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jgmail · 4 years ago

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LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL ES LA HUMANIDAD SIN DASEIN

Entrevista a Alexander Dugin de Sofía Metelkina

Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera

La humanidad se enfrenta a una etapa en la que los robots ya no son prácticamente diferentes a los humanos. Los robots desarrollan ahora una ética humana, como en la serie "Wild West", y las personas se transforma gradualmente en androides. Y lo más importante: muchos se quedan paralizados y asombrados aguardando una explicación de alguien sobre cómo "llegamos a esta vida".

El filósofo Alexander Dugin converso con Geopolitika.ru en detalle sobre los orígenes y aspectos filosóficos de la inteligencia artificial. Expresó su punto de vista sobre si el cyborg sigue siendo una creación de Dios, si un "dios informático" es posible y cuál, de hecho, es la diferencia entre un hombre-zombi moderno y un robot equipado con una red neuronal.

Cualquier inteligencia ya es artificial

- ¿Cómo describiría la inteligencia artificial desde un punto de vista filosófico? ¿Cuándo se sentaron las bases de esta idea?

Alexander Dugin: De hecho, el concepto de "artificial" y "natural", en relación con el intelecto, desde un punto de vista filosófico es partido por una línea muy delgada. Porque todo lo obvio, como sabe cualquier filósofo, probablemente está equivocado. Incluso los comerciantes del mercado moderno comprenden que la mayoría siempre se equivoca.

Cuando hablamos de la inteligencia artificial (en adelante, AI, ed.), nos referimos a algo específico, pero partimos del hecho de que existe uno natural. Pero cualquier filósofo cuestionará esta afirmación: ¿qué significa lo "natural"? Es natural no poseer inteligencia, la que está espontáneamente presente y no pone ningún cuestionamiento entre ella y el mundo, es decir, el Logos. Entonces, solo la falta de inteligencia es natural. La presencia de la inteligencia es algo complejo, artificial, porque su función principal es duplicar el mundo que nos rodea con algunas Gestalts, imágenes y, en definitiva, conceptos. ¿Qué es el lenguaje, o el pensamiento, sino la proyección de las impresiones procesadas del mundo externo en una pantalla artificial, o viceversa, la proyección de ideas o imágenes hacia afuera desde algún ambiente apofático interno?

Pero, en cualquier caso, estamos hablando del hecho de que la inteligencia misma es misteriosa. Sus orígenes son muy complejos. Y, por ejemplo, las hipótesis sobre Dios, la religión, el espíritu están conectadas precisamente con la búsqueda del origen de la inteligencia. Es tan antinatural que debe tener una razón especial y sobrenatural. Ésta es la enseñanza de Heráclito sobre el Logos.

La inteligencia misma es, en cierto sentido, artificial, no surge de lo orgánico, de la naturaleza de lo dado. Para los materialistas, esto es una falla en el programa, un pliegue que choca consigo mismo. Existe, en particular, la hipótesis abiótica del origen de la conciencia: de lo inanimado aparece lo vivo, y de lo vivo, lo pensante, y ambas transiciones (no vida-> vida, vida-> conciencia) son extremadamente problemáticas, llevan algo de artificial en sí mismas.

En este sentido, la inteligencia es lo que hace que lo natural sea artificial. Por ejemplo, cuando conceptualizamos una montaña, una lluvia, un pájaro o un árbol, el mismo proceso de comprensión los convierte en algo artificial, en un concepto.

Una persona que no reflexiona sobre la naturaleza del pensamiento es mitad humana, subhumana. La visión tradicional sobre la persona es la visión de un filósofo. Un filósofo es un hombre. En la medida en que no se es un filósofo, no se es un hombre. En consecuencia, una persona tiene una idea para darle al intelecto un análogo mecánico. Creo que esto está relacionado en cierta medida con la aparición de disciplinas como las matemáticas. Pero la ciencia en su conjunto, y la escritura, las letras, los símbolos, los signos, es un intento de crear un lenguaje de código combinatorio para el intelecto.

La cultura es IA. Nuestra inteligencia, que piensa en sí misma, tiende a moverse hacia una red artificial, por ejemplo, un libro. El libro es una forma de IA; especialmente si se trata de la Sagrada Escritura, esta es una especie de computadora global que brinda respuestas a todas las preguntas que son externas e internas a nuestra conciencia. La idea de dar formalismo abstracto a las estructuras del pensamiento y fijar este algoritmo en alguna parte es una iniciativa característica de la humanidad en varias etapas.

Cualquier sistema de escritura y señalización también es IA.

Tomemos, por ejemplo, los grabados rupestres de los bosquimanos (san) de Botswana, Namibia y Sudáfrica. Proyectan sobre las rocas los resultados de experiencias psicodélicas que viven en ritos especiales. En el corazón de esta experiencia del llamado "arte rupestre" son formas de visión entóptica subjetiva primaria. Se basa en el flujo de alucinaciones que se produce entre los bosquimanos (sin tomar drogas psicodélicas) por el método de la respiración holotrópica. Los orígenes de esta experiencia visual entóptica, cuando una persona ve lo que solo él puede ver, que consiste en formas geométricas: triángulos, cuadrados, puntos, cruces, círculos, etc. Este es el lenguaje operacional artificial de nuestra conciencia. Los primeros signos de las alucinaciones de los bosquimanos, que recuerdan sorprendentemente a las pinturas rupestres que se remontan a la antigüedad más profunda, parecen un alfabeto proto-rúnico. Es una especie de lenguaje informático que codifica las profundidades de la conciencia. Hay algo profundamente artificial en la naturaleza misma de nuestra conciencia, y la humanidad está tratando de darle diferentes formas.

El arte rupestre de los bosquimanos es una especie de computadora. Al igual que la escritura es, en sí misma, una computadora, una combinación de signos que se suman a filas de significados, sintagmas de significados.

Podemos recordar tanto a Albertus Magnus como a Raymond Llull, quienes intentaron crear computadoras artificiales, una especie de robots que respondieran a todas las preguntas. Por ejemplo, existía la leyenda de que Albertus Magnus diseñó un autómata: un humanoide perfecto, y su discípulo (el futuro Santo Tomás de Aquino), temiendo al androide como una criatura diabólica (según otra versión, el autómata era una mujer cyborg artificial que discutía con Thomas), lo rompió.

Una idea similar existió entre los alquimistas y magos del Renacimiento: crear un modelo combinatorio que pudiera responder preguntas.

O, por ejemplo, la adivinación (el Libro de los Cambios del I-Ching chino o el sistema yoruba, específico de África). La idea es que cualquier combinación de signos da un cierto mensaje semántico, que se percibe como un oráculo; la arbitrariedad se suma a un sintagma; la adivinación es una operación de inteligencia artificial.

La adivinación en el I Ching es un proceso significativo, un oráculo. Cuando la gente lanza palos, pelotas o dados, esta es una forma simple de adivinación, pero cuando se trata del sistema I Ching o la adivinación Yoruba, cualquier combinación "aleatoria" de elementos semánticos dispuestos en un cierto orden es un oráculo, una declaración secuencial que tiene su propia lógica. Y en este sentido, la IA que se está creando hoy no difiere mucho de pensar en la estructura de la inteligencia que fue característica de la humanidad en diferentes formas culturales y en diferentes épocas históricas.

Así, la IA no es únicamente un desarrollo tecnológico, sino una iniciativa que acompaña constantemente a la humanidad para darle una estructura a nuestra conciencia con un cierto aspecto formalizado. En este caso, la inteligencia puede existir en un medio externo: en las paredes de las cuevas, en la madera, en el pergamino o en el papel. Todos estos son intentos de construir IA, transferir el algoritmo.

Los desarrolladores de la IA moderna (tanto débil como fuerte) siguen esta lógica: es una combinación de secuencias casi aleatorias de elementos semánticos. Recordemos cómo N. S. Trubetskoy definió un fonema en lingüística estructural: un fonema es un cuanto mínimo de sonido dotado de significado. Una combinación de fonemas siempre significará algo. Del mismo modo, una secuencia de signos siempre significará algo: el sinsentido no funcionará, porque cada elemento del Intelecto es un seme, un cuanto semántico, así como cada elemento del habla es un fonema.

Aspectos religiosos del mundo ciborg

- Ahora veamos la IA desde un punto de vista religioso. En repetidas ocasiones ha planteado el tema del transhumanismo. Las tecnologías hacen posible convertir a una persona en casi un rompecabezas: no solo puede reemplazarse una pierna con una prótesis, sino también casi imprimir órganos nuevos en una impresora 3D. También están pensando en experimentos más complejos para reemplazar el cerebro humano con una red neuronal.

Pero el hombre es una creación de Dios. Muchos creyentes comenzaron a hacerse la pregunta: si una persona es reemplazada no solo de forma física, no solo en su individualidad, sino también en su conciencia, ¿seguirá siendo esta red neuronal en la cabeza, en ultima instancia, una creación divina?

Alexander Dugin: Una buena pregunta, pero llega un poco tarde en términos de nuestra reacción religiosa. El caso es que, en la medida en que vivimos en sociedad, ya somos productos de lo que se llama la conciencia colectiva. Esto es de lo que hablaba Durkheim. La sociología muestra que nuestra inteligencia es artificial, en la medida en que vivimos en la sociedad. Al cambiar el paradigma del sistema ideológico en la sociedad, estamos cambiando nuestra conciencia. Al cambiar nuestra conciencia, ya nos estamos alejando de la idea de que Dios nos crea directamente. Dios nos crea, pero la sociedad en la que vivimos nos educa y nos puede dar diversas formas. Incluyendo el hecho de que Dios que nos creó simplemente no existe. Es decir, la conciencia humana se adapta a la codificación. Siempre está codificado, si no es por una sociedad lo será por otra.

