#collegium musicum madrid

[elmartillosinmetre]

"Si no grabas discos te salen menos conciertos"

[Daniel Garay, María Espada, Manuel Minguillón y Guillermo Turina / NOAH SHAYE]

Manuel Minguillón arranca con su Collegium Musicum Madrid un proyecto para grabar todos los tonos humanos del Cancionero de Mallorca

Madrileño, alumno entre otros de Gerardo Arriaga y Hopkinson Smith, Manuel Minguillón es uno de los guitarristas más destacados del actual panorama español de música antigua. Con una trayectoria importante detrás, al fin se lanza a grabar un disco con su propio grupo, el Collegium Musicum Madrid, un monográfico en torno a uno de los manuscritos que han recogido el repertorio de tonos humanos monódicos de la segunda mitad del siglo XVII, el Cancionero de Mallorca.

–El CD fue grabado en septiembre de 2020. ¿A qué se ha debido el retraso en su salida?

–Lo grabamos el primer año de la pandemia, pero tenía otro disco recién hecho con Carlos Mena, que salió en 2021, y no quise que se agolparan. Cuesta mucho esfuerzo y dinero hacer un disco como para sacarlos juntos… Además a mí me gusta que lo escuchen todos los miembros del grupo para que den su opinión. Voy también a Granada con Paco Moya para escuchar juntos y decidir las tomas, y no siempre es fácil encontrar el momento para hacer todo eso.

–Por qué esta selección del Cancionero de Mallorca, que, si no me equivoco, es el primer monográfico que se le dedica a este manuscrito.

–Para alguien como yo, que toca la cuerda pulsada, era muy tentador el hecho de que la parte de guitarra esté escrita como instrumento obligado, está intabulada en más o menos la mitad de las piezas. El manuscrito tiene tres pautas, la del cantante, la del bajo continuo y una tablatura de guitarra que aparece en todas las piezas, aunque no está siempre escrita. El proyecto va más allá de este CD. A medio plazo pretendo grabar los 43 tonos que contiene. Aquí van 14 y la idea es hacer dos discos más con otros instrumentos y otros cantantes, para mostrar las diversas posibilidades que hay de acercarse a este repertorio, los diferentes colores del continuo. El manuscrito nos da la opción de ser tocado solo con la guitarra o con el continuo o con una mezcla de ambos, y la idea es ver cómo funciona con esas diferentes opciones.

–¿Es música esta surgida del teatro?

–He trabajado mucho en el mundo del teatro, en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que es algo que me interesa muchísimo, y efectivamente todas estas canciones originalmente estaban insertas en comedias de Vélez de Guevara, de Zamora… Por los estudios de Lola Josa y Mariano Lambea sabemos que esto es casi una antología de tonos extraídos de comedias de la segunda mitad del XVII y principios del XVIII. Es un tipo de repertorio que me interesa explorar, para poner luz a esa música teatral del XVII de la que no nos ha llegado demasiado, porque no tenemos ni muchas óperas ni muchas zarzuelas.

–Antes se hacían casi siempre los mismos tonos humanos de Marín e Hidalgo. En los últimos años se ha producido una expansión del repertorio, ¿no cree?

–No se ha prestado mucha atención a la variedad de estas músicas, es verdad. Pasa algo parecido con la vihuela, que tenemos 710 piezas y se conocen realmente menos de 100. Siempre se da la vuelta a lo mismo. A los programadores les da miedo programar cosas diferentes. Los mismos intérpretes no se atreven a veces con el nuevo repertorio. Una de las cosas que más me ha interesado siempre es rescatar cosas, pero que tuvieran la misma calidad de lo que ya se conoce, porque rescatar música que no te ponga los vellos de punta no vale la pena. Antes te pagaban por grabar. Ahora tienes que pagar tú… así que tienes que pensarte muy bien lo que grabas. El rescate es algo que me apasiona, pero sólo vale la pena si es algo que de verdad te conmueve.

–¿Por qué esta elección de solistas?

