#compositor del año

[cristinabcn]

La aventura del tango: El Gordo Triste

ANTONIO PIPPO PEDRAGOSA Periodista, Director General de Cultura Tanguera. Columnista – Editorialista -¿Sabés lo que pasa, piba? Esta noche tengo unas ganas de morirme que no puedo más… –le dijo de pronto el gordo triste a la periodista uruguaya María Esther Gillio, quien le hacía un reportaje impar y conmovedor, probablemente el mejor. No fue una respuesta. María Esther hurgaba en los meandros…

[infected-girls]

Bibliotecaria y archivera a priori a lo mejor no parece súper emocionante, pero creo que es un curro muy chulo! Cuéntanos más!

SÍ ES MUY CHULO 🥺 Ahora mismo estoy catalogando partituras de principios del siglo pasado, ya voy por 1929 (llevo ya un año con ello, empecé por 1917 lol) y es tan chulo!!!!!!!!!!!!! realmente el ser humano castizo castellano sigue siendo el mismo que hace cien años, y la gente escribía cosas divertidísimas 🥺

pongo un par de fotos como ilustración!!

y bueno, también me toca pringar los domingos yendo a una biblioteca de un pueblo para hacer de Bibliotecaria™ así que tampoco está tan mal 🥺🥺

pero realmente el point es que la gente no aprecia el trabajo de archivero, no es simplemente "guardar documentos", es preservar parte de la historia. A mí me están saliendo las partituras originales de muchísimas canciones que se siguen escuchando hoy día (principalmente chotis y pasodobles, pero we get the point), con las firmas de sus autores originales y todo. Además nos toca muchas veces investigar quiénes fueron esos autores porque a lo mejor compusieron una (1) cosa y desaparecieron de la faz de la tierra!! Ejemplo de ello:

https://open.spotify.com/track/2Oy94Ckhrc7Jb03glFAsxl?si=MlnB_i3RRoWPdvZWeKkZvQ

esta obra que seguramente os suene porque es Castiza™, se compuso a principio de la década de 1920, por Pascual y Mariano Marquina (padre e hijo). Del padre se sabe bastante porque fue un compositor bastante prolífico, pero el hijo la verdajque se sabía bastante poco, de hecho la fecha de nacimiento ha sido un dolor encontrarla. Pues resulta!!

Que en Madrid en el barrio de las letras tiene una plaquita en el suelo porque falleció en un campo de concentración en Austria. Shocking. Pero cosas que pasaron en esas fechas.

En fin, que me encanta mi trabajo y puedo dar mucha turra, perdón. Gracias por preguntar!!!!!!!!! 💞💞

[fitftbogota]

Louis Tomlinson - Conciertos Colombia 2024

¡Atención fanáticos de la música en Colombia!

Louis Tomlinson, el talentoso cantante y compositor británico, llega a Bogotá para un concierto que te dejará sin aliento. Después de una exitosa carrera como miembro de una de las bandas más emblemáticas del mundo, Louis ha cautivado al público con su música en solitario, y ahora está listo para llevar su espectáculo a nuevos horizontes.

Prepárate para ser parte de un evento que marcará la historia musical de Colombia. Louis Tomlinson, ex miembro de una de las bandas más exitosas del mundo, deslumbrará al público con su increíble voz y sus cautivadoras canciones en solitario.

El escenario se iluminará el 28 de mayo de 2024 en el Coliseo MedPlus mientras Louis Tomlinson interpreta sus mayores éxitos, desde sus sencillos más conocidos hasta las joyas ocultas de su repertorio. Con su voz distintiva y su estilo único, Louis te llevará en un viaje emocional a través de sus canciones, un espectáculo que satisfará los gustos de todos los presentes.

No pierdas la oportunidad de vivir esta experiencia única. Reúne a tus amigos, familiares y seres queridos y únete a nosotros para celebrar la música en su máxima expresión. Los conciertos en Colombia alcanzarán nuevas alturas con la presencia de Louis Tomlinson en Bogotá.

¡Compra tus entradas ahora y asegura tu lugar en este evento histórico! No te quedes fuera de uno de los conciertos más esperados del año. ¡Te esperamos para vivir una noche inolvidable junto a Louis Tomlinson!

Fecha: 28 de mayo de 2024

Hora: 8:00 p.m.

Lugar: ColiseoMedPlus

Boletos disponibles en TaquillaLive

¡No dejes pasar esta oportunidad única!

[louisupdates]

santandermusic Nos enorgullece presentar el primer AVANCE DE CARTEL de SANTANDER MUSIC 2024 🙌🏽

Los próximos 2 y 3 de agosto, la Península de la Magdalena acogerá artistas nacionales e internacionales en el que es desde hace años todo un referente para la música en vivo en todo el país ⚡

@louist91, el cantante y compositor británico exmiembro fundador de One Direction, será uno de los grandes cabezas de cartel. Junto a él, una gran estrella del pop en castellano, @mikelizal, uno de los protagonistas del año con su éxito "El Paraíso" 🤯

Además, les seguirán grandes artistas como @danifdezmusic @ginebrasbanda @lalaloveyouoficial @sensenra @aikoelgrupo @albamorena_ @aleixfresh @ciudadjara @edgarkerri @musicmalmo @pablopablo_______ @siloe_music Merino o Trashi ✨

Para celebrarlo, lanzamos este 𝗦𝗢𝗥𝗧𝗘𝗢 express (48 h) de 10 ABONOS INDIVIDUALES:

➡ Menciona a ese/a amig@ que ni loc@ se perdería SANTANDER MUSIC.

