#esculturas renascentistas

[hamoi]

保留中のアクション

[abwhimsy]

I took a lot of pictures, but these... :D

[poquack]

As anatomias "Perfeitas"

Olá! Tudo bem com você? esperamos que sim.

Você já ouviu falar como as esculturas renascentistas eram anatomicamente "corretas"?

Bom, para muitos isso pode parecer nada de mais, porém devemos lembrar que na época, o estudo sobre o corpo humano era muito escasso. O que se torna Impressionante para o mundo artístico, em como esses escultores conseguiam "replicar" o Homem de forma tão detalhada.

Podemos ter um exemplo na obra "Moisés" de Michelangelo. No antebraço de Moisés, nota-se em evidência o músculo extensor do dedo mínimo, que se contrai apenas quando levantamos o dedo mindinho, como faz a estátua. 

[flaneur-poetico]

VÉU CURTO

Sou dessas pessoas Feitas da argila que sobrou da escultura do mestre renascentista. Barro frágil que Desintegra ao leve toque da mão Do artista. Mas também pedra Que resiste às picaretadas De quem olha a escultura E só vê a aparência.

Marcos Antonio de Menezes

[jadautin]

Laerte, eu não preciso te entender! (Ou o porquê da nossa necessidade de compreensão).

Esse texto não é sobre tretas. É sobre Laerte, arte, e comunicação. Ou quase, se eu fizer me entender.

Eu adoro essa tira. Foi uma das primeiras que li da Laerte, uma artista que passei mais tempo lendo suas tiras no Instagram do que gostaria de admitir.

Em uma primeira olhada, é apenas uma grande brincadeira com a linguagem, utilizando-se da expressão "Cair a ficha" em um contexto mais absurdo. Porém, pesquisando sobre essa tira em específico, se percebe uma carga política muito maior do que se aparenta. Ela foi publicada em junho de 2013, no auge dos protestos que seriam a base para o anti-petismo, e esse serviu como o berço do bolsonarismo. E não é apenas alguma voz na minha cabeça estabelecendo esta relação, já que vários autores discutiram posteriormente essa profética tira (Bibliografia ao final do texto), e a própria Laerte é uma figura politizada desde seu início de carreira na década de 80, nos dias atuais sendo abertamente contra a figura do Bolsonaro, desde a época do Impeachment da Dilma alertando de forma sutil o que ocorreria na política brasileira após as Jornadas de Junho

Com isso em mente, agora deixo uma reflexão: Meu pensamento inicial, tratando a tira meramente como um jogo de palavras e imagem, estava errado? Alguém que lesse essa tira e não entendesse a carga política por trás dela, está equivocado? Na minha visão, não, não está. Em primeiro lugar, as tiras da Laerte Coutinho não possuem uma limitação de interpretações, e elas podem significar coisas diferentes para pessoas diferentes (A própria não vê nenhuma conexão de linguagem naquilo que faz). Em segundo lugar, destaco a diferença de tempo. Eu não sabia que a tira era de junho de 2013, e nesse ponto muitas pessoas no Brasil nem mesmo se recordam do que foram as Jornadas de Junho ou tem noção do seu impacto da política nacional, e as tiras e charges publicadas em jornais possuem a característica de serem atuais em seus temas. Portanto, até mesmo para muitos leitores que receberam essa tira no dia em que foi publicada, não entenderam sua provocação. A ficha ainda não tinha caído.

Recentemente, essa artista tem sido alvo de um meme muito curioso: As pessoas começaram a bombardear seus posts de tiras no Twitter com imagens dizendo se entenderam ou não, com variações em meio a isso.

A artista comentou sobre essa onda em uma entrevista, onde sua principal reclamação foi de que era um bombardeio, não uma conversa. Ela está correta, afinal, os memes se disseminam na cópia, e são representações extremamente simples feitas para serem entendidas por um grupo de pessoas usuárias da internet, sejam esses grupos amplos ou não. Mas a questão aqui não é reclamar sobre o meme, pois eu não estou aqui para receber acusações de "estragar o meme" ou qualquer desculpa de quem se sente muito engraçado dentro da internet. Aqui queria pensar o entendimento da arte. ou melhor, a nossa necessidade de entendimento.

