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LA GENERACION DEL 98 Y EL CINE

El desgraciado siglo XIX español – mucho peor que el XX – tuvo como colofón el desastre de la perdida de las últimas colonias americanas y asiáticas de las que disponía nuestro país en una guerra desequilibrada con el naciente poderío de los Estados Unidos. Si a eso se le une la frustración nacional ante una situación política que, aunque había conseguido estabilidad, estaba basada en la corrupción del régimen de la Restauración y con una muy mala e injusta situación social, era normal que surgieran voces pidiendo una regeneración nacional. Era por tanto también normal que un grupo de escritores e intelectuales que todavía eran jóvenes en aquellos años, se unieran de forma espontánea para denunciar la situación, bien en ensayos o en obras de ficción. Todos ellos formaron lo que se llamó la Generación del 98. En 1913 Azorín fue el primero que acuñó esa denominación.

Como en todas las asociaciones no vinculadas a ningún documento fundacional existen dudas sobre los integrantes de la misma. Es interesante señalar la definición que Ortega y Gasset hace de “generación” en 1923: “Una generación es una variedad humana, en el sentido riguroso que dan a este término los naturalistas. Los miembros de ella vienen al mundo dotados de ciertos caracteres típicos, que les prestan fisonomía común, diferenciándolos de la generación anterior. Dentro de ese marco de identidad pueden ser los individuos del más diverso temple, hasta el punto de que, habiendo de vivir los unos junto a los otros, a fuer de contemporáneos, se sienten a veces como antagonistas”. Si nos atenemos a esa definición podemos seleccionar a los integrantes del 98 por encima de algunas listas cuando menos dudosas. El canon podría corresponder a: Miguel de Unamuno, Ángel Ganivet, Valle-Inclán, Pío Baroja, Ricardo Baroja, Azorín, Ramiro de Maeztu, Manuel Machado, Antonio Machado, Francisco Villaespesa y Gabriel y Galán

En un sentido estricto no se puede aceptar a los Hermanos Álvarez Quintero, a Carlos Arniches, a Blasco Ibáñez o a Jacinto Benavente como en algunas listas aparecen, aunque es necesario señalar que las obras de estos autores han sido llevadas al cine en una cantidad mucho mayor que los que se aceptan canónicamente como del 98 (en el caso de Arniches con unas 40 películas).

Posiblemente haya sido Rafael Utrera quien mejor ha estudiado la relación entre el cine y los escritores de la Generación del 98 (Modernismo y 98 frente a Cinematógrafo; 8 calas cinematográficas en la literatura de la Generación del 98). Otro estudioso del tema como José Antonio Pérez Millán nos acercó en su día a los temas y autores de esa generación que habían sido llevados al cine (La Generación del 98 y el cine español).

Mientras que los representantes de la generación del 27 se encontraron ante el hecho cierto de una cinematografía bien asentada en la sociedad y convertida ya en espectáculo de masas (según Molina Foix los del 27 se rindieron a la “magia del cine), para los representantes del 98 el cinematógrafo no pasaba de ser un invento científico (recordemos que para los propios Lumiére a su invento no le veían mayor utilidad que la puramente científica) y les dolía que en algunas ocasiones se comenzara a comparar el cine con el teatro. A pesar de ello hubo en el 98 algún ferviente defensor y aficionado al cine en contraposición con la mayoría de los opuestos a esa innovación técnica a la que le negaban toda proyección artística.

Azorín fue, sin duda, el más cercano al cine, desde sus artículos iniciales hasta su conversión en un asiduo espectador en el Madrid de las sesiones dobles. Azorín incorpora el ensayo cinematográfico a la literatura del 98 y hace de la “cinografía” un medio para modernizar el teatro. En el otro extremo podemos situar a Unamuno y a uno de los Machado.

Unamuno ve aspectos negativos en el cine por su influencia en la juventud y la moralidad. Por otro lado, su trayectoria estuvo siempre marcado por el enfrentamiento entre naturaleza y civilización (“Que inventen ellos”) hasta el punto de ser reticente al uso de la máquina de escribir. Por tanto, no es de extrañar que se sintiese ajeno y hasta asustado ante el nuevo medio de comunicación. No obstante, dedicó un par de artículos al cine en sendas diatribas con Ortega y Gasset.

Unamuno no creía que su obra fuese objeto de llevarse a la pantalla; decía que “peliculear” una novela no sería otra cosa que despellejarla: “Yo he escrito algunas novelas y cuentos y dramas que no creo que tengan nada de peliculables; pero si algún cinematografista se le ocurriera sacar de alguno de ellos una película -que yo no iría a ver-, no creería que me debía más que un pintor que hiciese un cuadro representando a uno de sus personajes o escenas”. El bueno de don Miguel no podía sospechar que tras su muerte cinco de sus libros serían llevados al cine.

Los Machado sostuvieron posturas encontradas con respecto al cine como en tantas otras cosas (aunque esto no es del todo cierto al menos en lo político, contra lo que se nos ha hecho creer).

Mientras que Manuel fue un defensor del cine, al menos hasta bien entrado el sonoro, Antonio despotricó de forma estentórea contra el cinematógrafo tanto por voz propia como por su alter ego, Juan de Mairena. Manuel defiende el cinematógrafo como espectáculo y como documento histórico, considerándolo un medio con capacidad de expresión propia. Tanto en su poesía (“En el cinematógrafo de mi memoria tengo…”) como en sus artículos habla y defiende el cine a lo largo de la etapa muda. En los últimos años del cine silente y sobre todo a raíz de la llegada del sonoro, Manuel se va desencantando y alejando del cine. En un reportaje de 1933 sobre el teatro en el que entrevistan a ambos hermanos aparece una mención sobre el cine en estos términos: “La acción, en verdad, ha sido casi expulsada de la pantalla, donde alcanza su máxima expresión y, digámoslo también, su reducción al absurdo, a la ñoñez puramente cinética. (...) El cine nos enseña cómo el hombre que entra por una chimenea sale por un balcón y se zambulle después en un estanque; lo cual no tiene para nosotros más interés que una bola de billar rebotando en las bandas de la mesa”. 

