#cine húngaro

[dosartistas]

(vía István Orosz y la paradoja visual - PaulaMastraPaulaMastra)

István Orosz es un artista húngaro pintor, grabador, ilustrador, diseñador gráfico y director de cine de animación. 

[blogdojuanesteves]

FORMA REFORMA > Fernando Santos

O fotógrafo paulista Fernando Santos, após experiências passadas com pintura, marchetaria, cerâmica, escultura, conservação e restauro de obras de arte, como escreve o editor e curador paulista Eder Chiodetto "segue criando instâncias de reflexão sobre a faculdade do olhar, desta vez centrado na forma como deciframos a ilusão construtiva das imagens pelos aparatos fotográficos." É o que ele mostra em seu primeiro livro Forma Reforma (Fotô Editoral, 2022). Explica também o curador, que o artista busca fundar novas percepções visuais ao rearranjar a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.

Forma Reforma é uma síntese de imagens que nos levam diretamente ao corolário modernista brasileiro, com certa dose construtivista, entre outros movimentos, onde podemos encontrar filigranas de autores como o carioca José Oiticica Filho (1906-1964) entomólogo e fotógrafo, Geraldo de Barros (1923-1998), fotógrafo, pintor e designer paulista ( a nos lembrar de sua série Formas e Fotoformas. leia aqui review  https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/150170667411/geraldo-de-barros-fotoformas-e-sobras) igualmente nos aproximando dos clássicos surrealistas como o americano Man Ray (1890- 1976) com suas experiências sem câmara e arranhando as projeções e sombras da artista gaúcha Regina Silveira, além do húngaro László Moholy-Nagy (1895-1946), mestre da Bauhaus  e também construtivista, artista ao qual Chiodetto faz referência em seu texto.

Na perspectiva do curador, esmiuçando alguns de seus detalhes:  " Uma apara de papel fina, longa e com dobraduras imprecisas, interceptada a caminho do lixo pelo artista, ganha o protagonismo num plano horizontal monocromático - esse local inerte, o ponto zero a partir do qual espocam os gatilhos criativos de Santos. A apara, amparada pelo plano, vê seu corpo esguio e desleixado sensualizar-se. Formas rebeldes que ora tocam, ora se distanciam do plano reto, ganham volume e volúpia. Figura e fundo criam artífices e segredam deleites formais. O artista entra em jogo e habilmente lança um foco de luz."

Fernando Santos com seu belo livro consegue manter um perfil autoral, ainda que identifiquemos estas inúmeras referências, o que é intrínseco à boa arte fotográfica. Em seu progresso enxergamos uma função ontológica calcada nos metadados que insere em suas imagens, ora com papéis cortados em formas geométricas, esculturas de arame, certas assemblages ou fusões quiméricas.

É preciso lembrar que a retomada mais ampla dos modernos  dá-se a partir de 2006, com a exposição Fotoclubismo Brasileiro, no Museu da Imagem e do Som (MIS) de São Paulo, que mostrou recortes como a Retrospectiva Fotoclubistas Brasileiros dos anos 1940 a 1970, a exposição do acervo do Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB) no Museu de Arte de São Paulo (MASP) em 2016 com curadoria da artista mineira Rosângela Rennó e seu respectivo livro; o aumento da coleção Moderna para sempre do  Itaú Cultural, depositados no livro Foto Cine Clube Bandeirante: Itinerários globais, estéticas em transformação publicado pela Almeida & Dale Galeria de Arte,em 2022,  com curadoria do paulistano Iatã Cannabrava e o curador cubano José Antonio Navarrete, fundamentais para a legitimação da fotografia mais abstrata, distante dos perfis mais convencionais e essencialmente como prática artística. 

Neste sentido o trabalho de Santos dá continuidade a este movimento adicionando outras interpretações de sua lavra trabalhando com suas próprias referências e mantendo sua independência autoral, "investigando as fissuras das representações imagéticas visando desconstruir um jogo ilusório" como bem escreve Chiodetto em seu texto no livro. Uma busca por novas percepções visuais que rearranja a lógica que move objetos ordinários e suas representações performativas.

Na sua performatividade enxergamos o mover e ser movido por pulsões espaciais, entre matéria em movimento e imobilidade, amoldando-se a  princípios somáticos, uma espécie de alegoria quando o autor cria suas abstrações primárias, como a formatação da escultura de arame para depois ser fotografada. O elemento estático destes que ganham movimento em suas estruturas, refletidas nas fotografias ou nas inúmeras representações gráficas que compõem o livro, onde vemos certo pluralismo proposto pelo autor.

Para Santos, escreve o editor,  a fotografia é um veículo paralisante que visa cristalizar os movimentos que ele impulsiona entre eventos escultóricos e gestos performáticos. Por meio do jogo fotográfico, o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc.) e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos. Movimentos esses que surgem na ressurreição dos objetos já cancelados em seus usos na sociedade e findam, sem acabar, no momento em que são iluminados na ribalta planificada do artista para, assim, saltarem do ordinário para o extraordinário."

