#lo mejor del flamenco

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Paco de Lucía, el mejor flamenco.

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"Los bailes robados" de David Coria

“The Stolen Dances” by David Coria TERESA FERNANDEZ HERRERA. Periodista, Escritora, Directora Gral. de Cultura Flamenca. Prensa Especializada Nos dejaste sin palabras, David, en esa noche del 3 de marzo en el teatro Villamarta de Jerez de la Frontera, con esta última producción tuya, Los Bailes Robados. Es más que un paso delante de “Anónimo”, “Fandango!” e “Imperfecto”. Es la obra de un…

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Artista: Jan Brueghel el Viejo (Bruselas 1568 - 1625 Amberes) y Peter Paul Rubens (Siegen 1577 - 1640 Amberes) Título: El Jardín del Edén con la Caída del Hombre

Datación: 1615 Número de inventario: 253 Técnica: aceite Material: panel Dimensiones: 74,3 x 114,7 centímetros Inscripciones: Firmado, abajo a la izquierda: PETRI PAVLI RVBENS FIGR Firmado, Abajo a la derecha: IBRUEGHEL FEC IB en ligadura Procedencia: Pieter de la Court van der Voort y herederos, Leiden, en o antes de 1710-1766; Príncipe Guillermo V, La Haya, 1766-1795; confiscado por los franceses, transferido al Muséum Central des Arts/Musée Napoléon (Musée du Louvre), París, 1795-1815; Royal Picture Gallery, alojada en la Galería Príncipe Guillermo V, La Haya, 1816; transferida al Mauritshuis, 1822

Este cuadro es obra de dos famosos maestros flamencos: Rubens y Brueghel. Realizaron varias versiones de este tipo de cuadros, que pretendían ser piezas de exhibición que combinaran lo mejor de ambos artistas. Aunque Brueghel fue el responsable de la composición, Rubens comenzó el cuadro. De forma muy esquemática, con pintura fina, pintó a Adán y Eva, el árbol, el caballo y la serpiente. Después, Brueghel se ocupó de las plantas y los animales, que pintó con una precisión enciclopédica en el acabado de la pintura.

Información e imagen de la web del Mauritshuis, The Hague.

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IMAGENES Y DATOS INTERESANTES DEL DIA 16 DE NOVIEMBRE DE 2023

Día Internacional para la Tolerancia, Día Mundial de la Filosofía, Día Internacional del Flamenco, Día Internacional del Patrimonio Mundial, Día Mundial del Cáncer de Páncreas, Día de la Empresa Social, Semana de Concienciación sobre el Azúcar, Semana Mundial del Emprendimiento, Año Internacional del Mijo y Año Internacional del Diálogo como Garantía de Paz.

Santa Agustina y Santa Margarita.

Tal día como hoy en el año 1945

En Londres, capital del Reino Unido, se funda la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (más conocida por sus siglas: UNESCO), organismo dependiente de Naciones Unidas, cuyo objetivo primordial será, no ya la construcción de escuelas en países devastados o la publicación de hallazgos científicos, sino uno mucho más amplio y ambicioso: "construir la paz en la mente de los hombres mediante la educación, la cultura, las ciencias naturales y sociales y la comunicación". En suma, hoy en día la UNESCO promueve la cooperación internacional en materia de educación, ciencia, cultura y comunicación entre sus más de 190 Estados Miembros y sus varios Miembros Asociados. (Hace 78 años)

1938

En el marco de la Guerra Civil Española, se da por concluida la cruenta Batalla del Ebro tras 115 días de combates, cuando las tropas republicanas se repliegan a la margen izquierda del río Ebro con bajas cifradas en más de 10.000 muertos, 33.000 heridos y 20.000 prisioneros. Con la frontera francesa cerrada desde junio y diezmado el ejército republicano, la victoria total de las tropas nacionales se producirá en poco más de cuatro meses. (Hace 85 años)

1904

EE.UU. compra a la Compañía del Canal de Panamá sus derechos y propiedades por 40 millones de dólares. (Hace 119 años)

1885

En EE.UU., George Eastman logra impresionar imágenes en papel cubierto de bromuro de plata, marcando el camino a los rollos fotográficos. El papel, que se utiliza sólo como soporte provisional para la emulsión, se despega después del revelado, dejando una película negativa delgada. (Hace 138 años)

1870

En Madrid resulta elegido por las Cortes como rey de España el duque de Aosta, Amadeo de Saboya, lo que provocará el descontento de los carlistas que iniciarán una nueva guerra. (Hace 153 años)

1855

El explorador británico David Livingstone se convierte en el primer europeo en ver las cataratas Victoria (Mosi-oa-Tunya, "el humo que truena"), en el río Zambeze, situadas en la frontera de las actuales Zambia y Zimbabwe. (Hace 168 años)

1700

Felipe de Borbón, duque de Anjou, tras la muerte de Carlos II (perteneciente a la Casa de los Austria), acepta el trono de España que éste le deja por herencia, bajo el nombre de Felipe V. Tres meses más tarde, el representante de la nueva dinastía borbónica, entrará en Madrid, donde será acogido con júbilo. A pesar de todo, poco después, España se convertirá en un campo de batalla al estallar la Guerra de Sucesión. Su reinado traerá también profundas reformas que modernizarán el país incorporándolo al mundo de la Ilustración. A su muerte, en 1746, dejará a España sumida en la bancarrota y en guerra con Austria. Le sucederá Fernando VI. (Hace 323 años)

1519

Aunque fundada en 1513 en otro asentamiento hoy llamado Surgidero de Batabanó, Diego de Velázquez de Cuéllar traslada la ciudad de la Habana a la Bahía, lugar que ocupa actualmente, donde las condiciones de habitabilidad son mucho mejores. En el día de hoy se oficia la primera misa y se da por fundada oficialmente, en nombre de los Reyes de España, Carlos I y Juana I, la Villa de San Cristóbal de La Habana en su nuevo emplazamiento. (Hace 504 años)

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Sometimes it sounds like portuguese right?

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El viajero mental: algunos conceptos sobre William Blake

Ismael Belda

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En 1809, a los cincuenta y dos años de edad, William Blake realizó la primera y única exposición retrospectiva de su vida. Como no podía permitirse alquilar un local, usó la casa de su hermano, que era a la vez una mercería y estaba situada en Golden Square, en el Soho. En las paredes de varias estancias adyacentes, Blake colgó dieciséis obras, entre ellas Los antiguos britones, la pintura más grande que realizó nunca y, según quienes la vieron, su gran obra maestra, hoy perdida. James, el hermano de William, era el encargado de recibir a los visitantes y mostrarles las pinturas. Prácticamente nadie acudió. La entrada costaba media corona e incluía un breve Catálogo descriptivo, del que Blake no imprimió ni cien copias. Durante muchos años, ese pequeño panfleto encuadernado en papel azul grisáceo fue su obra literaria más conocida. El crítico Robert Hunt (hermano de Leigh, el amigo de Keats y Shelley) visitó la muestra y escribió una devastadora crítica en la que insultaba a Blake y calificaba el pequeño Catálogo de «fárrago de sinsentido, ininteligibilidad y egregia vanidad, las locas efusiones de un cerebro trastornado». Hoy solo se recuerda a Robert Hunt por esa crítica, que Arthur Symons llamó «una de las infamias del periodismo». Poco después, a raíz de la falta de atención y de la crítica de Hunt, que le afectó profundamente, Blake renunció a triunfar en el mundo artístico o literario. Durante diez años, dio por completo la espalda al público, y no fue hasta 1819 cuando, animado por un grupo de poetas y artistas jóvenes que le profesaban cierta admiración, decidió sacar a la luz su gran obra maestra final, el poema épico Jerusalén, en el que había seguido trabajando.

El Catálogo descriptivo, que es una especie de manifiesto artístico, comienza diciendo, tras un breve prefacio: «La claridad y la precisión han sido los principales propósitos al pintar estos Cuadros». Para Blake, leemos, la pintura al óleo es sinónimo de imprecisión y oscuridad; él defiende fieramente la acuarela y la témpera (a la que llama fresco), con las que se logran contornos definidos y colores vivos. Condena a Rubens, Anton van Dyke, Tiziano, Correggio y Rembrandt («los Demonios Venecianos y Flamencos») y, desde luego, a los más notorios pintores ingleses de su tiempo, sus odiados Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough, para él enemigos del arte y, por consiguiente, de la humanidad: «Así como hay una clase de hombres cuyo deleite es la destrucción de los hombres, hay una clase de artistas cuyos arte y ciencia están diseñados con el propósito de destruir el arte». A la oscuridad e imprecisión de estos, según los estándares de Blake, basadas en la copia servil y mecánica de la naturaleza, él opone a Miguel Ángel, Rafael, Durero y Giulio Romano, sus ideales de claridad, luminosidad, simbolismo y atención a los detalles. A la sombra de Rembrandt, contrapone la línea («Cada Línea que trazo es Eterna»). La sombra y el borrón del óleo ocultan la forma.

En el Catálogo, Blake afirma haber contemplado, en sus visiones, obras de arte originales, perdidas miles de años atrás, en las cuales cada detalle estaba cargado de «sentido recóndito y mitológico», e insiste en la realidad y, por encima de todo, en la detallada claridad de esas y otras visiones: «Un Espíritu y una Visión no son, como supone la filosofía moderna, un vapor nebuloso, o una nada: están organizados y minuciosamente articulados más allá de lo que la naturaleza mortal y perecedera puede producir. Quien no imagina en contornos más fuertes y mejores, y en luz más fuerte y mejor, que lo que puede ver su ojo perecedero y mortal no imagina en absoluto. El pintor de esta obra [se refiere a él mismo] asegura que todas sus imaginaciones se le aparecen infinitamente más perfecta y minuciosamente organizadas que cualquier cosa que haya visto su ojo mortal. Los Espíritus son hombres organizados». Organizado, para Blake, quiere decir poseedor de forma inteligible, es decir, susceptible de ser captado por la imaginación. Poco después de la fallida exposición, escribió un borrador para texto teórico y descriptivo sobre su gran pintura Una visión del Juicio Final, también perdida, que pretendía añadir al final del Catálogo descriptivo, aunque nunca llegó a hacerlo. En el borrador, afirmaba con rotundidad la que fue una de las principales convicciones de su vida: «El Conocimiento General es Conocimiento Remoto; la Sabiduría consiste en los Detalles, y la Felicidad también. En el Arte y en la Vida, las Masas Generales Constituyen Arte en la Misma medida que un Hombre de Cartón es Humano».

