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arthistoriansdiary · 5 months ago

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Martyrdom of St Agatha

Sebastiano del Piombo, Martyrdom of St Agatha (1520). Oil on wood, 132 x 178 cm. Palazzo Pitti, Italy.

Sebastiano del Piombo's Martyrdom of St. Agatha is a profound work that encapsulates the Renaissance's emotional depth and dramatic tension. Housed in the Palazzo Pitti in Florence, this oil on wood painting vividly portrays the trials faced by the early Christian martyr, St. Agatha. Through his masterful use of colour, composition, and detail, del Piombo invites viewers to engage with the spiritual and emotional resonance of Agatha's suffering.

The Story Behind the Martyr

St. Agatha, venerated as one of the early Christian martyrs, is depicted in the midst of her agonizing trial. Born in Catania in the 3rd century A.D., Agatha was subjected to brutal torture by Quintianus, the proconsul of Catania, who desired her but accused her of blasphemy when she refused his advances. Del Piombo captures this moment with striking intensity, showcasing Agatha's strength of spirit in the face of unimaginable pain. The painting conveys a narrative that transcends time, inviting viewers to reflect on themes of faith, sacrifice, and resilience.

Artistic Technique: Light and Shadow

One of the most compelling aspects of Martyrdom of St. Agatha is del Piombo’s innovative use of light and shadow, a technique known as chiaroscuro. The contrast between light and dark serves to heighten the emotional gravity of the scene. Agatha is illuminated against the dark background, drawing the viewer’s eye to her expression of defiance and faith. The artist's ability to render flesh tones and textures adds a lifelike quality to the figures, enhancing the dramatic impact of the painting.

The Agony of St. Agatha

In Martyrdom of St. Agatha, Sebastiano del Piombo presents a harrowing depiction of the saint's torture, emphasizing the physical and emotional torment she endures. Agatha's arms are forcibly stretched behind her as two men, positioned on either side, use brutal iron pincers to tear at her breasts, capturing the horrifying moment central to her martyrdom. The torturers grip the tools with grim determination, emphasizing the cruelty of the act and highlighting Agatha's unwavering strength as she faces this torment with stoic defiance.

Her illuminated figure contrasts with the shadowed figures of her tormentors, drawing attention to her suffering yet emphasizing her resilience. In the background, a building teeters on the edge of collapse, engulfed in flames—a reference to the earthquake said to have occurred during her martyrdom. This adds to the chaotic atmosphere, while Agatha’s radiant form remains a symbol of faith in the midst of destruction.

The Legacy of Sebastiano del Piombo

Sebastiano del Piombo’s Martyrdom of St. Agatha showcases his skill in blending Venetian colour with Roman drama. His powerful use of chiaroscuro and emotional intensity set him apart, capturing not just the physical agony of the saint but her spiritual resilience. While often overshadowed by his contemporaries, del Piombo’s ability to convey deep human suffering ensures his lasting influence in Renaissance art.

A Space for Reflection

What does St. Agatha’s unwavering strength in the face of brutal torment say about the power of faith and resilience? How does del Piombo's focus on physical suffering shift the way religious devotion was portrayed in Renaissance art?

#MartyrdomOfStAgatha #SebastianoDelPiombo #RenaissanceArt #PalazzoPitti #ArtHistory #Chiaroscuro #EmotionalIntensity #FaithAndSacrifice

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blackswaneuroparedux · 4 years ago

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Michelangelo’s The Risen Christ: Discovering the sacred in the profane.

The true work of art is but a shadow of the divine perfection.

- Michelangelo Buonarroti

While a visit to Rome’s grand squares like Piazza Navona is at the top of everyone’s list, there is much more to the Eternal City. The Piazza della Minerva, is one of Rome’s more peculiar squares and is a must-see for lovers of Bernini’s work.

As one of the smaller squares in Rome, Piazza della Minerva holds some interesting sites. Built during Roman times, the square derives its name from the Goddess, Minerva, the Roman Goddess of wisdom and strategic warfare. During the 13th Century, the decision was made to build a Christian Church on top of what was once a square dedicated to a pagan Goddess – and so the church of Santa Maria Sopra Minerva was born, a beautiful example of Gothic architecture and Rome’s only Gothic church.

In fact this is the only Gothic church in Rome. It resembles the famous Church of Santa Maria Novella in Florence. There are three aisles inside the church. The soaring arches and the ceiling in blue are outstanding. The deep blue colours dominate the structure while the golden touches promote the intricate design. There are paintings of gold stars and saints. The stained glass windows are beautiful too.

In the centre of the Piazza is an elephant with an Egyptian obelisk on its back, one of Bernini’s last sculptures erected by Bernini for Pope Alexander VII and possibly one of the most unusual sculptures in Rome. There are several theories which aim to decipher Bernini’s inspiration for the sculpture, some of which point to Bernini’s study of the first elephant to visit Rome, while others point to a more satirical combination of a pagan stone with a baroque elephant in front of a Christian church.

Tourists flock to see the elephant but more often than not they miss out visiting an almost forgotten marble masterpeiece by Michelangelo himself inside the church. This controversial statue has resided in the Santa Maria sopra Minerva Church in Rome for almost five hundred years. Indeed The Risen Christ by Michelangelo is one of the artist's least admired works. While modern observers frequently have found fault with the statue, it satisfied its patrons enormously and was widely admired by contemporaries. Not least, the sculpture has suffered from the manner in which it is presently displayed and from biased photographic reproduction that emphasises unfavorable and inappropriate views of Christ.

Around 2017 I was fortunate on a visit back to London to see once again Michelangelo’s marble masterpiece, The Risen Christ, which was being displayed in all its naked glory at an exhibition at the National Gallery.

This was another version of this great sculpture that no one has got round to covering up. It has just come to Britain. Michelangelo’s first version has been lent to the National Gallery, in London, for its exhibition Michelangelo and Sebastiano del Piombo in 2017. It came from San Vincenzo Monastery in Bassano Romano, where it languished in obscurity until it was recognised as Michelangelo’s lost work in 1997.

I found it profoundly moving then as I had seen the other partially clothed one on several visits to the church in Rome. It has always perplexed me why this beautiful work of art has been either shunned to the side with hidden shame or embarrassment when it holds up such profound sacred truth for both art lover or a Christian believer (or both as I am).

Michelangelo made a contract in June 1514 AD that he would make a sculpture of a standing, naked figure of Christ holding a cross, and that the sculpture would be completed within four years of the contract. Michelangelo had a problem because the marble he started carving was defective and had a black streak in the area of the face. His patrons, Bernardo Cencio, Mario Scapucci, and Metello Vari de' Pocari, were wondering what happened when they hadn't heard for a while from Michelangelo. Michelangelo had stopped work on The Risen Christ due to the blemish in the marble, and he was working on another project, the San Lorenzo facade. Michelangelo felt grief because this project of The Risen Christ was delayed. Michelangelo ordered a new marble block from Pisa which was to arrive on the first boat. When The Risen Christ was finally finished in March 1521 AD Michelangelo was only 46 years old.

It was transported to Rome and this 80.75 inches tall marble statue was installed at the left pillar of the choir in the church Santa Maria sopra Minerva, by Pietro Urbano, Michelangelo's assistant (Hughes, 1999). It turns out that Urbano did a finish to the feet, hands, nostrils, and beard of Christ, that many friends of Michelangelo described as disastrous). Furthermore, later-on in history, nail-holes were pierced in Christ's hands, and Christ's genitalia were hidden behind a bronze loincloth.

