#instalación sonora

[fvigueras]

Silabario, instalaciones sonoras para amplificar trazos | Fernando Vigueras en colaboración con Aura Arreola, Aisha Serrano y Galia Eibenschutz | Centro Cultural de España en México | 19.11.23

[analisisnoticiasonline]

Claudia Sheinbaum va por la consolidación del litio e instalación de paneles solares para fortalecer el desarrollo de Sonora

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[viviendopraga]

La 12ª edición del Signal Festival y el Castillo de Praga se presenta como uno de los eventos más esperados del año en la capital checa. Desde el 10 hasta el 13 de octubre de 2024, la ciudad de Praga será nuevamente el escenario de esta impresionante celebración de la cultura digital y creativa. Donde el arte contemporáneo transformará su arquitectura histórica. El Castillo de Praga como protagonista por primera vez Por primera vez en su historia, el Castillo de Praga formará parte del recorrido del Signal Festival, uno de los mayores festivales de arte visual en Europa. Este año, los organizadores han decidido incluir este emblemático espacio en una de las rutas del festival. Lo que supone un hito importante para esta edición. La ruta por Hradčany comenzará en el Salón de Equitación del Castillo de Praga. Y recorrerá lugares tan icónicos como los palacios de la plaza Hradčany y los Jardines del Sur. Que estarán iluminados y abiertos al público durante la noche. El recorrido finalizará en la galería Kunsthalle Praha, donde los visitantes podrán disfrutar de instalaciones únicas y deslumbrantes. Dos rutas para explorar el arte visual Este año, el festival ofrece dos rutas diferenciadas. La primera, en el entorno del Castillo de Praga y sus alrededores. Y la segunda, que llevará a los visitantes por el centro de Praga y la Ciudad Vieja. En total, se presentarán 22 instalaciones, de las cuales 15 serán de libre acceso. Lo que refleja el compromiso del festival de hacer el arte accesible para todos. Entre las obras más destacadas se encuentra la instalación en el Palacio Šternberk, donde se podrá admirar el trabajo de Jiří Příhoda. En el Palacio Arzobispal, el reconocido artista Filip Hodas ha creado una proyección de videomapping titulada Eternal Recurrence, que utiliza la fachada de este histórico edificio como un lienzo monumental. Obras internacionales y colaboraciones destacadas El Signal Festival 2024 no solo contará con artistas checos, sino también con la participación de creadores de diversos países como España, Estados Unidos, China y Corea del Sur. Una de las colaboraciones más esperadas es la del dúo hispano-danés Desilence, que transformará la Biblioteca Municipal de Praga en un espectáculo visual impresionante con su obra The Rhythm of the Ocean. Esta proyección convertirá la fachada de la biblioteca en un paisaje submarino dinámico y lleno de vida. Acompañando esta instalación, la música de la pionera electrónica Suzanne Ciani, nominada al Grammy, creará una experiencia multisensorial para los espectadores. Este espectáculo busca hacer reflexionar sobre la fuerza y belleza del océano, y su crucial papel en el equilibrio climático del planeta. Una experiencia inmersiva en la cultura digital Este año, el festival también ofrecerá experiencias inmersivas únicas. El Refectorio Barroco del Monasterio Dominicano albergará una instalación sonora a cargo del pionero del arte sonoro Bill Fontana. Su obra Silent Echoes promete sorprender a los asistentes con una experiencia acústica que explora los ecos del pasado en un entorno cargado de historia. Por su parte, el estudio londinense United Visual Artists (UVA) presentará en colaboración con Kunsthalle Praha el proyecto Strange Attractors. Una instalación multimedia que combina péndulos cinéticos con elementos visuales y sonoros que fascinarán a todos los que la visiten. El Signal Forum Una de las novedades de este año es el Signal Forum, una plataforma de formación y networking que reunirá a profesionales del arte, la ciencia y la tecnología. Este foro se celebrará los días 11 y 12 de octubre en el Centro de Arquitectura y Planificación Metropolitana de Praga. Será un espacio donde la innovación y la creatividad se darán la mano para explorar las tendencias más avanzadas de la cultura digital del siglo XXI. Con la participación de líderes de diferentes disciplinas, este foro ofrecerá una oportunidad única para debatir sobre las intersecciones entre el arte, la tecnología y la ciencia.

Para los asistentes al Signal Festival, esta será una oportunidad de oro para profundizar en las ideas que impulsan el festival. Praga iluminada La 12ª edición del Signal Festival que este año contará con el Castillo de Praga, se ha convertido en un referente no solo en Praga, sino en toda Europa. Con el apoyo de la ciudad y del Ministerio de Cultura checo, este evento ha atraído a miles de visitantes desde su creación en 2012. Cada año, el festival invita a los espectadores a redescubrir la ciudad a través del arte y la tecnología, iluminando algunos de los edificios más importantes de Praga. Este 2024, el festival promete ser una experiencia inolvidable. Con el Castillo de Praga como uno de sus nuevos escenarios, la ciudad se llenará de luz, cultura y creatividad. La mezcla de arte digital y arquitectura histórica hará que cada instalación cobre una dimensión única, transformando la forma en que los visitantes ven y sienten los espacios más icónicos de la capital checa. No te pierdas la oportunidad de disfrutar de este espectacular evento en uno de los monumentos más importantes de Praga. ¡Ven y descubre el Signal Festival 2024!

[vitrinanorte]

Lanzan innovador libro que recoge los sonidos de la Antártica

En el marco del Scientific Committee on Antarctic Research (SCAR), la cumbre de ciencia antártica más grande del mundo, se presentó «Antártica sonora«, un libro que combina acústica marina, literatura y arte para ofrecer una experiencia única. 