–Si uno sólo mira los nombres, ya parece fantástico, pero es que tengo la suerte de que son mis amigos, casi que podrían ser mis hermanos. A veces coincides con compañeros que no sólo tienen la misma idea de la música, sino también la misma idea de la vida, y entonces todo se hace más fácil. Y es el caso. Ante las dificultades en una grabación todo se resuelve de manera serena, amistosa. Con Guillermo Turina grabé un CD de los hermanos Dupont, que coincidió también con la pandemia y a lo mejor ha tenido menos recorrido de lo que merecía. Corremos juntos la San Silvestre el 31 de diciembre. Nos llamamos habitualmente aunque no tengamos concierto. Y con Daniel pues lo mismo. Me iría con ellos de vacaciones. A María la conocí en un proyecto con Nereydas. Si me dieran a elegir a cualquier cantante del mundo para grabar esto, y me lo ofrecieran gratis, volvería a escogerla a ella. Lo que hace con la retórica del texto, la forma teatral de cantar, no le importa romper la voz, aunque quede más feo, si con eso pinta la palabra… es única. Además ya tengo una edad y si hago esto es para hacerlo con gente a la que quiero y con la que puedo disfrutar no sólo del resultado final, sino del camino.

[María Espada y Manuel Minguillón / JOSÉ ANTONIO ESCUDERO]

–Un violonchelista en la parte del continuo, ¿hay algo más que cuestiones de afinidad personal en esa elección?

–En las próximas grabaciones estará el arpa, cómo no va a estar el arpa en la música española del XVII, y también el órgano y el clave, pero quise empezar por aquí, con el violonchelo. Al tener una línea de bajo, la guitarra aporta armonía, ritmo, articulación, pero en las notas largas no podemos luchar con la cantante. Un bajo que pueda estar sostenido, incluso las imitaciones en el bajo de la voz, se escuchan más claramente en el violonchelo que en la guitarra. Luego, si como teclado usamos un órgano funciona bien, pero con el clave hay algún problema para escuchar a todos los instrumentos. En esta primera entrega quería que la guitarra fuera muy protagonista y no hubiera problemas de solapamiento. Y con el arpa pasa algo parecido. De las 14 canciones del disco, en 12 tenemos tablaturas. Cuando empecemos a hacer piezas en que no haya tablaturas será mucho más sencillo que el arpa y la guitarra dialoguen.

–Incluye una serie de interludios instrumentales, ¿el disco está concebido como un programa de concierto?

–Sí, ese es nuestro concierto. Llevábamos ya varios años haciendo conciertos con este programa.  Vas cambiando alguna cosita, pero básicamente ese es nuestro concierto, que además está montado como si fuera una pieza teatral, que es de donde viene este repertorio. Tenemos varias jornadas separadas por las piezas instrumentales, además en un crescendo, de los solos a una suite con música de Gaspar Sanz en las que ya entran el violonchelo y la percusión y luego otra suite hecha a partir de música de Facco con las piezas más rítmicas.

–¿La aparición del disco supone más conciertos?

–Es temprano, pero a partir del otoño sí lo espero. El disco lo grabo cuando ya está rodado. Es una manera de cerrar el proyecto, de dejar un legado. Por otro lado, es seguir diciéndoles a promotores y organizadores que seguimos aquí y estamos haciendo esto. Además, cuando hacemos conciertos, al público le gusta llevarse como recuerdo un disco que le puedas dedicar. Son los tres motivos fundamentales para seguir grabando discos.

–¿Es el único sitio donde se venden discos ya, los conciertos?

–Pues no sé qué decirle. Me acaba de decir Paco Moya que se ha agotado la tirada de mil discos que hicimos de Per voi ardo. Yo habré vendido unos 300, así que el resto se han vendido por web o pedidos de algunas tiendas; me sorprende un poco, porque son muchos. Vamos a sacar una nueva tirada.

–¿Vendiendo toda la tirada se amortiza el gasto?