➡ Comparte esta imagen en tu historia y menciónanos.

➡ Sigue a @santandermusic

¡Suerte a tod@s! 🍀

🎟️ ENTRADAS A LA VENTA EL VIERNES 15 A LAS 12:00

[santandermusic We are proud to present the first POSTER Preview of SANTANDER MUSIC 2024 🙌🏽

On August 2 and 3, the Magdalena Peninsula will host national and international artists in what has been a benchmark for live music throughout the country for years ⚡

@louist91, the British singer and songwriter, former founding member of One Direction, will be one of the big headliners. Along with him, a great pop star in Spanish, @mikelizal, one of the protagonists of the year with his hit "El Paraíso" 🤯

In addition, they will be followed by great artists like @danifdezmusic @ginebrasbanda @lalaloveyouoficial @sensenra @aikoelgrupo @albamorena_ @aleixfresh @ciudadjara @edgarkerri @musicmalmo @pablopablo_______ @siloe_music Merino or Trashi ✨

To celebrate, we are launching this express package (48 hours) of 10 INDIVIDUAL TICKETS:

➡ Mention that friend who wouldn't miss SANTANDER MUSIC.

➡ Share this image in your story and mention us.

➡ Follow @santandermusic

Good luck to everyone! 🍀

🎟️ TICKETS ON SALE ON FRIDAY THE 15TH AT 12:00]

[jartita-me-teneis]

Cuando John Lennon conoció a Yoko Ono en 1966, se enamoró perdidamente de ella, acto seguido, dejó a su entonces esposa Cynthia, tuvo una aventura y, posteriormente, se casó con Yoko a principios de 1969.

John le dio a su ex mujer, Cynthia, sólo un estipendio como acuerdo de divorcio, aunque sabía que Cynthia iba a tener que mantener y criar a su hijo Julian, que entonces tenía sólo cinco años.

Después de unos años, Cynthia pronto quedaría casi arruinada; sabía que tendría que juntar algo de dinero para que ella y Julian pudieran sobrevivir.

Bajo la desesperación tomó una decisión necesaria, vendería las cartas de amor y los dibujos que John le había regalado cuando eran una pareja joven y enamorada en la adolescencia.

Las cartas eran muy apasionadas, llenas de citas de “Te amo, Cyn”.

¿Puedes imaginar cuánto debe haberle dolido a Cynthia tener que desprenderse de estos recuerdos de valor incalculable?

Cynthia los vendió por una gran cantidad...

El comprador fue Paul McCartney.

Paul había pagado una pequeña fortuna por los recuerdos.

Unos días más tarde, Cynthia recibió todas las cartas y dibujos por correo, ahora todos cuidadosamente enmarcados.

Venían con una nota. La nota decía:

“Nunca vendas tus recuerdos. Con cariño, Paul McCartney”.

Paul McCartney vocalista, compositor, bajista, poeta y pintor británico cuyo trabajo con los Beatles en la década de 1960 ayudó a convertir la música popular en una forma de arte creativa y altamente comercial . También uno de los solistas más populares de todos los tiempos, tanto en ventas de discos como en asistencia a sus conciertos.

En 1996 fue nombrado por la reina Isabel II de Inglaterra Caballero del Imperio Británico, por lo que desde entonces posee el título de sir, ha sido nombrado miembro del Royal College of Music, recibió los honores del Kennedy Center y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

En el 2009, la organización Guinnes World Records otorgó a Paul el título del compositor más exitoso de todos los tiempos, por ser autor o coescrito de 188 canciones que se mantuvieron en las listas de temas más populares del Reino Unido. De estas 91 llegaron al ‘top 10’ y 33 al número 1.

Fuente:

—https://www.britannica.com/biography/Paul-McCartney

[jazzandother-blog]

https://youtu.be/9B7ZWDaKECI?si=xFf6HwQfex3zQCUm

(English / Español / Italiano)

On March 2, 1959, at 2:30 in the afternoon, a group of musicians entered an old church on 30th Street in New York that the Columbia record company had converted into a recording studio thanks to the special sonority of the place. The musicians belonged to the sextet of Miles Davis, trumpeter and composer extraordinaire, a cornerstone of modern jazz. The first to arrive was drummer Jimmy Cobb, who calmly and carefully set up his drum kit. Soon after, bassist Paul Chambers, saxophonists Cannonball Adderley and John Coltrane, pianists Bill Evans, who no longer belonged to the sextet but would record on this album, and Wynton Kelly arrived. Finally, Miles, the leader of the group. Without even knowing it, this first session and the second recorded on April 22 would become fundamental in the history of both jazz and music. The product of those two days would be called Kind of Blue and was released on August 17 of the same year.

