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Un papel pintado efecto hormigón o textura pared desgastada de apariencia realista, es la base perfecta para recrear un auténtico look industrial. A simple vista puede parecer algo frío, pero añadiendo acertadas notas de color y mobiliario en madera natural, se transforma en un ambiente realmente acogedor. Además cuenta con la ventaja de combinar bien con muchos estilos decorativos. Papel…

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FARNSWORTH HOUSE

ARQUITECTO : Mies van der rohe

UBICACIÓN : Illinois

CRONOLOGÍA : 1951

BIOGRAFÍA :

Ludwig Mies van der Rohe nació el 27 de marzo de 1886 en Aquisgrán, Alemania. Mies nunca recibió una formación oficial como arquitecto, sino que aprendió su oficio de varios arquitectos que le transmitieron sus conocimientos.

Considerado pionero de la arquitectura moderna, es conocido por sus formas rectas y elegantes. Su famoso principio de "less is more" se refleja en sus proyectos, en los que utiliza directamente materiales modernos como el acero industrial o el vidrio plano. La atención al detalle también es un aspecto central en la obra de Mies, y le presta una atención extrema.

Mies van der Rohe se cruzó por primera vez con Walter Gropius y Le Corbusier cuando trabajaron en el estudio de Peter Behrens a principios del siglo XX.

Mies aprovechó los avances de la modernidad para replantearse la forma de concebir la arquitectura; utilizó el vidrio en particular para disolver la frontera entre interior y exterior.

Dirigió la escuela Bauhaus, fundada por Walter Gropius, desde 1930 hasta su disolución bajo la presión del gobierno nazi en 1933. A lo largo de su carrera, Mies van der Rohe ilustró los principios del movimiento modernista en su obra, pero también llevó el movimiento a un público internacional más amplio.

CONTEXTO

Construido más de 20 años después del pabellón de Barcelona, la Casa Farnsworth es un emblema de la Arquitectura Moderna, diseñada por Ludwig Mies Van Der Rohe, director de la Bauhaus y pionero del estilo internacional. Van Der Rohe concibió la Casa Farnsworth como una casa de fin de semana de una sola habitación en un entorno natural, situada a 75 km al suroeste de Chicago, en una finca de 24 acres junto al río Fox. La casa de cristal y acero fue encargada por la Dra. Edith Farnsworth. Con una superficie de 135 m², la Casa Farnsworth es un símbolo perfecto del espíritu "Less is more" conceptualizado por Van Der Rohe.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA :

Mies organiza su discurso en torno a la naturaleza envolvente del proyecto, que intenta preservar. En pleno Illinois, a orillas del río Fox, en Plano, en una región expuesta a fuertes lluvias, la casa, como en suspensión, se dibuja en medio de las distintas especies de árboles, que participan en la decoración.

Esta casa es un ejemplo del movimiento moderno. Está organizada con dos plataformas rectangulares revestidas de travertino. La primera forma una terraza, un umbral, antes de llegar a la segunda, situada a 1,5 metros del suelo. El arquitecto es consciente del impacto de su intervención, por eso la casa está ligeramente elevada, gracias a una estructura de postes y vigas, para no perturbar el crecimiento de la vegetación.

Hay 4 pilares de acero que sostienen la terraza, la primera plataforma, y 8 pilares de acero espaciados a 6,60 m que sostienen dos losas, el suelo y el techo, que constituyen el espacio interior. Esta elección estructural también permitirá aplicar la famosa fórmula de planta libre de Mies Van Der Rohe, que permite la continuidad interior-exterior, favoreciendo el diálogo con el entorno, la naturaleza intacta.

En primavera, cuando el río se desborda, llega hasta 60 cm por debajo del forjado, por lo que el edificio se refleja en el río. Esta estructura también permite que el agua fluya de forma natural.

Es una verdadera meditación sobre la fórmula "less is more" o sobre "almost nothing". Hay un reduccionismo espacial y lingüístico. Esta casa minimalista ignora una de las características básicas del espacio doméstico: la intimidad. Una única habitación organiza todos los elementos de la casa. Una parte central, un núcleo de madera, contiene dos cuartos de baño separados por un armario y la cocina abierta. Alrededor de este elemento toman forma el salón, los dos dormitorios y el comedor, sin paredes, sin tabiques, siempre completamente abiertos al paisaje. Las paredes acristaladas permiten percibir el paisaje en el que se inserta la casa, de modo que el edificio se convierte en parte integrante del entorno, y la decoración depende del clima exterior, la estación, el color de las hojas o el cielo.

Desde este núcleo asimétrico, los desagües y las alcantarillas atraviesan el suelo y un eje vertical que contiene los conductos de ventilación de los cuartos de baño y el proyecto de chimenea llega hasta el techo para salir al exterior, permitiendo también la llegada de todos los servicios públicos, electricidad y agua. Estos servicios quedan ocultos al estar empotrados en las losas más inaccesibles y discretas, lo que los hace casi invisibles tanto en el interior como en el exterior.

Para no interrumpir el continuo espacial, el plano horizontal, los pilares se insertan tangencialmente al borde exterior de las placas. Los pilares están formados por un perfil continuo de una sola pieza entre el suelo y la parte superior de la cubierta. La línea vertical de acero forma la relación entre los dos niveles, la terraza y el forjado superior, ambos de hormigón, revestidos de travertino.

La baja pero razonable altura del techo y la desmaterialización de las esquinas acentúan la continuidad interior-exterior. Una cortina proporciona intimidad y sombra en el interior de la casa.

La casa difumina las fronteras habituales que definen la domesticidad, ya no hay distinciones entre lo público y lo privado, el interior y el exterior. La sensación de pureza de esta casa nos remite a la arquitectura tradicional japonesa.

REFERENCIA :

-La culture en partage , pagina web, fotografias, 

http://frederic-morin-salome.fr/Mod-Mies-vd-Rohe-1951.html  , consultado el 15/12/22

-AI-2A Camondo, pagina web, fotografia, Vanessa TOUBIANA + Héloise du CHE,

https://ai2acamondo.wordpress.com/ai-2a-2015-16-s2-analyse-far-house-mies-van-der-rohe-tt-2/ , consultado el 15/12/22

-celeb true, pagina web, biografia :

consultado el 15/12/22

- Wikiarquitectura, articulo

https://fr.wikiarquitectura.com/b%C3%A2timent/maison-farnsworth/  consultado el 20/12/2022.

[anticlluis]

ANTIGUO NIÑO JESÚS de DIMASA (OLOT) AÑOS 60, S. XX

Niño Jesús marcado Dimosa, Precioso antiguo Niño Jesús. Pieza para colocarlo en el Belén o decorar la casa por Navidad.

Esta pieza mide uno 25 cm, desde la cabeza hasta al pie, sin contar el halo dorado

EL Niño Jesús marcado Dimosa está datado de los años 50.

Está realizado de escayola con unos preciosos ojos de cristal, marcado en la parte de atrás como imagen de Olot “DIMOSA”. Fabrica muy importante de imágenes en Barcelona.

Lleva un precioso vestido blanco bordado

Peso: 417 grs.

Sin ningún dedo roto

Los Talleres de Olot

La fundación del primer taller fue en noviembre de 1880 creando una sociedad industrial, el objetivo era la construcción, decoración y venta de esculturas religiosas con el nombre “El Arte Cristiano. J. Berga y Compañía”

Los talleres de santos se fueron multiplicando. En 1900 se fundó “El Sagrado Corazón” y en 1902 “Las Artes Religiosas”. En la ciudad de Olot se llegó hasta 15 talleres y 450 trabajadores antes de la guerra Civil.

A partir de 1960, la crisis se sintió de nuevo. Los cambios en los rituales que impuso el Concilio Vaticano II, ocasionó un gran descenso en la demanda de imágenes religiosas.

Disminuyó la producción y al mismo tiempo el número de talleres y operarios. Para solucionar en parte esta crisis, en 1964 se fundó DIMOSA (Distribuidora de imágenes de Olot SA), con la participación de la mayoría de las industrias. Se unieron a través de esta sociedad el proceso de comercialización de los santos de Olot.

