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[proyectos-hipocrita]

Dirección de Arte, sesión para Merlina The Bag.

Dirección de Arte, vestuario, edición de foto: Adriana Hidalgo

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Análisis de uso de color en Ratatouille. Brad Bird. 2007

Edición original del 05 de Octubre de 2018.

Introducción

Ratatouille es la octava película de Pixar, estrenada en 2007, después de Cars y antecesora de Wall-E. Cada año, el estudio norteamericano presenta algún elemento innovador dentro de sus películas, ya sea el sistema de pelaje de los modelos 3D, la manera en que funciona la física del cabello mojado, o crear millones de partículas para que la arena de una playa luzca hiperrealista, siempre se enfrentan a un reto complejo que muchas veces involucra un tema tecnológico. En el caso de Ratatouille podría pensarse que la búsqueda del hiperrealismo se concentraría en la forma de representar la comida, pero, la película va más allá del tema culinario, Ratatouille habla sobre el artista más marginado que llega a lo máximo de su propio arte. Personalmente, creo que el principal reto para Pixar en este caso, era darle el color a esta historia. 

“Piper” Cortometraje de Pixar de 2016

Paleta de color

La elección de color en Ratatouille implicaba varios problemas: el camuflaje de las ratas con su entorno, la historia ocurre en París, que en términos de color es una ciudad en la que abunda el gris, la comida rendereada en 3D parecía inapetente y extraña, los personajes al ser anatómicamente cartoon en un entorno fotográfico merecían un trabajo de integración de color e iluminación. Todo eso, aunado a todas las necesidades cromáticas, narrativas y estéticas que cualquier película animada conlleva.

La paleta de color base abarca una variante de grises cálidos y fríos de la que se desprenden colores más saturados, con presencia abundante de azules, pasando por violetas; y hacía el otro lado, amarillos, ocres, marrones y como punta el rojo como acento. 

El uso de acentos parte de la paleta tendiendo a la saturación, es decir, los azules y rojos se llegan a sobresaturar para ser usados en algunos personajes, en ciertos entornos y en la misma comida, todo esto se verá detalladamente más adelante. 

Finalmente se utilizó una escala de verdes con fines narrativos, los que expondré más adelante, pero parten de los ocres aplicados a entornos y los verdes sobresaturados aplicados a vegetales en algunos momentos de la película.

Color Script de Harley Jessup

La principal razón por la que se usaron grises fríos y cálidos era para representar los dos mundos que aborda la película, los fríos, encabezados por el pelaje azul de Remy resguarda todo el mundo de las ratas, las alcantarillas, los callejones sucios, la noche, la lluvia; por otro lado, los grises cálidos representan el mundo humano, todo eso a lo que Remy aspira, la cocina de Gusteau, que aunque es mosaico blanco, abundan los ocres metálicos de los instrumentos, las estufas encendidas y demás instrumentos. Esto provoca que Remy parezca más vulnerable en el mundo humano, más visible, de manera que rompe más con el propio entorno, prácticamente funge como acento visual. 

Remy mira la cocina de Gusteau desde el entorno seguro de su mundo (azul), una vez que se inserta en el mundo humano (cálido) la historia toma su primer giro.

La escena que funciona de manera contraria, el mundo humano insertándose en el mundo de las ratas, es cuando Django, el padre de Remy lo lleva a ver el aparador de la tienda antiplagas, le muestra a Remy lo peligroso que es el mundo humano, aquel donde Remy nunca podrá pertenecer y mientras le explica todo esto, las luces de autos que pasan por la calle invaden la escena, el humano se hace presente en el entorno seguro de las ratas.

En esta escena, Remy ya está aliado con Lingüini, su padre no lo sabe, pero quiere mostrarle a Remy de lo que son capaces los humanos, Remy dudará y lo comprobará por él mismo, llevándolo a una decepción.  

La película nos mostrará la alianza que hacen Remy y Lingüini, donde ambos se dan cuenta que ninguno podría avanzar sin el otro, la escena funciona mostrándonos ambos mundos unidos en el mismo cuadro, ambas temperaturas de color en el mismo, generando una imagen en alto contraste, a la vez lavada por una capa de niebla, aprovechando así la iluminación y el entorno para generar la imagen.

En esta escena los personajes simbólicamente entran mutuamente al mundo del otro, incluso en cuestión de color, cuando Lingüini se avienta al río para rescatar a Remy y a su vez, nuestro protagonista se muestra en la luz para aliarse con Lingüini. 

Remy

Los acentos de color en Ratatouille se utilizan principalmente en personajes, no con un fin narrativo, mas bien, revelan carácter o el rol del personaje dentro de la historia.  

El azul de Remy fue buscado principalmente para generar contraste tanto en el mundo de las ratas como en el mundo humano. La diferenciación con el resto de las ratas se da con la saturación, las ratas presentan variantes de gris matizado entre marrones, azules e incluso verdes. En Remy se presenta una armonía de colores casi complementarios, azul y rosado, éste último color se usa en general para todos los tonos de piel de las ratas y entra en la gama central de la paleta de la película.

La armonía en Remy también ayuda a contrastarlo y separarlo del fondo, aunque gran parte de la interacción entre los colores del personaje y el fondo tienen valores narrativos, por ejemplo, en el inicio de la película todo el entorno está desaturado, la vida en el campo no es para Remy. 

Quizá los únicos momentos donde Remy llega a confundirse con el fondo es en los momentos en los que él se siente feliz y pareciera que el entorno y la historia se vuelve empática con él, llegando a usar los mismos tonos de color. 

Aunque en esta escena Remy no está precisamente feliz, es la primera escena donde lo vemos cocinar, donde está a punto de descubrir que eso es lo que ama. Pareciera que es Emile el que está inmerso en el mundo de Remy, como un indicio de lo que será la película. 

Y si de momentos empáticos y acentos visuales se trata, las escenas con un mayor énfasis, son los momentos más subjetivos de la película, el primero, cuando Remy prueba la combinación de sabores donde se hace una representación audiovisual de lo que Remy está probando, rompiendo completamente con la paleta de color llegando a colores primarios. 