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El 2 de marzo de 1959, a las dos y media de la tarde, un grupo de músicos entraron a una antigua iglesia en la calle 30 de Nueva York que la compañía discográfica Columbia había convertido en estudio de grabación gracias a la sonoridad especial que tenía el lugar.Los músicos pertenecían al sexteto de Miles Davis, trompetista y compositor extraordinario, piedra angular del jazz moderno. El primero en llegar fue el baterista Jimmy Cobb quien con tranquilidad y esmero montó su batería. Poco después llegarían el bajista Paul Chambers, los saxofonistas Cannonball Adderley y John Coltrane, los pianistas Bill Evans, quien ya no pertenecía al sexteto pero que grabaría en este disco, y Wynton Kelly. Finalmente, Miles, el líder del grupo. Sin siquiera saberlo, esta primera sesión y la segunda grabada el 22 de abril se volverían fundamental tanto en la historia del jazz como de la música. El producto de ese par de días se llamaría Kind of Blue y salió a la venta el 17 de agosto del mismo año.

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Il 2 marzo 1959, alle due e mezza del pomeriggio, un gruppo di musicisti entrò in una vecchia chiesa della 30ª strada a New York che la casa discografica Columbia aveva trasformato in studio di registrazione grazie alla particolare sonorità del luogo. I musicisti appartenevano al sestetto di Miles Davis, trombettista e compositore straordinario, pietra miliare del jazz moderno. Il primo ad arrivare fu il batterista Jimmy Cobb, che con calma e attenzione sistemò la sua batteria. Subito dopo arrivarono il bassista Paul Chambers, i sassofonisti Cannonball Adderley e John Coltrane, i pianisti Bill Evans, che non faceva più parte del sestetto ma che avrebbe registrato su questo album, e Wynton Kelly. Infine, Miles, il leader del gruppo. Senza nemmeno saperlo, questa prima sessione e la seconda registrata il 22 aprile sarebbero diventate fondamentali nella storia del jazz e della musica. Il prodotto di quei due giorni si sarebbe chiamato Kind of Blue e sarebbe stato pubblicato il 17 agosto dello stesso anno.

Fuente: Pasión por el Jazz y Blues

[d-criss-news]

frontonmexico: Darren Criss por primera vez en el #FrontónMéxico #CDMX *Darren Criss for the first time in the #FrontónMéxico #CDMX

frontonmexico: Esta noche @ darrencriss estuvo de regreso en México, para compartir una velada llena de emociones. Con temas como “let’s” y “for a night like this” el cantante, compositor y actor estadounidense enloqueció a sus seguidores mexicanos, quienes habían aguardado su regreso por más de cinco años. El cantautor refrenda por qué es uno de los consentidos del público desde su exitosa aparición en “Glee” y continúa demostrando su versatilidad. *Tonight @ darrencriss was back in Mexico, to share an evening full of emotions. With songs like "let's" and "for a night like this," the American singer-songwriter and actor wowed his Mexican fans, who had been waiting for his return for more than five years. The singer-songwriter endorses why he is one of the darlings of the public since his successful appearance on "Glee" and continues to demonstrate his versatility.

[pop-sesivo]

La exposición XIX: el siglo del retrato, en CaixaForum de Valencia, exhibe la obra "María Hahn, esposa del pintor" (1901), por Raimundo de Madrazo, en el que retrata a su esposa María Hahn de Echenagucia, de madre vasca-venezolana y hermana del famoso compositor francés Reynaldo Hahn.

Es una pintura en la que María Hahn viste a la usanza de la corte de Versalles. Su esposo Raimundo de Madrazo exhibía este retrato en su taller de Nueva York, en el que pintaba cada año a damas encumbradas de la Gilded Age.

La historiadora del arte Amaya Alzaga explica para un video de la serie Arte incómodo del Museo del Prado por qué este retrato de María Hahn es una obra emblemática del nuevo arte mundano que caracterizó los retratos de damas de la burguersía.

[notasfilosoficas]

“La desesperación no es el resultado del fracaso. Es el resultado de no haber intentado lo suficiente”

Paul Bowles

Fue un escritor y compositor estadounidense, nacido en Nueva York. Conocido principalmente por su obra literaria, es considerado como uno de los grandes escritores del siglo XX y una figura clave en la literatura de la Generación Perdida.

De abuelos alemanes, su padre era un odontólogo y músico frustrado. Desde temprana edad Bowles mostró interés por la música y la escritura y tuvo la oportunidad de estudiar con el renombrado compositor Aaron Copland.  Fue autor de partituras para Ballet y compuso música de muchas películas y obras de teatro.

Bowles derivado de sus desavenencias con sus padres decide abandonar el seno familiar a la edad de 19 años, vivió en París en la década de 1930, en donde conoció a Ezra Pound, el poeta, músico y ensayista estadounidense, y a la escritora Djuna Barnes.