El acto puro de la creación del alma humana por parte de Dios es realmente muy complejo. Es extremadamente difícil llegar al fondo de la experiencia. ¿Cómo crea Dios directamente nuestra alma? Nos relacionamos con este momento a través del prisma de la IA que ya existe en nosotros, a través de la sociedad, a través de la ideología, a través de la ciencia, a través de la educación, a través de la crianza.

En la época moderna, todo se construyó de tal manera que se desterró ese momento del destello del alma bajo la influencia del dedo de Dios: este acto se convirtió en un mito, un cuento de hadas, una tontería. Si miras la ciencia moderna (no solo la comunista, donde esto se convirtió en un dogma y donde la idea del origen divino del alma fue quemada con un hierro candente), si miras a la Modernidad, te darás cuenta: todo en ella grita y clama contra este reconocimiento del acto divino. Y esto no sucedió con Google, ni siquiera con la Gran Revolución Francesa, vino con los Nuevos Tiempos. Esto fue tomando forma gradualmente en el marco de la cosmovisión científica, que reemplazó a la tradicional, renacentista y medieval. A medida que la Edad Media y el Renacimiento se alejaron de nosotros, perdimos cada vez más la dignidad religiosa basada en el acto de creación del Dios paterno celestial trascendental del alma inmortal.

Hoy no estamos al comienzo de este camino sino al final, cuando los cristianos bellos y libres son privados del derecho a la libertad de conciencia, cuando la humanidad, que ya hace varios siglos ha sido privada de la libertad cristiana para comprenderse a sí misma y al mundo que la rodea, según el modelo creacionista, crea la inteligencia artificial, construida por los Nuevos Tiempo y nos inserta el microchip. Pero esto no es algo nuevo, es solo un reemplazo para el microchip social de la Modernidad, un procesador cristalino (o cuántico en un futuro cercano). Es solo una actualización del cerebro con actualizaciones de hardware (más rápido y con más memoria).

La libertad, en su comprensión divina, como libertad otorgada al alma por Dios, hace mucho tiempo, ya hace varios siglos, se colocó fuera de la ley, se desplazó a una periferia profunda. Hoy el totalitarismo inherente a la Modernidad está adquiriendo su forma final. Todos entregan su - y libremente - conciencia colectiva artificial y reciben la conciencia 2.0. Sí, este es el fin de la libertad y, de alguna manera, el fin del hombre. Pero... este no es el principio del fin, sino el fin del fin, la conclusión lógica de la Modernidad. Por lo tanto, nos dimos cuenta de algo tarde. Perdimos nuestra libertad cuando matamos a Dios. En la medida en que estuvimos de acuerdo con la Modernidad, estuvimos de acuerdo con la apostasía. Y en esta medida estamos malditos.

Ya hemos perdido - bienvenidos al infierno y al posthumanismo.

Para prevenir lo que está sucediendo hoy con la IA, era necesario al menos hace 300 años ir en una dirección diferente. Y para darse cuenta de esto ahora, es necesario hacerlo en la dirección opuesta. Pero, ¿quién de los cristianos de hoy está dispuesto a realizar esta operación? Los cristianos modernos estudiaron en escuelas soviéticas o liberales, todos tuvieron (de manera autorizada) alguna idea sobre la ciencia moderna, sobre la lógica del desarrollo, sobre la materia, sobre la ciencia y sobre el progreso. Los cristianos modernos son ellos mismos un producto de lo moderno y víctimas de una codificación mental profunda. Son necesariamente modernistas, lo que significa que ya son portadores de la IA. Sí, los cristianos están horrorizados con razón ante la próxima etapa de la apostasía. Pero están siguiendo un proceso anterior: llegamos a la IA no porque algunas personas malvadas decidieran reemplazar a las personas con computadoras. De hecho, hemos estado reemplazando a las personas con computadoras durante 300 años, haciendo que la conciencia humana sea cada vez más manejable, hecha por el hombre, a través de ideologías, a través del sistema de medios, a través de la educación.

Ya vivimos en la matrix, antes de empezar a fusionarnos con otras especies (quimeras) o simulacros electrónicos de redes neuronales. Ya somos en gran parte productos de la inteligencia artificial, y nuestra inteligencia es 99 por ciento artificial, y ya no está controlada por Dios y tampoco por elevados modelos filosóficos. La codificación que está incrustada en nuestro intelecto es completamente oscura, ctónica y demoníaca. Esta es la estación final, última. Nos subimos a este tren hace mucho tiempo, que viaja hacia la IA, a la creación de la matrix y el cambio de la humanidad a la posthumanidad y la raza de los cyborg. Por qué sorprenderse cuando dicen: "Pronto llegaremos a la estación final, prepárense para bajar de los vagones". Entonces nos alarmamos y nos preguntamos a dónde nos llevaban. Pero había que pensarlo exactamente varios siglos antes, tomar las armas y luchar contra la Modernidad, contra Occidente, contra Newton, contra Galileo, contra el sistema solar, contra Copérnico, contra Francis Bacon, contra la tierra redonda y el polvo de estrellas, contra los agujeros negros, las estrellas enanas blancas y los gigantes rojos. Contra los fantasmas y demonios de la Modernidad. Contra el progreso y la democracia, contra la Constitución y los derechos humanos. Contra el rebelde Prometeo y el liberado Lucifer. Contra todo este delirio negro en el que hemos caído, contra la matriz del pensamiento alienante, absolutamente falso.

Perdimos esta batalla y ahora bienvenidos al infierno y al posthumanismo. Es extraño que hemos comprado un boleto para ir a Arzamas (localidad de Rusia, nota del traductor) y, al llegar, horrorizarnos de a donde nos han llevado. Esto solo sucede si una persona se emborracho mucho y no recuerda dónde estuvo ayer, y de dónde salió el boleto y por qué y a qué va.

Por lo tanto, no me sorprende que los cristianos modernos estén horrorizados por esto, sino por qué se horrorizan únicamente ahora. ¿Y dónde estaban en los 30 años anteriores a la locura liberal en Rusia? ¿Dónde estuvieron durante los 70 años del terror intelectual soviético? ¿Dónde estaban en este país ortodoxo en los siglos XVIII y XIX cuando se crearon universidades con una educación científica que enseñaron sistemáticamente a nuestra población esta cosmovisión racional terrorista que condujo a estos naturales resultados? Es como aserrar una rama en la que uno está sentado, no hay necesidad de sorprenderse más tarde de que se caiga. Si vas al infierno y construyes un mundo sin Dios, desafíalo, no te sorprendas que en algún momento te encuentres en la matrix con manos y ojos artificiales, y que los servicios secretos estén hurgando en tu mente, buscando posibles materiales de naturaleza indecente o con posibilidades de comprometerte personalmente en un acto terrorista contra los derechos humanos. Lo hicimos nosotros mismos, es solo la siguiente fase final.

Por lo tanto, realmente no entiendo este estupor frente a la IA, que mucha gente tiene hoy. ¿Dónde habían estado antes? Es solo un paso más. El último. El tren no llegará más lejos.

Dios es real y Dios está en la fe

- Puede continuar con su pensamiento: incluso el mismo Dios está siendo arrastrado a esta matrix. El exingeniero de Google, Anthony Lewandowski, incluso tuvo la idea de crear un Dios basado en la tecnología de la inteligencia artificial. Como nuestro mundo ya es virtual, pongamos a nuestro dios allí.

Alexander Dugin: El gran filósofo y metafísico musulmán, la figura más grande del sufismo, Ibn Arabi, tuvo la idea de dividir a Dios en dos: "el Dios actual" y eñ "Dios que vive en la religión". El "Dios que vive en la religión" también es Dios, pero es creado como una construcción social, un concepto. Por lo tanto, no es sorprendente que la IA también esté tratando de crear su propio "dios de las computadoras", y sea tan válido como cualquier otro. Desde un punto de vista sociológico, lo que la gente cree ya existe en virtud de esa creencia.

Es interesante que Ibn Arabi no diga que existe un Dios realmente existente, sino que hay un Dios inexistente, inventado, que vive en la fe. Desde su punto de vista, existe tanto esto como aquello, solo que tienen un estatus ontológico diferente. Existe un Dios que no depende de lo que piensen de él y existe otro dependiente de eso. El que no depende, que está más allá, que es más profundo, es ontológicamente primario. Y el Dios que depende de los sacrificios y de las alabanzas, de las alabanzas y del incienso, es más bajo y está más relacionado con el hombre. Si existe la fe, está vivo, si no, muere. Eso es exactamente lo que tenía en mente Nietzsche.

No estoy diciendo que puedas crear a Dios. Aunque, de hecho, es posible crearlo: Dios existe, y al mismo tiempo la gente lo crea por la fe, y por la falta de fe lo mata. Recordemos las palabras de Nietzsche: "Dios ha muerto, lo hemos matado, ustedes y yo". Esto es cierto: Dios, que vive en la fe, vive mientras haya fe. Cuando no hay fe, muere. Por lo tanto, la inteligencia de la computadora bien puede crear una Razón por sí misma: habrá un dios de la computadora y tendrá su propio estatus definido en este sistema epistemológico y cognitivo. La computadora, como los deístas de los tiempos modernos, bien puede plantear la pregunta: ¿de dónde soy? Y la respuesta es de "Dios", de "mis dioses”. Descartes hizo precisamente eso. Fue uno de los primeros ordenadores. Kant era más perfecto, y así sucesivamente. En Nietzsche, sin embargo, el sistema funcionó mal, el ordenador se congeló.

Otra cuestión es si esto afecta a Dios, que es en sí mismo. Por supuesto que no. Podemos recordar la fórmula de Epicuro: los dioses que viven en los intermundos. Los dioses son felices, pero las personas no, dice Epicuro, por lo tanto, para no estar molestos, los dioses deben vivir en un estado en el que no les importen las desgracias humanas. Por lo tanto, no entran en contacto con el ser humano de ninguna manera. Resulta que el Dios, que no depende de ninguna manera de la fe de las personas, habita en un espacio donde nada (ni la fe ni la incredulidad) lo afectan.