El segundo momento es el momento final del filme. Donde vemos el atardecer parisiense, con la Torre Eiffel al fondo y en primer plano, el letrero/placa del restaurante de Remy, es el cumplimiento del sueño, y aunque no se usa el azul, pareciera haber un balance entre lo cálido y lo frío, el humano y la rata. 

Lingüini

Es el co-protagonista de la película y que porta el segundo acento de color más visible después de Remy, el rojo en el calzado, en el cabello y ciertos momentos en vestimenta, aunque en esos casos la finalidad es más narrativa. El rojo usualmente es el color que se usa en los protagonistas, aunque en este caso al fungir como aliado y vehículo de Remy el uso es casi mínimo, ya que el tono del cabello se acerca más al marrón intenso. 

En esta escena Lingüini es la única dónde pareciera que se rompió a propósito toda la armonía de color, al ser de las primeras escenas en la película, se podría decir que es para revelar su carácter descuidado y torpe.

La presencia del verde pareciera cobrar un significado de seguridad para Remy, en los momentos en los que se ve rodeado de verde, ya sea con comida o en el primer apartamento de Lingüini, son momentos en los que Remy se encuentra reconfortado y el estatuto del personaje avanza hacia su objetivo final. 

El primer departamento de Lingüini donde lleva a Remy por primera vez tiene una ligera tonalidad de gris verdoso, recordando la teoría de  que el mundo humano es representado por cálidos, el verde llega a ser un lugar neutro, diferente y seguro para Remy.

Skinner y el marrón

El chef Skinner es el antagonista de la historia y en términos de color podría decirse que no cumple con los cánones de villano, pero el antagonismo se basa en el círculo cromático, es decir, que por ser colores complementarios (azul/marrón) todo lo que es marrón, de alguna manera, va a ser un obstáculo para Remy. Cabe mencionar que los ojos de Skinner son verdes, lo que, basándonos en las teorías planteadas, esto lo dota de cierta benevolencia, que es una de las características de la película. Todos los personajes presentan dimensiones más profundas y los roles pueden cambiar. Es el caso de Emile, el hermano de Remy, que aún siendo un personaje aliado de Remy y del mundo de las ratas, a veces se torna un obstáculo para Remy, como cuando lleva más ratas al restaurante Gusteau, provocando la ruptura momentánea de la confianza de Lingüini en Remy. 

En algún momento aparece también el inspector de Sanidad, cuya tonalidad principal es el marrón. 

Anton Ego y los oscuros

En Ratatouille no existe el negro, todas las sombras y los blancos presentes en la película tienen un matiz, los trajes de los cocineros están virados hacia los cálidos y el personaje que mantiene una paleta más oscura es Anton Ego, que en escenas con más iluminación se alcanza a percibir el tono frío de su paleta. 

Haciendo el análisis, Remy y Ego son los únicos personajes que usan el azul dentro de su paleta, la semejanza podría radicar en el factor artístico, como si Ego fuera el único personaje que entiende realmente a Remy. Está la presencia del violeta en la bufanda, que también lo liga a Colette, que es el tercer personaje con el perfil artístico que plantea la historia.

La motocicleta y el casco son props que no tienen una gran importancia en la historia, pero definen el rol y la personalidad de Collette. Al final es el personaje que llega a competir artísticamente con Remy.

En el caso de Ego, el personaje también funciona en armonía con el color del entorno, lo que lo dota de “maldad”, es el entorno, desde su oficina con forma de féretro y la presencia de marrones y los rojos.

El rojo en la película es usado principalmente para denotar los lugares en los que Remy definitivamente no puede entrar, como los lugares más peligrosos para él. Lo podemos ver en la puerta de la cocina de Gusteau y el mismo restaurante está completamente bañado de rojo. En contraste, al final de la película, la puerta de la cocina en el restaurante de Remy, “La Ratatouille” es verde y a la vez, la zona que ocupan las ratas está completamente adornada de hojas verdes. 

Al final vemos a las ratas en un ambiente tan cálido como el del mundo humano.

Conclusiones

La secuenciación del color en Ratatouille es dinámica, va saltando entre tonalidades para cada escena basándose en las necesidades narrativas y semióticas con el fin de potenciar las necesidades dramáticas de cada escena. 

Los personajes no presentan grandes cambios de vestuario, lo que facilita la identificación de personalidad, del rol definido dentro de su propio universo, e incluso ayuda a que escapen de los clichés y los personajes planos. 

Sharon Callahan, directora de fotografía menciona que no buscaron el hiperrealismo, no buscaron representar la comida, París y las ratas tal cual son, lo lograron a través del uso de color, de lograr hacer que la historia se recordara por lo emotivo y no por la resolución hiperrealista del 3D.

[equipo]

Dominios de Tumblr: un nuevo lugar para albergar vuestro caos

Hola, habitantes de [tumblr]. ¿Qué tal estáis? Esperamos que disfrutando de un rato de desconexión y paz mental en las apacibles aguas de esta, nuestra comunidad. En medio de este remanso de tranquilidad, algunas personas incluso encontráis tiempo para ofrecer un servicio social indispensable: llenar el mundo de arte y repartir felicidad. Puede que lo vuestro sea crear fotos de perfil para disfrute de quienes os siguen, dibujar vuestros propios personajes originales con sumo detalle, hacer fotos de bellísimas setas silvestres o compartir vuestra vida rural con el mundo. Quizás dediquéis vuestros días a construir universos complejos para que otras personas participen en juegos de realidad alternativa, a crear memes de una serie de quince temporadas que no habéis podido superar aunque dejara de emitirse hace décadas o, simplemente, a cumplir el objetivo de todo ser humano: mantener ese espíritu puro y único que hay en vuestro interior bien vivo. Sea lo que sea lo que hagáis en Tumblr, ahora podéis ponerle el sello oficial con un dominio personalizado.