Esta publicación, disponible en español, inglés y alemán, es parte de un proyecto de divulgación científica internacional que busca conectar a audiencias globales con la riqueza natural del continente blanco.

El libro, escrito por la periodista Andrea Navarro e ilustrado por el diseñador Carlos Denis, comenzó a gestarse en 2022 en Punta Arenas, Chile. Éste narra la historia de una científica y su nieta, quienes gracias a un objeto mágico se teletransportan al continente blanco. Allí, las protagonistas no solo se maravillan con la majestuosidad de la belleza escénica de los paisajes polares, sino que también escuchan algunos de sus sonidos.

Experiencia inmersiva

La obra ofrece una experiencia inmersiva que trasciende las páginas impresas. A través de códigos QR integrados en el libro, los lectores podrán acceder a registros acústicos auténticos de ballenas, focas y pingüinos, entre otras especies. Aquellas grabaciones fueron obtenidas gracias a la instalación de hidrófonos, instrumentos oceanográficos que funcionan como verdaderos micrófonos submarinos.

“Esta iniciativa es un puente entre la acústica marina, la literatura y el arte, disciplinas que se unen mediante la comunicación de la ciencia”, explica la autora del libro, líder del proyecto y directora de Comunicaciones del Centro IDEAL, Andrea Navarro. “Con Antártica sonora, esperamos contribuir a la democratización del conocimiento científico y alcanzar audiencias globales”, agrega.

Por su parte, el ilustrador Carlos Denis afirma que su intención fue «representar la vida submarina de la Antártica de una manera que no solo reflejara el hielo y la nieve, sino también la diversidad de colores y la fauna que habita en este territorio.»

Exhibición itinerante y sitio web interactivo

La publicación fue posible gracias a una colaboración entre el Centro de Investigación Dinámica de Ecosistemas Marinos de Altas Latitudes(IDEAL) de la Universidad Austral de Chile (UACh) y el programa CoastCarb del Alfred Wegener Institute (AWI) de Alemania. La obra también contó con la asesoría científica de los investigadores Diego Filún, Kerstin Jerosch e Ilse van Opzeeland.

El proyecto contó con la colaboración de más de 15 profesionales,incluyendo periodistas, diseñadores gráficos e industriales, desarrolladores web, ingenieros de sonido, científicos, traductores, correctores de estilo y locutores. 

Aunque inicialmente concebido como un proyecto editorial, rápidamente se expandió a una iniciativa cultural más amplia que incluye una exhibición de las ilustraciones originales y el sitio web interactivo www.antarticasonora.cl.

Actualmente y hasta el 26 de agosto, la muestra se encuentra en la Universidad de La Frontera (UFRO) en Pucón, en el contexto del SCAR. Posteriormente, itinerará por diversas ciudades de la región de Magallanes y Antártica Chilena. En Alemania, la exposición será presentada en las instalaciones del Alfred Wegener Institute (AWI) en Bremerhaven.

En el sitio web, los usuarios pueden descargar el libro, interactuar con animaciones de las ilustraciones, escuchar el audiolibro, explorar sonidos de diversas especies marinas y conocer al equipo detrás del proyecto.

“Muchas personas están familiarizadas con la fauna antártica, pero pocos conocen los sonidos que estos animales producen”, explica el investigador del AWI y Centro IDEAL, Diego Filún. “Desde esa perspectiva, Antártica sonora ofrece una oportunidad única para acercar el continente blanco a niños, niñas y al público general”.

El libro se encuentra disponible para descarga gratuita aquí.

[centraldenoticiasmx]

México será ejemplo mundial de la transición energética: Claudia Sheinbaum anuncia instalación de paneles fotovoltaicos en viviendas de Sonora

🖊#Elecciones2024 | México será ejemplo mundial de la transición energética: Claudia Sheinbaum anuncia instalación de paneles fotovoltaicos en viviendas de Sonora +INFO:

[laimaginable]

In-sonora

Hemos participado en la 13ª edición de la Muestra Internacional de Arte Sonoro, Música Experimental y Arte Interactivo, @insonoraproject acogiendo en la nave imaginable la instalación audiovisual de Henry Lamiña (@henry_lamina ) «Ver sin dejarse mirar» ℹ️ Con esta instalación Lamiña explora la idea de interfaz múltiple, el espacio en el que nuestros cuerpos están atravesados y rastreados continuamente por flujos de información, datos y dispositivos electrónicos. 〰️📡〰️

[teoriasparaliticas]

IRIS VAN HERPEN: FASCINACION CENTRIFUGA

Como fue publicado en A*Desk

El siglo XXI nos ha dado algunos de los mejores encuentros entre diseño y tecnología. Pocos desfiles al respecto son tan memorables como Spring/Summer 1999 de Alexander McQueen, donde empezaba a verse en este diseñador alguno de los primeros escenarios de convergencia entre estas dos disciplinas, y la (no tan) incipiente amenaza de lo tecnológico - algo que sería evocado una vez más en su último desfile Plato’s Atlantis (2010).

Ciertamente esto no es algo que sucede a partir de finales del siglo XX ya que la relación entre moda y tecnología es en sí siempre estrecha: el diseño está ciertamente siempre ligado a esta. Pensar en diseñadores como Pierre Cardin y su incorporación del plástico y la esculturicidad en la década de los ‘60s. De igual manera que a comienzos de los 2000 los primeros desfiles del diseñador turco Hussein Chalayan daban cuenta de una línea de interconección muy marcada con diferentes niveles de tecnología que irían en incremento en los años subsiguientes. Ambos ejemplos de cómo aquello que hoy recordamos como low tech ha siempre estado ligado a la vestimenta.

