#ignacio prego

[onenakedfarmer]

Playing

Charles Avison CONCERTI GROSSI (BASED ON SONATAS BY DOMENICO SCARLATTI)

Ignacio Prego Tiento Nuovo

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Charles Avison - Concerto Grosso after Scarlatti No. 9 in C Major

Domenico Scarlatti - Keyboard Sonata K87 in B minor

Charles Avison - Concerto Grosso after Scarlatti No. 12 in D Major

Charles Avison - Concerto Grosso after Scarlatti No. 5 in D minor

Charles Avison - Concerto Grosso after Scarlatti No. 6 in D Major

Domenico Scarlatti - Keyboard Sonata K27 in B minor

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de Hiro Kurosaki e Ignacio Prego esta noche en el Espacio Turina.

[nachosjavelin]

am I the only Italian BCS/lacho obsessed on tumblr??

[diyeipetea]

Ignacio Prego - Moisés P. Sánchez "A Night with John Dee" (Estreno absoluto. Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Madrid. 29 de abril de 2021) [Noticias de Jazz]

Ignacio Prego – Moisés P. Sánchez “A Night with John Dee” (Estreno absoluto. Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Madrid. 29 de abril de 2021) [Noticias de Jazz]

Ignacio Prego (izda.) y Moisés P. Sánchez (dcha.). Fotografías promocionales Nota de prensa: Diálogo isabelino, alquimia sonora A Night With John Dee, estreno absoluto, reúne en un mismo escenario al clavecinista Ignacio Prego y al pianista Moisés P. Sánchez, en una fascinante comunión entre lo clásico y lo contemporáneo. De esta manera, y con el periodo isabelino de la Inglaterra de finales del…

[35letters]

(via Pointe à Pitre Palace of Justice / Ignacio Prego Architectures | ArchDaily)

[javierdenoriega]

Ignacio Prego plays H. Purcell. Ground in C minor Z. 221

[marianajacqueline45]

#FútbolFemenino #DeporteFemenino La selección uruguaya femenina sub-20 recibió el Pabellón Nacional, por parte de autoridades de la Secretaría Nacional del Deporte y la AUF, ayer de tarde en el complejo Celeste.   El evento contó con la presencia de Alfredo Etchandy, Ignacio Alonso, Matías Pérez y Valentina Prego, quienes tras sus discursos llamaron al entrenador, Ariel Longo, y la capitana del equipo, Daniela Olivera, para darle cierre a lo que establecía el protocolo y tomarse las fotografías oficiales.   Según lo que establece el calendario, la Celeste viajará hacia Argentina, sede del Torneo Sudamericano, el lunes. La base del grupo B será en la provincia de San Luis y la concentración se llevará adelante en el hotel Premium Tower Suite.   Cabe destacar que los entrenamientos se desarrollarán en el estadio del Club Social y Deportivo San Antonio Estancia Grande.   El debut en el grupo B del certamen está previsto para el sábado 7 de marzo a las 19 h, por la 2ª etapa ante Chile, tras cumplir con la fecha libre el jueves 5. La serie se completará con los cotejos frente a Paraguay, Brasil y Perú.  #Collage #ProgramaCollage #Noticia #revistacollage #Historia #deporte #Fútbol #FútbolFemenino #FIFA #CONMEBOL #AUFTV #AUF (en Brazo Oriental) https://www.instagram.com/p/B9FxqvcJa4W/?igshid=1eibjrq7qez9i

[iniciativadebate]

Periodismo manso

Javier Pérez de Albéniz | Cuartopoder | 22/6/2017

La Asociación de la Prensa de Madrid (APM) abandona de cuando en cuando su soporífero letargo y regresa al mundo de los vivos. Generalmente lo hace para servir al poder, que es exactamente lo contrario a lo que exigen los principios básicos del periodismo. Así ha sido en su última resurrección, milagro que ha tenido lugar cuando el pasado…

[officecomplexes]

[cadoutsourceservice-blog]

Crematorium in Amiens, Paris: Pure Soulful Journey

Life’s most important and emotional moment is death. When we lost our loved one that is the phase which is unforgettable in anyone’s life. Everyone deserves a peaceful death which keeps the soul rest in peace. To compliment this peaceful journey of soul, a well-built and soulful crematorium is very important. Taking in consideration, Plan 01 has designed a crematorium in the state of Paris i.e. Amiens. The architects who have contributed in this project are Ignacio Prego Architectures, Bocabeille Architecte, Phileas, Koz and Atelier du Pont. The exact location of crematorium is Avenue de Grâce, 8000 Amiens, Paris. It completed in 2015. Total area it covers is 1285.0 sqm. It structured as an encircled domes with pale white color. The interior of the crematorium is vast, smooth and closely open. As mentioned closely open design which symbolizes the human soul that entrapped in the body for whole life and after death it becomes free in this world.