En la actualidad, entre los años 1980-1990, durante estos diez años se han ido cerrando talleres. Sólo han quedado aquellos con más tradición

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[luissanandres-interiorismo]

"HABEMUS LOFT" Hoy os muestro otro de los espacios de este moderno loft. Su entrada, un estrecho y largo pasillo oscuro y sin nada que ofrecer, transformado en un cálido y funcional hall. Revestido en totxo y con un armario de fondo reducido, en un acabado negro mate y roble natural, con iluminación indirecta con perfil Led. ¿Os gusta...? . . Proyecto de interiorismo apartamento/loft contemporáneo, con toques de estilo industrial. °Diseño:@luissanandres.interiorismo °Tipo proyecto: Interiorismo y decoración °Año proyecto: 2020 °Ubicación: Sitges - Barcelona < > Today I show you another of the spaces in this modern loft. Its entrance, a narrow and long dark corridor with nothing to offer, transformed into a warm and functional hall. Covered in totxo and with a reduced base cabinet in matte black finish and natural oak and indirect lighting with Led profile. Do you like ...? . . Contemporary apartment / loft interior design project, with touches of industrial style. ° Design: @ luissanandres.interiorismo ° Project type: Interior design and decoration Project year: 2020 ° Location: Sitges - Barcelona . . . Colaboración / productos Colaboration / products 💡 Iluminación: @Arkosligh Pavimento @avawood_design Mobiliario a medida @Interarmarissitges Fotografía 📸 @fotointeriores . . #interioristaSitges #LuisSanandresDesign #DesignByLuisSanandres #Interior_design #interiors #interiors4all #interiors4you #myinteriorstyle #interiordecoratingidea #interiorslover #interiorstyling #interiorinspiration #interiorsstyle #Interiors #Designideas #Designinspo #loft #LoftApartment #LoftDesign #ModernLoft #lofts #interiorismo #Houzz #luxuryloft #loftinterior #loftStyle #industrialdesign #Hall #Pasillos ##HallDesign (en Sitges, Barcelona, España) https://www.instagram.com/p/CSPJuqMohZc/?utm_medium=tumblr

[grancityblog]

Loftstories

¡Hola amigos!

Hoy os voy a descubrir un nuevo espacio en la ciudad, en el corazón de Poblenou, el que fuera el barrio por antonomasia de la revolución industrial de Barcelona en el siglo XIX donde se alzaron las industrias que movieron durante años el nuevo hilo económico de la ciudad y que después se convirtió en un barrio de moda. Las fábricas se trasladaron a las afueras y dieron paso a edificios vacíos que se llenaron de espacios dedicados al diseño, escuelas y talleres creativos.

Me he acercado a conocer a Lana y Sebas, una pareja que además de compartir sus vidas comparten la gestión de su negocio. Hace unos días me abrieron las puertas de Loftstories, un loft dedicado a albergar desde sesiones de fotos hasta showrooms, presentaciones de producto y hasta rodajes de película.

Su idea inicial fue la de conocer gente, sin intención de convertir su loft en un negocio si no más bien como una manera de hacer networking ayudando a que los proyectos e ideas de mucha gente creativa pudieran acabar siendo una realidad. De ahí que el nombre de su espacio venga de la fusión de “loft” y de “stories”. Muchas historias de pequeños y grandes proyectos pasaron por aquí. Muchos proyectos nacieron en su espacio, y otros en cambio, siguen en pie gracias al apoyo que recibiron en Loftstories.

Poco a poco, el alquiler de su espacio les ofreció la posibilidad de ampliar su red de contactos creando sinergias con otros profesionales y haciendo crecer su actividad comercial. Hoy Lana, además de confeccionar su propia línea de moda, ofrece la producción de diseños de otras marcas en su taller.

El espacio cuenta con una pared de punta a punta donde entra luz natural y que te permite prescindir de focos de luz. Las fotos que hice durante mi visita fueron hechas sólo con la luz de los ventanales.

La decoración y atrezzo galopan a medio camino entre lo minimalista y lo kitsch. Tienes la libertad de mover cualquier objeto y mueble o incluso si lo prefieres, traer tu propio atrezzo y recolocar todo a tu antojo.

El espacio está pensado para dar lugar a lo que necesites.

Además, ofrecen la posibilidad de utilizarlo como sala de reuniones de empresa, y fiestas privadas. Cuentan con cocina, zona de estar, lavabo. Y en el caso de caterings te ofrecen la gestión para que te despreocupes de eso. Trabajan con varias empresas de restauración en el distrito.

No dudes en contactarles para dar forma a lo que tienes planeado.

LoftStories

@loftstoriesbcn en Instagram

C Llull, 27. Barcelona

¡Nos leemos en el próximo artículo!

Ángel.

Vestuario:

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                 TRENCADÍS

Cromatismo, carácter y sensibilidad

  Los arquitectos modernistas ya eran —quizá por respeto a los recursos estéticos de la albañilería mediterránea— aficionados al uso de baldosas cerámicas, pero fue Antoni Gaudí quien propuso un sistema que se consideró inédito: el «trencadís». Relata una anécdota de la vida del artista, que Gaudí fue al taller de Lluís Brú y al ver como colocaban las piezas, agarró una baldosa y una maceta y rompiéndola exclamó: «A puñados se tienen que poner, si no, no acabaremos nunca».

Con el fin de conseguir cromatismo, se optó por la utilización de cerámica esmaltada, que ofrece colores vivos, aprovechando la superficie lisa y pulida junto con la superficie tridimensional de su arquitectura, para causar el máximo efecto de brillo al incidir la luz en las composiciones. También se utilizaron baldosas de cerámica y el mosaico con la técnica del opus tessellatum. La técnica del trencadís se utilizó por primera vez en el llamador de la entrada de la finca Güell, en la avenida de Pedralbes de Barcelona. En esta finca, la arquitectura sinuosa convirtió en necesidad romper baldosas donde no se podían utilizar enteras.

Al trocear baldosas que ya tenían su propia decoración y realizar una nueva composición sin relación con los dibujos de las piezas enteras, unido a la mezcla de fragmentos de diversas piezas, se consiguen efectos visuales peculiares y distintivos de esta técnica.

Modernist architects were already – perhaps out of respect for the aesthetic resources of Mediterranean masonry – fond of the use of ceramic tiles, but it was Antoni Gaudí who proposed a system that was considered unpublished: the "trencadís". He recounts an anecdote about the artist's life, which Gaudí went to Lluís Brú's workshop and when he saw the pieces placed, he grabbed a tile and a pot and broke it exclaimed: "Handfuls have to be put, other words, we will never end up".

In order to achieve chromatism, the use of enamelled ceramics, which offers vivid colors, taking advantage of the smooth and polished surface together with the three-dimensional surface of its architecture, was chosen to cause the maximum effect of brightness by influencing light on the compositions. Ceramic tiles and mosaic were also used with the opus tessellatum technique. The technique of trencadís was used for the first time in the caller of the entrance of the estate, on the avenue of Pedralbes in Barcelona. On this farm, winding architecture made it necessary to break tiles where they could not be used whole.

By chopping tiles that already had their own decoration and making a new composition unrelated to the drawings of the entire pieces, together with the mixture of fragments of various pieces, peculiar and distinctive visual effects of this technique are achieved.

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EL MOSAICO

 Durante el periodo del Imperio Romano (27 a.C -305 d.C) el mosaico fue una técnica decorativa comúnmente empleada y alcanzó un gran desarrollo. Su aplicación, sin embargo, se limitó únicamente a pavimentos. No fue hasta el Edicto de Tolerancia de Constantino (313 d.C), cuando se reconoció el cristianismo, que la decoración narrativa mediante mosaicos pasó aplicarse a paramentos verticales co nel objetivo de mejorar la comunicación con los fieles. En este sentido, las escenas representadas se dotaron cada vez de más realismo, para ello fue necesario buscar gran variedad de tonalidades de teselas.

   Villa Romana de La Olmeda. Mosaicos romanos

El arte islámico, debido a la invasión, por Bizancio, de parte de sus territorios durante del siglo VII d.C, también se vio influenciado en sus orígenes por la cultura bizantina y sus técnicas decorativas. De ahí que las principales obras religiosas islámicas de esa época, como por ejemplo la Cúpula de la Roca (697-691 d.C) en Jerusalén, incorporaron revestimientos de mosaico en el interior y el exterior de la edificación propios de este nuevo estilo adquirido.

 La expansión del islam hacía la península ibérica conllevó la introducción de nuevas técnicas de revestimiento como el mosaico mural o la azulejería, que pronto se difundieron por todo el territorio y hacia toda Europa. La mezquita de Córdoba, una de las primeras construcciones islámicas de esa época, fue un reflejo de esta mezcla de culturas. Como en las antiguas construcciones bizantinas o islámicas, también se realizaron valiosos mosaicos mediante teselas vidriadas, mármoles y cerámica.

Mosaicos en la Mezquita de Damasco 

 Durante el periodo del medioevo el mosaico decorativo fue relegado a un segundo plano por la pintura. No fue hasta el periodo del Renacimiento, en el siglo XVI, cuando con el movimiento de recuperación de la cultura de la antigüedad, el mosaico reapareció de nuevo artísticamente. El Papa Gregorio XII, inmerso en la contrarreforma, promovió la decoración interior de la Basílica de San Pedro mediante mosaicos con teselas de vidrio, con el objetivo recuperar el arte paleocristiano. Lo que propició la creación de uno de los principales centros artísticos de esta técnica en la capital y condujo a su difusión por todas las cortes europeas.