Iris Van Herpen, Snake Dress (2010), Dewi Driegen by Duy Quoc Vo for V Magazine Online

En esta ocasión el museo de artes decorativas de París, propone en “Sculpting the senses” una exposición dedicada al universo fragmentario de la diseñadora holandesa Iris Van Herpen, con un recorrido enfocado en su trabajo de alta costura.

A pesar de estos precedentes, el estilo de Van Herpen es diferente, su visión hacia el futuro se encuentra a un nivel quirúrgico. Su enfoque estético roza el ascetismo, exhibiendo una pureza visual que refleja una profunda exploración del lenguaje arquitectónico más contemporáneo. No parecería haber lugar para la crudeza de ciertos materiales orgánicos, debe ser de este deseo donde afloran los versos sintéticos que dedica al agua y el viento.

Esta aproximación no solo se limita a la técnica y la ejecución basadas en la arquitectura paramétrica, caracterizada por su fluidez, fragmentación y patrones cambiantes, sino que también se extiende a la conceptualización de sus creaciones. Van Herpen es conocida por su capacidad para extraer inspiración de fuentes diversas, llegando a resultados cautivadores, y explorando temas vanguardistas que van más allá de las convenciones tradicionales de la moda.

Iris Van Herpen, de Quaquaversal (2016), Fotografía: Morgan O'Donovan

Pero la sala de operaciones es principalmente oscura - otro desacierto de la museografía - la diseñadora nos es presentada como un enigma, cuya creatividad solo será accesible a través de un proceso de reconocimiento semiológico, como replicando un proceso de ingeniería invertida.

La curaduría propuesta nos expone al trabajo de la diseñadora, confrontado con distintos objetos de arte y diseño intentando explicar cuáles son las fuentes de inspiración y dónde aparecen las relaciones con los diseños allí presentes. En este proceso solipsista todo antecedente histórico, como los ya mencionados trabajos de Hussein Chalayan o Alexander McQueen (con quien además la diseñadora dió sus primeros pasos), son erradicados.

Iris Van Herpen, Cathedral Dress (2012), Fotografía: Morgan O'Donovan

La escultura “Nautilus Penta” (2023) del belga Wim Delvoye, donde (como es habitual en su estilo) catedrales góticas son utilizadas como unidades mínimas siendo superpuestas (y en este caso) torsionadas hasta replicar la concha de este molusco del cual lleva su nombre, contrapuesta al “Cathedral Dress”, presentado en la colección primavera de 2012, donde un proceso similar es llevado a cabo, siendo quizás una de las relaciones más lineales en este esfuerzo por señalar posibles influencias.

A lo largo de la exhibición se percibe un intento de des-sensorialización de los espectadores, una búsqueda por embriagar los sentidos, alterando la percepción con una instalación sonora perturbante: el intento de materializar un efecto sinestésico, en referencia no solamente a la propia condición de Van Herpen, sino también a los temas de sus temporadas “Seijaku” (Otoño/Invierno 2017), donde explora las potencialidades estéticas de la cimática, que estudia la evolución visual de las ondas sonoras como patrones geométricos, y “Sensorie Seas” (Primavera/Verano 2020), donde convergen las teorías neurocientíficas de Santiago Ramón y Cajal, y sus dibujos estructurales del sistema nervioso, en comparación con patrones presentados por diferentes tipos de cnidarios y micelios.

Iris Van Herpen, Entangled Life Dress (2021), foto por Myrthe Giesbers

Considerando justamente el dinamismo y las sensaciones vibracionales evocadas por el uso de las prendas, resulta bastante controversial - a nivel museográfico - la decisión de eliminar casi por completo el movimiento en la exposición de las piezas, siendo claramente esta su condición sine qua non.

Ciertamente esta dimensión semoviente, es esencial desde el germen de su trabajo como puede apreciarse en diseños de su Primavera/Verano de 2010, y repuesta en las esculturas de Kate McGuire y Juliette Clovis.

Iris Van Herpen, de Hacking Infinity (2016), Fotografía: Morgan O'Donovan

Este carácter dado por la ingravidez es esencial en el trabajo de Van Herpen, donde puede reconocerse un prolífico estilo oceanico. Referencias como las siluetas evocadas por Alexander McQueen en su ya mencionado desfile “Plato’s Atlantis” dan cuenta de que la relación acuática no es la única que interesa a la diseñadora, sino toda relación anti-gravitacional, todo dinamismo de la forma que pueda estar relacionado con desafiar las concepciones entrópicas (en un sentido estrictamente físico). Algo que a su vez contrasta con la rigidez y pesantez de otros diseños que hacen clara referencia a los procesos de cristalización y fosilización.

Registro de performance del grupo Between Music durante el desfile Aeriform (2017), Fotografía: Morgan O'Donovan

Lo de Van Herpen es sin lugar a dudas un universo sintético de convergencia entre las fuerzas de la naturaleza y las presiones culturales, reorganizar y reordenar los códigos y órdenes sociales en un estilo donde crinoides y gorgueras puedan copular hasta dar vida a una intrincada mesoglea* artificial. Una simbiosis de alta tecnología y la artesanía de la alta costura, aparecen en bordados reinterpretando patrones micélicos.