A cultura ocidental se baseia em valores ainda muito clássicos e naturalistas. Toda a nossa ideia de desenho, escultura, poesia ou teatro vem de uma idealização de culturas greco-romanas, e com uma representação que busca mostrar da forma mais fidedigna possível a realidade, a exemplo dos renascentistas ou neoclássicos, que instituíram essa como a "regra" na hora de se fazer arte. Muitos podem argumentar que esses movimentos artísticos são muito antigos, e que não impactam mais o nosso imaginário, mas isso é mentira. Para qualquer um que desenhe, como é meu caso, é muito visível que nossos estudos de anatomia, perspectiva linear, pintura e etc., tirando algumas poucas exceções, ainda são essencialmente para representar a realidade de forma verossímil. Ou seja, o artista valorizado, o "gênio artístico", ainda é aquele que representa a realidade de forma quase fotográfica, em detrimento de artistas com estilos menos realistas.

Com isso em mente, nossa cultura é constantemente perseguida por essa visão de entendimento realista da arte, e se entranha em nossas percepções da arte. Um exemplo disso é, depois de mais de um século de existência, a pintura "Abaporu" ainda é alvo de constantes críticas de cunho naturalista, afirmando que a obra é ruim por não significar nada para o locutor ou por não seguir as técnicas acadêmicas instituídas nos períodos do renascimento e do neoclassicismo.

Dentro desse contexto, as histórias em quadrinhos são historicamente diminuídas como forma de arte por esse caráter técnico e de representação. Por muito tempo, os pesquisadores de literatura consideravam as HQs uma leitura menor em relação aos textos literários, os pesquisadores de artes visuais viam a arte sequencial-simultânea como algo menos artístico em comparação às artes moldurais, como ilustrações isoladas e pinturas, e os pesquisadores e artistas de quadrinhos eram mínimos em comparação as duas anteriormente citadas.

Laerte é uma das artistas que, dentro do contexto brasileiro, traz em suas tiras um imaginário surrealista e de cotidiano em conjunto. Em suas tiras, constantemente se retratam os momentos em que a comunicação falha, seja ela gestual, visual ou verbal. Eis um exemplo:

Suas tiras possuem um foco no ruído, como dito em um vídeo sucinto, mas bem feito, do HQ sem roteiro. Ela retrata momentos em que nossa linguagem não consegue suportar nossa necessidade de comunicação em diversos momentos, e as transições por meio dos quadros consegue aumentar o absurdo, e esse mesmo absurdo aumenta o ruído. É apenas uma interpretação pessoal, mas perceba que essa interpretação só surge da falta de clareza explícita nas tiras. Ironicamente, a artista consegue passar o que deseja de forma direta, ao mesmo tempo que distorce o caminho para chegarmos até essa representação, coisa que seria impossível em artes que só tem como base a representação fiel da realidade. Sem a realidade, Laerte consegue ser absurdamente humana e comunicativa.

Em suma, o entendimento de uma tira ou história da Laerte não é necessário, tampouco o ponto principal de suas obras. A artista possui outros focos, e a perspectiva limitada, que muitas pessoas infelizmente ainda possuem sem perceber, faz parecer razoável tirar sarro desse surrealismo de sua obra. Laerte e sua geração de quadrinistas brasileiros nos convida a abandonar padrões pré-estabelecidos, e abraçar personagens e situações absurdas que conseguem ser sofisticados na mesma medida que se comunicam com a população de forma muito ampla, essencial de uma boa tira de jornal. Não se preocupe exclusivamente com o entendimento da arte, e se permita ver outras facetas do que aprecia. Perspectivas diversas geram entendimentos diversos, visões distintas. E talvez seja isso que Laerte realmente deseje ver com sua arte, e não uma massa homogênea de memes que buscam, de forma imparável e muitas vezes inútil, observar a arte em um maniqueísmo de compreender ou não compreender.

Isso sim, eu não entendo.