Este énfasis en los Minúsculos Detalles (en el original, Minute Particulars) es una de las claves para entender su obra. Para Blake, todo está en los detalles. El arte se crea a partir de los detalles, jamás mediante generalizaciones; la visión imaginativa, que trasciende el mundo informe de la materia, se alcanza mediante los detalles; el bien que debemos hacer a los demás se lleva a cabo mediante los detalles. Los detalles están vivos (literalmente) y cada uno de ellos importa, como si fueran vidas humanas. Las cosas son reales en cuanto que son percibidas en supremo e infinitamente articulado detalle. En poesía, «cada palabra y cada letra» debe ser estudiada, y en pintura, «cada línea y pincelada». En el amor, «cada Minúsculo Detalle es sagrado». Blake camina por Londres y contempla la pobreza y los asilos y talleres de caridad en los que la Virtud Moral ha reemplazado a las reacciones inmediatas, vivas e individuales ante el sufrimiento ajeno: «Vio cada Minúsculo Detalle de Albion degradado y asesinado, / […] y vio cada minúsculo detalle, las joyas de Albion, bajar corriendo / por las alcantarillas de calles y callejas como si estuvieran aborrecidas. / Toda Forma Universal se convirtió en una yerma montaña de Virtud / Moral, y cada Minúsculo Detalle se solidificó en granos de arena, / y toda la ternura del alma fue arrojada como mugre y porquería / en los sinuosos lugares de honda e intrincada contemplación». Imaginación, arte y amor a los demás seres humanos son para Blake lo mismo. En Jerusalén, leemos: «El que haga el bien a otro debe hacerlo en los Minúsculos Detalles. / El Bien General es el pretexto del adulador, canalla e hipócrita; / pues el Arte y la Ciencia no pueden existir sino en Detalles minuciosamente organizados, / y no en Demostraciones generalizadoras del Poder Racional. / Lo Infinito solo reside en la Identidad Definida y Determinada». Cada detalle es un individuo, una identidad. Las imágenes de las visiones de la imaginación, para Blake, son infinitamente detalladas e individualizadas y están infinitamente organizadas, en contraste con el caos, la imprecisión y el anonimato a los que tiende la naturaleza entendida como algo separado del hombre.

Toda la obra de Blake es un gran intento de elevar la conciencia humana mediante el arte hasta una realidad perfectamente definida y vívida. El ascenso tiene lugar desde la naturaleza borrosa, caótica e inconsciente, hacia una realidad maravillosamente vívida y detallada, organizada y consciente, es decir, hacia la Nueva Jerusalén, que es la representación simbólica de la libertad y el éxtasis de la conciencia. Para él, esta ascensión es un proceso individual y que, a la vez, abarca a toda la humanidad, pues para Blake no existe diferencia entre fuera y dentro: toda la realidad es espiritual, imaginativa o mental, y la transformación en nuestro interior equivale, en cierto nivel, a la de toda la humanidad. La poesía de Blake intenta una transformación total de la conciencia para restituir al hombre a su estado original. En sus apuntes para la descripción de su pintura El Juicio Final, escribió: «La Naturaleza de mi Trabajo es Visionaria o Imaginativa; es un Intento de Restaurar lo que los Antiguos llamaban la Edad de Oro […] Si el Espectador pudiera Entrar en estas Imágenes con su Imaginación, acercándose a ellas en el Ardiente Carruaje de su Pensamiento Contemplativo, si pudiera entrar en el Arco Iris de Noé o en su pecho, o pudiera hacer una Amiga y una Compañera de una de estas Imágenes de maravilla, que siempre le solicitan que deje las cosas mortales (como debe saber), entonces se levantaría de su Tumba». Se levantaría de su tumba porque, para Blake, el hombre material es un cadáver, es una sombra borrosa y apenas discernible.

El gran enemigo filosófico de Blake fue, sin duda, John Locke. Lo leyó muy pronto y desde un primer momento lo convirtió en el símbolo de todo lo que estaba mal en su época. Locke afirma que hay una realidad material completamente separada del sujeto, la cual, de forma accidental, entra en contacto con este. El sujeto, a través de los sentidos, genera entonces sensaciones y, más tarde, por medio de su intelecto, produce reflexiones, es decir clasificaciones de las sensaciones y desarrollo de estas en ideas abstractas, que nos permiten conocer el mundo. Todo esto es, por supuesto, la visión de las cosas aceptada mayoritariamente hoy día en Occidente. Para Blake, en primer lugar, no hay una realidad independiente del sujeto; la naturaleza se vuelve real al pasar a través de la conciencia humana, que crea imágenes o formas. Estas imágenes o formas son el contenido del conocimiento y no son accidentales o mecánicas, sino conscientes e imaginativas (una visión no imaginativa del mundo sencillamente no produce conocimiento). Samuel Johnson, en parte heredero intelectual de Locke, en sus Vidas de los poetas ingleses más eminentes habla sin cesar de «la grandeza de la generalización», y dice que «los grandes pensamientos son siempre generales» y que «nada puede dar placer a muchos, y darlo por largo tiempo, excepto justas representaciones de la naturaleza general». Blake se opone fieramente a esto: «¿Qué es la Naturaleza General? ¿Existe Tal Cosa? ¿Qué es el Conocimiento General? ¿Acaso existe tal cosa? Estrictamente Hablando, Todo Conocimiento es Particular». Las ideas abstractas son para Blake sombras borrosas y falsas que solo conducen al error (conducen a la guerra, llega a decir en varias ocasiones, así como la religión y la represión sexual conducen a la guerra). «La Harmonía y la Proporción son Cualidades y no Cosas. La Harmonía y la Proporción de un Caballo no son iguales que las de un Toro. Cada Cosa tiene su propia Harmonía y Proporción, Dos Cualidades Inferiores en ella. Pues su Realidad es su Forma Imaginativa», leemos en sus anotaciones al margen de Siris, de Berkeley. La «reflexión» de Locke solo sirve para apartar al sujeto del objeto, para reemplazar las cosas reales por los sombríos recuerdos de estas, que en la simbología de Blake se llaman espectros. En Blake siempre aparecen oponiéndose la niebla de las abstracciones y la cristalina claridad de los Minúsculos Detalles.

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William Blake nació en Londres en 1757 y, salvo tres años pasados en Felpham, en la costa de Sussex, no salió nunca de su ciudad natal. Jamás visitó Italia para ver las obras de Miguel Ángel y de Rafael que tanto admiraba pero que, en realidad, solo conocía por copias grabadas. Su padre era fabricante de medias y posiblemente perteneció a una de las sectas disidentes que abundaban en la Inglaterra de la época. Blake creció, según parece, en un hogar no muy estricto donde se leía la Biblia a menudo y donde la experiencia visionaria no era considerada como una rareza. Fue un niño sano y feliz que caminaba muchos kilómetros al día por la verde campiña inglesa, que estaba entonces muy cerca de la ciudad, y que leía todo lo que caía en sus manos. A los diez años, tras haber demostrado aptitudes, comenzó a estudiar en la escuela de dibujo de Henry Pars, y a los quince años entró como aprendiz en el taller de James Basire, donde, durante los siguientes siete años, aprendió el oficio de grabador, que por entonces experimentaba un verdadero boom en Inglaterra y se consideraba muy lucrativo. Es interesante recordar que Blake no fue, como la posterior generación de artistas románticos, un hombre que despreciara el comercio y se mantuviera retirado del mundo de los negocios; él fue un artesano de clase baja-media que vivió y trabajó durante el primer gran periodo de producción en masa en Inglaterra. Se calcula que en toda su vida completó unas quinientas ochenta planchas de grabado, la mayoría ilustraciones para todo tipo de libros de carácter comercial. En 1779 entró en las Royal Academy Schools y comenzó a compaginar sus estudios con su trabajo como grabador. En 1782 se casó con Catherine Boucher, una muchacha analfabeta a la que enseñó a leer y también los rudimentos del arte de grabar. William y Kate son una de las parejas más inolvidables de la historia literaria. Hay una famosa anécdota según la cual un amigo de la pareja que fue a visitarlos, al entrar en el jardincito de los Blake, los vio a los dos leyendo en voz alta el Paraíso perdido de Milton tan desnudos como Adán y Eva. Nunca tuvieron hijos, pero todo hace pensar que fueron felices.

Aparte de un pequeño libro titulado Poetical Sketches y del poema épico La Revolución francesa, que fueron impresos pero no llegaron a salir a la venta, toda la obra poética de Blake apareció en forma de libros iluminados que producía él mismo de forma artesanal y de los que apenas vendió un puñado de ejemplares. La poesía y la pintura estuvieron unidas en él desde el principio y parece que nunca se consideró a sí mismo más un poeta que un pintor. En su juventud ya rechazó la poesía fría y racionalista de Alexander Pope o John Dryden y prefería a los Graveyard Poets, como Thomas Gray, Edward Young, William Collins o Thomas Percy, verdaderos prerrománticos cuya poesía sentimental, lúgubre, llena de temas góticos y a menudo genuinamente visionaria se encuentra en la base de su obra temprana, así como en la de Wordsworth o Coleridge, los grandes poetas de la primera generación romántica. Chatterton y Ossian (traducido, supuestamente, por James MacPherson), por otra parte, eran dos de sus grandes ídolos, y siempre mantuvo que la poesía de ambos era genuina (Chatterton, antes de suicidarse a los diecisiete años, fue autor de poemas que hizo pasar por obras medievales; y la obra del legendario bardo Ossian fue supuestamente rescatada por James McPherson a partir de 1860, aunque la polémica sobre la autenticidad de esos poemas dura hasta hoy: Blake era, sin duda, consciente de todo esto, pero tenía muy claro que la realidad imaginativa de esos poemas era mucho más importante que la datación constatada de los textos). Sin embargo, sus verdaderos maestros son los grandes poetas épicos ingleses de los siglos XVI y XVII.