Mesmo não sendo mais possível considerar a natureza em si como um objeto da fotografia, a necessidade de discuti-la e manuseá-la engendra o caminho do autor. O que nos leva a pensar no livro Ponto e linha sobre o plano (WMF Martins Fontes, 2012)  publicado em 1926 pelo artista moscovita Wassily Kandinsky (1866-1944) não somente por algumas imagens de Fernando Santos serem assemelhadas a do autor russo, mas porque está conectado a sua teoria da Forma, que concebia, como necessidade, a elaboração de uma estrutura lógica para atingir a ressonância interior na construção da abstração. Embora o genial artista não tenha pensado exatamente na fotografia, podemos fazer esse paralelo com a pintura e suas referências que deságuam nas suas significâncias subjetivas.

Voltando a Chiodetto, "Ainda que as câmeras fotográficas tenham desde sua origem adotado os parâmetros da perspectiva renascentista e com isso criando ilusões especulares que nos levam a intuir distâncias entre planos e pontos de fuga em um suporte bidimensional, as fotografias são um constructo que tentam em vão mimetizar a experiência do olhar." Entretanto é notável que o autor subverte essa ordem ao propor uma diferente ótica em suas construções, como suas figuras que formatam camadas óticas sustentadas por um diacronismo expresso em suas tessituras cujos elementos plásticos são o resultado mais evidente.

Por meio do jogo fotográfico, escreve o curador, "o artista gera mutações que impactam e problematizam ao mesmo tempo três linguagens com as hipóteses que ele propõe em seu palco de representações: aplaina a tridimensionalidade do objeto-escultura, furta o movimento coreográfico e performático que anima seus personagens ordinários (aparas de papel, arames, pedaços de vidro etc. e, por fim, o processo finaliza-se com a criação de fotografias que se esgueiram entre ser um documento da experiência ou obras acabadas que encapsulam todos esses movimentos."

Mas, estas experiências mais do que interessantes, ainda assim propõem ao leitor o lugar do fotógrafo: testemunhar suas cenas ou ceder à ilusão de contemplar a proposta do autor e seus efeitos. Se no conceito abstrato a representação das imagens é distanciada da realidade, interpretamos aqui a "forma" como a capacidade da obra permitir observações diversas em relação a sentimentos e emoções. Vemos no livro elementos cuja formatação é regida pela figuração, com objetos reconhecíveis e uma proposta mais objetiva, que paradoxalmente nos levam ao modelo renascentista ressignificado por artistas na vanguarda de escolas como Vkhutemas e Bauhaus, com artistas que reconhecemos neste livro, como o russo Aleksandr Rodchenko (1891-1956) ou na obra do já citado Moholy-Nagy.

Imagens © Fernando Santos.   © Juan Esteves

Infos básicas:

Concepção e fotografias: Fernando Santos

Edição: Eder Chiodetto e Fabiana Bruno

Coordenação: Elaine Pessoa

Projeto gráfico; Rafael Simões

Tratamento de imagens: José Fujocka

Impressão: Ipsis Gráfica e Editora

Edição de 500 exemplares

como adquirir: https://fotoeditorial.com/produto/forma-reforma/

[pop-sesivo]

El primer zombi suelto en Hollywood

Por Gonzalo Jiménez

Los zombis, tal como los conocemos, son una creación de George A. Romero. Ese es el canon que, de alguna manera, ha imperado en Hollywood desde que Romero dirigiera en 1968 La noche de los muertos vivientes. Los zombis en Romero no guardan relación con el mito haitiano, salvo en el detalle de que son muertos reanimados; pero su origen es la radiación de un satélite que cayó del espacio.

El zombi ya posee entidad como uno de los monstruos clásicos del cine; hasta puede hablarse de un género de películas. Los muchos fanáticos de los filmes y series de TV sobre zombis ignoran cuál fue el primer gran éxito que el tema tuvo en Hollywood: un largometraje que había sido olvidado durante décadas hasta que la TV lo rescató en los años 60 y volvió a ser apreciado por una nueva generación. Esta es la historia de ese filme, White Zombie (La legión de los hombres sin alma, 1932).

Parte de la razón para que White Zombie no tuviera el estatus de otros clásicos del cine de horror como Drácula o Frankenstein (ambas de 1931) es que White Zombie es un filme independiente, financiado por un pequeño estudio de cine, Halperin Productions, que formaba parte de la llamada Poverty Row, que era como se designaba a los estudios menores que operaban independientemente en Hollywood, como Monogram, Majestic, Mascot y Puritan, entre muchos otros, que ya no existen y pocos recuerdan ya.

Según indica el libro Forgotten Horrors (Midnight Marquee Press. Baltimore, 1999), de George Turner y Michael Price, la palabra “zombie” fue introducida ante grandes audiencias en Estados Unidos con el libro sobre vudú haitiano The Magic Island, de William Seabrook. El concepto luego llegó al teatro, con la obra Zombie, que produjo Kenneth Webb en Nueva York y se estrenó en febrero de 1931. Sólo se ofrecieron 21 funciones de esa pieza. Curiosamente, Webb amenazó con demandar en marzo de ese año a los productores Edward y Víctor Halperin cuando estos anunciaron que iniciarían el rodaje de una película llamada White Zombie.