–No. Con las ventas, no, se amortiza por los conciertos que te salen con el disco, eso sí. Pero eso es algo que no resulta fácil valorar, es un gota a gota que va dando sus frutos con el tiempo, y es difícil evaluar cuántos conciertos te han salido realmente por un disco. El programador ve lo que haces, la gente con la que grabas, sabe que estás activo… y eso va sumando, de forma indefinida pero suma. Si no grabas te salen menos conciertos, eso seguro. Para estar en el mundo tienes que grabar discos. Por otro lado, sin ayudas es difícil grabar, aquí tenemos la ayuda de la Comunidad de Madrid, que asume la mayor parte del gasto, si no, es casi imposible.

–¿Es el primer disco con el nombre de Collegium Musicum Madrid?

–Sí, en el de Carlos Mena sale el logo por detrás. Este es el primero en que sale el nombre del grupo en la portada, y la idea es que ya siempre sea así.

–¿Algún otro proyecto discográfico ya en mente?

–Hemos estrenado este año en Madrid el oratorio La Santissima Trinità de Alessandro Scarlatti y pensamos grabarlo con vistas a 2025. También tenemos un proyecto de cantatas a dúo con Jone Martínez y Lucía Caihuela y otro con Filippo Mineccia, un programa de cantatas napolitanas. Ahora mismo en lo que estamos es en seguir moviendo este programa a ver si hay suerte para los próximos festivales.

[Diario de Sevilla. 6-08-2023]

DICEN QUE HAY AMOR EN SPOTIFY

[javierdenoriega]

"Tu mio Dio che in duro legno" de Leonardo Leo (1694-1744)  COLLEGIUM MUSICUM MADRID. con Filippo Mineccia, Manuel Minguillon y Guillermo Turina  .

[architectnews]

Emilio Ambasz architect / engineer

Emilio Ambasz architect, University of Bologna News, Green Building Design

Emilio Ambasz architect honorary degree

14 June 2021

Emilio Ambasz Architecture News

Emilio Ambasz to receive an honorary degree from the University of Bologna (Italy)

Known as the trailblazer for “Green Architecture”, the architect/engineer who went against the grain in the ’70s by covering his buildings with greenery will receive an honorary degree in Building Engineering – Architecture from the University of Bologna.

photo : Wade-Zimmerman

The ceremony will take place on Friday 25 June, at 4.30 p.m., at the Church of Santa Cristina (Piazzetta Giorgio Morandi, 2 – Bologna), when Emilio Ambasz, the trailblazer for “Green Architecture”, will be awarded his honorary degree. After a welcome by the Rector Francesco Ubertini and the Head of the Architecture Department Fabrizio Ivan Apollonio, Emilio Ambasz will receive an honorary degree in Building Engineering – Architecture.  Closing the ceremony will be music from the Collegium Musicum Almae Matris.

Banca degli Occhi – Venice, Italy, 2009: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates

The University’s Architecture Department explained the reason for Emilio Ambasz’s recommendation to be awarded the honorary degree as follows: “The Argentinian architect and designer was, from 1969 to 1976 curator at the Department of Architecture at the Museum of Modern Art of New York. Ambasz’s distinctive style as a pioneer is a combination of buildings covered with gardens, which he describes as “green on grey”: he uniquely went against the grain of the post-modernist and de-constructionist trends of the ’70s, covering his architecture with greenery.

Botanical Center – San Antonio, Texas, USA, 1982: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates

As a designer Ambasz is constantly interested specifically in the relationships between anthropic space and natural space, and he adopted architectural and technological solutions that ensured his architecture was both highly integrated with its setting and improved the perceptual and habitational quality of the spaces. The intention, however, was not limited to the figurative dimension of the architectural results, but extended to the technological significance of the solutions, in terms of both construction feasibility and performance.”

ENI headquarters – Rome, Italy, 1998: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates

Ambasz has demonstrated his vocation in the field of industrial and mechanical design, where he has conducted his own personal research into the development of design components and products that have led to numerous patents in his name (more than 220). Interaction with the world of industrial processes, and more generally with the dimension of problem solving in engineering, is a distinctive feature of his work as a design engineer.

