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lt91chile · 5 years ago

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Walls – Crash Records

Pídele a Louis Tomlinson que nombre su canción favorita de Walls y cambiará su respuesta varias veces. Podría ser la canción que le da el nombre del álbum donde comparte los créditos de co-compositor con un ídolo. O el actual e irresistible single “Dont Let It Break Your Heart” que presume uno de sus coros mas adictivos a la fecha.

En cuanto a letras, está muy orgulloso de las 12 canciones del álbum, la mayoría basadas en la vida real, pero en particular de aquellas que profundizan en temas desde las relaciones y familia hasta la locura de la juventud y sobre los días donde se cuestionaba a si mismo. Esta emocionado por presentar en vivo las canciones que reflejan el indie Rock con el que creció y que adora hasta hoy en día.

De hecho, a penas importa cuales canciones son las favoritas de Louis porque sus fans están a un paso de poder elegir por ellos mismos. Luego de pasar dos años perfeccionando su sonido y afinando sus habilidades como un compositor que escribe con el corazón, el chico de 28 años simplemente no puede esperar para lanzar su álbum debut y presentarlo en la gira.

“Siento que este es el inicio de mi carrera, con mucho que esperar y con todos los planes ya establecidos”, dice Louis. “Honestamente ya he pasado por cada una de las emociones posibles en los últimos años y he salido mucho más fuerte y con más confianza de lo que alguna vez he tenido”

“Se que he hecho un álbum que le gustará a mis fans, uno que suena como y tiene su propia identidad. Hubo momentos en los que no estaba seguro de si esto era lo que debía estar haciendo. Ahora no me puedo imaginar haciendo algo más”

2019 fue el año en el que Louis encontró su lugar como un artista solista. Siguió su galardonado retorno en marzo con “Two Of Us”, la tomó la trágica perdida de su madre como punto de referencia y conectó con sus fans alrededor del mundo, con una racha de aclamados singles – el estridente Kill My Mind, el reflexivo We Made It y el perfecto pop de Dont Let It Break Your Heart.

2020 es el año en el que Louis estará en vivo con 50 fechas en su Gira Mundial, la primera como solista, con muchas fechas agotadas incluyendo todos sus shows en el Reino Unido. Una reciente fecha en Madrid fue su primer gran show luego de la separación de One Direction. Desde los comienzos de Marzo hasta finales de Julio estará en tour casi todas las noches cruzando países y continentes con Walls.

“No me queda mucho tiempo para ponerme en forma”, se ríe Louis. “En serio, jugué fútbol en una grabación el otro dia y luego de 10 minutos ya estaba jadeando de cansancio. No se preocupen tengo mucha gente ya diciéndome que debo ir al gimnasio, eso es lo único a lo que temo”.

Entre los colaboradores de Walls se encuentran el británico Jamie Hartman asentado en Los Ángeles (Rag’n’Bone Man, James Bay) y Jamie Scott (One Direction, Bieber).

Si Walls te recuerda al clásico Oasis de los ‘90, es porque Louis todavía escucha esos primeros álbumes. “Realmente me di cuenta cuando estaba en el estudio para escuchar la grabación de las cuerdas. Debió haber 25 músicos allí, todos para mi canción. Fue un momento que podía llevarte a las lágrimas y nunca sentí un escalofrío como ese”.

Los fans encontraran mucho que les dará ese sentimiento en 12 canciones que, en sus letras, se remontan inclusive a los días de Louis en One Direction, recuerda también los altibajos de sus relaciones y relata las lecciones de vida que ha tenido que aprender a sus 27 años.

La fabulosa “Habit” es un mensaje a las fans y una reflexión sobre la fama impregnada en una hermosa guitarra eléctrica, con una referencia a Princess Park para los devotos de 1D.

“Hubo un tiempo en el que sentí que estaba estancado”, dice Louis. “No estaba seguro al 100% de si quería seguir. Fue frustrante y, obviamente, la fama puede ser un poco intrusiva cuando estas inseguro sobre ti mismo, pero traté de imaginarme a mi mismo sin hacer esto, sin tener el apoyo de mis fans y no pude”.

“La música es el habito al cual sigo volviendo. Olvídate de sentir lastima por mí mismo. Habit es un agradecimiento hacia mis fans y un recordatorio de que debo ser agradecido por tener esta posición”.