Para Laerte, com carinho,

João Adauto

Referências

Instagram da Laerte: Laerte Coutinho (@laerteminotaura) • Fotos e vídeos do Instagram

A ficha: A ficha, a grande ficha, em algum momento… ela precisa cair – ESCUTA. (wordpress.com)

O texto menos sensacionalista que achei citando todo o caso: A Laerte não entendeu o meme sobre não entender suas tirinhas (nucleo.jor.br)

Definição básica do neoclassicismo: Neoclassicismo: as ideias e valores por trás da arte – Gare Cultural

[draconnasti]

PRA QUE EU DEVERIA ESTUDAR HISTÓRIA DA ARTE?

Primeiro, pra evitar fazer esse tipo de pergunta. Segundo, para não falar aberrações como "eu preciso de médico pra viver, mas não preciso de arte."

Olá, meus lindos aventureiros? Como estão?

PRA QUE ESTUDAR HISTÓRIA DA ARTE, SE EU NÃO QUERO TRABALHAR NUM MUSEU E NEM DAR AULA?!

Não é de hoje que rola esse tipo de pergunta, principalmente quando pais descobrem que seus filhos vão ganhar mais essa matéria na escola (que muitas vezes se resume a aprender a fazer artesanato ou aula de desenho dado por alguém que só sabe reproduzir fórmula).

O curioso é que História da Arte (que devia se chamar História das Artes Visuais, pois ela abrange muito mais o aspecto visual da arte que as demais) é uma disciplina que é demonizada e santificada ao mesmo tempo. Ninguém sabe pra quê estudar, mas todo mundo acha lindo ouvir alguém falar da Mona Lisa de Da Vinci, do David de Michellangelo, de como o Romantismo gerou escritores voltados a temas nacionais... Mas falar de quadrinhos e videogame é perda de tempo... Vai entender.

Essas coisas são ditas quase sempre pelas mesmas pessoas que acham que não precisam de arte para viver.

Sem arte, as coisas seriam pior que isso.

O QUE É ARTE?

Não sei. Sério.

Eu, que tenho uma especialização em artes visuais. Eu que trabalho com ilustração há mais de 10 anos. Que tenho livros a respeito de arte... não sei o que é arte.

O Mestre e o Doutor em arte também não sabem. Podem tentar explicar, porém não vão chegar a uma resposta satisfatória.

A verdade é que ninguém conseguiu tecer um conceito 100% preciso do que é arte. Por hora, definimos como um elemento cultural que foca em reproduzir tudo aquilo que é considerado belo ou estético (o que não é inteiramente verdade, se você parar para pensar a respeito, mas também não é totalmente mentira).

A Wikipedia define como "atividade humana ligada às manifestações de ordem estética ou comunicativa, realizada por meio de uma grande variedade de linguagens, tais como: arquitetura, desenho, escultura, pintura, escrita, música, dança, teatro e cinema, em suas variadas combinações."; porém o próprio artigo (que está muito bem referenciado, diga-se de passagem) deixa claro que o conceito ainda não é preciso.

O Dicionário Michaelis nos trás diversos conceitos, dentre eles "Atividade que supõe a criação de obras de caráter estético, centradas na produção de um ideal de beleza e harmonia ou na expressão da subjetividade humana."

Gombrich, um dos, senão O MAIOR estudioso de História da Arte conhecido até então, tenta dar uma definição à arte, mas termina gerando mais questionamentos que respostas. Ele mesmo admite isso em seu livro A História da Arte.

E nenhum deles está 100% correto.

Porém, como seres humanos, não gostamos de dúvidas, então seguimos tentando encontrar uma resposta e terminamos por nos conformar com conceitos simples e imprecisos. E mesmo sabendo disso, precisamos continuar estudando História da Arte, pois tudo o que fazemos até hoje é reflexo do que veio antes.

HISTÓRIA DA ARTE NA CULTURA POP

A estética dos quadrinhos de Frank Miller bebem da fonte dos filmes noir, e outros fazem uso do chiaroscuro, uma técnica de claro e escuro desenvolvida por artistas renascentistas do século XV. Talvez ele tenha estudado a técnica, ou apenas gostou de ver como Caravaggio usava a técnica e resolveu adaptá-la ao seu trabalho. Mas ela não veio "do nada".