 Con posterioridad,  el mosaico quedó de nuevo relegado artísticamente hasta mediados del siglo XIX. En plena revolución industrial y en un contexto de progresiva evolución técnica, apareció un nuevo movimiento por toda Europa de recuperación del pasado y de las técnicas artesanales. Este pensamiento influyó en las artes plásticas y decorativas, en la arquitectura, la música y el teatro. Genéricamente este estilo fue denominado como Art Nouveau, aunque también fue conocido como Modern Style, Jugendstill, Sezession, Florale o Modernismo, en función de las particularidades adoptadas en cada territorio .

 En Cataluña, el modernismo adoptó un fuerte sentimiento de reivindicación nacionalista y especialmente en el campo de las artes decorativas y en la arquitectura. La técnica del mosaico, por su fuerte tradición en el territorio debido a su pasado romano e islámico, fue de nuevo utilizada como revestimiento en las edificaciones. La cerámica esmaltada fue uno de los principales materiales empleados para realizar estos revestimientos. La industrialización de este material y la utilización de formatos estándares de piezas permitieron reducir su coste y facilitar su puesta en obra. Además, las nuevas técnicas de cocción industrial mejoraron sus propiedades, lo que permitió su colocación en paramentos exteriores.

 Durante esta época en Cataluña apareció también una nueva técnica de mosaico denominada como trencadís. A diferencia del mosaico tradicional, el trencadís se realizaba con piezas poligonales irregulares que se disponían en el revestimiento de manera aleatoria. Ello permitió adaptarlos a las sinuosas formas de la arquitectura modernista, emplear distintos tipos de materiales (mármol, piedras, vidrio,....) y utilizar todos los formatos de piezas e, incluso, aquellas que estuvieran rotas. Arquitectos como Lluís Doménech o Antoni Gaudí la aplicaron en muchas de sus obras.

  En la actualidad, la técnica de revestimiento del trencadís es internacionalmente conocida y aplicada en gran variedad de revestimientos interiores o exteriores, incluso algunos de gran altura. Baste como muestra el revestimiento exterior de trencadís de piedra caliza de la torre Al Hambra (2011) en Kuwait de 412 metros de altura.

THE MOSAIC

During the period of the Roman Empire (27 BC -305 AD) the mosaic was a decorative technique commonly used and achieved great development. Its application, however, was limited only to pavements. It was not until the Edict of Tolerance of Constantine (313 A.D.), when Christianity was recognized, that narrative decoration by mosaics was applied to vertical walls with the aim of improving communication with the faithful. In this sense, the scenes depicted became more and more realistic, for this it was necessary to look for a wide variety of shades of tiles.

 Islamic art, due to the invasion by Byzantium of part of its territories during the 7th century AD, was also influenced in its origins by Byzantine culture and its decorative techniques . Hence the main Islamic religious works of that time, such as the Dome of the Rock (697-691 A.D.) in Jerusalem, incorporated mosaic cladding inside and outside the building of this new acquired style .

 The expansion of Islam into the Iberian peninsula led to the introduction of new coating techniques such as wall mosaic or tile, which soon spread throughout the territory and throughout Europe. The mosque of Cordoba, one of the first Islamic buildings of that time, was a reflection of this mixture of cultures. As in ancient Byzantine or Islamic constructions, valuable mosaics were also made using glass tiles, marbles and ceramics.

 During the period of the Middle Ages the decorative mosaic was relegated to the background by the painting. It was not until the Renaissance period, in the 16th century, that with the movement of recovery of ancient culture, the mosaic reappeared artistically again . Pope Gregory XII, immersed in the counter-reform, promoted the interior decoration of St. Peter's Basilica by mosaics with glass tiles, with the aim of recovering paleo-Christian art , which led to the creation of one of the main artistic centers of this technique in the capital and led to its dissemination through all European courts.

 Subsequently,  the mosaic was again artistically relegated until the mid-19th century. In the midst of the industrial revolution and in a context of progressive technical evolution, a new movement appeared throughout Europe of recovery from the past and artisanal techniques. This thought influenced the plastic and decorative arts, architecture, music and theatre. Generically this style was called Art Nouveau, although it was also known as Modern Style, Jugendstill, Sezession, Florale or Modernism, depending on the particularities adopted in each territory .

 In Catalonia(Barcelona), modernism adopted a strong sense of nationalist vindication and excelled especially in the field of decorative arts and architecture. The mosaic technique, due to its strong tradition in the territory due to its Roman and Islamic past, was again used as a cladding in the buildings. Enamelled ceramic was one of the main materials used to make these coatings. The industrialization of this material and the use of standard parts formats reduced its cost and facilitated its commissioning. In addition, new industrial cooking techniques improved their properties, allowing their placement in outdoor paraments.

 During this time in Catalonia there was also a new mosaic technique called trencadís. Unlike the traditional mosaic, trencadís was made with irregular polygonal parts that were arranged in the coating randomly. This allowed them to be adapted to the winding forms of modernist architecture, to use different types of materials (marble, stones, glass,....) and to use all the formats of pieces and even those that were broken. Architects such as Lluís Doménech or Antoni Gaudí applied it in many of his works.

 Currently, the coating technique of trencadís is internationally known and applied in a wide variety of interior or exterior coatings, even some of high height. Suffice it as shown by the exterior coating of limestone trencadís of the 412-meter-high Al Hambra Tower (2011) in Kuwait.

  Contemporáneamente a la construcción de estas obras, en el año 1884, el joven arquitecto empleó un sistema innovador de revestimiento para recubrir la cúpula del picador y las chimeneas de la portería de la Finca Güell (ver figura ). La técnica utilizada, popularizada con posterioridad como trencadís, consistía en romper las piezas de cerámica esmaltada en pequeños fragmentos poligonales, para posteriormente utilizarlas en un mosaico de diversas tonalidades, sobre una superficie de mortero de cal. Ello permitía la adaptación de las piezas rectangulares existentes en el mercado, en las superficies regladas de su obra y el aprovechamiento de todas las piezas, aunque éstas estuvieran rotas. Dado su interés por la geometría y la cultura oriental algunos autores han establecido una relación del trencadís con los centenarios revestimientos orientales de zillij o zelish.

Finca Güell. Barcelona.

  Años más tarde, en la obra del Palau Güell (1886-1890), el arquitecto volvió a emplear esta técnica en los revestimientos de las chimeneas y en la cúpula-linterna que decoraban la azotea del palacio. Además, en estas estructuras Gaudí empezó a experimentar la técnica del trencadís con otro tipo de materiales como el mármol, el vidrio o las piedras procedentes de los revestimientos interiores de los hornos de cal.

   Las sucesivas obras del arquitecto, como el Palacio episcopal de Astorga (1883-1893), Botines(1885-1892) o Teresianas (1888-1890), se caracterizaron por su eclecticismo y el uso de la cerámica decorativa fue singularmente discreto. Sin embargo, en las siguientes obras de principio de siglo XX como el Parque Güell (1900-1905) o la torre Bellesguard (1900-1909), Gaudí volvió a emplear un “mosaicopétreo” similar al de la azotea del Palau Güell anteriormente comentado. No obstante, en estos casos evolucionó una vez más la técnica y desarrolló un sistema constructivo mediante piezas prefabricadas con este material; concretamente, se inició entre el año 1901 y 1903 en la realización de diversos elementos para los viaductos y de los muros de contención del Parque Güell (ver figura).

Viaductos del Parque Güell.

  Después del buen resultado, el sistema fue exportado a la obra de Bellesguard (1900-1909),donde se aplicó en diversos elementos de las fachadas como: dinteles, jambas o diversas tipologías de remates. Según la bibliografía consultada, las piezas prefabricadas de Bellesguard (ver imagen) se realizaban a pie de obra. Primero, a partir de un modelo de barro obtenían un molde de yeso de la forma deseada. Seguidamente, depositaban las piedras de la zona en el fondo del molde y, finalmente, vertían un mortero de cemento rápido. Una vez endurecido se desmoldaba y se dejaba secar hasta el momento de su colocación en la fachada.

Torre Bellesguard (1900-1909). Barcelona.

   Posteriormente, en la fase de construcción de la entrada del Parque Güell (1903-1905) volvió a utilizarse el trencadís cerámico en los revestimientos exteriores de la obra del arquitecto. Para realizarlo emplearon dos sistemas constructivos: la aplicación directa y la indirecta o prefabricado. La aplicación directa del revestimiento se empleó para la realización de grandes superficies, como las cubiertas de los pabellones de entrada (ver figura).