Mientras We Made It recuerda a los días previos a la fama de Louis, pasando tiempo con su novia Eleanor en los pasillos de su universidad y sus sueños adolescentes para el futuro, ambas Walls y la acústica Too Young resumen la historia de rompimientos que últimamente volvieron a la relación de este par mucho más fuerte.

“Too young es sobre conocer a “la persona indicada” con 18 años y, como todos a esa edad, no estamos preparados para ello”, dice Louis. “Me resultó difícil mirar hacia el futuro, tuve que cometer algunos errores y seguir el camino equipado para darme cuenta de lo que tenía y de lo que pensé que había perdido”.

“Walls es un poco más especifica, es sobre volver a casa luego de regresar del tour, tiempo después de habernos separado. Encontré algunas prendas de ropa de mi novia en el armario y eso me hizo darme cuenta de lo que había hecho. Me gusta el sonido indie de la canción y su naturaleza circular – comienza y termina con el mismo verso”.

Ese verso – “Nada te despierta más que despertar solo” – es uno de los muchos versos de Walls que muestran la progresión de Louis como un compositor que está listo para revelar su lado más vulnerable. “El día en que te fuiste fue el día en que convertí en el hombre que soy ahora” – es otro de ellos.

“Finjo no ser romántico, pero lo soy”, dice Louis. “Hace dos años atrás no hubiese podido escribir esos versos. Me hubiese sentido muy expuesto. Pero eso es lo que te hace la edad, supongo. Suena tonto porque 27 no es ser viejo, pero he pensado demasiado en lo que es envejecer durante este tiempo”.

En Fearless, la cual empieza y termina con voces de niños, Louis mira hacia atrás a sus amigos con los que creció y reflexiona sobre lo que significa envejecer.

“Estoy en este punto medio en donde miro a la gente de mi pasado y los veo tan adultos ahora”, dice. “No los llamaré aburridos, pero creo que la gente debiera tomarse la vida un poco menos en serio. Diviértete más mientras sigues joven, porque esto no durará para siempre”.

La canción más antigua de Walls es Always You, la más recientemente grabada, hermoso y acústico cierre del álbum, Only The Brave, la cual solo dura 1:44 minutos.

“La razón por la que Always You se quedó en el álbum es porque publiqué un adelanto de 15 segundos en mis redes sociales hace años atrás, y desde ese momento, las fans han estado desesperados por escucharla”, dice Louis. “Les debía esta canción”.

“Only The Brave creo que fue escrito para Liam Gallagher. Es la única canción en la que menos escribí. Me la mostraron e inmediatamente la adoré. Hubo una charla sobre hacerla un poco más larga, pero lo que es buena de ella es que es corta, pero hace que el mensaje llegue claramente”.

“Además, es la duodécima canción. Eso es más que suficiente para mí en una primera instancia”.

– Crash Records

#louis tomlinson #interview #traduccion #one direction #walls #walls promo

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nosvemosenprimerafila · 2 years ago

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ASESINOS DEL AMOR presentan el disco "EL TIMO DEL PUNK"........ Llego el momento del debut del trabajo de presentación de Asesinos del Amor: "El Timo del Punk", un EP disfrazado de un Álbum. Todo un timo... como indica su titulo. El grupo esta formado por Indi (voz principal), Rubén (guitarra y coros), Miguel (bajo y coros), y, por último, Juanto (batería). Su anterior banda, Los Chicos de Indi, se metamorfosea ahora en Asesinos de Amor. Sobre este proceso nos cuentan: "Los Chicos de Indi, nos pusimos nuestras mejores trajes para salir a la pista de baile y disfrutar con vosotros pero tuvimos un gran inconveniente, sufrimos nuestra propia canción, sufrimos la desolación, el abandono, la enfermedad, hasta que llego la muerte, nuestra respuesta fue el Rock and Roll y nos convertirmos en los Asesinos del Amor. La única forma de avanzar era ir al origen, al rock and roll, para luego poder destrozaros, asi que decidimos hacer esta versión de Asesino del Amor R'n'R". El disco esta formado basicamente por cuatro canciones: "Asesino del Amor", "Nuevo Dia", "Despedida" y "Suicidio". Eso son los cuatro temas principales, el resto son diferentes versiones de esos temas y sobre todo de "Asesino del Amor" que fue la canción que les hizo ser ellos mismos. Existe una curiosidad y es que existe un duet con la artista colombiana Allison Garcia. Las dos voces rockeras, la de la colombiana Allison García junto a la de la jiennense Indi, unen su indiscutible fuerza vocal para dar otra vez forma a la canción "Asesino del Amor". Ambas aportan a la canción no solo la fuerza y contundéncia necesaria para el punk-rock de la banda, sino tambien a vez calidez y sensibilidad necesaria para la canción. Una visión mucho más femenina de la canción plasmada por esas dos voces. Cuenta Allison García sobre la canción: "Los primeros riffs de guitarra, una melodía vocal que entró a dar vueltas en mi cabeza, una base rítmica rockera y un sonido retro fueron motivos más que suficientes para recibir con agradecimiento la invitación de Asesinos Del Amor a ser parte de su single "Asesino Del Amor". Continúa en www.nosvemosenprimerafila.com #asesinosdelamor #rock #Madrid #indie #emergentes (en Asesinos del Amor) https://www.instagram.com/p/CiuwsHNjFH_/?igshid=NGJjMDIxMWI=