Born in Argentina (13 June 1943, Resistencia, Chaco), Emilio Ambasz is also a citizen of Spain by Royal Grant. He studied at Princeton University, where he completed the 4-year undergraduate degree course in one year and received a Master’s degree in Architecture from the same university the following year. He was curator of Architecture and Design at the Museum of Modern Art of New York (1969-76), where he headed and curated numerous architecture and industrial design exhibitions, including the legendary exhibition Italy: The New Domestic Landscape, in 1972 (bringing Italian design objects to the attention of the whole world); The Architecture of Luis Barragan, in 1974; and The Taxi Project, in 1976.

Ospedale dell’Angelo – Venice, Italy, 2008: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates

An honorary member of the American Institute of Architects and of the Royal Institute of British Architects, Ambasz has twice been president of the Architectural League (1981-85). He has taught at the School of Architecture at Princeton University as Philip Freneau Preceptor of Architecture and was a visiting professor at the Hochschule für Gestaltung in Ulm, Germany.

Some of the highlights among his architecture projects include the Grand Rapids Art Museum in Michigan, winner of the Progressive Architecture Award in 1976; the Casa de Retiro Espiritual in Seville, Spain, winner of the Progressive Architecture Award in 1980; the Conservatory of the San Antonio Botanical Garden in Texas, winner of the Progressive Architecture Award in 1985, of the National Glass Association Award for excellence in commercial design (1988) and of the Quaternario Award (1990); and the Acros centre in Fukuoka, Japan, which won the highly prestigious American Institute of Architects’ Business week/Architectural Record Award (2000) and first prize from the Architectural Institute of Japan (2001).

Italian Pavilion – Venice, Italy, 2021: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates

He also won First Prize and Gold Medal in the competition to design a master plan for the Universal Expo in 1992, held in Seville in Spain, to celebrate the 500th anniversary of the discovery of America. The headquarters he designed for the Financial Guaranty Insurance Company in New York won the Grand Prize at the International Interior Design Awards in the United Kingdom (1987), as well as the IDEA Award from the Industrial Designers Society of America in 1986.

He won first prize in the urban planning competition for the Eschenheimer Tower in Frankfurt, Germany (1986). His Banque Bruxelles Lambert in Lausanne, Switzerland, won the Annual Interiors Award (1983).

Ambasz represented the United States at the Biennale di Architettura in Venice in 1976.

Since 1980 Ambasz has been Chief Design Consultant for Cummins Engine Co. He has patented numerous industrial and mechanical designs, and his Vertebra chair – the first automatic ergonomic chair in the world, developed with G. Piretti, which triggered a new industry for the whole sector – is included in the design collections of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art, New York. MoMA also included his 3-D Geigy Graphics poster and his Flashlights lamp in its design collection.

ACROS centre Fukuoka, Kyushu Island, Japan, design by Emilio Ambasz: image courtesy of Emilio Ambasz & associates / ambasz.com

Important Emilio Ambasz solo exhibitions have been held all over the world, from MoMA in New York (twice) to the Milan Triennale (twice), to the Reina Sofia in Madrid, not to mention Tokyo, Geneva, Bordeaux, Zurich, Chicago, Philadelphia, Mexico City, San Diego and Saint Louis, celebrating his unique design, creative flair and moral commitment.

He has four Compassi d’Oro (1981, 1991, 2001, 2020 – the last one for his career), and he was named “Commander of the Order of the Star of Italy” in 2014, for “his contribution to Italian culture”. Ambasz has written numerous books on architecture and design, including Natural Architecture, Artificial Design, published for the first time by Electa in 2001 with an extended edition published four times since then.

Emilio Ambasz to receive an honorary degree from the University of Bologna images / information received 140621

Previously on e-architect:

Emilio Ambasz Architecture

Emilio Ambasz Research Institute at MoMA NY photos courtesy of Compasso d’Oro Emilio Ambasz Research Institute at MoMA NY

MoMA Emilio Ambasz Research Institute, New York, NY, USA photo courtesy of Emilio Ambasz & associates Emilio Ambasz Compasso d’Oro award

Emilio Ambasz award

ACROS centre, Fukuoka City, Kyushu Island, Japan Design: Emilio Ambasz Architect photo courtesy of Emilio Ambasz & associates Fukuoka’s ACROS centre by Emilio Ambasz

Italian Pavilion at the 17th International Architecture Exhibition Casa de Retiro Espiritual, 41880 El Ronquillo, Seville, Spain: photo courtesy of Emilio Ambasz & associates Italian Pavilion Venice Biennale 2021

Architecture

Emilio Ambasz Prize

Argentina

Argentina Architects

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[sanchezsacco]

Prohibe, que estimula!