.  Parque Güell (1903-1905)

   Con posterioridad, en la obra de rehabilitación de la Casa Batlló (1904-1906), Gaudí volvió a emplear el color de la cerámica esmaltada y el vidrio en el revestimiento exterior de su obra. Además, en este caso lo realizó de manera contundente, puesto que lo empleó en gran parte de la envolvente exterior (fachadas, cubierta y azotea) y también en los elementos comunes interiores (vestíbulo o el patio de ventilación). De toda la genialidad decorativa de la obra, hay que destacar el nuevo revestimiento de trencadís adherido a la fachada principal existente. El arquitecto en este paramento decidió repicar todo el muro exterior de obra de fábrica formando sinuosas ondulaciones y seguidamente, sobre una nueva capa de mortero de cal, compuso un revestimiento de trencadís formado por pequeños fragmentos de vidrio de colores y platos de cerámica pintada (ver figura). Según un antiguo contratista de la obra, Gaudí dirigió personalmente el diseño decorativo de la fachada, situándose en el medio del Paseo de Gracia e indicando a cada uno de los operarios donde iban exactamente colocados las diferentes tonalidades delos vidrios.

   Años más tarde, en otra obra del Paseo de Gracia de Barcelona conocida popularmente como la Pedrera (1906-1910), el arquitecto volvió a emplear la técnica del trencadís para revestir las chimeneas y los elementos salientes de la azotea, como en la anterior obra del Palau Güell. No obstante, en este caso utilizó exclusivamente el mármol blanco para revestir estos elementos. Primero se aplicaba una capa mortero de cal de regularización y, posteriormente, una vez seca la superficie, se adhería el trencadís de mármol mediante una segunda capa de mortero.

   Paralelamente a esta construcción, se seguía avanzando en otras partes de la obra del Parque Güell, como la Sala Hipóstila (1907-1909) y su plaza superior (1907-1914). No obstante, cuando se finalizaron estas dos obras, el idílico proyecto de Gaudí fue paralizado por falta de financiación. En este contexto, la optimización de los recursos de esta última parte de la obra fue muy importante y por este motivo, las piezas prefabricadas fueron elementos fundamentales en su construcción, hasta tal punto que algunos autores han denominado su construcción como un “Mecano estructural”.

   Por otro lado, en la construcción del parque también se emplearon otro tipo de piezas prefabricadas de ladrillo que se revistieron con trencadís una vez estaban colocadas en la obra (Rovira,1990). Ejemplo de ello se puede encontrar en el sinuoso banco que delimita la plaza superior realizado entre el año 1910 y 1913 (ver figura ). En este caso, se puede atribuir la aplicación directa del revestimiento a la necesidad de disimular las juntas entre las piezas simétricas que conformaban el banco.

Banco del parque Güell.

   Finalmente Gaudí abandonó la obra de la Cripta de la Colonia Güell y se recluyó los últimos años de su vida en el templo de la Sagrada Familia para desarrollar el proyecto que le había acompañado durante toda su carrera profesional. Allí, las obras ya iniciadas en el año 1882 seguían a un buen ritmo, gracias a una generosa donación aportada en los primeros años (Bonet et al, 2010). No obstante, en el año 1905 el ritmo de las obras se ralentizó e incluso en algún momento se paralizaron debido a la disminución de los fondos y las donaciones. En este intervalo de tiempo, el arquitecto definió muchas partes que restaban del proyecto (Martinell, 1967). Entre estas, desarrolló la solución definitiva de los pináculos, dónde empleó por primera vez el característico revestimiento de trencadís en la obra de la Sagrada Familia.

   At the same time as the construction of these works, in 1884, the young architect employed an innovative coating system to cover the dome of the mincer and the fireplaces of the goal of the Finca Guell (see figure). The technique used, later popularized as trencadís, consisted of breaking the enamelled ceramic pieces into small polygonal fragments, and then using them in a mosaic of various shades, on a surface of lime mortar. This allowed the adaptation of the rectangular pieces existing on the market, on the rule surfaces of his work and the use of all the pieces, even if they were broken. Given their interest in eastern geometry and culture, some authors have established a relationship between Trencadís and the centuries-old eastern coatings of zillij or zelish.

   Years later, in the work of the Palau Guell (1886-1890), the architect again used this technique in the cladding of the chimneys and in the dome-lantern that decorated the roof of the palace. In addition, in these structures Gaudí began to experience the technique of trencadís with other materials such as marble, glass or stones from the interior coatings of lime kilns.

   Successive works of the architect, such as the Episcopal Palace of Astorga (1883-1893), Booties (1885-1892) or Teresianas (1888-1890), were characterized by their eclecticism and the use of decorative ceramics was singularly discreet. However, in the following early 20th-century works such as the Park Guell (1900-1905) or the Bellesguard Tower (1900-1909), Gaudí again employed a "stone mosaic" similar to that of the roof of the Palau Guell mentioned above. However, in these cases the technique evolved once again and developed a construction system using prefabricated parts with this material; specifically, it began between 1901 and 1903 in the realization of various elements for the viaducts and retaining walls of the Park Guell (see figure).

  After the good result, the system was exported to the work of Bellesguard (1900-1909), where it was applied in various elements of the facades such as: lintels, jambas or various types of finishes. According to the literature consulted, Bellesguard's prefabricated pieces were made on site. First, from a mud model they obtained a plaster cast as desired. They then deposited the area stones at the bottom of the mold and eventually poured a fast cement mortar. Once hardened it was unmoulded and allowed to dry until the moment of its placement on the facade.

   Subsequently, in the construction phase of the entrance of the Park Guell (1903-1905) the ceramic trencadís was reused in the exterior cladding of the architect's work. Two construction systems were used to do this: direct and indirect or prefabricated application. The direct application of the coating was used for the realization of large areas, such as the roofs of the entrance pavilions (see Figure ).

   On the other hand, prefabrications were used for the construction of small and repetitive elements, such as the finishing pieces of the entrance wall, or the elements of the wall coverings of the central staircase (see Figure). According to the literature consulted, these prefabricated, unlike Bellesguard's work, were made by wooden molds and through the placement of three ceramic scraping yarns, on top of the enamelled ceramic trencadís pre-attached to the mold.

   Subsequently, in the rehabilitation work of Casa Batlló (1904-1906), Gaudí again used the color of enamelled ceramics and glass on the outer lining of his work. In addition, in this case he did so bluntly, since he used it in much of the exterior envelope (facades, roof and roof) and also in the common interior elements (lobby or ventilation patio). Of all the decorative genius of the work, it is worth highlighting the new coating of trencadís adhered to the existing main facade. The architect in this parament decided to repicate the entire exterior wall of factory work forming winding undulations and then, on a new layer of lime mortar, composed a coating of trencadís formed by small fragments of colored glass and painted ceramic plates (see Figure). According to a former contractor of the work, Gaudí personally directed the decorative design of the facade, located in  the middle of Paseo de Gracia and indicating to each of the operators where exactly the different shades of the glass were placed.

  Years later, in another work of Barcelona's Paseo de Gracia popularly known as la Pedrera (1906-1910), the architect again used the technique of trencadís to line the chimneys and the protruding elements of the roof, as in the previous work of the Palau Guell. However, in this case he used only white marble to coat these elements. First a mortar layer of regularization lime was applied and then, once the surface was dried, the marble trencadís was adhered to by a second layer of mortar.

  In parallel with this construction, progress continued in other parts of the work of the Park, such as the Hipóstila Hall (1907-1909) and its upper square (1907-1914). However, when these two works were completed, Gaudí's idyllic project was paralyzed by lack of funding. In this context, the optimization of the resources of the latter part of the work was very important and for this reason, the prefabricated pieces were fundamental elements in their construction, to such an extent that some authors have called their construction a "Structural Mecano".

   On the other hand, other types of prefabricated brick pieces were also used in the construction of the park and were once placed on the site (Rovira,1990). Example of this can be found on the winding bench that delimits the upper square made between 1910 and 1913 (see Figure ). In this case, the direct application of the coating can be attributed to the need to conceal the joints between the symmetrical parts that made up the bench.

   Finally Gaudí abandoned the work of the Crypt of the Colonia Guell and was held for the last years of his life in the temple of the Sagrada Familia to develop the project that had accompanied him throughout his professional career. There, the works already begun in 1882 were still at a good pace, thanks to a generous donation made in the early years. However, in 1905 the pace of the works slowed down and even at some point they were paralyzed due to the decrease in funds and donations. In this time interval, the architect defined many remaining parts of the project. Among these, he developed the definitive solution of pinnacles, where he first used the characteristic coating of trencadís in the work of the Sagrada Familia.

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[historiainfinita]

-Estilo Bauhaus-

Chicas/os en este apartado veremos el Estilo Bauhaus, en sí Bauhaus es una escuela de Arquitectura, arte, artesanía y diseño que se crea en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que era el Director de la Escuela.

BAUHAUS: deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa“.  Como escuela estableció muchas de las bases normativas de lo que es hoy el diseño industrial y gráfico o varios de los fundamentos académicos de la nueva arquitectura, hasta el punto de que sus obras en Weimar y Dessau fueron declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.

