#eugène viollet-le-d

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... spiral ...

Staircase at The Abbadia Castle Observatory , located in the town of Hendaya ( Pyrénées - Atlantiques ) , Lapurdi (6 km from San Juan de Luz ) .

Built by Eugène Viollet - le -Duc and Edmond Duthoit commissioned by Antoine d' Abbadie between 1864 - 1879 in eclectic style.

It is classified as a Historical Monument and Maison des Illustres .

( 📷 Fabrice Chabot )

[uncurieuxrenard]

Gothic, the French style.

The horrible images of Nôtre-Dame de Paris, the most famous cathedral in France and one of the most visited monuments in the worlds, burning down under the Parisian sky are still very vivid in our minds. When, on April 15th this year we saw that iconic, almost familiar, spire fell down on the ground, we all lost a piece of our hearts. Yes, either we are French or not, all around the world we felt the same void that day, because the arts, all of them, belong to all of us. They would be, with no doubt, the only worthy heritage we would leave if our race disappeared one day... so, seeing how vulnerable art can be in front of nature, made us feel quite insignificant, small, without purpose.

And I wonder how devastated the artists and writers who fell in love with that symbol of medieval Europe which is Nôtre-Dame would have felt by seeing it devoured by the flames. I am thinking about Victor Hugo, who made it the "main character" of one of his most celebrated novels, but also about the numerous painters who immortalised the cathedral in their works of art, of which Jean Fouquet (with "La Descente du Saint-Esprit" from "Livre d'Heures d'Étienne Chevalier", XV Century), William-Adolphe Bouguereau (with "La Bohémienne", 1890) and Paul Signac (with "Pont des Arts", 1925) are among the most famous ones. But, ultimately, I am thinking about who built the monument. All the masons, all the architects who, from 1163 (year when the choir and its two ambulatories started being built) to nowadays have contributed to make Nôtre-Dame "Nôtre-Dame", some of which actually saw it burn, around 1225-1230 (according to Eugène Viollet-le-Duc's findings, who also restored the cathedral in the 19th Century). April 15th, for them, would have seen their worst nightmare come true.

But, even though it might have sounded like that, this is not the main topic of this post, so let's go straight to the point, shall we?

When the first architects of Nôtre-Dame started their projects, they had to choose how to build the new cathedral that the Bishop of Paris, Maurice de Sully, ordered to erect in 1160. The bishop wanted a new church that could do justice to the prestige of his growing city. The population of Paris (just like many important medieval cities), in fact, saw a considerable rising in population from the XI to the XII centuries, due to many factors, such as an established economic stability and new technologies. De Sully chose a pre-existing site for the new church (the site in the past had already been a Gallo-Roman temple during the Roman occupation, a paleochristian church in the IV century, a Merovingian basilique, a Carolingian cathedral and, finally, a Romanesque cathedral) and, in order to have the big, shiny, monumental cathedral he wanted, he chose for it a new style that was emerging in those years in that same region.

We are obviously talking about the Opus Francigenum, better known as Gothic architecture.

This style, named "Gothic" for the first time in the XVI by Italian humanist Giorgio Vasari to indicate a Nordic, barbaric and in general opposed to the symmetrical classicism of the Renaissance echoing the Greek and Roman times, characterised the last centuries of the Middle Ages. Vasari was actually right, because the Gothic was the first completely original architectural style since the Greek one and, in fact, it was the first style to break out the oppressive chains of the past. Plus, Gothic architecture is probably the only architectural style in the world to have a creator, with a place and a date of birth, which will make us easier to tell its story.

The place is the Basilique de Saint-Denis. The year is 1144 circa and the creator is abbot Suger.

In his life, Suger was the prime minister of the kings Louis VI and Louis VII, and he was already the abbot of Saint-Denis, a commune in the northern suburbs of Paris, in the Île-de-France region, when he decided, around 1135 to renovate the choir, the capocroce and the nartex of the Saint-Denis basilica in order to enlighten the prestige of what had been the burial place of French monarchs since the 10th century, and literally, since light, height and lightness are the key words when it comes to Gothic buildings.