Vieron lo que pasa cuando les prohíben mucho algo? Así nació mi historia con LA TELE y marcó mi futuro profesional.

En casa de mis padres, arquitecta e ingeniero setentistas, la TV era la “caja boba” que estupidizaba. Mi madre era la crítica más acérrima así que yo crecí jugando a Mis Ladrillos y sin ver TV. Con mi hermana menor aprovechábamos cualquier excusa para visitar a su madrina, vecina del edificio, que por supuesto tenía el aparato y mirábamos lo que cayera en suerte, desde ‘El pájaro canta hasta morir’ y ‘Lo que el viento se llevó’ hasta ‘Domingos para la juventud’ o ‘Marco Polo’. 

Lo mismo pasaba cuando dormía en casa de mis abuelos para estar a tiro del Collegium Musicum la mañana del sábado. ‘El capitán Piluso’, ‘Carozo y Narizota’, ‘Tarzán’, ‘El llanero solitario’, Darío Víttori. Además aprovechaba la biblioteca con las aventuras de Salgari, Verne y Alcott de la colección Robin Hood y en los cumpleaños de mi prima leía todas las historietas de Disney y Patoruzú porque, obvio, tampoco era bueno su consumo. 

Para que puedan terminar de visualizar el panorama, en medio de mi 11º cumpleaños y primer ‘asalto’ tuvimos que salir corriendo al Centro Cultural de Disco para comprar cassettes de Queen y The Beatles, porque todos los que teníamos eran de música clásica y, no daban para bailar rock.

Recién a los 15 logré que la TV ingresara al depto. Rechacé el regalo de la fiesta con el vals y pedí una Commodore 64 con un televisor como pantalla gracias a la excusa del alto precio de los monitores y la racionalísima funcionalidad 2x1. A partir de allí mi adolescencia no fue igual a la de mis compañero ‘normales’ de escuela pero tenía otro color. Entonces, esperábamos que nuestros progenitores se fueran y corríamos a prender la tele, bien atentas por si volvían a buscar algo, cosa que pasaba a menudo. El yeite era apagar el televisor a tiempo para que se enfriara antes que volviera mi vieja, porque le palpaba los tubos traseros para saber si mentíamos. Yo deglutía de todo y hasta las series policiales del mediodía y los partidos de tenis me hacían llegar tarde al secundario aunque quedara a la vuelta -el Pelle, donde al mismo descubría maravillada a Chaplin, Starkovsky, Buñuel. A partir de allí, la pelea ya no que nos dejaran ver o no TV, sino qué. La primera prohibición eran para las telenovelas y en su saco caían tooodas las ficciones seriadas. ‘Hombres de ley’ zafaba porque a mi viejo le interesa la temática pero ‘Pelito’ era imposible de filtrar y aprovechaba cualquier oportunidad para repetirnos con sorna que lo cambiáramos por un volumen de sociología.

