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elmartillosinmetre · 2 years

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Un violonchelista inglés por las cortes de Europa

[El conjunto Tiento Nuovo en una foto de archivo. / NOAH SHAYE]

El violonchelista británico Steven Isserlis y el conjunto madrileño Tiento Nuovo dirigido por Ignacio Prego ofrecen en el Espacio Turina un concierto con música del siglo XVIII

El prestigioso violonchelista británico Steven Isserlis (Londres, 1958) debuta este sábado en el Espacio Turina de Sevilla en un recital en el que tocará dos conciertos dieciochescos junto al conjunto madrileño Tiento Nuovo, que fundó en 2016 y dirige desde entonces el clavecinista Ignacio Prego. El concierto cierra una minigira que incluye otros dos conciertos, la apertura el jueves 19 del XX Ciclo de Músicas Históricas de León y una cita el viernes 20 del Universo Barroco que el Centro Nacional de Difusión Musical desarrolla en el Auditorio Nacional de Madrid.

Isserlis "no pertenece al mundo historicista, pero es una persona comprometida, informada, muchos más informada que la mayoría de los que así se llaman", comenta Prego en conversación con este periódico. "Lo conozco desde hace mucho, a través de María, mi mujer, que es la violonchelista de nuestro grupo. Pero lo admiraba desde antes, porque crecí con sus grabaciones. Fue de los primeros violonchelistas en tocar con tripa entorchada a Brahms, a Dvorák y lo que sea, y lo sigue haciendo. Ha colaborado con muchos grupos de música antigua; lo ha hecho con una mentalidad más tradicional si quiere, en el sentido de artista integral y no de especialista. Pero lo respeta todo, lo conoce todo. Cuando surgió la oportunidad de hacer este proyecto me encantó la idea de combinar estos dos mundos [el de los especialistas en música antigua y el clásico tradicional], que no deberían estar tan separados".

Steven Isserlis (Londres, 1958)) / JEAN-BAPTISTE MILLOT

El concepto del programa estaba ya diseñado cuando el grupo contactó con el violonchelista británico, pero "cuando le dijimos que queríamos que tocara un concierto de Carl Philipp Emanuel Bach, lo escogió él. Y luego, cuando surgió la idea de hacer un segundo concierto, fue él quien nos sugirió el nombre de Boccherini. Yo quería abordar el último Barroco y los comienzos del Clasicismo, así que me pareció que iba a funcionar muy bien, porque nuestra mirada quería ir hacia delante en el tiempo".

El programa lleva el título de Tormenta y calma, en relación al carácter de las obras interpretadas, que se mueven entre el estilo galante, el Sturm und Drang y el estilo sensible, todos desarrollados a mediados del XVIII, cuando estaba surgiendo lo que conocemos como Clasicismo musical. Lo galante es aún perceptible en el Concierto para violonchelo en sol mayor de Boccherini, la obra más tardía de las que se escucharán (se publicó en París en 1770, cuando el compositor trabajaba en Madrid al servicio del infante don Luis de Borbón), una obra en la que se combinan las líneas melódicas muy ornamentadas, un extraordinario virtuosismo y un tiempo lento en el que se expresa la vena más melancólica del compositor.

[Ignacio Prego (Madrid, 1981) / MICHAL NOVAK]

C. P. E. Bach está presente además de por el más popular de sus conciertos para violonchelo, el escrito en la mayor en la corte berlinesa a principios de la década de 1750, en un estilo ya cercano al sensible, que hacía mayor énfasis en el aspecto más emotivo de la música, por una de las Sinfonías que escribió al poco de llegar a Berlín, en 1741. Allí, Bach coincidió con Carl Heinrich Graun, que era entonces maestro de capilla y del que el grupo interpretará una Sinfonía que, en palabras de Ignacio Prego, "es una obra magnífica. Graun es sorprendentemente un compositor muy poco tocado y grabado. Esta es la segunda parte de una obra que se llama Obertura y Sinfonía en do mayor y que es muy poco conocida".

Mientras Graun y el más célebre de los hijos del gran Johann Sebastian Bach estaban ya escribiendo música que apuntaba al estilo clásico, un compositor como Pietro Antonio Locatelli, que residía a principios de la década de 1740 en Ámsterdam, publicaba aún colecciones de concerti grossi, forma típicamente barroca. "Este concierto de su Op.7 es también muy poco tocado y hay muy pocas grabaciones de él. Como con Graun me resulta sorprendente, porque se trata de una música fantástica", concluye el clavecinista madrileño.