Because people have changed this sculpture over time; many are disappointed with this work of art because it is presently different than the original work that Michelangelo made. The Risen Christ had no title during Michelangelo's lifetime. This sculpture was given the name it has now, because Christ is standing like the traditional resurrected saviour, as seen in other similar works of art.

It was in discussion with an art historian friend of mine currently teaching I was surprised through her to discover the sculpture’s uncomfortably controversial history. There is no doubt Michelangelo’s marvellous marble creation has raised robust debates about where beauty as an aesthetic sits between the sacred and the profane. And nothing exemplifies that better than the phallus on Michelangelo’s The Risen Christ.

For the majority of its time there, however, the phallus has been carefully draped with a bronze loincloth - incongruous at best, and prudish at worst, but either way a less than subtle display of the historic Church’s discomfort with the full physicality of Christ.

Indeed, it is worth noting that this attitude prevails, at least in some sense, into the twentieth-century: the version of the statue in Rome remains covered to this day, and much of the critical attention the sculpture has received after Michelangelo’s death has been grating. Romain Rolland, an early biographer, described it as ‘the coldest and dullest thing he ever did’, whilst Linda Murray bluntly dubbed the work ‘Michelangelo’s chief and perhaps only total failure’. But Michelangelo himself saw no such mistake. The censored statue seen in Santa Maria sopra Minerva is what we might call his second draft.

It’s interesting to note that when artist was originally commissioned to sculpt a risen Christ in 1514, he had all but completed it before realising that a vein of black marble ran across Jesus’ face, marring the image of classical perfection which he so wished to emulate. It had nothing to do with the phallus. Furious, Michelangelo abandoned this Christ - the one I saw at the National Gallery - and began again. Even given a fresh chance, he chose to retain Christ’s complete nudity.

Why was this of such importance to Michelangelo? Why did he so strongly wish to craft the literal manhood of Christ, as never depicted before? Part of the answer may lie in his historical context: the Renaissance in Italy was driven in the part by the remains of Roman antiquity discovered there; study of the classics became commonplace, and scholars tended to consider the Graeco-Roman world as a cultural ideal, with ancient art in particular being emblematic of a lost Golden Age. Famously, classical sculpture was almost always nude.

In his interview with The Telegraph in 2015, Ian Jenkins, curator of the British Museum exhibition “Defining Beauty: The Body in Ancient Greek Art”, attempted to explain this tradition. ‘The Greeks … didn’t walk down the High Street in Athens naked … But to the Greeks [nudity] was the mark of a hero. It was not about representing the literal world, but a world which was mythologised.’

We see evidence for this trend in Greek literature as well as sculpture: Homer’s Iliad and Odyssey, considered by some to be the earliest known works of Western literature, were likely written between the 8th and 7th centuries BC, but their setting is in Mycenaean Greece in the 12th century. The Greeks believed that this earlier Bronze Age was an epoch of heroism, wherein gods walked the earth alongside mortals and the human experience was generally more sublime. In setting the texts at this earlier stage in Greece’s history, Homer echoes the belief held within his contemporary society that mankind had been better before (what we might now call nostalgia, or, more colloquially, “The Good Old Days syndrome”). There is a real feeling of delight present in the distance Homer creates between his actual, flawed society, and the idealised past.

Indeed, it calls to mind a line I once read in an introduction to L.P. Hartley’s The Go-Between, by Douglas Brookes-Davies: ‘Memory idealises the past’. Though modernist texts such as The Go-Between problematise this, in antiquity it was not only commonplace but celebrated to look back to a more perfect existence and relive it through art. The very fact that Michelangelo abandoned his sculpture after years of work on account of a barely noticeable flaw in the marble is evidence that he, too, was striving towards the classical ideal of perfection. ‘Unfortunately,’ Hazel Stanier has commented, ‘this has resulted in unintentionally making Christ appear like a pagan god.’

This opens up another question – why does such a rift exist between the way ancient cultures envisaged their divinity and our own conceptions of a Christian God? Why are we not allowed to anthropomorphise the deus of the Bible in the same way that the Roman gods were?

Christ, of course, makes this somewhat confusing, given that he is described in the Bible as ‘the Word made flesh’, a physical and very human incarnation of the spiritual being that we call God. Theology tells us that he is fully human and fully divine, and yet the Church have excluded him from many aspects of life that a majority of us see as typifying a human being. Christ has no apparent sexual desires or romantic relationships, and though not exempt from suffering, he does not play any part in sin (which, as the saying goes, is ‘only human’). I think that the enormous controversy caused by films such as The Last Temptation of Christ (1988), which explore the possibility of Jesus having a sex life, is reflective of the possibility that - though in theory the Christian messiah is fully human - we feel significant discomfort at the notion that he may have explored particular aspects of the human experience.

Purists and the prude and liberals rush to opposite sides of the debate. If purists run one way to completely deny Christ had any sexual desires or even inclinations as all humans are want to do, liberals commit the sin of rushing to the other extreme end and presuppose that Jesus did act on sexual impulses simply because it was inevitable of his human nature.

I think the truth lies somewhere between but what that truth might actually be is simply speculation on my part. It doesn’t detract for me the life and saving mission of redemption that Jesus was on - to suffer and die for our sins as well as the Godhead reconciling itself to sacrificing the Son for Man’s sins and just punishment.

Of course, it is well-known that the classical gods had no qualms about sexual activity. It is difficult to make retrospective judgements about citizens’ opinions on this but, as it was the norm, we might assume that they felt it was rather a non-issue. I can empathise with some critics who reason that the Christian God is not entitled to sexual expression is because of the traditional Christian idea that sex is inherently sinful – that original sin is passed on seminally and so by having sex we continue to spread darkness and provoke further transgression. It is from this early idea that theological issues such as the need for Mary to have been immaculately conceived (she was not created out of a sexual union, much like her son) have stemmed. But here - the immaculate conception - the critics are profoundly wrong in their theological understanding of why God had to enter the world as Immanuel in this miraculous way.

Some Christian critics - and I would agree with them - assert that the vision of a naked Christ might make a powerful theological point in a world where sex still carries these connotations. They rightly point out that clothing - and I might extend this to mean the covering-up of the sexual parts of our body - was only adopted by humankind after the Fall, the nudity of Christ is making a statement about his unfallen nature as the second Adam. In other words, Christ has no shame, because he is sinless and has no need for shame. Perhaps what Michelangelo intended was actually to disentangle nudity from its sexual, sinful associations, instead presenting us with a pre-lapsarian image of purity taking the form of the classical Bronze Age hero.

There is another, less theological explanation for the sculptor’s obvious use of the classical form. It reminds us of a time when gods walked the earth alongside us, when they were fully human – us, only immortal. Maybe he wanted to emphasise that fully human aspect of Christ’s being. Questionable as much of their behaviour was, the classical gods were certainly easy to identify with. For Michelangelo, this may have been his own way of embodying John 1:14 in marble: ‘The Word became flesh and made his dwelling among us’.

It is here critics may have gotten hold of the wrong end of the stick with The Risen Christ when they point out the odd proportions of the figure: that it has a weighty torso, or the broad hips atop a pair of tapered and rather spindly legs, or even a side or rear view of the figure that show Christ’s buttocks.

For a start, this ungainly rear view was not supposed to be seen. The statue was meant to go in a wall niche, so that the back of the statue was hidden. Michelangelo of course knew this, and shaped the statue so that it would appear well proportioned from the front. If we view the sculpture from the front left, perhaps its best side, then Christ is no longer a thickset figure. Rather, his body merges with the cross in a graceful and harmonious composition.

The turn of Christ’s body and his averted face suggest something like the shunning of physical contact that is central to another post-Resurrection subject, the Noli me tangere (“Touch Me Not”). The turned head is a poignant way of making Christ seem inaccessible even as the reality of his living flesh is manifest.