Em games como a franquia Assassin's Creed, existe todo um trabalho de reprodução arquitetônico do cenário para passar a sensação de que o jogador DE FATO está caminhando naquela época. A História, a cultura e o momento são nossas referências.

Os Dwemer, os "anões" da franquia Elder Scrolls são visivelmente baseados em culturas da Antiga Mesopotâmia, com uma arquitetura decorada com Art Decó. Compreendem agora?

A essa altura da história da humanidade, dificilmente haverá algo a ser criado... Mas nada impede, claro. E releituras sempre serão bem vindas.

Aquela releitura de respeito, mas eu continuo odiando as irmãs Windrunner/Correventos

Lembrando que releitura e cópia são duas coisas diferentes, ok?

E pra quem estiver interessado em dar uma olhada em cursos de História da Arte, mas não tem dinheiro para investir (ou não tem certeza de que quer seguir por esse caminho), tem esses links aqui para dar uma base:

CURSOS UNESP HISTÓRIA DA ARTE I CURSOS UNESP HISTÓRIA DA ARTE II

Fiquem bem e nos vemos na próxima!

Draconnasti

[rfb-brasil]

•10 razões pelas quais "David" é tão incrível:

1. A figura colossal tem 17 pés de altura, o equivalente a um prédio de 2 andares. Foi esculpida em um enorme bloco de mármore de Carrara.

2. O bloco que foi cortado estava danificado,dois escultores foram encarregados da encomenda antes de Michelangelo assumir o controle, mas nenhum deles conseguiu trabalhar com sucesso a pedra de baixa qualidade fornecida.

3. O jeito de David explicava as limitações da pedra.

Ele é magro e sua cabeça está apontando para o lado porque o bloco era estreito demais para ele olhar para frente.

A posição contrastante deles explicava um buraco que já existia no mármore entre as pernas.

4. Miguel Angel tinha apenas 26 anos quando começou e 28 quando terminou.

Ele já era um dos melhores escultores vivos na época, tendo completado a "Pietà" com total descrença em Roma quando tinha 24 anos.

5. Originalmente, ela deveria ficar na linha do teto da Catedral de Florença.

Quando concluído, era simplesmente bonito e grande demais para ser içado lá em cima e, em vez disso, exibido no Palazzo della Signoria.

6. Estudos modernos descobriram que é anatomicamente perfeito, exceto por um pequeno músculo faltando nas costas.

Michelangelo, que estudou anatomia escrupulosamente, sabia disso, mais tarde escreveu que ele era limitado por um defeito no mármore.

7. A veia jugular no pescoço de Davi está saliente, apropriada para alguém em um estado de medo ou excitação (como o jovem pastor teria estado).

Miguel Angel obviamente sabia que isso era uma característica do sistema circulatório, mas a ciência médica não documentou essa descoberta até 124 anos depois.

8. Era estilisticamente inovador. Interpretações anteriores de Davi, como as de Donatello e Verrocchio, o representavam vitorioso sobre o já assassinado Golias.

Aqui, ele está no precipício da batalha, seu olhar intenso e testa franzida representando um momento contemplativo.

9. David representa a forma e a proporção masculina idealizada, um tema comum na escultura grega clássica.

Mas o trabalho de Michelangelo é muito mais naturalista, enraizado na compreensão anatômica que ultrapassou em muito os gregos.

David é uma bela representação do ideal, mas surpreendentemente real, uma conquista definidora do Renascimento italiano.

10. Hoje, cerca de 1,5 milhão de pessoas visitam David a cada ano.

Ele vive na Galeria Accademia em Florença há 150 anos, desde que foi movido para dentro em 1873 para protegê-lo dos elementos.

Como esperado, David ganhou a admiração do grande artista e historiador renascentista Giorgio Vasari:

"Quando tudo foi concluído, não se pode negar que esta obra tomou a palma de todas as outras estátuas, modernas ou antigas, gregas ou latinas; nenhuma outra obra de arte é igual a ela de forma alguma, com tamanha proporção, beleza e excelência foi finalizada por Miguel Angel.