[Diario de Sevilla. 20-01-2023]

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elmartillosinmetre · 4 years

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Mi crítica del concierto de La Ritirata anoche en el Alcázar.

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elmartillosinmetre · 3 years

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“En medio de una grabación hay a veces momentos de magia”

[El conjunto Tiento Nuovo con la formación que ha grabado este CD. / NOAH SHAYE]

Tiento Nuovo, el conjunto del clavecinista Ignacio Prego, debuta en Glossa con un álbum dedicado a los concerti grossi que Charles Avison escribió a partir de Sonatas de Scarlatti

Cinco años cumple ahora el conjunto Tiento Nuovo, que fundara Ignacio Prego (Madrid, 1981) casi recién vuelto a España de su larga estancia neoyorquina. "Mi última grabación como solista fueron las Goldberg de mi debut en Glossa, que hice en 2016. El grupo ha tenido una actividad muy intensa. Yo había participado en alguna grabación con otros conjuntos, pero ni en solitario ni con mi grupo había vuelto a grabar desde entonces".

–Y aquí lo hace por partida doble, como clavecinista y como director del conjunto... –Exacto. Quería que el primer disco de Tiento Nuovo recogiera mi doble vertiente como director del grupo y clavecinista. Y al final nos decantamos por este repertorio, que es una maravilla. Escogimos cuatro de los concerti grossi de Avison y yo toco como solista cuatro sonatas de Scarlatti. Combina los dos campos de manera magistral.

–Hábleme de la relación entre ambos compositores. –Es muy interesante. Avison era un gran admirador de Scarlatti. Pero veía en sus sonatas un potencial mayor que el propio Scarlatti. En su famoso Ensayo sobre la expresión musical dice que son sonatas que pecan de repetir mucho, que están escritas de manera que dificulta al intérprete y al que escucha exprimir la esencia de la obra. Así que por un lado, lo admira muchísimo y por eso lo utiliza, pero por otro, y a su forma de ver, claro, lo mejora. Y lo cierto es que le da una dimensión nueva. Conviene añadir también que muchos de los movimientos de los conciertos no tienen base en Scarlatti. Avison era un gran compositor y un gran orquestador. Cuando usa a Scarlatti, pasa a la orquesta su música, pero también añade voces y a menudo simplemente coge una idea de unos pocos compases y la desarrolla para crear una pieza que no tiene nada que ver con la obra de Scarlatti en sí. Desde su punto de vista, lo que hace es limpiar la maleza de esas obras, allanarlas para que el que escucha las disfrute más. También piensa que está ayudando al clavecinista a entender mejor las obras a través de su orquestación, al dotar a cada voz de una instrumentación clara y única. Así que son obras geniales cada una en su género. Funcionan a la perfección.

–Interpreta como solista cuatro Sonatas de Scarlatti, pero sólo una de ellas aparece en uno de los conciertos que graba... –Sí, es la K11, que está en do menor y Avison la orquesta y la parafrasea en re menor, como segundo movimiento de su 5º concierto. Yo quería huir del disco pedagógico, de tocar las mismas sonatas que Avison orquestó para los conciertos que escogimos. Me parecía demasiado obvio. Lo hice una vez como un guiño, un ejemplo. Lo que quería es que esas sonatas de Scarlatti sirvieran de intermedio entre los grossi, como forma de aligerar la escucha y crear ese contraste. Una manera de ayudar al oyente. Creo que funciona muy bien.

–Se toma también la libertad de sustituir en unos pasajes del Concierto nº12 la parte del primer violín por el clave... –En cuestiones de instrumentación y ornamentación nos hemos tomado libertades. Pero eso lo pide la música. Hay que evitar ser más papistas que el Papa. Son obras abiertas. En este caso queríamos hacer ese guiño a lo que podría haber sido un concierto para clave de Scarlatti, que es una pena que no exista (o no se haya encontrado). Hicimos ese pequeño guiño a ese concierto que nunca existió. Creo que funciona muy bien ese pasaje.

–¿La pretensión de literalidad en la música antigua pasó a mejor vida? –Si es que algún día existió. Esto es un péndulo. Estamos lejos de lo que ya sabemos que se hacía en la época. Hablamos de una manera de interpretar que no era para un auditorio con 500 personas religiosamente en silencio, esperando a que no fallaras una sola nota. Ni tampoco era espérate que voy a coger una variación de las Goldberg y voy a hacer aquí lo que a mí me apetezca, que, bueno, puede funcionar en muchas situaciones, me parece fantástico que se haga. Lo importante es que la música esté viva. Y eso conlleva tener una visión muy abierta en opciones de ornamentación, y para eso hay que conocer muy bien lo que se hacía, conocer las fuentes, pero huir de la obligación que te ata a la literalidad, pues eso ha dado lugar a reproducciones que sólo eran producto de malentendidos. En el fondo esa pretensión de autenticidad absoluta fue un postromanticismo malentendido. Hubo una época en que se escribieron todo tipo de ritardandos, accelerandos, dinámicas y se entendió que recuperar el pasado implicaba asumir aquello que quedó escrito. Y todavía hay gente así, gente que toca con instrumentos modernos y van a Bach y de repente ves que no hacen uso de las dinámicas.