En 1938 contrajo matrimonio con Jane Auer, autora de teatro y novelista. Tras haber vivido en Europa, Centroamérica y Ceilán, la pareja estableció su residencia permanente en Tánger Marruecos en donde vivió por más de 50 años. Su amor por Marruecos y su cultura influenciaron gran parte de su trabajo literario.

Bowles tenía una fascinación por lo viajes y la exploración. Durante su vida visitó y vivió en varios países de Europa, Africa, América del Sur y Asia, lo que el permitió experimentar y absorber diferentes culturas y aprender de sus sociedades.

Su primera novela, “El cielo protector”, escrita en 1949, gozó de un éxito de ventas y posteriormente fue llevada al cine por el director Bernardo Bertolucci. En dicha obra, la acción transcurre en dos planos, el desierto africano exterior y el desierto interior de los protagonistas. Esta novela es en parte autobiográfica.

En sus siguientes dos novelas; “Déjala que caiga” (1952) y “La casa de la araña” (1955) relata la extraña integración a la cultura musulmana a europeos o norteamericanos que terminan inmersos en una auténtica crisis de identidad, que los lleva a alienarse en un mundo de alcohol y drogas.

Es en esta época que Bowles se relaciona con la Gay Society con figuras como Luchino Visconti, Tennessee Williams y Truman Capote, así como con la generación Beat, (William Burroughs, y Allen Ginsberg) entre otros, introduciendo a parte de esta generación en algunas drogas curiosas como el majoun.

En 1972 publicó “Memorias de un nómada” y un año después murió su mujer en un hospital de Málaga, tras un largo internamiento de 16 años por demencia. 

Bowles vivió una vida poco convencional y desafiante. Mantuvo una relación abierta con su esposa, de quien Bowles sospechaba que la relación lésbica que tuvo ella con una sirvienta doméstica marroquí la había envenenado o endemoniado, y mantuvo relaciones bisexuales y homosexuales a lo largo de su vida. 

La vida y obra de Paul Bowles ha dejado un legado duradero en el mundo de la literatura y la música. Su capacidad para explorar las profundidades de la psicología humana y retratar la complejidad de la existencia lo convierte en un autor notablemente relevante en la historia de la literatura, y su escritura continúa siendo leída por su originalidad y su cruda representación de la condición humana.

Paul Bowles fallece en noviembre de 1999 en una habitación del hospital Italiano de Tanger a la edad de 88 años.

Fuentes: Wikipedia, buscabiografias.com, bookey.app

[mondomoderno]

Un escultor catalán para Coronel Suárez

🎨 Antonio Bagué fue un escultor, pintor y fotógrafo catalán. Nació en 1884 y llegó a Argentina en 1910, donde trabajó en Buenos Aires y luego en Coronel Suárez, dejando un legado artístico tanto en esculturas como en pinturas de paisajes. A lo largo de su vida, su creatividad lo llevó a explorar diversas ciudades, pero fue en Coronel Suárez donde dejó su marca. A principios de los años 50 se trasladó a Bahía Blanca, donde falleció en 1972 a los 88 años. 🙏 Cristo de Coronel Suárez: Esta escultura fue construida en el camino que conecta Coronel Suárez con los pueblos alemanes y fue bendecida el 29 de noviembre de 1936. El Cristo, con los brazos abiertos, se eleva sobre un globo terráqueo frente a una cruz de mampostería de 12 metros de altura. La inscripción reza: “Detente caminante, descúbrete y ora”. Al mismo tiempo, Antonio Bagué realizaba una obra similar en San Carlos de Bolívar. Aunque la figura es casi idéntica, la inscripción en la base de la cruz es distinta: “Dios, Patria, Hogar”, un lema que refleja el pensamiento de la época. 🎆 La inauguración del Cristo de Coronel Suárez fue todo un acontecimiento: una procesión partió desde la iglesia con música transmitida por megáfonos municipales, recorriendo más de 4 cuadras con las banderas pontificia y nacional al frente. Además, un avión voló repetidamente sobre la multitud, arrojando flores en señal de bendición. 🚩 Mástil Patrio: Inaugurado el 12 de octubre de 1935 bajo la intendencia del Dr. Daniel Amadeo y Videla, este mástil monumental de 42 metros de altura, realizado en cemento portland, se erige como un ícono del Art Decó y Art Nouveau. Su base cuadrangular escalonada presenta ocho figuras de 3 metros de altura que representan valores como Patria, Honor y Libertad. Las esculturas incluyen un gaucho saludando al alba, una madre ofrendando a su hijo a la bandera, y la Justicia con una gran espada, realizando el saludo romano. Por último, en la siempre pintoresca Pigüé también se encuentra un monumento local obra de Bagué. Recuerda al reconocido compositor de tango Juan Carlos Cobián inaugurado el 4 de diciembre de 1966.

