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Motocicletas y cultura popular: Cómo han influido las motocicletas en la música, el cine y la moda

La motocicleta, encarnación de la libertad, el poder y la rebeldía, ha sido un importante icono cultural a lo largo de los siglos XX y XXI. El encanto de la carretera, el rugido del motor y el viento en la cara han cautivado la imaginación de innumerables personas. Como resultado, las motocicletas han dejado una huella indeleble en la música, el cine y la moda, convirtiéndose en un símbolo de contracultura e individualismo.

Las motos en la música

Desde la década de 1950, las motocicletas han sido un tema recurrente en la música popular, con artistas de todos los géneros cantando sobre las emociones y aventuras que conlleva la conducción sobre dos ruedas. A menudo, estas canciones no sólo hablan de la experiencia física de conducir, sino también de las emociones e ideas que representan las motos.

Elvis Presley, uno de los músicos más influyentes de la historia, cantó sobre motos en su éxito de 1964, “Roustabout”. La canción cuenta la historia de un trabajador de feria ambulante que vive para la emoción de la carretera abierta, una encarnación de la libertad y la independencia que simbolizan las motocicletas.

En el mundo del rock’n’roll, el clásico de 1968 de Steppenwolf, “Born to be Wild”, se ha convertido en el himno por excelencia de las motos. La letra de la canción habla de “salir a la carretera en busca de aventuras”, una invitación a liberarse de las limitaciones sociales y abrazar el espíritu de la carretera.

Las motocicletas también se han introducido en el género del hip-hop, con artistas como Tupac Shakur haciendo referencia a las motocicletas como símbolo de poder y rebelión. En su canción de 1996 “Me and My Girlfriend” (Yo y mi novia), Tupac utiliza la metáfora de una motocicleta para representar su relación de vida o muerte.

Las motos en la gran pantalla

Además de la música, las motocicletas han desempeñado un papel importante en la formación de la cultura popular a través de sus apariciones en el cine. La gran pantalla ha sido testigo de una gran variedad de películas sobre motocicletas, desde éxitos de taquilla llenos de acción hasta dramas introspectivos.

Una de las películas sobre motos más emblemáticas es el clásico de 1969, “Easy Rider”. Protagonizada por Peter Fonda y Dennis Hopper, la película sigue a dos moteros que recorren el paisaje americano en busca de libertad y autodescubrimiento. El retrato que hace la película de la contracultura y sus temas antisistema calaron en el público y consolidaron el papel de la motocicleta como símbolo de rebelión.

En 1986, “Top Gun” presentó al mundo la necesidad de velocidad de Tom Cruise en su Kawasaki GPZ900R. Las escenas de alto octanaje de la película ayudaron a establecer la moto deportiva como símbolo de potencia, velocidad y adrenalina.

Más recientemente, la serie “John Wick” ha mostrado a Keanu Reeves realizando increíbles acrobacias en moto en escenas de persecución llenas de acción, consolidando aún más el estatus de la motocicleta como símbolo de potencia, habilidad y audacia.

Moda inspirada en las motos

La influencia de las motocicletas en la moda se remonta a los años 20, cuando los hermanos Schott presentaron la primera chaqueta de motociclista, conocida como Perfecto. Esta robusta cazadora de cuero, con cremallera frontal asimétrica y cinturón en la cintura, se convirtió rápidamente en un básico entre los moteros y desde entonces ha sido adoptada por los amantes de la moda de todo el mundo.

Su popularidad se disparó en la década de 1950, cuando Marlon Brando se enfundó una en la película “The Wild One”. La interpretación de Brando de un motero rebelde ayudó a consolidar el estatus de la chaqueta como símbolo de contracultura y desafío a las normas sociales.

A lo largo de los años, la chaqueta de motorista ha evolucionado en varios estilos, desde el clásico diseño de cuero hasta opciones textiles y de malla. En la actualidad, grandes casas de moda como Saint Laurent, Gucci y Balmain han incorporado a sus colecciones sus propias interpretaciones de la chaqueta motera.

Las botas de motorista también se han hecho un hueco en la moda. Originalmente diseñadas para proteger y ser funcionales, las botas de motorista se han convertido en una prenda llamativa para aquellos que buscan dar un toque atrevido a su vestuario.

Conclusión

Las motocicletas han dejado una huella indeleble en la cultura popular, moldeando la música, el cine y la moda con su innegable atractivo. Como símbolos de libertad, poder y rebelión, las motocicletas han trascendido su propósito original y se han convertido en un elemento fijo en el ámbito del arte y la expresión personal. Mientras la carretera siga atrayendo, es seguro que las motocicletas mantendrán su venerado estatus en el mundo de la cultura pop.