La respuesta es evidente que debía pertenecer más a Antonio que a Manuel pues el autor de Campos de Castilla se mostró desde sus inicios beligerante frente al cine con términos muy duros, desde “ese invento de Satanás” o más delicados como "el movimiento no es estéticamente nada", bien fuera en palabras suyas o por medio de Juan de Mairena. Antonio tuvo también sus sombras totalitarias y cinéfobas cuando afirmó que “el día en que haya en Europa dictadores con sentido común, se llenarán los presidios de cineastas”. Una opinión que luego matizó diciendo que “esto era un decir, claro está, de Juan de Mairena para impresionar a sus alumnos”.

Tampoco podía pensar don Antonio que varias de sus obras escritas al alimón con su hermano iban a ser llevadas al cine tras la muerte de ambos.

Al contradictorio don Pío Baroja lo encontramos en un terreno intermedio entre los autores que expresaron filia o fobia con respecto al cine, pero la peculiar trayectoria de este autor, su gran legado literario y alguna de las películas basadas en sus obras, me hacen detenerme con más profundidad en el escritor vasco como ya vimos en otro capítulo.

Es curioso que los dramas de la Generación del 98 no serían buscados por el cine hasta bien pasada la muerte de todos los autores (salvo en el caso de Pio Baroja). De los escritores señalados en este capítulo se pueden destacar las siguientes versiones de sus obras:

-AZORÍN: 

La guerrilla (1973, Rafael Gil)

-PIO BAROJA: 

Al Hollywood madrileño (1927, Manuel M. Sobrevila)

Zalacaín el aventurero (1929, Francisco Camacho)

Las inquietudes de Shanti Andía (1946, Arturo Ruiz Castillo) 

Zalacaín el aventurero (1954, Juan de Orduña) 

La busca (1964, Angelino Fons)

-RICARDO BAROJA: 

La nao Capitana (1947, Florián Rey)

-MANUEL y ANTONIO MACHADO: 

La Lola se va a los puertos (1947, Juan de Orduña)

La duquesa de Benamejí (1949, Luis Lucia)

La laguna negra (1952, Arturo Ruiz Castillo)

La Lola se va a los puertos (1993, Josefina Molina)

 -UNAMUNO: 

Abel Sánchez (1946, Carlos Serrano de Osma)

La tía Tula (1964, Miguel Picazo)

Nada menos que todo un hombre (1971, Rafael Gil)

Las cuatro novias de Augusto Pérez (1975, José Jara)

Acto de posesión (1977, Javier Aguirre) 

 -VALLE INCLÁN: 

Sonatas (1958, Juan A. Bardem)                                                             Flor de santidad (1972, Adolfo Marsillach)

Beatriz (1976, Gonzalo Suárez)

Luces de bohemia (1985, Miguel Ángel Trujillo)

Divinas palabras (1987, José Luis García Sánchez)

Tirano Banderas (1993, José Luis García Sánchez).

6/12/2023

[ojodefi]

ドールズ

(2002) dir. Takeshi Kitano

★★★★☆

Takeshi Kitano presenta por primera vez su película, Dolls, en la 59ª edición del Festival internacional de Venecia; una película sobre tres historias separadas que se entrelazan, como las cuerdas que sostienen las marionetas de bunraku. La primera sobre Matsumoto (Hidetoshi Nishijima) y la difícil relación con su comprometida, Sawako (Miho Kanno). La segunda trata de Nukui (Tsutomu Takeshige), un hombre que está obsesionado con la cantante Haruna (Kyoko Fukada). Por último, la tercera sobre Hiro (Tatsuya Mihashi), un hombre que trabaja para la mafia japonesa y se reencuentra con su amada (Chieko Matsubara) de la juventud. 

Dolls es una película realmente hermosa, desde su bella cinematografía —realizada por Katsumi Yanagishima— que logra capturar perfectamente la estética de los personajes siguiendo una paleta de color rica y vibrante, con tonos rojos asombrosos, al igual que la complejidad de las relaciones mostradas en pantalla. De la misma forma, su gran uso del simbolismo eleva la historia, relacionando la dinámica de los personajes con el arte tradicional japonés.

Una historia trágica, con tonos agridulces que desgarra a los personajes al igual que al espectador; la manera que se contrastan los aspectos estéticos con la tragedia que viven todos estos personajes está muy bien planteado y desarrollado. Definitivamente exploraré más del cine de Kitano tras haber disfrutado tanto de su obra maestra. 

[limerencia-de-la-ataraxia]

—¿Qué es lo que estás haciendo?

Joon no contesta. Está concentrado, pero tampoco quiere hablar de más, porque no le gusta y no lo ve necesario. Y continuaría así, sin hacerlo, si no fuera porque esa presencia curiosa llevaba ya horas rondando, viendo, preguntando e insistiendo.

—Tú... —responde al sentir que se acerca demasiado. No necesita verlo, la cercanía es lo suficiente intrusiva como para predecirlo—. ¿Sabes qué día es hoy?

—Mh... ¿El día de arruinar papel.

El otro se encoje después de la imprudencia. Obtiene por fin la mirada del alfa, como si lo quisiera matar, pero no lo quiere matar. Sino porque tiene razón, había arruinado otro papel; esta vez por la tinta que se escurrió por culpa de uno de sus brazos. Ya otros más habían quedado rotos, o porque simplemente las letras no habían quedado lo suficientemente centradas o parejas.

Dobla el papel inservible y toma de nuevo otro más.

—Vamos, no estás siendo muy amigable con el medio ambiente hoy. Piensa en cuantos árboles ya se talaron por tu culpa.

—Cállate.

Tiene ese gesto como si se encontrara haciendo la acción más detallada del mundo, aunque era algo sencillo.

—Bueno, no me has dicho qué se supone que hay hoy. —Parecía venir con más curiosidad, sentándose ahora frente a Joon.

—Es treinta.

—¿Y qué hay con eso?

—No es cualquier día, deberías saberlo. Todos deberían saberlo.

El Omega hace una mueca que refleja su confusión, después toma su teléfono y comienza a teclear en el buscador.

—Veamos... según san Google: «se conmemora el Día Internacional del Cine Indio para celebrar la contribución de la nación asiática a la cinematografía mundial, la mayor productora de películas al año en el mundo» —lee tal cuál se encontró. Ahora más extrañado—. ¿Es por eso? Irás algún evento o algo así, no pareces amante del cine.

Joon niega, ciertamente fastidiado de que obstruyan su paz.

—No, eso es algo insignificante. No es eso.