La historia de los hermanos Halperin es singular. Ambos arribaron a Hollywood a comienzos de la década de 1920. Tenían formación universitaria e inclinaciones por el teatro. Juntos produjeron una docena de películas mudas para los estudios First National, United Artists y Vitagraph; casi todas melodramas. Nada presagiaba que les interesaría incursionar en el género del cine de terror.

Los hermanos tenían una obsesión: encontrar una aproximación científica a la forma de hacer cine. En pocas palabras, teorizaban sobre hallar una fórmula que garantizara en 100% el éxito de una película. Sus análisis de filmes exitosos los condujo a preguntarse por qué funcionaban en la taquilla Drácula (Universal) o Dr. Jekyll y Mr. Hyde (Paramount). Los Halperin (Víctor siempre dirigió y Edward era el productor) concluyeron que los diálogos debían limitarse al 15% del filme y que el resto debía ser pura acción.

Esta aproximación a la trama también se reflejó en su manera de hacer cine. White Zombie se completó en apenas 11 días de rodaje. Víctor Halperin y Garnett Weston escribieron el guión, con la asesoría del sargento Faustin Wirkus, otrora administrador de la isla de La Gonave, frente a Haití. El presupuesto fue de 65.000 dólares, aportados por la empresa Amusement Securities Corp. y por el productor independiente Phil Goldstone. Y como estrellas del filme se contrataron a Madge Bellamy (actriz del cine mudo que anhelaba un regreso triunfal) y Bela Lugosi, fresco del éxito de taquilla obtenido en Drácula y Murders of the Rue Morgue. En algunos libros se indica que Bela Lugosi sólo recibió 800 dólares como pago por White Zombie (en el libro Forgotten Horrors se indica que fueron 500 dólares por una semana de trabajo), pero cuesta creer que, si bien era una producción independiente, el actor húngaro se tranzara por esa cifra. Madge Bellamy, por ejemplo, comentó que le pagaron 5.000 dólares por su papel, que es estrictamente secundario frente al de Lugosi.

Lo cierto es que White Zombie en absoluto luce como una película barata. Sin duda, los diálogos y ciertos aspectos de la trama han envejecido mal. Pero todavía sorprende la dirección de fotografía de Arthur Martinelli (de lejos, lo mejor de la película). El filme se rodó en los escenarios de los estudios Universal, por lo que los hermanos Halperin le sacaron provecho a los decorados de primer nivel de la empresa; el director de arte fue Ralph Berger, quien comisionó a la empresa Howard Anderson Co. para hacer los efectos especiales y los trucos de cámara, que simulaban escenarios inmensos. Por ejemplo, el interior del castillo de Murder Legendre (Lugosi) fue usado en Drácula y en El jorobado de Nuestra Señora de París.

Jack Pierce, creador del legendario maquillaje de la criatura de Frankenstein, hizo el maquillaje de los zombis en la película, así como del personaje de Bela Lugosi, Murder Legendre. Lugosi creó con Legendre uno de sus villanos más memorables. No sólo era una cuestión de maquillaje; ayudó también los acercamientos que la cámara hacía de su rostro. Legendre crea zombis a través de la magia negra para valerse de mano de obra que trabaje sin parar en su molino de caña. Pero los zombis a los que hace alusión el título del filme son seis hombres blancos, que fueron enemigos de Legendre y éste los transformó en muertos vivientes: Latour, el brujo antiguo mentor de Legendre; Von Gelder, un terrateniente adinerado; Víctor Trischer, ministro del Interior; Scarpia, oficial del ejército; Marquis, capitán de la policía; y Chauvin, el verdugo de la isla.

White Zombie, pese a sus limitaciones, probó ser un éxito en la taquilla y eventualmente, con el paso del tiempo, encontró defensores en los espacios menos esperados, como en el del músico (y ahora cineasta) Rob Zombie, quien bautizó a su primera banda con el título del filme. En YouTube es posible ver la película completa. Una curiosidad, para quienes son fanáticos del género de horror.

(Publicado originalmente el 11 de diciembre de 2012 en el blog de los Hermanos Chang).

[romanalfonsogodoydelacroix]

Marton Csokas

actor neozelandés

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Marton Csokas (n. Invercargill, Southland; 30 de junio de 1966) es un actor húngaro-neozelandés, pues nació en Nueva Zelanda, pero es hijo de padre húngaro. Reside de manera habitual en los Estados Unidos.

Marton Csokas

Marton Csokas en una fotografía de estudio.

Información personalNacimiento30 de junio de 1966 (57 años)

 InvercargillResidenciaEstados Unidos NacionalidadHúngara y neozelandesaEducaciónEducado en

Toi Whakaari (Diploma in Professional Drama (Acting); hasta 1989)

Toi Whakaari (Bachelor of Performing Arts (Acting)) 

Información profesionalOcupaciónActor, actor de cine y actor de televisión Años activodesde 1990

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En 1989 terminó sus estudios en la New Zealand Drama School. Desde entonces ha aparecido en numerosas obras de teatro, pero se hizo conocido como Borias, Tarlus y Khrafstar.