Así como la historia de la pintura posterior al Renacimiento le parecía un tenebroso declive y él volvía una y otra vez a los maestros florentinos y romanos del Quattrocento, Blake sentía continuamente, como antes que él Collins y Young, el impulso de regresar a la poesía del Renacimiento inglés. Keats, décadas más tarde, llenaría sus cuadernos juveniles de imitaciones spencerianas, y Blake hizo exactamente lo mismo. Edmund Spencer y John Milton eran para Blake los grandes originales perdidos de la literatura inglesa (ambos eran ampliamente despreciados por la literatura dominante en la época, aunque esto comenzaba a cambiar) y en ellos Blake encuentra la visión, los detalles, la grandiosidad y la música que no podía encontrar en otro sitio y que desde un principio quiso hacer suyos. Spencer, en el cuarto libro de su Reina de las hadas, había hablado de Chaucer como si este hubiera renacido en él; Milton dijo «Spencer es mi original», y Blake, seguro de su genio desde muy joven, trazaba una línea genealógica ininterrumpida de la poesía épica inglesa: primero, Chaucer; después, Spencer; luego, Milton, y, por último, él mismo, como sucesivas encarnaciones de un mismo dios. Pero Blake representa un rescate del Renacimiento no solo desde el punto de vista estrictamente literario, ya que el Renacimiento es mucho más de lo que habitualmente se entiende. En palabras de W. E. Peuckert, «el Renacimiento es un renacimiento de las ciencias ocultas y no, como se dice habitualmente en las escuelas, la resurrección de la filología clásica y de un vocabulario olvidado. Lejos de ser esto, su lucha apasionada puso sobre la mesa la recuperación de las “ciencias” muertas o caídas en el olvido a causa del racionalismo escolástico». En la época de Blake, tras un siglo de férreo racionalismo, estaba teniendo lugar una nueva recuperación de esas mismas ciencias ocultas, en una especie de brusca ebullición que parece de alguna forma relacionada con el ambiente de radicalismo político que se respiraba por entonces. Blake leyó ávidamente a los médicos, alquimistas y magos renacentistas Cornelio Agripa y Paracelso, así como los escritos de Jakob Böhme. De Agripa aprendió ciertos términos y relaciones provenientes de la alquimia que perduraron hasta su obra más tardía. En Paracelso encontró, entre otras cosas, un verdadero énfasis en la imaginación que sin duda debió de atraerle: en la filosofía del alquimista de Basilea, la imaginación es el astrum in homine, la «estrella en el hombre», el hombre astro u hombre verdadero, un concepto en parte relacionado con la divina scintilla (chispa) de los gnósticos. Böhme, por su parte, fue también una influencia importante, y en La triple vida del hombre pudo leer pasajes como este, que parece adelantar su teoría de los Minúsculos Detalles: «Si concibes un pequeño círculo diminuto, tan pequeño como un grano de mostaza, el Corazón de Dios cabe completa y perfectamente dentro: y si naces en Dios, entonces está en ti (en el círculo de tu vida) el completo Corazón de Dios indiviso. […] Estás en Cristo por encima del infierno y los demonios». También leyó apasionadamente los escritos de Emanuel Swedenborg, cuya influencia es más o menos perceptible a lo largo de toda su obra, aunque en fecha temprana abjuró de él. Una de sus amistades de juventud fue Thomas Taylor, llamado el Platónico, traductor de Platón, Plotino, Porfirio, Jámblico y Proclo, y en la filosofía platónica y neoplatónica, el verdadero núcleo de todo el arte y la poesía renacentistas, encontró sin duda una confirmación de sus propias intuiciones y de lo que ya había asimilado a través de, por ejemplo, Milton y Spencer.

Con todo, el texto más importante, fuera de su propia obra, para comprender su poesía en todas sus dimensiones es sin duda la Biblia. Blake, como Milton, es un poeta bíblico y gran parte de sus poemas más importantes está formada por una reutilización y una reinterpretación del material bíblico. Su lenguaje, sus imágenes y sus temas centrales provienen de las escrituras, y determinados libros de estas, en concreto, el Génesis, Ezequiel, Daniel, Job, el Cantar de Salomón y el Apocalipsis, además de algunas obras no canónicas como el Libro de Enoc, contienen en cierto sentido casi toda su materia poética y muchos de sus recursos básicos. Por supuesto, Blake hace una lectura simbólica de la Biblia de principio a fin. Era un hombre profundamente religioso y se consideraba a sí mismo, por encima de todo, un cristiano, a pesar de que muy pocos cristianos de hoy en día compartirían la mayoría de sus convicciones. Para él, la verdadera religión estaba basada en la revelación directa e individual por medio de la imaginación y, más concretamente, a través del arte. Para Blake el arte es «la vida imaginativa en su totalidad». «Jesús y Sus Apóstoles y Discípulos eran todos Artistas», escribió, y también: «Benditos aquellos que se muestran estudiosos de la Literatura y de los logros Humanos y refinados. Ellos tienen sus lámparas ardiendo y estas brillarán como las Estrellas»; «La Poesía, la Pintura y la Música son los Tres Poderes en el Hombre para conversar con el Paraíso que no fueron barridos por el Diluvio»; «Pero en la Eternidad, las Cuatro Artes, la Poesía, la Pintura, la Música y la Arquitectura, que es la Ciencia, son los Cuatro Rostros del Hombre»; «Un Poeta, un Pintor, un Músico, un Arquitecto: el Hombre o la Mujer que no es una de estas cosas no es un Cristiano».

Blake negaba que hubiera un infierno eterno y creía en la apocatástasis, es decir en la salvación universal, como Orígenes, y como este, también creía en la preexistencia de las almas a la creación. El Dios de Blake no es un ser lejano y oscuro, sino que es un Dios que está en el hombre y le acompaña siempre. Tampoco creía en la existencia del mal; lo que otros llaman mal, para él era simplemente error. Creía en el perdón permanente de todos los pecados y le parecía que el cuerpo era una fuente de placer y que el placer no podía ser nunca pecado. Creía que la represión sexual era una consecuencia del racionalismo y la religión, que amenazan la visión imaginativa del mundo, y defendía la libertad sexual y la emancipación de la mujer. Aunque participó, muy brevemente, en la llamada Nueva Iglesia de Jerusalén, dedicada a estudiar los escritos de Emanuel Swedenborg, enseguida renunció a ella, pues creía que el hombre en conjunto, es decir en forma de una congregación o de cualquier club, opuesto al hombre individual, solo manifiesta «las Virtudes Egoístas del Corazón Natural» y que ninguna religión organizada podía hacer otra cosa que aprisionar y destruir la pura actualidad de la energía y de la imaginación, que para él eran la verdadera experiencia religiosa. Fue enemigo de cualquier tipo de religión organizada y, particularmente, del deísmo, lo que llamaba la religión natural, por oposición a la revelada, producto de la Ilustración de finales del siglo XVII. El deísmo, desde la perspectiva blakeana, promulgaba un Dios que, tras crear el mundo, se había retirado de su creación, lo que lo convertía en un ser lejano e inescrutable y al universo en un mecanismo de relojería sin vida. Dentro del hombre, según el deísmo, no había nada que pudiera ponerse en contacto con ese Dios, al cual tan solo se accedía mediante el razonamiento lógico.

Los creadores y precursores de esa nueva religión, racionalista, objetivista y determinista, Francis Bacon, John Locke, Isaac Newton, Hume, Rousseau y Voltaire, eran para Blake terribles enemigos a los que atacó una y otra vez en todos sus escritos, aunque no, por supuesto, por defender modos religiosos tradicionales que pudieran poner en peligro, pues Blake, por una parte, no tiene ninguna paciencia con la tradición y, por otra, es un individualista irreductible. Esta es una exposición concisa de sus ideas religiosas centrales: «No conozco ningún otro Cristianismo ni ningún otro Evangelio que el de la libertad, tanto de cuerpo como de mente, para ejercitar las Divinas Artes de la Imaginación. Imaginación: el Mundo real y eterno del que este Universo Vegetativo apenas es una vaga sombra, y en el que viviremos en nuestros Cuerpos Eternos o Imaginativos cuando estos Vegetativos Cuerpos Mortales ya no existan. […] ¡Oh, vosotros, Religiosos, desaprobad a cualquiera de los vuestros que pretenda despreciar el Arte y la Ciencia! ¡Os conmino en el Nombre de Jesús! ¿Qué es la Vida del Hombre sino Arte y Ciencia? ¿Es alimento y Bebida? ¿No es el Cuerpo una Vestidura? ¿Qué es la Mortalidad sino lo relacionado con el Cuerpo, que ha de Morir? ¿Qué es la Inmortalidad sino lo relacionado con el Espíritu, que Vive Eternamente? ¿Qué es la Dicha Celestial sino la Mejora de las cosas del Espíritu? […] ¿Acaso podéis pensar sin pronunciaros de corazón Que Cultivar el Conocimiento es Construir Jerusalén, y Despreciar el Conocimiento es Despreciar Jerusalén y a sus Constructores?».