We are encouraged to look at not Christ’s face, but the instruments of his Passion. Our attention is directed to the cross by the effortless cross-body gesture of the left arm and the entwining movement of the right leg. With his powerful but graceful hands, Christ cradles the cross, and the separated index fingers direct us first to the cross and then heavenward. Christ presents us with the symbols of his Passion – the tangible recollection of his earthly suffering. Behind Christ and barely visible between his legs we see the cloth in which Christ was wrapped when he was in the tomb. He has just shed the earthly shroud; it is in the midst of slipping to earth. In this suspended instant, Christ is completely and properly nude.

We must imagine how the figure must have appeared in its original setting, within the darkened confines of an elevated niche. Christ steps forth, as though from the tomb and the shadow of death. Foremost are the symbols of the Passion, which Christ will leave behind when he ascends to heaven.

Why was Michelangelo compelled to portray Christ completely naked in a way that was bound to trouble some Christians? It was not out of a desire to blaspheme. On the contrary, this genius – poet, architect and painter as well as the greatest sculptor who has ever lived – was not only a faithful Christian but someone who thought deeply about theology. You can bet he had good religious reasons to depict Christ in full nudity.

But it would be complacent to think there was no tension in showing Christ nude. The fact that The Risen Christ in Santa Maria still has its covering proves how real those tensions are. The fundamental reason Michelangelo could get away with it was that he was Michelangelo. By the time he created this statue, he had the Sistine Chapel ceiling (with all its male nudes) under his belt and was the most famous artist in the world.

For centuries, the faithful have kissed the advanced foot of Christ, for like Mary Magdalene and doubting Thomas, they wish for some sort of physical contact with the Risen Christ. To carve a life-size marble statue of a naked Christ certainly was audacious, but it is also theologically appropriate. Michelangelo’s contemporaries recognised, more easily than modern viewers, that the Risen Christ was a moving and profoundly beautiful sculpture that was true to the sacred story.

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stuckinapatriarchalbullshitland · 5 years ago

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The Art Behind Romance (Album Cover) If there is something that caught my attention with Camren it is the reference that the music and the visual of both have made to the Greek and Roman culture and to Renaissance art. And it's something that I personally loved because I really enjoy that type of art since I recognized one of the works in the cover of Camila’s Romance.

Judith and Holofernes by Caravaggio

Judith and Holofernes is a biblical-inspired painting by Caravaggio, painted in 1599. Specifically, it is based on the apocryphal story of Judit, rejected by the Protestants, but kept by the Catholic popes Sixtus V and Clement VIII in the 1592 Bible.1

The painting shows General Holofernes when he was beheaded by Judit, the woman who seduced him in less than one night. It caused reactions of horror and surprise among the visitors to its first headquarters, as Caravaggio managed to endow the work with great realism and rawness. Judit is shown standing, majestic and undaunted, while her maid, who has provided her with the sword, is nervous and on the lookout for what may happen. The effects of the work would later be recreated by the versions of Artemisia Gentileschi (Judith beheading Holofernes, 1620) and Francisco de Goya (Judith and Holofernes, 1820).

I studied Caravaggio when I had a Renaissance art class, so it was easy for me to know that Camila made reference to one of her works. It is a somewhat difficult painting to see but it is visually powerful and one of the most famous of the so-called tenebrist author. The second work I did not recognize but it caught my attention too and then when I discovered its meaning I was also surprised.

The Martyrdom of Santa Águeda by Sebastiano del Piombo

For those suffering from breast cancer, Agatha is their patron saint. She was a beautiful Christian maiden, from Catania, Sicily, who dedicated her life to God. As she rejected the love proposals of consul Quintiliano, she suffered cruel tortures. One of the tortures she suffered was to have her breast cut off, with iron shears, a detail that furnished to the Christian medieval iconography, the peculiar characteristic of Agatha. Catania honors Agatha as her patron saint and throughout the region around Mt. Etna. Saint Agatha’s feast day is February 5. All of those dedicated to the treatment and prevention of breast cancer are known as “the soldiers of Saint Agatha”.

Saint Agatha as other authors call her is the patron saint of breast diseases (breast cancer) that is something that really caught my attention and I do not know if Camila or her team has noticed the detail but I think that if the painting is in The Romance cover goes more for the abstract meaning: The saint's refusal to marry a consul. The last painting was more difficult to recognize but I started looking for references since it is not so difficult to identify the characters, a man and a woman. The man is lying on the scene and the woman seems to approach him to touch him or "wake him up." And that reference has a work.

Diana and Endymion Francesco Solimena In Greek mythology, the moon goddess, Selene, drives her moon chariot across the heavens, although she was also regarded as the personification of the Moon itself. Selene is best known for her affair with the beautiful mortal Endymion, the young shepherd who used to sleep on a mountain, and with whom she had fifty daughters.[2] The late 7th-century – early 6th-century BC poet Sappho had apparently already mentioned Selene and Endymion's history.[3] In Roman mythology, Diana has the attributes of Selene and she was mentioned as the goddess who falls in love with Endymion. Both goddesses were regarded as lunar goddesses, except for the fact that in Roman mythology, Diana became a virgin goddess

I think that this last work is the one that most connects Camren and his Greco-Roman cultural concept. The Moon and the goddesses. When I discovered the similarity of these two works, I knew immediately what Camila wanted to achieve with that concept and I hope I am not wrong, but it is the one that most resembles the work on the album cover. Our butterfly as always, a genius. The whole concept of the cover is denial of heterosexuality and homosexual love. Besides, there’s the detail of the two female models covering that painting, that’s not a coincidence. I think if Romance had not been stolen by the circus, it would have a very different concept from what we know until now, but it is there, hidden in art.

Oh and of course

a sculpture of Venus de Milo. That's a direct reference to Lauren's visual from Expectations and More Than That.

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falcemartello · 5 years ago

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Le palle (rosse) di Natale

Il Natale, quando arriva, arriva e noi addobbiamo l’albero con tante belle palle rossofuoco. Esce il videoclip promozionale del nuovo film di Checco Zalone e subito una Alessandra Mammì (se stamo a divertì, mammì, mammì) lo fulmina come sessista e razzista: la parodia celentanesca del Checco che si ritrova cornuto e mazziato dall’immigrato non le va giù, le fa contorcere il sorriso caramellato, puro radicalismo chic. Sarebbe da chiederle se anche l’attrice che si presta nel ruolo di moglie sia sessista, e se perfino l’immigrato del video, africano, africano nero, sia razzista.

Poi ci sono quelli che chiamano alla Festa dell’Unità Bello Figo, farsa in fama di risorsa, che “rappa” le stesse cose di Zalone ma in modo penoso (“Hey hey, non pago affito, dai cazzo siamo negri noi, hey hey, non faccio opraio”) e se fa un video sessista all’Universit�� di Pisa pieno di donne bianche “da trombare” lo difendono come novello Duchamp, siccome l’Università è notoriamente cosa loro.

Poi c’è il critico Tomaso, con una emme, che fa tanto intellettuale engage, Montanari che trova una insormontabile “banalità del razzismo” nella favola dolce del Presepe – e sono in quella, le altre confessioni sono salve. Con sgradevole assonanza con la famosa banalità del male che evoca il male assoluto del nazismo e dell’Olocausto, praticamente il Bambinello sarebbe… che schifo, già solo a scriverlo, lasciamolo a Tomaso.

Poi ci sono i facciamorete restiamoumani antifà che su Twitter postano foto dell’albero di Natale a testa in giù, perché il Natale, come suggerisce l’esperto Tomaso, è fascista come Mussolini (e Salvini): e deve fare la stessa fine.