Las características de este estilo de decoración: las formas bonitas, prácticas y totalmente desenfadadas. Todas estas características se reflejan en el doodle animado lleno de color y formas geométricas que destaca los diseños más icónicos de la Bauhaus como la fachada de su escuela, el edificio de la ciudad de Dessau o la silla Waassily, todo visto por el prisma de este estilo.

ARQUITECTURA DEL ESTILO BAUHAUS

Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a la función" uno de los principios que impulsó un movimiento artístico del mismo nombre que se define por sus formas simples, sus colores básicos pero llamativos e incluso su propia tipografía homónima.

Lo que caracteriza este estilo es la simplicidad, la ausencia de ornamentación, lo que ahora conocemos como minimalismo. En los edificios fachadas lisas, grandes ventanales, aprovechar la luz. Inspiración cubista y minimalista que se hacía presente desde los edificios hasta muebles u otros objetos de uso cotidiano como bicicletas. Lo que distingue a las casas con estilo Bauhaus son los techos lisos, las ventanas horizontales, el vidrio, los ángulos rectos, la arquitectura de caja y todo en color blanco. 

MUEBLES Y ACCESORIOS DE ESTILO BAUHAUS 

Hoy estamos acostumbrados a ver sillas o mesas con tubos de hierro, aluminio, con cristal o plástico. En los años 1920-1933 esto fue toda una revolución. Los materiales que se usan en el estilo Bauhaus son el vidrio, el metal, tubos de distintos metales, la madera doblada, el acero, el cuero y el plástico.Los colores más usuales en este estilo son el negro, el blanco, el gris, el marrón, el color cromo. Curioso colores que son claves en la tendencia moderna y minimalista.

Algunos ejemplos de muebles y accesorios del estilo bauhaus:

Silla Wassily:  También conocida como la silla Modelo B3, una pieza creada por el arquitecto y diseñador de muebles húngaro, Marcel Breuer entre 1925-1926.

Baby Cradle:  Inspirado en el libro de Kandinsky sobre la teoría del color de 1911, Peter Keler diseñó esta cuna para bebe en 1923. Compuesta por formas simples como triángulos y rectángulos y los colores primarios.

Silla Brno:  Diseñada por el arquitecto modernista Ludwig Mies van der Rohe entre 1929 y 1930, esta silla es el claro ejemplo de uno de los principios Bauhaus: reducir objetos a sus elementos básicos. Sin necesidad de las 4 patas, utiliza una sola barra en forma de «C» para soportar el asiento.

Mesa Nido:  El director artístico del taller de muebles en la Bauhaus en 1926 y 1927, Josef Albers, diseñó este conjunto de mesas modernas con acentos de colores. Cada mesa fue hecha de madera de roble y vidrio acrílico.

Infusor de Té:  En 1924, la artista alemana Marianne Brandt, tomó el diseño de una tetera convencional y eliminó cualquier adorno para crear su infusor geométrico de metal. Aunque es pequeño, su función es preparar un concentrado para combinar con agua caliente en cualquier taza.

Silla Barcelona:  Creada en 1929 para la Exposición Internacional de Barcelona, fue diseñada por el director de la Bauhaus, Ludwig Mies van der Rohe, en colaboración con la diseñadora Lilly Reich, una de las pocas mujeres profesoras de la institución. Se trata de dos cojines rectangulares delgados sobre un marco ligero de acero inoxidable. 

Juego de ajedrez Bauhaus:  Josef Hartwig rediseñó en 1923 el clásico juego de mesa para la era moderna. El ajedrez de la Bauhaus tiene 32 piezas en las que se utilizan líneas, círculos y cuadrados para reducir las piezas a su función básica de movimiento.

Y ahora chicas/os les hablare un poco sobre Lothar Schreyer un maestro de la Bauhaus durante el periodo de 1921 a 1923 muy importante. 

Lothar Schreyer 

Estudió historia del arte en la Universidad de Heidelberg, luego derecho en Berlín y Leipzig. En 1910, se graduó en derecho de autor conjunto literario y artístico. En 1921, Walter Gropius , director de la Bauhaus en Weimar,  nombró a Schreyer como maestro y director del taller de teatro en el Staatliches Bauhaus Weimar, cargo que ostentó hasta 1923, año en el que abandonó la escuela, debido al fracaso del estreno de su obra Luna, pieza teatral que si bien participaba de los principios vanguardistas de la Bauhaus no fue bien recibida por sus miembros, lo que desencadenó la dimisión de su autor.

Esta es una obra del maestro Schreyer Titulada Santa María en la luna,1923

Y por ultimo chicas/os les quería dar otra recomendación de una película les dejo el trailer y este filme trata sobre las escuela bauhaus pero vista desde una perspectiva femenina ya que las mujeres no podian acceder a los mismos talleres de los hombres en esa época. La película es titulada “Bauhaus”.

[luisgonzlz]

EL VICTOR HORTA ESPAÑOL

El arquitecto Antoni Gaudí, fue uno de los mayores exponentes del Modernismo Catalán, mundialmente conocido como Art Nouveau. Este movimiento no sólo perteneció a la arquitectura, sino que también se utilizó en la decoración y en las diversas artes plásticas, como la pintura y la escultura.

Art Nouveau o Arte nuevo

El Art Nouveau o ‘Arte Nuevo’, es un movimiento artístico que tomó gran protagonismo después de la Revolución Industrial en 1885 y siguió hasta 1914, decayendo debido a su inmensa saturación.

Este buscaba la exaltación de la vida, haciendo uso de la naturaleza y lo orgánico con elementos como rostros, animales y especialmente, plantas y flores elegantes. Además, utilizó técnicas de trazos curveados.

En la arquitectura, es muy común la asimetría en las construcciones, y se hallaba en las fachadas, barandas e interiores. Asimismo, se utilizó nueva materia prima procedente de la industrialización, tal como el metal y el vidrio. Sin embargo, materiales provenientes de la arcilla tuvieron una gran importancia, como los azulejos de diferentes colores distribuidos en mosaicos.

Victor Horta, precursor del Art Nouveau

Uno de los fundadores de este movimiento, al menos en la arquitectura, fue Victor Horta; quien implantó el concepto del Art Nouveau en su país de origen, Bélgica. Y, posteriormente, dicho concepto se expandió a todos los lugares de Europa.

La influencia de Horta fue tan colosal que cuatro de sus edificaciones fueron designadas patrimonio mundial por la UNESCO, entre ellas se encuentran el Hôtel Tassel en Bruselas, con una de las escaleras más emblemáticas de este movimiento y el Hôtel van Eetvelde ubicado en el mismo lugar.

Art Nouveau

El Modernismo Catalán

De todos los lugares de Europa a donde pudo haber llegado el Art Nouveau, Barcelona no fue la excepción. Entre sus arquitectos destacados se encuentran: Josep Puig i Cadafalch, quien diseñó la famosa Casa Amatller, Lluís Domènech i Montaner, el cual se encargó de la renombrada Casa Lleó Morera y, claramente, Antoni Gaudí i Cornet, conocido a nivel mundial por ser el arquitecto de la Basílica de La Sagrada Familia, dicha estructura también es patrimonio mundial de la UNESCO.

Gaudí fue un dedicado arquitecto que pasó más de la mitad de su vida estudiando elementos arquitectónicos como los arcos y las maneras de utilizar la menor cantidad de material posible en las construcciones, todo esto mediante maquetas que se encuentran ubicadas en la Casa Museo Gaudí. Antoni era un arquitecto diferente, pues hacía uso de la materia prima clásica en las construcciones, como los ladrillos, la piedra y el yeso. Su idea no era simplemente hacer una construcción común y rentable, sino que además de eso, buscaba algo innovador y diferente apartándose de lo convencional, por lo que podía ser tachado de excéntrico y absurdo. La decoración en sus diseños era igual de importante, pues sus obras tienen un carácter tan propio que incluso los ojos inexpertos pueden reconocerlas y diferenciarlas de demás arquitectos pertenecientes al mismo movimiento. Entre sus obras más conocidas se encuentran: • La Casa Batlló

• La Pedrera o Casa Milà

• Palau Güell

• Parque Güell

• Y, claramente, La Basílica de La Sagrada Familia

Lamentablemente, muchas de sus obras quedaron inconclusas ya que las apartó por dedicarse al diseño de la Basílica. También gran cantidad de sus planos se perdieron debido a las inminentes guerras. Sin embargo, las restantes se hallan en su museo.

La influencia de Gaudí en la arquitectura Art Nouveau es más que obvia, y, a pesar de que no haya sido uno de los fundadores del concepto como lo fue Horta, tiene muy merecido su reconocimiento como uno de los máximos exponentes de este movimiento.

Arquitectura moderna valenciana, ¿la nueva revolución del siglo XXI?

Si el Art Nouveau marcó el pasado arquitectónico de España, el presente lo marcan edificios como la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Su arquitecto, el también valenciano Calatrava, ha destacado por numerosas construcciones, y su obra maestra se encuentra en la capital del río Turia.