Y aquí está nuestra tarea. Para nosotros es importante que Dios viva en nuestra fe. Puede prescindir de nosotros fácilmente. No podemos prescindir de él, o, mejor dicho, no queremos. Y alguien lo quiere y puede. Y en teología, este "alguien" tiene un nombre. Este es el punto: en principio, el Dios que vive en la fe es en cierto sentido más importante que Aquel que no depende de ella. Y nuestra tarea es acercarlo más, hacernos creer en el Dios vivo, y no solo en el dios ídolo. Este es el punto. Esta es una línea muy delgada, porque una persona fácilmente convierte a un Dios vivo en un ídolo, y un ídolo puede cobrar vida (y con frecuencia vuelve a la vida). Hay una especie de teúrgia en esto, incluso de magia oscura en cierto sentido. Pero la religión siempre es un riesgo, el mayor riesgo. Este es un asunto muy difícil. Difícil y peligroso. Creer en una cosa, responder otra. Para llegar a ese Dios único y verdadero, tienes que pasar por pruebas muy difíciles. Y no necesariamente todo se verá coronado por el éxito.

Vivo / muerto, ídolo / deidad real, deidad dependiente / independiente de las personas: hay una dialéctica muy sutil en todo esto. Por lo tanto, no veo nada sobrenatural en el surgimiento de un "dios de la computadora". Hobbes tiene al Leviatán: este es un dios-Estado artificial, un dios político. Y lo adoramos hoy totalmente, ya que reconocemos la soberanía política. El Leviatán es válido porque nos arrodillamos ante el estado y le dejamos matar, reconocemos el derecho a la violencia legítima. La violencia estatal ni siquiera es violencia, ya que la violencia legítima no es violencia. Por lo tanto, le damos al estado el derecho de cumplir con las funciones de Dios. Los ídolos pueden cobrar vida.

Los dioses de la globalización

El Estado-nación moderno es un dios político según Hobbes y dentro del marco de la ciencia política clásica.

También hay dioses globalistas con la cara de bruja de Hillary Clinton, o que participan en los desfiles del orgullo gay y en los eventos feministas, o Soros. Son los verdaderos dioses de la globalización: dicen lo que es políticamente correcto y lo que no, toman sus propias decisiones sobre lo que es aceptable y lo que no. Los dioses del liberalismo, viven en una religión liberal. Y esta secta tiene un gran rebaño desde un programador hasta el jefe de Sberbank. El usuario medio también está bajo su hipnosis.

Los dioses pueden ser diferentes y, de hecho, hay un "dios de la computadora": este es el siguiente nivel. un dios con el rostro de Zuckerberg o Macron. Cuando miro a Macron, me recuerda a una cortadora de césped de nuevo orden, está hecho de electrones, las bombillas se encienden y apagan. Incluso si miras sus ojos, parece que en el iris puedes ver chispas que parpadean microscópicamente de vez en cuando. Por lo tanto, si Macron no es el dios de la inteligencia artificial, podría ser el profeta de un dios electrónico: ama tanto el futuro, iluminando con su presencia sin sentido a una gran cantidad de migrantes que apenas entienden la gramática francesa. Curiosamente, en vísperas de las elecciones en Francia, el periódico "Liberation" salió con un gran titular: "¡Faites tous ce que vous voulez, votez Macron!" Esta es la ley principal de la secta del "Thelema" de Aleister Crowley: "¡Haz lo que quieras, esta es la ley!" ¡Ahí está Macron! "

La única diferencia entre los humanos y la IA

- ¿Admite la situación de que no habrá humanidad? ¿Qué, como en una distopía, solo quedará el espíritu de la IA, flotando sobre el agua?

Alexander Dugin: Difícil de decir. Quizás no quede nada de lahumanidad...

¿Qué tiene la IA? En general, posee todo lo que posee una persona. ¿Cuál es la diferencia real entre los humanos y la IA? Ni la biología ni la vida: todo esto puede imaginarse como un conjunto de procesos químico-físicos y reproducirse (en esto se basan las impresoras 3D del futuro, que pueden imprimir incluso un erizo, incluso un hígado). El secreto de la existencia biológica se puede encontrar a través de la ingeniería genética.

Entonces, ¿qué le falta a la IA? No tiene el Dasein. Esto es muy importante. Cuando el Dasein, según Heidegger, existe sin autenticidad, como Das Man, se constituye a sí mismo como su propia oposición, como la IA. La inteligencia artificial es el Das Man. Y si el Dasein existe de forma inauténtica, entonces por esta existencia se cancela a sí mismo. Pero, a diferencia de la IA, el Dasein, incluso en la forma más extrema de existencia inauténtica, cuando es completamente indistinguible del Das Man, siempre tiene la oportunidad de cambiar su modo. Es decir, existir auténticamente. Esto sucede cuando una persona se enfrenta a la muerte, al sufrimiento. No siempre, pero en algunos casos críticos, este cambio puede suceder. Y el Dasein puede recordarse a sí mismo (¡el Dasein, no el intelecto!) Y cambiar el modo de existencia de inauténtico a auténtico. Incluso si una persona pasa toda su vida profundamente inmersa en las estructuras de la vida cotidiana, en el Das Man, incluso si es indistinguible de una máquina, todavía difiere, solo en una cosa: puede despertar, puede entrar en el ser hasta la muerte.

Pero en la IA, esto ya no es posible. La IA es la absolutización del Das Man que ya no puede plantear el problema de la muerte. Dado que, según Heidegger, la existencia auténtica es el ser-para-la-muerte, entonces el ir "hacia-la-muerte" sólo puede ser portador del Dasein. Quien no sea portador del Dasein es, en cierto sentido, inmortal, y la búsqueda de la inmortalidad física, que ahora es el tema principal de los desarrollos posthumanísticos (incluidos los tecnológicos, por lo tanto, experimentos criogénicos y mucho más) es una búsqueda de cómo la humanidad puede deshacerse de él, de su núcleo existencial, es decir, del Dasein.

¿Qué es la IA? Esta es la humanidad sin Dasein. Pero el Dasein, dirán muchos, es una pequeña pérdida. No está claro qué es, está en alemán, es vago y difícil, esto es lo que se horroriza en su propio fin. Bueno, no se horrorizará, porque lo suyo no tendrá fin, ¿y qué? Según Heidegger, la esencia del hombre está en su limitación, su finitud. Bueno, no habrá extremos, lo bueno, el bien. No habrá Dasein, y al diablo con ello. No habrá existencia, y bueno…

El Dasein, cuando no es auténtico, es muy similar a la IA. Pero tiene la oportunidad de cambiar este proceso. Cuando migremos a la IA, a los mundos virtuales, no tendremos esta oportunidad. Y la pérdida no es grande, dicen los ciudadanos, que, en principio, viven como si no existieran en un régimen auténtico. Y no se trata solo de personas malas como Hillary Clinton o el maníaco George Soros. Se trata de toda persona que está inmersa en las estructuras de la vida cotidiana. Pueden salir de ellos por ahora, pero no quieren, se siente bien de todos modos.

Estos peces de aguas profundas tienen la oportunidad de nadar, de hecho, para respirar aire. Y los coches no tienen esa oportunidad. Son solo mar profundo, eso es todo. Ellos son el fondo. Aquí es donde se encuentra la profundidad plana frente a un programa de computadora. De hecho, en la transición a la IA, perdemos un poco en comparación con lo que tenemos ahora. Por supuesto, si tomamos la civilización sagrada, donde todo se construyó sobre un régimen auténtico (al menos, con el deseo de un régimen auténtico), perdemos mucho. Además, lo estamos perdiendo todo. Pero comenzamos a perderlo todo gradualmente. El proceso de los Nuevos Tiempos es una transición gradual hacia la civilización de la tecnología. Después de todo, la tecnología es metafísica, dijo Heidegger. La técnica es la creciente alienación del modo de existencia del Dasein de la autenticidad a la inautenticidad. Acumulamos esta existencia no auténtica hasta tal punto que estamos completamente atascados en la falta de autenticidad y somos casi incapaces de abrirnos paso hacia la autenticidad. Pero aquí la palabra "casi" tiene un significado. "No podemos casi" es el hoy; "no podremos" es mañana.

Por lo tanto, la diferencia entre los humanos y la IA, entre nosotros hoy y mañana, es muy pequeña. Prácticamente lo mismo. Lo que hacemos lo pueden hacer las máquinas. Solo que somos peores, más débiles. Son más divertidos y rápidos. La IA calcula mucho más rápido, comprende mejor, etc. La diferencia es muy pequeña, no hay nada para entrar en pánico: la humanidad degenerada de hoy ni se dará cuenta de cómo acaba ahí, porque no hay nada que notar, no hay aparatos. Simplemente será reemplazado, a medida que se reemplacen los pasaportes o tarjetas. Y ni siquiera se dará cuenta: no le pasará nada a la persona promedio (o más bien, no podrá darse cuenta de lo que sucederá). De todos modos, le suceden casi las mismas cosas: por ejemplo, los Estados nacionales se disuelven. Viviste en Francia, no te diste cuenta y estás en la UE, por lo tanto, vivirás en un mundo global y no llegaras a notarlo. Una vez fui un hombre y ahora eres un dispositivo. Está bien, te explicarán que esto es un progreso y que debería ser así.

Por otro lado, pasará lo más importante. Una persona se verá privada de ese elemento microscópico, completamente innecesario en sí mismo, que nunca usa. Imagina que tienes algo que no conoces. ¿Qué pasa si te lo quitan? Nada, ni siquiera lo notarás. Pero esto es exactamente lo que el Evangelio llama una piedra que los constructores no usaron. En fin, esta es la piedra angular. Es la más valiosa, pero simplemente fue descartada, porque los constructores construyeron todo sin él. La tiraron y la olvidaron.