Poi c’è il profeta delle “classi subalterne”, come le ha definite, Gad Lerner, in lotta continua per i poveracci che non sfoggiano Rolex o vacanze a bordo di panfili di potere, ma a debita distanza; ha da stilare continue liste di proscrizione, è un lavoro di testa, non va disturbato.

Poi c’è Michela Murgia che è ossessionata dai fascisti e ha inventato il fascistometro che sarebbe: fascista è chi dico io. Naturalmente si scaglia contro il sessismo, la società patriarcale, preferisce la “matria” alla patria, ma non rinuncia ad apparire languidamente distesa, il piedino ammiccante, sulla dormeuse come una Paolona Bonaparte.

Poi c’è Saviano che di palle rossofuoco ne spara tante e poi tante che sembra “Jack Bidone coi fratelli Bolivar”.

Poi c’è il professore liceale, che sfiga, Christian Raimo, che tanto democraticamente si era speso per impedire la partecipazione al Salone del Libro di Torino dell’editore Giubilei Rignani (mai Lagioia).

Poi c’è Lilli Gruber che ce l’ha anche lei con la società dei maschi fonte di tutte le nequizie ma nel suo salottino di rosse parole siliconate invita quasi solo maschi (forse perciò si spiegano le nequizie).

Poi ci sono gli ex LC (Lotta Continua) che un tempo sprangavano i CL (Comunione & Liberazione) ma adesso se sentono la deprimenta discorsa d’insediamenta della neopresidenta della Corta Costituzionala, Marta Cartabia, che parla solo di potere alle donne, si rotolano in terra per l’orgasmo.

Poi ci sono i giornalisti compagneros della Rai che vogliono “il nemico” Salvini eliminato e i suoi figli piccoli deportati in manicomio.

Poi ci sono quelli che, a proposito della povera Desirée Mariottini, giovane sbandata annientata atrocemente in un rudere, ostaggio di immigrati spietati, arrivano a dire che la colpa era sua, che era una tossica e comunque il problema sta nel fatto che non si educa al “consumo responsabile” di sostanze; lo stesso per Pamela Mastropietro, fatta letteralmente a pezzi a Macerata da alcuni pusher cannibali nigeriani gratificati dalla mostruosa difesa d’ufficio degli integrazionisti ultrà.

Poi ci sono le groupie di Mimmo Lucano, portato in fama di santo, del tutto indifferenti al suo famoso modello, che, al di là delle pronunce giudiziarie a venire, si è comunque confermato, cifre alla mano e senza possibilità di smentita, in una effervescente dissipazione pubblica, per non aggiungere altro. Del resto, se non avessero una tale idea dell’economia non sarebbero veterocompagni…

Poi ci sono quelli che… Bibbiano è un raffreddore, un modo di dire, una strumentalizzazione, e anche qui i processi, le sentenze, faranno il loro corso, se mai lo faranno ma una cosa è certissima, sono gli orrori patiti da troppe, troppe e ancora troppe famiglie (basti la terribile e bella inchiesta di Francesco Borgonovo e Antonio Rossitto autori del libro Bibbiano, i fabbricanti di mostri). Un vortice abissale, oltre le parole, ma riescono ancora a buttarla in ridicolo, a smorzarla, a negarla.

Poi c’è la regista Francesca Archibugi, ma nella sua cerchia pariolina hard fa fino chiamarla “Franciasca Archibbuggi”, che sta “col sistema di Bibbiano perché i figli non appartengono alle famiglie ma allo stato”.

Poi ci sono quelli che vogliono sostituire la famiglia alla rete formale e informale.

Poi ci sono le erinni alla Monica Cirinnà che vogliono rieducare, in senso gender, tutti perché “Dio patria e famiglia è una vita di merda”.

Poi ci sono i genderisti estasiati dalla prima ministra della Finlandia che è “figlia di due mamme”, che fa curriculum anche in politica.

Poi ci sono quelli convinti che la satira non deve avere colori, tranne il rosso; non è censura, precisano, è solo che la satira o è rossa o non è e quindi, in questo caso, va censurata.

Poi ci sono quelli, da Corrado Augias a Michele Serra, che insistono sulla superiorità genetica e culturale dell’homo sinitratus; che a uno basterebbe guardare loro per avere dei dubbi.

Poi ci sono le brigate Greta, gente che pur di non rinunciare a una curiosa idea di autoannientamento planetario, si mette in mano a questa sedicenne (ma sempre 16 anni ha Greta?) dagli evidenti problemi, di non poche incoerenze, di imbarazzante latitanza culturale, una che “vede l’anidride carbonica” prodotta dai capitalisti.

Poi ci sono le brigate Carola che difendono una che, dopo aver rischiato di colare a picco una motovedetta piena di militari della Guardia di Finanza, dopo avere infranto mezzo codice di navigazione tenendo in sequestro circa centoquaranta migranti, ha fatto un libro dove inneggia alla rivolta con toni che quasi quasi riecheggiano gli anni di piombo, in base alla solita strampalata idea della legalità: la legalità sono me, legalità è quello che io intendo per umanità, del resto menefotto.

Poi ci sono le brigate Asia, in arte Argento, che però non sanno bene come difendere una che s’è arrampicata sui vetri insaponati del metoo fino a che non si è scoperto che, oltre a portare una benevola pazienza col pigmalione porcone Weinstein, avrebbe ceduto lei stessa a qualche disinvoltura sessuale di troppo col giovane cacciatore di dote di turno: shetoo.

Poi ci sono i sapienti che per anni hanno rotto le palle con Aung San Suu Hyi, la martire col nome che sembra una birra, e adesso che è imputata per genocidio dei Rohinga al Tribunale Internazionale de l’Aja, fingono di non averla mai conosciuta, sono già passati ad altre icone del buonismo selvaggio (casomai il Tribunale dovesse assolverla, torneranno, uniti nel fatidico grido: contrordine, compagni!).

Poi ci sono i preti di strada, di frontiera, di trincea, dal Ciotti allo Zanotelli, fino al Bergoglio, uniti a pugno chiuso nella stralunata difesa di Ong, centri sociali, balordi assortiti, con ragioni che più strampalate non si può.

Poi ci sono i sardinari a strascico di una signora novantenne, salvatasi dalla deportazione, che, messa a capo di una preoccupante Commissione del Pensiero, trova modo di dire che l’uomo forte le rievoca antiche ferite, il che tradotto significa che Salvini fa rima come Mussolini (o magari con Hitler; con Stalin, no).

Poi ci sono appunto le madonne novantenni che se la godono un mondo nel farsi portare in processione da 600 sindaci amorevoli e antifascisti, benedicono le sardine come “sentinelle della memoria” ma la prima smemorata è lei, visto che sta sul palco con alcuni sindaci di estrema sinistra che hanno concesso la cittadinanza onoraria a notori terroristi e apologeti dello sterminio degli ebrei.

Poi, salate in fundo, arrivano le sardine, questo branco di fannulloni di cartapesta il cui capintesta, ogni ricciolo un capricciolo di vanità, a domanda sugli orientamenti politici risponde: ah, non lo so, non ho un’idea su niente però vengo bene in televisione e le cinquantenni mi si vogliono fare. Riciclati dell’estremismo di sinistra duro, che in rete diffamano, minacciano, insultano, impediscono accessi a luoghi considerati loro. Le “sentinelle della memoria” assumono un significato assai sinistro, e non solo in senso ideologico, con buona pace della loro benedicente Madonna in tour.