Fuentes:

· El mástil patrio de Coronel Suárez. Revista Familia Cooperativa, 2023. · Vecchi, R. J. (2005). Dios, Patria y Falange. Catolicismo e Hispanidad en la obra escultórica suarense de Antonio Bagué. En: Jornadas de Humanidades. Historia del Arte. “La crisis de la representación”. Agosto, 2005. Bahía Blanca, Argentina. · Micro Histórico - Otra de las obras que nos dejó el maestro Antonio Bagué. Radio Coronel Suárez.

[ignacionovo]

Una familia judía de apellido Karnofsky, que emigró de Lituania a Estados Unidos, sintió compasión por un niño de color de 7 años y lo trajo a su casa en Nueva Orleans. Allí se quedó y pasó la noche en la casa de esa familia judía, donde por primera vez en su vida fue tratado con bondad y ternura.

Cuando él se fue a la cama, la Sra. Karnofsky le cantó canciones de cuna rusas, que él después cantó con ella. Más tarde, aprendió a cantar y tocar varias canciones rusas y judías.

Con el tiempo, este niño se convirtió en el hijo adoptivo de esta familia. El Sr. Karnofsky le dio dinero para comprar su primer instrumento musical. Más tarde, cuando se convirtió en músico y compositor profesional, usó estas melodías judías como inspiración en composiciones como "St. Hospital James" y "Go Down Moses".

El niño creció y escribió un libro sobre esta familia judía, que lo adoptó en 1907. Él orgullosamente hablaba yiddish con gran fluidez.

En memoria de esta familia y hasta el final de su vida, usó la Estrella de David y dijo que en esta familia aprendió a 'vivir una vida real y con determinación'.

El nombre de ese niño era Louis Armstrong, quien llegó a ser el trompetista y cantante más popular de la historia del jazz.

Todo lo que un niño necesita para convertirse en todo lo que debe ser es amor, atención y alguien que crea en su futuro.

[azul-maria-elias]

Las canciones sin álbum: entre «Please Please Me» y «With The Beatles».

Si te encuentras en tus inicios como oyente de los Beatles, es importante que conozcas que entre cada álbum la banda lanzó por fuera de ellos una gran variedad de sencillos. Puede suceder que si escuchas únicamente los álbumes te pierdas de estas canciones que tuvieron gran relevancia en el desarrollo musical de la banda.

1. From Me to You

John Lennon y Paul McCartney compusieron la canción mientras viajaban en un micro, en medio de su gira como teloneros de Helen Shapiro en febrero de 1963. Lo consideraron su trabajo más profesional y pulido hasta el momento. «Ahí empezamos de verdad», recordaría McCartney.

En muchas de sus tempranas canciones tendían a usar pronombres en el estribillo como las palabras «I» («yo»), «me» («mi») y «you» («tú»), en una manera de hacerlas «más directas y personales».

Fue grabada el 5 de marzo de 1963 en los EMI Studios de Londres. En el lado B se incluyó «Thank You Girl».

Es imposible que la armónica y las voces del inicio no se queden marcadas en la memoria. El verso y el coro son igual de pegadizos e icónicos. El dúo de compositores volvió a retomar el "formato carta" de la anterior composición de McCartney, "P.S. I Love You"; cosa que volvería a utilizar para "All My Loving".

2. Thank You Girl

El lado B de «From Me to You» expresaba la gratitud de los beatles hacia las mujeres de su publico.

Sabíamos que si componíamos una canción que se llamara «Thank You Girl», muchas de las fans que nos escribían cartas lo iban a tomar como un agradecimiento de verdad. Así que muchas de nuestras canciones... estaban dirigidas directamente a ellas. — Paul McCartney

La canción fue compuesta por el dúo Lennon/McCartney. Fue, al igual que «From Me to You», grabada el 5 de marzo de 1963 en los EMI Studios y publicada el 11 de abril de 1963.

Personalmente me encanta cuando los artistas le dedican canciones a su público, y ésta simple canción contituye un hermoso regalo de los Beatles hacía sus fanáticas. Es increíblemente pegadiza y simpática. La voz de Lennon llega a sonar ronca en algunas ocasiones, brindándole más dramatismo a su interpretación. Los coros de McCartney y Harrison armonizan de manera increíble con la voz principal (como nos tenían acostumbrados).

3. She Loves You

La composición de «She Loves You» se inicia el 26 de junio de 1963, cuando en plena gira en Newcastle, antes de comenzar un show, Lennon y McCartney empezaron a componer la canción en dos camas gemelas de la habitación en la que se hospedaban. Terminaron la canción al día siguiente, en la casa paterna de Paul.

La narrativa en tercera persona de la canción fue realmente inusual para una canción de amor de la época. El narrador en la canción funcionaba como un emparejador entre dos amantes extraños. Esta idea fue atribuida por Lennon a McCartney en 1980:

La idea fue de Paul: en lugar de cantar una vez más 'I love you' ('te amo'), tuvimos en la canción un tercer protagonista. Este tipo de detalle se encuentra aún en sus trabajos en solitario; siempre escribirá una historia sobre alguien más. Yo me siento más inclinado a escribir sobre mí mismo. — John Lennon

Se trata del sencillo más vendido de The Beatles en el Reino Unido, y fue el sencillo más vendido en ese país durante su año de publicación.