William Blake escribió muchos poemas líricos maravillosos, pero el centro de su obra son los largos poemas narrativos que escribió a lo largo de su vida y que llamó libros proféticos. Son poemas épicos que describen oscuros y complejísimos dramas entre potencias cósmicas que él llamaba «mis Figuras Gigantes». Quizá es importante aclarar que el concepto de profecía en Blake tiene poco que ver con la predicción del futuro. «Los Profetas en el sentido moderno de la palabra jamás han existido», nos dice. «Jonás no era un profeta en el Sentido moderno, pues su profecía de Nínive falló. Todo hombre honesto es un Profeta. Un Profeta es un Vidente, no un Dictador Arbitrario». El profeta, en el sentido de Blake, es el hombre que sabe comprender lo que se esconde detrás de los hechos aparentes del presente, el que sabe interpretar la realidad y dice aquello que los demás hombres no quieren oír. El concepto de imaginación, central en su filosofía, recibió primero otros nombres en su obra: en un primer momento lo llama genio poético (no exclusivo de los poetas sino común a toda la humanidad) y algo más tarde espíritu de la profecía. Es en este sentido en el que hay que interpretar el término profético, aplicado a sus poemas épicos, como visiones imaginativas de la realidad. El profeta o artista (palabras sinónimas para Blake) interpreta la realidad mediante una obra simbólica que el público debe a su vez interpretar.

Blake define su poesía como una «Alegoría dirigida a los poderes intelectuales y por completo oculta al Entendimiento Corpóreo», pero normalmente para él la palabra alegoría tiene una connotación negativa: «Las Alegorías son cosas Relacionadas con las Virtudes Morales. Las Virtudes Morales no existen […] pero el Tiempo y el Espacio son Seres Reales, un Hombre y una Mujer». Cuando Blake dice que el tiempo es un hombre (Los) y el espacio una mujer (Enitharmon), no hay que inferir un sentido alegórico, sino más bien anagógico, es decir, simbólico en un sentido profundo. Dante habla de cuatro niveles de interpretación: el literal, el alegórico, el moral y el anagógico, y dice que mediante este, el alma sale «de la esclavitud de la corrupción de este mundo a la libertad de la gloria eterna». Mientras que en la alegoría necesitamos traducir continuamente las figuras del poema a conceptos abstractos y, en realidad, dejamos de prestar atención a la textura misma del texto, la interpretación anagógica considera el poema como un todo unitario («Todo Poema debe ser necesariamente una Perfecta Unidad», escribe Blake), necesita la experiencia profunda de cada detalle sensorial y plástico del poema y nos permite aprender, como si dijéramos, el lenguaje mitopoético del autor y, poco a poco, comenzar a leer sin traducir.

A continuación, una lista de los libros proféticos más importantes de Blake pensada para quien se quiera internar en su obra. Blake es un autor difícil, no hay duda, pero hay pocos poetas que merezcan tanto la pena tomarse el esfuerzo de comprender.

Visiones de las hijas de Albion (1793) es una obra muy hermosa y quizás es el mejor lugar para comenzar a leer a Blake. Como libro iluminado es, además, uno de los más exquisitos que compuso. El argumento del libro es sencillo: la doncella Oothoon, estremecida por sus «miedos virginales», se oculta en el valle de Leutha, es decir, en una especie de limbo, hasta que finalmente cobra valor y se decide a entrar en la experiencia, es decir, a descender al mundo. Oothoon arranca una caléndula (que simboliza el placer sexual, la visión imaginativa y la experiencia, y que equivale a una de las manzanas doradas de las Hespérides), la coloca en su pecho y vuela a reunirse con su amado Theotormon. Sin embargo, antes de llegar a él, Bromion «la desgarra con sus truenos». No queda del todo claro si se trata de una violación o de una mera aventura sexual consentida, producto de la nueva liberación de Oothoon, pero las consecuencias son terribles. Bromion, que encarna la razón y las normas morales, necesariamente hipócritas y destructoras de la imaginación, denigra a Oothon y la relación entre ambos pasa a ser de amo y esclava: «¡Contemplad a esta ramera sobre el lecho de Bromion, / y dejad que los celosos delfines jueguen alrededor de la adorable doncella! / Mías son las suaves llanuras de América, y míos tu norte y tu sur; / con mi sello están marcados los atezados hijos del sol; / son sumisos, no se resisten, obedecen al flagelo; / sus hijas adoran terrores y obedecen al violento». La reacción de Theotormon, en lugar de rescatar a Oothoon, es acusarlos a ambos de adúlteros y encerrarse en sí mismo y en sus celos. El lamento posterior de Oothon es un poderoso canto a la libertad y a la irreductible individualidad no solo de toda existencia sino de toda experiencia, lo cual implica que cualquier ley externa al ser humano es inútil y dañina. Oothoon maldice la modestia, la castidad y la religión, e invoca y afirma el placer, el deseo, la libertad y el amor: «Pero Oothoon no es eso, sino una virgen llena de fantasías virginales, / abierta a la alegría y al gozo dondequiera que aparezca la belleza. / Si la hallo en el sol de la mañana, allí se fijan mis ojos / en feliz cópula; si la encuentro en el apacible atardecer, exhausta de labores, / me siento en una ribera y saboreo los placeres de esta alegría nacida libre. / ¡El momento del deseo! ¡El momento del deseo! La virgen / que suspira por un hombre, despertará su seno a enormes alegrías, / en las secretas sombras de su alcoba».

Al final de su lamento, encontramos ese pasaje que obsesionaba a Borges y a Bioy, en el que Oothoon, hablando de sí misma en tercera persona, le ofrece a Theotormon la libertad de compartir su amor con otras muchachas para salir de la prisión de los celos: «Pero Oothoon extenderá redes de seda y trampas diamantinas, / y atrapará para ti muchachas de suave plata o de furioso oro; / estaré a tu lado en una ribera, contemplando su lascivo juego / en grata cópula, dicha sobre dicha con Theotormon» (algunos elementos del poema parecen tomados de las ideas de Mary Wollstonecraft, a quien posiblemente Blake trató personalmente, aunque en concreto estos versos que encantaban a Borges parecen adelantarse a conceptos actuales como la compersion, procedente del poliamor). En Visiones de las hijas de Albion encontramos ya el complejo simbolismo mitopoético en múltiples niveles de las grandes profecías de Blake. Por ejemplo, Oothon, además de representar el rechazo de las leyes y normas terrenales por parte del alma y su apertura al mundo del infinito, que es la imaginación, así como la liberación sexual de las mujeres, oprimidas por siglos de religión y moralismo, es descrita también como «la tierna alma de América», y su historia podría entenderse como una fábula sobre el impulso emancipador de las colonias británicas y un alegato contra la esclavitud de los negros en América, que estarían representados por Oothoon y por las hijas de Albion. Bromion, en ese nivel de significado, simbolizaría al defensor de la esclavitud (una figura muy real en el parlamento inglés en época de Blake) y la moral de una sociedad imperialista que corrompe a los pueblos oprimidos y después los condena por esa misma corrupción. Lo metafísico, lo moral y lo histórico/político convergen en una sola visión poética unificada en las grandes obras maestras de Blake, de las cuales estas Visiones son la primera.

El matrimonio del Cielo y el Infierno es la obra que todo el mundo ha leído y que casi todo el mundo ha malinterpretado. Se ha asociado con cierta vindicación de las drogas o de la ebriedad, con una especie de malditismo satánico y con el sadismo, cuando en realidad Blake apunta en direcciones del todo opuestas. El problema es que Blake utiliza ciertas palabras en dos sentidos opuestos. La palabra infierno, por ejemplo, tiene en el poema dos sentidos, uno real y otro irónico. Hay un infierno verdadero, que se encuentra en el interior de la mente humana (y que todos conocemos), y hay otro infierno, al que Blake llama así de forma irónica, que es la pura energía vital, la fuente del deseo y la creatividad que asciende en forma de árbol y que es el Árbol de la Vida. El primer infierno, el que merece su nombre, sirve, según Blake, para perpetuar la moralidad pública, la religión estatal y el estéril racionalismo, y es el Árbol del Conocimiento del Bien y del Mal, la causa de la caída del hombre. El matrimonio del Cielo y el Infierno es uno de esos libros en los que casi cada pasaje es memorable. Hay, por ejemplo, una inolvidable descripción de cómo el espíritu humano se solidifica en sistemas y acaba destruido y encadenado cuando se transforma en religión organizada: «Los antiguos Poetas animaron todos los objetos perceptibles con Dioses o Genios, dándoles nombres y adornándolos con las propiedades de los bosques, ríos, montañas, lagos, ciudades, naciones y todo lo que sus amplios y numerosos sentidos podían percibir. […] / Hasta que se formó un sistema, del que algunos se aprovecharon para esclavizar al pueblo intentando comprender o abstraer las deidades mentales de sus objetos; así comenzó el Sacerdocio, Eligiendo formas de adoración de narraciones poéticas. / Y al final, dictaron que los Dioses habían ordenado tales cosas. / Así, los hombres olvidaron que Todas las deidades residen en el pecho humano».

Entre los «Proverbios del Infierno», parodia del libro bíblico de los Proverbios, se encuentran las frases más citadas de Blake, como por ejemplo «La senda del exceso conduce al palacio de la sabiduría», que se ha interpretado como un canto a la ebriedad y, digamos, al rock and roll, cuando en realidad es sobre todo una refutación del espíritu clásico griego, que Blake consideraba en cierto modo dañino y uno de cuyos apotegmas centrales era la frase de Solón de Atenas: «Nada en exceso, todo con medida». Otro de los proverbios infernales dice, precisamente: «La exuberancia es belleza». El libro se cierra con el «Cántico de Libertad», uno de los poemas breves más penetrantes y hermosos de toda su obra (en él, por cierto, aparece la primera de las varias referencias a España en la obra de Blake, instándola a liberarse de la influencia de la Iglesia católica: «Dorada España, revienta las barreras de la vieja Roma»).

[julio-viernes]

Escuché hace años "Sabicas Rock Encounter With Joe Beck" pero lo recordaba mal, como un maridaje que no acababa de cuajar en algo satisfactorio. Ahora lo he vuelto a escuchar, en ejemplar tocadito, y creo que buena parte de él funciona muy bien. He leído que el GRAN Sabicas dijo en alguna ocasión que el disco se grabó en 1966 y no vio la luz hasta cuatro años más tarde, y algunas fuentes lo fechan en ese año, pero yo no lo creo así. Estoy de acuerdo con los que piensan que este disco está grabado a finales de los sesenta o en el propio 1970 por su sonoridad eléctrica y sicodélica, por su vibra cargada de fuzz y wah wah. En 1966 ni en broma. Arriba se puede escuchar ese más que interesante disco completo.