Los test vocacionales del final de la secundaria me señalaron la carrera de Ciencias de la Comunicación (casi un promedio entre intereses tan disímiles como física y antropología). Hacia allí fui y la amé. Me especialicé en periodismo sobre medios y generamos varios emprendimientos con la revista Consignas como timón de proa, junto un hermoso equipo de compañeros de facultad, muchos hoy reconocidos periodistas, que hicieron allí primeras prácticas en el metier. En paralelo yo pasé por medios como las revistas Noticias, Ciudad B, los diarios Clarín, El Cronista, Perfil; un par de radios; di clases de investigación y de producción periodística y empecé a hacer prensa. Luego comencé a trabajar en la revista TVMás de Miami, escribiendo sobre televisión y así inauguré mi especialidad en industria audiovisual que luego se amplió al cine y los medios digitales. Vinieron las revistas VideoAge (NY), Produ (Miami), AreaVisual (Barcelona), Broadcaster (Uruguay), tres temporadas con ‘Detrás de la Pantalla’ en Radio UBA y estos últimos años Directores (DAC), Dossier, Fellinia y otras. Junto con las visitas a las ferias internacionales y locales de TV llegaron los eventos temáticos en cuya organización participé, desde la Cumbre Mundial de la Industria de la Telenovela en Miami, Barcelona, Madrid y el FyMTI en Punta del Este, MdQ, Baires. Paralelamente hice prensa de guionistas y directores -luchando por visibilizarlos frente al ensombrecimiento que les deparan los canales- y también a productoras, programas de TV y actores, además de otros rubros de espectáculos y cultura.

Pero lo más exótico fue cuando me invitaron a co-escribir el libro “Telenovela fabrika lubavi” (ed. Zoro) que viajamos a presentar en Sarajero y Mostar junto a Nora Mazziotti, un croata y una bosnia y se convirtió en el primer libro sobre telenovelas argentinas en Europa del Este. Finalmente mi madre se rindió ante lo irremediable y ella misma sumó la TV a su menú de programas de coliseos y cineclubes como otra “ventana al mundo” y muchas veces miramos tele juntas.

No me cabe ninguna duda de que la curiosidad que me llevó al disfrute, la búsqueda de conocimiento y el amor por la ficción audiovisual no habría determinado mi futuro profesional si la caja boba me hubiera acompañado desde la infancia como al resto de los niños ‘normales’, sin sentirme un poco bicho raro en la escuela aunque no lo desdeñara totalmente. Así que, queridos padres, ojo con lo que le prohíben a sus hijos! ;-).

Lorena Sánchez

21/11/17, en el Día Mundial de la TV.

[elmartillosinmetre]

Beethoven y los otros

[Juan Pérez Floristán será artista residente de la edición 37 del Femás. La foto es de Antonio del Junco]

En el 250 aniversario de su nacimiento, Beethoven se convierte en sorprendente protagonista del Festival de Música Antigua de Sevilla, que acaba de presentar su programación

El concepto de música antigua ha evolucionado notablemente desde los tiempos de los pioneros. Aunque en esencia se sigue considerando música antigua a la escrita antes de la muerte de Bach (1750), las prácticas de interpretación históricamente informadas, es decir, con estilo (e instrumentos) pretendidamente tomados de la época en que cada música fue concebida, llegan ya sin complejos hasta las primeras décadas del siglo XX. El Clasicismo y el primer Romanticismo es tierra ganada desde hace mucho por los historicistas. Y ello justifica que un músico como Beethoven pueda ser pieza fundamental de la programación de un festival de música antigua, como lo será de esta trigesimoséptima edición del Femás, que se celebrará en seis sedes de la ciudad del 13 de marzo al 1 de abril.

[Ian Bostridge. La foto es de Sim Cannety-Clarke]

Beethoven tendrá además un homenajeador principal, pues su triple presencia en la muestra está vinculada a la de Juan Pérez Floristán, el joven e inquieto pianista sevillano para quien se recupera la figura del artista residente. Siempre con un piano de época, Pérez Floristán abrirá el Femás con el Concierto nº4 que tocará junto a la Hofkapelle de Múnich; acompañará luego al extraordinario tenor británico Ian Bostridge que además de cantar a Beethoven (A la amada lejana, considerado el primer ciclo de lieder de la historia) hará El canto del cisne de Schubert; y cerrará su presencia como concertista con un recital de sonatas.