Apareció en las series de televisión Hercules: The Legendary Journeys y Xena: la princesa guerrera.

Hasta ahora ha actuado en: Jack Brown Genius (1994), Broken English (1996), Hurrah (1998), xXx (2003), la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos (2001 - 2002 - 2003), El reino de los cielos (2005), Æon Flux (2005) y Romulus, My Father (2007).

[viecome]

Béla Tarr, figura esencial del cine europeo: "Antes creía que el mal era social, hoy pienso que es cosmológico”

El cineasta húngaro Béla Tarr durante el acto celebrado este martes en Barcelona en la Filmoteca de Cataluña. Foto: EFE/ Marta Pérez El prestigioso cineasta húngaro, responsable de ‘Sátántangó’ o ‘El caballo de Turín’ y premio honorífico de la Academia de Cine Europeo, visita Barcelona y repasa los entresijos de su carrera. Origen: Béla Tarr, figura esencial del cine europeo: “Antes creía que…

[barcelonarealmadrideuroligaveron]

¿Cuál es la posición actual del equipo húngaro en la clasificación de la Fórmula 1 para la temporada 2024?

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¿Cuál es la posición actual del equipo húngaro en la clasificación de la Fórmula 1 para la temporada 2024?

Posición actual del equipo húngaro

El equipo húngaro de fútbol ha estado atravesando una fase interesante en su posición actual. En los últimos años, el fútbol húngaro ha experimentado altibajos, pero actualmente muestra signos de resurgimiento y promesa.

A nivel internacional, la selección nacional de Hungría ha logrado destacar en algunas competiciones importantes, como la Eurocopa y las eliminatorias para la Copa del Mundo. Aunque no han alcanzado los niveles de éxito de décadas pasadas, han demostrado ser un equipo competitivo y capaz de desafiar a rivales de renombre.

En cuanto a los clubes húngaros, también han mostrado mejoras en su desempeño. Equipos como el Ferencvárosi TC y el Fehérvár FC han logrado destacar en competiciones europeas, ganando reconocimiento y respeto en el continente.

A nivel nacional, la liga húngara sigue siendo altamente competitiva, con varios equipos luchando por el título cada temporada. Si bien clubes como el Ferencvárosi TC han dominado en años recientes, otros equipos están emergiendo como contendientes serios, lo que añade emoción y rivalidad al campeonato.

Además, el desarrollo de jóvenes talentos en Hungría es un aspecto prometedor para el futuro del fútbol en el país. Las academias de fútbol y los programas de desarrollo están trabajando arduamente para cultivar la próxima generación de estrellas, lo que augura un futuro brillante para el equipo nacional y los clubes húngaros.

En resumen, la posición actual del equipo húngaro de fútbol es una mezcla de progreso, competencia y potencial. Con un enfoque en el desarrollo continuo y la mejora del juego, Hungría busca volver a establecerse como una fuerza en el escenario futbolístico internacional.

Clasificación de la Fórmula 1

La Fórmula 1 es una de las competiciones automovilísticas más populares y emocionantes del mundo. Para los aficionados y seguidores de este deporte, la clasificación de la Fórmula 1 es un aspecto fundamental que determina la posición de los pilotos en la parrilla de salida de cada carrera.

La clasificación de la Fórmula 1 se lleva a cabo durante el día anterior a la carrera y consta de varias rondas. En la primera ronda, todos los pilotos tienen la oportunidad de dar su mejor vuelta rápida para avanzar a la siguiente etapa. Posteriormente, los mejores clasificados pasan a la segunda ronda, donde vuelven a competir por mejorar su posición en la parrilla.

Finalmente, los diez pilotos más rápidos avanzan a la tercera y última ronda de la clasificación, conocida como la Q3. En esta fase, los pilotos luchan por la pole position, que les permitirá partir desde la primera posición en la carrera.

La clasificación de la Fórmula 1 no solo determina el orden de salida de los pilotos, sino que también influye en la estrategia de carrera de cada equipo. Los pilotos que logran una buena posición de salida tienen mayores posibilidades de obtener un buen resultado en la carrera, mientras que aquellos que salen rezagados deben esforzarse al máximo para remontar posiciones.

En resumen, la clasificación de la Fórmula 1 es un momento crucial que añade emoción y tensión a cada Gran Premio, y que marca el inicio de una apasionante lucha por la victoria en la pista.

Temporada 2024

La temporada 2024 promete ser un año emocionante en el mundo del entretenimiento, con una amplia variedad de eventos y lanzamientos que mantendrán a los fanáticos entusiasmados y expectantes. Desde películas altamente anticipadas hasta nuevas temporadas de series populares, hay mucho que esperar en el próximo año.

En el mundo del cine, se espera el estreno de grandes producciones que cautivarán a audiencias de todo el mundo. Desde películas de superhéroes hasta dramas emocionantes, la variedad de géneros promete ofrecer algo para todos los gustos. Además, se esperan sorpresas y giros inesperados que mantendrán a los espectadores al borde de sus asientos.