Y estamos perdiendo esta piedra. Esto es algo muy sutil. Pero, de hecho, lo que se nos quita y que no conocemos es lo más importante. Por lo tanto, lo que está sucediendo en el presente y sucederá en el futuro es realmente aterrador. Pero causa miedo a alguien que todavía tiene algún órgano que pueda sentir terror. Si no está ahí, entonces no hay nada para experimentar horror. Porque existe... esto es, en principio, el horror. Y si el status quo es normal para nosotros, "surgirá", entonces la siguiente etapa que será normal. También "está bien". Debemos enfrentar la verdad: nadie sentirá nada. Es como la eutanasia, todo estará muy bien. Te quitan lo que de todos modos no es necesario. No estará ahí. Aunque esto es lo más importante.

#inteligencia artificial #Alexander Dugin #entrevista #tecnología #Dasein

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ludovicoph-blog · 5 years ago

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Lillian Bassman

Fotógrafa estadounidense nacida el 15 de junio de 1915.

Sus padres eran emigrantes intelectuales de Ucrania (en ese entonces Rusia) y se establecieron en Brooklyn, Nueva York. Estudió en Textile High School con el artista Alexey Brodovitch.

Trabajó como fotógrafa de moda para Junior Bazaar y más tarde en Harper's Bazaar. Bajo la dirección del emigrante ruso Alexey Brodovitch ella comenzó a fotografiar a sus modelos en blanco y negro. Su trabajo fue publicado en su mayor parte en Harper's Bazaar. En la década de 1970, el interés de Bassman por la forma pura en su fotografía de moda era obsoleta lo cual abandona la fotografía de moda y se dedicó a proyectos personales y al hacerlo arroja 40 años de impresiones y negativo que era el trabajo de gran parte de su vida. Tiempo después, un bolso olvidado lleno de cientos de imágenes fue descubierto en 20 años después. Su trabajo fotográfico comenzó a ser revalorizado en los años noventa. Las cualidades más notables de su trabajo fotográfico son los altos contrastes entre la luz y la oscuridad, la granulación de las fotos terminadas, la ubicación geométrica y los ángulos de la c��mara en los sujetos.

Fallece el 13 de febrero de 2012.

DATO: Conoció a su esposo el fotógrafo Paul Himmel en Coney Island a los seis años. Se reunieron de nuevo a los 13 años y comenzaron a vivir juntos cuando ella tenía 15 años. Se casaron en 1935 y tuvieron dos hijos. Himmel murió en 2009 después de 73 años de matrimonio.

#Lillian Bassman #fotografía #mujer #photography #woman

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sucede-es · 2 years ago

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Elementos ubicuos organizados en composiciones intrincadas y coloridas por Adam Hillman

Los objetos cotidianos se mezclan en composiciones meticulosamente organizadas en el trabajo de Adam Hillman, quien tiene una habilidad especial para organizar elementos como monedas, frutas y verduras, palillos de dientes y llaves en vibrantes planos.

Inspirándose en las texturas, el color y los degradados, el artista responde a las cualidades táctiles de cada material para dar formas geométricas a pajitas tejidas de forma intrincada, monedas apiladas y cereales para el desayuno.

Puede encontrar más del trabajo de Hillman en Instagram y comprar impresiones en Society6.

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jaimeariansencespedes · 3 years ago

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03 – HISTORIA DEL ARTE – FICHAS (25-43) -

025 – Al tiempo, la danza, el movimiento rítmico, supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos, o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas).

026 – En principio, música y danza tenían un componente ritual, celebrados en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa.

027 – Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos, cañas, troncos, conchas) para producir sonidos, mientras que la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.

028 – NEOLÍTICO – Este periodo – iniciado alrededor del 8,000 aC. en el Próximo Oriente – supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano, que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería, surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión.

029 – En la pintura levantina – datada entre el Mesolíticoy el Neolítico –se dio la figura humana, muy esquematizada, con notables ejemplos en El Cogul, Valltorta, Alpera y Minateda. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas, Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue.

030 – La pintura neolítica solía ser esquemática, reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz, la mujer en forma triangular).

031 – Son de destacar igualmente las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina, especialmente la Cueva de las manos.

032 – En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial, decorada con impresiones de conchas (cardium), y apareció el arte textil.

033 – Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar, el cristal de roca, el cuarzo, el jaspe, etc.

034 – En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística, destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó), Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia).

035 – EDAD DE LOS METALES – La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales, pues la utilización de elementos como el cobre, el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades.

036 – En el llamado calcolítico surgió el megalitismo, monumentos funerarios en piedra, destacando el dolmen y el menhir, o el cromlech inglés, como en el magnífico conjunto de Stonehenge.

037 – En España se formó la cultura de Los Millares, caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos.

038 – En Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra, Tarxien y Ggantija.

039 – En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica, con diversas tipologías de monumentos: la naveta, tumba en forma de pirámide truncada, con cámara funeraria alargada.

040 – La taula, dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal; y el talayot, torre con una cámara cubierta de falsa cúpula.

041 – En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). La primera se dio entre los siglos VIII aC. y V aC., caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo, con cámara mortuoria de madera en forma de casa, a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas.

042 – La cerámica era polícroma, con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. La Tène se desarrolló entre los siglos V aC. y I aC., ligada a la cultura celta.

043 – Destacó por sus objetos en hierro (espadas, lanzas, escudos, fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III), que al final de esta era recibió las influencias griega, etrusca y del arte de las estepas. [email protected]

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rosebudblog · 4 years ago

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HULOT VERSUS TATI

EL DECORADO DE LA CASA DE LA FAMILIA DE HULOT EN MI TIO

LA CASA CON EL PISITO DE HULOT

LA VECINITA DE HULOT

Hoy vamos a revisar la vida y la obra de un gran cineasta de largo recorrido vital (75 años) y escasa producción artística (solo 6 largos) que respondía al poco cinematográfico nombre de Jacques Tatischeff y que con buen criterio lo dejó reducido a Jacques Tatí.

No es infrecuente encontrar en cualquier rama del arte a creadores que por diferentes causas han sido autores de una escasa producción artística. En la pintura tenemos el caso de Vermeer del que se conocen poco más de 30 cuadros. Más llamativos son los casos que se han dado en la literatura con autores de gran éxito y de prácticamente una sola obra. Ese fue el caso de Margaret Mitchell (Lo que el viento se llevó), Harper Lee (Matar un ruiseñor), J. D. Salinger (El guardián entre el centeno) o John Kennedy Toole (La conjura de los necios). En el cine hay dos cineastas que destacaron en otras facetas y que por circunstancias personales o políticas solo se situaron tras la cámara en una ocasión. Así el actor Charles Laughton dirigió solo una película, La noche del cazador, mientras que el guionista Dalton Trumbo solo apareció acreditado como director en Johnny cogió su fusil. En España tenemos el caso de Iván Zulueta que con Arrebato se convirtió en un director de culto dentro del cine español. Lo llamativo del caso de Tatí es que viviendo 75 años y dedicando gran parte de su vida al cine solo dirigiera 6 largometrajes y varios cortos.

Jacques Tatí (1907-1982) nació en Le Pecq (Francia) y era de origen nada menos que franco-ruso-ítalo-neerlandés. De familia burguesa, su juventud estuvo muy ligada al deporte, especialmente al rugby en el que llegó a ser profesional. Su futuro parece que estaba ligado a la empresa familiar de enmarcado y restauración de cuadros, pero sus habilidades como cómico e imitador de deportistas en las reuniones de amigos lo fueron orientando hacia el espectáculo y en los años 30 presentaba un número en los music-hall de toda Francia con éxito. El número se llamaba Impresiones deportivas y lo realizaba en unión de Herta Schiel y aquí viene la parte más oscura de su vida y de la que siempre se sintió arrepentido: Herta se quedó embarazada y tuvo una hija, Helga. Jacques las abandonó a ambas.

La II Guerra Mundial marcó un paréntesis en su carrera y no sabemos si influyó en que se decantase claramente por el cine. Tatí no realizó estudios alguno de cinematografía y su formación se puede considerar completamente autodidacta. Hasta poco después de finalizada la guerra su experiencia se limitó a 4 cortometrajes como actor y guionista y unos papeles muy secundarios en Sylvia y el fantasma (1945) y El diablo en el cuerpo (1946), ambas de Claude Autant-Lara.

Su entrada en el largo la hace estrenando en 1949 DÍA DE FIESTA. Durante 4 años escribe y prepara la película que se desarrolla en un pequeño pueblo francés donde un cartero (Tatí) deambula con una bicicleta. La película sigue siendo una delicia revisarla hoy y cuenta con una anécdota propia de los tiempos de posguerra: Tatí comenzó a rodarla con película de color pero esta se acabó y tuvo que optar por colorear a mano todos los fotogramas.

En su segundo largometraje nace su alter ego, Monsieur Hulot: LAS VACACIONES DE MONSIEUR HULOT (1953). Hulot será su personaje en 4 de sus películas y se convertirá en uno de los más entrañables personajes de ficción de la historia del cine. Larguirucho, desgarbado, con su sempiterna gabardina, extraño sombrero, pipa, calcetines a rayas, paraguas y prácticamente mudo, hoy diríamos que era un friki, pero Hulot era mucho más: un espectador de la sociedad moderna que pone de manifiesto en forma de sátira las debilidades de la misma en el día a día de la convivencia. Hulot es un personaje alternativo, apolítico pero antisistema, un ácrata de una gran ternura.