En el desarrollo de apéndices tridimensionales, incluso revestidos en latex para imitar pieles de animales mitológicos, formas cócleas, y metales líquidos, los sujetos creados por Iris Van Herpen son cyborgs de cuerpos distantes. Los límites virtuales son evocados en una palpitante fascinación centrífuga, de donde se eyectan barreras sensoriales. Esta virtualidad funciona como un linde holográfico, mutable, tanto tecnológico como biológico: un límite que puede estar allí y ser un abrazo como un arma.

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*La mesoglea es el tejido principalmente acuoso que oficia de hidroesqueleto en animales del filo medusozoa (Medusas).

[zigzagderogeliogarza]

Por: ROGELIO GARZA

Ciudad Satélite fue un experimento urbanístico de los años sesenta que se desorbitó. Mis padres fueron colonos que aterrizaron como personajes de Bradbury al pie de sus cinco torres creadas por Luis Barragán y Mathias Goeritz. El suburbio espacial, diseñado en 1954 por los arquitectos Mario Pani y José Luis Cuevas, concibió una idiosincrasia que hoy es motivo de orgullo local: el sateluco. Aislado de la capital, pero conectado al Chuco, este personaje hizo su propio rock en fiestas caseras y tocadas en el Club Cuicacalli, en el sótano de la Iglesia de Circuito Economistas —entonces obra gris— y en el bar Satélite Rocks. La mezcla de rock progresivo, heavy metal y pop se llamó Sonido Satélite, registrado en discos, casetes, notas de prensa, crónicas y cuentos. 

PERO NADIE HABÍA EMPRENDIDO una documentación formal de esta historia, desde los ochenta hasta hoy, como la del colectivo Satélite M17. Homero Fernández Segura y María José Arteaga son productores culturales que presentaron el corto El Nuevo Sonido Satélite, documental donde participaron el periodista Ricardo Bravo, especialista del rock sateluco, y Adrián Brizuela, generador de proyectos de arte urbano en esta zona. Convocaron a músicos y artistas en el Film Club Café, el epicentro cultural de Satélite, donde grabaron entrevistas con miembros de grupos que tocaron en los ochenta, noventa y dosmiles: Axis, Consumatum Est, El Clan, Camposanto, San Pascualito Rey, hasta la revelación sónica de nuestros días, El Shirota.

El corto es un pilar de algo mucho más grande, pergeñado por Homero y María José desde 2022: el festival-movimiento de arte público, cine y música SM172023, que se llevó a cabo durante agosto con el fin de consolidar una comunidad de artistas emergentes y articular un modelo de producción y gestión artística. Las actividades incluyeron el Andador 23, un encuentro de arte en la célebre Zona Azul de Satélite, en el que ocho artistas realizaron una intervención pictórica en más de 220 metros. También la Declaración 0.1, una gira musical en casas de Satélite que cerró con una fiesta electrónica. En el Film Club Café se presentó la muestra de cine Messier 17 y en el Centro Cultural Ágora del Naucalli se hizo el performance How to climb a mountain, de César Brodermann y Guy Davidson, más la instalación sonora Knock! Knock!, de Víctor Palacio. Todo esto hace de Satélite M17 un parteaguas cultural en este gran rancho de neón.

[museodelasmujeres]

Archivo de la Memoria Trans Córdoba

Desplegar la memoria,  cartografías travestis

Explorar las huellas del travestismo, habitar las historias y los relatos de personas travestis trans de las periferias y las sierras cordobesas. Recuperar las memorias y las reflexiones del ayer que motorizan movimientos y acciones intergeneracionales en el hoy.  El Museo se trasviste, se llena de símbolos y lejos de que el discurso se extravíe,  recupera su propia terminología. De esta manera nace el patrimonio travesti en un recorrido histórico, biográfico, técnico y poético, desde donde resistimos al olvido y al silencio. 

En una instalación fotográfica y sonora, seremos parte del archivo para darle voz y vida a la memoria en este presente.

[makeitasone]

#Argentina #BuenosAires #Chubut #RioNegro #SantaCruz #TierraDelFuego

Instalación de #plataformas #petroleras en el #MarArgentino para #explotación #CostaAfuera/#MarAdentro/#Offshore de #hidrocarburos (#gas y #petróleo):

#Contaminación sonora y #ProspecciónSísmica/#Exploración #sísmica: Un peligro mortal para la #Fauna #Marina/#Costera del Mundo.

Hilo 👇🏿

#Atlanticazo

#BastaDeExtractivismo

#CuidemosElPlaneta

#MarSinPetroleo

#MarLibreDePetroleras

#NoEsNo

#SinAzulNoHayVerde

[zerounotvadri]

GRUTA, PUESTA EN ESCENA DEL COLECTIVO BEZNEI, RINDE HOMENAJE A LAS ANCESTRAS  

Se presentará del 21 al 24 de septiembre en el Teatro Benito Juárez, bajo la dirección escénica de Sandra Govill

El espectáculo multidisciplinario Gruta, propuesta colectiva del grupo Beznei, es un paisaje escénico interdisciplinar que aborda el principio femenino en voz y cuerpo de 13 mujeres morelenses, entre los 19 y 58 años. Se trata de un homenaje vivo a las ancestras, a través de los ciclos del agua como metáfora de los de vida. Es una manifestación activa ante la violencia de género que sacude nuestro contexto, desde un sostén colectivo que resuena por medio del juego y el gozo.

Bajo la dirección escénica de Sandra Govill, la propuesta se presentará del 21 al 24 de septiembre, de jueves a domingo, en el Teatro Benito Juárez de la colonia Cuauhtémoc, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

La puesta muestra los ciclos del agua, la Luna y el linaje femenino, y a tres generaciones que viven en una misma persona. Se trata de un ciclo destinado a repetirse que descubre a su paso la evolución en el cuerpo y la mente femenina de un presente que carga con la memoria de una madre y dos abuelas.