Por otro lado, las series de televisión también tendrán un papel importante en la temporada 2024, con el regreso de algunas de las favoritas del público y el estreno de nuevas propuestas que prometen conquistar a nuevos seguidores. Las tramas intrigantes, los personajes memorables y los cliffhangers impactantes seguirán siendo parte fundamental de la experiencia televisiva.

En resumen, la temporada 2024 se presenta como un año lleno de emoción y entretenimiento para todos los amantes del cine y la televisión. Con una oferta variada y emocionante, este año promete ser inolvidable para aquellos que disfrutan de historias cautivadoras y personajes inolvidables. ¡Prepárate para disfrutar de todo lo que la temporada 2024 tiene para ofrecer!

Equipo húngaro

El equipo húngaro es un grupo de personas talentosas y dedicadas que trabajan juntas para lograr un objetivo común. Ya sea en el campo de fútbol, en una oficina o en un proyecto creativo, la importancia de un equipo cohesionado y colaborativo no se puede subestimar.

En el ámbito deportivo, el equipo húngaro ha dejado huella en diversas competiciones y disciplinas a lo largo de los años. Con atletas de clase mundial en deportes como el waterpolo, la gimnasia y la natación, Hungría ha demostrado su destreza y habilidad en el escenario internacional. La dedicación, el trabajo en equipo y la pasión por el deporte son los pilares sobre los que se construye el éxito del equipo húngaro.

Fuera del ámbito deportivo, el equipo húngaro también se destaca en otros campos, como la tecnología, la innovación y las artes. La colaboración y la diversidad de habilidades dentro del equipo son clave para alcanzar metas ambiciosas y superar desafíos.

En resumen, el equipo húngaro es un ejemplo de cómo la unión de talento, esfuerzo y pasión puede llevar a la excelencia en cualquier campo. Ya sea en el deporte, en la empresa o en la creatividad, trabajar en equipo es fundamental para alcanzar el éxito y dejar una marca duradera en el mundo.

Estadísticas de la Fórmula 1

Las estadísticas de la Fórmula 1 son un elemento fundamental en el mundo del automovilismo, ya que permiten analizar el desempeño de pilotos, equipos y circuitos a lo largo de la historia de este emocionante deporte.

Uno de los datos más importantes que suelen analizarse son las victorias de cada piloto a lo largo de su carrera. Pilotos legendarios como Michael Schumacher, Lewis Hamilton y Ayrton Senna han logrado un gran número de victorias, dejando su huella en la historia de la Fórmula 1.

Además de las victorias, las poles positions también son un dato relevante en las estadísticas de la Fórmula 1. Lograr la pole position significa partir desde la primera posición en la parrilla de salida, lo que brinda una ventaja estratégica importante para la carrera.

Otro dato interesante son los récords de vueltas rápidas en carrera, que muestran la habilidad de un piloto para mantener un ritmo rápido durante toda la competencia.

En resumen, las estadísticas de la Fórmula 1 ofrecen una visión amplia del rendimiento de pilotos, equipos y circuitos a lo largo del tiempo, permitiendo a los aficionados y expertos analizar y comparar el desempeño de los protagonistas de este apasionante deporte de velocidad.

[cleoenfaserum]

PELIS NOMINADAS AL OSCAR DE 1985 58.ª edición de los Premios Óscar

Mejor película extranjera (de habla no inglesa) Presentado por: Jack Valenti y Norma Aleandro

Bittere Ernte (Amarga cosecha) (República Federal de Alemania) — Agnieszka Holland

Redl ezredes (Coronel Redl) (Hungría) — István Szabó

Otac na sluzbenom putu (Papá está en viaje de negocios) (Yugoslavia) — Emir Kusturica

Trois hommes et un couffin (Tres solteros y un biberón) (Francia) — Coline Serreau

Amarga cosecha (1985)

Amarga cosecha Titulo origina: Bittere Ernte Dirección: Agnieszka Holland Genero: Drama Duración: 1h 41 m País: Alemania Argumento: Hermann H. Field (novela) Guión: Agnieszka Holland, Paul Hengge Música: Jörg Straßburger

II Guerra Mundial. La zona polaca lindante con Alemania. Leon en un granjero solterón de mediana edad, que ha sabido prosperar. Su hermano está recluido en un campo, y se encuentra muy solo. Tiene dificultades para vivir la castidad, le cuesta tratar con mujeres. Por ello se le hace especialmente cuesta arriba ocultar a una judía, que saltó del tren que le transportaba junto a su marido. Aquejada de fiebre, y sin noticias del esposo, Leon la cuida, al tiempo que miembros de la resistencia le piden su colaboración en la transmisión de información.

Impactante drama sobre las bajezas humanas, al que la cineasta polaca Agnieszka Holland presta el ritmo adecuado. De producción alemana, es un buen estudio de personaje, el Leon interpretado magistralmente por Armin Mueller-Stahl, prototipo del individuo al que sobrepasa la situación a la que tiene que enfrentarse, la conciliación de lo que le dicta la conciencia con los deseos de sus bajas pasiones. Amarga cosecha - Película - 1985 - decine21.com

912-1 https://youtu.be/cwBtCeVc6Es

CORONEL REDL (1985)

Coronel Redl (en húngaro: Redl ezredes) es una película dramática biográfica de 1985 del director húngaro István Szabó.