El intruso frunce el entrecejo, parece no darse por vencido, pero sí caer ante la curiosidad. O quizá es porque nunca antes había mantenido una conversación tan larga con el alfa. Siempre eran respuesta concretas y que no dejaban que pudieses agregar más para alargar, pero esa vez, parecía sí querer hacerlo.

—Ah, dice también que es el día de Santa Judit... ¿Judit? Que bonito nombre —pronuncia el nombre mal con un acento gracioso típico coreano al enfrentar palabras extranjeras—. Qué hizo ella... —Opta por seguir leyendo.

—Fue una mujer judía. Decapitó al general del bando contrario después de seducirlo, para que los judíos ganaran.

—Woah. Que mujer tan impresionante.

Joon reacciona con desinterés y regresa a completar las palabras que le faltan en el papel.

—Pero, supongo que tampoco es eso. Entonces, ¿Qué? ¿Qué pasa el treinta?

Las manos del Omega están sobre la mesa, cuidando de no meterse con el lugar de trabajo del alfa, pero está levemente inclinando, con los ojos abiertos y notablemente más curioso. El silencio de Joon no le ayudaba, así que insistía sin despegar la mirada. Y funciona, porque a Joon no le gusta que lo miren mientras está concentrado.

—Pasan muchas cosas. Han pasado muchas cosas a lo largo de los años.

—Cómo qué.

Joon oye esa voz de emoción y suspira.

—En mil novecientos noventa y dos, Vladimir Lenin proclama el establecimiento de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas. Mil novecientos setenta y dos, se detienen los bombardeos en Vietnam del Norte y anuncian conversaciones de paz.

—Vaya, ¡Esas son cosas muy importantes!

El alfa se estira en su lugar y eleva un poco el rostro.

—Mil novecientos dieciocho: se funda el Partido Comunista de Alemania. Mil novecientos cuarenta y ocho: se estrena el primer musical en ganar un premio Tony.

—Oh, me encantan los musicales. ¿Cuál fue?

—Kiss me, Kate.

—Ah... No lo conozco. Qué más.

—En mil novecientos ochenta y nueve: se aprueba un cambio de sistema político y económico y concluye la reforma constitucional, eso fue en Polonia. Mil novecientos noventa y tres: Israel y la Santa Sede firman en Jerusalén un acuerdo histórico de reconocimiento mutuo. Mh... Y en mil novecientos cincuenta y tres sacaron a la venta el primer televisor a color.

—¡Hace más de sesenta años!

—Sí y costaba alrededor de mil ciento setenta y cinco dólares.

—Oh dios, que caro. Considerando que debe ser una caja enorme.

Asiente, el omega parece emocionado, pero Joon ya no quiere perder más el tiempo, menos al ver la hora en su teléfono. Ya tenía que irse si quería alcanzar a llegar, el recorrido desde su universidad hasta aquella privada era algo largo.

—Y entre todo eso, ¿Qué es lo que llama tu atención? Digo, todo eran cosas muy importantes.

—Lo más importante de todo no está en ningún libro, menos en un sitio web.

El Omega inclina la cabeza hacia un lado con intriga, gesto típico de los omegas caninos.

—Qué es.

—Un día muy importante.

Se levanta después de terminar su papel y sin aclarar ninguna duda comienza a guardar sus cosas y limpiar el lugar.

El otro clava su vista leyendo el cartel terminado. Quiere reírse pues vio cuánto le costó poner esas escasas letras ahí, solo cinco palabras que al alfa casi le costó la vida para plasmarlas.

—Ah... Era eso, ¿Por qué no solo me dijo? Feliz día de...

Trató de acercarse al moreno, topandose con su espalda y dándose un golpe contra ésta.

—Lo siento —Se disculpa sin ganas, el otro tenía la culpa por solo haberse apresurado contra su apurado cuerpo—. Debo irme.

Sale disparado si es que se podía llamar así, el alfa siempre se ve calmado, aunque prácticamente trate de correr.

La escuela pública de Seúl en la que está matriculado se encuentra a las afueras de la ciudad, mientras que las de su omega, una institución de renombre, justo en el centro. Llegar era un camino largo, pero nada que Joon no tuviese calculado.

En realidad no le gustaba ir ahí. Siempre solía esperarle afuera del campus, donde menos flujo de personas hubiese y se escuchara tranquilidad. Así que, es su primera vez dentro.

Tantas personas y voces, pero su destino solo es la facultad de derecho. Sabe que ha llegado al lugar indicado cuando ve a personas dentro de atuendos más formales y se lo confirma el suave olor de su omega, que solo es tan dulce para él.

Puede verle, pero el omega no parece percatarse y Joon sabe manejar muy bien su olor, ya sea para pasar desapercibido o para intimidar en gran medida.

Camina hacia él y le bloquea el paso. Apenas un roce de ambos cuerpos.

—Ehg.

Joon sonríe. Está cubriendo su cara con el cartel, algo grande por cierto. Puede incluso imaginarse la cara de su omega, y esos ojos de muerte que debe tener combinandose con la expresión de repulsión y desagrado.

El Omega trata de caminar de nuevo y Joon se mueve también. Siente que en cualquier rato le dará un manotazo al cartel y se pondrá a la defensiva. Joon conoce bien como reacciona cuando alguien viola su espacio personal; maldecidos los pocos que se han atrevido.

—Mira, si no te alejas unos mil kilómetros de mí...

—Cálmate Dann. Mira que es el día de los abrazos. No seas así.

Se escucha de uno de sus acompañantes, que le parece graciosa aquella escena. Mencionando aquello, porque sí, justo eso decía el cartel: «Feliz día de los abrazos».

—No, amigo. Intenta con otra persona. A Dann no le gusta que lo toquen. —Le advierte un tercero, que también le hacía compañía.

Lo siguiente que pasó, hace creer a todos que aquello puede terminar en genocidio.

Ven como el tipo alto con su ridículo cartel, lo baja y sin más abraza al arisco Omega. Fuerte y firme, rodeándole la cintura y atrayendo su cuerpo cerca, muy cerca.

Y esperaban un golpe, pero la respuesta del omega es un abrazo correspondido. Aferrándose de la camisa del alto alfa, de la parte de la espalda y escondiendo el rostro en el pecho. Se había percatado del olor de su alfa, así que no necesitó más para suavizarse y querer seguir oliendo.

—Qué es ésto. —Escucha su voz, baja, pero sin dejar de ser firme.

—Un abrazo.

—O sea sí... Pero esto. —Trata de bajar la vista al cartel, Joon sonríe.