Gruta se nutre de elementos compositivos tanto coreográficos como marciales, teatrales, circenses y de experimentación sonora y vocal, así como de la instalación y la poesía. “Aquí todo palpita, se oyen los ecos de todas las voces: en la Gruta nace, porque es el útero de la montaña”, dice la directora de escena Sandra Govill.

Y agrega: “La gruta es un espacio en las profundidades de la tierra perforado por el agua, donde se generan paisajes minerales únicos. La tierra es la madre; la gruta el útero, las estalactitas y estalagmitas son las memorias, los secretos, los deseos”.

“Surge a partir de explorar los ciclos del agua y su relación con los ciclos de vida de las mujeres, y en ese camino descubrir que somos el resultado mineral de las primeras gotas que perforaron la tierra, de esas primeras mujeres que no contaban sus años de vida, pero cantaban canciones para comprender y comunicar la vida”, expresa Govill, una artista escénica cuyo trabajo destaca por una fusión de las artes marciales chinas, la danza, el juego y la colectividad.

Por ello es que Gruta también es una obra que nos habla de la muerte, de ese proceso inminente y misterioso; es un diálogo entre el espectro de la abuela con todas sus versiones y edades, la abuela que camina sin prisa hacia su trasmutación, hasta convertirse en vapor. 

El espectáculo se rebela al intento de refugiarse en una disciplina escénica formal, funge como un trabajo de archivo y memoria colectiva que abre espacio a diversas narrativas de mujeres migrantes, artistas, amas de casa, maestras, e incluso víctimas de feminicidio, son las historias de vida de ellas, nuestras abuelas. 

La propuesta comenzó a crearse en el 2020, como parte de un proyecto de coreografía de Sandra Govill, apoyado por el programa Jóvenes Creadores, presentando un primer borrador del movimiento Hielo a finales de ese mismo año. En 2021, con un elenco mayor, se pre-estrena el movimiento Agua en el Auditorio Teopanzolco. En septiembre del 2022, a partir de una transformación de la obra a un proceso de creación horizontal y colectiva, se estrenó tanto la versión inmersiva en Casa Alba como la versión a la italiana en el Teatro Ocampo, en Cuernavaca, Morelos.

En la puesta participan las creadoras Abril Atilano, Alejandra Serrano, Eunice Guerrero, Liliana Abundez, Lluvia de Anda, Lúa González, Natalia Todavía, Pilar Guzmán, Sabina León, Sabrina Gutiérrez, Sandra Govill y Valentina Becerril.

En el equipo creativo destacan: en el diseño de iluminación,Balam Sánchez     ; en el vestuario, Sandra Govill y Yolanda Villavicencio, y en el diseño sonoro, Alejandra Serrano (looper, voz, acordeón y cumbia) y Natalia Todavía (violonchelo); en la poesía, Alejandra Serrano, y en la letra de la canción original y voz, Eunice Guerrero.

Gruta ofrecerá funciones del 21 al 24 de septiembre, jueves y viernes a las 20:00 horas, sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00, en el Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc, Metrobús Reforma). 

Admisión: Entrada general, $184. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, visite la página: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx o la aplicación TeatrosCDMX, disponible en los sistemas operativos Android e IOS y en las redes sociales: Facebook @TeatrosCdMexico, Twitter @TeatrosCdMexico e Instagram @teatroscdmexico.

[energiasdelfuturohoy]

Desierto de California: dilema ecológico por desarrollos de energía solar

Los desarrollos de energía solar en zonas desérticas deben ser realizados ,como todos los proyectos de este tipo de energía, luego de profundos y exhaustivos análisis ambientales para garantizar la debida protección a las especies de estos particulares hábitats

El gran desierto de California con su gran extensión y su abundante sol , pareciera contar con todos los ingredientes necesarios para el rápido desarrollo de la industria de la energía solar. Sin embargo esto no es así, y los proyectos de energía solar también suscitan resistencias y , entre estas, se encuentran algunos destacados ambientalistas. ¿Por qué? Veamos.

El escenario de la controversia es el paisaje del desierto del Mojave en California. Aquí , la extensión del territorio permitiría el desarrollo de números emprendimientos de parques solares . De hecho, este desierto ya posee otras instalaciones de energía solar, dos de las cuales son de dimensiones colosales. La de Ivanpah, está ubicada entre Los Ángeles y Las Vegas; y la de Desert Sunlight Solar Farm, se encuentra entre Los Ángeles y Phoenix.

Cada una de estas mega plantas solares, produce cientos de miles megavatios de energía y son parte del compromiso del gobierno de los Estados Unidos para la reducción de las emisiones de carbono. Pero, no todo es color de rosa.

Algunos costos ambientales que no deben pasar inadvertidos

Existen objetivos que, en principio, estos emprendimientos de energías renovables comparten los defensores del medio ambiente. Aunque no siempre, es así. “Hay varios problemas que hacen que en el desierto de California la instalación de desarrollos de energía solar sea un tema complicado”, explicó Richard Miller, analista de medio ambiente en Santa Mónica College, California.

“Ninguna fuente de energía es completamente “gratis” en cuanto a los costos medioambientales y son temas que deben ser analizados en cada caso. Por ejemplo, hoy podemos llevar adelante una discusión seria acerca de los costos de solarizar el desierto”, añadió el profesional.