"Now that the new posterior part was linked to the anterior one, the church shines forth in the middle. Living light, in fact, brightens what luminously joins what is bright. And bright is the noble edifice pervaded by new light"

With these words, Suger describes his love for the word "light" and all of its synonyms, but he also outlined the aesthetic of the new style he had just invented. So, in the Basilique of Saint-Denis, he built a nartex with two towers and a decorated rose window in the middle, the first of the kind, and the equivalent of a bomb of light exploded into a building for the first time. Light really was the main character of this Opus. Suger's conception of God seen as transcendental light derives from the writings of John the Scot, but even more importantly, of Denis Areopagus, which was often mistaken with Saint Denis, the first bishop of Paris. Denis Areopagus merged the Christian teachings with the Plotinus' neoplatonic philosophy, which said that the multiple aspects of life were dictated by the "One". Denis, thus, wrote that "this stone or that piece of wood are light, for me, because all the visible things are "material lights".

From that time on, though, everywhere in France and then in Europe, the pointed arch substituted the round arch of the Romanesque, the walls became to disappear more and more, making way to large windows which could be invaded by divine light, the buildings became taller and taller, thanks to a sophisticated game between rampant bows and buttresses.

In France, the Gothic style eventually evolved into the rayonnant style first and in the flamboyant style then, before spreading everywhere in Europe, especially in Germany and England, but also in Italy and in Spain, but, since this is not intended to be an architecture lesson, I will not delve further into the argument (at the moment). What is actually crucial for us to know right now is that, with the Gothic revolution, the face of Europe changed forever in a way that only the Romans and the Greeks before them could do, and that this revolution began in the actual land of revolutions.

France.

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De retour de l’expo #11 : Paris romantique, 1815-1848 - Paris, Petit Palais

26 juin 2019

Il s’agit avant tout d’une déambulation dans le Paris de la Restauration et de la Monarchie de Juillet : le découpage des salles ne relève pas d’une logique chronologique, ni vraiment thématique, mais avant tout géographique, selon une progression centrifuge. La visite commence donc par le cœur de la ville, qui est aussi celui du pouvoir : le palais des Tuileries. Entre le Consulat et le Second Empire, il s’agit en effet de la résidence permanente du chef de l’Etat. Si la vie de cour y est plutôt atone, quelques figures sont populaires : c’est le cas du duc d’Orléans (le fils de Louis-Philippe) et de la duchesse de Berry, veuve du duc assassiné en 1820. Une fille de Louis-Philippe, Marie d’Orléans, se distingue par ses talents artistiques. Formée par Ary Scheffer, elle s’oriente vers la sculpture : elle est notamment l’auteure de statuettes figurant Jeanne d’Arc, dont on peut admirer trois exemples. Amatrice du Moyen Age, elle décore son appartement dans le goût néogothique, tandis que ceux de sa famille sont meublés dans un style beaucoup plus éclectique, où le goût pour le Grand Siècle côtoie le style rocaille ou néo-Boulle, sous l’influence du décorateur Eugène Lami. A noter aussi : une toile de Viollet-le-Duc représentant un somptueux dîner aux Tuileries.