—Un cartel —responde con obviedad.

Siente la irritación en el omega, en su olor y en como trata de separarse del abrazo, pero Joon solo lo afianza más.

—¡Pero qué significa!

—Nada. Es el día de los abrazos, tú lo has leído. Es solo un abrazo.

—Joo...

—Sh. Solo un abrazo normal.

Aunque aquel no era el día de los abrazos. Tampoco era importante por todos esos hechos históricos ni religiosos, ni los santos de Honorio, Marcelo, Rogerio de Cannas, Raúl, Sabino, Severo o a quién más se le antojase aparecer.

Aquel día era maravilloso y especial, simplemente por su mera presencia. Y un día en el que Joon puede agradecer su existencia. Que nada fue diferente, que no pudo ser otro día, si no el exacto para coincidir caminos, para entrelazar manos y compartir pensamientos.

Un treinta de diciembre de mil novecientos noventa y cinco. Que no, no está escrito en ningún libro, pero está marcado en la alma de Joon.

Felicidades.

[chilangopost]

Grandes películas asiáticas que necesitas en tu vida

Crouching Tiger, Hidden Dragon (Taiwán, 2000)

Dirección: Ang Lee

Género: Acción, Drama y Romance

IMDB: 8.0

Rotten Tomatoes: 97%

En China en el S. XVIII, un guerrero le otorga una espada mágica al amor de su vida y se la roban. La búsqueda de esta herramienta lo encamina a la Casa de Yu, en donde la historia toma otra dirección introduciéndonos al mundo de un misterioso asesino y otra historia de amor. Si eres nuevo en la cinematografía asiática, es una gran película para darle entrada a este universo. Es una cinta legendaria de Ang Lee, quién también creó Life Of Pi en el 2012.  

Hero (China, 2002) 

Dirección: Zhang Yimou

Género: Acción, Aventura, HIstoria

IMDB: 7.9

Rotten Tomatoes: 95%

Cuando China estaba dividida en siete reinos que se enfrentaron entre sí para conseguir la hegemonía, la miseria y la muerte asolaron el país. Unos monarcas intentaron asesinar al rey Qin, quien vivía obsesionado con la idea de unificar China y convertirse en el primer Emperador. Entre los asesinos contratados, los más temibles eran Espada Rota, Nieve Volante y Cielo. Qin promete poder, riquezas y una audiencia privada a quien consiga vencer a los tres sicarios, pero es una tarea casi imposible. De modo que, cuando el enigmático "Sin Nombre" llega al palacio con las legendarias armas de los asesinos, el rey se muestra impaciente por oír su historia.

The Host (Corea del Sur, 2006)

Dirección: Bon Joon-ho

Género: Drama, horror, Sci-Fi

IMDB: 7.0

Rotten Tomatoes: 92%

Del director de Okja nace el relato de un monstruo emerge del río Han de Seúl y enfoca su atención en atacar a la gente. La familia de una víctima hace lo que sea para encontrarla. No es la típica película de monstruos, es una cinta super bien actuada y dirigida.

Confessions (Japón, 2010)

Dirección: Tetsuya Nakashima

Género: Drama, Thriller

IMDB: 7.8

Rotten Tomatoes: 81%

Un thriller psicológico en donde la premisa va de una maestra que agoniza la muerte de su hija, aparentemente muere ahogada en la alberca del instituto. Ella se encarga de confesarle a sus alumnos el último día de clases que sabe que fue asesinada por dos estudiantes de su misma clase. Avisa que ya ha puesto en marcha su venganza contra ellos. Sinceramente puedes odiar o amar esta película.

Oldboy (Corea del Sur, 2003)

Dirección: Park Chan-Wook

Género: Drama, misterio, thriller.

IMDB: 8.4

Rotten Tomatoes: 80%

Dae-Su es un hombre problemático que es secuestrado y permanece 15 años en un cuarto donde por las noches lo drogan hasta dejarlo inconsciente. Su única compañía es una televisión. Después de ser liberado sin explicación alguna, los que fueron parte de su secuestro, lo invitan a encontrar a su capturador, ¿pero por qué razón?. Una de las películas más perturbadoras de Park Chan -Wook (Stoker). No necesita más explicación. Imperdible.

Mother (Corea del Sur, 2009)

Dirección: Bon Joon-ho

Género: Drama, Crimen, Misterio

IMDB: 7.8

Rotten Tomatoes: 95%

Una viuda reside en la desafiante y peligrosa mentalidad de su hijo en un pequeño pueblo de Corea del Sur. Un día, aparece una joven muerta en un edificio abandonado. Por el historial que carga y por evidencias circunstanciales , el hijo es el primer sospechoso de esta muerte La madre intenta defenderlo a toda costa y limpiar su nombre. Una película devastadora que no es predecible y nada aburrida. Fué seleccionada por Corea del Sur como candidata al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa.

Memories of Murder (Corea del Sur, 2003)

Dirección: Bon Jon-ho

Género: Crimen, Drama, Misterio

IMDB: 8.1

Rotten Tomatoes: 89%

En 1986, en la provincia de Gyunggi (Corea del Sur), una mujer es encontrada muerta, violada y atada con su ropa interior. Park Doo-Man y Cho Yong-koo son los inútiles detectives sin técnica que se dedican a investigar el caso. Usan brutales métodos torturando a cualquier sospechoso evidentemente sin ningún resultado. El especializado detective Seo Tae-yoon de Seúl va al pueblo a apoyar el caso y está convencido de que todo esto se trata de un asesino serial. Cuando encuentran a una tercera mujer muerta con el mismo “modus operandi”, los detectives empiezan a encontrar más pistas. no estés esperando una película de acción o una sçúper inteligencia de Sherlock Holmes, simplemente es una real visión de detectives resolviendo casos de asesinato.

The Raid: Redemption (Indonesia, 2011)

Dirección: Gareth Evans

Género: Crimen, Acción, Thriller.

IMDB: 7.6

Rotten Tomatoes: 85%

Todos en Jakarta saben que en los barrios bajos de la ciudad existe un edificio que sirve de refugio para los criminales más peligrosos de Indonesia. Algo así como una fortaleza del mal cuya leyenda crece día a día y a la que incluso la policía teme acercarse. A pesar de esto, un grupo de fuerzas especiales de élite intentará derribar sus defensas y penetrar en sus entrañas. Pero la operación no sale según lo previsto, y los policías se encontrarán atrapados en el edificio, sin escapatoria posible y rodeados de asesinos y gángsters. Una de las mejores películas de acción perteneciente de Indonesia, no usan el típico kung-fu o artes marciales chinos. utilizan el Silat (arte marcial indonesio). Es muy diferente a cualquier película de acción de esta índole.