El guion, vagamente inspirado en la obra de teatro A Patriot for Me del dramaturgo británico John Osborne, traza el aumento de las tensiones interétnicas en Austria-Hungría, que provocarían el asesinato de Sarajevo y la eventual desintegración del imperio.

Fue nominada a un Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera y ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes en 1985.

La trama, ambientada en el período anterior a la Primera Guerra Mundial, sigue el ascenso de Alfred Redl, un oficial del Imperio Austrohúngaro . Redl, que proviene de un origen humilde, ingresa a la escuela militar cuando era niño y tiene una ilustre carrera militar impulsada por su lealtad a la corona. Es nombrado jefe de una unidad de recopilación de inteligencia, pero su atracción por los hombres finalmente provoca su caída. (Colonel Redl - Wikipedia)

IMdB: 7'4 BIOGRAFÍA / DRAMA / HISTORIA

PELICULA: HUNGARA DURATION: 2h 24m

912-2 https://ok.ru/video/3481118771837

PAPA ESTA EN VIAJE DE NEGOCIOS (1985)

Papá está en viaje de negocios (serbocroata) es una película yugoslava de 1985 dirigida por el director serbio Emir Kusturica. El guion fue escrito por el dramaturgo bosníaco Abdulah Sidran.

Ambientada en Yugoslavia después de la Segunda Guerra Mundial durante el período Informbiro, la película cuenta la historia desde la perspectiva de un niño, Malik, cuyo padre Meša (Miki Manojlović) fue enviado a un campo de trabajo. Papá está en viaje de negocios - Wikipedia

IMdB: 7'7 DRAMA DURACIÓN: 2h 16min

912-3 https://ok.ru/video/3888130230907

TRES SOLTEROS Y UN BIBERÓN (1985)

Trois hommes et un couffin (en España, Tres solteros y un biberón) es una película francesa de 1985 dirigida por Coline Serreau.

Jacques, Pierre y Michel son tres amigos adultos que disfrutan de la vida de solteros hasta que se encuentran con un bebé. Trois hommes et un couffin - Wikipedia

IMdB: 6'6 COMEDIA DURACIÓN: 1h 46min

912-4 https://ok.ru/video/2489504107128

[elmartillosinmetre]

Tiempos de penuria e ilusión

[La ROSS ensayando esta semana con Soustrot la 3ª de Mahler en el escenario del Maestranza / MARINA CASANOVA]

Temporada ecléctica con doce programas sinfónicos en el Maestranza

En la presentación del curso pasado el maestro Marc Soustrot anunció integrales sinfónicas de Beethoven, Schubert, Schumann, Chaikovski y Mahler, que se escucharían a lo largo de dos temporadas consecutivas. Cancelado el Festival Beethoven, caídas por la huelga dos sinfonías de Mahler y una de Chaikovski, el proyecto ha terminado de derrumbarse por completo al comprobar que para la temporada próxima finalmente sólo están previstas la 9ª de Mahler y la 1ª de Chaikovski (tendrían que haber sido cinco sinfonías del primero y tres del segundo, además de dos de Schumann y las ocho de Schubert). Soustrot aludió a problemas presupuestarios para un cambio tan radical en sus intenciones, que lo ha llevado a concebir una ecléctica programación de repertorio en la que la penuria económica se aprecia también en los detalles: ni un solo programa con coro, directores y solistas sin alharacas, recurriendo incluso al pianista premiado en el concurso María Canals (el canadiense de 24 años Jaeden Izik-Dzurko, que tocará el Concierto de Schumann y para quien actuar junto a la ROSS es ya parte del Premio) y a dos clarinetistas de la orquesta (Szymyslik y Fernández Sánchez, que harán un Concierto doble de Krommer).

Sí se mantiene la promesa de incluir música actual: cuatro compositoras (Elena Mendoza, Lula Romero, Inmaculada Almendral y Nuria Núñez Hierro) estrenarán sendas obras, cada una de ellas dedicada a una estación del año. El repertorio combina partituras de gran popularidad (9ª de Dvorák, 4ª de Bruckner, Concierto para violín de Beethoven, Scheherazade de Rimski-Kórsakov, Concierto para piano de Schumann, Doble concierto de Brahms, Kindertotenlieder de Mahler, Concierto para orquesta de Bartók) con otras mucho menos transitadas, aunque en absoluto desconocidas (Danzas sinfónicas de Rajmáninov, 3ª de Saint-Saëns, 3ª de Honegger, 5ª de Prokófiev, Concierto para oboe de Strauss, La sirenita de Zemlinsky o la reducción orquestal que de la Tetralogía de Wagner hizo Lorin Maazel).