–¿Falta de conocimiento del estilo y la tradición interpretativa? –Exacto. Lo que pasa es que cuanto más se conoce la época más se entiende la libertad de los intérpretes entonces, y eso implicaba reescribir a menudo, e improvisar, que era un arte en sí mismo. Sorprende la poca capacidad del intérprete de hoy, incluso del especialista, para improvisar. Un músico del XVII en Italia si no sabía hacer un preludio, ¿entonces qué hacía? Si es que hacían eso, se dedicaban básicamente a eso. La música escrita era lo minoritario.

–¿Hicieron este programa en concierto antes de grabarlo? –Lo hicimos para los ciclos del CNDM en Salamanca y León el año pasado, aunque era una formación ligeramente diferente. Grabamos con Emmanuel Resche-Caserta de concertino. Conozco a Emmanuel desde mi época en la Juilliard de Nueva York. Él estaba en el Conservatorio de París y fue un año a hacer un intercambio. Ahora mismo es el concertino de Les Arts Florissants junto a Hiro Kurosaki. Empezó desde el principio con el grupo y ha hecho muchos conciertos con nosotros. Pero tiene mucho trabajo por todas partes. Y yo estoy muy a gusto con él, es una maravilla. En esta grabación está espléndido.

–El disco fue grabado en octubre, en medio de la pandemia. ¿Cómo le ha afectado? –Estaba previsto para la primavera cuando estalló todo y tuvimos que retrasarlo varias veces. Imagino que el impacto no será muy diferente al de los demás. Ha sido traumático por las cancelaciones, sobre todo en el exterior. Tenía giras cerradas en Estados Unidos, Canadá, Colombia. Y eso se canceló, no se reprogramó. Había mucho trabajo fuera y me quedé a cero. En España se han cancelado cosas, pero algo más de la mitad se reprogramó. En Madrid hemos tenido mucha suerte con eso. ¿Eso significa que somos unos privilegiados como se está diciendo? Bueno, puede decirse así. Pero en realidad esto es producto de la necesidad. Es un sector que no tiene ayudas apenas. En Francia o en Alemania los grupos pueden subsistir porque están apoyados. En Alemania cerraron, pero pagando el 80% de la facturación del año anterior. Aquí habría sido una catástrofe si se hubiera cerrado todo un año. El estado no tiene instrumentos para mantener a tantos grupos sin trabajar. De todos modos, también se ha demostrado que la solución que adoptamos funciona, con aforos más reducidos, pero funciona. Nuestra experiencia aquí es que se ha hecho un esfuerzo por mantener la actividad. Aunque con excepciones, porque te cancelan cosas un poco sorprendentes, y no sabes dónde va ese dinero público ya comprometido. Ha sido una época complicada, y lo sigue siendo. Hubo un momento en que lo vi como una oportunidad, porque podría recolocar formas de pensar entre programadores y teatros, que esto funcionara como una reivindicación del sector (es una palabra que odio, pero bueno) en España. Pero no por caridad, sino por calidad. Lo nuestro no tiene nada que envidiar a lo de fuera. Pensé que era una oportunidad de que se dieran cuenta de que esto es algo importante, pero no las tengo todas conmigo de que haya calado esa idea. Sigo viendo cosas que me llevan los demonios. A ti te racanean tener tres o cuatro por cuerda. Que somos muchos, nos dicen. Es un complejo constante. Vamos fuera y triunfamos y te cogen como referencia para determinados repertorios… En fin. Es una lacra nacional. Un complejo de inferioridad que nos ha perseguido y nos sigue persiguiendo.