As conformed by engaged Architects, the theme of the crematorium was circle which explains the cubicle dome structure. But it’s not projected only outside; the design of inner side is also in the form of circle. The basic design has kept in the form of circle because it represents the centre of body, the timelessness of time, the universe and the spirituality. In the serene and calm environment, the landscape has a big role to play. The location where it is situated is green and somewhere creates a contact between building and vegetation. As vast building it is, but from inside the functional area is very less. One room is for the eulogy and siting area. Most of the area in the crematorium has kept hollow for the purpose of peace. The architectural design speaks for itself which is very simple yet powerful, strikingly symbolic but calm and lastly as much as painful it is but at the same time provides comfort.

CAD Outsourcing is an India based company which provides its services at worldwide level. The specialization of CAD Outsourcing is its CAD services. Our team of professionals with their experience and knowledge comes up with a best aid for their precious clients. The team of experts in CAD Outsourcing is dedicated and hardworking, who never gives any chance for clients to complain. After all customer satisfaction is our sole motto. The services we provide are 2d drawing, Architectural Animation, Structural design, Mechanical 3D Modeling, Structural Detailing and Plumbing CAD Drawings. For any further aid or assistance don’t hesitate to contact us. We are available 24*7 and 365 days in a year.

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de La Ritirata el sábado en el Auditorio Manuel de Falla de Granada.

[35letters]

POINTE-À-PITRE, GUADELOUPE

(via Pointe à Pitre Palace of Justice / Ignacio Prego Architectures | ArchDaily)

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de Steven Isserlis y Tiento Nuovo esta noche en el Espacio Turina.

[elmartillosinmetre]

Un violonchelista inglés por las cortes de Europa

[El conjunto Tiento Nuovo en una foto de archivo. / NOAH SHAYE]

El violonchelista británico Steven Isserlis y el conjunto madrileño Tiento Nuovo dirigido por Ignacio Prego ofrecen en el Espacio Turina un concierto con música del siglo XVIII

El prestigioso violonchelista británico Steven Isserlis (Londres, 1958) debuta este sábado en el Espacio Turina de Sevilla en un recital en el que tocará dos conciertos dieciochescos junto al conjunto madrileño Tiento Nuovo, que fundó en 2016 y dirige desde entonces el clavecinista Ignacio Prego. El concierto cierra una minigira que incluye otros dos conciertos, la apertura el jueves 19 del XX Ciclo de Músicas Históricas de León y una cita el viernes 20 del Universo Barroco que el Centro Nacional de Difusión Musical desarrolla en el Auditorio Nacional de Madrid.

Isserlis "no pertenece al mundo historicista, pero es una persona comprometida, informada, muchos más informada que la mayoría de los que así se llaman", comenta Prego en conversación con este periódico. "Lo conozco desde hace mucho, a través de María, mi mujer, que es la violonchelista de nuestro grupo. Pero lo admiraba desde antes, porque crecí con sus grabaciones. Fue de los primeros violonchelistas en tocar con tripa entorchada a Brahms, a Dvorák y lo que sea, y lo sigue haciendo. Ha colaborado con muchos grupos de música antigua; lo ha hecho con una mentalidad más tradicional si quiere, en el sentido de artista integral y no de especialista. Pero lo respeta todo, lo conoce todo. Cuando surgió la oportunidad de hacer este proyecto me encantó la idea de combinar estos dos mundos [el de los especialistas en música antigua y el clásico tradicional], que no deberían estar tan separados".

Steven Isserlis (Londres, 1958)) / JEAN-BAPTISTE MILLOT

El concepto del programa estaba ya diseñado cuando el grupo contactó con el violonchelista británico, pero "cuando le dijimos que queríamos que tocara un concierto de Carl Philipp Emanuel Bach, lo escogió él. Y luego, cuando surgió la idea de hacer un segundo concierto, fue él quien nos sugirió el nombre de Boccherini. Yo quería abordar el último Barroco y los comienzos del Clasicismo, así que me pareció que iba a funcionar muy bien, porque nuestra mirada quería ir hacia delante en el tiempo".