Hulot se desplaza a un pueblecito de la costa francesa (Saint-Marc-sur-Mer) y allí observa las costumbres de la burguesía francesa de vacaciones. Hulot no pronuncia palabra alguna pero la película no puede considerarse muda ya que el sonido es un personaje esencial de su desarrollo. La película fue un gran éxito, fue nominada al Oscar y de ella dijo André Bazin que era “la comedia más importante de la historia del cine desde los Hermanos Marx”.

Un agradecimiento curioso recibió Tatí por parte de los habitantes del pueblo que llamaron a su playa Playa de Mr. Hulot y colocaron una estatua del personaje en la misma.

Posiblemente donde Hulot es más reconocible es en MI TÍO (1958). Tardó nada menos que 9 meses en su rodaje y el resultado fue una obra maestra que permanece viva y que recibió en su día el Oscar a mejor película extranjera. La película es una auténtica sinfonía de gags visuales y de sonido en torno a un personaje ácrata que trae por la calle de la amargura a su cuñado pero que ejerce una gran fascinación en su sobrino.

Las secuencias se suceden a través de un Hulot tan fuera de la norma como entrañable. Yo destacaría dos: el paso del tiempo con la vecinita que recibe su caramelo diario y su caricia inocente en la cara hasta que… y la secuencia final, absolutamente antológica. Se ha escrito mucho sobre Mi tío, pero nadie como el propio Tatí para explicar a su personaje: “La película lleva a cabo una defensa del individuo. No me gusta sentirme militarizado. No me gusta la mecanización. Prefiero vivir en un barrio antiguo y humano que en medio de una red de autopistas, aeropuertos y carreteras y todo el barullo de la vida moderna. La gente no se siente feliz rodeada por todas partes de líneas geométricas.”

Hasta 10 años después, 1968, no presentó Tatí su siguiente trabajo: PLAYTIME, una película en la que gastó una auténtica fortuna en decorados para presentarnos París. La película la rueda en un continúo plano general y con una profundidad de campo en la que se producen diferentes situaciones a la vez (este recurso lo usaron en ocasiones Woody Allen o el mismo Berlanga); según algunos críticos Playtime es “una película que no sólo hay que ver varias veces, sino también desde varios puntos de vista”. Personalmente me encanta esta película, quizá más intelectual pero menos divertida que las anteriores y en la que las cristaleras de los edificios forman parte de la propia localización escénica.

Tampoco tuvo un gran éxito la siguiente: TRAFFIC (1970), una descacharrante crítica al mundo del automóvil y los automovilistas. La he revisitado recientemente y me sigue pareciendo una película tan divertida como inteligente como algunos gags auténticamente geniales (el del sacerdote revisando la avería del coche es un prodigio de ingenio). Con esta película se despidió de las pantallas el gran Monsieur Hulot tras 4 apariciones que han quedado para la gran historia del cine.

El último de los largos que rodó Tatí fue en 1974, ZAFARRANCHO EN EL CIRCO (PARADE), una película pensada para televisión y que queda muy lejos de la obra anterior de director galo.

Por último, en 1978, junto a su hijo Pierre y montado por su hija Sophie, rueda un cortometraje relacionado con el deporte, Forza Bastia 78, la final de la Copa de la UEFA de fútbol entre el PSV Eindhoven y el modesto equipo italiano Bastia. El documental permaneció sin estrenarse hasta el año 2002, veinte años después de la muerte de Tatí. Todavía tuvo tiempo de preparar antes de su fallecimiento un guion que no pudo plasmar en imágenes: Confusión era su título y parece ser que Tatí, enfermo, con problemas económicos y con síntomas depresivos pretendía “matar” en la película a Monsieur Hulot.

Rebobinemos ahora y volvamos a aquella página oscura de la vida de Tatí de la que hablamos anteriormente: el abandono de su pareja de vodevil Herta y de su hija Helga. Tatí siempre se sitió culpable de esa decisión y en 1956 escribió un guion que pretendía ser un acercamiento, un homenaje a su hija desconocida (nunca se llegaron a ver): El ilusionista, una historia en la que un mago deprimido entabla amistad con una niña pequeña. La familia directa de Tatí trató de ocultar este trabajo y él dijo en su día que era un guion dedicado a su hija Sophie (¿cuántas veces negó a Helga?). El proyecto se guardó durante 50 años en el Centro Nacional de Cinematografía hasta que en 2010 Sylvain Chomet, el autor de Bienvenidos a Belleville, lo rescata y realiza una gran película de animación con ese título (El ilusionista) que es además un homenaje a Tatí y que parece que no fue bien recibida por Helga y sus hijos.

Tatí fallece en 1982 pero sus secuela sigue proyectándose en el cine europeo no ya solo por El ilusionista sino por varios documentales que nos han acercado a su figura: The magnificent Tatí (Michael House, 2009) un documental británico que recorre toda su obra; Á l´américaine (Stephane Goudet, 2014) que analiza la película Día de fiesta y por último, Tatí express (Emmanuel Leconte, 1915) en el que se repasa la historia de Francia del siglo XX a través de las películas de nuestro autor de hoy.

A TATÍ, al que algunos etiquetaron como “el cómico de la gestualidad” no se le puede adscribir a ninguna corriente cinematográfica. Fue un creador independiente en todos los aspectos y realizó un cine tan peculiar que no puede asimilarse a otro realizador anterior él (Buster Keaton dijo que “Tatí comenzó donde ellos lo dejaron”). Su cuidada y lenta elaboración de guiones, decorados y rodaje eran fruto de una concepción perfeccionista de la película en su totalidad (puede compararse con el método de trabajo de Bresson o el de Kubrick, aunque este realizaba sus películas sin escatimar medios). El propio Tatí decía de su metodología de trabajo: “Yo no puedo fabricar mis films como si fueran panecillos. No soy un panadero. (…) Necesito explicar lo que a mí me gusta, enamorarme de mi argumento”.

Su cine destaca por el uso de una distancia de la imagen que hace que apenas introduzca primeros planos, sus gags de sonrisas más que de risas, su uso de la pantalla para ofrecer diferentes acciones, su lenta y cuidada elaboración de los decorados (que tanto encareció sus proyectos) y especialmente por el tratamiento del sonido en sus películas, que lo hacen un elemento tan esencial como las imágenes. Sin apenas diálogos y sin apenas música los ruidos de las películas de Tatí adquieren un papel esencial que además eran modificados en su sala de montaje. Posiblemente quien mejor lo entendió fue David Lynch: “Cuando miras sus películas, te das cuenta de lo mucho que amaba la naturaleza humana. Y eso sólo puede ser una inspiración para hacer lo mismo”.

A HULOT lo vimos en 4 películas convertido en personaje inadaptado en la sociedad burguesa de los años 50 y 60. Ácrata pero inofensivo más allá de sus descuidos con los aparatos modernos, Hulot denuncia en cada una de sus películas la esclavitud del desarrollismo tecnológico y la dependencia de normas, los convencionalismos y los horarios prefijados, la hipocresía en que viven sus familiares burgueses con los que no logra conexión mientras que con los niños sí lo hace. La personalidad de Hulot bien puede quedar mostrada en estas frases de su padre cinematográfico: "El color llegaba con los feriantes, el tiovivo, los caballitos de madera y las casetas de feria. Cuando la fiesta acababa, se metía el color en unas grandes cajas y este se iba del pueblo". “Quiero que los niños vengan a divertirse al cine como yo cuando era pequeño e iba al circo...hay que crear un auténtico ambiente de fiesta..."

En definitiva, Tatí y Hulot nos dejaron una crítica de la sociedad de su tiempo en clave de comedia. Hulot desapareció en 1978 y Tatí murió en 1982 pero ambos permanecerán siempre entre los más grandes de la historia de la comedia cinematográfica.

9/1/2021

#Tatí

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ana-mozqueda999 · 4 years ago

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LA FLOR DE LA VIDA PRESENTE EN LA ESTRUCTURA CELULAR La Flor de la Vida es el nombre para una figura geométrica compuesta de siete o más círculos superpuestos de forma uniforme, esta figura, usada como un motivo decorativo desde la antigüedad, forma un patrón similar a una flor con la estructura simétrica de un hexágono, la forma perfecta, la proporción y la armonía de la flor de la vida ha sido conocida por filósofos, arquitectos y artistas de todo el mundo, se le considera una geometría sagrada que contiene un antiguo valor religioso que representa las formas fundamentales del espacio y el tiempo. La figura es idéntica a la estructura celular de la tercera división embrionaria (la primera célula se divide en dos células, luego en cuatro y luego en ocho). Por lo tanto, esta misma estructura a medida que se desarrolla, crea el cuerpo humano y todos los sistemas de energía. La flor de la vida se encuentra en todo el mundo antiguo. Se cree que los vestigios más antiguos conocidos de la Flor de la Vida son los que se encuentran en el Templo de Osiris en Abydos, Egipto, donde la mayoría de las religiones monoteístas tienen sus raíces, la Flor de la Vida se puede ver allí. En Palestina, se ha encontrado dentro de las sinagogas arcaicas de Mesada y de Galilea, la mayoría de los arqueólogos sostienen que tienen al menos 6.000 años de antigüedad. Radiación del patrón de geometría más espiritual en todo el universo: La flor de la vida es un símbolo sagrado que se encuentra en todas las religiones principales del mundo e incluso en los primeros patrones vibratorios del universo mismo, Los componentes de la Flor de la Vida pueden encontrarse incluso en las primeras impresiones de energía del "Gran Vacío" durante las primeras etapas de la creación. #GeometriaSagrada #FlorDeLaVida https://www.instagram.com/p/CIN7D10lcSQ/?igshid=1fngwpmjumebl

#geometriasagrada #flordelavida

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helena-mw · 4 years ago

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Sumario e introducción

El laberinto (labyrinthus en latín) es un lugar formado por calles y encrucijadas, intencionadamente complejo para confundir a quien se adentre en el, de modo que no pueda acertar con la salida.