Vi bastano, come addobbi natalizi, queste cascate di palline rossefuoco, di palloncini già gonfiati, di pupazzetti di neve rossa? Poi vengono a dirti: ah, però, non sapevo della tua svolta destrorsa. No. Se è lecita una trascurabilissima parentesi personale, chi scrive non si sente particolarmente di destra, anzi non si sente proprio niente; non gliene può fregare di meno dei sovranisti, non perde le notti a pensare al destino di Salvini e (io sono) Giorgia, si ispira se mai a Frank Zappa, convinto che “l’elemento più diffuso in natura non è l’idrogeno, è la stupidità”.

Ora, non è colpa nostra se in questa disgraziata epoca di politicamente corretto manicomiale, la stupidità più stentorea, più possente fluisce copiosa da una certa casta, spelacchiata, ringhiosa, rifatta, caramellata di tromboni che sparano le loro grandi palle di fuoco e non si accorgono di quanto sono arroganti, patetici, imbarazzanti. E ridicoli. E, soprattutto, sempre meno ascoltati.

Max Del Papa

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laciviltacattolica · 4 years ago

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Padre Nostro | Mariano Iacobellis S.I.

Padre Nostro è il terzo lungometraggio di Claudio Noce che vede co-protagonista un sempre bravissimo Pierfrancesco Favino, vincitore della Coppa Volpi come miglior interprete maschile all'ultimo festival del cinema di Venezia. Il regista racconta se stesso da bambino, figlio del vice questore di Roma Alfonso Noce, vittima di un attentato da parte della organizzazione terrorista NAP, in cui persero la vita un poliziotto e un criminale.

Gli anni di piombo, tuttavia, restano sullo sfondo della pellicola, in un ritaglio di giornale, un frammento di telegiornale, una rivendicazione ascoltata al telefono; il punto di vista è quello degli occhi dolci di Valerio – interpretato dal bravo Mattia Garaci – che osservano avidi la presenza mai certa del genitore. La sua pancia impara a respirare all’unisono con la pancia del papà, e la sua assenza è risolta dal rapporto con Christian, amico, fratello, sostituto, forse rivale e nemico, l’altro da sé di cui immaginare un dolore altrettanto forte, contrario ma uguale.

Padre Nostro è un film ambivalente sulla solitudine e la tragedia che hanno vissuto intere famiglie, sulla paura di vedere ammazzato un proprio familiare, il proprio padre, madre, figlio, figlia, fratello, sorella. Le vittime sono i bambini, anche quelli dei terroristi: i figli pagano la colpa dei crimini efferati compiuti dai genitori.

Fatalmente, troppo spesso in Padre Nostro le immagini sono di troppo, quasi il regista non avesse consapevolezza della misura con cui una vicenda personale può diventare universale. Nel film ci sono i segni di un amore privato e di un dolore vero, ma il racconto si tinge di troppe forme, troppe soluzioni, per essere anch’esso assoluto.

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#cinema #padre nostro #claudio noce #pierfrancesco favino #lotta #dolore #famiglia #solitudine #bambini #relazione

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artandthebible · 4 months ago

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The Raising of Lazarus

Artist: Sebastiano del Piombo (Italian, 1485–1547)

Date: circa 1517–1519

Medium: Oil on Canvas

Collection: The National Gallery, London

Description

The Raising of Lazarus is a large altarpiece of 1517–1519 by the Italian High Renaissance artist Sebastiano del Piombo, for which Michelangelo supplied drawings for some figures. Intended for Narbonne Cathedral in France, it is now normally in Room 18 of the National Gallery in London, where it is "NG1", the first painting catalogued at the founding of the gallery in 1824.

The Raising of Lazarus

There are two men called Lazarus in the Bible. The first Lazarus is the subject of a story told by Jesus (Luke 16:19–31). Lazarus was very poor, probably homeless, and definitely a beggar (Luke 16:20). He often stayed at the gate of a rich man in hopes of getting scraps from his table. Both men died, and Jesus tells of how Lazarus was taken to “Abraham’s side,” a place of comfort and rest, while the rich man went to “Hades,” a place of conscious torment (Luke 16:22–23). Some Bible scholars believe that Jesus was telling a parable, that is, a fictional story not meant to be a literal account. However, Jesus uses actual names in the story, He does not interpret the story, and neither does He add a moral to the end. He lets the story stand for itself. Because of these details, the story of Lazarus and the rich man could be a true account, relating the actual fates of Lazarus and the unbelieving rich man. Either way, Jesus’ teaching on the reality of heaven and hell is clear. The Lazarus in Jesus’ story does not appear anywhere else in the Bible, and we do not know when in the timeline of history he may have lived, if he was a real person.

The entire episode of Lazarus’ sickness, death, and restoration to life worked toward giving glory to God and increasing the faith of Jesus’ followers, just as Jesus had said when He heard of Lazarus’ illness. Just before He raised Lazarus, Jesus prayed, “Father, I thank you that you have heard me. I knew that you always hear me, but I said this for the benefit of the people standing here, that they may believe that you sent me” (John 11:41–42). Jesus’ prayer was answered: Lazarus came back to life, and “many of the Jews who had come to visit Mary, and had seen what Jesus did, believed in him” (John 11:45).

#biblical #oil on canvas #painting #raising of lazarus #jesus's miracles #christianity #sebastiano del piombo #italian painter #16th century #european art #landscape #bridge #buildings #jesus #figures #gospel of luke #gospel of john #christian faith #biblical art

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apenitentialprayer · 5 years ago

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1. Maerten van Heemskerck, Man of Sorrows, 1532. Source. 2. Maerten van Heemskerck, Man of Sorrows, 1525. Source. 3. Anonymous, The Trinity with Christ Resurrected, 1550-1599. Source. 4. Sebastiano del Piombo, The Raising of Lazarus, 1517-1519. Source.

Let me assume that the ithyphallic motif in these images of the mystical Man of Sorrows was mysteriously meant. One might conjecture that Heemskerck’s symbol simply inverts the archaic biblical euphemism of ‘flesh’ for penis. At the original institution of circumcision, the Lord of Genesis (17:13) says: ‘My covenant shall be in your flesh.’ Heemskerck’s paintings would reverse that trope by representing the risen flesh in the roused sexual member. It is no far cry from one to the other - no straining leap of imagination to equate penile erection, reciprocally, with flesh vivified. As a symbol of postmortem revival, the erection-resurrection equation roots in pre-Christian antiquity; it characterized Osiris, the Egyptian god of the afterlife, represented with his restored member out like a leveled lance. And the ithyphallus as emblem of immortality haunts later Mediterranean mysteries honoring Bacchus. The prevalence of such symbolism accounts perhaps for the readiness in which Christian theology associated the penis in circumcision with resurrection [x]. In Western literature, the locus classicus for our metaphoric equation is Boccaccio’s Decameron, the tenth tale of the third day, where the sexual arousal of the anchorite Rustico is announced, with blasphemous irony, as ‘la resurrezion della carne.’ The context of the novella makes Boccaccio’s wording -the resurrection of the flesh following its mortification- an apt and effective pun. But this same ‘pun’, now deeply serious, lurks in the greatest 16th Century representation of the Raising of Lazarus - Sebastiano del Piombo’s colossal painting in London, composed with the assistance of Michelangelo: Lazarus’s loincloth, which in the preparatory drawing dips unsupported between the thighs, appears in the painting firmly propped from below - a sign of the resurgent flesh. [...] Returning now to Heemskerck’s outrageous conception of the Man of Sorrows with the testimonium fortitudinis in clear evidence, we restate our question: is the erection-resurrection equation in paintings of c. 1530 admissible within the Christian ethos? And now a positive answer no longer seems scurrilous: in the similitude of Christ’s body, Heemskerck (like Ludwig Krug and the others) may have attempted a metaphor of the mortified-vivified flesh. To justify his conception, he could have said, or thought, something like this: if it was in the organ of generation and lust that Christ initiated his Passion, and if, in exegetic tradition, its circumcision on the eighth day prefigures the Resurrection, the final putting away of corruption, then what is that organ’s status in the risen body? Or more simply: if the truth of the Incarnation was proved in the mortification of the penis, would not the truth of the Anastasis, the resuscitation, be proved by its erection? Would not this be the body’s best show of power? It was surely in this sense that the Heemskerck canvas of 1525 was understood by the glass painter who found the seated Man of Sorrows adaptable to an elaborate Resurrection, complete with Trinity, attendant angels, and Evangelist’s symbols. Without change of posture, the Christ in the copy appears to rise from the tomb, as does the horned bull, inserted between Christ’s mounting thighs under his member.