El maestro de la guitarra flamenca debió tener un despiste o le falló la memoria. Es curioso, porque leo que Sabicas despreciaba este disco, y parece ser que el gran productor de flamenco y derivados Ricardo Pachón contaba que Sabicas incluso se negó a cobrar los derechos de autor correspondientes. A lo mejor participó por una cuestión monetaria, no lo sé, lo que sí sé es que tanto Sabicas como Manitas de Plata fueron guitarristas muy apreciados por colegas del rock ácido de la Costa Oeste, como John Cipollina de Quicksilver Messenger Service (Montoya es Ramón Montoya y "Paco" podría ser una referencia a un primerizo Paco de Lucía).

Además de Sabicas y Joe Beck, en el LP tocó el bajo un tal Anthony Levin (se supone que el Tony Levin de King Crimson, no está bien documentado), Donald McDonald la batería, Warren Bernhardt el órgano, Diego Castellón la guitarra rítmica española y Domingo Alvarado cantó. A lo que hay que añadir un zapateado que algunos indican que es el mismo que Queti Clavijo bailó en "Abajo el Telón", la película de Cantinflas de 1955, y que hace unos meses @karime2701 atribuyó a su tía Carmen Algaba Amaya “la Chuny“. Bailase quién lo bailase, no tuvieron a bien incluirla en créditos.

Más comentarios interesantes y avispados: "The Bass player is Tony Levin, who began his recording career in 1970. So this album couldn't be record 4 years before :)". p4uloren4to

"I knew the producer, Harvey Cowan. We were introduced in the summer of 1970. He was very excited that this record, which was his idea, was about to be released. So, 1970". PlushToons

"I found this gem searching old recordings of the master Sabicas. What was my surprise when I found Sabicas experimenting jaja (laughing in Spanish), is this the same guy that I remember criticizing Paco's experiments and fusion? Just incredible, but imposible to find in CD or streaming (just here). If this is a 1966 record I would be very impressed because I can see a clear influence of the great Hendrix. The album is from later or Joe Beck was Hendrix teacher, jaja just kidding". espinozagaleas

Merece mucho la pena ver el vídeo de abajo en el que el enorme Sabicas, gitano de Pamplona, explica estupendamente como se inició en el mundo del flamenco cuando sólo era un niño.

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El velorio

Por Marcelo Horacio Dacher

La tarde preanunciaba una fuerte tormenta en los alrededores de San Ignacio. Al pie del Teyú Cuaré, todavía se divisaban precarias canoas, que ignorando el clima se aventuraban en el río.

El paisaje gris y los refucilos en el cielo alertaron a varios tucanes, que desde unas ramas volaron a un lugar más seguro. Cerca de allí, dos lagartos intentaban infructuosamente captar algo de sol sobre las piedras desnudas, cuando las primeras gotas empezaron a caer.

Ese mes de febrero de 1937 había sido particularmente lluvioso. A unos kilómetros de la costa, más cerca del pueblo se encontraba el bar de Ramón González. El sitio era un tugurio, donde se reunían los lugareños para comprar algunas provistas o para llevarse unas buenas borracheras de acuerdo a la altura del mes. Allí también llegaban esporádicamente algunos forasteros, que eran recibidos por su propietario, siempre ansioso de noticias o chismes de la capital.

Sentado en la vereda en un catre improvisado, Ramón vio una gran nube de polvo rojo, que como una puñalada dibujaba una cicatriz zigzagueante en el verde de la selva. Era Porfirio Duarte en su caballo, seguido por una jauría de perros, que se le añadieron en el camino, como si fueran una improvisada caravana. Porfirio se ganaba la vida haciendo changas, cuando la caña se lo permitía o cuando su estómago le reclamaba después de algunos días sin comer.

- Buenas Ramón. ¿Me sirve algo pa’ tomar? vengo de tarefear y tengo el buche seco.

Mientras Ramón buscaba un vaso limpio en una de las repisas del fondo, Porfirio picaba con una navaja oxidada un poco de tabaco para luego enrollarlo prolijamente en una chala que había sacado detrás de su oreja. El humo espeso y catingudo del charoto ahuyentaba hasta los mosquitos más voraces, que a esa hora se hacían un festín. Hombre de pocas palabras, Porfirio tragó con fruición la caña que le habían servido, y espetó una frase que mudó el semblante de Ramón:

- Ahí le avisaron a mi patrón que Quiroga estiró la pata en Buenos Aires.

Ramón se quedó estupefacto recordando las veces que atendió al finado en su bar cuando buscaba alguna provista o viéndolo pasar con la bicicleta en su ridículo traje blanco.

Cerca de una las ventanas estaba “Pedrito”, un loro parlanchín al que apodaban “Pelado” que casi había pasado a mejor vida, en las garras de un tigre hambriento con quién quiso trabar amistad. Al escuchar la noticia voló con desesperación a la casa que había sido propiedad del muerto, a quien había conocido algunos veranos atrás. Allí se encontró con otros animales repitiendo la noticia, tal cual la había oído en el bar de Ramón. En una especie de círculo improvisado en torno a las palmeras del patio, se fueron sumando cada vez más curiosos a medida que la voz se corría como reguero de pólvora en la selva.

Los primeros en llegar fueron los flamencos que nunca faltaban a los casamientos, cumpleaños, bautismos y velorios. Aún se los veía con las patas ardidas y de un color rojo radiante. Quizás por eso se ubicaron lejos de las víboras de coral, que les traían malos recuerdos. Sentados detrás de unos yuyos conversaban un oso hormiguero, un venado y su cría, que hablaban acerca de una pomada que curaba la ceguera provocada por picaduras de abejas. Al lado escuchaban atentos unos coatíes, que fueron amigos de los hijos del difunto, cuando vivían en una pequeña jaula que estaba cerca del gallinero. Como la conversa era mucha y la atención se perdía, Pedrito se dirigió a los presentes haciendo gala de su oratoria y con un tono cuasi gremial refirió:

- Compañeros: hoy estamos aquí porque de alguna u otra manera todos nos hemos relacionado con este hombre y gracias a él viviremos para siempre en sus cuentos. Por ello me parece justo que le rindamos un homenaje, haciéndole un velorio de cuerpo ausente, decretando además tres días de duelo en la selva.

Todos estuvieron de acuerdo y se repartieron las tareas. Las abejas rápidamente fueron en la búsqueda de flores para armar una corona y hasta una de ellas, que tenía fama de haragana, trabajó llevando unas hermosas orquídeas. Los yacarés, que habían cortado árboles con sus colas y fabricado diques en guerras pasadas, hicieron el cajón de madera de lapacho. La lechuza opinó que como en todo buen velorio que se precie de tal, hacían falta unas “lloronas” para darle mayor emotividad a la jornada. Entonces pensó que podía ir al cementerio y contratar almas de mujeres que conocía de sus rondas nocturnas por ese lugar. Bertita, que había sido asesinada por sus hermanos opas y Alicia, que todavía vagaba con su almohadón confirmaron su presencia.

En el río la noticia fue divulgada por las rayas y por los dorados. Cuando el carpincho desprevenido preguntó si alguien se había acordado de avisarle al tigre, la respuesta a coro fue: “NI NUNCA”. La última en caer al velorio fue la tortuga gigante, que en su viaje desde el zoológico de Buenos Aires , llegó casi de madrugada, orientada por las luces de las taca tacas, que oficiaban de improvisados candiles en torno al ataúd. Como era la más veterana y respetada, preguntó en qué lugar lo iban a enterrar. El oso hormiguero sugirió que fuera en las Ruinas de San Ignacio, a las que alguna vez retrató con su cámara y donde había un buen cementerio. Un tucán de gran pico naranja, opinó que era mejor dejarlo en la selva, donde solía perderse por muchas horas. Las diferentes opiniones se escucharon casi hasta el alba, sin que nadie se pusiera de acuerdo. Fue allí que con una voz pétrea y fría habló enrollada sobre sí misma la yararacusú:

-¿Por qué no llevamos el ataúd al río?

Todos se miraron y asintieron con las cabezas, resignados ante la brillante idea que había tenido la víbora. Y para que el cajón no se diera vuelta con la corriente, decidieron poner dentro de él algunas pertenencias del difunto para que hicieran algo de peso. Prolijamente ordenadas colocaron en el fondo sus herramientas de mano, una vieja lata con papeles doblados y una máquina de escribir.

Cuando llegaron a la costa del río, el sol ya estaba en lo alto. Un solemne cortejo de yacarés llevó sobre sus lomos el ataúd hasta el agua y adentrándose en el canal más profundo del Paraná liberaron su carga. La brisa que soplaba desde la costa, empujó el féretro hacia el horizonte ya a la deriva…

[lanuevajerga]

Me gusta Saturno

Me gusta ese momento en que el kojak explota y mi lengua intuye un chicle delicioso, mitad roca mitad goma, que saboreo durante sólo tres segundos, después el tedio, la decepción. La brevedad de lo placentero me turba a veces, como los discos de Sonic Youth.

Me gusta intentar llegar al fondo de las cosas, nunca llego. Es igual que el bombo de la ropa sucia, puede que allí abajo, sepultadas, haya prendas del pleistoceno de mi vida, puede, que sobrevivan cosas que no quieran ser encontradas, que prefieran la soledad, como Jean Baptiste Grenouille, el de "El Perfume", él era feliz en su cueva hasta que aquel estúpido terremoto lo estropeó todo, dejémoslos tranquilos, a él y a la ropa que no quiere ser encontrada.

Me gusta la sensación de saber que he aprovechado el día, que he ayudado en todo lo que he podido y que he dedicado tiempo a mis cosas. A veces pienso en si las moscas tienen aficiones o en si les cambia el humor en función del tiempo.