Toute en longueur, la deuxième salle nous transporte au Palais Royal. Construit en 1628 pour Richelieu, il devient ensuite la résidence de la famille d’Orléans. Un premier réaménagement à la fin du XVIIIe siècle en fait un lieu vivant et prisé, avant une complète rénovation entreprise sous Louis-Philippe. La scénographie reproduit la disposition des boutiques de luxe le long de la galerie d’Orléans, édifiée alors à la place des galeries de bois. Une gravure et deux très belles maquettes d’époque restituent l’élégance de ce lieu lumineux et moderne, doté d’un verrière métallique et de l’éclairage au gaz. On y trouve les articles de luxe les plus divers, que le visiteur peut admirer dans les vitrines le long desquelles il déambule. On dispose ainsi d’un bel aperçu de la mode et du luxe de l’époque : sacs à main, très jolis éventails (dont l’un orné de girafes), incontournables châles et chapeaux, gilets, cols-cravates et cannes qui font la tenue du dandy. J’y ai appris que la canne de Balzac avait fait sensation par ses dimensions hors normes... Les arts décoratifs ne sont pas en reste : porcelaine de Paris de Jacob Petit, très colorée et un rien kitsch, couleurs claires et mates des coupes opalines, en vogue sous la Restauration (il s’agit de verres au plomb mêlés à des colorants), ou encore pendules et cartels dorés aux styles éclectiques (orientalisant, néogothique, renaissance ou rocaille). Le Palais Royal est également un haut lieu de la gastronomie parisienne, grâce aux restaurants Véry, Véfour et des Frères Provençaux, dont la carte pléthorique est exposée, comportant un grand nombre de potages, hors d’œuvres, entrées, plats de viande et de poisson, rôts, entremets, desserts, vins et liqueurs !

Cette scénographie « mimétique » se poursuit dans la troisième section, consacrée au Salon, qui se tient dans le Salon Carré du Louvre depuis 1725. Le charme de la salle (carrée, donc) tient notamment à l’accrochage des toiles, à touche-touche. Presque toutes été exposées à l’un des Salons organisés, chaque année, pendant cette période. L’ingrisme, notamment représenté par Amaury Duval, et les scènes de genre et d’intérieur côtoient toutes les nuances du romantisme : l’orientalisme, le style troubadour, le goût pour le sujet historique, notamment pour la Renaissance, François Ier et Henri IV (voir aussi Cromwell et Charles Ier (1831) de Paul Delaroche, qui connut un grand succès par ses formats monumentaux, ses sujets anecdotiques et spectaculaires – voire, ici, macabres...), le mysticisme dépouillé (et presque pré-symboliste) d’Ary Scheffer (Saint Augustin et Sainte Monique), inspiré par les peintres mystiques allemands, le sens du sublime (impressionnant Trait de dévouement du capitaine Desse du peintre de marine Théodore Gudin). Le Christ au jardin des Oliviers de Delacroix (1826) domine l’ensemble, où se distinguent aussi Mazeppa aux loups d’Horace Vernet (1826), le Roland furieux (1831) de Jehan Duseigneur, œuvre manifeste du romantisme en sculpture et, pour ma part, l’onirique Rayon de soleil (1848) de Célestin Nanteuil. Dans un sous-bois pailleté de lumière, trois nymphes se fondent dans la clarté surréelle d’un rai de soleil, suggérant ainsi le rêve du jeune écuyer endormi... Le Salon y apparaît ainsi comme un lieu ouvert aux innovations, à un nouveau langage plus libre, plus exalté, plus « sentimental » - mais finalement très divers.

L’exploration des goûts et de la production artistiques du temps se poursuit dans une salle consacrée au néogothique, et particulièrement à Notre-Dame de Paris. Une incroyable pendule reproduisant la façade de la cathédrale ouvre la salle, où figure l’édition originale du roman de Hugo (1831) à côté d’une toile de Charles de Steuben, La Esméralda (1839). On peut aussi y admirer un étonnant polyptyque d’Auguste Couder, Scènes tirées de Notre-Dame de Paris. Réalisé seulement deux ans après la parution du roman, il témoigne de son succès massif et immédiat. Ce serait un peu l’équivalent d’une adaptation cinématographique, de nos jours... Notre-Dame est aussi le personnage central des aquarelles de l’Anglais Thomas Shotter Boys, qui mêle l’intérêt pour les vieux monuments à l’observation du petit peuple de Paris. Autre lieu parisien : l’hôtel de Cluny, où Alexandre du Sommerand installe en 1832 sa collection d’objets d’art du XIIIe au XVIIe siècle, rachetée à sa mort par l’État qui y ouvre un musée en 1843. Un beau choix de papiers peints, de meubles (chaises du salon du comte et de la comtesse d’Osmond), d’horloges, de coffrets, de candélabres et de divers bibelots en bronze doré, met en lumière la vogue des motifs gothiques, entre les années 1820 et la moitié du siècle : ogives, rosaces, pinacles, clochetons et quadrilobes issus des cathédrales font irruption dans le quotidien. L’inspiration n’est pas seulement formelle : des thèmes sont également empruntés au Moyen Age. Charles VI est ainsi présent deux fois dans l’exposition : dans les bras de sa maîtresse Odette de Champdivers, chez le sculpteur Victor Huguenin (1839), et dans un bronze d’Antoine-Louis Barye, Charles VI effrayé dans la forêt du Mans, qui connaît un vif succès au Salon de 1833.