Desde la introducción de batería hasta el estribillo que dice "yeah, yeah, yeah", plasmaba la euforia de la beatlemanía. — Pablo Plotkin (Revista Rolling Stone, 2013)

La canción habla por sí sola. Es imposible que alguien no este familiarizado con la frenética melodía. Es tal vez, la canción que mejor describe el sonido de la beatlemanía. Pegadiza a más no poder, es inevitable menear la cabeza de un lado a otro cual Ringo al escucharla.

4. I'll Get You

En el lado B de «She Loves You» se encontraba otra canción de la dupla Lennon/McCartney. John Lennon dijo acerca de esta canción en 1980:

'I'll Get You' es Paul y yo tratando de componer una canción... que no funcionó realmente bien. — John Lennon

Esta es una de las inumerables ocasiones en donde las canciones que Lennon destruyó posteriormente, son de mis favoritas personales. La letra me encanta, es deliciosamente caprichosa y testaruda, enunciando que aunque esa persona lo rechace hoy, al final del día la atrapará. El puente que comienza con Lennon y McCartney cantando «Well, there's gonna be a time, When I'm gonna change your mind», está muy bien ejecutado y rompe con la monotonía de la canción.

¡Todavía queda más! La canción que no vió la luz.

Durante esta época, los Beatles grabaron una canción que no fue lanzada en su momento: One After 909. Sí, la misma composición que formó parte del último álbum de la banda Let It Be. Fue escrita originalmente en 1957 y grabada para ser la cara B de From Me To You. Sin embargo, a los Beatles no les convenció el resultado —de hecho, George Martin la detestaba— y dicha grabación no vería la luz hasta la salida de Anthology 1. Como es una canción que más tarde formó parte de Let It Be no la evaluaremos hasta llegar a dicho álbum.

Si llegaste hasta aquí ¡muchísimas gracias por tomarte el tiempo de leerme!

El trabajo que le sigue a esta publicación es With The Beatles (1963). Si te gustó este escrito te invito a seguirme para no perderte los siguientes.

Por si no lo sabes, esta publicación forma parte de una serie de trabajos que estoy redactando sobre The Beatles. Aquí te dejo los trabajos anteriores:

Here They Come, The Fabulous Beatles! Una introducción a la banda más importante en la historia de la música.

Please Please Me (1963).

Por último, me gustaría aclarar que estos trabajos buscan ser más una recopilación de información que un análisis completamente de mi autoría, aunque por supuesto que encontrarás acotaciones mías durante su lectura.

[espejomonastico]

Bruckner 200

Tengo una relación extraña con Bruckner. Si bien admiro la pulcritud formal de su trabajo y gozo de la majestuosidad que su escritura alcanza en el sonido, siempre ha sido para mí un compositor del que yo me distanciaría tomando una serie de otras decisiones. La escucha placentera de la Romántica, las cuerdas de la no. 7 o la intuición sacra del misterio en su Christus factus est me han llevado a estudiarlo y oírlo más durante los últimos años hasta el punto en que por fin la raíz de su impacto en mí ha quedado más o menos expuesta.

Bruckner es el único compositor que me ha hecho decir algo así como: «si es que de verdad hay un Dios sobre nosotros, vaya despropósito no adorarlo (vaya terror enemistarme con él)».

Hoy es el día en que nació hace doscientos años. Tengo una deuda conmigo con respecto a visitar Sankt Florian.

[waltfrasescazadordepalabras]

Sonata de otoño.

En el ámbito familiar y en el contexto que se suele mover la mayoría de los mortales, en alguna ocasión hemos sido testigos de quejas y lamentos exteriorizados en algún momento por gente normal que piensa que esas situaciones solo les ocurren a ellos. Me estoy refiriendo, concretamente, a la relación que se establece entre madre e hija, y que es objeto del análisis de esta película de Ingmar Bergman, “Sonata de otoño, (1978), rodada, como la mayoría, en el entorno de una isla, seguramente la de Farö, mostrando como en tantas otras, la presencia del mar como aliado, cómplice de sus historias, argumentadas en soledad, destilando un verbo tortuoso que, plasmado en oscuros guiones, nos ofrecen las mejores películas que han transitado por las pantallas del siglo XX.

Y es en “Un verano con Mónica” donde podemos ver la isla donde se refugian dos adolescentes que huyen de la presión familiar interponiéndose a su amor. Pero para más agua, es en “El séptimo sello” donde vemos al Señor feudal que regresa de la guerra santa para enfrentarse con la muerte que le aguarda y llevárselo con él, dándole la oportunidad de jugársela al ajedrez, eligiendo, lógicamente, las negras, para la muerte. Pero centrándonos en la relación filial que nos ocupa, Bergman ya había escenificado el tema en una de sus primerizas y experimentales películas que, lo aborda, con demasiada madurez, habida cuenta de la temprana edad cuando la dirigió, “Ciudad portuaria” (1948); no obstante, hemos de reconocer que la experiencia teatral acumulada por Bergman le hace salir airoso con esta película de escaso presupuesto e interpretaciones primerizas.