Contar con un dominio os dará una imagen más profesional en internet aunque, si lo que queréis es precisamente que no os tomen en serio, también tenemos direcciones que harán reír a medio mundo a carcajadas. En cualquiera de los dos casos, os permiten dejar aún más claro quiénes sois y cómo es vuestro espacio en internet.

Por supuesto, vuestras direcciones de siempre, nombredelblog.tumblr.com, seguirán siendo gratis. Simplemente, ahora tenéis la posibilidad de haceros con un dominio personal.

Para reservar vuestro pedacito de cielo en internet a través de Tumblr, solo tenéis que seguir estos pasos:

Haced clic en el icono con forma de silueta humana para acceder al menú de la cuenta y entrad en el apartado «Dominios» del menú desplegable.

Añadid toda la información, incluid vuestros datos de pago y ¡listo! Ya sois oficialmente una institución en Tumblr. 

Los dominios activos y vinculados con un blog con anterioridad seguirán funcionando sin problemas (a menos que los desconectéis); sin embargo, a partir de ahora, tendréis que comprar cualquier dominio personalizado nuevo que queráis asociar a uno de vuestros blogs a través de nuestra plataforma.

Además, estamos diseñando un proceso que permita transferirlos y un servicio de conexión de dominios de pago.

Y, por si eso fuera poco, tenemos una oferta para todas las personas interesadas en hacerse con un dominio .blog para celebrar este momento histórico: 

Primer año (si lo registráis antes del 31 de julio): 3,00 $

Primer año (si lo registráis entre el 1 de agosto y el 31 de diciembre): 5,00 $

Renovación anual: 10,00 $

¿Queréis saber si hay otros dominios disponibles? Podéis comprobarlo aquí. Si tenéis cualquier duda, este documento de ayuda incluye un montón de información útil.

¡Es hora de subir de nivel! Cread un refugio a vuestra medida e invitad a toda la comunidad de Tumblr a descubrirlo.

[suenosyfantasmas]

"Estamos en la misma órbita pero vamos en direcciones diferentes". Todo está bien. Así es. Así será.

Arte: Julien Pacaud, (Francia). Artista digital. Collage digital, ilustración, fotografía, geometría. Utiliza fotografías antiguas, elementos naturales y tecnología para crear imágenes que parecen estar en Universos alternos.

Fuente: Pinterest.com

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[aschenblumen]

Esto nos hace pensar en el tempo rubato, una de las peculiaridades de la música de Chopin. Existen controversias acerca de lo que quiere decir rubato en el caso de Chopin. Algunos opinan que significa interpretar la pieza «con una sutil inquietud rítmica». Otros sostienen que consiste en «un desplazamiento apenas perceptible de las notas de la línea melódica, que contrasta con los pasos regulares del bajo en el mismo compás». Franz Liszt comparó el rubato de Chopin a un árbol «cuya copa se inclina con el viento hacia todas direcciones, mientras que el tronco está bien enraizado en la tierra». Chopin se valió del término rubato entre los años 1824 y 1835 para sugerir la interpretación senza rigore de alguna de sus mazurcas y de algún que otro nocturno. A partir de 1836 dejó de utilizarlo. Gastone Belotti considera que este abandono se debe a una razón obvia: al alcanzar la madurez todo su arte de interpretación se convirtió en un rubato.

—Adrzej Szczeklik, «El ritmo del corazón» en Catarsis. Sobre el poder curativo de la naturaleza y el arte. Traducción de J. Slawomirski y A. Rubió.

[todos-los-30]

En el intrincado entramado de las relaciones humanas, pocas actividades son tan cautivadoras y gratificantes como ganarse el corazón de alguien, sea hombre o mujer.

Cuando se trata del ámbito del romance, comprender los matices que tocan el corazón de una mujer es un arte delicado. Esta publicación profundiza en el ámbito del afecto y la conexión en el mundo actual, presentando una oportunidad simple pero profunda para aprender y discutir cómo ganarse el corazón de una mujer o de un hombre. Siéntase animado a dejar sus opiniones en la esquina de comentarios, abajo a la izquierda. Gracias por vuestras colaboraciones.

Si te gusta mi blog y quieres enviar o colaborar conmigo, estaré más que feliz de recibir tus envíos. Mi caja de colaboración está siempre abierta para recibir tus noticias, fotos y tus preciados escritos. Después de recibirlas, todas las colaboraciones se publicarán para que todos las disfruten. Hay un dicho que nos enseña que nadie es alguien solo, de ahí la importancia de compartir.

Al compartir y colaborar, podemos acortar la distancia entre las personas sin importar la distancia entre dos lugares y sin importar las diferencias entre nuestras mentes. Al leer los escritos de otras personas estamos dando el primer paso de un viaje, un viaje para derribar muros y construir puentes entre comunidades e incluso países. Mi objetivo final es derribar barreras entre las personas debido a conceptos erróneos y prejuicios. Para saber más sobre mí y dejarme saber más sobre usted, comencemos el viaje hoy. Colabora conmigo. Gracias.

El viaje hacia la búsqueda del “yo” es un proceso largo y a veces arduo, que gira y gira en todas direcciones. El destino es una identidad personal, una definición de quién es uno, independientemente de los demás. Algunas personas encuentran un camino recto que les lleva directamente al descubrimiento de su “yo”. Otras personas toman el camino que tiene muchas curvas y obstáculos que superar, pero eventualmente estas personas también llegan al destino del “yo”. Todavía hay otros que se pierden en el camino. Mi objetivo en este blog es descubrir nuevos territorios en mi mente donde pueda llamarla hogar para mi bienestar y ayudar a otros a sentirse cómodos con sus pensamientos, creencias y comportamientos. Soy graduado en educación superior y un exitoso hombre de negocios (Mis primeros 1.000.000 de dólares americanos los gané cuando tenía 23 años) y estoy seguro de que podrás contar conmigo en algunas de tus dudas que tengas, si te sientes dispuesto a compartir. El proceso de encontrar el “yo” depende en gran medida de nuestras interacciones con otras personas. Desde el principio, cuando somos bebés, hasta que aún somos niños pequeños, no tenemos idea de quiénes somos ni cuál es nuestra relación con el mundo. Nuestras percepciones del mundo son a través de los ojos de nuestros padres o tutores y otros adultos que intentan enseñarnos y mostrarnos el mundo. Nos inculcan sus propias ideas sobre el bien y el mal, el bien y el mal.