L’aspect politique est brièvement évoqué dans la cinquième section, organisée autour du plâtre du Génie de la Bastille, qui se trouve au sommet de la Colonne de Juillet, élevée pour le dixième anniversaire des Trois-Glorieuses. L’expo insiste d’ailleurs sur la volonté d’apaisement et de concorde nationale menée par Louis-Philippe qui, en outre, achève l’Arc de Triomphe et érige le tombeau de Napoléon aux Invalides. Il est vrai que cette politique du consensus et du juste milieu demeure assez peu problématisée. C’est oublier un peu vite, me semble-t-il, que les romantiques ne furent pas que des dandys amateurs de Moyen Age, de théâtre et de jolies femmes, mais aussi des acteurs engagés dans leur époque, et que le « romantisme » est aussi, au sens large, une option politique. Le parcours se clôturera d’ailleurs sur une très rapide évocation de la Révolution de 48, uniquement présentée sous l’angle de la caricature (le Gamin des Tuileries qui s’enfonce dans le trône du roi, de Daumier) et de la désillusion (les pages ironiques de L’Éducation sentimentale sur le sac des Tuileries).

Il est vrai que chaque section, ou presque, présente des « portraits-charges » : la période apparaît ainsi comme un premier âge d’or de la caricature. L’allure excentrique des « Jeunes-France » est moquée : cheveux longs, barbes, vêtements colorés (le gilet rouge porté par Théophile Gautier à la première d’Hernani). La célèbre tête de Louis-Philippe en forme de poire côtoie le dessin beaucoup plus amer de Daumier où, sortant de leur tombe, les martyrs de 1830 soupirent avec dépit : « C’était vraiment bien la peine de nous faire tuer ! », en voyant les espoirs déçus des Trois-Glorieuses. De manière plus légère, les artistes sont la cible des petits bustes satiriques de Jean-Pierre Dantan : le plus irrésistible est peut-être celui de Berlioz, à la chevelure démesurée...

Si l’aspect politique est donc abordé avec parcimonie, la question sociale est à peine effleurée dans la sixième section, consacrée au quartier latin. Un tableau de Claude-Marie Dubufe (pourtant élève de David) représente ainsi deux jeunes Savoyards ayant quitté leur région, le temps d’un hiver, afin de s’engager comme ramoneurs à Paris. Mais la jeunesse qui est à l’honneur ici est davantage estudiantine. Les jeunes étudiants, accompagnés des « grisettes », ces « jeunes filles qui ont un état, couturière, brodeuse, etc., et qui se laissent facilement courtiser par les jeunes gens » (Littré), déambulent dans le Quartier Latin et fréquentent les bals publics. Ils sont le sujet principal des chansons de Béranger, le « poète national », des Scènes de la vie de bohème d’Henri Murger, des romans très populaires de Paul de Kock, et, surtout, des dessins plaisants de Paul Gavarni. Quelques toiles et caricatures évoquent les bals et les carnavals (notamment une Scène de Carnaval, place de la Concorde (1834) d’Eugène Lami, folâtre et enjouée), ou commémorent la fièvre de la polka, danse osée qui suscita, en 1844, une véritable « polkamanie » chez les jeunes gens.