Soustrot se reserva siete de los doce programas sinfónicos del Maestranza. De los maestros invitados, dos son españoles, el joven y premiado gaditano Julio García Vico y el balear Antonio Méndez, y tres foráneos: el maestro de Singapur Darrel Ang, el danés Michael Schønwandt (que este año no pudo hacer la 7ª de Mahler y el año próximo tiene asignada su 9ª) y la polaca Marzena Diakun, actual titular de la ORCAM (Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid). Entre los solistas, Juan Pérez Floristán se perdió por la huelga el 1º de Bartók y ahora hará el 3º. La oboísta linarense Cristina Gómez Godoy tocará el Concierto de Strauss y el violinista de Alcalá de Guadaíra Javier Comesaña compartirá con el húngaro István Vardai el Doble de Brahms. También participa la violonchelista parisina Camille Thomas (Concierto de Lalo) y el violinista ruso Serguei Dogadin (Beethoven). Para los dos programas vocales, están invitadas la moscovita Alisa Kolosova (Kindertotenlieder) y la joven china Meigui Zhang (Cantos de Auvernia de Canteloube).

Interesante resulta la propuesta didáctica, hay tres conciertos extravagantes en el Lope de Vega (dedicados al cine, la poesía y la danza) y entre los diez conciertos de cámara (Espacio Turina en las matinales de los domingos), llama la atención el dominio casi absoluto de los conjuntos de cuerda y una doble participación externa, ya que uno de los conciertos lo darán los ganadores del concurso José Gámez que organiza el Conservatorio y otro será, por propuesta de Juventudes Musicales, el del dúo de pianos Promenade.

Después de que dos huelgas y una pandemia hayan marcado profundamente los cuatro últimos años de vida de la ROSS, la ilusión que insistentemente pedía su gerente interina pasa simplemente por un año sin sobresaltos, en que las actividades programadas puedan desarrollarse con normalidad. Ya vendrán tiempos mejores. 

[Diario de Sevilla. 23-06-2023]

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(vía István Orosz y la paradoja visual - PaulaMastraPaulaMastra)

István Orosz es un artista húngaro pintor, grabador, ilustrador, diseñador gráfico y director de cine de animación. 

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pelicula Black Panther: Wakanda Forever pelicula es Protagonizada por Langley Kirkwood (Warrior), Vuyo Dabula y Tessa Jubber, y rodada en Johannesburgo (Sudáfrica), la película se desarrolla en el transcurso de un fatídico día: en el que un hombre de negocios corrupto y su esposa de la alta sociedad escapan para salvar a su hija -que mantiene una relación con un pequeño traficante de drogas- de un importante señor del crimen.

pelicula Black Panther: Wakanda Forever online - Paramount Pictures: fundada por el húngaro Adolf Zukor a través de la reestructuración de la Famous Players Film Company: fue fundada en 1919 por United Artists: Mary Pickford (1892 - 1979), Douglas Fairbanks (1883) fundada en 1939), Charles Chaplin y DW Griffith (1875-1948) comercializan sus peliculas producidas independientemente

En los primeros años de la historia del cine (ver Black Panther: Wakanda Forever online pelicula ) la velocidad práctica variaba de pelicula a pelicula y, debido al hecho de que el operador activaba manualmente los sistemas reproductivos con la manivela, a menudo incluso de una escena a la siguiente. Siguiente de la misma pelicula Inicialmente se utilizaron 16 a 18 cuadros por segundo, pero con la introducción del sonido se lograron 24 cuadros por segundo. Otras mejoras fueron la mecanización de las cámaras producidas, grabación a velocidad constante, sincronización de audio, apariencia de colores y varios formatos de aspecto de pantalla, por ejemplo, con CinemaScope, que se ha convertido en el estándar para producciones con un alto presupuesto.

Algunos cortometrajes representan una línea de cine de animación, "Black Panther: Wakanda Forever pelicula completa", a través del cual jóvenes artistas y caricaturistas expresan diferentes formas de representaciones y animaciones de acuerdo con los estilos más variados e innovadores. El artista y el director han leído el guión para saber qué decir y hacer. El director le dice al artista qué hacer y un camarógrafo toma la fotografía con una cámara.

Single 8: Black Panther: Wakanda Forever pelicula netflix, realizado por Fuji Photo Film en 1965, eran peliculas en las que se usaban 8 mm en lugar de un rollo de 16 mm de ancho. Nació como contraparte del doble 8. La principal diferencia con The Super 8 fue la forma de incluir la pelicula: mientras que en el Super 8 funcionó con dos roles dispuestos uno al lado del otro, en el Single 8 se superpuso. Esto permitió que el formato Single 8 cargara la pelicula más fácilmente, además de la capacidad de rebobinar y enfocar imágenes

Un cine Black Panther: Wakanda Forever pelicula para ver Un cine es un lugar creado para mostrar peliculas en él. Sin embargo, el equivalente en inglés de "cine" (ya pronunciado: cine) ya significa industria y cine. Según su definición moderna, es una rama del arte, cuya esencia es la simulación de experiencias, la transmisión de historias, ideas, sentimientos o la atmósfera a través de es una imagen en movimiento u otros estímulos como la música