El programa lleva el título de Tormenta y calma, en relación al carácter de las obras interpretadas, que se mueven entre el estilo galante, el Sturm und Drang y el estilo sensible, todos desarrollados a mediados del XVIII, cuando estaba surgiendo lo que conocemos como Clasicismo musical. Lo galante es aún perceptible en el Concierto para violonchelo en sol mayor de Boccherini, la obra más tardía de las que se escucharán (se publicó en París en 1770, cuando el compositor trabajaba en Madrid al servicio del infante don Luis de Borbón), una obra en la que se combinan las líneas melódicas muy ornamentadas, un extraordinario virtuosismo y un tiempo lento en el que se expresa la vena más melancólica del compositor.

[Ignacio Prego (Madrid, 1981) / MICHAL NOVAK]

C. P. E. Bach está presente además de por el más popular de sus conciertos para violonchelo, el escrito en la mayor en la corte berlinesa a principios de la década de 1750, en un estilo ya cercano al sensible, que hacía mayor énfasis en el aspecto más emotivo de la música, por una de las Sinfonías que escribió al poco de llegar a Berlín, en 1741. Allí, Bach coincidió con Carl Heinrich Graun, que era entonces maestro de capilla y del que el grupo interpretará una Sinfonía que, en palabras de Ignacio Prego, "es una obra magnífica. Graun es sorprendentemente un compositor muy poco tocado y grabado. Esta es la segunda parte de una obra que se llama Obertura y Sinfonía en do mayor y que es muy poco conocida".

Mientras Graun y el más célebre de los hijos del gran Johann Sebastian Bach estaban ya escribiendo música que apuntaba al estilo clásico, un compositor como Pietro Antonio Locatelli, que residía a principios de la década de 1740 en Ámsterdam, publicaba aún colecciones de concerti grossi, forma típicamente barroca. "Este concierto de su Op.7 es también muy poco tocado y hay muy pocas grabaciones de él. Como con Graun me resulta sorprendente, porque se trata de una música fantástica", concluye el clavecinista madrileño.

[Diario de Sevilla. 20-01-2023]

[elmartillosinmetre]

Mi crítica del concierto de La Ritirata anoche en el Alcázar.

[elmartillosinmetre]

“En medio de una grabación hay a veces momentos de magia”

[El conjunto Tiento Nuovo con la formación que ha grabado este CD. / NOAH SHAYE]

Tiento Nuovo, el conjunto del clavecinista Ignacio Prego, debuta en Glossa con un álbum dedicado a los concerti grossi que Charles Avison escribió a partir de Sonatas de Scarlatti

Cinco años cumple ahora el conjunto Tiento Nuovo, que fundara Ignacio Prego (Madrid, 1981) casi recién vuelto a España de su larga estancia neoyorquina. "Mi última grabación como solista fueron las Goldberg de mi debut en Glossa, que hice en 2016. El grupo ha tenido una actividad muy intensa. Yo había participado en alguna grabación con otros conjuntos, pero ni en solitario ni con mi grupo había vuelto a grabar desde entonces".

–Y aquí lo hace por partida doble, como clavecinista y como director del conjunto... –Exacto. Quería que el primer disco de Tiento Nuovo recogiera mi doble vertiente como director del grupo y clavecinista. Y al final nos decantamos por este repertorio, que es una maravilla. Escogimos cuatro de los concerti grossi de Avison y yo toco como solista cuatro sonatas de Scarlatti. Combina los dos campos de manera magistral.

–Hábleme de la relación entre ambos compositores. –Es muy interesante. Avison era un gran admirador de Scarlatti. Pero veía en sus sonatas un potencial mayor que el propio Scarlatti. En su famoso Ensayo sobre la expresión musical dice que son sonatas que pecan de repetir mucho, que están escritas de manera que dificulta al intérprete y al que escucha exprimir la esencia de la obra. Así que por un lado, lo admira muchísimo y por eso lo utiliza, pero por otro, y a su forma de ver, claro, lo mejora. Y lo cierto es que le da una dimensión nueva. Conviene añadir también que muchos de los movimientos de los conciertos no tienen base en Scarlatti. Avison era un gran compositor y un gran orquestador. Cuando usa a Scarlatti, pasa a la orquesta su música, pero también añade voces y a menudo simplemente coge una idea de unos pocos compases y la desarrolla para crear una pieza que no tiene nada que ver con la obra de Scarlatti en sí. Desde su punto de vista, lo que hace es limpiar la maleza de esas obras, allanarlas para que el que escucha las disfrute más. También piensa que está ayudando al clavecinista a entender mejor las obras a través de su orquestación, al dotar a cada voz de una instrumentación clara y única. Así que son obras geniales cada una en su género. Funcionan a la perfección.