Premiado a lo largo y ancho de la geografía mundial, destacan los premios Príncipe de Asturias de las Artes de 1999, ​ el Premio Nacional de Arquitectura que recibió en el año 2005​ y el Premio Europeo de Arquitectura que le fue entregado el año 2015.

Si bien los accesos a la Ciudad de las Artes y las Ciencias no son lo más destacable, ya que desde el centro de la ciudad habría que hacer transbordo entre varios autobuses, y no llega el metro de Valencia a la obra de Calatrava, tiene muchas otras virtudes que lo convierten en un «must see» valenciano: todos los turistas deben visitarlo.

Como llegar a la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia

Y para terminar, ya que estamos hablando de los accesos para llegar a esta maravilla de la arquitectura contemporánea, nada como echar un vistazo a su página web oficial y los consejos que dan para llegar.

Consulta todas las opciones para llegar a la Ciutad de las Artes y las Ciencias de Valencia

La Ciutad de las Artes y las Ciencias está ubicada en la ciudad de Valencia, a escasos minutos del centro histórico. Su construcción en el tramo final del antiguo cauce del río Turia ha culminado la asombrosa transformación de este espacio, convertido en un gran pulmón verde con más de ocho kilómetros de longitud que atraviesa la ciudad. La Ciutad de las Artes y las Ciencias de Valencia responde a la pregunta de qué visitar en Valencia y ha convertido a Valencia y a la Comunidad Valenciana en destino turístico de primer orden. Complementa así una oferta única que conjuga tradición y vanguardia, con un rico patrimonio cultural y artístico, turismo de sol e interior y espacios naturales.

Por carretera

Coordenadas GPS:

Umbracle: 39º 27′ 15» N, 0º 21′ 7» W Museu de les Ciències: 39º 27′ 23» N, 0º 21′ 10» W Hemisfèric: 39º 27′ 22» N, 0º 21′ 12» W Oceanogràfic: 39º 27′ 9» N, 0º 20′ 53» W Àgora: 39º 27′ 13» N, 0º 21′ 0» W

Autopista A-7 y la carretera N- 340: recorren la Comunidad Valenciana de Norte a Sur. Autovía A-3: une Madrid y Valencia. Nacional 234: conecta Valencia con Aragón, Castilla-León y el norte de la Península

Consulta información sobre el estado de las carreteras a través de la Dirección General de Tráfico (DGT).

CAC por carretera

En tren

Valencia dispone de dos terminales de tren, la Estación de El Cabanyal y la Estación del Norte a la que hay que añadir la estación del AVE Joaquín Sorolla, que une la ciudad con Madrid y Cuenca. Además Valencia está conectada con Alicante, Albacete y Barcelona por trenes de velocidad alta. Desde la Estación del Cabanyal y la Estación del Norte se puede acceder a la Ciutad de las Artes y las Ciencias mediante los autobuses urbanos. En la Estación de El Cabanyal, línea 1 de autobús; en la Estación del Norte, la línea de enlace más cercana en autobús es la 35 y la estación de metro Xàtiva (líneas 3 y 5). En la nueva estación del AVE hay bus lanzadera, autobuses gratuitos para los viajeros del AVE que les trasladan hasta la Estación del Norte. Otra opción es el metro, la estación más cerca es la parada Joaquín Sorolla, línea 5, que les podrá acercar hasta la estación Alameda, a unos 15 minutos del recinto. Consultar la página de Metro Valencia y en la página de la Empresa Municipal de Transportes (EMT).

Consulta información sobre horarios y tarifas de trenes: Red Nacional de Ferrocarriles

Red Nacional de Ferrocarriles RENFE

Consulte en el apartado de tarifas las promociones asociadas a los portadores de billetes de Renfe.

Autobús

La estación de autobuses de Valencia se encuentra situada en el margen del antiguo cauce del río Túria. A ella llegan líneas regulares de autobús desde toda España. Para acceder a la Ciutad de las Artes y las Ciencias desde allí solo han de cruzar el río y tomar el autobús nº95 de la EMT.

A la Ciutad de las Artes y las Ciencias de Valencia llegan las siguientes líneas de autobuses EMT: 13, 14,15, 19, 35, 95 y 40.

Consultar en la página de la Empresa Municipal de Transportes (EMT).

En barco

Valencia cuenta con un puerto internacional con salidas regulares a las islas Baleares e Italia y un creciente tráfico de cruceros por el Mediterráneo.

Desde el puerto, línea de autobús 19; el Metro estación Neptú, línea 5, que les podrá acercar hasta la estación Alameda, a unos 15 minutos del complejo.

Más información en la página del Puerto de Valencia.

En avión

El Aeropuerto Internacional de Manises se encuentra a escasos minutos de Valencia, a tan sólo 8 kilómetros del centro urbano. La ampliación de pistas y de la terminal, unida al aumento de las compañías aéreas que operan, sitúan a este aeropuerto entre los primeros de España en número de viajeros y vuelos.

En el aeropuerto de Valencia, hay parada del Metro Línea 5, con conexión hasta la estación Alameda, a unos 15 minutos del complejo de la Ciutad de las Artes y las Ciencias.

Más información en la web de Aeropuertos Españoles y Navegación Aérea (AENA).

CAC otros accesos

Metro

Las líneas de metro más cercanas a la Ciutad de las Artes y las Ciencias son las nº 3 y nº 5 . Se recomienda acceder desde la parada de la Alameda, a unos 15 minutos del recinto, ubicada en los jardines del antiguo cauce del Turia.

Más información: Metro de Valencia

Líneas de metro

A pie y en bicicleta

El visitante puede llegar hasta la Ciutad de las Artes y las Ciencias de Valencia dando un paseo a pie o en bicicleta través de los jardines del antiguo cauce del río Turia, el gran vergel y pulmón verde de la ciudad, en dirección este. En la Ciutad de las Artes y las Ciencias hay aparcamiento para bicicletas.

El post EL VICTOR HORTA ESPAÑOL se publicó primero en Cursos de Arquitectura Virtual.

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Arquitectura SXIX.

Introducción: Fue una época e profundos cambios económicos, político, sociales e ideológicos. Encontramos una revolución industrial iniciada en Inglaterra que se difunde por Europa, extendiendo el capitalismo y la industrialización. En Francia tras la restauración de la monarquía y las revoluciones liberales, tomo el poder la burguesía llegando el fin del absolutismo y la sociedad estamental, difundiendo por Europa el liberalismo político y el nacionalismo. El desarrollo científico y tecnológico avanzo gracias a al industralización. 

arquitectura y urbanismo:  Encontramos la aparición y difusión de Historicismo y del  Eclecticismo y por otro lado la explosión de la arquitectura que conocemos como “nuevos materiales” 

1. Arquitectura historicista y ecléctica: En la primera mita del siglo XIX el Romanticismo pone de moda la recuperación de los estilos arquitectónicos del pasado. Prima una arquitectura representativa  de su identidad nacional inspirándose en lo histórico. El historicismo fue la corriente arquitectónica que se inspira en los estilo del pasado e imita sus formas y elementos decorativos. El eclecticismo combina varios de eses estilos en un mismo edificio. Se siguio construyendo edificios neoclasicos pero al mismo tiempo los encontramos neorrenacentista, neoromanico, neogotico, neobizantino, neoislamico, neomudejar o incluso neobarroco. 

De todos estos estilos el neogótico fue el mas característico por su simbolismo cristiano y sus connotaciones nacionalistas. Entre los grandes propagandistas encontramos a los arquitectos británicos Augustus Pugin y John Ruskin. Tambien destaca el frances Eugene Violet-le-Duc. Las obras mas relevantes fueron: 

El pabellón real de Brighton. obra de John Nash. Se inspiro en la arquitectura india y destaca por sus cúpulas bultosas, torres y alminares. Utilizo columnas de hierro como elemento sustentante. 

El parlamento de Londres, edifico neogotico de Charles Barry y August Pugin, considerado uno de los mas importantes de la arquitectura historicista decimononica. Se caracteriza por su gran extensión, su trazado simétrico y la riqueza de las formas neogóticas. Barry se encargo de la estructura y el ordenamiento mientras que Pugin se encargo de la decoración de las fachadas y del interior. 

La opera de París, obra de Charles Garnier, puso de moda el neobarroco. Es un edificio monumental y lujoso, cubierto con una gran cúpula achatada y dotado de una fachada que combina arcos y dinteles, columnas y esculturas. La decoración recargada tanto exterior como interior oculta una estructura de hierro 

España: Encontramos ejemplo en la segunda mitad del SXIX

Universidad Literaria de Barcelona de Elías Rogent (1821-1897), realizada en estilos neorrománico y neogótico 

Biblioteca Nacional de España, en Madrid, obra neorrenacentista de Francisco Jareño (1818-1892) 

La sede central de Banco de España, en Madrid, de Eduardo Adaro (1848-1906), también neorrenacentista 

Las Escuelas Aguirre, situadas frente al parque del Retiro en Madrid, de Emilio Rodríguez Ayuso (1845-1891), en estilo neomudéjar. 