 Selon cette logique centrifuge, les deux dernières salles évoquent des quartiers plus neufs et périphériques, mais qui jouent un rôle central dans la vie intellectuelle et artistique. Si la Chaussée d’Antin est le quartier de la haute banque et des « nouveaux riches », la Nouvelles-Athènes (dans le 9ème arrondissement, là où se trouvent les musées de la Vie romantique et Gustave Moreau), plus récente, attire un grand nombre d’artistes. Géricault, Scheffer (dont une toile montre l’atelier, qui est justement aujourd’hui le musée de la Vie Romantique), Vernet, Isabey ou Delaroche s’y installent. Mais cette section est davantage consacrée à la musique. Deux alcôves dotées d’enceintes diffusent notamment des œuvres de Liszt, l’un des personnages principaux de cette salle. Il est aussi bien le sujet de portraits-charges caricaturant la virtuosité du pianiste, qui faisait courir tout Paris, que du portrait en pied d’Heinrich Lehmann, qui en capte la ferveur ascétique et l’aura toute romantique... Au milieu trône un piano Pleyel semblable à celui sur lequel jouait Chopin. Ainsi se dessine la géographie d’un Paris d’émigrés, celui de Chopin et de Liszt, mais aussi de Mankiewicz, de Heine et de la princesse Belgiojoso, patriote italienne dont le salon était l’un des plus courus. La section se clôt sur l’évocation de deux figures féminines très en vue dans le Paris de la Restauration et de la Monarchie de Juillet : Marie Duplessis (la Dame aux Camélias de Dumas fils, qui meurt en 1847) et Olympe Pélissier, maîtresse d’Eugène Sue et d’Horace Vernet (dont elle était aussi la modèle) et seconde épouse de Rossini.

De la Nouvelle-Athènes on passe aux Grands Boulevards, quartier des théâtres. On y apprend que cette longue artère présentait des visages divers. De la Madeleine aux alentours de la Chaussée d’Antin, le boulevard traversait un quartier cossu et tranquille. La Chaussée d’Antin marquait le début du «Boulevard» par excellence, cœur palpitant du Paris de la mode, formé des boulevards des Italiens et Montmartre. On y trouvait de riches magasins d’orfèvrerie ou de porcelaine, les cafés, restaurants et glaciers les plus réputés (Café de Paris, Maison Dorée, Café Riche, Café Anglais, Tortoni, Café Hardy) et les grands théâtres subventionnés (l’Opéra, le Théâtre-Italien, l’Opéra-Comique, le Théâtre-Français). La présence de huit théâtres populaires, spécialisés dans les mélodrames, vaut au boulevard du Temple le surnom de «boulevard du Crime», qui disparaîtra dans les travaux d’urbanisme haussmanniens du début des années 1860.

Caricatures, portraits et objets témoignent de cet incroyable engouement pour le théâtre. Les truculents tableaux de Louis-Léopold Boilly en témoignent d’une manière piquante : voir L'Entrée du théâtre de l'Ambigu-Comique à une représentation gratis (1819). plus particulièrement du succès (et, déjà, de la médiatisation) des grandes comédiennes (Mademoiselle Mars ou Marie Dorval) et des grands comédiens (Frédérick Lemaître ou Talma). Un tableau amusant figure L’acteur Bouffé représenté dans ses principaux rôles (1848) : Victor Darjou a démultiplié la silhouette de l’un des acteurs les plus populaires du temps, Hugues Bouffé, en le représentant dans une vingtaine de rôles. Le monde du spectacle recouvre aussi l’opéra (le docteur Véron dirige l’Opéra de Paris de 1831 à 1835, lançant la vogue de l’opéra à la française) et la danse. Là encore, quelque figures se détachent : les chanteuses Laure Cinti-Damoreau, Maria Malibran et Henriette Sontag, dont les portraits ornent une série de vases de la Manufacture Darte, ou Marie Taglioni, grande ballerine romantique, qui porte à la perfection la jeune technique des pointes.