Por favor, no compre el periódico de ayer para los panecillos de la mañana. Será mejor que seas inteligente y no escuches los rumores que circulan en contra del blog de un tipo decente.

• Esta é apenas uma das muitas vezes que escrevi sobre as pessoas por trás do blog @nomasacosadores-en-tumbler onde alguns delinquentes estão lá para me desconsiderar usando mentiras e difamações contra a minha reputação. Você pode encontrar em meu blog outros escritos meus onde esclareci detalhes sobre esses delinquentes, incluindo os nomes de seus blogs. Embora na maioria das vezes eu tenha escrito em espanhol, desejo sinceramente que as pessoas possam ler meus trabalhos com tempo e máxima compreensão. Muito obrigado de,

João

Se preferir ler as desgra��as que postaram contra mim, para você ter uma ideia do quanto essas pessoas são amargas, basta conferir você mesmo em @nomasacosadores-en-tumbler

[musik27]

Mon Laferte: Una voz rebelde y versátil en la música latina

Mon Laferte es una de las voces más poderosas y versátiles de la música latina contemporánea. Con su estilo único que combina el poder de su voz con letras conmovedoras e inquebrantables, ha logrado establecerse como una de las artistas más influyentes de su generación. A lo largo de su carrera, ha demostrado una versatilidad que trasciende géneros, estilos y fronteras.

Inicios y Transformaciones

Norma Montserrat Bustamante Laferte Nacida el 2 de mayo de 1983 en Viña del Mar, Chile, Mon demostró su talento y amor por la música desde temprana edad. Influenciada por las tradiciones musicales de su país, creció en un ambiente de bolero, folclore y rock, que influyeron en su estilo musical posterior. A los 13 años, Rafter comenzó a cantar en bares locales y a participar en concursos de talentos, donde ya empezaban a aflorar sus habilidades vocales y escénicas.

Se hizo famoso en Chile por su participación en el programa de televisión Rojo: Fama, Contrafama*,El concurso de talentos que lanzó su carrera Aunque su primer álbum *La Chica de Rojo* (2003) apuntaba a un estilo más comercial, Mon pronto decidió incorporar su arte al suyo, alejándose de la música pop tradicional que explora una gama más amplia de sonidos y emociones.

Renacimiento en México

Después de su éxito en Chile, Laferte tomó una decisión arriesgada y radical: en 2007, se mudó a México para redescubrirse a sí mismo como artista. El cambio no fue fácil ya que enfrentó varias dificultades, incluidos problemas de salud que casi le acaban con la vida. Sin embargo, la experiencia fortaleció su creatividad y sus creencias personales.

México se convirtió en el lugar donde su música tomó nuevas direcciones, mezclando estilos como el bolero, el rock, el folk y el pop latinoamericano. En 2015 lanzó el álbum Mon Laferte Vol 1, que se convirtió en un punto de inflexión en su carrera. Con canciones como "Tu falta de querer" y "Amor completo", Mon se ganó al público no sólo en México, sino en toda América Latina y España. La melancolía y crudeza de sus letras,Debido a la vulnerabilidad de su voz, rápidamente conectó con el publico.

Activismo y arte

Mon Laferte es conocida no solo por su música, sino también por su activismo y su postura en las redes sociales. y cuestiones políticas. Ha utilizado repetidamente su plataforma para denunciar la injusticia y apoyar causas como las luchas feministas, los derechos LGBTQ+ y la protesta social en Chile. Uno de los momentos más impactantes de su carrera fue su protesta durante los Premios Grammy Latinos 2019, donde mostró un mensaje en su pecho desnudo con un mensaje sobre la represión en Chile: "En Chile torturan, violan y matan". Su arte y activismo están indisolublemente ligados, y muchas de sus canciones tratan temas de dolor, resistencia, empoderamiento y crítica social. Este compromiso no fue fácil, ya que sus opiniones políticas fueron elogiadas y criticadas, pero Mon siempre mantuvo un claro sentido de responsabilidad como artista en tiempos de cambio.

 Estilo y evolución musical

A lo largo de su carrera Mon Laferte experimentó con una variedad de géneros, desde pop y rock hasta cumbia y folklore andino. Su álbum Norma (2018), por ejemplo, es una dedicatoria a los ritmos latinos tradicionales, en el que explora géneros como la salsa, el mambo y la cumbia. Cada nuevo proyecto muestra un aspecto diferente de su arte, pero siempre conserva su huella personal: autenticidad y emoción cruda.

En 2021 lanzó "Seis", un álbum inspirado en los rancheros y la música mexicana, con influencias de la figura de culto Chavela Vargas. Con este álbum, Laferte expresa su profundo respeto por la tradición musical mexicana mientras continúa explorando su propio sonido. En canciones como "que se sepa nuestro amor" y "Se me va a quemar el corazón", combina el drama de la música ranchera con melancolía y pasión personales.

Mon Laferte Ha dejado una huella imborrable en la música latinoamericana. su capacidad para reinventarseSu exploración de diferentes géneros sin dejar de ser fieles a sus personalidades creativas los ha convertido en referentes de la música y la cultura latina. Con múltiples Grammys, una sólida base de fans internacionales y una carrera en crecimiento, Mon continúa superando expectativas y rompiendo barreras.

Su legado no solo radica en su música, sino también en su coraje para hablar y cantar. Sobre temas que otros artistas podrían ignorar. Mon Laferte es una artista completa en muchos sentidos: guapa, rebelde y, sobre todo, sincera. No hay duda de que es y seguira siendo una figura clave de la música latina durante muchos años más.

te amo mucho Mon gracias por tu musica me haces muy feliz tu mejor album es 1940 carmen pero nadie acepta esta verdad  te amo te amo te amo te amo te amo casate conmigo por favor te amo mucho

[romiswired]

Kazusada Higuchi & Yuki Ueno vs. MAO & Tetsuya Endo (DDT Dramatic Dreams Vol. 11)

Por el amor a la lucha libre.