Los laberintos se clasifican básicamente en dos grupos. El primer grupo sería el de los laberintos clásicos o laberintos univarios. Este tipo de laberinto sería el denominado en inglés labyrinth. Al entrar en estos laberintos hay que recorrer todo el espacio para llegar al centro, mediante una única vía o camino. Es decir, no tenemos la opción de tomar caminos alternativos, no hay bifurcaciones. Existe una única puerta de salida que es, precisamente, la misma por la que se entra al laberinto. Por el hecho de tener un solo camino que seguir no hay posibilidad de perderse en su interior. El segundo grupo de laberintos es al que da lugar el laberinto de caminos alternativos o multiviarios (maze en inglés), en donde al recorrer el interior del laberinto, existe la opción de seguir un camino correcto o uno incorrecto (o más de uno en ambos casos) que nos llevará, o no, a la salida del laberinto.

La vida también puede interpretarse como: un laberinto en el que todo está predeterminado, pese a que el camino hasta el final puede dar muchas vueltas; o como un laberinto en el que existe la posibilidad de elegir, equivocarse, volver atrás, acertar y, según nuestra elección, lograr un destino u otro. (Menéndez, 2013, p.4).

“Ser” y “moverse” en el laberinto es un binomio que constituye, antes que nada, una condición de existencia y un proyecto de supervivencia. Y se convierte luego en una modalidad y proyección simbólica, en un esquema de autorrepresentación al que la idea del laberinto proporciona una estructura de soporte mítico-figural. (Kerényi, 2006, p.9).

Según cuenta la mitología griega el Minotauro era hijo de Pasifae (hija del sol), esposa del rey Minos de Creta, y de un toro blanco enviado por Poseidón. Minos había ofendido gravemente a Poseidón quien como venganza hizo que Pasifae se enamorase del animal. Fruto de esa unión nació el Minotauro, un ser violento, mitad hombre, mitad toro, que se alimentaba de carne humana. Para esconder su vergüenza y proteger a su pueblo, el rey Minos rogó al inventor Dédalo que le construyera un laberinto tan intrincado del que el monstruo nunca pudiera salir. Cada nueve años, a fin de apaciguarlo, Minos le ofrecía la bestia, siete mujeres y siete jóvenes que imponía como tributo a la ciudad de Atenas.

En una ocasión, Teseo se ofreció voluntario como víctima, con la intención de matar al Minotauro y liberar a Atenas de un cruel destino. Ariadna, hija de Minos, le ofrece una cuerda de hilo para cuando entrase luego supiese salir. Teseo logró matar al Minotauro. Minos acusó a Dédalo de haber revelado a Ariadna el secreto para salir del laberinto y condeno como castigo a Dédalo y a su hijo Ícaro a permanecer prisioneros en el laberinto. Dédalo hizo el laberinto sin techo y entonces se le ocurrió salir por arriba que además era la única forma. Lograron hacer unas alas y volar. Ícaro recordó lo que le dijo su padre: "si vuelas demasiado alto el sol te quemará las alas”. Lograron volar pero Ícaro no hizo caso al consejo de su padre y en medio del trayecto se cayó al mar.

Caído Dédalo en desgracia, fue encerrado, junto a su hijo Ícaro, en el mismo laberinto. Pero Dédalo construyó para sí y para su hijo unas alas de cera con las que, salvando los muros de la extraña prisión, se remontaron sobre el Mediterráneo. Ícaro, desobedeciendo los consejos de su padre, voló tan cerca del sol que los rayos derritieron la cera de las alas, y cayó en el mar.

Un laberinto puede ser una construcción física arquitectónica, un simple dibujo con un trazado expresado o una situación mental o existencialista. En los escritos de Borges, el laberinto aparece como uno de sus temas más repetidos. En El aleph, el laberinto ya no es tanto un lugar terrorífico como el cobijo de una criatura pensante que habita en su interior y que, aún pudiendo salir se considera prisionera. Un texto que nos ofrece los pensamientos del propio Minotauro, también llamado Asterión. (Ariza, 2004, p. 94).

Mi obra artística trata de perderse y encontrarse a uno mismo. Una fractura en el tiempo y en el cuerpo a través de la descomposición del cuerpo y la mente por formas orgánicas y geométricas que la atraviesan. Estas formas podrían recordar también a un laberinto y la lucha constante de uno mismo por intentar escapar de su mente y a la vez ver donde el cuerpo es capaz de llegar cuando se alcanzan los límites, trata sobre el ser humano interior y su profunda naturaleza. Al igual que Dédalo el constructor del laberinto, la protagonista de la obra intenta afrontar los problemas que tiene consigo misma y como Dédalo con el laberinto, al estar encerrada en su “interior” se ve incapaz de escapar de una misma.

Quiero crear sensación de misterio a través de determinado efecto luminoso en los objetos y crear ciertas impresiones con las sombras o siluetas distorsionadas. Esta obra está inspirada por las vanguardias, más concretamente por el Surrealismo, y también por los vanguardistas experimentales. También en mi obra están presentes los collages, para conseguir esa ruptura como dijo Ernst: el collage logra dos cosas, en primer lugar tiene carácter de ruptura, puesto que los objetos de desplazan de su contexto, del lugar donde se espera que estén; en segundo lugar, mediante este acto de desplazamiento se hace posible trascender ese reino de las convenciones (lo que Ernst llama “lo puramente falso”) y llegar a una comprensión absolutamente nueva. (Fer, 1993, p.61)

En mi obra artística voy a incorporar un poco de Stop-Motion con papeles con formas orgánicas o geométricas y desplazándolo por el espacio y el personaje. Poner planos sobrepuestos a otros, pantalla partida, cortando a la protagonista y poniéndola en un fondo al cual no pertenece. Incorporación de espejos, la protagonista no puede escapar de su reflejo, se adentra dentro de él. Todo esto haciéndolo después en la postproducción.

Mi objetivo es la de experimentar como los vanguardistas hacían con sus películas, experimentar con el collage y el Stop-Motion o animaciones. No sería tanto de experimentar analógicamente sino en la edición posterior a la grabación.

BIBLIOGRAFIA Y WEBGRAFIA

Ariza, J. 2004. Explorando el laberinto: creación e investigación en torno a la gráfica digital a comienzos del siglo 21. https://afly.co/46b43tfcni

Kerényi, K. 2006. En el laberinto. https://afly.co/46c4lwch5i

Menéndez, J.A. 2013. Laberinto. https://afly.co/46d4qwc3si

Wood. P. Batchelor. D. Fer. B. 1999. Realismo, Racionalismo y Surrealismo. https://afly.co/46h4qc6tqi

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geralar · 5 years ago

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"Couple Amoureux'

(Pareja enamorada)

Marc Chagall

1925

El primer sentimiento del pintor folklórico ruso Marc Chagall al llegar a París en 1911 fue que quería regresar a casa de inmediato, tan abrumado por la capital francesa. Esto pronto cambió y París se convirtió en una revelación para Chagall. «Parecía estar descubriendo la luz, el color, la libertad, el sol y la alegría de vivir por primera vez», dijo, y se refirió a las impresiones gemelas que dieron forma a su futura pintura como Lumière-liberté (Luz-libertad) Fue en París donde vio, «como en una visión, el tipo de arte que realmente quería crear». Era una visión que se debía en gran medida a la fragmentación del cubismo. El resultado de este despertar artístico se puede percibir en sus pinturas, en la síntesis de contrastes de color lírico y composiciones geométricas de inspiración cubista. Chagall también pintó esta obra, titulada Couple amoureux en París, en 1925.

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sitiomagico · 7 years ago

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Me han escrito muchas veces preguntándome cómo hacer una buena MEDITACION ya que cada día hay más personas interesadas en esta maravillosa herramienta que nos sirve para lograr nuestro equilibrio y Paz interior,a continuación les comparto las recomendaciones de Stephan Bodian , fundador y director de la Escuela del Despertar. Autor del libro. "Wake Up Now: A Guide to the Journey of Spiritual Awakening." La meditación es la práctica de concentrar la atención en un objeto particular, por lo general algo sencillo como una palabra o una frase, la llama de una vela o una figura geométrica, o la inspiración y la exhalación de tu respiración. En la vida cotidiana, tu mente está procesando de forma constante un aluvión de sensaciones, de impresiones visuales, de emociones y pensamientos. Cuando meditas, estrechas tu foco, limitas los estímulos que bombardean tu sistema nervioso y, en el proceso, tranquilizas la mente. Para obtener una prueba rápida de la meditación, sigue estas instrucciones - para instrucciones detalladas sobre cómo hacerlo mejor según tu signo puedes visitar este artículo. 1. Busca un lugar tranquilo y siéntate de manera cómoda con la espalda relativamente recta. 2. Respira profundamente unas cuantas veces, cierra los ojos y relaja el cuerpo tanto como puedas. 3. Escoge una palabra o una frase que tenga para ti un significado especial, personal o espiritual. Por ejemplo: “Todo lo que existe es amor”, “No te preocupes, sé feliz”, “Ten confianza”. 4. Empieza a respirar por la nariz (si puedes) y mientras lo haces, repite para ti mismo la palabra o la frase en silencio. Puedes susurrar la palabra o la frase, pronunciarla en silencio (es decir, mover la lengua y los labios como si estuvieras diciéndola, pero no en voz alta), o, sin más, repetirla mentalmente. Si te distraes, vuelve a repetir la palabra o frase. (Por supuesto, si te resulta difícil respirar por la nariz, puedes hacerlo por la boca.) Otra alternativa es seguir tu respiración según el aire entra y sale por la nariz. Vuelve a ella cuando te distraigas. Practicando 5-20 minutos al día por las mañanas notarás grandes cambios en apenas semanas.#meditacion #meditation (en Brickell)

#meditacion #meditation

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artesaudiovisualesanatefran-blog · 7 years ago

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Artes Audiovisuales

70 Million by Hold Your Horses!

https://www.youtube.com/watch?v=erbd9cZpxp

ARTE MODERNO

PLACER

nadar en el mar

MIEDO

que me toquen insectos que vuelan

SUEÑO

que se me caen los dientes

El surgimiento del cine

Los Hermanos Lumiere

París, S. XX

1895, La salida de los obreros de la fábrica

1era. película.