Originally published at on https://viajeenmoto.com.ar April 8, 2023.

[elblogdelucia]

El pixel como entretenimiento.

A lo largo de la historia, se han desarrollado expresiones artísticas únicas, como el cine o la música. En cambio, el videojuego ha conseguido llegar más allá; uniendo narrativa y tecnología, además de dejar en el jugador la total decisión de su desarrollo. En el documental Gameplay: La historia de la revolución de los videojuegos, nos muestra el recorrido de una industria, la cual consiguió una nueva forma de entretener, gracias a videojuegos como:

1. Pong (1972). Uno de los primeros videojuegos comerciales de éxito, capaz de transportar al jugador de una pista de tenis de mesa a controlar la pelota con un joystick. De hecho, gracias a su fácil funcionamiento, fue justamente lo que atrapó a millones de jugadores, y, por ello, se consolidó como primera forma de entretenimiento en la industria del videojuego.

2. Space Invaders (1978). Podría definirse como "el clásico Arcade", ya que popularizó el género de los disparos y se definió como un fenómeno cultural en la época. Supuso el inicio de la época Arcade y las largas colas que se formaban para su uso, resultaron significativas de su gran éxito.

3. Super Mario Bros (1985). El icono mundial "Mario Mario" fue lanzado por Nintendo Entertainment System (NES). Provocó una nueva definición en las plataformas y estableció narrativas interactivas. Es considerado el juego que resucitó la industria tras la crisis de los videojuegos en 1983.

4. Doom (1993). Introdujo la novedad de los efectos 3D y estableció el género de los disparos en primera persona. Es pionero en las partidas multijugador en red. Además, su estilo y enfoque, fue clave como forma de inspiración para futuros juegos en 3D.

5. Grand Theft Auto III (2001). Se podría definir como uno de los juegos desarrollados en un mundo muy parecido al del jugador, pero con toques claramente de ficción. Rockstar Games lanzó GTA III, dicho nombre, revolucionó la forma en la que los jugadores se entretenían en un videojuego. Consiguió la demanda que tanto pedían los consumidores: libertad sin precedentes para explorar, interactuar y tomar decisiones en un entorno muy dinámico.

En conclusión, el conjunto de estos 5 videojuegos marcaron hitos tecnológicos y culturales, además de consolidarse como medios de evolución del videojuego. Gameplay, hace alusión a que sin la participación de estos 5 juegos, no se podría haber alcanzado esta experiencia inversiva, universal y única, que ofrece el videojuego.

Lucia Emma Alba Villamor. x.com/lucialba582946

[juantaak]

Lo que quiero interpretar en mi trabajo es la divinidad, quiero crear la Santa Marginal que esta ligada al grafiti, la Santa va mas que nada por que como yo soy del norte tengo muchos recuerdos de fiestas culturales, procesiones que se dedicaban a adorar a la virgen, mi intención es crear mi propia santa en donde posteriormente haré a la virgen para asi crear mi propio "mundo divino" a travez del grafiti y tener nuestros propios santos que represente a toda la población marginada de la escena del grafiti, es los que nos cuidaran al momento de salir a pintar a la calle.

Studium:

En mi obra, interpreto a la divinidad a través de una "Santa Marginal", ligada al graffiti, inspirada en los recuerdos de las procesiones y celebraciones de mi infancia en el norte, donde se adoran a la virgen y santos, esta imagen representa a todos aquellos marginados dentro de la escena del graffiti, actuando como símbolo de protección y pertenencia. Mi intención es que esta virgen no solo sea un icono, sino que una guardiana que nos cuida cada vez que salimos a pintar a las calles, en medio de una sociedad que a menudo nos excluye.

Punctum:

El Puctum de mi obra reside en el vinculo inesperado entre lo sagrado y marginal: esa imagen de una Santa protectora, casi una madre espiritual, que guarda y protege a quienes viven en los márgenes de la sociedad. En un contexto de exclusión, mi virgen simboliza el cuidado, el arraigo y la fortaleza, invitando a una conexión intima que resuena en quienes buscan protección y reconocimiento en sus propios espacios de expresión.

En esta publicación presento cuatro imágenes. Las primeras dos son de una sesión de fotos que me sirvió de inspiración para crear la obra final, la cual aparece en las imágenes restantes, mostrando el resultado terminado.

Titulo: Santa Marginal

Tecnica: Esmalte, Aerosol y tinta grafica sobre trupan.

Medidadas: 180x75

[modaentendencias]

Esta tendencia no tiene un lugar de origen como tal, ya que es el resultado de la evolución de diferentes influencias culturales, estilos de moda y movimientos sociales a lo largo del tiempo.