- Leo Steinberg (The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion, pages 86, 89-90, 91). Emphasis mine.

#Jesus Christ #Resurrection #Christianity #Lazarus #Egyptian mythology #Osiris #Greek mythology #Dionysus #circumcision #The Sexuality of Christ

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giuliocavalli · 7 years ago

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«Essere antifascisti è impedire ai neofascisti di manifestare»: cosa disse Sandro Pertini a Genova nel 1960 «Gente del popolo, partigiani e lavoratori, genovesi di tutte le classi sociali. Le autorità romane sono particolarmente interessate e impegnate a trovare coloro che esse ritengono i sobillatori, gli iniziatori, i capi di queste manifestazioni di antifascismo. Ma non fa bisogno che quelle autorità si affannino molto: ve lo dirò io, signori, chi sono i nostri sobillatori: eccoli qui, eccoli accanto alla nostra bandiera: sono i fucilati del Turchino, della Benedicta, dell’Olivetta e di Cravasco, sono i torturati della casa dello Studente che risuona ancora delle urla strazianti delle vittime, delle grida e delle risate sadiche dei torturatori. Nella loro memoria, sospinta dallo spirito dei partigiani e dei patrioti, la folla genovese è scesa nuovamente in piazza per ripetere “no” al fascismo, per democraticamente respingere, come ne ha diritto, la provocazione e l’offesa. Io nego – e tutti voi legittimamente negate – la validità della obiezione secondo la quale il neofascismo avrebbe diritto di svolgere a Genova il suo congresso. Infatti, ogni atto, ogni manifestazione, ogni iniziativa, di quel movimento è una chiara esaltazione del fascismo e poiché il fascismo, in ogni sua forma è considerato reato dalla Carta Costituzionale, l’attività dei missini si traduce in una continua e perseguibile apologià di reato. Si tratta del resto di un congresso che viene qui convocato non per discutere, ma per provocare, per contrapporre un vergognoso passato alla Resistenza, per contrapporre bestemmie ai valori politici e morali affermati dalla Resistenza. Ed è ben strano l’atteggiamento delle autorità costituite le quali, mentre hanno sequestrato due manifesti che esprimevano nobili sentimenti, non ritengono opportuno impedire la pubblicazione dei libelli neofascisti che ogni giorno trasudano il fango della apologia del trascorso regime, che insultano la Resistenza, che insultano la Libertà. Dinanzi a queste provocazioni, dinanzi a queste discriminazioni, la folla non poteva che scendere in piazza, unita nella protesta, né potevamo noi non unirci ad essa per dire no come una volta al fascismo e difendere la memoria dei nostri morti, riaffermando i valori della Resistenza. Questi valori, che resteranno finché durerà in Italia una Repubblica democratica sono: la libertà, esigenza inalienabile dello spirito umano, senza distinzione di partito, di provenienza, di fede. Poi la giustizia sociale, che completa e rafforza la libertà, l’amore di Patria, che non conosce le follie imperialistiche e le aberrazioni nazionalistiche, quell’amore di Patria che ispira la solidarietà per le Patrie altrui. La Resistenza ha voluto queste cose e questi valori, ha rialzato le glorie del nostro nuovamente libero paese dopo vent’anni di degradazione subita da coloro che ora vorrebbero riapparire alla ribalta, tracotanti come un tempo. La Resistenza ha spazzato coloro che parlando in nome della Patria, della Patria furono i terribili nemici perché l’hanno avvilita con la dittatura, l’hanno offesa trasformandola in una galera, l’hanno degradata trascinandola in una guerra suicida, l’hanno tradita vendendola allo straniero. Noi, oggi qui, riaffermiamo questi principi e questo amor di patria perché pacatamente, o signori, che siete preposti all’ordine pubblico e che bramate essere benevoli verso quelli che ho nominato poc’anzi e che guardate a noi, ai cittadini che gremiscono questa piazza, considerandoli nemici della Patria, sappiate che coloro che hanno riscattato l’Italia da ogni vergogna passata, sono stati questi lavoratori, operai e contadini e lavoratori della mente, che noi a Genova vedemmo entrare nelle galere fasciste non perché avessero rubato, o per un aumento di salario, o per la diminuzione delle ore di lavoro, ma perché intendevano battersi per la libertà del popolo italiano, e, quindi, anche per le vostre libertà. E’ necessario ricordare che furono quegli operai, quegli intellettuali, quei contadini, quei giovani che, usciti dalle galere si lanciarono nella guerra di Liberazione, combatterono sulle montagne, sabotarono negli stabilimenti, scioperarono secondo gli ordini degli alleati, furono deportati, torturati e uccisi e morendo gridarono “Viva l’Italia”, “Viva la Libertà”. E salvarono la Patria , purificarono la sua bandiera dai simboli fascista e sabaudo, la restituirono pulita e gloriosa a tutti gli italiani. Dinanzi a costoro, dinanzi a questi cittadini che voi spesso maledite, dovreste invece inginocchiarvi, come ci si inginocchia di fronte a chi ha operato eroicamente per il bene comune. Ma perché, dopo quindici anni, dobbiamo sentirci nuovamente mobilitati per rigettare i responsabili di un passato vergognoso e doloroso, i quali tentano di tornare alla ribalta? Ci sono stati degli errori, primo di tutti la nostra generosità nei confronti degli avversari. Una generosità che ha permesso troppe cose e per la quale oggi i fascisti la fanno da padroni, giungendo a qualificare delitto l’esecuzione di Mussolini a Milano. Ebbene, neofascisti che ancora una volta state nell’ombra a sentire, io mi vanto di avere ordinato la fucilazione di Mussolini, perché io e gli altri, altro non abbiamo fatto che firmare una condanna a morte pronunciata dal popolo italiano venti anni prima. Un secondo errore fu l’avere spezzato la solidarietà tra le forze antifasciste, permettendo ai fascisti d’infiltrarsi e di riemergere nella vita nazionale, e questa frattura si è determinata in quanto la classe dirigente italiana non ha inteso applicare la Costituzione là dove essa chiaramente proibisce la ricostituzione sotto qualsiasi forma di un partito fascista ed è andata più in là, operando addirittura una discriminazione contro gli uomini della Resistenza, che è ignorata nelle scuole; tollerando un costume vergognoso come quello di cui hanno dato prova quei funzionari che si sono inurbanamente comportati davanti alla dolorosa rappresentanza dei familiari dei caduti. E’ chiaro che così facendo si va contro lo spirito cristiano che tanto si predica, contro il cristianesimo di quegli eroici preti che caddero sotto il piombo fascista, contro il fulgido esempio di Don Morosini che io incontrai in carcere a Roma, la vigilia della morte, sorridendo malgrado il martirio di giornate di tortura. Quel Don Morosini che è nella memoria di tanti cattolici, di tanti democratici, ma che Tambroni ha tradito barattando il suo sacrificio con 24 voti, sudici voti neofascisti. Si va contro coloro che hanno espresso aperta solidarietà, contro i Pastore, contro Bo, Maggio, De Bernardis, contro tutti i democratici cristiani che soffrono per la odierna situazione, che provano vergogna di un connubio inaccettabile. Oggi le provocazioni fasciste sono possibili e sono protette perché in seguito al baratto di quei 24 voti, i fascisti sono nuovamente al governo, si sentono partito di governo, si sentono nuovamente sfiorati dalla gloria del potere, mentre nessuno tra i responsabili, mostra di ricordare che se non vi fosse stata la lotta di Liberazione, l’Italia, prostrata, venduta, soggetta all’invasione, patirebbe ancora oggi delle conseguenze di una guerra infame e di una sconfitta senza attenuanti, mentre fu proprio la Resistenza a recuperare al Paese una posizione dignitosa e libera tra le nazioni. Il senso, il movente, le aspirazioni che ci spinsero alla lotta, non furono certamente la vendetta e il rancore di cui vanno cianciando i miserabili prosecutori della tradizione fascista, furono proprio il desiderio di ridare dignità alla Patria, di risollevarla dal baratro, restituendo ai cittadini la libertà. Ecco perché i partigiani, i patrioti genovesi, sospinti dalla memoria dei morti sono scesi in Piazza: sono scesi a rivendicare i valori della Resistenza, a difendere la Resistenza contro ogni oltraggio, sono scesi perché non vogliono che la loro città, medaglia d’oro della Resistenza, subisca l’oltraggio del neofascismo. Ai giovani, studenti e operai, va il nostro plauso per l’entusiasmo, la fierezza., il coraggio che hanno dimostrato. Finché esisterà una gioventù come questa nulla sarà perduto in Italia. Noi anziani ci riconosciamo in questi giovani. Alla loro età affrontavamo, qui nella nostra Liguria, le squadracce fasciste. E non vogliamo tradire, di questa fiera gioventù, le ansie, le speranze, il domani, perché tradiremmo noi stessi. Così, ancora una volta, siamo preparati alla lotta, pronti ad affrontarla con l’entusiasmo, la volontà la fede di sempre. Qui vi sono uomini di ogni fede politica e di ogni ceto sociale, spesso tra loro in contrasto, come peraltro vuole la democrazia. Ma questi uomini hanno saputo oggi, e sapranno domani, superare tutte le differenziazioni politiche per unirsi come quando l’8 settembre la Patria chiamò a raccolta i figli minori, perché la riscattassero dall’infamia fascista. A voi che ci guardate con ostilità, nulla dicono queste spontanee manifestazioni di popolo? Nulla vi dice questa improvvisa ricostituita unità delle forze della Resistenza? Essa costituisce la più valida diga contro le forze della reazione, contro ogni avventura fascista e rappresenta un monito severo per tutti. Non vi riuscì il fascismo, non vi riuscirono i nazisti, non ci riuscirete voi. Noi, in questa rinnovata unità, siamo decisi a difendere la Resistenza, ad impedire che ad essa si rechi oltraggio. Questo lo consideriamo un nostro preciso dovere: per la pace dei nostri morti, e per l’avvenire dei nostri vivi, lo compiremo fino in fondo, costi quello che costi.» (grazie a Christian Raimo per averlo riproposto, qui) «Gente del popolo, partigiani e lavoratori, genovesi di tutte le classi sociali. Le autorità romane sono particolarmente interessate e impegnate a trovare coloro che esse ritengono i sobillatori, gli iniziatori, i capi di queste manifestazioni di antifascismo.