L’exposition est donc surtout didactique : les œuvres exposées le sont davantage dans un but documentaire qu’esthétique. C’est parfois un écueil : ainsi, dans la salle consacrée à Notre-Dame, un petit portrait de Mérimée n’est là que pour illustrer le propos sur la naissance des Monuments Historiques. Mais soyons juste : la salle dédiée au Salon est exceptionnelle, les pièces d’arts décoratifs remarquables et j’ai découvert ces artistes qui se font, par le pinceau, le burin ou le crayon, chroniqueurs de la vie parisienne, dans de plaisantes scènes de genre ou de mordantes caricatures : Jean Pezous, Paul Gavarni, Jean-Pierre Dantan, Louis-Léopold Boilly... La remarquable, scénographie, ambitieuse et soignée (les couleurs et l’éclairage de chacune des salles évoquent le cours de la journée, du petit matin aux Tuileries à la soirée sur les Boulevards) fait agréablement passer un propos roboratif mais passionnant. Même s’il ne fait qu’effleurer les questions politiques et sociales (qui, une fois encore, relèvent des deux axes de l’exposition, l’histoire du romantisme et l’histoire urbaine), il dresse un portrait vivant et enthousiasmant, servi par un grand nombre d’œuvres variées et de qualité, du Paris de la première moitié du XIXe siècle.

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Notre-Dame de Paris, 1163-1345 Eugène Viollet-le-Duc & Jean-Baptiste Antoine Lassus, restauration, 1844-64 “Examinons ce système de souche en perspective (20). En A, on voit les grands entraits triples des fermes diagonales ; en B, la disposition des liens formant fermes inclinées, roidissant la base de la souche et venant porter en C quatre des angles de l’octogone ; en D, apparaissent les fragments de l’entrait de la ferme donnée dans la figure précédente, avec le pan-de-bois qui maintient les poteaux d’angles reposant en C, E étant le poinçon de cette ferme. Des contre-fiches F viennent soulager les poteaux C et reporter leur charge sur les quatre points résistants principaux A ; ces contre-fiches ont encore l’avantage d’arrêter le roulement de tout le système. Au-dessus, des croix de Saint-André G, doubles, reportent encore, la charge des poteaux C sur les points d’appui diagonaux. Les pièces I et F remplissent avec avantage les grandes pièces inclinées de l’ancienne charpente que nous avons décrite plus haut. Ce système est d’ailleurs triplé dans la charpente actuelle, nous le voyons reproduit en KL et en KM ; de sorte que si une pression  extraordinaire se produit en O, cette pression ne charge pas le point C, mais bien les pieds I, et même, de proche en proche, par la disposition des croix de Saint-André et des contre-fiches F, trois des piles du transsept. On observera que ces croix de Saint-André sont doublées, c’est-à-dire assemblées dans deux des poteaux sur les trois qui forment chaque angle à la base de la flèche. Il n’y a donc pas possibilité de roulement dans cette charpente ; aucune de ses parties ne peut recevoir un supplément de charge sans transmettre ce supplément à deux et même trois des quatre points d’appui sur lesquels elle porte. En supposant même qu’une des quatre piles du transsept fût enlevée, la charpente resterait debout et reporterait toutes ses pesanteurs sur les trois piles conservées.” Eugène Viollet-le-Duc, “Dictionnaire raisonné de l’architecture française du XIe au XVIe siècle“, 1854-68

[localfoodandwine]

by Paige Donner

This episode of Paris GOODfood+wine, April 2019 is dedicated to my father, Eugene Martin Donner. He passed away on April 11th.

It was his love and passion for life, and his appreciation for fine wines and good food that started me on this path discovering exceptional terroirs of the world. Thank you, Dad. Your wisdom and guidance enriched my life immeasurably in countless ways since the day I was born. And will continue to do so, even though you have now departed this world and evolved into the next.