2.Arquitectura de los nuevos materiales: Panorama arquitectónico de la segunda mitad del siglo XIX  marcado por la pugna mantenida entre los primeros y los que veían nuevas posibilidades ofrecidas por los nuevos materiales producto de la industralización. Los arquitectos se resistieron mucho tiempo a estos materiales ligados a la industralización y no a lo artísticos. Por ello empezaron a usarse en partes que no estaban a la vista.  Destacamos edificios como: 

Crystal Palace, de Joseph Paxton, construido para la exposición universal de Londres. Era un enorme pabellón formado por una estructura de hierro recubierta de vidrio. Asombro no solo por sus grandes proporciones si no por la belleza de sus firmas. Estaba inspirado en los invernaderos y estaba construido por elementos prefabricados y montados. 

Galería de las maquinas de charles Louis Dutert y Victor Contamin para la expo universal de París del 89. Era un pabellón ferro-vitreo de 420m de largo y 115 de ancho, con gran luminosidad gracias a su cubierta acristalada 

Torre Eiffel de Gustave Eiffel para la exposición universal de paris del 89. Costa de 300m de altura y esta formada por piezas de hierro prefabricado. Mostro al mundo las posibilidades de los nuevos materiales. Tiene 3 pisos y todo su peso se apoya en cuatro enormes pilares inclinados y unidos por arras. Eiffel demostró que con hierro podía levantarse cualquier construcción. Fue la obra cumbre de los nuevos materiales 

Sala de lectura de la biblioteca de santa Genoveva y la sala de lectura de la biblioteca nacional, por henri Labrouste. En esta ultima empleó arcos y columnas de hierro fundido para sostener las bóvedas vaídas con oculos de la cubierta. Estos materiales le otorgan ligereza y claridad al recinto . 

Galeria Victor Manuel II. de Guuiseppe mengoni  Es uno de los mejores empleo de las numerosas galería edificadas del periodo. Planta de Cruciforme formada por dos calles que se cruzan en un espacio octogonal central. La cubierta abovedada esta construida con hierro y recubierta de vidrio

En España lo mas interesante se construye a finales del siglo XIX, la estación de Atocha de alberto palacio y el palacio de cristal de velázquez bosco. 

3. Escuela de Chicago: Tras el incendio  que destruyo buena parte de la ciudad  surgió un grupo de arquitectos que utilizaron el hierro colado y fundido para crear un nuevo tipo de edificio funcional, como fue el rascacielos. Este nuevo edificio se caracterizaba por su altura y al tener una estructura octogonal de pilares y vigas de hierro. Su aportación se debió a varios motivos: 

La carestía del suelo que animo a aumentar la altura de los edificios. 

a falta de tradición arquitectónica 

la invención del ascensor 

la edificación con estructuras de hierro que permitía suprime los muros de carga por o que no tenían que ser sustentantes 

Los edificios tenían un fin funcional, almacenes, oficinas y viviendas. Los principales arquitectos fueron: 

Louis Sullivan que trabajo asociado a Dankmar adler construyendo los almancenas carson. Destaca por su amplitud y numero de ventanas. Otra interesante obra de Sullivan es el auditorio de Chicago con forma cubica y sobria y la fachada llena de ventanas para la iluminación interior. Conserva detalles tradicionales como el muro de piedra, la cornisa moldurada y el juego entre vanos y arcos. 

Henry Richardson autor de los almacenes Marschall Field 

William Le Baron Jenney que diseño el home insurrance Building, de diez pisos. 

Daniel Burnham y john Root autores del relience building 

4. El modernismo: El art nouveau fue un movimiento artístico desarrollado en Europa  que aspiro a una renovación de las artes entre 1890 y 191. Destinado a la clase burguesa por el alto coste de sus obras, que revaloriza la belleza de la producción artesanal frente a la producción industrial en serie. Se inspira en la naturaleza y por ello rechaza tanto la arquitectura ecléctica como la de los nuevos materiales. Uno de los principales teóricos y artistas de esta corriente fue William Morris., impulsor del movimiento Arts and Crafts, rechazaba el trabajo industrial y el maquinismo, consideraba que ahogaba la libertad creativa del artista. Entre las características de este estilo encontramos: 

Concepción unitaria de las artes

La importancia de la decoración de los edificios a base de lineas curvas, de formas inspiradas en la naturaleza

Utilización de materiales tradicionales como el ladrillo, piedra o madera junto con nuevos  materiales. 

Gran importancia de la luz de penetra por ventanales y claraboyas

El empleo de algunos elementos historicistas tomados de la arquitectura medieval y oriental

Diferenciamos dos tendencias: 

1. La organiza: Se basa en el uso de elementos decorativos y lineas curvas. Los focos principales los encontramos en : 

Bélgica: Que destaca con Victor Horta autor de la casa Tassel donde usa el hierro como elemento decorativo y funcional a la vez. Se caracterizara por la importancia de elementos decorativos basado en lineas curvas. Apreciamos la utilización de diferentes materiales integrándolos todos en un conjunto armónico. La columna de hierro fundido tiene un fuste muy delgado y su capitel se ramifica con vástagos ondulantes, que sirve para sostener las viga. Destaca también el mosaico del pavimento, policromo que imita motivos curvilíneos o los peldaños de la escalera, también curvos. Los motivos decorativos inspirados en el movimiento Arts and Crafts. La casa del pueblo de bruselas fue la sede del partido socialista y considerada su obra maestra. Tenia una fachada cóncava acristalada y un salón de actos que destacaba por sus vigas onduladas de hierro y soportes inclinados del mismo material pero fue demolido en los años 60 del siglo pasado. 

Francia: Destaco Hector Guimard que realizo varias entradas de metro en París, con marquesinas acristaladas sostenidas por estructuras de hierro y decoración de formas vegetales y curvilíneas. 

España: El modernismo arraigo sobretodo el Cataluña gracias al desarollo industrial y la pujanza de la burguesía enriquecida. El principal representante del modernismo fue Antonio Gaudi. Tiene un estilo personal e imaginativo, con edificios cargados de fuerte simbolismo religioso y formas vegetales, animales, formas rocosas, fantásticas y elementos curvilíneo. Utilizo todo tiempo de materiales. Entre sus obras destacan: 

La casa batllo, terminada en 1906 con una fachada de balcones que se asemejan a antifaces y un tejado curvilíneo. Esta decorada con azulejos policromos y su comisa esta alabeada

Casa Mila, también conocida como la pedrera su planta es asimétrica y curvilínea. La fachada es de piedra y tiene un aspecto ondulante  a base de lineas cóncavas y convexas que simulan un acantilado . Los balcones son de hierro retorcidos, el tejado simula las huellas de las olas y sus chimeneas, decoradas con trencadis

La sagrada familia es un templo inacabado, símbolo del misticismo cristiano frente al materialismo de su época. Tiene planta de cruz latina con cinco naves y su alzado recuerda una catedral gótica. Su interior semeja un bosque donde las columnas se ramifican. La fachada es escultórica y delirante, reproduce figuras naturalistas de animales y vegetales junto a temas religiosos. los remates de las torres están decorados con cerámica de colores 

El parque Guell donde combina formas arquitectónicas curvilíneas, decoración cerámica y arcos parabólicos, con zonas ajardinadas 

Otras obras son el capricho (Cantabria) la casa vicens o la casa botines (león)

2. Tendencia racionalista o geométrica: Se caracteriza por las formas geométricas y las lineas rectas buscando la simplificación de volumen y la sobriedad decorativa. Los principales focos los encontramos en: 

Gran Bretaña: Destaca Mackintosh con su escuela de Bellas Artes de Glasgow con edificios de formas geométricas, lineas rectas y decoración sobria. Grandes cristaleras en la fachada. Combina los muros de piedra con le hierro y el vidrio de la fachada

En Austria el modernismo estuvo representado por el grupo de la denominada Secesion vienesa. Destaca olbrich, Wagner y Hoffmann. Olbrich es el autor de la sezession de viena con volúmenes geométricos y coronado por una esfera dorada calada con adornos de hojas. Wagner  realizo edificios funcionales, desnudos de decoración y volúmenes geométricos, anticipando la bauhaus y arquitectura racionalista. En Viena construyo las estaciones del metro de la que destaca la arlsplatz, la caja postal de ahorros y la saca mayolica

5. Urbanismo: Con las ciudades de grandes masas de población consecuencia de la industrialización y del éxodo rural, hizo necesaria la planificación y organización de los espacio urbanos . Se separaban los barrios según clases sociales, construir fabricas, estaciones, zonas verdes... Por ello las ciudades se ampliaron mediante ensanches al tiempo que los cascos históricos se re modelaron para hacerlos viables, se iluminaron las calles y construyeron cloacas entre otras. Las principales transformaciones urbanas se hicieron en parís llevadas acabo por Haussmann. Contemplo la ampliación de la ciudad siguiendo un plano ortogonal y reforma de centro histórico, creando grandes avenidas que mejoran el trafico y permiten el rápido desplazamiento del ejercito. Destaca la palza de la estrlla, con el arco del triunfo, que se convirtio en una enorme plaza donde parten donce amplias avenidas

En España la actuación urbanística mas importante fue el ensanche de Barcelona proyectado por Idelfonso de Cerda. Se hizo entorno al casco histórico. Para despejas el centro del ensanche trazo dos grandes avenidas en diagonal que se cruzaban en una plaza central, donde solo llego a construirse una, la avenida diagonal. Formaron manzanas cuadrangulares entre las calles. 