[furlantravelfashionblogger]

Palais Bénédictine, located in Fécamp, Normandy, France, is a stunning architectural masterpiece in Gothic and Renaissance styles. Built between 1882 and 1888 at the request of Alexandre Le Grand, a wine merchant, it served both as a distillery for Bénédictine liqueur and as a place to display his collection of art and artifacts. The history of Bénédictine is intertwined with the story that Le Grand discovered the herbal liqueur recipe invented by Benedictine monks in the 16th century. The palace is distinguished by its intricate carvings, vibrant stained glass windows, and a facade that blends Gothic and Renaissance architectural elements.

O Palais Bénédictine, localizado em Fécamp, Normandia, França, é uma impressionante obra arquitetônica em estilos gótico e renascentista. Construído entre 1882 e 1888 a pedido de Alexandre Le Grand, comerciante de vinhos, serviu tanto como destilaria do licor Bénédictine quanto como local de exposição de sua coleção de arte e artefatos. A história de Bénédictine está entrelaçada com a história de que Le Grand descobriu a receita de licor de ervas inventada pelos monges beneditinos no século XVI. O palácio se distingue por suas esculturas complexas, vitrais vibrantes e uma fachada que combina elementos arquitetônicos góticos e renascentistas.

Foto incrível de @jbperraudin

Assista mais: https://www.ganjingworld.com/s/2z0BJKDzE3

Amazing Photo of @jbperraudin

Watch more: https://www.ganjingworld.com/s/2z0BJKDzE3

[edisonblog]

MAN NEEDS MUSIC, LITERATURE AND PAINTING to complement the harshness and materialism of life. (Fernando Botero)

This quote by Fernando Botero highlights the importance of the arts - music, literature and painting - as essential elements to counterbalance the pressures and materialism of everyday life. Music, literature and painting have the power to transcend worldly concerns, providing a refuge for the soul and fueling the imagination. They connect us with deeper aspects of our humanity, allowing us to explore emotions, ideas, and perspectives that might otherwise go unnoticed. Thus, these forms of artistic expression are not only entertainment, but also vital tools for reflection, inspiration and personal enrichment.

Fernando Botero is a renowned Colombian artist born in 1932, known for his distinctive and unique style, characterized by corpulent and exaggerated figures, both in his paintings and sculptures. Botero is considered one of the most recognized and celebrated artists in Latin America, and his work is widely appreciated throughout the world.

Botero began his artistic career in the 1950s, when he studied at the School of Fine Arts in Bogotá and the Academia de San Fernando in Madrid. During his youth he was influenced by Renaissance artists and Spanish masters, developing a figurative style that would later become his trademark.

One of the most striking characteristics of Botero's work is his representation of human figures and objects in exaggerated and voluminous proportions, often with a touch of humor and irony. His works often depict everyday scenes, urban landscapes and historical events, all of them permeated by a sense of exuberance and exaggeration.

In addition to his paintings, Botero is also known for his monumental sculptures, which follow the same aesthetic of rounded and voluminous shapes. His sculptures can be found in public spaces in several cities around the world, contributing to his global presence as a leading contemporary artist.

Throughout his career, Botero has received numerous awards and honors for his work, and his works are included in important international art collections and museums. His legacy as one of the great masters of Latin American art is indisputable, and his influence continues to resonate among artists and admirers around the world.

image: https://www.wikiart.org/pt/fernando-botero

#edisonmariotti @edisonblog

.br

O HOMEM PRECISA DE MÚSICA, LITERATURA E PINTURA para complementar a aspereza e o materialismo da vida. (Fernando Botero)

Essa citação de Fernando Botero ressalta a importância das artes - música, literatura e pintura - como elementos essenciais para contrabalançar as pressões e o materialismo da vida cotidiana. Música, literatura e pintura têm o poder de transcender as preocupações mundanas, proporcionando um refúgio para a alma e alimentando a imaginação. Elas nos conectam com aspectos mais profundos de nossa humanidade, permitindo-nos explorar emoções, ideias e perspectivas que de outra forma poderiam passar despercebidas. Assim, essas formas de expressão artística não são apenas entretenimento, mas também ferramentas vitais para a reflexão, inspiração e enriquecimento pessoal.