Aparcando el obsesivo dilema de la existencia de Dios, que en otras películas es el eje principal, llegamos hasta las Sonatas, enfrentando a una famosa concertista que visita a su hija después de 7 años de ausencia, para descansar de una temporada ansiosa. Eva, su hija, está radiante con la presencia de su madre, que pronto derivará en un duelo insoportable, donde las frases y los reproches van incrustándose en la piel del ambiente como cuchillos afilados que han estado enfundados durante mucho tiempo en las alforjas del recuerdo infantil. Y es a partir del preludio número 2 de Chopin, que toca Eva, pidiendo la opinión de su madre, cuando empieza a sentir el desprecio que siente esta por ella, explicándole el sentido de la pieza. Y en cada sonido que su madre interpreta, en cada tecla que suena, intenta hacerle comprender los pensamientos del compositor que nada tienen que ver con la interpretación que ha realizado ella.

Y para dar vida a esta trama familiar, Bergman reúne a dos de sus alter ego. Eva (Liv Ullmann) es la hija. Charlotte (Ingrid Bergman) es la madre autoritaria y fría, Bergman, el director, que con su fino bisturí es un cirujano, diseccionando las capas emocionales, aflorando en su más sutil exposición, los pensamientos de una hija airada que se siente ignorada por su madre: “Te idolatraba, mamá. Para mi eras la vida o la muerte, pero no me fiaba de tus palabras. No expresaban lo que yo veía en tus ojos [. . .] por instinto aprendí que casi nunca sentías lo que decías. No comprendía tus palabras. Lo más espantoso es que sonreías cuando te enfadabas. Todo lo hacías en nombre del amor. Tenías necesidad de creerte que nos querías a mí, a papá, a Elena. Eras una experta en los tonos y los gestos del amor. La verdad es que deberían encerrarte para que no hicieras más víctimas”.

La sutilidad del enfrentamiento filial, va in crescendo, a través de primeros planos que se interponen: madre e hija ocupan la pantalla con sus atentos rostros entristecidos por la exposición de Eva: “Tú pensabas que yo era un ser desagradable, poco inteligente y estúpido, un ser inútil, y me hiciste daño para toda la vida con tu desprecio, y desde ahora no podrás olvidar nunca mi dolor”. ¿Mamá, es mi dolor, tu placer secreto”? Y así va construyéndose un espacio de mutua sinceridad. Y Carlotte, también tiene oportunidad de expresar sus carencias emocionales: “Recuerdo muy poco de mi niñez. No recuerdo que mi padre y mi madre me acariciaran. Por ello, solo a través de la música tenía oportunidad de exteriorizar mis sentimientos” Pero Eva insiste en su deliberado tormento: “¿Es la infelicidad de la hija el triunfo de la madre?

Bergman, que también mantuvo una relación muy difícil con su padre, nos deja esta obra teatralizada que sirve para dualizar ambos comportamientos de una mente privilegiada que nos ha dejado una obra inmensa. Y no podía faltar la referencia a Dios, por ello, en la imagen final, Eva piensa sobre la visita de su madre: “Ahora no me puedo morir, no me decido a suicidarme. No tengo derecho a liberarme de esta prisión porque quizá Dios quiera utilizarme”. Reflexión final que sirve para enmarcar esta obra, plagada de existencialismo, con la propuesta religiosa, continuar una filmografía que abarca una obra siempre con el desafío pendiente, invitándonos a continuar descifrando las claves de su atormentado pensamiento, expuesto en “La linterna mágica”.

[azulblue9]

'Waiting Room' (No Doubt, "Rock Steady", 2001).

'Waiting Room' apareció en el álbum del 2001 de 'No Doubt', y en ella 💜PRINCE💜 aparecía acreditado como compositor, coproductor, teclista y corista. El grupo le había enviado a 💜PRINCE💜 un primer boceto de la canción para que les ayudase con ella, como contraprestación de algún modo a la contribución de la cantante Gwen Stefani en la canción 'So Far, So Pleased' de su disco "Rave Un2 The Joy Fantastic" (1999). El tema transformado radicalmente, fue considerado para su inclusión en el áldum del 2000 "Return of Saturn", pero su sonido era diferente al del resto del disco, así que la guardaron para Rock Steady del año siguiente.

PRINCE is MUSIC ✨💜⚜💜✨

[jartita-me-teneis]

Era una Mujer que escribía explícitamente sobre el sexo

desde el punto de vista femenino, pero también

de la belleza de las emociones. Adorada por algunos,

odiada por muchos e incomprendida por la mayoría,

Anaïs Nin nació en Francia, en el área metropolitana de París,

un 21 de febrero de 1903.

Tenía dos hermanos.

Su padre, Joaquín Nin, era pianista y compositor,

y su madre, Rosa Culmell, una cantante de formación clásica.

Ambos habían nacido en Cuba.

Tal vez por eso, Anaïs desde niña, se sintió atraída

por el mundo del Arte..

