las creaciones artesanales y textiles de las comunidades del país. #Aguascalientes #bajacalifornia #bajacaliforniasur #campeche #chiapas #chihuahua #coahulia #colima #cdmx #durango #Guanajuato #Guerrro #Hidalgo #Jalisco #michoacan #Morelos #Nayarit #Nuevoleon #Oaxaca #puebla #queretaro #Quintanaroo #sanluispotosi #Sinaloa #Tabasco #Tamaulipas #Tlaxcala #Veracruz #Yucatan #Zacatecas (en Complejo Cultural Los Pinos) https://www.instagram.com/p/ClG19_PuEOR/?igshid=NGJjMDIxMWI=