Fernando Botero é um renomado artista colombiano nascido em 1932, conhecido por seu estilo distintivo e único, caracterizado por figuras corpulentas e exageradas, tanto em suas pinturas quanto em suas esculturas. Botero é considerado um dos artistas mais reconhecidos e celebrados da América Latina, e sua obra é amplamente apreciada em todo o mundo.

Botero iniciou sua carreira artística na década de 1950, quando estudou na Escola de Belas Artes de Bogotá e na Academia de San Fernando em Madri. Durante sua juventude, ele foi influenciado por artistas renascentistas e mestres espanhóis, desenvolvendo um estilo figurativo que mais tarde se tornaria sua marca registrada.

Uma das características mais marcantes do trabalho de Botero é sua representação de figuras humanas e objetos em proporções exageradas e volumosas, muitas vezes com um toque de humor e ironia. Suas obras frequentemente retratam cenas do cotidiano, paisagens urbanas e eventos históricos, todas elas permeadas por um senso de exuberância e exagero.

Além de suas pinturas, Botero também é conhecido por suas esculturas monumentais, que seguem a mesma estética de formas arredondadas e volumosas. Suas esculturas podem ser encontradas em espaços públicos de várias cidades ao redor do mundo, contribuindo para sua presença global como um dos principais artistas contemporâneos.

Ao longo de sua carreira, Botero recebeu inúmeros prêmios e homenagens por seu trabalho, e suas obras estão incluídas em importantes coleções de arte e museus internacionais. Seu legado como um dos grandes mestres da arte latino-americana é indiscutível, e sua influência continua a ressoar entre artistas e admiradores de todo o mundo.

image: https://www.wikiart.org/pt/fernando-botero

[baladaeuropeia]

Moisés (Mosè [moˈzɛ]) é uma das principais obras do artista renascentista Michelangelo. Conta-se que após terminar de esculpir a estatua de Moisés, Michelangelo passou por um momento de alucinação diante da beleza da escultura. Bateu com um martelo na estatura e começou a gritar: Por que não falas? (em italiano: Per ché non parli?).

Segundo Ernesto Fischer, no seu livro "A necessidade da arte" (capítulo II), esta obra não só personificava o ideal do homem do Renascimento ("a corporificação em pedra de uma nova personalidade consciente de si"), como também se apresentava como um repto para que a sociedade de então encarnasse esse ideal - no fundo, o mesmo desejo de Moisés, ao trazer como tábuas da lei que reformar a sociedade do seu tempo.

Ao observar atentamente a estátua , pode-se verificar que Moisés possui um par de chifres acima dos olhos, nascendo por baixo dos cabelos. Uma explicação para isso pode ser uma tradução errada de karan (baseado na raiz keren, que significa geralmente "chifre"; o termo é atualmente interpretado como significando "radiando" ou "emitindo raios") feita por São Jerônimo para o latim.

A escultura está na basílica de San Pietro em Vincoli, Roma.

Texto de Udson Jaques

#baladaeuropeia

[fatima-co-engenharia]

O Teatro Amazonas é um dos mais belos e icônicos patrimônios históricos e culturais do Brasil. Localizado no coração da cidade de Manaus, capital do Amazonas, foi inaugurado em 31 de dezembro de 1896, e é um exemplo da arquitetura renascentista com influências do estilo barroco e neoclássico.

O prédio do teatro é composto por uma fachada em estilo neoclássico, com uma cúpula revestida em telhas de cerâmica esmaltada na cor verde, representando as cores da bandeira brasileira. A decoração interna é um espetáculo à parte, com uma grande escadaria de mármore e uma sala de espetáculos com capacidade para 700 pessoas, adornada com lustres de cristal, pinturas e esculturas.