Me gustan las listas de lo mejor del año en música, libros, series y películas. Según ellas tengo gustos raros, pocas veces encuentro tesoros ahí. Los tesoros no se buscan en estúpidas listas, me digo, van volando como las pelusas de mi cuarto cuando las tiro por la ventana y terminan posándose en algo, cambiándolo para siempre, como los tesoros que a veces se posan en mí sin siquiera saber por donde me han llegado. El mundo no sería el mismo sin mis pelusas, tampoco sin mis tesoros.

Me gusta escuchar flamenco los domingos por la mañana. Los domingos tienen varias vertientes: a veces los siento bonitos, luminosos, otros son sombríos y pesimistas. Pero al final, uno siempre se siente protegido los domingos mientras haya techo, al menos yo. Es un placer sobrevivir los domingos.

Me gusta que llueva y que ya no salga más el sol en todo el día. No te toca, sol. Cuando llegue tu turno dejaré que me bañes despacio, como la otra tarde en la estación, allí estuvimos tú y yo, midiéndonos como forajidos, sin movernos, pensando en que yo te sentía a tí, pero que tú a mi no. Después me dije que sí, que de alguna manera tienes que sentirme, sino nada de esto tendría lógica alguna.

Me gusta darme cuenta de que el tiempo pasa, es peligroso no percatarse de ello. Saber que voy a morir, tú y yo vamos a morir, puede que lleguemos a viejos, puede que no, pero vamos a morir. Entonces me convierto en blandiblú, me vuelvo ágil, divertido, y voy por casa silbando canciones de Kymia Dawson, sería genial que el amor fuera como las canciones de Kymia Dawson.

Me gustan mucho los bajos de Mecano, más aún los de Michael Jackson. Son increíbles, me revuelven, me estrujan cosas. Me pregunto cómo se le ha podido ocurrir eso a alguien, me pregunto por qué no se me ha ocurrido a mí antes la línea de bajo de "Billy Jean", me pregunto si Michael Jackson sabía tocar el bajo, apuesto a que no, tampoco es que le hiciera falta.

Me gusta cómo me siento al volver a casa tras el gimnasio. También le dedico tiempo a diario a mi cerebro. Si nuestros cerebros estuvieran recubiertos de cristal en vez de piel y se pusieran bonitos al hacer una derivada o al leer a Virgilio, el mundo sería un lugar maravilloso, o quizás no, quizás serían los fuertecitos los que tendrían la superioridad moral en vez de los gafapastas. Es complicado saberlo, yo sólo intento hacer las dos cosas por lo que pueda pasar, no ser tibio.

Me gusta como fluye un boli bic azul nuevo por el papel. Me siento como Michael Phelps, nadando a toda velocidad sin apenas esfuerzo, al menos un esfuerzo que se note desde fuera. Seamos bolis bic azules resbalando en celulosa a brazadas americanas, dicen que Michael Phelps no es de fiar.

Me gusta la yerbabuena. Ella me pide que la toque cuando nos vemos, se deja todo, yo también me dejo todo con ella, luego me huelo la mano y me acuerdo de mi abuela, ella usaba yerbabuena. Tengo una macetita de yerbabuena en mi cocina, abuela.

Me gusta que no haya colas en los sitios a donde voy. Esperar, la de cosas que se le han ocurrido a los grandes genios de la historia mientras esperaban o estaban aburridos. Es bueno aburrirse, yo hablaba con los muebles cuando me aburría y me sirvió de mucho, aunque no lo suficiente para tocar como el bajista de Michael Jackson.

Me gusta que sea jueves. Quiera o no este jueves que viene acabará y ya no será el mismo jueves nunca más pero da igual, los jueves hice cosas importantes, me acuerdo muy bien de algunos de ellos. La semana pasada fue jueves y él y yo lo dejamos estar, "no espero nada más de tí - le dije- ya nos dimos suficiente, dejemos que llegue el Viernes".

Me gusta ver amanecer todos los días y confundir las nubes rojas con montañas enormes, me recuerda a "Interestelar": no son montañas, son olas gigantes.

Me gusta el reflejo de tu pelo y que me hagas preguntas que no sé contestar sobre astronomía. Lo único que se me ocurre decirte al respecto es que yo seré Saturno. Los niños nunca olvidan a Saturno porque tiene anillos de roca y polvo estelar a su alrededor, sólo por eso es inolvidable. Los niños se olvidan siempre de Urano. Voy a comprarme un anillo ya pronto porque se me había olvidado que me gustaban, también para parecerme a Saturno y así nunca me olvides.

Me pido Saturno.

Me gusta Saturno.

[zigzagderogeliogarza]

Por:Rogelio Garza

Jaló pal’ otro mundo Juan Brujo, fundador y cantante del grupo Brujeria. Un infarto lo chingó a los 61 años, el mero 16 de septiembre, durante la gira Mexorcista por los rumbos de Ohio. Hace un mes también se peló, por lo mismo, el otro vocalista del grupo, Pinche Peach. Ahora sí, el nahual de sonido que era Brujeria, ser de metal en extremo popular, se quedó sin voz y, valga la redundancia por su célebre mascota, sin cabeza.

Brujeria fue uno de los chistes mejor contados del rock. Un humor matón. Así nacieron, en el desmadre para reírse de la discriminación en la escena metalera en California. En una fiesta estaban los de Faith No More, los de Fear Factory, los Dead Kennedys y Juan Brujo –cuyo nombre entonces era John Lepe–, organizándose para formar un combo de grindcore & gore: Asesino en la guitarra, Fantasma en la batería, Güero Sin Fe en el bajo y el director Diabólico “Jr. Hozicon” en la otra voz. Tipos de allá y de acá dispuestos a reivindicar el metañol como una tropa loca por la que han marchado más de 25 mexicanos, gringos y chicanos, tocando metal atascado y cochambroso acerca de narcotráfico, migración, crimen, ilegalidad, violencia, muerte, sexo, kilos de vísceras, satanismo y zapatismo. Controvertidos desde 1990 con “Machetazos”, el disco Matando Güeros (1993) ostentó una mano sosteniendo la cabeza cercenada y quemada que se volvió su mascota: Coco Loco. Enseguida salió El Patrón (1994), un tributo a Pablo Escobar.

LA IDENTIDAD DE JUAN BRUJO era “secreta”, se mantuvo anónimo con el rostro oculto por un paliacate de la bandera mexicana, la gorra y su inseparable machete. El grupo tampoco revelaba su identidad, no daban entrevistas ni conciertos. Con Raza Odiada (1995), un disco zapatista con el Sub en portada y la canción dedicada al gobernador antiinmigrante Pito Wilson, comienza la expansión que amacizaron con Marijuana (1997), su versión de “La Macarena”, de Los del Río. Luego, otro bongazo: “Don Quijote Marihuana”, el cover ochentero de “Don Quichotte”, de Magazine 60. El pop flamenco y el techno dance quebraron el hábito de comer moronga a diario, fueron sus mayores éxitos.

Su primer concierto fue el 2 de octubre de 2003 en Chicago, 15 años después de formados, la primera misa del Mexicutioner Tour que pasó por Guadalajara. Les gustó salir de gira y cobraron fama mundial, algo raro para un grupo de su calaña. En el 2017 eran estelares del Vive Latino y el Knotfest sin hacerle el feo al Tianguis del Chopo, siempre sencillos y cálidos con los fans. Siguieron Brujerizmo (2000), donde incluyeron a la cantante Pititis, la Bruja Encabronada; Pocho Aztlan (2016), su disco más comercial que llegó al Top 3 Latino en Billboard con su versión de “California Uber Aztlan” de los DK. Entonces sucedió el operativo en la casa de Juan Brujo, los sencillos “Viva presidente Trump”, “Amaricon Czar” y la gira Make America Hate Again lo colocaron en el radar del FBI. El último disco, Esto es Brujeria (2023), cierra premonitoriamente con su “Cocaína” de Eric Clapton. Adiós al Brujo cocainero-marihuanero. Aunque los brujos no mueren tal cual.

[best-travel-guides]

Las mejores ciudades para visitar en Europa

Europa es un continente rico en historia, cultura y paisajes impresionantes. Cada ciudad ofrece su encanto y atracciones únicas. Estas son algunas de las mejores ciudades para visitar, cada una con su personalidad distintiva y lugares de interés imperdibles.

Barcelona, ​​España Barcelona, ​​la vibrante capital de Cataluña, es famosa por su combinación única de arquitectura modernista y gótica. El monumento más emblemático de la ciudad es la Sagrada Familia, una basílica diseñada por el legendario arquitecto Antoni Gaudí. El Parque Güell, otra obra maestra de Gaudí, ofrece impresionantes vistas de la ciudad. Las Ramblas, una animada calle llena de tiendas, cafés y artistas callejeros, es perfecta para un paseo tranquilo. El Barrio Gótico, con sus estrechas calles medievales, es rico en historia y encanto. Las playas de Barcelona, ​​como la Barceloneta, ofrecen un lugar perfecto para relajarse.

Roma, Italia Roma, la Ciudad Eterna, es un museo viviente. El Coliseo, un antiguo anfiteatro, es un símbolo de la grandeza de Roma. El Foro Romano y el Monte Palatino ofrecen una visión del pasado imperial de la ciudad. La Ciudad del Vaticano, donde se encuentran la Basílica de San Pedro y los Museos Vaticanos, incluida la Capilla Sixtina, es una visita obligada. La Fontana de Trevi, donde la tradición dice que hay que lanzar una moneda para asegurar el regreso a Roma, y ​​la Plaza de España también son lugares emblemáticos. Los vibrantes barrios de Roma, como Trastevere, ofrecen auténtica gastronomía italiana y vida nocturna.

Florencia, Italia Florencia, la cuna del Renacimiento, es famosa por su arte y arquitectura. La Galería de los Uffizi alberga obras maestras de Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Botticelli. La Catedral de Florencia, con su icónica cúpula diseñada por Brunelleschi, domina el horizonte de la ciudad. El Ponte Vecchio, un puente medieval bordeado de tiendas, ofrece pintorescas vistas del río Arno. El Palazzo Vecchio y los Jardines de Boboli también son atracciones notables. La rica tradición culinaria de Florencia la convierte en un paraíso para los amantes de la buena comida.