La industria actual es un infierno de pantallas grandes, mega titantrones, estadios repletos de gente y en si una pantalla gigantesca de lujuria y materialismo que solamente sirve para que un millonario te diga que todo esta bien. La lucha libre moderna en su mayoria es un juego de quien la tiene mas grande entre dos multimillonarios que la gente pretende son diferentes. Los medios especializados de lucha libre estan infectados con la necesidad de desinformar a la gente y generar discusiones estupidas. Los supuestos dueños de la verdad estan mas preocupados por quedar bien que por tratar a la lucha libre como arte, y por supuesto, los fanaticos de este deporte tan marginado piensan que su nicho tiene mas respeto solo porque hay 200.000 personas viendo el mismo apartado de luchas sin sustancia ni corazon.

En esta industria materialista, capitalista y llena de gente que no se preocupa porque la lucha libre sea tratada como un arte, DDT nos trae este combate como una respuesta indirecta a todo ese ruido de fondo. Parezco disco rayado, pero la insistencia que tengo con esta empresa no es por un recency bias, si no porque con DDT encuentro algo que no encuentro en todas las empresas grandes. Y lo busque, creanme que lo hice. Tengo amigos que me dicen que ciertas empresas estan mejor que antes, y aunque si lo estan en un nivel tecnico, tienen todavia esas cosas que no concuerdan con mi vision de lo que considero es importante en el wrestling. Muchas personas creen que mi opinion es diametralmente opuesta a la que creo solo porque tiendo a defender y a responder a las mentiras que se dicen *de cualquier empresa*. Lo que esas personas, incluyendo gente que me sigue no sabe, es que la lucha libre moderna me ha estado desenamorando por el hecho de que se esta dirigiendo a una direccion de la cual no tengo interes alguno por seguir. Con DDT lo que me pasa es sencillo.

Encuentro una version sincera de la lucha libre que no tiene que ser amplificada por una pantalla enorme o un angulo bonito de camara. Encuentro lo que quiero del pro wrestling como movimiento, y por supuesto, encuentro a los mejores luchadores del mundo haciendo lo que mejor saben hacer sin tener que encasillarse en una manera de hacer las cosas impulsada por la vision occidental de lo que es el wrestling. El espectaculo televisivo, los shows semanales, los PPVs, y todo lo que rodea a un esquema que prioriza a la lucha libre facil de hacer y a la que le quita la sonrisa al luchador. La lucha libre materialista donde un desparpajo de luces bien puestas hacen creer a la gente que ciertos luchadores son siquiera funcionales. La lucha libre que hace que gente como Konosuke Takeshita pierda la sonrisa.

Vi esta lucha en una transmision en vivo (pueden seguirme en Twitch, veo luchas y escucho musica bonita) despues de ver dos luchas que realmente queria ver, y pensaba que no iba a ser tan importante. El tema fue que me deje cegar por esta logica extraña que se desarrollo en la lucha libre donde todo lo que no tenga un titulo o una recompensa de por medio vale menos. Entonces entre a esta lucha pensando que iba a terminar "rapido", porque todas las luchas irrelevantes terminan rapido, no? Lo que me encontre fue un espectaculo impresionante de 25 minutos que se sintio mas largo porque fue una masterclass de ritmo e in-ring. Un tag team match cardiaco donde todo pasaba por una razon y donde no habia tiempo para que un spot se vea bonito. Adrenalina, caos y la mejor version de 4 luchadores que son los mas importantes en DDT.

¿Era por un titulo? No. Era por un torneo? No. ¿Era por algo material siquiera? No. ¿Saben por que fue este combate? Por el amor a la lucha libre. Y a mi me despierta mas emociones y mayor respeto un combate asi, que una lucha por un titulo que supuestamente deberia ser importante y se siente como un bodrio. Podria dar nombres, y varios de esos serian controversiales, pero el punto de esta reseña no es darle pantalla a las pantallas, si no que las verdaderas estrellas muestren su brillo. Este combate es fantastico, no tengo mas que añadir mas que lo tenes que ver, y tenes que experimentar lo que es verdaderamente DDT, y lo que se encuentra en su nucleo. Si pensas que la lucha libre tiene que tener si o si una recompensa, esta lucha es una manera agradable de decirte que todo lo que aprendiste de la industria es una mentira repetida muchas veces. Porque en papel, este combate no vale nada y no cambia nada. Solo existe. Pero el valor se lo dara la persona que lo ve, y el valor que yo le doy ahora es incalculable porque es una muestra de lo puro que es el wrestling honesto en comparacion con lo que supuestamente te tiene que gustar y tenes que ver. Aguante DDT, la mejor empresa del mundo.

[izumith]

#003. Mi personaje y el tuyo son invitades a probar la cabina de fotos con la temática del museo. @chavnry

a falta de un espejo, se gira en dirección de contrario para pedirle su opinión. “¿no tengo el pelo demasiado desordenado?” no desea que cuando esté la foto lista recién note que las hebras de su cabello apuntan a distintas direcciones. “me pregunto si se podrá poner decoraciones a las fotos” todas las cabinas de fotos podrían funcionar de distinta manera, así que es un misterio para ella. “sería lindo si sale con un marco de cuadro, como si fuéramos arte” bromea.

[joseandrestabarnia]

Medusa Caravaggio (1595 – 1598)

En 1598, el cardenal Francesco María del Monte regaló este escudo pintado al gran duque Fernando I. Fue colocado en la Armería de los Uffizi sin ninguna atribución; en 1631 fue registrado como obra de Caravaggio y se exhibió como parte de una armadura persa llevada por un maniquí sentado sobre un caballo de madera. La Medusa está pintada sobre lienzo aplicado a un escudo de madera. El tema es mitológico y se refiere al escudo de Atenea que se utilizó astutamente para explotar el poder de Medusa para petrificar a las personas. Los Medici utilizaban a menudo esta iconografía para representar su poder militar. En lugar de inspirarse en esculturas antiguas, el pintor captura la expresión del rostro de Medusa, deformado por el horror de haber sido decapitado, mientras incluso la melena de serpientes se retuerce en todas direcciones; es el momento pasajero entre la vida y la muerte.