Desde a sua inauguração, o Teatro Amazonas se consolidou como um importante centro cultural, recebendo apresentações teatrais, óperas, ballets e concertos. Grandes artistas brasileiros e internacionais já se apresentaram em seu palco, tornando-o um importante ponto de encontro cultural na região Norte do país.

ele representa a riqueza e a grandiosidade do ciclo da borracha, que foi um dos períodos mais prósperos da história do Amazonas. Por essa razão, o local é protegido pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN) e é um dos pontos turísticos mais visitados de Manaus.

Saiba mais: https://lnkd.in/em7MDWgW

#TeatroAmazonas #PatrimônioCultural #Arquitetura #Arte #Cultura #História #Manaus #Amazonas #Turismo #Ópera #Ballet #Concertos #CicloDaBorracha #IPHAN #Brasil #NorteDoBrasil #Engenharia #ObrasdaEngenharia #Engenheiras #EngenhariaCivil #FátimaCó

[jardelteixeiratempodearte]

Cultura e Economia Criativa MIS Experience Até 30 de abril de 2023 MICHELANGELO: O MESTRE DA CAPELA SISTINA O MIS Experience – instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo – apresenta a maior exposição imersiva já realizada no Brasil sobre a Capela Sistina e os afrescos de Michelangelo, que estão entre as mais famosas obras da história da arte. A estreia da mostra “Michelangelo: O Mestre da Capela Sistina”, inédita no país, aconteceu no dia 25 de janeiro, e a exposição fica em cartaz até 30 de abril de 2023. Os ingressos podem ser comprados on-line e na bilheteria física do MIS Experience- sujeito a disponibilidade. A reprodução gigante do teto da Capela Sistina, com estrutura criada exclusivamente para esta exposição, proporcionam ao público uma experiência inédita de imersão no ambiente. A sala dedicada à imersão conta com recursos de alta tecnologia de animação e sonorização, promovendo um mergulho dos visitantes nas obras de Michelangelo. Detalhes sobre cada grupo de afrescos criados pelo pintor renascentista italiano compõem a experiência.  Com mil metros quadrados divididos em 14 salas expositivas, a mostra traz, além da sala de imersão com projeções gigantes no teto e nas paredes, espaços dedicados à arquitetura, história e curiosidades da Capela Sistina. Os conteúdos das salas, elaborados pelo professor e historiador de arte Luiz Marques (que assina a curadoria da exposição), trazem informações sobre a construção da Capela, suas tradições e seu uso pelo Vaticano, com destaque para uma maquete e uma réplica da chave da igreja.  Os visitantes também podem conferir esculturas, desenhos, estudos e projetos do renascentista Michelangelo, considerado um dos maiores ícones da história da arte do Ocidente. A reprodução em larga escala do ateliê do artista é um dos destaques da seção, que apresenta gravuras gigantes das obras, cartas, manuscritos e documentos sobre o processo de desenvolvimento dos afrescos. Todos os itens da mostra são homologados pelas instituições italianas que preservam o legado artístico de Michelangelo.  https://www.instagram.com/p/CoPrOWkupaD/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[figliadellalunna]

𝗖𝗮𝘀𝘁𝗲𝗹𝗹𝗼 𝗱𝗶 𝗣𝗼𝗿𝘁𝗮 𝗥𝗼𝗺𝗮𝗻𝗮, 𝗱'𝗠𝗼𝗿𝘁𝗲𝗺 𝗮 𝗠𝗶𝗹𝗮𝗻𝗼.

#1

❝A Porta Romana continua sendo a residência oficial da família d'Mortem. Entre os antigos, aquele lugar havia sido um presente dos Sforza e dos Médici, — mais precisamente, 𝗚𝗶𝗼𝘃𝗮𝗻𝗻𝗶 𝗲 𝗖𝗮𝘁𝗲𝗿𝗶𝗻𝗮. Tendo como objetivo principal, garantir a fixação de território e anular o período nômade dos lobos.