“Algunos de estos costos para el medioambiente en primera instancia, no se piensan ni se tienen en cuenta. Por ejemplo, para la construcción de las instalaciones hay que pensar en el tráfico de camiones yendo y viniendo por el desierto para transportar el material, lo que implica una importante cuota de dióxido de carbono liberada en durante el proceso y la consiguiente contaminación sonora para las especies autóctonas”

Desarrollo y aplicación de un plan integral de evaluación

Desde luego, y más allá de las emisión de CO2 a la atmósfera está la preocupación por cómo todo el proceso puede afectar a las especies que viven en el desierto.

Para los activistas medioambientales las inquietudes sobre el impacto de los proyectos de energía solar en el hábitat silvestre del desierto, deben recibir un tratamiento integral. Es decir , que se debe asegurar que las decisiones para la aprobación de nuevos proyectos de energías renovables sean tomados teniendo en cuenta todos los factores necesarios para garantizar que su viabilidad no afecte de modo negativo a los ecosistemas desérticos.

Las organizaciones medioambientales sugieren sumar a las evaluaciones, una serie de encuentros y trabajo conjunto con las empresas de la industria de las energías renovables y los grupos nativos y locales, para poder identificar qué zonas deben ser protegidas y conservadas, cuáles deben ser dedicadas a la recreación, y cuáles a los desarrollos de energías renovables.

Buscar las mejores áreas para los desarrollos renovables

“Bajo esta mirada integral se intentará determinar las mejores áreas para el desarrollo de proyectos de energía solar, eólica y geotérmica en el desierto de California”, indicó Martha Maciel, portavoz de Greenpeace California.

El equipo de investigación que lidera el Dr Miller propuso tres criterios fundamentales para encontrar la zona ideal para los desarrollos de renovables:

* Identificar zonas en las que existe poco conflicto con el medio ambiente, la vida natural o silvestre y las comunidades indígenas

* Identificar aquellas zonas de fácil acceso para el traslado de la energía a los centros urbanos

* Identificar aquella zonas que presenten las mejores condiciones para el desarrollo de proyectos de energía solar

Foco en la conservación de especies

Desde el punto de vista de los ambientalistas, las grandes instalaciones solares en sí no son negativas, sólo hay que estudiar bien dónde deben ser ubicadas .

Para tranquilizar a los ambientalistas, el Dr Richard Miller indicó que el plan es profundo y tiene en cuenta a todas las variables importantes para tomar buenas decisiones .

“Una vez que es aprobado el plan”, indicó Miller , “si una empresa de energía solar presenta una solicitud para instalar una planta en una zona que se decidió que se debe conservar , se le denegará todo permiso, ya que el plan estará respaldado por un marco regulatorio legal muy exigente” finalizó el investigador para tranquilizar las aguas.

Originally published at https://energiasdelfuturohoy.com/ on July 7, 2023.

[mishabiesgolas]

Recordoleterlorintorel (con el colectivo Nova Escultura Galega) Fundación Laxeiro, Vigo (2021)

Con motivo del XXV aniversario del fallecimiento de Laxeiro, el Colectivo NEG (Nova Escultura Galega) propone un acercamiento a la figura de Laxeiro a partir de un texto del autor, pronunciado en 1978 en la Galería Torques de Santiago de Compostela. La propuesta, en forma de instalación sonora, realizada expresamente para la Fundación Laxeiro, reivindica la faceta de Laxeiro más irreverente y provocadora, una actitud que definió su relación con el sistema del arte durante toda su trayectoria.

Con esta exposición, la Fundación Laxeiro quiere conmemorar el XXV aniversario del fallecimiento de Laxeiro incidiendo en una de las constantes de su figura, como fue la defensa radical de su independencia como artista y también, recordarlo de una forma que mantenga viva su memoria, esto es, invitando a artistas del momento a reflexionar sobre su figura, retomando en esta ocasión, la relación de la Fundación con la música contemporánea materializada en el Festival internacional que organizó durante siete años. La colaboración con Vertixe Sonora, retoma este compromiso que, en el futuro, se materializará en otros proyectos.

El título de la exposición RECORDOLETERLORINTOREL hace alusión al currículo que ideó Laxeiro para su exposición en la Galería Torques de Santiago de Compostela en 1978, en el que con palabras inventadas hace una crítica sarcástica a la configuración del sistema del arte.

El Colectivo NEG se sirve de esta acción de Laxeiro para llamar la atención sobre la falta de sintonía, que con frecuencia se da entre el mundo de la creación artística y el sistema en el que se inscribe, una circunstancia que parece no haber cambiado mucho desde la época de Laxeiro hasta la actualidad.

A partir de esta idea, NEG propone una instalación en la que las palabras de Laxeiro se van superponiendo hasta conformar una pieza sonora indescifrable, como indescifrable es también el discurso original.

La instalación está compuesta por una galería de personajes realizados con materiales cotidianos y de deshecho, a la manera de los disfraces de los carnavales tradicionales gallegos, presentes en numerosas obras de Laxeiro. Estos personajes están dispuestos en una parte de la sala, a modo de escena carnavalesca y esperpéntica, en una penumbra solamente iluminada por luces estroboscópicas que se activan con el sonido, consistente en una progresiva superposición de voces que van reproduciendo el discurso de Laxeiro, Recordoleterlorintorel, del que el proyecto toma el título.