Cuando tenía 10 años, su familia se traslada a Barcelona,

y su padre los abandona.

Sola, y cargo de tres hijos, la madre de Anaïs decidió ir a vivir a Nueva York, donde residía parte de su familia cubana que los esperaba.

Éste hecho, la partida de su padre, la marcó para el resto

de su vida. Sus Diarios se iniciaron como una carta dirigida

a su Padre, con quien no tuvo contacto durante

los siguientes 20 años y con quién se cuenta

mantuvo una relación de incesto.

A los 19 años consigue un trabajo como modelo

y bailarina de flamenco.

Conoció al poeta y banquero Hugh Guiller en 1923.

Pronto, Nin y Guiller se enamoraron y contrajeron

matrimonio en La Habana. Un año más tarde,

los artistas se trasladaron a París, donde Hugh trabajó

en un banco y Anaïs encontró el tiempo y el espacio

para volcarse en su escritura.

Entre 1929 y 1930, completó su primer libro titulado

La intemporalidad perdida.

Eran 16 historias, con tintes oníricos y psicoanalíticos

que emanaban el espíritu vanguardista del París

de los años 20'.

No obstante, y aunque ofeecido a varias editoriales,

fue rechazado.

En 1932 publica un ensayo sobre D. H. Lawrence,

y un año después conoce a Henry Miller, con quien luego

inicia un apasionado romance con él,

y también con su esposa June Miller.

Con Miller compartían (además), manuscritos

y ella lo ayudó en la creación de sus dos únicas novelas

Trópico de Cáncer y Trópico de Capricornio.

En Francia conoce a Bretón, Artaud, a Moricand,

a Lawrence Durrell. Decidirá ser Escritora y se sumergirá

en el placer, y veces el dolor de hombres y mujeres.

Se interesó profundamente por el psicoanálisis,

estudiándolo primero con René Allendy y luego

con Otto Rank (compañero de Sigmund Freud),

dos maestros que eventualmente fueron sus amantes.

Su primera novela, La casa del incesto aparece en 1936.

Al inicio de la II GM, en 1939 emigra a EEUU.

Viviendo en el West Village de NYC, se convierte

en la primera Mujer en explorar el mundo

de la literatura erótica. Decidió prescindir de las editoriales

y publicar por su cuenta.

Aparecen así Delta de Venus, Corazón cuarteado,

Una espía en la del Amor, y Collage.

A los 44 años conoció al ex actor Rupert Pole (dieciséis años

menor que ella), cuando se dirigía a una fiesta

en un ascensor de Manhattan, y en 1955 se casó con él,

mientras seguía casada con Hugh.

Durante un tiempo, Nin mantuvo dos matrimonios

en paralelo: uno en Nueva York (Hugh) y otro en Los Ángeles (Rupert).

De estas vivencias nació Ciudades interiores,

una serie de novelas en las que Nin ficcionó sus experiencias.

También fue pionera del poliamor.

Pero más allá de sus novelas, serán sus transgresores Diarios, donde desfilan los Intelectuales y Artistas más famosos

de su época, desde Dalí y Gala, Carpentier, Chaplin,

Cortázar, y Tanguy, entre otros, publicados a mediados

de los 60', los que la consagren como un Ícono

de la Liberación Femenina, amado por Mujeres jóvenes

que veían en primera persona cómo una de ellas podía

hacerse un lugar en un mundo dominado po

los Hombres en la Literatura.

Fue invitada a dar conferencias en universidades

de diversos países. En la década de los 70' recibió

el doctorado honorífico del Philadelphia College of Art (1973),

fue elegida miembro del instituto Nacional

de Artes y Letras de Estados Unidos (1974) y obtuvo

el premio a la Mujer del Año de Los Angeles Times en 1976.

Partió al año siguiente.

Sus cenizas fueron esparcidas en un paraje llamado Mermaid Cove, en California, frente a la costa del Pacífico.

Anaïs Nin logró expresar todo lo que los libros de Mujeres habían dejado de lado, no sólo rompiendo tabúes, sino también escribiéndolos.

Subyace en su literatura la indagación de lo más íntimo de su alma; su feminidad con sus matices, y los conflictos entre el intelecto y sus emociones.

Para ella, no hay nada más que sus diarios. En ellos, esa intimidad no se sugiere, sino que se exhibe, junto a la búsqueda del deseo y los

límites del cuerpo y de ella misma.

Es una literatura viva y sin maquillajes, un espejo que refleja todos los cambios de los estados de ánimo, del Amor al odio, que marcan nuestra frágil naturaleza como Mujeres.

Lo que Proust, Joyce y Miller estaban haciendo, ella lo hizo desde la Conciencia Femenina y a veces (muchas) en primera persona, en el espacio que se crea entre una pérdida y un vacío, se refugian las palabras, en una búsqueda de lo íntimo de nuestra Humanidad, para acercarla a una idea que le defina, una interpretación abstracta sobre la necesidad y la inquietud Existencial, a través de la Libertad como mensaje de su propia vida...

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