#antifascismo #Politica #sandro pertini

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freedomtripitaly · 5 years ago

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Lo chiamano il paese delle fiabe. Il suo cittadino più famoso è colui che da tutti viene riconosciuto come l’inventore delle favole: Hans Christian Andersen. Il paese è Odense e si trova sull’isola di Fionia, in Danimarca. La popolarità del più grande scrittore del Paese e, forse, del mondo, a più di duecento anni di distanza rimane immutata. Il pittoresco villaggio ricorda il suo più illustre cittadino tutto l’anno, con eventi e itinerari dedicati, facendo scoprire ai visitatori – bambini, ma non solo – i luoghi dove il più famoso narratore di fiabe del mondo è nato e cresciuto e che hanno ispirato i suoi racconti. Tra le fiabe più celebri di Andersen ricordiamo “La principessa sul pisello”, “La sirenetta”, “Il soldatino di piombo”, “Il brutto anatroccolo”, “La regina delle nevi” e “La piccola fiammiferaia” e tante altre ancora. Odense è conosciuto anche come il “giardino di Danimarca” per via delle sue bellezze naturali e i suoi fiabeschi manieri. La prima tappa alla scoperta delle fiabe di Hans Christian Andersen è la sua casa natale, un piccolo edificio giallo nel vecchio quartiere. La visita all’interno permette di ripercorrere la vita e le opere del famoso scrittore, e mette in mostra una raccolta completa dei suoi disegni e ritagli di carta. Diventata un museo nel 1908, è uno dei più antichi al mondo a lui dedicati. Oltre alla casetta gialla in cui sono stati mantenuti gli ambienti dell’epoca, è stata aggiunta un’ala moderna che ospita un allestimento multimediale e interattivo. Il viaggio continua nella casa d’infanzia in Munkemøllestræde, vicino alla Cattedrale, dove Andersen visse dai 2 ai 14 anni. Diventata museo nel 1930, l’abitazione espone diversi manoscritti e diari originali ed è arredata esattamente come la descrive lo scrittore nelle sue memorie, raccontando in maniera fedele le condizioni anguste e la povertà del 1800. Il mondo incantato di Andersen rivive anche nel “Villaggio di Fionia” (Den Fynske Landsby), un museo all’aperto dove è stato ricostruito l’ambiente di un villaggio danese tra il 1700 e il 1900, con case di pietra e legno, un laghetto e una deliziosa stradina. D’estate, il villaggio è animato da figuranti in costume, che rendono ancora più viva l’atmosfera, raccontando la vita quotidiana nella campagna danese del XIX secolo. C’è anche un museo chiuso dedicato ad Andersen che ospita i cimeli e le opere originali dello scrittore. Durante un viaggio a Odense non può mancare la visita del Giardino del Re (Kongens Have) e del castello, dove alloggiavano i re di Danimarca quando si trovavano in città. La madre di Andersen lavorò per un certo periodo nel castello, mentre lui, da ragazzo, giocava nei giardini con il principe ereditario, il futuro Frederik VII. A ricordarlo, nel giardino spicca una statua raffigurante Andersen. Ogni anno, ad agosto, la città natale di Andersen festeggia il suo celebre concittadino con un festival, un’occasione unica per lasciare spazio all’immaginazione, alle fiabe e all’avventura. In questa settimana di cabaret, concerti, sfilate ed esperienze artistiche sono centinaia gli appuntamenti, la maggior parte dei quali gratuiti. Passeggiando per le strade di questa deliziosa cittadina danese, tra negozi e localini tipici, non mancate di fare tappa al numero 24 di Bangs Boder dove, sul lato di un edificio, svetta un gigantesco murales di Hans Christian Andersen. @Ufficio Stampa https://ift.tt/3423fh8 Nel paese delle fiabe di Hans Christian Andersen Lo chiamano il paese delle fiabe. Il suo cittadino più famoso è colui che da tutti viene riconosciuto come l’inventore delle favole: Hans Christian Andersen. Il paese è Odense e si trova sull’isola di Fionia, in Danimarca. La popolarità del più grande scrittore del Paese e, forse, del mondo, a più di duecento anni di distanza rimane immutata. Il pittoresco villaggio ricorda il suo più illustre cittadino tutto l’anno, con eventi e itinerari dedicati, facendo scoprire ai visitatori – bambini, ma non solo – i luoghi dove il più famoso narratore di fiabe del mondo è nato e cresciuto e che hanno ispirato i suoi racconti. Tra le fiabe più celebri di Andersen ricordiamo “La principessa sul pisello”, “La sirenetta”, “Il soldatino di piombo”, “Il brutto anatroccolo”, “La regina delle nevi” e “La piccola fiammiferaia” e tante altre ancora. Odense è conosciuto anche come il “giardino di Danimarca” per via delle sue bellezze naturali e i suoi fiabeschi manieri. La prima tappa alla scoperta delle fiabe di Hans Christian Andersen è la sua casa natale, un piccolo edificio giallo nel vecchio quartiere. La visita all’interno permette di ripercorrere la vita e le opere del famoso scrittore, e mette in mostra una raccolta completa dei suoi disegni e ritagli di carta. Diventata un museo nel 1908, è uno dei più antichi al mondo a lui dedicati. Oltre alla casetta gialla in cui sono stati mantenuti gli ambienti dell’epoca, è stata aggiunta un’ala moderna che ospita un allestimento multimediale e interattivo. Il viaggio continua nella casa d’infanzia in Munkemøllestræde, vicino alla Cattedrale, dove Andersen visse dai 2 ai 14 anni. Diventata museo nel 1930, l’abitazione espone diversi manoscritti e diari originali ed è arredata esattamente come la descrive lo scrittore nelle sue memorie, raccontando in maniera fedele le condizioni anguste e la povertà del 1800. Il mondo incantato di Andersen rivive anche nel “Villaggio di Fionia” (Den Fynske Landsby), un museo all’aperto dove è stato ricostruito l’ambiente di un villaggio danese tra il 1700 e il 1900, con case di pietra e legno, un laghetto e una deliziosa stradina. D’estate, il villaggio è animato da figuranti in costume, che rendono ancora più viva l’atmosfera, raccontando la vita quotidiana nella campagna danese del XIX secolo. C’è anche un museo chiuso dedicato ad Andersen che ospita i cimeli e le opere originali dello scrittore. Durante un viaggio a Odense non può mancare la visita del Giardino del Re (Kongens Have) e del castello, dove alloggiavano i re di Danimarca quando si trovavano in città. La madre di Andersen lavorò per un certo periodo nel castello, mentre lui, da ragazzo, giocava nei giardini con il principe ereditario, il futuro Frederik VII. A ricordarlo, nel giardino spicca una statua raffigurante Andersen. Ogni anno, ad agosto, la città natale di Andersen festeggia il suo celebre concittadino con un festival, un’occasione unica per lasciare spazio all’immaginazione, alle fiabe e all’avventura. In questa settimana di cabaret, concerti, sfilate ed esperienze artistiche sono centinaia gli appuntamenti, la maggior parte dei quali gratuiti. Passeggiando per le strade di questa deliziosa cittadina danese, tra negozi e localini tipici, non mancate di fare tappa al numero 24 di Bangs Boder dove, sul lato di un edificio, svetta un gigantesco murales di Hans Christian Andersen. @Ufficio Stampa Il villaggio di Odense e si trova sull’isola di Fionia, in Danimarca, e ogni angolo racconta una favola.