El resultado se sitúa en los límites del lenguaje escultórico, la instalación y la escenografía, conformando una propuesta con la que NEG formula una recreación del universo laxeiriano desde una actitud desacralizadora del arte, que tiene sus referentes en la tradición conceptual, desde la que encuentra un punto de conexión con la actitud provocadora de Laxeiro. NEG continúa así con su trabajo de reformulación de los materiales escultóricos, la ocupación del espacio y la proposición de retóricas que se sitúan en los límites de la práctica artística, proponiendo un juego entre el estatus del arte, la experiencia de la contemplación y la recontextualización de objetos cargados de referencias, en este caso, de la obra de Laxeiro, con toda la carga cultural implícita, como miembro de la Vanguardia histórica gallega.

NEG (Nova Escultura Galega), fundado en 2018, es un colectivo formado por Misha Bies Golas (Lalín, 1977), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979), Jorge Varela (Allariz, 1971) y Diego Vites (O Grove, 1986).

[elmartillosinmetre]

"Las matemáticas son muy bellas"

[Eduardo Polonio (Madrid, 1941) / JAVIER A. BEDRINA]

Eduardo Polonio, gran maestro español de la electroacústica, acaba de publicar un libro sobre la relación entre música y matemáticas

Lleva casi 30 años residiendo en Valverde del Camino, lo que no le ha supuesto el menor problema en su reputación internacional: “He viajado a todas partes del mundo, más que en mi época de Barcelona. Además ahora con Internet tienes acceso inmediato a todo”. Pese a que ha superado ya la frontera de los 80 años, Eduardo Polonio (Madrid, 1941), sin duda el gran maestro español de la creación electroacústica, mantiene una lucidez, una capacidad de trabajo y un optimismo que parecen inmarchitables.

Acaba de sorprender con este libro en el que establece relaciones entre la música y las matemáticas, y en el que profundiza en cómo nacieron muchas de sus obras justamente a partir de procedimientos matemáticos. “El libro lo tenía hecho desde hace tiempo. Lo fui maquetando mientras lo hacía, y me imprimí un par de copias que dejé en mi biblioteca. Yo pienso que todo tiene su momento. Hay que dejar madurar las cosas, como la fruta. Un día me dije que ya era hora de publicarlo. Llamé a mi amigo José Luis Galiana y al día siguiente me dijo que sí, que me lo sacaba. No tardó ni un mes en tenerlo listo”.

[Las matemáticas, la música y el músico (yo). Eduardo Polonio. Valencia: EdictOràlia Música, 2023. 178 [+ 15] págs. 22 euros.]

Las relaciones entre música y matemáticas se han tratado muchas veces. “En mi caso es una relación compleja, pero también sencilla. Siempre me han interesado mucho las matemáticas recreativas, no la matemática pura y dura, de la que estoy muy lejos, sólo soy un aficionado, me quedé en las integrales, pero sí esos libros maravillosos de Martin Gardner o de Raymond Smullyan… Es la lógica aplicada, el pensamiento lógico. Siempre me ha interesado. Así que en este libro quise plasmar cosas que tenía en la cabeza desde hace mucho tiempo, porque me parecían de una gran belleza. Aunque a muchos les puedan parecer áridas, en realidad las matemáticas son muy bellas. Y quería compartir este sentimiento mío”. Reconoce en cualquier caso que el lector de este libro debe “tener algunos conocimientos matemáticos y de música. Está hecho para cualquiera que tenga un poco de inquietud y curiosidad por las cosas, pero para el que sea totalmente anumérico y no sepa nada de cuestiones musicales, resultará un poco difícil. Los amigos míos del pueblo se quedan un poco aturdidos con estas cosas, porque no tienen conocimientos. Pero qué se va a hacer, es lo que me ha salido”.

Polonio vuelve una y otra vez sobre la belleza de las matemáticas, que le descubrió un famoso libro de “Godfrey H. Hardy, en el que habla de sus relaciones con Srinivasa Ramanujan, el matemático indio que él descubrió cuando trabajaba en un puesto de correo en la India, y se dio cuenta enseguida de que era un genio: de hecho, le daba un 100 a Ramanujan y a sí mismo se daba un 70. Ese libro [Apología de un matemático] me abrió el camino a descubrir la belleza de las matemáticas”.

En la obra, dividida en dos grandes secciones, la segunda de las cuales, ocupada por cinco apéndices, es bastante más extensa que la primera, Polonio reconoce la fascinación que le causan los cuadrados mágicos, y aporta de ellos varios ejemplos, algunos de gran interés, como el que se encuentra en el famoso grabado de la Melancolía de Durero (“es precioso ese, incluso la fecha del cuadro aparece abajo”) o el mucho más complejo de Euler sobre el ajedrez (“ese tiene tela. Me divertí muchísimo resolviéndolo, y creo que mi explicación es clara, pero hacerlo fue difícil”).

[Cuadrado mágico de Durero]

El libro sirve también para profundizar en algunas de sus creaciones. “El fractal de Cantor fue el que me llevó a hacer la instalación sonora Cantor i pols. La conjetura de Fermat me abrió el apetito. 350 años sin demostrarse. Entra casi dentro de lo poético. Una nota en el margen de un libro que estaba leyendo: ahí escribió que había descubierto esto y ahí se quedó durante 350 años; son cosas que a mí me emocionan”. El número U, vinculado a Alan Turing, ha servido para cuatro de sus obras (Usession, Variations U, U flu for fru y Bernabé y Sofía no se fían): “Ahora que estamos con el ChatGPT y la inteligencia artificial en pleno auge, hay que recordar que todo eso viene de Turing. Y el número U me fascinó. Me apropié de él. Es un número tan largo… que empecé a codificarlo, pero me sobraban muchos unos y ceros. Me iba al aeropuerto con todos mis unos y ceros y mientras esperaba el avión seguía codificando el número. Por eso me salieron después tantas obras”. Pi es otro número que generó una obra de Polonio, esta vez escrita para una instalación, L’Arc, cuya composición desbroza en el libro con un análisis muy exhaustivo. “Acababa de mudarme a Valverde desde Barcelona. Todo mi estudio estaba en un container, y lo único que tenía era un ordenador. Me han encargado esta música, pero solo tengo esto, me dije, así que me voy a arreglar haciendo cálculos con el ordenador, que me salga la obra sola. Y así lo hice, pensando en que no tendría que quebrarme demasiado la cabeza y en realidad me la quebré en demasía. Se lo pasé incluso al profesor de matemáticas del instituto en el que yo trabajaba por si había algún error. Me dijo que estaba perfecto. Sólo entonces me atreví a entregarla”.