Los elementos de la estética "bom wife" pueden remontarse a las décadas de 1940 y 1950, cuando surgieron iconos de la moda y del cine que encarnaban la feminidad, la elegancia y la sensualidad, como Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Sophia Loren.

[malezanegra]

Cartografía crítica plantea que los mapas están influenciados por relaciones de poder, ideologías, contextos históricos y culturales, cuestionando su objetividad y supuesta neutralidad para la representación de espacios.

Desde la perspectiva de la cartografía crítica los mapas han sido utilizados históricamente como herramientas de colonización, control territorial y gestión de recursos marginalizando las comunidades que habitaban previamente el territorio. Las representaciones cartográficas han sido utilizadas para ejercer control sobre el territorio y sus recursos. Ambos tipos de mapas (la cartografia colonial y los mapas de cuenca) reflejan relaciones de poder, silencian voces marginadas y privilegian ciertas visiones del espacio sobre otras, siendo utilizadas como instrumentos para la privacion del derecho natural.

Memoria chilena y mapas de la cuenca del valle de Aconcagua, creative commons.

clasificar datos y conceptualizar la información que me interesa abordar

Como se hicieron dueños de la tierra? Cartografía colonial

Cómo se hicieron dueños del agua?

Cartografía de cuenca.

Especificar aquellos conceptos más relevantes para mi investigación

Cartografía crítica Cartografía colonialCartografía de cuencas

Búsqueda de metáforas y alegorías que representan aquellos conceptos

¿Cuánto olvido habita en los mapas?

encontrar los posibles iconos o códigos visuales

Cartografías del valle de aconcagua de la época colonial y la cartografía de cuencas.Proceso de selección y definición gráfica de los iconosUtilizaré parte del archivo colonial, específicamente de cartografía colonial.

También Utilizaré el mapa de la cuenca de aconcagua, ambos imponiendo su ideología de la propiedad privada por medio de la imagen.

Definición del formato de contención de los iconos gráficos las imágenes serán impresas en un pliego plegado con la forma de un mapa, donde cada cuadrilla será un mapa que se va multiplicando, será realizado en columnas de 3 pliegos donde la matriz será alterada en la medida que se avanza en la lectura de pliegos, cuestionando o borrando lo inscrito en los mapas.

Proceso compositivo del o los elementos visuales en el formato elegido

Se utilizará la repetición como método para transmitir las ideas, así como los mapas se reproducen para quedar grabados en el imaginario de las personas, llevando con esto sus ideologías y visiones de mundo.

La repetición también produce que estas ideas dejen de ser cuestionadas, bajo esta perspectiva planeo utilizar la repetición como un desgaste para mostrar cómo los mapas inscriben su ideología mientras borran la memoria.

[eclipseneonpost]

La Alta Costura para Caballero

La alta costura, tradicionalmente asociada con la moda femenina, ha tenido un impacto significativo en el diseño de prendas masculinas. Este concepto surge de las necesidades de ofrecer piezas exclusivas y personalizadas, reflejando tanto el estatus como el estilo individual del cliente.

Se estudiarán los orígenes y la evolución de la alta costura para caballero, resaltando su trascendencia en la industria de la moda. Además de explorar cómo este fenómeno ha influido en las tendencias actuales,centrándose en las casas de moda y en los efectos culturales.

Concepto de Alta Costura

El término “alta costura” proviene de del francés “haute couture” y se refiere a la confección artesanal de prendas exclusivas. Según la Federation de la Haute Couture el de la Mode en París, una casa de moda debe cumplir ciertos requisitos para ser reconocida como tal, incluyendo la creación de piezas hechas a medida para clientes privados, el mantenimiento de un taller en paris y la presentación de dos colecciones al año.

Origen

Aunque la alta costura inicialmente se enfocó en la moda femenina con diseñadores como CharlesFederick Worth en el siglo XIX, la moda masculina también comenzó a desarrollarse como una expresión de la elegancia y exclusividad. En Inglaterra, Savile Roa se convirtió en el epicentro de la sastrería de lujo durante el siglo XIX, siendo pionero en la creación de trajes personalizados. Este enfoque artesanal sentó las bases para lo que posteriormente se reconocería como alta costura masculina.

En Francia diseñadores como Paul Poiret y más tarde Pierre Cardin comenzaron a integrar elementos innovadores en la moda masculina, combinando el arte de la sastrería con conceptos de alta costura.

Influencia y Evolución

La alta costura masculina no sólo refleja la destreza técnica, sino también la evolución cultural y social. Durante el siglo XX, iconos como el Duque de Windsor popularizaron los trajes hechos a medida, consolidando su lugar en la moda de lujo. Con el tiempo, casas de moda como Dior Homme y Tom Ford redefinieron los estándares de la alta costura masculina al integrar diseños modernos y técnicas tradicionales.