La duración es de 1 min. por la película y de 18 fotogramas por segundo.

Filmaron tres salidas de los obreros, la tercera es la mejor porque contiene una introducción, un desenlace y un cierre.

El cine como el eco del teatro.

No era tan importante un registro de las imágenes, sino el hecho de que se proyectaban.

La experiencia cinematográfica se encontraba en la calle, así que tenían que ser atractivas.

La escena estaba puesta para la cámara, la cámara no se movía.

Se empezaron a descubrir las posibilidades del cine.

Capturaban la vida cotidiana.

Primera comedia para la historia del cine.

De carácter documental, se comenzaron a preguntar ¿cómo es el otro?

Época de invención y destape, hubo cambio y progreso en comunicación, después de ganar la guerra a finales de 1820.

Películas:

“Lumiere y Compañía“, 1995, homenaje por cineastas.

Louis Lumiere, la vida en imágenes, 1968, de Eric Rohmer.

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El cantante de Jazz, 1927

1era película sonora.

Racista.

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- comunicación (arte clásico)

+ sentimiento (arte moderno)

IMPRESIONISMO

Francia a finales del S. XIX

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.

El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz.

Édouard Manet

Claude Monet

Pierre Auguste Renoir

Película:

Los Impresionistas:

https://www.youtube.com/watch?v=3whpSRmJLKM

La Vida y Obras de Claude Monet

https://www.youtube.com/watch?v=HvEfFH8PHRQ

Renoir Film: se adapta al estilo visual de cada artista con una fotografía impresionante.

REALISMO POÉTICO

1935-1939

Esta “escuela”, por llamarla de alguna manera, fue como una especie de neorromanticismo que se recreaba en los contrastes violentos: el hombre y su aspiración a la felicidad, por un lado, y la sociedad y sus discutibles reglas, por otro. Sus personajes no eran gente de la alta sociedad, no eran héroes típicos de las películas americanas; eran obreros, malhechores, desertores, prostitutas, criados, personajes de las clases más bajas de la sociedad. Eran películas pesimistas, que casi siempre acababan mal, pero eran verdaderamente hermosas. Concebían películas donde se enfrentaban el bien y del mal, a través de personajes malvados y otros íntegros, víctimas de un destino muy a menudo trágico.

Tres puntos a destacar del realismo poético de entreguerras: la denuncia del orden social en sí mismo (Jacques Prevert tuvo aquí un papel esencial); la crónica de las costumbres, satírica y desengañada; y la percepción lírica empleada como forma de rechazar la condición humana, tanto la de los intelectuales como la de los proletarios de todas las clases. El realismo poético enfrenta los sentimientos humanos y a menudo la buena voluntad de los hombres a las crueldades de un inexorable destino.

http://diariocinefiloclasico.blogspot.mx/2015/02/realismo-poetico-frances-1930-1947.html

http://archivo.miradasdecine.es/estudios/2009/09/realismo-poetico.html

Jean Renoir

Cartier Bresson

Uno de los creadores de la agencia Magnum

Leer EL MOMENTO DECISIVO, Texto de HENRI CARTIER - BRESSON "No hay nada en este mundo que no tenga un momento decisivo" Cardenal de Retz.

Película:

Louis Lumière, 1968 de Éric Rohmer. Con palabras de Henri Langlois y Jean Renoir:

https://www.youtube.com/watch?v=ROkBWuYsysM&t=1539s

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CUBISMO

Descompone para mirar mejor.

Desde diferentes ópticas.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Cubismo Analítico

Trata de descomponer todo y pero todas las partes están presentes, una idea totalitaria.

Cubismo Sintético

Utiliza elementos sintetizados, pone lo más importante para representar, es decir, nada más muestra lo más importante.

http://www.museoreinasofia.es/…/s…/informacion/206_6_esp.pdf

Entender el cubismo en 1 minuto:

https://www.youtube.com/watch?v=Dg90HKrx2v4

https://www.youtube.com/watch?v=ZONg49dyZsg

Braque

+ Collage (materiales)

Pablo Picasso

Gran experimentador

Le Moulin de la Galette, 1900

Señoritas de Avignon, 1907

Tres prostitutas en una puerta, interpretación del pintor.

Fragmentación.

Distintos puntos de vista.

No hay simetría.

+ político = no todo tiene que ser perfecto, existe la diversidad.

Exagera, caricaturiza (focalizar una cosa por encima de las otras) como el arte de las máscaras africanas.

Guernica, 1937

Videos:

Pablo Picasso: un alma primitiva - Documental (1999):

https://www.youtube.com/watch?v=R9EYzhoANzA

El misterio de Picasso 1956 Henri-Georges Clouzot:

https://www.youtube.com/watch?v=PBpZUJjBpXs

¿Qué significa en Guernica?:

https://www.youtube.com/watch?v=uG15eEZa12Y

http://enfilme.com/notas-del-dia/video-lecciones-de-cine-a-partir-de-la-obra-de-pablo-picasso

Alain Resnais y el cortometraje

“Guernica”, años 40′s de Alain Resnais & Hessens

https://www.youtube.com/watch?v=7SR7ov55k5s

¿Cómo cuenta las cuestiones históricas?

¿Cómo recordamos aquello que pasó?

Es una pieza que pretende hacer sentir.

Como artista necesitas convicción.

Noche y Niebla, 1955

https://vimeo.com/123483626

¿Cómo somos como humanidad?

¿Hasta dónde llegamos?

¿Cómo pensar, cómo recordamos?

Sobre los campos de concentración.

Realizado 10 años después de la guerra

Sigue teniendo un mensaje vigente y claro.

En 1955 Francia le declara la guerra a Argelia

Resnais agrega los campos a color, lo demás es material de archivo.

Ensayo cinematográfico de Marguerite Dumas (escritora): propone que la pieza tenga equilibrio entre forma y fondo, ¿cómo lo cuento y qué cuento?

Hiroshima Mon Amour, 1959

Idea de memoria histórica.

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Expresionismo

Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

Pintura 1905 Expresionismo Alemán:

https://www.youtube.com/watch?v=dy-JhdfkzTA

Edvard Munch

Los Demonios de Edvard Munch:

https://www.youtube.com/watch?v=if1NFXRZ5wo

Otto Dix, German Artist:

https://www.youtube.com/watch?v=BkJauC8mPyw

El Expresionismo Alemán

Es la primera influencia de Luc Besson (Juana de Arco, 1999), Hitchcock y Buñuel.

Mejoraron las narrativas (por eso Hollywood lo toma - Orson Welles, quien admiraba la expresividad de los gestos)

Características

Sombras, como amenaza inmediata.

La oscuridad, de noche.

Geometría.

Alto contraste.

El discurso sobre el mundo, terror.

Películas:

El Gabinete del Doctor Caligari de Robert Wiene

El Gollem (antecedente de Drácula de Tom Raley)

La Diligencia de John Ford

Segunda influencia

del cine negro (detectives, le femme fatales y con un amenza casi política para denunciar un problema social: la realidad) de Billy Wilder, Robert Siodmak, Edgar U. Gulmer.

Tercera influencia en el género thriller por los monstruos:

Nosferatu de F.W. Murnau (mito de la inmortalidad)

Metrópolis de Fritz Lang (última película expresionista del neo objetivismo con fuerte crítica al clasicismo)

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Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Max Ernst

Joan Miró

Joan Miró:

https://www.youtube.com/watch?v=DswoRIMfDBI

René Magritte

MAGRITTE . documental del artista surrealista:

https://www.youtube.com/watch?v=AjFW4zT8JZg&t=402s

Salvador Dalí

Revelando a Dalí (TVE, 2014):

https://www.youtube.com/watch?v=yrIb3ICcKMU

Surrealismo cinematográfico

Luis Buñuel

https://www.youtube.com/watch?v=mMG2GfcaG7c

El Perro Andaluz , 1929 (con Dalí)

Ejercicicos automatas

Liberarnos de las grandes estructuras.

No tiene un sentido narrativo clásico.

Lo que se ve es una experiencia.

Organizado como un sueño, fluye como los sueños.

Para su lectura se debe entender la lógica de pensar del imaginario del psicoanálisis.

“nuestra vida se mueve por los deseos sexuales”

Dalí, Spellbound, 1945 (Hitchcock). Donde también recupera el psicoanálisis

Destiny, Disney

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Dadaísmo

Nada / caballito de juguete en francés

Nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

Anti arte, busca la provocación del arte establecido.

Cuestiona el arte, para ser espíritus más críticos y más libres.

Modus vivendi, es decir, era una ideología.

Collage, destruir para reconstruir.

Tistan Tzara = Samuel Rosenstock (Rumania, 1896)

Realizó el primer manifiesto dadaísta en el año 1918.

Familia Duchamp

Padres: Eugene y Lucie

Hijos: Raymond, Marcel (La Fuente, 1917; Rueda de bicicleta sobre un taburete, 1913/1971/1995); El Gran Vidrio, Suzanne, Jacques Villon.

Marcel Duchamp en español:

https://www.youtube.com/watch?v=IIsbeODpgPo&t=196s

Ready Made

Reapropiación de los materiales

Zúrich, cuna del dadaísmo en el Cabaret Voltaire:

https://www.youtube.com/watch?v=vvp8XgvYiGI

El dadaísmo y el espacio abstracto de Jean Arp:

https://www.youtube.com/watch?v=xthvemoL2FQ

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Pop Art

Cultura popular

Transforma una idea

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

Pop art y la nueva figuracion cap 11:

https://www.youtube.com/watch?v=VFKyXnQ3S4w

Andy Warhol

Elementos del capitalismo.