#asesinosdelamor #rock #madrid #indie #emergentes

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interrogationblock · 3 years ago

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Top 3 Pokemón exclusivos de eventos

Hola chicos como están? hoy les traigo 3 Pokemón exclusivos de eventos que son prácticamente imposibles de conseguir legalmente

Número 3

En el puesto 3 tenemos un vulpix de alola, este Pokemón se dio como promoción de la reapertura de la tienda Pokémon Center de Sapporo, en Japón. Este pokemon tiene el movimiento exclusivo celebracion, fue regalado con el nivel 10 y fue capturado con una gloria Ball.

Número 2

En el puesto 2 nos encontramos con un Deoxys. Este Pokemón se dio a los que pre ordenaron a sus entradas para la 10 ª película El desafío de Darkrai, donde se repartió a Deoxys nivel 50 atrapado en una gloria ball con los movimientos psicoataque, electrocañon, defensa férrea y velocidad extrema de sus formas alternas y viene equipado con un antiderretir y lleva una cinta principal. Dicho evento se dio en:

Japón: Del 23 de junio al 2 de Septiembre del 2007

Estados Unidos: En tiendas Gamestop 20 al 29 de Junio del 2008

Número 1

Y finalmente en el puesto número 1 esta un mew de la primera generacion que se dio en los juegos de Pokemón rojo, azul y amarillo. La revista CoroCoro Comic en Japón anunció en el número de ese mes que se seleccionaría a veinte ganadores que podrían enviar el cartucho de su juego Pokemon rojo y verde a Nintendo para que les cargaran los datos de Mew.

En este caso dicho evento se hizo en:

Japón: Coro Coro abril 1996, Nintendo Space World 27 al 29 agosto del 1999

Madrid España: Pokémon Tournament en Madrid, España en Junio del 2000.

Estados Unidos: Nintendo Power del 1 de noviembre del 1999 al 2 de enero del 2000, Toys "R" Us el 26 de noviembre del 1999, Pokémon Stadium Tour 2000 del 5 de febrero al 9 de abril del 2000.

México: Club Nintendo Octubre 2001

Espero que les haya gustado este post, nos vemos hasta la próxima gamers.

https://pokemon.fandom.com/es/wiki/Evento_Pok%C3%A9mon

#pokemon

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juliancallejo · 3 years ago

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Periko Plazer: Galgo (2017)

Hay que reconocerlo, Galgo no comienza: estalla. La Intro, con ese toque melancólico que se resuelve en una euforia Soul, y el primer tema, una sucesión de vaguedades poco coherentes aunque acertadas en el caos que transmiten, sobre camellos, vanidad, caos, melomania, egocentrismo, ruido y luces de ciudad que dejan patidifusuo, y refleja el espíritu canalla, corrupto y caótico de Madrid (o el esa granja pretenciosa y sofisticada que es el planeta Tierra), arreglado con toques de Hammond y una fuerza sutil y extraordinaria, es tan estiloso y sorprendente que nos quedamos esperando cosas muy grandes de lo que venga después.

Y quizás sea un error o un acierto dejar el mejor tiro para el principio. Galgo sería otra cosa sin esa rúbrica inaugural con la que Periko Plazer quiere hacer suyo un disco colaborativo, en el que su batuta se agita muda y astuta, para hacer propio un trabajo juguetón que va burlandolo con la buena intención irritante e inofensiva de un cachorro. ¿Quién se puede resistir?