[Ignacio Prego y Diego Ares en el pasado Femás de Sevilla. / FRANCISCO ROLDÁN]

–En el pasado Femás actuó en un exitoso programa a dúo con otro clavecinista, Diego Ares. ¿Cómo surgió la idea de hacer algo así, no demasiado frecuente? –Diego y yo nos profesábamos admiración mutua. Nos conocemos a través de un amigo común, Alberto Martínez. Desde el principio nos llevamos muy bien. Nos une además Richard Egarr, que fue mi maestro en Nueva York, y Diego había estudiado también con él. Los dos adoramos a Richard Egarr. Nos identificamos mucho con su manera de ver la música, su energía, es un volcán ese hombre. Vimos la oportunidad de hacer algo juntos cuando me pidieron un par de programas en un par de festivales, y lo preparamos. Luego curiosamente no acabamos haciéndolos en esos festivales porque llegó esta época mala, pero pudimos hacerlo en el Femás y en el Festival de Arte Sacro de Madrid, y ha sido una experiencia maravillosa. Seguro que vamos a seguir haciendo cosas juntos. Espero que pronto quede grabado también. Hemos disfrutado como niños. Ha sido una bocanada de aire fresco.

–Sigue creyendo en el disco como herramienta exactamente para qué... –Al final el disco es un día, es lo que haces en ese día. Yo no lo veo como una autobiografía. Creo en el arte y el artista como algo muy fugaz, muy pasajero, depende mucho de tu día, tu estado de ánimo. Es lo que es, y no va más allá. Es una carta de presentación, de estar presente, de que la gente sepa lo que haces y lo que puedes llegar a hacer y te contrate. En ese sentido es una parte de producción del propio artista. Yo me escucho pasados los años y veo las cosas de forma totalmente diferente, obras que tocas de forma totalmente diferente. Eso también es bonito. Tener esa flexibilidad.

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–No deja de ser el retrato de cómo entiende su oficio y su arte en un momento determinado... –Lo más bonito son las sorpresas que te llevas durante la grabación, porque en medio hay a veces momentos de magia. Antes de grabar es fundamental la elección de tus compañeros, porque la interacción puede llegar a resultar mágica. Y cuando te rodeas tan bien como yo en este disco de Avison aparecen cosas que no pensaba que surgieran ni en mis mejores sueños.

–No está todo planificado. –Ni mucho menos.

–¿Hay espacio para la experimentación? –Está el artista que llega con todo claro, y eso suele ser un freno. Y está el artista que se deja llevar por la energía del grupo. Las grabaciones atraviesan momentos diferentes, algunos en los que lo tienes todo muy claro, y puede funcionar así. Pero hay momentos en que uno, aún sin renunciar a su función de liderazgo, que es también crucial, se abandona, se abre a lo que está pasando. Si estás bien rodeado, de ahí surge la magia. En esta grabación la energía ha sido muy especial. Y eso se nota en el disco. Me siento muy orgulloso de eso.

[Diario de Sevilla. 31-05-2021]

EL CD EN SPOTIFY

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elmartillosinmetre · 4 years

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El consuelo del padre

[Vox Luminis. La foto es de Tom Blaton]

Bach es la referencia fundamental de la programación del Femás 2021 que, del 6 de marzo al 4 de abril, mira sobre todo por el tejido nacional

Tras la cancelación de la edición de 2020, y en medio aún de la conmoción de la epidemia, pareciera que el Festival de Música Antigua de Sevilla buscara el consuelo de la gran divinidad de la música, de Bach, ese padre al que uno nunca se cansa de acudir. Entre medias hubo que enterrar la idea de un ciclo dedicado a otro gran patriarca de la música occidental, Josquin Desprez, figura central del Renacimiento, de quien en 2021 se cumplen 500 años de su muerte. Los problemas de movilidad a causa de la pandemia han puesto muy difícil la planificación con conjuntos foráneos (especialmente, los ingleses), y es cierto que quizás no hay tantos grupos nacionales para rendir el tributo que un maestro de la talla de Josquin merece.

En cualquier caso, un programa en torno a la emocionante Missa Pange Lingua cerrará este año la muestra, en un proyecto local que vendrá a dirigir el maestro italiano Marco Mencoboni. Lo local tiene también un peso aún más importante de lo que ya es habitual en un festival que suele apoyar año tras año al tejido productivo propio, pues sólo seis de las veinticinco citas previstas pueden considerarse venidas de fuera de España. Eso sí, algunas son especialmente relevantes, como el concierto inaugural, que acerca por primera vez a Sevilla a uno de los conjuntos punteros de la música antigua europea, el grupo coral Vox Luminis (junto a los solistas de la Barroca de Friburgo en un programa que incluirá uno de los Réquiems de Biber) o la tradicional visita al Maestranza del Sábado de Pasión, que en principio estaba prevista como cierre y que traerá a Fabio Biondi y su Europa Galante con un pastiche de Vivaldi (Argippo) en versión de concierto. Este espectáculo supondrá también el regreso de Vivica Genaux al teatro en el que no hay día que no triunfe (desde el ya lejano Alahor en Granada de 1998, cuando era una principiante, a su vibrante duelo, aún reciente, con Ann Hallenberg).