Otro tuvo lugar en Madrid por carlos maria de castro que rodeaba el casco histórico en sentido radical siguiendo un plano ortogonal, diferenciando los barrios según clases sociales. El proyecto de Ciudad lineal de Arturo Soria consistía en grandes avenidas de mas de 40 m con edificios y zonas verdes a ambos lados de la misma. Pretendía crear un modelo de ciudad descentralizada pero bien comunicada

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SALA BECKETT

Arquitectos: Ricardo Flores y Eva Prats

Ubicación: Barcelona, España

Cronología: 2014-2017

Eva Prats nace en Barcelona en 1965 y estudia Arquitectura en la Escola Técnica Superior d´arquitectura de Barcelona, titulándose en 1992. En 1993 obtiene una Mención Especial en el Premio Anual de Arquitectura Rubió i Tudurí, con su Proyecto Fin de Carrera, “Un Jardín en las Azoteas del Ensanche de Barcelona”. En 1994 obtiene el Primer Premio en el Concurso Internacional de Vivienda EUROPAN III, iniciando su propio estudio.

Ricardo Flores nace en Buenos Aires en 1965. Estudia en la Facultad de Arquitectura de la UBA, graduándose en 1992. En 1993 viaja a Barcelona y realiza el Máster en Diseño Urbano Projectar la Perifèria dirigido por Manuel de Solà-Morales en la Universitat Politècnica de Catalunya. En 1998 comienzan a trabajar en colaboración con Eva Prats.

En 1998, Eva Prats y Ricardo Flores comenzaron a trabajar en colaboración y fundaron Flores y Prats que es una oficina de arquitectura de Barcelona, dedicada a confrontar la teoría y la práctica académica con diseño y actividad constructora.

El proyecto retoma el edificio en desuso de la Cooperativa Obrera de la Paz y Justicia construido en el año 1924. La idea del proyecto es de transformar este espacio en un teatro y centro de estudios e investigación llamado Sala Beckett en honor al dramaturgo Samuel Beckett, intentando así crear un espacio en el que no solamente se expongan las funciones, sino que está ideado para que se pueda pasar el día conviviendo y dialogando en la cafetería y en las aulas. Una gran mayoría de las decoraciones seguían siendo preservadas en los muros, suelos y tejados. Estos elementos ayudaron a los arquitectos a entender las funciones que se llegaron a llevar a cabo en este espacio, estos elementos siendo suelos de mosaico hidráulico, puertas y carpintería de madera con cristales de colores, marcos y rosetones en las piezas. La edificación se situaba en una zona antiguamente industrial, lo que explicaría sus dimensiones atípicas para la Barcelona de entonces. Fue la decoración interior la que la diferenciaba del resto de edificaciones, lo que le permitía transformarse en un hogar de festividades. Según los arquitectos, el objetivo fue de reintegrar un espacio que existía en la memoria colectiva social.

Referencias:

Sala Beckett Project ♦. (s. f.). Flores i Prats. Recuperado 4 de octubre de 2022, de

Flores y Prats. (s. f.). Recuperado 4 de octubre de 2022, de

[papelpintadobarcelona]

13 propuestas para decorar paredes con murales Essentials

13 propuestas para decorar paredes con murales Essentials

La colección Essentials, ofrece un infinito abanico de posibilidades para decorar las paredes. Essentials contiene modernos, bonitos y versátiles murales, idóneos para todas las habitaciones de la casa en establecimientos comerciales y también en despachos. Redescubre tus paredes desde otro prisma con estupendos diseños, que se adaptan fácilmente en muchos estilos decorativos.…

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LOS MEJORES RESTAURANTES DE BARCELONA

LOS MEJORES RESTAURANTES DE BARCELONA: MAREA ALTA

septiembre 2016 – Ya está ya listo para abrir Marea Alta, el restaurante que ocupa las plantas veintitrés, veinticuatro y veinticinco de la torre Colon.

Lo dirige Enrique Valentí, del Bar Bas y termina de concebir el nuevo Filete (en el hotel Alexandra), con una fórmula a base de carne al peso y charcutería. Se abre a principios de octubre. Era una de las novedades más aguardadas. Sobre todo para quienes quieren las mejores vistas. Nada de gran lujo en el interior. Sorprende por su sencillez. Deseaban que la mirada fuera directa a los ventanales, al lado de los de las mesas (trescientos sesenta grados de vistas en un comedor de trescientos sesenta metros cuadrados y prácticamente mil metros).

LOS MEJORES RESTAURANTES DE BARCELONA: El Almacén

El Almacén Restaurante está en la calle Via Augusta, llegando a la Diagonal. Muy céntrico y con un muy buen ambiente. La decoración, vintage, lo hace un lugar de lo más acogedor: Decoración industrial. De la cocina solo se puede decir que es obra de un maestro. Fusión mediterránea.

¿Recomendaciones? los raviolis de pato, la tosta de roast beef y el suquet de vieiras. También las patatas bravas tienen un toque especial, como la ensaladilla rusa o las croquetas. El menú de mediodía sólo 12,90€. ¿Quieres saber más? Tienes más información en: El Almacén Restaurante| Restaurantes enBarcelona| Guía del Ocio y Cultura de Barcelona

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Estilo Glam: la reforma de un piso de 90 metros en Barcelona

Estilo Glam: la reforma de un piso de 90 metros en Barcelona

El estudio de arquitectura e interiorismo KNOWHAUS, se hizo cargo de la reforma de esta vivienda de 90 m2 en Barcelona para ofrecerle una decoración más moderna de estética industrial, cargada de contrastes de color interesantes y mezclas de texturas. Y todo sin dejar a un lado algunos elementos originales como el techo abovedado catalán. No os perdáis los detalles de la reforma de este piso de…

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PIEZA ÚNICA. BATMAN. SERIGRAFIA INDUSTRIAL. CUADRO ENMARCADO. MAMAGRAF CUADRO DECORACIÓN. Serigrafía enmarcada en marco de aluminio liso, sistema cajón de arquitecto, color gris. Medidas: 80x80cm

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"HABEMUS LOFT" Hoy os muestro un poquito más de este precioso espacio, en el que podemos ver parte de la zona del living y dining y de su moderna cocina, con un diseño y acabados de lo más "in", en negro mate para muebles bajos y roble para los superiores. Made in @Ikeaspain. ¿Quien quiere una igual...? . . Proyecto de interiorismo apartamento/loft contemporáneo, con toques de estilo industrial. °Diseño:@luissanandres.interiorismo °Tipo proyecto: Interiorismo y decoración °Año proyecto: 2020 °Ubicación: Sitges - Barcelona < > Today I show you a little more of this beautiful space, in which we can see part of the living and dining area, and of its modern kitchen, with a design and finishes of the most "in", in matt black for base units and oak for superiors. Made in @Ikeaspain. Who wants an equal ...? . . Contemporary apartment / loft interior design project, with touches of industrial style. ° Design: @ luissanandres.interiorismo ° Project type: Interior design and decoration Project year: 2020 ° Location: Sitges - Barcelona . . . Colaboración / productos Colaboration / products Iluminación: @Arkosligh Pavimento @avawood_design Mobiliario y decoración @KaveHome_es Estructura Frame Glass @saheco_spain Fotografía 📸 @fotointeriores . . #interioristaSitges #Interior_design #interiors123 #interiors4all #interiors4you #myinteriorstyle #interiordecoratingidea #interiorslover #interiorstyling #interiorinspiration #interiorsstyle #Interiors #Designideas #Designinspo #loft #LoftApartment #LoftDesign #ModernLoft #lofts #interiorismo #Houzz #luxuryloft #loftinterior #loftStyle #industrialdesign #LivingRomDesignIdeas #OpenKitchen #Kitchens #LivingRoom #diningroomdecor (en Sitges, Barcelona, España) https://www.instagram.com/p/CT9k7QwI376/?utm_medium=tumblr