Continuar divagando sobre la ansiedad del principio de milenio, bien visto, parece la salida perfecta a esa suerte de atolladero inaugural. Porque divagar es lo poco que se puede hacer cuando nos atropella una crisis y decir tonterías de manual de auto-ayuda, lo que nos sale si se trata de las ajenas. Esa contradicción es la que termina por cubrir de cinismo el texto Aarón Valiti y de una calma chula la base sobre la que, presumo, trabajan Dj Volo y Periko Plazer, como el que te dice «arregla esto» con pachorra socarrona. Desamparo o Amor, o los cantos del atolladero, ese en el que nos estamos viendo tan a menudo. En cualquier caso, mientras balancean la cabeza desde sus platos nos dicen: no te lo tomes tan en serio, venga. Que el huevo y la gallina no se van a mover aunque te vayas tres días de carnaval.

El optimismo podía esperar. La voz de Celia Mayo, que parece secundaria, se apropia del mensaje de No Es Tan Grave, sin decir casi nada: sencillamente la dulzura con la que canta en inglés y lanza algunos feelings, suena a bálsamo. El texto del Artes, tal vez el más trabajado en este punto de escucha, funciona casi como complemento a la voz apaciguadora de su compañera de canción. Parece una palmadita en la espalda demasiado complaciente, es cierto, Y sin embargo (sin embargo, con un mensaje que, a pesar de todo, y ojalá hubiera una manera -¿La hay?- de añadir notas en el margen de un texto de blog, a pesar de todo, nos gustaría escuchar en algún momento. Quizás lo leamos como una generalidad, y quizás lo sea, pero habrá días que oír que nada es importante y que podemos empezar de cero, suena a bálsamo), se vuelve necesaria. Hasta el trabajo de producción parece estar supeditado a ese juego entre el mensaje de optimismo y una voz terapéutica. Tal vez sea este el tema que más coquetea con el Pop de la misma manera que en su momento el Soul lo hizo. Y ese arreglo resuelto en euforia y coros, bien podría ser una versión amarga de Don’t Worry, Be Happy.

Déjame Caer es la primera incursión del clásico “soy rapero” que tiene que aparecer en todos y cada uno de los discos de rap. Con una base potente, es esencialmente un temazo del que, al menos servidor, no entiende nada. Es lo que sucede si no estás en el ajo. Al menos, no dejo la cabeza quieta. Xerö Ysern Y Gezzy, los dos Mcs, se dejan llevar por su actitud, y por la base rítmica, que permite un poco de desmadre. Al terminar, no importa demasiado qué nos querían contar, porque se trataba de levantarnos del suelo, no de leernos la comanda.

Y quizás porque hay chulería, actitud, drogas y resacones, Empiezo a Jugar funciona de forma explosiva, aunque repita el mismo concepto que el corte precedente, y lo rubriquen con saber hacer. Igual que Con el Arma Cargá, la siguiente. Feo 1 del Gremio y Guerra apuestan por la chulería y la arrogancia, y la transmiten con su forma de rapear. Lo mejor de todo, con ritmos y estilo casi opuestos: del Funk bailable del primero, a el Soul Jazzie y sosegado del segundo, para dos maneras complementarias de entender el auto-bombo, basadas en disparar en todas direcciones desde la trinchera de la modestia. En cualquier caso, es el momento más Hip Hop del disco, vuelto del revés gracias a la visión de Periko Plazer, que con una secuencia rítmica implacable basada en la guitarra en la primera y en el teclado (creo, no sabes los lugares donde me puedo poner a escribir) demuestra que sin base, se puede (lo cual, además, es el núcleo sobre el que está producido todo este vinilo.

Kultama es una de las grandes colaboraciones del disco, en lo que respecta al renombre y la veteranía (con permiso de Artes). Y con un texto, que titula Manipulación y que habla sobre los medios de comunicación como herramienta de control (nada nuevo bajo el sol) se lanza a rapear con una voz bronca, profunda y rugiente que es en sí un logro y un hallazgo. Que recuerde no lo he escuchado expresarse así, y es de los que saben hacerlo bien. Este detalle, pienso, es una de las grandes sorpresas de Galgo.

Gansta es quizás el mejor texto del disco, y además cuenta con la descarada complicidad de Periko Plazer, que crea una base a medida de una letra que va haciendo un listado de Gangsters vinculados a la política, la banca y las grandes empresas, con lo que sería un sample con banda de la música de El Padrino.