I Saw the Devil (Corea del Sur, 2010)

Dirección: Kim-Jee woon

Género: Acción, Crimen, Drama

IMDB: 7.8

Rotten Tomatoes: 80%

Jang Kyung-chul (Choi Min-sik) es un psicópata asesino serial. Sólo mata a mujeres y niños y su forma es extremadamente diabólica, la policía lleva mucho tiempo buscándolo sin éxito. Un día la hija del policía retirado Jay-Yeon se convierte en su presa y la encuentran muerta y en un estado terrorífico. El noviode esta presa, quien es un agente secreto, jura matarlo y hacer todo lo que queda en su poder para vengar su muerte. Una película perturbadora, prepárate para ver una película sangrienta y violenta, si no estás en el mood, no la veas.

[davidparadinas]

El conjunto de las películas españolas exhibidas en el extranjero en 2017 ha alcanzado una recaudación de 96.709.468 euros frente a los 80.951.788 euros el año anterior.

“Contratiempo“, de Oriol Paulo; el thriller protagonizado por los actores Bárbara Lennie y Mario Casas, ha sido todo un bombazo en las taquillas.... ASIÁTICAS. Y es que en China es dónde más ha triunfado (y están) las películas europeas. 

El éxito de Contratiempo, la cual ya ha recaudado un total de 179 millones de yuanes (23 millones de euros) se debe a la tendencia actual en el panorama internacional con películas españolas. Ya como vaticinaron otros compañeros en distintas noticias, el cine español ha pasado de ser “malo“ a “notable“. 

Estados Unidos y China están siendo los mercados más relevantes de las películas europeas.

“Un monstruo viene a verme“ (J.A.Bayona); “La Promesa“ (T.George) y “Lo que verdad importa“ (P. Arango) estas películas, junto a Contratiempo son (según los datos del Ministerio de Cultura que se han publicado en la web del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales) las películas españolas más taquilleras en el mercado chino, todas con una recaudación en taquilla mayor a los 5 millones de euros, el boom del cine español .... ¿ya está aquí? 2018 dará de que hablar.

[cinedel1al1001]

995. 괴물 / Gwoemul (2006) 

Y llegamos a la última película de miedo de la Lista. También es la última peli asiática y la última de 2006. Esto se acaba, gente.

Unos científicos vierten 200 botes de formol por el desagüe y, años después, una criatura gigantesca emerge del río Han. Park Gang-du y su familia son atacados y la pequeña Hyun-seo es apresada por el monstruo. El resto de la cinta se centra en los esfuerzos de Gang-du por recuperar a su hija.

En conjunto es una película entretenida pero muy irregular. Para empezar la premisa es ridícula y un plagio de otras películas del género como Godzilla y demás. Hay quién ve en ellas un mensaje ecologista alertando del peligro de los residuos y la contaminación. Personalmente, creo que este tipo de historias le hacen un flaco favor a la causa (¿os imagináis advirtiendo a Trump de que si no cumple los Acuerdos de París un bicho gigante saldrá del Potomac y se lo comerá? Hum, igual se lo cree.). Por otro lado, la trama respecto al encubrimiento del Gobierno no tiene ni pies ni cabeza ya que el bicho no surgió de ningún experimento ilegal y no tiene sentido que se dediquen tantos recursos a ocultar un caso de contaminación acuífera (y eso asumiendo que alguien fuera capaz de sumar 2 y 2 y relacionar el vertido con la repentina aparición de la bestia).

El ritmo es otro aspecto negativo. Después de la impactante introducción de la criatura en una escena deliciosamente caótica y repleta de acción, los personajes se quedan sin nada que hacer durante la mayor parte de la película. Deambulan de un lado para otro, yendo y viniendo del río sin que la historia evolucione en ningún sentido. Además, los protagonistas son demasiado extrambóticos como para resultar realistas y cercanos. Aparte del obvio amor del padre por su hija pocas más emociones transpiran. La parte final vuelve a recuperar el ritmo y el final es emotivo. Sin embargo, para entonces ya estás mirando el reloj.

Sí es cierto que la criatura merece algo de crédito. A pesar de su descomunal tamaño, se mueve con gran agilidad y la fusión entre la imagen CGI y la cinematografía real es casi perfecta. No obstante, teniendo en cuenta que su producción fue posterior a la trilogía de El Señor de los Anillos -964- este aspecto es difícilmente rompedor.

En definitiva, una peli para pasar el rato pero que se olvida con facilidad.

19 de Noviembre de 2017

[lanetasiempre]

Ya la hemos visto entrevistando a otros influencers como Dross Rotzank en su canal de YouTube o posando en Instagram para sus más de 16.2 mil seguidores. Pero Rebeca González, mejor conocida en sus redes sociales como Redmich, aún tiene mucho por contarnos, como cuáles son sus metas en la vida, cómo se ve a sí misma en un futuro, e incluso todas sus habilidades y actividades en las que participa.

Aquí en La Neta te mostramos mucho más de lo que esta influencer pelirroja mexicana que está causando furor en las redes sociales, nos reveló en entrevista exclusiva.

Y es que en las redes sociales solo vemos una pequeña parte de la vida de las personas, así que Redmich nos reveló, que su verdadero nombre es Rebeca Michelle González, tiene 22 años, es licenciada en Mercadotecnia y Publicidad. Actualmente está estudiando la maestría en Cinematografía con especialidad en Dirección Cinematográfica. Su objetivo es que México brille aún más que en la época del cine de oro mexicano.

Redmich háblanos un poco más de ti.

Soy una chica un poco rara y distraída, con gran afición a la cultura asiática. Amo el maquillaje, sus rolas, el cosplay y hasta aprendí artes marciales coreanas, porque soy verdaderamente una fan.

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¡Qué increíble! ¿Qué tipo de artes marciales prácticas? ¿Cómo consideras que se te da?

Se me da muy bien, ya que soy campeona estatal en Hapkido. Próximamente competiré en el mundial que se llevará a cabo en alguna parte de Rusia. Y bueno, cuando me enfoco en algo, trato de dar lo mejor de mí.