–Interpreta como solista cuatro Sonatas de Scarlatti, pero sólo una de ellas aparece en uno de los conciertos que graba... –Sí, es la K11, que está en do menor y Avison la orquesta y la parafrasea en re menor, como segundo movimiento de su 5º concierto. Yo quería huir del disco pedagógico, de tocar las mismas sonatas que Avison orquestó para los conciertos que escogimos. Me parecía demasiado obvio. Lo hice una vez como un guiño, un ejemplo. Lo que quería es que esas sonatas de Scarlatti sirvieran de intermedio entre los grossi, como forma de aligerar la escucha y crear ese contraste. Una manera de ayudar al oyente. Creo que funciona muy bien.

–Se toma también la libertad de sustituir en unos pasajes del Concierto nº12 la parte del primer violín por el clave... –En cuestiones de instrumentación y ornamentación nos hemos tomado libertades. Pero eso lo pide la música. Hay que evitar ser más papistas que el Papa. Son obras abiertas. En este caso queríamos hacer ese guiño a lo que podría haber sido un concierto para clave de Scarlatti, que es una pena que no exista (o no se haya encontrado). Hicimos ese pequeño guiño a ese concierto que nunca existió. Creo que funciona muy bien ese pasaje.

–¿La pretensión de literalidad en la música antigua pasó a mejor vida? –Si es que algún día existió. Esto es un péndulo. Estamos lejos de lo que ya sabemos que se hacía en la época. Hablamos de una manera de interpretar que no era para un auditorio con 500 personas religiosamente en silencio, esperando a que no fallaras una sola nota. Ni tampoco era espérate que voy a coger una variación de las Goldberg y voy a hacer aquí lo que a mí me apetezca, que, bueno, puede funcionar en muchas situaciones, me parece fantástico que se haga. Lo importante es que la música esté viva. Y eso conlleva tener una visión muy abierta en opciones de ornamentación, y para eso hay que conocer muy bien lo que se hacía, conocer las fuentes, pero huir de la obligación que te ata a la literalidad, pues eso ha dado lugar a reproducciones que sólo eran producto de malentendidos. En el fondo esa pretensión de autenticidad absoluta fue un postromanticismo malentendido. Hubo una época en que se escribieron todo tipo de ritardandos, accelerandos, dinámicas y se entendió que recuperar el pasado implicaba asumir aquello que quedó escrito. Y todavía hay gente así, gente que toca con instrumentos modernos y van a Bach y de repente ves que no hacen uso de las dinámicas.

–¿Falta de conocimiento del estilo y la tradición interpretativa? –Exacto. Lo que pasa es que cuanto más se conoce la época más se entiende la libertad de los intérpretes entonces, y eso implicaba reescribir a menudo, e improvisar, que era un arte en sí mismo. Sorprende la poca capacidad del intérprete de hoy, incluso del especialista, para improvisar. Un músico del XVII en Italia si no sabía hacer un preludio, ¿entonces qué hacía? Si es que hacían eso, se dedicaban básicamente a eso. La música escrita era lo minoritario.

–¿Hicieron este programa en concierto antes de grabarlo? –Lo hicimos para los ciclos del CNDM en Salamanca y León el año pasado, aunque era una formación ligeramente diferente. Grabamos con Emmanuel Resche-Caserta de concertino. Conozco a Emmanuel desde mi época en la Juilliard de Nueva York. Él estaba en el Conservatorio de París y fue un año a hacer un intercambio. Ahora mismo es el concertino de Les Arts Florissants junto a Hiro Kurosaki. Empezó desde el principio con el grupo y ha hecho muchos conciertos con nosotros. Pero tiene mucho trabajo por todas partes. Y yo estoy muy a gusto con él, es una maravilla. En esta grabación está espléndido.