En la actualidad, marcas como Giorgio Armani, Brioniy Ermenegildo Zetina continúan liderando el mercado, adaptándose a las necesidades de un público masculino más diverso y consciente de las tendencias globales.

Conclusión

El origen y desarrollo de la alta costura para caballeros representa una rica intersección entre la tradición y la innovación. Desde sus raíces en la sastrería británica hasta su expansión en las casas de modas francesas, este concepto ha evolucionado para satisfacer las demandas de los hombres modernos que valoran tanto la calidad como la exclusividad. Su impacto trasciende la moda, convirtiéndose en un símbolo de estatus y un reflejo de cambios culturales y sociales.

Referencias:

Fédération de la Haute Couture et de la Mode. (s/f). Fhcm.paris. Recuperado el 2 de marzo de 2025, de https://www.fhcm.paris/fr

Blackman, C. (2020). 100 Years of Fashion. London: Thames & Hudson.

Breward, C. (2016). The Suit: Form, Function, and Style, London: Reaktion Books.

Savile Row Bespoke Association. (2011, abril 20). Savile Row Bespoke. https://www.savilerowbespoke.com

[viajesnatoursmx]

Los mejores destinos para viajes de graduación en grupo

Graduarse es un momento especial que merece celebrarse con un viaje inolvidable. Viajar en grupo con amigos no solo fortalece los lazos, sino que también crea recuerdos únicos. A continuación, te presentamos los mejores destinos para disfrutar de tu viaje de graduación.

1. París, Francia

Conocida como la "Ciudad del Amor", París combina elegancia y romanticismo con una rica historia y una vibrante escena cultural. Ideal como destino para viajes de graduación.

Lugares destacados:

Torre Eiffel: Icono mundial, ofrece vistas panorámicas de la ciudad desde sus tres niveles. Iluminada por la noche, es un espectáculo imperdible.

Museo del Louvre: Hogar de miles de obras de arte, incluyendo la Mona Lisa y la Venus de Milo. Es uno de los museos más grandes y visitados del mundo.

Montmartre: Barrio bohemio famoso por sus calles empedradas, el Sacré-Cœur, y su legado artístico. Lugar perfecto para pasear y disfrutar de cafés parisinos.

Consejo: Considera reservar un tour grupal para aprovechar descuentos y experiencias exclusivas.

2. Cancún y la Riviera Maya

Otro clásico para graduados es Cancún. Sus aguas turquesas y arena blanca lo convierten en un sueño hecho realidad. En la Riviera Maya podrás:

Disfrutar de resorts todo incluido que ofrecen actividades como fiestas temáticas.

Explorar cenotes y practicar deportes como buceo y kayak.

Visitar ruinas mayas en Tulum o Chichén Itzá.

Viajar en grupo te permitirá dividir costos y disfrutar más de la experiencia.

3. Nueva York, Estados Unidos

Nueva York es famosa por su energía inagotable, su diversidad y su impacto cultural.

Lugares destacados:

Times Square: Centro neurálgico de la ciudad, conocido por sus luces brillantes, teatros de Broadway, y ambiente animado.

Central Park: Un oasis verde en medio de la ciudad, ideal para picnics, paseos en bicicleta o simplemente disfrutar de la naturaleza.

Estatua de la Libertad: Símbolo de libertad y democracia, accesible por ferry, ofrece vistas impresionantes de la ciudad y la bahía.

4. Tokio, Japón

Tokio es una fascinante mezcla de lo ultramoderno y lo tradicional, con tecnología de vanguardia coexistiendo con antiguas tradiciones culturales.

Lugares destacados:

Shibuya: Conocido por el famoso cruce de Shibuya, un símbolo de la moderna vida urbana de Tokio. Lleno de tiendas, restaurantes y entretenimiento.

Akihabara: El paraíso para los amantes de la tecnología y el anime, con tiendas de electrónica, videojuegos, y cultura otaku.

Templos históricos: Lugares como el Templo Senso-ji en Asakusa ofrecen una mirada a la espiritualidad y la historia de Japón.

5. Santorini, Grecia

Conocida por sus vistas espectaculares, casas blancas con techos azules, y atardeceres inolvidables, Santorini es el epítome de la belleza griega.

Lugares destacados:

Oia: Famosa por sus impresionantes puestas de sol, calles estrechas, y vistas al mar Egeo.

Fira: La capital de la isla, ofrece una mezcla de historia, cultura, y vibrante vida nocturna, con vistas panorámicas de la caldera.

Playas de Perissa y Kamari: Con arenas negras y aguas cristalinas, estas playas son ideales para relajarse y disfrutar del sol.