Sevilla, España Sevilla, la capital de Andalucía, es conocida por su baile flamenco, su arquitectura morisca y sus vibrantes festivales. La Catedral de Sevilla, la catedral gótica más grande del mundo, y la Giralda son lugares de visita obligada. El Alcázar de Sevilla, un palacio real con exuberantes jardines, exhibe arquitectura mudéjar. La Plaza de España, con su impresionante arquitectura renacentista, es otro punto destacado. Los animados barrios de Sevilla, como Santa Cruz, ofrecen una muestra de la cultura y la gastronomía locales.

Edimburgo, Escocia Edimburgo, la capital de Escocia, es una ciudad de historia y festivales. El Castillo de Edimburgo, encaramado en un volcán extinto, ofrece impresionantes vistas de la ciudad. La Royal Mile, que se extiende desde el castillo hasta el Palacio de Holyroodhouse, está llena de edificios históricos, tiendas y pubs. La Ciudad Nueva de la ciudad, con su arquitectura georgiana, es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Edimburgo también es famosa por sus festivales, incluido el Festival Fringe de Edimburgo, el festival de arte más grande del mundo.

Cracovia, Polonia Cracovia, una de las ciudades más antiguas de Polonia, es conocida por su núcleo medieval bien conservado y su barrio judío. La Plaza del Mercado, una de las plazas medievales más grandes de Europa, alberga la Lonja de los Paños y la Basílica de Santa María. El Castillo y la Catedral de Wawel, encaramados en la colina de Wawel, son símbolos del Estado polaco. El distrito de Kazimierz, el histórico barrio judío, es rico en cultura e historia. Cracovia también es una puerta de entrada al campo de concentración de Auschwitz-Birkenau, un conmovedor recordatorio del Holocausto.

Oporto, Portugal Oporto, famosa por su vino de Oporto, es una ciudad de calles encantadoras y una cultura vibrante. El distrito de Ribeira, con sus casas coloridas y cafés junto al río, es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. El Puente Dom Luís I ofrece vistas panorámicas del río Duero. La Livraria Lello, una de las librerías más bonitas del mundo, es una visita obligada. Las bodegas de vino de Oporto, donde se puede degustar y aprender sobre el vino de Oporto, también son atracciones populares.

Atenas, Grecia Atenas, la cuna de la civilización occidental, es una ciudad donde la historia antigua se encuentra con la vitalidad moderna. La Acrópolis, con el templo del Partenón, domina el horizonte. El Museo de la Acrópolis y el Museo Arqueológico Nacional ofrecen una inmersión profunda en la historia griega. El barrio de Plaka, con sus calles estrechas y casas neoclásicas, es perfecto para explorar. La plaza Syntagma, con el cambio de guardia en el Parlamento helénico, es un punto focal de la Atenas moderna.

Nápoles, Italia Nápoles, una ciudad con una rica historia y una vibrante vida callejera, es la puerta de entrada a la costa de Amalfi y Pompeya. El centro histórico, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, está lleno de calles estrechas, iglesias y mercados animados. El Museo Arqueológico Nacional de Nápoles alberga una impresionante colección de artefactos de Pompeya y Herculano. Nápoles también es famosa por su pizza, y ninguna visita está completa sin probar una auténtica pizza napolitana.

Venecia, Italia Venecia, la ciudad de los canales, no se parece a ningún otro lugar del mundo. El Gran Canal, bordeado de palacios renacentistas y góticos, se explora mejor en góndola. La Basílica de San Marcos, con sus impresionantes mosaicos, y el Palacio Ducal adyacente son atracciones imprescindibles. El Puente de Rialto ofrece vistas icónicas del canal. Los canales más pequeños y los callejones estrechos de Venecia son perfectos para perderse y descubrir joyas ocultas. El arte y la arquitectura de la ciudad, combinados con su entorno único, la convierten en una visita obligada.

[cristinabcn]

Los caminos de libertad de Rocío Márquez

TERESA FERNANDEZ HERRERA. Periodista, Escritora. Directora Gral. Cultura Flamenca. Prensa Especializada No ha podido ser más significativa la apertura de la décimoctava edición de la Suma Flamenca, que tiene como lema Crisol Flamenco, en la Sala Verde de los Teatros del Canal, con el espectáculo Tercer Cielo de Rocío Márquez y Bronquio. ¿Por qué digo esto? He mirado qué es un crisol en la vida…

[loimslaws]

Un viaje soñado

Mi madre es una mujer hermosa e inteligente, es única e inigualable con ella he compartido todos mis años de existencia. Recuerdo que desde pequeña siempre me mencionaba que su sueño era ir a la Guajira en bus, viajar desde Popayán recorriendo los bellos paisajes de Colombia, haciendo paradas y probando los platos típicos de cada región. El año 2022 fue el año de los viajes, en enero decidí viajar a la Guajira en un plan vacacional de cuatro días, la Guajira se había tornado un sueño para mí también, sin embargo, anhelaba recorrerlo con confianza para después poder cumplir el sueño de mi madre.

En Julio iniciamos la travesía junto a ella, nuestra primera parada fue Santa Marta, la perla de América, donde fue infaltable recorrer el parque de los novios, el rodadero, la plaza de Bolívar y la bahía de Santa Marta donde los vientos siempre soplan a nuestro favor. Seguidamente, continuamos con Riohacha una ciudad encantadora donde se pueden encontrar las más bellas obras en el sendero de la bahía hasta llegar al parque de los cañones donde se encuentra un mensaje en homenaje a cien años de soledad de Gabriel Garcia Marquez sobre mariposas amarillas, seguidamente se encuentra el muelle que inevitablemente te recuerda a la canción del muelle de san blass de mana, pues mientras lo recorres sientes como se tambalea con el choque de las olas en los muros y algunas rocas, hasta que llegas a la Virgen ubicada en el fin del camino con un poco de nostalgia y sentimientos encontrados que no sabría explicar muy bien, también logras apreciar obras artísticas en la arena, en esta ocasión el mensaje divino fue: Dios te ama y el dibujo de una virgen cargando un bebe. Dios siempre busca las maneras de manifestarse  en nuestras vidas mediante personas o lugares, y esta vez no fue la excepción.

Finalmente decidimos iniciar el tour tan anhelado, nos dirigimos a las salinas de Manaure donde se puede apreciar los espejos cristalinos que forman las lagunas de agua de mar rosado gracias a algo denominado artemia salina, es un crustáceo pequeño que se encarga de la limpieza de la salmuera, los guías te explican el proceso de cómo algunos animales como los flamencos rosados se alimentan de este animal y por ello van tomando esos colores. Mientras escuchas a los guías, logras sentir como los rayos de sol penetran cada uno de los poros de tu piel por las altas temperaturas, y deseas encontrar algo que refresque tu piel, nada mejor que sumergir tus pies en la salinas, que son lagos pequeños de agua embalsada en los cuales se forman montañas de sal marina que son como perlas blancas y trasparentosas que pueden unirse y formar grumos pesados, el paisaje es inigualable, las personas son muy amables, cuando terminas de refrescar tus pies te regalan un exfoliante natural y agua para lavártelos.

Los niños siempre se acercan a pedir algo para comer, y esa es la manera en como la vida te hace muchos llamados, en primer lugar a ayudar al prójimo, en segundo lugar a ser agradecido, y en tercer lugar a entender que nuestro lugar por el mundo es efímero y por ello es importante tratar de ser mejores cada día y hacer sentir bien a las personas que nos rodean. Indudablemente nos tomamos algunas fotos con los niños, y fue hermoso ver sus sonrisas y sus gestos de asombro ante cosas que cotidianamente tenemos y poco valor le damos. La despedida fue gratificante y conmovedora.

Seguidamente emprendimos el viaje a las mini dunas, esta son un espacio pequeño de desierto en el cual logras sentirte y trasladarte de forma inmediata a Egipto, la arena dorada y los pies deslizándose entre ella es una sensación indescriptible, a lo lejos se puede apreciar el pilón de azúcar que es una colina supremamente alta.

Después de las dunas nos dirigimos a playa arcoíris donde el mar es de color verde menta, las olas chocan contra las rocas muy fuerte y van formando arcoíris cuando el sol está en su máximo esplendor, es inevitable lograr refrescarte con las gotas de agua que se expanden como resultado del abrazo de las olas a los muros rocosos.

Finalmente nos dirigimos al pilón de azúcar, ahí los vientos son demasiado fuertes y a veces puedes perder un poco el equilibrio, cada paso debe ser fuerte y seguro, sin titubear. Bien dicen que todo lo bueno de la vida despeina, y estar en la cima no fue la excepción. En algún momento pensé que mi madre no iba a querer subir por lo alto que es el lugar, pero sin lugar a dudas es arriesgada y era su sueño anhelado, así que subió hasta la cima con gestos de temor pero también de gratitud y ante todo de felicidad. Desde la cima puedes apreciar dos cielos, el que está por encima de tu cabeza repleto de nubes y pelicanos volando alrededor y el que está debajo de tus pies, un paisaje completamente azul que se pierde en el horizonte y en el que puedes apreciar las olas como diminutas hormigas que parecieran ser inofensivas y abrazadoras.

Finalmente, descendimos hasta llegar a mi lugar favorito: el cabo de la vela. Es el lugar al que denomino “un pedacito de cielo” la arena es dorada y gruesa, cada paso supone deslizarte en las profundidades de la arena caliente, sientes como se te queman los pies, el mar es de color verde menta pero también azul aguamarina, habían pocas personas ahí, podías disfrutar de las olas arrastrándote, y mientras te sumerges en el agua sientes como el mar se lleva tus pesares, tristezas y temores, y todo tu ser se llena de una completa felicidad, alegría, satisfacción y tranquilidad. Es un espacio donde en definitiva te transportas a otro mundo, donde no hay preocupaciones solo eres tú, la personas que amas y la perfecta naturaleza.