My dad, Eugene Martin Donner. b. February 27, 1932 – d. April 11, 2019. Pictured here May, 2015. 

  The French have an expression. It’s C’est la vie.

“Ç la vie,” sums up so much about life. Perhaps only ‘I love you’ are three words more potent and full of meaning.

C’est la vie is both acceptance and resignation. It’s that recognition of changing the things we can and accepting the things we cannot change.

This past month of April in Paris has been most certainly a C’est la vie point in time.

As the world stood and watched Notre Dame Cathedral burn, in people’s shocked and stricken faces, there was a sense of powerlessness in the destruction of this great monolith of love.

Whether one is Catholic or not Catholic, Christian or perhaps not even practicing any kind of religion, the Cathédrale Notre Dame de Paris is so symbolic of French culture, of Paris, of the uniting of the world’s peoples in prayer and love, that watching it consumed in flames, was a devastating and heartbreaking moment.

As I stood on Pont de la Tournelle, at 8pm on Monday April 15th, watching my beloved neighborhood church burn in bright red and orange flames, I couldn’t contain my sorrow.

But my overwhelming sorrow was not just for the church. My father had passed away only days before, and watching the spire of Notre Dame burn felt like watching my father’ funeral pyre.

The great church came within about 30 minutes of being completely destroyed. But in the end, France’s firefighters were able to save it.

Photo taken April 16, 2019 7am Paris time; photo by Paige Donner copyright 2019

It has been just over a week now since the fire. It has been roughly about the same amount of time since my father’s soul and spirit have been set free from his human body. For if anything, that is the message I’m getting from my meditations this week. It’s that God’s love and the human spirit are eternal. And whether they are housed in a church or in a human body, or liberated from these outward structures, they live on. They exist. In eternity.

They live now in an invisible realm. But in God’s love, they exist eternally.

The Cathédrale Notre Dame de Paris survived on this earth for 850 years without destruction or significant damage. That historical fact changed on April 15th , 2019

My father, Eugene Martin Donner, survived on this Earth for 87 years, without significant damage or destruction. That historical fact changed on April 11th, or 12th if you consider Paris time, 2019.

A very strange, and even somewhat spooky coincidence, is that the architect of the spire that burned along with Notre Dame’s roof, was named Eugène Viollet Le Duc. Of course it is just a coincidence that my father and he both shared the same first name. But it feels significant, in a sort of God’s winking kind of way, nonetheless.

Both the spire of Notre Dame and my father, who had a terrific sense of wit, comedy and irony – his favorite writer was Mark Twain – and who resembled to a great degree Jean Paul Belmondo, and who had a heart and soul full of love for humanity, in all its forms, colors and expressions, will be sorely and sadly missed.

I thank him for so many things, including his unwavering love for me, but also for instilling in me such a great appreciation for good food and wine. It’s thanks to him that I was set forth on this fascinating discovery of God’s and Earth’s fruits and elixirs. As Benjamin Franklin once said,

Wine is proof that God loves us and wants us to be happy.

My father always seconded that. Cheers to you Pops. May God’s love keep you eternally forevermore.

  Our April show of Paris GOODfood+wine is one focused on wines.

  First we speak to Samuel Montgermont of Domaine and Clos St. Patrice in the Côte du Rhône.

Pictured here: Samuel Montgermont of Domaine St. Patrice, Côte du Rhône. photos by Paige Donner copyright 2019.

With his wines, we are firmly in Chateaneuf-du-Pape territory. In fact, we’re right in the village of Chateauneuf-du-Pape. He has a lot to say about his unique wines. Interestingly, he is a musician as well as a wine master blender.If you haven’t heard the term master blender coupled with wine before, don’t worry. He’ll explain all that to you during the interview.

  Following that segment, we then go to Burgundy. In fact you are being whisked off to the Cuverie des Ursulines which is an ancient convent that was once inhabited by Ursulines nuns.