Cada uno de estos destinos ofrece una experiencia única para celebrar una graduación de forma inolvidable. ¿Te gustaría más información sobre alguno en particular?

Tips para disfrutar de tu viaje de graduación

Viajar con amigos para celebrar el fin de una etapa es una experiencia única. La clave para disfrutar al máximo está en la planificación y en asegurarse de que todos los detalles estén bajo control. Sigue estas recomendaciones para que tu viaje sea inolvidable. Para que todo salga perfecto, ten en cuenta estos consejos:

Planifica con antelación: Reserva vuelos y hospedaje con tiempo para obtener las mejores tarifas.

Elige actividades grupales: Esto fortalece la convivencia y asegura que todos disfruten.

Presupuesto compartido: Dividan los gastos para optimizar los recursos.

Los viajes de graduación son la oportunidad perfecta para celebrar un gran logro rodeado de amigos. Cancún, Los Cabos, París, New york y Grecia son destinos que ofrecen algo para todos los gustos.

[sofea-00]

Sharon Tate y Roman Polanski asisten a una proyección de 'Black Jesus' en el Festival de Cine de Cannes en Mayo de 1968. En ese momento, Tate y Polanski eran una de las parejas más renombradas de Hollywood, casándose unos meses antes en enero de 1968.

Sharon, conocida por su impresionante belleza y su creciente estatus de estrella, estaba en el pico de su carrera. Sus papeles en películas como Valley of the Dolls y The Fearless Vampire Killers habían llamado la atención, y su presencia en Cannes aumentó su creciente reputación como un icono de estilo. En la proyección, Tate exudó elegancia, a menudo fotografiada esos dias en Cannes con vestimenta elegante y de moda que personificaba el estilo de finales de los 60.

Roman Polanski, ya un aclamado director con películas como Rosemary's Baby y Repulsion, también fue una figura central en Cannes. Su talento como director y su matrimonio con Tate hicieron de la pareja un punto focal del festival, llamando la atención tanto de los medios como de los fans.

Black Jesus, dirigido por Valerio Zurlini, fue una de las películas exhibidas en el festival ese año. La película, que protagonizó Woody Strode como un líder revolucionario basado en la vida del líder independentista congoleño Patrice Lumumba, fue un drama políticamente cargado que resonó con la turbulenta atmósfera social y política de la época.

El Festival de Cine de Cannes de 1968 estuvo marcado por la agitación, ya que coincidió con las protestas y huelgas generalizadas en Francia, lo que llevó a que el festival se interrumpiera. A pesar del caos, la presencia de estrellas como Tate y Polanski añadió un toque de glamour al evento.

Este momento en Cannes representa una instantánea de la era: una era de exploración creativa, cambio social y la intersección del glamour de Hollywood con los movimientos culturales más amplios de la década de 1960. Para Sharon Tate y Roman Polanski, fue un momento de éxito personal y profesional, aunque trágicamente, también pasó poco más de un año antes de la muerte prematura de Tate en 1969.

[arq2028]

EL GUGGENHEIM VS EL KURSAAL: SURFACING, ORDERING, AUTHORSHIP

El Museo Guggenheim de Bilbao y el Kursaal de San Sebastián son dos obras icónicas que reflejan las visiones contrastantes de los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, respectivamente. Mientras el Guggenheim se presenta como una estructura dinámica y escultórica que redefine el horizonte de la ciudad, el Kursaal busca una integración sobria y respetuosa con su entorno. Ambos edificios transformaron la ciudad y se convirtieron en iconos culturales y turísticos. Sin embargo, su composición y relación con el espacio urbano varían mucho. Estas diferencias se expresan en términos de tratamiento superficial, planificación espacial, filosofía arquitectónica, etc. El análisis de estas obras nos permite comprender cómo la arquitectura puede resolver problemas similares desde ángulos opuestos.

En términos de superficies, el Guggenheim de Gehry presenta un revestimiento de titanio que le da al edificio una apariencia dinámica y dinámica. Los arcos y volúmenes del museo interactúan con la luz y el entorno, dándole una identidad orgánica y dinámica. Por el contrario, Kursaal Moneo utiliza vidrio translúcido en prismas geométricos.Entra en un diálogo sutil con el paisaje costero. La elección de materiales del Kursaal busca integrar el edificio armoniosamente con su entorno y evitar ser una monstruosidad innecesaria. Mientras Gehry utiliza las superficies para evocar asombro y poder, Moneo elige la neutralidad y la discreción. Estas decisiones reflejan el enfoque individual de cada arquitecto hacia el contexto urbano y paisajístico.