Detalles Título: Medusa Creador: Caravaggio Merisi Lugar de nacimiento del creador: Milán (Italia) Lugar de fallecimiento del creador: Porto Ercole - Grosseto (Italia) Fecha de creación: 1595 - 1598 Estilo: Barroco temprano / 'scudo da parata' Procedencia: Colecciones de la familia Medici en Florencia Título original: Medusa Tipo: pintura Técnica artística: Óleo sobre lienzo Expuesta: Gallerie degli Uffizi

Información de Google Arts & Culture, imagen/es de mi autoría.

[proyectos-hipocrita]

Dirección de Arte, sesión para fotos promocionales Merlina The Bag.

Dirección de arte, vestuario, maquillaje, edición de foto: Adriana Hidalgo

[staroverthemoon]

Nadando contra la marea —

Crítica de Polar Blues (Azules polares), Antonio Leyva

Desireé Estrella

Polar Blues, Antonio Leyva - marzo de 2014-Medio: Acrílico en hoja de lona - 50x40cm

La transición turbulenta de un niño forzado a dar un salto a la adultez, antes de estar preparado. Pero, ¿alguna vez se está completamente preparado? Y si los días sólo tienen rayos efímeros de sol, ¿en dónde se busca el calor? Antonio Leyva reflexiona estas preguntas y presenta las emociones fluctuantes de su adolescencia en esta obra, mientras que a los demás nos toca buscar nuestro reflejo en ella.

“Every rise is a day.”, dice Antonio. Toda colina es un día.

Antonio trabajó en esta pintura varias madrugadas durante dos semanas, entre los meses de febrero y marzo de 2014; entre la preparación de su ingreso universitario, el aprendizaje de vivir solo a los 16 (con su familia en otro país) y las inquietudes cotidianas de la vida y la juventud. Mientras mantenía un exterior orgulloso y firme, su única manera de liberar estas emociones era a través del arte. Polar Blues representa, entonces, los días que comenzaban en la oscuridad del negro azabache, y los sentimientos oscilantes de azul, blanco y gris que se fundían en la duración del día.

El cuadro empezó como una gráfica a lapiz en la parte inferior; los picos negros indicaban lo oscuro que empezaban sus días (16 días en total), lo difícil que sería levantarse esa mañana y cómo esa oscuridad podría seguirle a lo largo del día. El azul del cuadro, su percepción de esos días, en los que recordaba cómo se sentía, pero que acababan desdibujándose en un océano de monotonía con pequeños destellos blancos o de azul claro de algo distinto a esa nebulosa sensación.

Entra al agua y encuéntrate a ti mismo, en estas oleadas de azul que empujan contra el negro profundo, rastros de toda persona. Detrás de las olas, vemos no sólo las luchas comunes de un niño hecho hombre forzadamente, sino la separación entre un niño y su familia, vemos una batalla contra la depresión, una lucha por mantener una apariencia falsa, la cual podría desmoronarse en cualquier momento. Durante este tiempo, Antonio dudaría una y otra vez de haber tomado la decisión correcta al mudarse al extranjero a una edad tan temprana, al alejarse tanto de lo que más conocía. 

¿Estamos todos trabajando hacia la nada? ¿Estamos todos nadando contra la marea como Sísifo haciendo rodar esa piedra colina arriba?

Si lo somos, la pregunta sería: ¿qué hemos hecho para merecer este castigo? ¿Cuándo dejará de parecer un castigo? 

"¿Todos los demás tienen estas preguntas, o soy sólo yo?" No hay forma de saberlo con certeza.

Inspirado en el expresionismo abstracto que se encuentra dentro de las obras de Mark Rothko, aprendiendo de su uso del color e influenciado por el protagonismo de los colores en la portada original de El Gran Gatsby (edición de 1925), realizada por Francis Cugat (Ojos Celestes, 1924), libro que estudiaba durante esos largos días, Antonio aprovechó la oportunidad de explorar su mente, permitiéndose el tiempo para meditar con sus emociones y sentimientos, buscando sus direcciones.

Permítete meditar tú también, dejando que las olas te bañen, te recuerden lo que sientes y se lleven con ellas los oscuros acantilados.

[nicodomo-studies]

Primeras dos semanas en Chavón... diablo que dificil xd

Representacion artistica de la tarea mas dificil de estas 2 semanas

El primer dia de clases fue muy jevi, siento que me integre super rapido a la institucion, ya con los otros dias que tuvimos que ir antes, senti que ya me habia acostumbrado al sitio )eso si, hay aulas donde hace PILA de frio, recomiendo siempre llevar un agrigo guardado o algo). Pero algo que me impacto es que en verdad... Chavón no pierde el tiempo.. ese mismo dia para nuestras 2 primeras clases nos pusieron ejercicios para la clase, que si no terminabamos en la clase debiamos subirlo ese mismo dia en la plataforma de google clasroom (hay un classroom para cada materia), ademas de tarea para la proxima semana. Asi fue mas o menos para el resto de las clases en la semana, algunas pusieron mas tareas que otras. La mas dificil fue la tarea de espacio y materiales, que era hacer un cubo Rubik con papel, subestime un poco el ejercicio y me quede despierta hasta las 5AM para entregarlo ese mismo dia, ay. El mejor consejo es que por favor hagan la tarea desde que se las pongan si es posible x'v

Esta segunda semana ha sido un poco mas suave, por suerte no tenemos clase los viernes, pero los vernes son practicamente los dias de hacer tarea x'v

Debo mencionar que este primer trimestre las materias son todas genericas, que no tienen necesariamente nada que ver con la carrera que eliges. Ya a partir del 2do trimestre habra dique un 20% de materias para las carreras elegidas y a partir del 3ro como un 80%. Al año ya uno esta full en la carrera y tomando materias electivas.