Si quieres ser uno de nuestros influencers haz clic aquí     

Competir en otro país e incluso en otro continente es algo extraordinario, pero ¿cómo llegó una practicante de Hapkido a las redes sociales y, sobre todo, a convertirse en una influencer?

Me gustan las redes sociales porque son para expresarse y ser la persona que quieras ser. De hecho, puedes desde modelar hasta aventarle la madre a alguien si deseas ¡jajaja!

¿Qué puedo decir? La libertad de expresión es fundamental.

${INSTAGRAM:B9qyBNiB8Va}

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¿Y crees que las redes sociales le han brindado nuevas oportunidades a tu vida?

Últimamente se me ha dado por subir fotos de modelaje a Instagram. Tanto así que una agencia de modelos se acercó a mí y me habló de la idea de participar en un certamen estatal, para representar a alguno de los estados designados para un nacional.

Empecé a entrenar muy duro para poder competir y ganar el primer lugar. Actualmente soy representante estatal de Sinaloa, quedando de onceavo lugar en mi participación a nivel nacional.

${INSTAGRAM:B78hMhhhG3w}

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¡Las redes sociales realmente brindan oportunidades únicas! Y ganar un certamen de belleza es un gran logro, pero ¿te has sentido juzgada por esto?

Algunas personas me tachan de la mentada “Barbie” o, mejor aún, la “Barbie Otaku”. Pero es que en realidad tú puedes ser lo que quieras ser y no dejes que nadie te diga lo contrario.

Por ejemplo, hice un casting para una serie dirigida a Netflix y mi sorpresa fue quedar en el papel, así que próximamente me verán ahí.

Netflix es, en definitiva, una plataforma en la que muchos quisieran participar, y que tú seas una de ellos es súper, ¿podrías comentarnos más sobre este proyecto?

No puedo hablar mucho del tema, pero sé que le gustará bastante a la gente.

Eres muy joven para todos los logros que has alcanzado, ¿podrías compartirnos el secreto para tener éxito en las redes sociales?

El secreto para triunfar en redes sociales es ser auténtico y vivir sin miedos, ¿qué no te das cuenta de que uno empieza a vivir siempre es cuando deja de temer a morir?

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Una frase bastante acertada y muy filosófica, ¿no es así?

Sí, adivinaste. También me gusta una que otra personal del mundo filosófico. Si tuviera que elegir a un camarada para tomar el té, sería el loquillo del señor Orson Welles.

¿Algún mensaje que le quieras dejar a tus seguidores?

Los invito a todos a utilizar la plataforma TikTok, a que me sigan ahí @redmich ya que la comunidad está creciendo muy rápido a niveles diabólicos. En general, te invito a que sigas todas mis locuras y aventuritas extrañas, pero sobre todo a crear las tuyas.

También quisiera decir que si las cosas fueran fáciles, cualquiera las haría, así que aprovecha al máximo tus capacidades y nunca dejes de luchar por lo que quieres. Ten fe en ti mismo, porque con el tiempo todos la tendrán en ti. Xoxo, ¡namasté!

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via La Neta – La comunidad más grande de influencers emergentes y creadores en español

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El audiovisual chileno busca en Italia aprovechar su buen momento

Roma, 22 oct (EFE).- La producción audiovisual chilena ha llegado a Italia en busca de alianzas de coproducción a través del mercado Mia Market, donde el dulce momento internacional de su cinematografía ya ha empezado a abrirle puertas en ese país. Picardía Films, Parox, Villano y Manufactura de Películas son las cuatro productoras que, coordinadas por la agencia público-privada CinemaChile, dieron constancia este fin de semana de la fortaleza del cine chileno en su primera presencia en el mercado internacional Mia. Macarena López, de la productora Manufactura de Películas, refirió a Efe que en el cine chileno actual hay "una calidad y un nivel de dirección muy interesante" porque "está sabiendo contar las historias tomando riesgos audiovisuales y creativos sin hacerlo de espaldas al público". Y ello "encontrando el perfecto equilibrio entre lo comercial y lo artístico (...) que es como el santo grial de la producción", explicó López, quien cree que las nuevas generaciones chilenas "tienen la capacidad" de hacer películas "notables desde el punto de vista de la taquilla, pero que no sean alienadas de la audiencia". CinemaChile, dirigida por Constanza Arena, fue protagonista del mercado Mia por representar "una de las más prometedoras industrias televisivas y cinematográficas de América Latina", en palabras de la organización del Mia Market. Además, en el evento de presentación de la agencia chilena, el presidente de la fundación Roma Lazio Film Commission, Luciano Sovena, llamó a los productores italianos a favorecer el rodaje de trabajos chilenos gracias al buen momento por el que estos pasan. No en vano, en estos días se estrena en los cines italianos "Una mujer fantástica", dirigida por el chileno Sebastián Lelio, un hecho que López señala como "ejemplo del buen momento que está teniendo el cine chileno a nivel internacional". Además, citó a Paulina García, Alfredo Castro o Luis Gnecco como "un elenco de actores reconocido a nivel internacional" que hace que "el interés por el contenido chileno se multiplique". Un buen ejemplo del éxito de la delegación chilena en Roma es la venta a Sky TV de la serie "Los fusileros", de la productora Villano, dirigida por Juan Pablo Sallato, que confirmó a Efe que se emitirá en Italia a final de año. Mia Market, que comenzó el pasado jueves y terminó hoy, se celebró en distintos cines y edificios del centro de Roma, donde más de mil personas acreditadas procedentes de casi sesenta países establecen contactos para encontrar alianzas con las que coproducir productos audiovisuales. Leonora González, productora de Parox, agregó que este primer encuentro fue "superinteresante" para CinemaChile para "entender cómo funciona este mercado, cuáles son las cosas que se pueden traer y distribuir por Italia" y comprobar que los proyectos chilenos "están a la altura de esta plataforma". "Las productoras italianas tienen un tamaño muy preciso: ni tan grande que no te permita acceder a lo que estás buscando (...) ni tan pequeño como para que sea irrelevante", es decir el ideal para los primeros contactos de coproducción, explicó López. "En mercados más grandes es difícil hacer foco en el tipo de contenidos que nosotros hemos decidido desarrollar en nuestra compañía", añadió Sergio Gándara, también de la productora Parox, que comentó la "confiabilidad" que está adquiriendo el cine chileno. "Aquí está invitada toda la industria europea que hace foco en lo que exactamente nosotros queremos hacer: series de televisión de alto impacto de producción", dijo Sergio Gándar, también de Parox. Uno de los productos presentados por Parox es "Evasión", que narra la historia de un grupo de presos chilenos que logra construir un túnel y escapar de la cárcel justo antes de la vuelta a la democracia. También de temática política es "El gol más triste", producido por Manufactura de Películas, que narra el partido que la selección chilena jugó sin rival para la clasificación del mundial de Alemania de 1974. La Unión Soviética se negó a jugar en el Estadio Nacional chileno un par de meses después del golpe de Estado del general Pinochet, en septiembre de 1973, y durante el que ese recinto se había convertido en lugar de detención y tortura. Por ello la selección chilena saltó al césped sin rival sacó del centro y marco un solo gol simbólico. Por su parte, Picardía Films presentó, entre otros proyectos, la comedia "Se busca novio... para mi mujer", dirigida y producida por Diego Rougier y que tras convertirse en la película más vista en Chile del año busca distribución europea. La próxima meta de CinemaChile será el TIFFCOM, el mercado audiovisual de Tokio, donde Chile representará al cine latinoamericano junto a Brasil del 24 al 26 de octubre. A este respecto, los productores coincidieron en que las diferencias culturales, al contrario que una barrera, pueden suponer una ventaja, ya que hay "una generación que está creciendo con una influencia asiática más fuerte que la europea". EFE