El plano espacial también demuestra las diferencias entre las dos obras. En el Guggenheim, Gehry propone un camino fluido y no lineal a través del cual los espacios internos se conectan orgánicamente. Fomenta experiencias exploratorias al tiempo que desafía las nociones tradicionales del museo. El Kursaal de Moneo, por su parte, presenta una organización más racional y práctica con una clara jerarquía en un espacio dedicado a conciertos y eventos. Esta estructura vertical facilita la orientación y atiende las necesidades funcionales del edificio. Gehry prioriza la experiencia sensorial y el impacto, mientras que Moneo enfatiza la función y el orden. En ambos casos, el espacio refleja las intenciones del creador y los requisitos del programa.

Finalmente, en este trabajo, el autor es considerado de otra manera. Al dejar su firma inconfundible en el Museo Guggenheim, Gehry utiliza tecnología de vanguardia para dar vida a su visión innovadora. El museo es una expresión del estilo personal de Gehry de sorprender y redefinir los límites de la arquitectura. Kursaal encarna la filosofía de Moneo de centrarse en el diálogo entre los edificios, su entorno y la cultura local. Moneo prioriza la integración y el respeto por el contexto y elige diseños que no sean demasiado molestos. Estas diferencias en la autoría reflejan cómo cada arquitecto ve su papel en la creación de espacios significativos. A pesar de sus enfoques contrastantes, ambos edificios son ejemplos de cómo la arquitectura puede transformar paisajes urbanos y culturales.

[bitacoramusicaycine]

AI Overview

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La música y el arte son formas de expresión que se han influenciado mutuamente a lo largo del tiempo y pueden tener un impacto significativo en la vida de las personas: 

Influencia en la cultura La música y los artistas pueden convertirse en iconos culturales que influyen en la moda, el arte y el comportamiento de la sociedad. 

Desarrollo personal

La música puede ayudar a fortalecer el aprendizaje y la memoria, regular las hormonas del estrés y evocar experiencias y recuerdos. 

Bienestar

Escuchar música puede ayudar a regular las emociones, crear felicidad y relajación, y aumentar la autoestima. 

Desarrollo infantil

La música y el arte son herramientas que ayudan a los niños a canalizar sus emociones, expresar sus ideas y sentimientos, y desarrollar sus capacidades. 

Experiencia estética

La música es un producto cultural que busca suscitar una experiencia estética en el oyente. 

Conexión armoniosa

La profundidad emocional y las cualidades expresivas de ambas formas de arte pueden crear una conexión armoniosa que evoca experiencias profundas. 

[giantmetalrobotto]

Photoroom con filtros exclusivos homenaje a la cultura mexicana

Photoroom, siempre consciente de la importancia de las expresiones culturales, lanza filtros temáticos exclusivos para el Día de Muertos, que se celebra el 1 y 2 de noviembre, inspirados en estos elementos tradicionales. Los usuarios podrán personalizar sus imágenes con detalles como calaveras coloridas, flores de cempasúchil, altares y otros iconos característicos de esta fecha tan especial.…

[juliopison]

CINE Luisa Spagnoli (2016) Título original: Luisa Spagnoli Italia Dirección: Lodovico Gasparini 1)Idioma: Doblada al Español 2)Idioma: Italiano

Atención: Solo para ver en PC o Notebook Para ver el Film pulsa el Link: https://artecafejcp.wixsite.com/escenario-cafejcp/post/luisa-spagnoli-2016

Reparto: Luisa Ranieri, Vinicio Marchioni, Matteo Martari, Antonello Fassari, Franco Castellano, Massimo Dapporto, Gian Marco Tognazzi

Género: Drama. Biográfico

Sinopsis: La historia de una mujer de origen humilde a principios del siglo XX, maniobrando entre mil dificultades y otros tantos obstáculos culturales, transforma sus sueños en "empresa", antes de fundar el imperio de confitería de la Perugina y después la creación de una marca de moda que conquistó el mundo convirtiendo un "simple nombre," el suyo, "Luisa Spagnoli", en un verdadero y propio icono del estilo 'made in Italy'. La emocionante historia de las vicisitudes que llevaron a una niña pobre de provincia a ser una de las primeras y más grandes emprendedoras italianas, protagonista de la economía y de la cultura de Italia.

Café Mientras Tanto jcp

[andrea-quiroga-perez]

Ideas para la metafora del icono

Cometa para anotar notas rápido:

La cometa como icono para hacer notas se tomo en cuenta por lo siguiente:

Movimiento y velocidad : Los cometas tienen una trayectoria erratica en el cielo. Esta puede simboliza lo tan rápido que es fácil captar ideas o pensamientos. Al igual que un cometa atraviesa el cielo, las ideas surgen de repente y es necesario que las anotemos antes de que, pasen fugazmente.