Ya los de 2do año duran dias enteros animando y cosas asi, yo quiero estar asi xdxd y tomando electivas como storyboard, direccion de arte, guion y asi. Yo quieroo. Los de 2do tambien dicen que el 1er y 2do trimestre son los mas dificiles en verdad, siendo el 1ro mas dificil. Y se gasta pila, tuve que gastar como 10,000 pesos o mas en materiales, ya luego no se gastara tanto en estre trimestre pero doique en el 2do se gasta mas.

No voy a mentir, en verdad me cuestione si podre soportar todo esto, ahora mismo lo que me motiva es llegar a la parte de animacion. A pesar de todo los trabajos que nos ponen son interesantes, y el esfuerzo se siente que ha valido la pena hasta ahora aunque no tiene que ver con cosas de animacion. Espero soportarlo todo bien y poder trabajar para pagarme lo que necesito, por ahora creo que podre con todo. Yo tengo claro que a pesar de todo, si no lo puedo soportortar me voy eso, no me voy a eplota mi salud mental ni fisica >:C ni aunque sea una de mis metas de vida, mi salud es mas importante. Hay gente que en verdad sufre pila por el estres, ya me hicieron las historias de miedo reales, y por algo chavon tiene una psicologa bien tremenda quese nos presento la primera semana, pero veremos!! creo que puedo! esta no es mi primera carrera y ya trabajo en animacion asi que x'v el estres y horas muertas trabajando no creo que me quebraran.

Espero poder seguir actualizando el blog sin problemas, menos mal que tambien entre cada trimestre hay como 1 mes y un chin de vacaciones, dio mio, nos vemos la semana que viene espero.

Aqui paso algunas de mis tareas:

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Cayetano Grossi:

"El hombre de la bolsa"

Cayetano fue un hombre de nacionalidad Italiana que en 1878 decide viajar a Argentina dejando atrás a su esposa, Rosa Ursomarso y a sus dos hijos de los cuales no se conoce su nombre. Ya instalado en Argentina consigue un trabajo como cartonero, posteriormente se casa con Rosa Ponce de Nicola, una lavandera de profesión. Ella anteriormente había estado casada con Juan Nicola, con quién tuvo tres hijas: Catalina, Clara y Maria. Pero lamentablemente el muere antes de que naciera su tercera hija, cuando la pequeña María solo tenía ocho meses, Rosa conoce a Grossi y juntos tienen tres hijos: Carlos, Teresa y Lorenzo.

La carrera criminal de Grossi empieza el día 29 de mayo de 1896 (que curiosamente también es el año de nacimiento de Cayetano Santos Godino o el petiso orejudo, otro conocido asesino de la historia Argentina) cuando encuentran una bolsa negra en la basura que contenía el brazo de un bebé recién nacido, rápidamente la policía es alertada y se ordena una inspección ocular por toda la zona, después de un rato logran encontrar el cráneo aplastado de el niño, sus dos pequeñas piernas y su otro brazo, unas cuantas horas más tarde aparece en un carro de basura el tronco, completándose así el cuerpo como si de un macabro rompecabezas se tratase.

Después de que se realizará la autopista se reveló que el bebé había nacido vivo pero murió a causa de una fractura en la cabeza pero no se pudo encontrar a ningún culpable.

Dos años después, el 5 de mayo de 1898, encuentran en el mismo lugar y envuelto en una tela de arpillera y trozos de una chaqueta masculina de casimir negro, el cuerpo de un recién nacido, nuevamente con el cráneo destrozado y en un avanzado estado de descomposicion, presentaba quemaduras de primer y segundo grado en sus brazos y después de la autopista se pudo saber que tenía 4 días de vida y que fue extragulado hasta perder la vida.

Por algunas direcciones postales que había entre la basura que rodeaba el cuerpo del infante pudieron saber que carro había recogido esa basura, el carrero fue interrogado y confesó haber visto los restos del niño pero que no informo a la policía por miedo a quedar envuelto en la situación.

Después de revisar exhaustivamenta los elementos recolectados se percataron de que el pedazo de saco tenía numerosos remiendos hechos con género de luto y de que estaba extremadamente gastado, como si la persona que lo uso fuera un vendedor ambulante, los cuales portaban canastas con correas, en sus bolsillos había algunos restos de cigarrillos y anís, esto hizo que las autoridades concideraran la posibilidad de que su dueño fuese Español o Calabrés, porque ellos tenían la constumbre de comer anís. Las demás prendas por su calidad y estado sugerían la pobreza de su dueño.

Con todas estas pistas, el 9 de mayo de 1898, la policía gopea la puerta de una casa en la calle Artes 1438 (hoy Carlos Pellegrini) en el barrio de Retiro en Buenos Aires, hogar de una familia que siempre vestía de luto.

Los vecinos de la familia aseguraban que el padre violaba a sus hijastra y que ya las habían visto varias veces embarazadas, pero que tiempo después se las veia normal, sin saber nada de los bebés.

Cuando la policía reviso la vivienda encontró una lata, aparentemente de querosen, debajo de una cama, dicha lata contenía el cadáver de un bebé, rápidamente Clara, Rosa y Catalina señalaron a Grossi como el culpable pero este lo negó e intento culpar a su hijo Carlos que también estaba casado con Clara.

Aunque las pruebas lo inculpaban completamente, el siguió negandolo todo y aseguro que los embarazos de sus hijastas eran producto de las relaciones entre ellas y sus amantes, pero días más tarde confesó haber matado al primer bebé encontrado en 1896 y también haber insinerado a varios niños mas.

Tiempo más tarde reconoció haber tenido un hijo con Catalina y cuánto con Clara.

Rosa, Catalina y Clara fueron fuero juzgadas como "las encubridoras" de los crímenes y fueron sentenciadas a tres años de prisión efectiva, Cayetano por su parte fue sentenciado a la pena de muerte, que se llevó a cabo el 6 de abril de 1900 en la Penitenciaría Nacional.