Los cines de la década de 1970 Black Panther: Wakanda Forever peliculas completas online latino estaban en crisis en 1970. Los estudios despidieron a 700 personas en 5 meses. El Premio Céar se otorgó por primera vez en París en 1976. La pelicula de George Lucas Star Wars se mostró en los Estados Unidos un año después, y su récord de ingresos estadounidenses solo pudo ser superado por el Titanic mucho después. Teniendo en cuenta la inflación, sigue siendo el primero en general. Sin embargo, es Star Wars. Fue la primera pelicula que se mostró con audio estéreo Dolby

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[nievesmorena]

84 años del nacimiento de

BERNADETTE LAFONT

Nacio el 28 de octubre de 1938 en Gard, Francia; Fue una actriz francesa, una de las musas del movimiento cinematográfico de la nouvelle vague. Empezó muy joven en la industria del cine y comenzó a formar parte de la nouvelle vague en los años 1960 por sus películas con François Truffaut y Claude Chabrol. Lafont ganó en 1986 el Premio César a la mejor actriz secundaria por su papel en el film L'effrontée (1985). Por su largo servicio a la industria cinematográfica francesa, en 2003 fue galardonada con el Premio César honorífico. Su hija fue la actriz francesa Pauline Lafont (1963-1988), fruto de su matrimonio con Diourka Medveczky, un escultor húngaro. Falleció en Nimes (Francia) el 25 de julio de 2013.

[cleoenfaserum]

LAS MEJORES PELICULAS DE HABLA NO INGLESA NOMINADAS AL OSCAR 1974 LA 47 EDICIÓN

47.ª edición de los Premios Óscar - Wikipedia, la enciclopedia libre

Amarcord es una película franco-italiana de 1973, escrita y dirigida por Federico Fellini, con guion de Tonino Guerra y música de Nino Rota.

El largometraje cuenta la historia de algunos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930.

Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, no tarda en adquirir una dimensión de ironía, farsa y esperpento. (Amarcord - Wikipedia)

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Lacombe Lucien es una película francesa de 1974 dirigida por Louis Malle sobre un joven francés en la Francia de la Segunda Guerra Mundial que se convierte en confidente de los nazis. Nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 1974.(Lacombe Lucien - Wikipedia)

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El diluvio es el título español de la película polaca Potop, un drama histórico dirigido por Jerzy Hoffman, estrenado en 1974. La película está basada en la novela del escritor polaco Henryk Sienkiewicz. Fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1974.

La película se sitúa en el siglo xvii durante la invasión sueca de la Mancomunidad de Polonia-Lituania, conocida en Polonia como El diluvio, la cual fue eventualmente rechazada. No obstante, un cuarto de la población del país pereció a consecuencia de ella y de las plagas. Como resultado, la economía del país quedó grandemente dañada. (El diluvio (película) - Wikipedia)

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NO HE PODIDO LOCALIZAR LA PELICULA.

Juego de gatos (en húngaro, Macskajáték) es una película dramática húngara de 1972 dirigida por Károly Makk. Fue nominada al Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera1​ y fue inscrito en el Festival de Cine de Cannes de 1974.2​ Está basada en la novela de István Örkény. (Juego de gatos - Wikipedia)

Juego de gatos es una película de 1972 que explora la complejidad de los lazos familiares y la inesperada tragedia. La película sigue a una madre viuda que lucha para criar a sus tres hijos adolescentes en una ciudad industrial. El padre de la familia falleció en un accidente de trabajo, dejando a la madre para llevar el peso de la familia. A medida que los hijos crecen, la madre se ve obligada a afrontar nuevos desafíos y a tratar con los conflictos que surgen entre ellos.(Juego de gatos (1972) en cines.com)

[encirculos]

En bandos opuestos

Csend és kiáltás (Silencio y gritos, 1968) Miklós Jancsó

[yoobservador]

Werckmeister harmóniák

Werckmeister harmóniák (Béla Tarr, 2000)

Personajes vinculados a la eternidad

[cine-xtreme]

“Atardecer” del director húngaro László Nemes se proyectará este jueves 13 de junio, a las 17:00 y 20:00 horas, en la Sala Carlos Monsiváis. Redacción EMx |  Del ganador del Gran Premio de Cannes en 2015 y el Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera, el director húngaro László Nemes, quien saltó a la fama ese año por su cinta “El hijo de Saúl”, la Sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Tijuana, organismo de la Secretaría de Cultura, exhibirá “Atardecer”, su película más reciente.

[confesionesfc]

LA COMIDA EN EL CINE MEXICANO

Un tema qué resulta apasionante para muchos por sí solo es la cocina, un mundo lleno de sensaciones, colores y aromas, pero sobré todo sabores. Desde los orígenes del cine, la comida y el esplendor que de ella se desprende han ocupado un lugar privilegiado en la puesta en escena audiovisual. Las primeras grabaciones ya contenían imágenes en las que el alimento era un elemento visible en la escena. La parecencia de la comida en el cine mexicano suele presentar como el contraste de estilo de vida urbano y el estilo de vida rural , el cine de oro es un reflejo de este contraste. Después de la segunda guerra mundial México se miro beneficiado económicamente en las películas podemos mirar en el gran comedor platillos como el Goulash Húngaro recetas más intencionales y dentro de la cocina se puede mirar comida más tradicionales como frijoles o huevo con chorizo.