𝗚𝗶𝘂𝗹𝗶𝗼 𝗱'𝗠𝗼𝗿𝘁𝗲𝗺, o primeiro a ser retratado, havia selado o começo de uma grande amizade e uma possível união entre suas famílias, no mais, entre a 𝗰𝗮𝘀𝗮 𝗦𝗳𝗼𝗿𝘇𝗮 e a 𝗮𝗹𝗰𝗮𝘁𝗲𝗶𝗮 𝗱𝗼𝘀 𝗱'𝗠𝗼𝗿𝘁𝗲𝗺. Em conversas com Giovanni, ele havia revelado sua condição especial e consequentemente, atrás da porta ouvindo tudo o que se passava ali dentro, estava Caterina. Interessada nos assuntos e no tema principal, ela propôs um acordo que incluiria: proteção, militarismo, formações, financiamentos e poder bélico. Em troca, que aquela "praga" fosse compartilhada entre os seus. Como resultado, Vallerius, o filho bastardo de Caterina com Giulio, nasceu.

Daquele momento em diante, os 𝗦𝗳𝗼𝗿𝘇𝗮-𝗱'𝗠𝗼𝗿𝘁𝗲𝗺 tornaram-se uma linhagem secundária da casa, o dragão devorador de humanos passou a assumir a forma de um lobo negro de olhos assustadores e assim como o sangue, o brasão tornou-se compartilhado.

𝐃𝐢 𝐜𝐨𝐬𝐭𝐫𝐮𝐳𝐢𝐨𝐧𝐞

Giovanni mandou que erguessem um forte de aspecto militar onde outrora era a casa de caça de seu pai, o lugar era enorme e possuía o aspecto de um legitimado castelo renascentista. Brunelleschi havia sido convocado para as ornamentações em mármore negro e inúmeras esculturas de lobos foram distribuídas por todo o lugar, principalmente na entrada. Assombrosas bocas, cheias de dentes e focinhos achatados, eram o segredo revelado. Brunelleschi também teve a genialidade de criar a planta do castello, mantendo o subterrâneo como elemento surpresa a pedido de Giulio, até mesmo para os Sforza.

Haviam selas com grades de prata e pedras de necrotério, ninguém sabia ao certo se aquele lugar se tratava de uma sala de tortura ou onde tudo poderia acontecer, dado que Giulio tinha uma paixão especial por linhagens, sangue, medicina e ciência. — Era um homem a frente de seu tempo, um homem que devotava grande parte de seus dias a criação da genética perfeita. 𝗦𝗲 𝘂𝘀𝗮𝘃𝗮 𝗺𝗮𝗴𝗶𝗮? 𝗜𝘀𝘀𝗼 𝗲𝗿𝗮 𝘂𝗺𝗮 𝗰𝗲𝗿𝘁𝗲𝘇𝗮. 𝗠𝗮𝘀 𝗮𝗹𝗴𝗼 𝗵𝗮𝘃𝗶𝗮 𝘀𝗮𝗶́𝗱𝗼 𝗱𝗼 𝗰𝗼𝗻𝘁𝗿𝗼𝗹𝗲, 𝗲 𝗲𝘀𝘀𝗲 𝗮𝗹𝗴𝗼 𝘀𝗲𝗿𝗮́ 𝗮𝘀𝘀𝘂𝗻𝘁𝗼 𝗽𝗮𝗿𝗮 𝘂𝗺𝗮 𝗽𝗿𝗼́𝘅𝗶𝗺𝗮 𝗽𝗼𝘀𝘁𝗮𝗴𝗲𝗺.❞

[abadmotherfucker]

[clara-mente]

[mondomoda]

Você sabia que a escultura de Davi na Palazzo della Signoria é uma cópia?

Você sabia que a escultura de Davi na Palazzo della Signoria é uma cópia?

David ou Davi é uma das esculturas mais famosas do artista renascentista Michelangelo. O trabalho retrata o herói bíblico com realismo anatômico impressionante, sendo considerada uma das mais importantes obras do Renascimento. A escultura encontra-se em Florença, Itália, cidade que originalmente encomendou a obra. Com 5,17 metros de altura, a escultura representa o herói bíblico David, um dos…