Aún con todas las pruebas en su contra Cayetano nunca dejo declararse inocente, recitado estás, en mi opinión, aberrantes últimas palabras : "Yo recibo con resignación la pena que se me ha impuesto, pero soy inocente. Yo no soy culpable de la muerte de esas criaturas, porque las culpables son esas mujeres que me han acusado asesino de sus hijos. Yo no soy el padre de las víctimas; los padres de esos niños eran los amantes de las mujeres Nicola. Si yo fuera un asesino tan feroz, yo hubiera muerto a mis hijos con la madre.

¿Cómo es posible que una madre haya permitido que yo asesinara sus propios hijos? ¿Por qué no me acusaron ante la Policía cuando yo salía a la calle, las madres de las víctimas? No siento morir y hago esta declaración por el amor a mis hijos legítimos”.

Algunos minutos antes de las ocho de la mañana un piquete de soldados llegó a la puerta del lugar acompañado del juez Madero y del Director de la Penitenciaría coronel Boerr. Cayetano escoltado por dos guardias se dirigió al lugar de la ejecución, se sentó y dejo el cigarillo que tenía en la boca a un costado, como con la esperanza de poder seguirlo fumando, cosa no paso, pues al cerrar los ojos recibió la descarga de los fusiles, que tras un dolor punzante le dieron fin a su feroz vida.

[kinocube]

Marchou co vento

O vento, a partir da chegada do cinema sonoro, converteuse un dos grandes inimigos da produción cinematográfica. Complícao todo, máis que nada a recollida de son directo, pois débese protexer con delicadeza a microfonía para evitar que a forza do aire a golpee xerando un ruído feo, case imposible de eliminar en posprodución, e que soa sempre por riba dos diálogos e dos efectos de son directo. A nivel de imaxe, o vento pode impedir aos intérpretes actuar con naturalidade e incluso pode chegar a danar os equipos e as lentes. 

Porén, o vento trátase un dos recursos de narrativa visual máis fermosos e efectivos na arte cinematográfica. Merece a pena, entón? Merece!

O vento ten a particularidade de tratarse dun fenómeno natural non visible. Na vida real sabemos que venta a través do tacto; notamos como bate en nós, como nos despraza, porque é unha forza viva. Iso, de momento, non podemos trasladalo á pantalla. Non podemos facer que os espectadores noten a través da súa pel o efecto. 

Na animación non é inusual representar o vento de maneira visual, como un fluír de cores ou liñas. Porén, ao igual que outros recursos non visibles, é posible representar doutra maneira o vento mantendo a súa calidade invisible, tanto en animación como en acción real, a través dos efectos que provoca, é dicir, empregando a metonímia. Sabemos que existe o vento porque percibimos como move as cousas, como empurra aos actores, abanea as pólas das árbores, despraza os obxectos que non están firmemente ancorados no chan, enche de po o ambiente, enreda os cabelos... 

Non hai nada máis poético, de feito, que o movemento lene que provoca a brisa sobre a tea, sobre o cabelo, sobre a vexetación. Aporta un lirismo precioso, que pode estar tamén cargado de significado, como a escena da voda de Angharad en How green was my valley (John Ford, 1941), no que o veo da protagonista se move con liberdade a pesar de que o noivo tenta dominalo, como metáfora do espírito indomable da muller.

Doutra banda, cando o vento é forte, altera todos os elementos do plano, nunha grande axitación que afecta a todo o que vemos na pantalla. O plano vólvese ruidoso, intenso. Pode chegar a converterse nun furacán, nun trebón, que en si mesmo constitúe un recurso narrativo excelente para meter en -ou sacar de- problemas aos protagonistas. Mais non é necesario chegar a tal punto para que o vento constitúa unha ferramenta importante para a tensión dramática dunha escena. 

Todos estes usos do arquetipo que nos ocupa esta semana teñen unha motivación. O vento funciona moi ben en cámara, a pesar das limitacións que comporta, porque é capaz de xerar significado e aportar valor narrativo ao tempo que transforma o plano de maneira visual, dándolle vida a través do movemento. Cada refacho xera movemento, un movemento ademais moi direccional, que crea liñas cinéticas dun lado a outro da pantalla a maior ou menor velocidade, e polo tanto aportando ao ritmo interno do plano -en contraposición ao ritmo externo, que se acada na montaxe-.

O vento, ao igual que outros arquetipos relacionados co clima, tamén pode funcionar como metáfora do estado anímico das personaxes. E funciona, ao igual que moitos dos recursos climáticos que xa tratamos nesta bitácora, cara ambos os dous sentidos, positivo e negativo. 

No senso negativo é evidente. O vento é a axitación, o deixarse levar -ou caer- cara a perdición, o obstáculo insuperable ou a memoria do que perdemos. Unha personaxe pode sentir no vento a presenza dun espírito, ou notar o aire que ven da terra que deixou atrás, materializando a morriña e a saudade. Pero tamén pode predicir a chegada dun personaxe perigoso ou negativo, representando o medo ou a ameaza. 

Porén, o vento é tamén forza motriz, fai avanzar, empurra ás personaxes cara o seu destino, cara a vitoria. Pois é a corrente de aire a que permite o desprazamento das velas dos barcos, que dependen de que a dirección do vento lles sexa favorable. “Ter o vento en contra” ou telo “a favor” é aínda hoxe unha expresión usada en calquera situación, na realidade, polo que comprendemos tamén o seu uso metafórico trasladado á pantalla. Da mesma maneira, un cambio de dirección súbito do vento adoita significar un cambio de dirección na trama, tanto positivo como negativo, do que as personaxes adoitan ser conscientes. 

Trátase dun dos motivos visuais máis cinematográficos, xa que apela -como vimos dicindo ao longo do artigo- ao principio básico que define á sétima arte e a diferencia das demais: a representación do movemento. Despois de todo, son as moving pictures, as imaxes en movemento, as que engaiolaron ao público por primeira vez un 28 de decembro de 1895 no Salon indien du Grand Café de París. 

Até o vindeiro episodio!