Diseño pàra las marcas (burla)

Critica al consumismo.

Nuestros ídolos están cambiando.

Se volvió un legitimador de modelos/objetos.

Cambió los objetos de interés. ¿Inmortalizamos a la sopa Campbell's?

Masividad del arte / todo el mundo lo entiende.

Series, las obras ya no son únicas.

Fábrica de sueños - Andy Warhol:

https://www.youtube.com/watch?v=mAQqhr6qNY0&t=94s

Biografía de Andy Warhol. Un icono artístico del siglo XX:

https://www.youtube.com/watch?v=8YEAYWLbdgY

Roy Lichtenstein

Cómics (uso de publicidad y revistas populares)

Nos cuenta algo que ya vimos, el imaginario colectivo ya lo conocemos.

The documentary Roy Lichtenstein 1991:

https://www.youtube.com/watch?v=FjJxcrjMlwU

Richard Hamilton

¿Qué es lo que hace hoy nuestras viviendas tan diferente y atractivas?, 1956

Relación entre el hombre y los medios de comunicación.

Tom Wesselmann

Cine experimental de mujeres

Feminista y femenino

Maya Deren and Alexander Hamid (Hollywood, 1993)

La cámara y el cuerpo

+ radical la mujer toma el control

años 40′s e inmigrantes

Meshes of the afternoon

Chantal Akerman

Saute ma ville, 1968

Nan Goldin

80′s

Modernidad fotográfica: subjetividad.

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Fotoreportaje

= palabra / como recurso periodístico

Registro visual de un acontecimiento y evento noticioso actual, cuyo objetivo es que quien lo vea quede informado.

Pretendía una propuesta de sensibilización.

En 1930 no tenía un valor como profesión porque no se necesitaba educación previa (como en el caso de las litografías)

Robert Capa

Foto reportero y corresponsal de guerra

Robert Capa es el seudónimo de Endré Frieddman.

Nació en Budapest, Hungría, en 1913.

En 1933 emigra a París, huyendo de Hitler. Es allí donde conoce a sus futuros socios, Henri Cartier-Bresson y David Saymour “Chim”.

En París conoce a Gertha Pohorylle, que era una joven refugiada de la Alemania nazi. Pronto se convirtió en su pareja . Adoptó el seudónimo de Gerda Taro.

Fue el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Tuvo una vida legendaria, llena de grandes pasiones, trágicas muertes y aventuras imposibles. Fue el primero en reflejar a través de la fotografía la muerte desnuda, la desolación y el horror de la guerra en toda su crudeza.

en 1954, muere en una explosión.

Gerda Taro

Alemania 1910-1937. Primera foto periodista, cubrió el frente de guerra y la primera en fallecer en llevarlo a cabo. Su verdadero nombre era Gerta Pohorylle. Gerda era una joven judía que tuvo que refugiarse en París en 1933 de la persecución nazi que sufría en Alemania. Fue allí donde conoce a Endré Frieddman más conocido como Robert Capa.

Taro murió en 1937 en la batalla de Brunete atropellada por un tanque.

Guerra civil española

Segunda guerra mundial

Guerra chino-japonesa

Guerra de indochina

Robert Capa El hombre que quería creer su propia leyenda:

https://www.youtube.com/watch?v=ctsd90TZHV4&t=42s

Robert Capa. En el amor y la Guerra:

https://www.youtube.com/watch?v=B1AIF7X0qss

David Seymour “Chim”

Polonia 1911, Fotógrafo en guerra independiente. Chim es el sobrenombre de Dawid Szymin, también conocido como David Seymour. Fue un fotógrafo nacido en Varsovia el 20 de Noviembre de 1911. Creció en el ambiente intelectual de una familia de editores.

Al igual que Robert Capa y Gerda Taro cubrió la Guerra Civil española desde su comienzo en 1936 hasta su final en 1939. La diferencia con la pareja de fotógrafos es que, al revés que ellos, no tenía interés en trabajar y retratar lo que ocurría en el frente de batalla. Chim prefería centrarse en las personas que no participaban en la lucha.

Children of Europe, 1949

MAGNUM

Nueva York 1947

Cooperativa de fotógrafos independiente fundada por Capa Seymour “chim” y cartier - bresson

La maleta mexicana - Trailer VOSE HD: (4500 negativos desaparecidas por siete décadas fotos de Capa, Chim y Taro)

https://youtu.be/MWEc9q-Docc

https://www.youtube.com/watch?v=P016X5zi2O8&t=49s

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Visita al MAZ

La salud y sus metáforas

Si bien esta muestra plantea una postura crítica al dominio de la medicina basada en evidencias y al debilitamiento de la agencia de las personas con relación a la salud en su vida pública y privada, también presenta una serie de obras que invitan al bienestar físico, mental y espiritual del visitante.

-Alan Sierra

Fotografías de Juan Diego DelaPeña Taylor

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Fotografía de moda

Género dedicado a ilustrar ropa y otros artículos.

Nace en Francia

es de los géneros mejor pagados dentro de la fotografía.

VOGUE / Harper's BAZAAR

Características

Resaltan las características de los objetos.

Utilizan modelos

Busca evocar sentimientos, es decir, es un trabajo de valores porque simboliza.

Se publican en revistas o en páginas WEB de moda.

Está en constante actualización.

Helmut Newton (Berlín, Alemania)

Video: Frames from the edge

Mario Testino (Lima, Perú)

Retrató a Lady Di para Vanity Fair antes de su accidente.

Tomó fotos a la realeza de Inglaterra.

Él siempre está presente a través de la mirada de sus modelos.

Richard Avedon (NY, EUA)

Blanco y negro

Director de fotografía de Harper`s.

Guy Bourdin (París, Francia)

Seudónimo: Edwin Halen

Irving Penn (Nueva Jersey, EUA)

Comenzó con dibujos.

Hace fotografía de moda, ensayos fotográficos y retrato.

A los 20 años empezó a trabajar en Harper’s BAZAAR.

Patrick Demarchelier (El Havre, Francia)

Desde 1992 fotógrafo principal de Harper’s

Nick Knight (Londres, UK)

Ha influido en muchos fotógrafos por ser el fundador de SHOWStudio.com

Herb Ritts (California, EUA)

Blanco y negro.

Desnudos femeninos y masculinos

Ben Affleck último en ser retratado por él.

Steven Meisel (NY, EUA)

Admiraba el trabajo de Avedon

Horst P. Horst (Alemania)

Busca hacer sus fotos lo más artísticas posible.

Tiene que ver más con una narrativa en relación al arte.

Invita a la sensación de un mundo posible y es más comunicativo.

Terry Richard (NY, EUA)

Revista VIBE, 1994

Maneja temas como la desnudez y la sexualidad.

Utiliza el fondo blanco para humanizar pero no retrata de una manera común al modelo.

Annie Leibovitz

Pareja de Susan Sontag

Video:Life Through a Lens

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Joan Fontcuberta

Pretende cuestionar lo que ves.

“La verdad” es el efecto del poder

hace dudar sobre: ¿Qué es ciencia?

https://www.fontcuberta.com/

https://www.youtube.com/watch?v=D_tx6ECyz7Q

Proyectos:

Fauna (1987)

https://www.youtube.com/watch?v=in1ie1dclBA

Sputnik (1997), cosmonauta fantasma

Hemogramas

Googlegramas

https://www.youtube.com/watch?v=SomAcjkgVrI

Milagros en Valhamönde

https://www.youtube.com/watch?v=4EvUFN0El-A

Falso Documental

Es de carácter reflexivo.

BBC: Spaghetti Harvest in Ticino (1957)

This is Spinal Trap, Rob Reiner (1984)

IMDb

Zelig, Woody Allen (1983)

Forgotten Silver (1997) / homenaje a los que desaparecieron = la historia miente

The wild blue (2005)

El Dictador, Larry Charles (2012)

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Cine diario

Contiene una sensibilidad particular

Jonas Mekas

Filma en la fábrica (a Andy Warhol y a John Lennon)

Gran exponente del arte experimental

jonasmekas.com

http://jonasmekas.com/diary/

As I was moving ahead, occasionally I saw a brief glimp sens of beauty”

Reminiscencias del viaje a Lituania (1972)

https://www.youtube.com/watch?v=JtIQCxypAFM

Nobuyoshi Araki

Contacts

Fotografía subjetiva, importa más la mirada de Araki

Todos estos instantes forman algo más grande y me constituyen.

Trasciende la fotografía ortodoxa.

Video:

BBC 7Up Serie

Agnés Varda

Videos:

“Las playas de Varda“

“Cleo des-7″ (nouvelle vague)

“Los cosechadores y yo”

“Sin Techoniley“

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Muralismo

José Vasconcelos (Secretario de Educación Pública en el sexenio de Díaz Ordaz)

Aurora Reyes

Ha tenido bastante presencia en la historia de México (SNTE)

Trayectoria de la cultura en México (SNTE)

Fanny Rabel

Ronda en el destiempo en el Museo de Antropología.

José Clemente Orozco

David Alfaro Siqueiros

Diego Rivera

Banksy

Película:

“Exit through the gift shop”

Consiste en un ejercicio dialéctico (W. Benjamin)

Contiene un discurso político

El street art es de cuestión identitaria (territorial)

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Douglas Gordon

Arte conceptual

Se apropia del arte pop

Es un artista preocupado por el paso del tiempo.

Marina Abramovic

Performance

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Experimental : experimenta con materiales

Contemporáneo : el artista está vivo

Conceptual : trabaja sobre abstracciones de ideas

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