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Cinematografías Asiáticas

El cine asiático de los 90 y 00 incluye películas de directores mundialmente reconocidos como Tran Anh Hung, Kim Ki-duk, Tsai Ming-Liang y Takeshi Kitano. Los filmes dirigidos por estos directores son muy diferentes, contando historias de diferentes clases sociales, culturas y países. No obstante todas estas películas siguen varios patrones que las relacionan como la importancia de la cultura, la crítica contra la sociedad, cinematografías impresionantes, tragedia y el voyeurismo.

En concreto, quisiera explorar cómo estas películas hacen uso del voyeurismo y rompen las barreras de intimidad. Especialmente Tsai Ming-Liang con todas las películas que yo he visto, incluyendo The River (1997) y Stray Dogs (2013). Se juega de tal forma que la cinematografía, junto con el trabajo actoral, se exploran las acciones y costumbres cotidianas de los personajes, incluyendo momentos que suelen ser censurados pero que, de alguna forma, se aprecian aunque incomoden al espectador. 

Aunque se nota la apreciación al cine clásico, especialmente en 3-Iron donde se utiliza el silencio como un método de comunicación —acordémonos del cine silente—, considero que esta ruptura de intimidad presenta un gran salto en el modernismo por que, si pensamos en el cine clásico, muchas de las actividades cotidianas se suelen no mostrar, especialmente cuando es el papel de la mujer puesto que la sociedad tiene una idealización construida previamente donde son vistas como muñecas perfectas.

Asimismo, he notado que muchas de estas películas aprovechan de los contrastes, como por ejemplo las diferencias de clases sociales, el cambio de ritmo con la musicalización y hasta el contraste en la paleta de colores. 

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天邊一朵雲

(2005) dir. Tsai Ming-liang

★★★☆☆

El sabor de la sandía es una de las películas más conocidas y controversiales del director taiwanés Tsai Ming-liang; cuenta la historia de un actor de cine pornográfico llamado Hsiao-Kang (Lee Kang-sheng) y su relación con Shiang-chyi (Chen Shiang-chyi), que ya se conocían previamente en la película anterior de Tsai de 2001 llamada ¿Qué hora es?. En la película, Taiwán se ve afectado por escasez de agua entonces suben las ventas de las sandías. 

La película es muy controversial puesto que juega con temas que suelen ser censurados como el sexo, la pornografía y lo tabú. Al igual que otras películas del cine asiático, El sabor de la sandía explora el voyeurismo, de esta forma incomodando al espectador y explotando con la intimidad de los personajes. Tsai Ming-liang experimenta con elementos simbólicos para contar una historia muy gráfica que parece ser una parodia sobre la sexualidad y la objetificación sexual de la mujer. 

También, el filme utiliza la musicalización como un método para contrastar las situaciones dentro de la película, rompiendo el ritmo, elevando el contexto de las partes claves de ésta y a la vez apuntando la ridiculez entre el sexo y los musicales. La unión entre la música con la explicitud de las escenas sexuales, crean una metáfora que rompe con las reglas y lo absurdo; de algún modo El sabor de la sandía es el epítome de la estética camp. Esto también me recordó a la película del 72 dirigida por John Waters llamada Pink Flamingos, que también trata con temas crudos, tabú y hasta ofensivos. 

Por último, la sandía representa muchas cosas en la película, siendo el símbolo más importante; representa la supervivencia, teniendo que sustituir el agua con sandía para vivir, al igual que la sexualidad, como un afrodisiaco que relaciona a las personas.

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青少年哪吒

(1992) dir. Tsai Ming-Liang

★★★½☆

Antes de El sabor de la sandía, Tsai Ming-Liang dirigió Rebels of the Neon God en 1992, una película sobre Hsiao-Kang (Lee Kang-Sheng), el hijo de un taxista que busca venganza contra dos hombres que vandalizaron el coche de su padre y se enamora de Ah Tze (Chen Chao-jung). 

La película muestra temas muy importantes como la madurez, lealtad, crimen y sexualidad, donde se presenta a un joven que se ve obligado a madurar para poder sobrevivir en Taipei. 

Asimismo, Tsai prioriza el valor de la ciudad como un personaje de la trama, igual de importante que los ciudadanos, usando composiciones cinematográficas que ayudan a que el espectador se pueda familiarizar más con la cultura y estructura de la capital. 

Tsai y Liao Pen-jung —cinematógrafo de la película— se toman el tiempo de apreciar y darle aún más importancia a la ciudad donde se encuentran los personajes; se presentan tomas que muestran la cotidianidad del taiwanés, especialmente explorando la cultura de los jóvenes como las locaciones donde suelen reunirse. 

Considero que este cuidado al detalle y apreciación al paisaje de cemento hace que la película tenga un aire documental así agregando un valor auténtico y orgánico a todos los ingredientes que crean a Rebels of the Neon God.