La figura de Beethoven, que en el concierto inaugural se juntará con la de Mozart, de quien se escuchará la más popular de sus sinfonías, la nº40, marca una edición del Femás en la que no faltan algunos grandes nombres internacionales de la interpretación. Grupo de muy notable calidad, quizá la Hofkapelle München no sea de las orquestas barrocas más celebres del momento, pero sí lo son Il Giardino Armonico y la Orquesta Barroca de Ámsterdam de Ton Koopman. Los italianos vendrán a hacer el programa de uno de sus últimos discos, La Morte della Ragione, un espectacular paseo, casi en formación de banda de vientos, por la música instrumental de los siglos XVI y XVII. Los holandeses traerán un clásico de los que nunca se marchitan, Una ofrenda musical de Bach.

Bach es, un año más, otro de los grandes protagonistas del certamen, no sólo porque se mantiene la costumbre de dedicarle uno de los domingos del festival (además del concierto de Koopman, la arpista Margret Köll le dedicará buena parte de su matinal), sino porque Lina Tur Bonet y Javier Núñez dedicarán su concierto a la música para violín de Sebastian y dos de sus hijos y, sobre todo, porque en la clausura el Maestranza será testigo de la monumental Misa en si menor, un evento de enorme interés, producción totalmente sevillana, que involucra a la Hermandad del Gran Poder y a La Caixa con la Orquesta Barroca de Sevilla, el Coro del Maestranza y un experimentado director alemán que ha trabajado ya con la OBS y en el teatro, Andreas Spering. Que una entidad del peso social e institucional de la Hermandad del Gran Poder se vincule así a un proyecto de estas características es una noticia extraordinaria para la cultura local.

[Il Giardino Armonico. La foto es de  Boguslaw Beszlej]

Entre los conjuntos extranjeros cabe documentar también el regreso de la Capella Neapolitana de Antonio Florio, que participó en el festival varios años cuando aún se hacía llamar Capella della Pietà de' Turchini. Como siempre han hecho, vienen con música de Nápoles, esta vez vinculada a la Semana Santa de finales del XVII. También regresa The Orlando Consort, el estupendo conjunto inglés de polifonía, después de su paso en 2016 para poner música en vivo a La Pasión de Juana de Arco de Dreyer. Su programa de este año será también heterodoxo, pues el cuarteto vocal masculino se une a tres especialistas en música hindú para un programa de música híbrida.

Será ese uno de los cuatro conciertos que se dediquen al V Centenario del viaje de Magallanes. En los otros, participa el ya conocido Euskal Barrokensemble de Enrike Solinís con música de su último álbum (Elkano) y debuta Constantinople, un conjunto canadiense fundado y dirigido por Kiya Tabassian, un músico iraní que para este proyecto se ha asociado al senegalés Ablaye Cissoko. También debuta en el Femás el Collegium Musicum Madrid con un programa en torno a los cancioneros españoles del Renacimiento.

[Kiya Tabassian. La foto es de Michael Slobodian]

La presencia española se refuerza con algunos clásicos como Al Ayre Español, que centrará su actuación en una figura central del Barroco hispano, José de Torres; Los Músicos de su Alteza, con un interesante programa en torno a la Verdad y la Vanidad, que incluirá música italiana y española; la Accademia del Piacere, que se irá esta vez hasta Inglaterra (Lágrimas de Dowland); La Real Cámara, que vuelve sobre música del jesuita sevillano Francisco José de Castro; y el conjunto hispanocanadiense de títeres Claroscuro, habitual del certamen, donde siempre ha dejado impronta de inteligencia y exquisito gusto.

Además, un grupo de músicos flamencos y catalanes vinculados al Festival de Música Antigua de los Pirineos hará música poco habitual de compositores catalanes y flamencos, y se presentarán dos jóvenes conjuntos que han logrado ya algunos importantes premios internacionales, La Vaghezza, ligado a la violonchelista Anastasia Baraviera, que hará un programa de música italiana del XVII, y Cantoría, estupendo conjunto vocal murciano forjado en la Esmuc, que se centrará en un género renacentista tan español como el de la ensalada. Buen provecho.

[Diario de Sevilla. 19-02-2020]

[javierdenoriega]

"E pazzo il mio core" de Barbara Strozzi por Collegium Musicum Madrid

[javierdenoriega]

Todos los bienes del Mundo de Juan del Encina. COLLEGIUM MUSICUM MADRID