Con ello culminamos nuestra travesía, la sonrisa de mi madre siempre es mi mejor regalo. También lo fue el trayecto de lugar a lugar, más que cualquier otra cosa por los aprendizajes y la sensibilidad y humanidad que transformas en tu interior. Mientras viajas, logras percibir los paisajes pero también la pobreza que existe en estas comunidades, la Guajira es un departamento pluricultural, en el cual puedes observar que sus habitantes nativos viven en rancherías que están bastante alejadas unas de otras, ahí duermen en chinchorros que son como hamacas, y en el transcurso del viaje los niños ponen lazos de extremo a extremo para parar los carros y pedir algo de agua o comida principalmente. La mayoría están descalzos y con ropas en estados deteriorados, pero a pesar de eso también los ves sonreír y jugar entre ellos o con los chivos, el cual es un plato típico de la región. En términos de comercio, puedes observar las habilidades de las mujeres representadas en manualidades como los bolsos, manillas u objetos tejidos, y también en la cocina con sus preparativos.

Viajar siempre es una forma de transformarse; la persona que viaja no es la misma que regresa del viaje, y más cuando lo haces con personas a las que amas, una de las mejores formas de demostrar el amor hacia alguien es compartiendo momentos únicos en paisajes inigualables que no necesariamente tienen que ser lujosos.

 La vida misma con sus casualidades y causalidades va guiando tu camino y permitiendo encontrar la verdadera esencia del ser. La Guajira para mi es uno de los destinos más enriquecedores de nuestro país, agradezco a mi madre por fundar ese deseo en mí. He viajado tres veces, y en la última ocasión compartí juguetes, agua y pan a los niños con un nudo en la garganta de que quizá se podría ayudar un poco más, y también pensando en todas las situaciones que podían vivir los niños en estos entornos, pese a eso me queda la satisfacción de que logre aportar un granito de arena y ver las sonrisas de los niños al recibir los juguetes. Siempre es bueno compartir o ayudar a quien deseemos, dando prioridad a nuestra familia y seres queridos quienes también sin darnos cuenta día a día necesitan de nosotros y nosotros indudablemente de ellos.

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HUELGAS ENSAMBLE

BLASIUS AMON: SACRED WORKS

Grabaciones en primicia mundial de exquisitas obras sacras de Blasius Amon, todas ellas joyas ocultas de la polifonía renacentista.

El célebre Huelgas Ensamble presenta Blasius Amon - Sacred Works, un homenaje al compositor tirolés del siglo XVI Blasius Amon (ca. 1560-1590). Niño prodigio formado en la prestigiosa Hofkapelle del archiduque Fernando II, la música de Amon mezcla la intrincada polifonía de la tradición franco-flamenca con las vibrantes innovaciones venecianas que conoció durante sus estudios en Italia. A pesar de su prematura muerte a los 30 años, Amon dejó un notable corpus de obras sacras que ponen de relieve su dominio del contrapunto y su versatilidad estilística.

Este álbum muestra algunas de las mejores composiciones de Amon, incluida la "Missa quatuor vocum pro defunctis", que ejemplifica la polifonía transparente y lineal de la escuela franco-flamenca, y sus "Sacrae cantiones", una colección de motetes que reflejan la habilidad de Amon para fusionar sus raíces polifónicas con las ricas texturas armónicas del estilo veneciano. Huelgas Ensemble da vida a estas obras con su experta interpretación, captando el singular "acto en la cuerda floja" musical de Amon entre dos de las tradiciones más influyentes de la época.

El Huelgas Ensamble es uno de los grupos vocales más destacados de Europa, especializado en la música polifónica de la Edad Media y el Renacimiento. Conocido por sus programas originales y a menudo sorprendentes, el conjunto saca a la luz con frecuencia obras menos conocidas de compositores como Nicolas Gombert, Claude Le Jeune, Johannes Ciconia y Pierre de Manchicourt. Sus actuaciones y grabaciones se basan en un profundo conocimiento académico de los contextos intelectuales y culturales de los periodos medieval y renacentista. Tanto la crítica como el público alaban al Huelgas Ensemble por su vitalidad espontánea y la excepcional pureza de su sonido. El conjunto establece siempre nuevos estándares en la práctica de la interpretación histórica, lo que le ha valido numerosos y prestigiosos galardones, como el Premio Caecilia de la prensa musical belga, el Choc du Monde de la Musique, el Premio Edison, el Premio Cannes Classical de Música Antigua, el Premio Echo Klassik, el Premio Honorífico de la Académie Charles Cros y distinciones de la Unión Europea de Radiodifusión y de la Canadian Broadcasting Corporation. El Huelgas Ensemble recibe apoyo del Gobierno flamenco, la Provincia del Brabante Flamenco y la Ciudad de Lovaina.

Bajo la dirección artística de Paul Van Nevel, que fundó el conjunto en 1970 mientras impartía clases en la Schola Cantorum Basiliensis, el Huelgas Ensamble aborda las fuentes originales con rigor interdisciplinar, prestando cuidadosa atención al contexto histórico, incluida la literatura de época, la pronunciación, el temperamento, el tempo y la retórica. Paul Van Nevel es conocido por su pasión por redescubrir obras olvidadas, sobre todo del vasto repertorio de la polifonía flamenca.

TRACKLIST

CD 1

Missa quatuor vocum pro defunctis      1     I. Requiem aeternam / Te decet hymnus      2     II. Kyrie - Christe - Kyrie      3     III. Graduale. Requiem aeternam      4     IV. Offertorium. Domine Jesu Christe      5     V. Sanctus - Benedictus      6     VI. Agnus dei      7     VII. Tractus. Absolve Domine / Requiem aeternam       8     Magi videntes stellam à 5      9     Tenebrae factae sunt à 4      10   Domine quid multiplicati sunt à 7      11   Miserere mei Deus à 5      12   Parvulus filius à 6     

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Materiales

Materiales prohibidos en las salinas 

Debemos tener en cuenta que no podemos contar con numerosos materiales debido a los argumentos dados anteriormente, algunos materiales prohibidos en las salinas de Isla Cristina son: 

Cemento: está prohibido ya que implica una construcción fija y duradera que podría alterar significativamente el suelo y los sistemas de las propias salinas, afectando el equilibrio del ecosistema. 

Hormigón: las razones son similares a las del cemento, alteraría la morfología del terreno y perjudicaría a los flujos naturales del agua, afectando a la fauna y la flora del terreno. 

Materiales plásticos no biodegradables: los materiales que no se descomponen de manera natural son dañinos para la fauna, especialmente aves (ejemplo: flamencos) que habitan allí en las propias salinas. 

Metales no tratados: ya que pueden oxidarse y contaminar el agua. 

Materiales sintéticos contaminantes: los materiales que liberan sustancias químicas o microplásticos están prohibidos.  

Asfalto: ya que al ser impermeable, no permite la correcta infiltración del agua en el terreno. 

Se busca usar materiales naturales, reciclables o biodegradables para la mejor conservación del espacio natural, sin alterar la naturalidad de dichas salinas. 

Materiales que podemos usar en las salinas 

Teniendo en cuenta que la protección medioambiental en este caso es prioritaria, debemos tener cuidado al elegir los materiales adecuados para minimizar el impacto medioambiental. Algunos de estos materiales permitidos que cumplen ciertos criterios de sostenibilidad, naturalidad y poco impacto son: 

Madera: es un material natural y biodegradable, aunque hay que tener cierto cuidado ya que se trata de una zona de agua salada, por lo que acelera la corrosión, pero hay maderas como la madera de eucalipto que resiste a todo esto. Al tratar la madera con productos no tóxicos respeta el medio ambiente y se integra correctamente en el paisaje. 

Piedra natural: si se utiliza correctamente tiene un bajo impacto en el ecosistema. Es natural por lo que no contamina y puede utilizarse en intervenciones mínimas. 

Materiales reciclados: se permite el uso de algunos materiales reciclados siempre y cuando no contaminen y cumplan con ciertas normas medioambientales. 

Bio-construcción: Materiales de construcción sostenibles como el barro, la arcilla o la cal pueden estar permitidos. Estos materiales son naturales, permeables y no tóxicos, y tienen un impacto menor en el medio ambiente que los materiales industriales. Además, se puede aprovechar el fango que hay en las propias salinas ya que es un material fácil de moldear y cuando seca es duro, resistente e impermeable. A parte de sus características, se puede obtener de allí mismo, lo que abarata los costes de producción. De este mismo material están hechas las salinas por lo que estéticamente se vería armonioso. El fango podría combinarse también con otros materiales como la paja para conseguir un mejor aislante. 

Cañas o fibras vegetales: se podrían hacer pequeñas estructuras con cañas o fibras vegetales de la zona ya que tienen un bajo impacto y se integran con el entorno natural sin dañarlo. 

Tecnologías ecológicas: Materiales y técnicas que promuevan la sostenibilidad, como los techos verdes o los paneles solares, siempre que estén adaptados al entorno y no afecten el ecosistema. 

De todas formas, habría que considerar que antes de elaborar alguna construcción con cualquiera de estos materiales hay que pedir permiso a las autoridades locales para que evalúen el impacto ambiental, asegurándose que la intervención sea lo menos invasiva posible. 

[julio-viernes]

Vamos con algo delicado, posiblemente impopular, o popular, según para que oídos u orejas (depende de lo que se tenga). Es José Feliciano cantando a Steely Dan, "Dirty Work" en concreto, del debut de Dan "Can´t Buy a Thrill" (1972). Lo que tengo claro es que en voz del puertorriqueño (+ orquesta) el tema gana bastante en intensidad y envoltura. Vamos, que la versión es más expresiva y mejor que el original.

Abajo otro tema del LP de 1974 "For My Love...Mother Music" de portada fea fea, como en él era habitual, "The Gypsy", o José Feliciano y Steve Crooper (guitarrista de Booker T. & The MG´s) flamencos con una chispa del Cat Stevens de "Wild World". Steve y José coprodujeron el álbum.