–El disco fue grabado en octubre, en medio de la pandemia. ¿Cómo le ha afectado? –Estaba previsto para la primavera cuando estalló todo y tuvimos que retrasarlo varias veces. Imagino que el impacto no será muy diferente al de los demás. Ha sido traumático por las cancelaciones, sobre todo en el exterior. Tenía giras cerradas en Estados Unidos, Canadá, Colombia. Y eso se canceló, no se reprogramó. Había mucho trabajo fuera y me quedé a cero. En España se han cancelado cosas, pero algo más de la mitad se reprogramó. En Madrid hemos tenido mucha suerte con eso. ¿Eso significa que somos unos privilegiados como se está diciendo? Bueno, puede decirse así. Pero en realidad esto es producto de la necesidad. Es un sector que no tiene ayudas apenas. En Francia o en Alemania los grupos pueden subsistir porque están apoyados. En Alemania cerraron, pero pagando el 80% de la facturación del año anterior. Aquí habría sido una catástrofe si se hubiera cerrado todo un año. El estado no tiene instrumentos para mantener a tantos grupos sin trabajar. De todos modos, también se ha demostrado que la solución que adoptamos funciona, con aforos más reducidos, pero funciona. Nuestra experiencia aquí es que se ha hecho un esfuerzo por mantener la actividad. Aunque con excepciones, porque te cancelan cosas un poco sorprendentes, y no sabes dónde va ese dinero público ya comprometido. Ha sido una época complicada, y lo sigue siendo. Hubo un momento en que lo vi como una oportunidad, porque podría recolocar formas de pensar entre programadores y teatros, que esto funcionara como una reivindicación del sector (es una palabra que odio, pero bueno) en España. Pero no por caridad, sino por calidad. Lo nuestro no tiene nada que envidiar a lo de fuera. Pensé que era una oportunidad de que se dieran cuenta de que esto es algo importante, pero no las tengo todas conmigo de que haya calado esa idea. Sigo viendo cosas que me llevan los demonios. A ti te racanean tener tres o cuatro por cuerda. Que somos muchos, nos dicen. Es un complejo constante. Vamos fuera y triunfamos y te cogen como referencia para determinados repertorios… En fin. Es una lacra nacional. Un complejo de inferioridad que nos ha perseguido y nos sigue persiguiendo.

[Ignacio Prego y Diego Ares en el pasado Femás de Sevilla. / FRANCISCO ROLDÁN]

–En el pasado Femás actuó en un exitoso programa a dúo con otro clavecinista, Diego Ares. ¿Cómo surgió la idea de hacer algo así, no demasiado frecuente? –Diego y yo nos profesábamos admiración mutua. Nos conocemos a través de un amigo común, Alberto Martínez. Desde el principio nos llevamos muy bien. Nos une además Richard Egarr, que fue mi maestro en Nueva York, y Diego había estudiado también con él. Los dos adoramos a Richard Egarr. Nos identificamos mucho con su manera de ver la música, su energía, es un volcán ese hombre. Vimos la oportunidad de hacer algo juntos cuando me pidieron un par de programas en un par de festivales, y lo preparamos. Luego curiosamente no acabamos haciéndolos en esos festivales porque llegó esta época mala, pero pudimos hacerlo en el Femás y en el Festival de Arte Sacro de Madrid, y ha sido una experiencia maravillosa. Seguro que vamos a seguir haciendo cosas juntos. Espero que pronto quede grabado también. Hemos disfrutado como niños. Ha sido una bocanada de aire fresco.

–Sigue creyendo en el disco como herramienta exactamente para qué... –Al final el disco es un día, es lo que haces en ese día. Yo no lo veo como una autobiografía. Creo en el arte y el artista como algo muy fugaz, muy pasajero, depende mucho de tu día, tu estado de ánimo. Es lo que es, y no va más allá. Es una carta de presentación, de estar presente, de que la gente sepa lo que haces y lo que puedes llegar a hacer y te contrate. En ese sentido es una parte de producción del propio artista. Yo me escucho pasados los años y veo las cosas de forma totalmente diferente, obras que tocas de forma totalmente diferente. Eso también es bonito. Tener esa flexibilidad.

–No deja de ser el retrato de cómo entiende su oficio y su arte en un momento determinado... –Lo más bonito son las sorpresas que te llevas durante la grabación, porque en medio hay a veces momentos de magia. Antes de grabar es fundamental la elección de tus compañeros, porque la interacción puede llegar a resultar mágica. Y cuando te rodeas tan bien como yo en este disco de Avison aparecen cosas que no pensaba que surgieran ni en mis mejores sueños.

–No está todo planificado. –Ni mucho menos.

–¿Hay espacio para la experimentación? –Está el artista que llega con todo claro, y eso suele ser un freno. Y está el artista que se deja llevar por la energía del grupo. Las grabaciones atraviesan momentos diferentes, algunos en los que lo tienes todo muy claro, y puede funcionar así. Pero hay momentos en que uno, aún sin renunciar a su función de liderazgo, que es también crucial, se abandona, se abre a lo que está pasando. Si estás bien rodeado, de ahí surge la magia. En esta grabación la energía ha sido muy especial. Y eso se nota en el disco. Me siento muy orgulloso de eso.

[Diario de Sevilla. 31-05-2021]

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