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putthison · 8 years ago

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eBay Roundup

There’s a lot of great menswear on eBay, but to find the good stuff, you have to search for hours. Which is why we do these roundups, so that our readers can find good deals easily and quickly. For those looking to get an extra round-up each week, subscribe to our Inside Track newsletter. We not only cover the best of eBay, we also list each week’s store sales.

Some great summer items in today’s round up (OK, maybe not heat wave summer, but good for those cooler parts). Check out this Massimo Piombo field jacket, vintage Wrangler denim shirt, cheery Christian Kimber pocket square, and suede Longhi A-1 bomber. I also wish these Mr Hare jodhpurs were in my size.

To find more menswear on eBay, try using our customized search links. We’ve made them so you can quickly hone-in on high-end suits, good suits, high-quality shirts and fine footwear.

Suits, sport coats, and blazers

Gray checked Eidos sport coat, 40

Outerwear

Navy waxed Private White VC bomber, various sizes

Vintage military trench coat, XS

Vintage styled LVC leather jacket, XS

Barbour x To Ki To fishing jacket, S

Massimo Piombo tan field jacket, 38 (pictured above)

Navy Longhi leather A-1 bomber, 38

Tan Beams Plus mountain parka, S

Tan Vanson leather jacket, 40

Burnt orange Grenfell walking jacket, M

Navy Engineered Garments fishtail parka, M

Green waxed cotton Surface to Air field jacket, M

Green Man 1924 raincoat, M

LVC striped work coat, M

Green Barbour Liddesdale, M

Olive Unis hunting coat, M

Tan Albam jacket, M

Waxed Margiela five-zip cafe racer, 42

Brown Longhi leather A-1 bomber, 42 (pictured above)

Gray herringbone double breasted coat, 42

Red plaid Engineered Garments Bedford jacket, L

Navy Battenwear anorak, L

Grenfell raincoat, XL

Navy sateen RRL flight jacket, XL

Black Vanson leather cafe racer, 46

Sweaters and knits

Inverallan patterned sweater, 38

Brown birdseye knit Inis Meain sweater, M

Orlebar Brown terrycloth polos, blue M and white L

Gray Our Legacy sweatshirt, L

Shirts and pants

Vintage Keith Haring skateboarding shirt, S

Woolrich fishing motif shirt, S

Vintage Wrangler denim Western shirt, 15.5

Red and yellow plaid Left Field work shirt, M

Black Engineered Garments pineapple shirt, L

Striped Velva Sheen t-shirt, L

Brown Surface to Air herringbone shirt, XL

Kamakura blue chambray shirt, XL

Vintage blue Aloha shirt, XL

Red plaid RRL work shirt, XXL

Vintage Patagonia shorts, 30

Navy Left Field work chinos, 31

Brown hopsack Epaulet trousers, 31

Green Unis chinos, 34

Brown Lambourne corduroy trousers, 40

Shoes

Various Carmina shoes, various sizes (pictured above)

Le Chameau rainboots, 7.5

Crockett & Jones suede apron toe bluchers, 7.5

Alfred Sargent plain toe boots, 7.5

Red Wing roper boots, 8

Edward Green two tone Dovers, 8

Edward Green tassel loafers, 8

Edward Green shortwings, 8

Vass perf toe oxfords, 8

Edward Green suede bluchers, 8.5

Sid Mashburn shortwings, 8.5

Crockett & Jones single monks, 10

Victory Sportswear grey running shoes, 10

Mr Hare suede jodhpurs, 10 (pictured above)

Church's crown motif velvet slippers, 11

Clark's x Herschel Supply suede desert boots, 11

Blundstone Chelsea boots, 13

Ties

Black Ralph Lauren wool and silk grenadine

Red diamond motif J. Press tie

Gray dotted Eidos linen tie

Brooks Brothers Argyll regimental tie

Bags, briefcases, and wallets

Vintage Chouinard hiking backpack (rare pre-Patagonia piece)

Misc.

Christian Kimber pocket square

Various sunglasses (vintage Armani, Lesca, Lesca, Illesteva) (pictured above)

Wool ancient madder pattern Drake's pocket square

Braided Whitehouse Cox belt, 32

Navy striped Begg lambswool scarf

World's largest Levis jeans?

Women's belted Grenfell parka, M

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#eBay Round Up

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