Brillo y visibilidad: Un cometa por naturaleza es brillante y atrae la atención. Esto podría representar la importancia de lo que se tome nota, haciendo validar la importancia de cada idea.

Asociaciones culturales : En la historia los cometas fueron vistos como portadores de cambio. Esto podría referenciar que al tomar una nota puede ser el primer paso a un cambio o incio de un proyecto nuevo.

Acordeón para comprimir archivos: El acordeón podría ser una metáfora visual acertada para una funcionalidad de comprensión de archivo por las siguientes razones :

Concepto de compactacion : Un acordeón se pliega y despliega, lo que nos da a entender la idea de comprimir y descomprimir.

Simplicidad y familiaridad : El acordeón es un instrumento musical reconocido. Haber utilizado este icono familiar ayuda a que sea más accesible y fácil de captar.

Versatilidad : Al igual que un acordeón reproduce melodías, la comprensión de archivos re realizaría de distintas maneras. Este haría qué icono no sólo represente una sola acción, sino que transmita flexibilidad y nos dé más opciones al manejo de archivos.

[ferrolano-blog]

Turistificación en Portugal... Cómo matar una cultura y convertir el paraíso en un infierno... Lisboa ostenta el récord europeo de micropartículas nocivas para la salud, liberadas por los aviones... ¿Para qué producir tornillos o baterías de litio, cuando un solo piso puede ganar ahora más de 4.000 euros brutos al mes, alquilado a través de AirBnb? La noción de que la vivienda es una necesidad humana fundamental se ha ido por la ventana: la defensa extremista del sacrosanto principio de la propiedad inmobiliaria se ha impuesto a todo lo demás con inusitada violencia, cueste lo que cueste la vida... los residentes que se dirigen al trabajo se encuentren en salvaje competencia con los turistas en el transporte público, ya antes insuficiente; una competencia tanto más agresiva cuanto que el turista medio europeo y norteamericano (a diferencia de los de otros continentes) tiende a comportarse como si estuviera en tierra conquistada... las actividades relacionadas con el turismo altera profundamente la estructura del empleo en el país... ahora somos un balneario que recibe ancianos jubilados y modestos trabajadores necesitados de vacaciones, y exporta jóvenes licenciados con títulos superiores... Los pequeños cafés y restaurantes populares, iconos esenciales para la «socialización» de las clases populares lusitanas, han desaparecido... éste es uno de los síntomas de cómo el turismo puede destruir una cultura de la forma más brutal y colonial. La famosa cocina portuguesa, que se practicaba en casi todos los restaurantes y bistrós populares y que era muy sofisticada y tenía una variedad asombrosa, está en vías de desaparición... Lo mismo ha ocurrido con los famosos dulces de convento, prácticamente extinguidos... Colectividades, actividades asociativas, centros culturales sin ánimo de lucro, etc., han desaparecido de las grandes ciudades – no pueden pagar los alquileres... es el presagio de la muerte de una gran parte de la educación y la acción cívica. En resumen, es asombroso cómo el turismo de masas puede secar el alma de un pueblo... gran parte de los iconos locales que ayudaron a vender el turismo en Portugal han sido destruidos por la propia actividad turística «industrial»: la bonhomía de los portugueses, la buena comida, el entorno urbano y arquitectónico, los paisajes naturales paradisíacos, todo ha sido adulterado o incluso eliminado por la actividad turística y las desigualdades sociales, de modo que lo que se vende a los turistas es un conjunto de mitos e iconos impresos en postales pero borrados de la realidad... El turismo corporativo de masas mercantiliza definitivamente todas las relaciones humanas, convirtiéndolas en objetos de consumo rápido, como las pizzas (bilioso)

[viviendopraga]