Otro de los temas que se trata en los apéndices en profundidad es el de la afinación, con las distintas soluciones para la coma pitagórica hasta el hallazgo de la afinación igual, que no fue aceptada tan fácilmente como hoy pensamos. “Hubo su polémica como siempre que sale algo nuevo. Hay quienes no lo admiten y siguen aferrados a lo suyo, y otros que miran hacia delante. El mismo Bach hizo trampitas para que sus obras sonaran como él quería. No faltan hoy los nostálgicos de la afinación natural, y pongo el ejemplo de La Monte Young y esa obra al piano de cinco horas que puede verse en Youtube. Por cierto que todas mis obras citadas en el libro están también disponibles en una lista de reproducción de mi canal de Youtube”.

La pasión de Polonio por la música no se detiene. “Estoy haciendo una pieza electroacústica octofónica, que tiene ya título, Lo que no cesa, pero no sé cuándo la terminaré, porque llevo meses con ella. Probablemente cuando la termine saldrá en un CD junto a las obras más recientes, las escritas entre 2021 y 2023, aunque una está editada ya en mi anterior libro, Del serialismo al multimedia, que me publicó María de Alvear World Edition”.

[Diario de Sevilla. 4-07-2023]

[presionhistorica]

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Durante una mañana calurosa de enero del 2023, una señora barre cenizas en el zaguán de su casa, ubicada en el casco urbano de la ciudad de Campana. La visibilidad es reducida por el humo, y olor es muy fuerte.

¿Cuál fue la sucesión de hechos que acontecieron para que mi vecina barriera cenizas? Presión histórica, es una instalación de registros sonoros e imágenes de archivo, en la que reflexiono sobre la antropología del entorno de los humedales de la ciudad de Campana, y las prácticas sociales que influyen en la recurrencia de los incendios. Busco comprender la percepción y significación histórica atribuibles a este territorio en tanto entorno natural, próximos a ámbitos urbanos e industriales.

Las cenizas que volaron al casco urbano fueron recolectadas colectivamente durante el año 2022 y 2023. Se presentan conservadas en medio acuoso, y al ser tocadas por el espectador, se activan registros sonoros del entorno propio que conformaban y de las actividades humanas que lo afectan. Con las imágenes y videos de archivos aportadas por vecinos, busco desarrollar una posible compresión emocional sobre este entorno en particular.

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Instalación sonora con cenizas provenientes de un humedal recolectadas colectivamente en el caso urbano e imágenes y video de archivos familiares cedidos por vecinos de Campana, Escobar y Cardales. Imágenes impresas sobre papel vegetal y video estéreo.

[lascowboys]

PROCESO DE BÚSQUEDA

1- Experiencia sensorial, sensible e imaginaria. Recorrido o búsqueda sonora, recolección colectiva de sonidos e imágenes de la ciudad de Buenos Aires a partir de un relato de ficción.

2- Materialidades: lo sonoro y lo visual, la mirada y la ficción. Lo imaginario. Cartografía, mapa de un recorrido y un relato. Procedimientos: búsqueda, análisis, grabación, escucha, recopilación, selección, recreación, escritura, dibujo, montaje.

3- Dos experiencias posibles: la primera, un recorrido o cacería sonora, a partir de un relato y un recorrido que direccionan la búsqueda. Segunda opción, instalación participativa sonora donde se escuche un montaje del material de audio y video recopilado durante una cacería sonora previamente diseñada.

4- El interés reside en el ejercicio colectivo de recuperar, recolectar, escuchar e imaginar. Propone formas de conexión con una escucha ficcional a la manera de la niñez, seguir las pistas de un relato que cuenta y escucha historias de la ciudad.

5- Referencias artísticas: antrópolis (instalación), desierto sonoro - valeria luiselli (libro), Diego Echegoyen (paseos sonoros x distintas ciudades), The Midnight Gospel (podcast y serie de netflix)

6- La escucha imaginaria, escucha ampliada, el paseo sonoro, las derivas sonoras, la instalación, la participación del público en relación a la obra, el videoarte, técnicas de registro, el territorio, itinerario, mapeo, vivencia, la errancia, la distancia, la mirada, construccion de espacios de ficción, sonoridades imaginarias, expedición, hallazgos, desenterrar. Yeregui: derivas y paisajes en los confines del territorio.

7- Preguntas/Inquietudes:

Cómo desarrollar una deriva sonora imaginaria / ficcional

Qué plataforma o formato podría resultar del acopio de materiales concretos, visuales y sonoros recogidos en las búsquedas? una instalación? videoarte? instrucciones y mapas para una deriva? audio-guias?

cómo activar puntos reales en el mapa para que sean lugares de llegada o postas con diferentes desafíos?

Juego o performance? participación o "espectación" ?