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  The family Boisset, of Jean Charles Boisset fame, has just renovated and built an impressive and absolutely stunning Cuverie, or chai, a wine estate, around this historical property in Nuits St. Georges. Nuits St. Georges is, of course, one of the most prestige areas just outside of Beaune in Burgundy wine country.

Along with opening up this Cuverie in 2018, they have also now instigated daily wine estate tours. It is open to the public, you just have to call and reserve in advance. The tour includes a visit to the tank room, also outside into the ancient convent’s gardens dating all the way back to 1717, and then concludes with a barrel tasting and then a tasting of a total of 6 of their wines in the historical Ursuline cellars down below.

It is one of the most comprehensive, friendly, and educational wine tours you will get in all of France, and certainly in Burgundy, that is open to the public. It lasts about an hour and a half and costs only €32. Though if you want to organize a special group and throw in a lunch after the 10am tour start time, just communicate that to the Boisset team and they’re happy to make your wishes come true in a bespoke way.

  So, ç la vie. Life goes on. The cathedral of Notre Dame will be rebuilt. And Dad, I’ll see you in heaven one day when I get there.

Hemingway: As people bring so much courage to this world, the world has to kill them to break them. So of course it kills them. The world breaks everyone and afterwards many are strong in the broken places. But those it will not break it kills… It kills the very good, and the very gentle, and the very brave impartially. – Ernest Hemingway

Another big new development this season is the release from Domaine Clarence Dillon of their new range of Clarendelle wines.

Clarendelle inspired by Haut-Brion. New release from Domaine Clarence Dillon Photo by Paige Donner copyright 2019

Launch Soirée, Clarendelle, Paris, photo by Paige Donner

  There’s Clarendelle Rouge, Blanc, Rosé and Clarendelle Amberwine.

All are inspired by Haut-Brion the estate’s famous and historic 1855 Grand Cru Classé chateau in Bordeaux. The rouge comes in several expressions, including Médoc and St. Émilion.

All are accessible and are perfect for when you have a taste for fine quality, but perhaps don’t feel like opening up your First Growth wine that very moment.

I particularly enjoyed the Amberwine. Especially so because it isn’t always easy to find a sweet wine that expresses that balance between the honey-like sweetness brought on by the natural botyritis and a fresh acidity that keeps it fresh with every sip. The Clarendelle Amberwine achieves this by using both methods: grapes are allowed to develop botyritis as in the grand tradition of Sauternes, and then others are late harvest which allow the grapes to sweeten on the vine with their ripe maturity. The wine takes its name, Amber, from the beautiful color achieved by this assemblage. The varietals in this fine wine are the traditional Graves Sémillon and Sauvignon Blanc with a bit of Muscadelle.

The wines are available widely now. Though I encourage every listener who gets to Paris to pay a visit to the Cave du Château located near the Champs-Elysées on Avenue Franklin Roosevelt. It is hands down one of the very finest wine shops not just in Paris but the world over. Here you will find famous and rare wines as well as handpicked affordable coup de coeurs that you can put all your faith in that they, guaranteed, won’t disappoint.

Check our show notes for the wine shop’s address. Or just do an online search for La Cave du Château, Paris.

31 Avenue Franklin D. Roosevelt, Paris 75008 lacaveduchateau.com

Thank you for joining us on this episode of Paris GOODfood+wine.

A big thank you to all who helped make this show possible.

Music:

Jazzy Piano from Bensoundmusic.com

Terry Jacks, Seasons in The Sun

Ilya Truhanov, Miracle from

FreeSoundTrackmusic.com

  Show Notes: LocalFoodAndWine.wordpress.com &ChérieduVin.wordpress.com

Contact Host-Producer, Paige Donner @http://PaigeDonner.info

© Paige Donner 2019

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    All photos (where noted) copyright 2018  Paige Donner  FoodWine.photography

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Episode 46: Eulogy to Dad, Notre Dame, Clos St. Patrice, Cuverie des Ursulines by Paige Donner This episode of Paris GOODfood+wine, April 2019 is dedicated to my father, Eugene Martin Donner.