Si vienes de viaje a la República Checa, visita el museo del polémico escultor David Černý gratis el 15 de junio en Praga. Este es un evento imperdible para los amantes del arte contemporáneo y para aquellos que buscan una experiencia única en la capital checa. Detalles del Evento El Museo de David Černý abrirá sus puertas de manera gratuita este viernes en el marco del evento “Noche de los Museos 2024”. Las puertas estarán abiertas de 19:00 a 22:00 horas, permitiendo a los visitantes explorar sin costo las provocadoras obras del renombrado artista checo. ¿Quién es David Černý? David Černý es un escultor conocido por sus obras controvertidas y provocativas que desafían las normas sociales y políticas. Su trabajo ha generado debates y polémicas, pero también ha sido aclamado por su originalidad y audacia. Qué Ver en el Museo El museo, inaugurado el 1 de abril de 2023, cuenta con cinco plantas y una superficie de 1.200 metros cuadrados. Las exhibiciones ofrecen una mirada completa a la carrera artística de Černý, incluyendo esculturas terminadas, bocetos, proyectos inacabados y otras obras. Obras Destacadas Entre las piezas más notables que se pueden ver en el museo se encuentran: El Trabant: Una escultura que es un icono de la era comunista, Quo Vadis. Entropa: Una instalación que causó controversia en toda Europa. Cuatro pistolas gigantes: Una obra impactante y provocadora. La cara de Albert Einstein hecha de resina coloreada. Un desnudo masculino con cabeza de helicóptero. Un autobús rojo haciendo flexiones, creado para los Juegos Olímpicos de Verano en Londres 2012. Escultura Quo Vadis del escultor checo David Černý. Foto: EnPraga.com Además, en una de las terrazas del museo se puede ver un dedo corazón levantado, una obra que en tiempos del presidente Miloš Zeman apuntaba desde el río Moldava hasta el Castillo de Praga. Ahora, el dedo medio apunta hacia el este. Experiencia Completa Además de las salas de exposición, el museo incluye un bar y dos terrazas con vistas únicas de Praga. Estos espacios ofrecen un ambiente perfecto para relajarse y disfrutar de la ciudad desde una perspectiva diferente. Cómo Llegar El museo se encuentra en una ubicación central en Praga, lo que facilita el acceso a los turistas. Se puede llegar fácilmente en transporte público o a pie desde varios puntos de interés en la ciudad. Información Adicional Horario normal de entrada: En días normales, la entrada al museo cuesta 300 Kč. No es necesario registrarse previamente: Simplemente llega y disfruta del arte. Más Allá del Museo Durante la Noche de los Museos, muchos otros museos y galerías en Praga también abren sus puertas gratuitamente, ofreciendo una oportunidad perfecta para explorar la riqueza cultural de la ciudad. Recomendaciones de Visita Visita otros museos: Aprovecha para conocer otros espacios culturales de Praga como el Museo Nacional y la Galería Nacional. Explora Praga: Disfruta de un paseo por el centro histórico, visita el Castillo de Praga y el Puente de Carlos. La visita al museo de David Černý gratis el 15 de junio es una oportunidad única para sumergirse en el arte contemporáneo de uno de los artistas más provocadores de la República Checa. No solo podrás admirar sus obras más famosas, sino también disfrutar de las vistas panorámicas de Praga desde las terrazas del museo. ¡No te lo pierdas!

[miltacos]

Mi reino por un cabrito; o el ritual norestense más profundo.

Restaurante EL MESÓN PRINCIPAL, Boulevard Venustiano Carranza 4671, Virreyes Residencial, Saltillo, Coahuila.

México tiene la virtud de poseer diversos platos iconos de culturas regionales. Son baluartes de la complejidad gastronómica mexicana; piezas de un enorme rompecabezas que construye el fenómeno cultural hoy patrimonializado.

El cabrito al pastor es sinónimo del noreste, concretamente de Coahuila y Nuevo León, pero sin descartar sus usos en Tamaulipas. Se trata de una de las conexiones más honestas con su historia, origen, tradiciones e idiosincracias; sin dudas, una manera de imbuirse en los entresijos culturales norestenses, incluso de forma más sutil que el ritual de la carne asada.

E consumo de cabrito al pastor no es para todos, porque se trata de la exhibición más cruda y frontal de las reminiscencias sefardís perfectamente adaptadas a un terreno que en primera instancia parecía agreste, pero que solo la paciente observación y la templanza para explorarlo revelaron que se trata de un suelo fértil, con dificultades para obtener agua pero bendecido una vez que se conquistan sus obstáculos. Es un bocado de historia.

El noreste se resume en un cabrito y el cabrito es resumen del noreste. Un trozo acabado de salir de la cocción de dos horas en brasas blancas (esas a punto de extinguirse que proporcionan un calor calmado, suave y exigente de paciencia) es un viaje en el tiempo y el espacio. Es un recorrido por las formas actuales de convivencia norteña en la que -sin dejos machistas o misóginos- las mujeres y hombres mantienen un equilibrio constante para aportar a la supervivencia de sus familias y cultura.

El cabrito también es exaltación de la conquista del terreno, de la forma de comprender el mundo, de saberse el norte mexicano poderoso, empresarial, y capitalista. Es una bandera de sus triunfos económicos que los han puesto en el mapa global, pero que los mantiene conectados con sus orígenes, sus suelos, sus montañas y deseos.

El cabrito es origen y es destino norestense, una forma de revelar idiosincracias y mantener viva una cultura que se precia de ser distinta y que, sin perder su mexicanidad compartida, son orgullosos de saberse punta de lanza, vanguardia y futuro. Consumir cabrito en el norte es saberse dueño del mundo y orgulloso de un pasado sencillo, compacto y familiar.