Feo1 del Gremio hace doblete en Piñau Piñau, a medias entre el desconcierto y el calentón. El amanecer, la soledad, la mano derecha, o el pasotismo. La crónica de un ligue que termina en disparos (retóricos, o no) en dirección equivocada y en vacío. Todo dibujado con un arreglo de piano que se enreda con la rabia confusa y escéptica del texto para crear un retrato de la euforia de la madrugada y la caída del amanecer: deseo y drama, y tal vez un inesperado clímax, sobre una letra irregular, que de nuevo da fe de la potencia de la idea de rapear con músicos.

IWFWY, de Sholo Truth, es I Wanna Fuck With You. La canción del sexo, con el punto de vista de un varón hetetosexual, mostrándonos su mujer ideal. Una salvaje inocente y sexual. Es decir, Gauguin. Todo con un ritmo de Soul a medio tiempo, casi revolcándose, que podría recordar el encanto de esas baladas sensuales de Barry White, en las que Sholo, quien sabe, quiere reflejarse.

I Dwell in Possibility es la segunda entrada de Celia Mayo, deconstruida por la muñeca firme de Periko Plazer, que aprovecha para lucir su soltura con los scratches a costa de la voz de la cantante. La canción entera parece un pequeño homenaje al Trip-Hop, y a la vez es la que más cercana al Hip Hop suena, con esa manera de recortar piezas sonoras para crear algo nuevo, obsesivamente repetitivo y brillante. Se escucha como la rúbrica y seguro que es por eso que suena tan loca y diferente como el solo de piano de la obertura.

Los Mcs le dan a Galgo el desorden. Es la banda la constante, la que está parecido en todas las canciones, hagan lo que hagan los traviesos chicos/poeta. La forma elegante del perro, su tranquilidad y su nervio, se adivinan en lo que no percibes hasta que te das cuenta que suena como un zumbido, una constante que atraviesa el disco del principio al final. Un esqueleto que nos devuelve este perro, delgaducho, con el pelo alborotado después que se marcharon todos los muchachos de la fiesta.

También, es un disco-charlatán que nos deja preguntándonos si recibimos regalos repetidos con envoltorios nuevos o si Periko Plazer ha logrado colarnos sus propios juguetes en la fiesta de los B-Boys. Galgo es complejo, resumiendo, y es un éxito rotundo. Posiblemente, a estas alturas de escucha pueda aparecer alguna muñeca rusa más por desenterrar.

youtube

#peliko plazer #galgo #hip hop #electronic music #jazz #vinyl #music #musica #spanish music #julian callejo #critica de disco #music review #Youtube

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sonyclasica · 5 years ago

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DARDUST

“RÜCKENFIGUR IN THE STORM”

“Rückenfigur in the storm feat. mori" ya está disponible en todas las plataformas digitales. “Rückenfigur” se incluye en S.A.D. STORM AND DRUGS, el álbum de Dardust publicado en enero a través de SONY MUSIC MASTERWORKS & ARTIST FIRST.

Escúchalo/consíguelo AQUÍ

La nueva versión de Rückenfigur, inspirada en las pinturas de Caspar David Friedrich, es el resultado de la colaboración con Mori, un joven artista español, autor de "q no", que se ha convertido en un himno para la Generación Z.

"Rückenfigur —dice mori— es un intento claustrofóbico de describir esa sensación de espacio de un rückenfigur."

"'Rückenfigur' es el tema más pop de Storm And Drugs y se prestaba más que otros para convertirse en una canción real", dice Dardust "Cuando estuve en Madrid, oí hablar de mori, un artista muy joven que compagina su estilo de composición con métricas urbanas, combinando sus dos idiomas, inglés y español y creando un crossover absolutamente único. Al escuchar a mori, siento la delicadeza de Sufjan Stevens y la actitud punk de King Krule y, por eso, me encantó desde el primer momento. 'Rückenfigur in the storm' sigue siendo una de las cosas que más amo desde que comencé este viaje llamado Dardust".

Dardust es Dario Faini, uno de los pianistas italianos más escuchados del mundo con 35 millones de escuchas en su haber. Su música ha acompañado eventos de renombre internacional como el Superbowl y el NBA All Star Game. Autor y productor excepcional, ha firmado numerosos éxitos italianos, y acumula una lista de más de 40 discos de platino. Como compositor, creó el primer proyecto de música instrumental italiana que combina el mundo minimalista del piano con las imágenes electrónicas contemporáneas del norte de Europa. Es una misión que cruza el eje geográfico / musical Berlín - Reykjavik - Londres y desde estos lugares se reinicia para la elaboración de una trilogía discográfica que acabó con el lanzamiento de S.A.D. Storm and Drugsen el mercado internacional en enero de 2020 a través de Sony Masterworks y Artist First.