Como otros años, la música medieval se soporta en intérpretes locales: Artefactum y su homenaje a Alfonso X en el 800 aniversario de su nacimiento y José Luis Pastor y sus cuerdas pulsadas. Más nutrida se muestra este año la música del Renacimiento, aunque se levanta también casi tirando íntegramente de grupos sevillanos, pues al programa con Josquin se suma un interesante acercamiento de Ministriles Hispalensis a la música procesional, que se ha programado (¡este año se puede!) el Jueves Santo, y la mirada que Vandalia estrenó en 2020 en el Festival de Granada sobre la Misa de Bomba de Pedro Bermúdez. El mundo del madrigal italiano estará también representado, aunque a través de una sola voz, la de la soprano francesa de residencia española Perrine Devillers, que estará arropada por el laúd de Ariel Abramovich.

Con el recital de Accademia del Piacere en torno a las Lachrimae de Dowland que podemos considerar de transición, el grueso de la programación es barroco, y en él, la figura central es la del padre, la de Bach, Hasta siete programas le están dedicados casi en exclusiva, incluyendo integrales de sus Suites para violonchelo y de los Conciertos de Brandeburgo (que traerá uno de los conjuntos más bachianos del mundo, Café Zimmermann). Los dos programas más heterodoxos de la muestra tienen que ver con Bach: serán el de Sergey Malov, que tocará su Partita para violín solo nº2 (¡la de la inmortal chacona!) pero luego hará improvisaciones con un violín eléctrico; y el que ofrecerán el armonicista Antonio Serrano, el teclista Daniel Oyarzabal y el contrabajista Pablo Martín-Caminero, que causó auténtica conmoción hace unas semanas en su estreno madrileño.

Bach traerá también el debut en el Festival de la flautista Dorothee Oberlinger y del laudista Edin Karamazov y permitirá que dos grandes clavecinistas españoles (Ignacio Prego y Diego Ares) toquen juntos. También es nuevo en el Festival el conjunto La Guirlande, que llega con un programa de barroco colonial, y repiten algunos valores seguros (Lina Tur Bonet, Javier Núñez, Los Músicos de Su Alteza, La Real Cámara o Enrike Solinís). Este año, la OBS ofrecerá un programa dos días consecutivos con el fagotista Sergio Azzolini como solista y director para sendos recitales en torno a Vivaldi. Y Juan Pérez Floristán hará al menos uno de los tres conciertos que estaban previstos en la edición pasada: tocará en una copia de un piano inglés de hacia 1800 sonatas de Beethoven y la Fantasía del caminante de Schubert, obra que le acompaña desde el principio de su fulgurante carrera.

[Diario de Sevilla. 27-02-2021]

Siete citas para un paseo por la Historia

Por más que el Barroco sea el período dominante en la música antigua mundial (también en Sevilla), el Femás permite organizarse para dar un paseo por más de cinco siglos de historia. Este que propongo es uno de los recorridos posibles.

Artefactum (Sábado, 13 de marzo): Ego Rex. Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio. [Siglo XIII]

Vandalia (Miércoles, 17 de marzo): Misa de Bomba. Una ensalada de Mateo Flecha que inspiró la Misa de Bermúdez contextualizada con villanescas espirituales de Francisco Guerrero. [Siglo XVI]

Accademia del Piacere (Viernes, 19 de marzo): Ars Melancholiae. Las Lachrimae de Dowland contextualizadas con música inglesa del tiempo. [Principios del siglo XVII]

Vox Luminis & Freiburger BarockConsort (Sábado, 6 de marzo): Stabat Mater. Un concierto sacro de Christoph Bernhard como introducción al Stabat Mater de Steffani y al Réquiem en fa menor de Biber. [Finales del siglo XVII]

Café Zimmermann (Sábado, 20 de marzo): Conciertos de Brandeburgo. La integral. [Primer cuarto del siglo XVIII]

La Guirlande (Jueves, 18 de marzo): Brama sañudo el viento. Obras de Ignacio Jerusalem, Pietro Locatelli y José de Nebra entre otros. [Mediados del siglo XVIII]

Juan Pérez Floristán (Viernes, 2 de abril): Beethoven y Schubert. La Appassionata y la Op.31 nº3 de Beethoven junto a la Fantasía del caminante de Schubert. [Principios del siglo XIX]

#femás #música #music

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