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Xích Lô

(1995) dir. Tran Anh Hung

★★★½☆

La secuela de la trilogía de Tran Anh Hung —después de El aroma de la papaya verde (1993) y antes de En pleno verano (2000)— trata de un joven cyclo (Le Van Loc) que trabaja como taxista de bicicleta y se encuentra en un punto muy difícil de su vida, no tiene suficiente dinero para ayudar a su familia que son sus dos hermanas y abuelo y, desafortunadamente, cae en las manos de una pandilla de Ho Chi Minh City. 

Aunque la película es bastante directa, tiene varios puntos muy complejos puesto que se discuten temas como la salud mental y las alucinaciones y cómo estas van deteriorando a lo largo de la película. El espectador ve cómo, gradualmente, los personajes de el conductor, la hermana (Tran Nu Yen Khe) y el poeta (Tony Leung Chiu-wai) van perdiendo sus mentes y capacidades a través de eventos traumáticos y crudos que comparten los sentimientos de los personajes con el espectador. 

En muchas películas asiáticas se ve perfectamente como el uso de la cinematografía y el trabajo actoral se acoplan de una forma espectacular para mostrar el filme y, sin quedarse atrás, Cyclo es uno de los mejores ejemplos de esto; el compromiso de Delhomme (que también se encargó de la cinematografía de El aroma de la papaya verde) y Laurence Trémolet es muy bello, de alguna forma, mostrando las batallas que los actores transmiten de una forma muy estilizada y con una estética clara. Aunque los personajes parecen vivir dentro de una pesadilla durante casi todo Cyclo, también es fascinante cómo maduran y/o reaccionan a estas situaciones. 

Esta película también es un estilo de coming of age donde vemos al conductor madurar y tener que lidiar con las realidades que se tienen que vivir bajo el comando de una pandilla criminal, experimentando cosas nuevas como las drogas, armas, y acciones ilegales en general. Vemos claramente a un joven que tuvo que crecer y madurar más rápido que otras personas de su edad ya que no tiene padres y se ve obligado a ser controlado por otras personas.

Para concluir, es realmente admirable el compromiso que tiene Tran Anh Hung con hacer una película experimental; el director presenta a un Vietnam como un lugar extremadamente exótico, desde sus costumbres sociales y culturales al igual que personal y aunque es parte de su mundialmente reconocida trilogía, también podría ser su propia película, sin el apoyo de ninguna otra puesto que juega con varios elementos innovadores para el cine vietnamita y presenta un estilo hermoso y a la vez desgarrador. 

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Mùi đu đủ xanh

(1993) dir. Tran Anh Hung

★★★★☆

El aroma de la papaya verde es el primer filme dirigido por Tran Anh Hung y el inicio de su conocida trilogía que incluye a Cyclo (1995) y En pleno verano (2000). La película trata sobre la infancia y juventud de Mùi (Lu Man San y Tran Nu Yên-Khê), una huérfana que trabaja como sirvienta para una familia rica, cuando es pequeña y para una pareja cuando es grande. La historia es situada en Saigon, la capital de Vietnam. 

Actualmente conocida como una de las películas vietnamitas más exitosas, El aroma de la papaya verde es, de verdad, una película hermosa desde sus tomas, realizadas por el cinematógrafo francés Benoît Delhomme, hasta su contexto, peso histórico y social. Se puede notar fácilmente el cuidado de detalle al ver la escenografía, props y vestuario, elementos que hacen que el filme sea tan bello. Especialmente, las secuencias donde se cocina o se come; la comida es algo que une a la familia y definen a las personas y es algo sumamente importante en la cultura vietnamita puesto que la comida es una de las ramas culturales mejor conocidas del país. 

Tran Anh Hung junto con Delhomme logran capturar excelentemente todos estos ingredientes que construyen a la persona vietnamita, el espectador sentirá hambre y/o calor durante momentos claves gracias a la belleza de la cinematografía y diseño sonoro de la cinta. Hasta la paleta de color parece ser muy vietnamita, un ambiente acogedor que abraza al espectador. 

Algo más que quisiera agregar es que, aunque la película no es nada pesada, de hecho es fácil de digerir y entender, se debe valorar el sutil uso de la metáfora en El aroma de la papaya verde; a lo largo de la película vemos como esta papaya está madurando, la papaya es Mùi. La película es un coming of age, logramos apreciar la madurez de la joven, la forma que se relaciona con la familia que trabaja y cómo aprende a cocinar para poder trabajar sin la ayuda de nadie. En la última toma, nos muestran a Mùi en su punto más alto de madurez: está embarazada, puede leer, tiene dinero y lleva un vestido amarillo, el mismo color que una papaya madura.

Finalmente, creo que todos podemos ver lo excelente y fantástica que es la película, no cabe duda que merecía los dos premios de Cannes que obtuvo y la nominación a Mejor Película Extranjera en los premios Óscar.

[cinedel1al1001]

830. 牯嶺街少年殺人事件 / Gǔlǐng jiē shàonián shārén shìjiàn (1991) 

Esta cinta viene a confirmar lo que sospechaba desde hace tiempo: el cine taiwanés es probablemente el más lento de la cinematografía asiática. Lo cierto es que tras las épicas 4 horas de este (bien llamado) largometraje no sería capaz de detallar más de 3 ó 4 eventos notables de la trama.

Ésta gira en torno a un joven, perteneciente a una familia de exiliados de la China continental, y sus problemas con las bandas juveniles de su colegio. También hay otras tramas que afectan a otros miembros de la familia (como la corrupción política del padre); pero todas se tratan con el mismo desapasionamiento que la trama principal.

Si éste fuera un film occidental realmente no sería más que otra copia de Rebelde Sin Causa -296-; pero, sin duda, el cambio de localización debe traer aparejadas refencias a temas taiwaneses que al público occidental se le escapan. De nuevo, ha sido imposible para mí detectar cuándo los personajes hablaban mandarín y cuando el idioma local - un detalle no menor cuando se trata la discriminación y el sectarismo.

En general, resulta una odisea mantener la atención en la película. El reparto es mayoritariamente amateur y las interpretaciones son tan contenidas que no transmiten apenas emociones. No sólo es que el ritmo sea lento, es que los clímax dramáticos se tratan con la misma desafección que los interludios. El resultado es una monotona sucesión de diálogos subtitulados a la velocidad del rayo (por la propia naturaleza concisa de los idiomas asiáticos y la extensión de los idiomas escritos occidentales).

En fin, otra película que requiere una determinación que no está dispuesta a recompensar.

7 de Junio de 2017