mori. Ceuta, SoundCloud, independencia y un MIDI. El escenario perfecto para que un chico de diecinueve años escriba una canción el verano pasado que inevitablemente se ha convertido en un himno de la Generación Z. Su nombre: mori, la canción: "q no". Después del éxito de esta primera canción, que tiene más de 1,5 millones de copias, los singles "olas" (#1 MondoSonoro) y "llueve" ft Natalia Lacunza han colocado a Mori como la joven promesa del Bedroom Pop, un género que está dando una nueva forma al underground nacional. Los punks afirman que es una mezcla de Lil Peep y Yung Lean con la percusión de Four Tet. Sin embargo, son los fades melódicos, los pantalones de abuelo y los coros analgésicos los que parecen estar sentando las bases para esta nueva generación.

Instagram: @dardust

Facebook: @dardustofficial

Twitter: @DarioFaini

YouTube: DardustVEVO

#dardust

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rockandblognet · 5 years ago

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Crónica y Fotos del concierto de D-A-D en Madrid (28/11/2019)

Esta es nuestra crónica del concierto de D-A-D en la Sala Copérnico de Madrid el pasado 28 de noviembre de 2019

Una de mis salas preferidas, Copérnico, los colegas de toda la vida y una de las bandas que tenía en el olvido, en mi baúl del pirata… ¡la noche perfecta!

Michael Laudrup, La Sirenita, Pretty Maids, tres ejemplos daneses que siempre tengo en la memoria, pero, ¿cómo pude olvidarme de D-A-D?¡Es imperdonable! Tanto el tiempo, como el buen hacer de la banda con su último disco A Prayer For The Loud, me han puesto en mi sitio, y doy gracias por ello. ¡Gracias Jesper, Jacob, Stig y Laust, por darnos una noche inolvidable, una noche de Hard Rock de muchos, muchos quilates, toda una lección de buen hacer, profesionalidad, y de risas, alegría y empatía!

Galería de Fotos completa de D-A-D en Madrid al final del artículo

Empezó el bolo con retraso, bastante. Los pipas no hacían más que dar vueltas por el escenario, comprobando una y otra vez que todo estaba en perfecto estado, aburridos, y esperando no sé sabe a qué o a quién. Y tres, cuatro minutos después de que ese alguien, un individuo que con sus gafitas y plumas cruzara el escenario, la banda saltó a la palestra. Creo que sé a quién esperaban, a Jacob Binzer, ese chico con pinta de tímido que era el que había cruzado el escenario y que llegaba tarde.

Todo empezó con el sample de la típica sintonía de comienzos de las pelis, no sé si la de la Metro, la de la Fox, da un poco igual, y que Laust Sonne, batería, ya en directo, se ocupó de terminar mientras Jacob, su hermano Jesper, voz y guitarra, y Stig Pedersen, bajista, se asentaban en las tablas.

Lo primero que me chocó fueron las pintas, cada uno de ellos con un estilo muy diferente, parecían cada uno de rollos muy diferentes. Jespen, con chupa de flecos al más estilo vaquero, Jacob, con chistera y de negro, Stig como con un mono de piloto de avión, y no se me puede olvidar comentar la gran variedad de bajos que tiene, cada cual más extravagante o distinto, un cohete, uno con clavijero y cuerpo cambiados, otro de Barón Rojo, otro iluminado, otro con la calavera logo de la banda, y todos con solo dos cuerdas. Laust con un conjunto azul, añil muy bien conjuntado con su batería.

Galería de Fotos completa de D-A-D en Madrid al final del artículo

Lo segundo, y lo que más me gusta, que no viven de las rentas, apuestan por lo nuevo, seis temas del set list, Burning Star, Nothing Ever Changes, A Prayer For The Loud, The Sky Is Made Of Blues, The Real Me y No Doubt About It, son del último disco.

Lo tercero, que tienen un set list totalmente equilibrado, compensado y hecho de manera muy inteligente, mezclando todas sus épocas, las más rockeras, las más sicodélicas, las más punkis haciendo del bolo algo totalmente entretenido y variado.

Y lo cuarto, que son también muy divertidos, en poses, actitud, comentarios, Jesper no se cansaba de animarnos e intentar convencernos de que era viernes. Y al acabar el bolo, antes de los bises, Jesper, como guía y maestro de ceremonias, indicaba a Laust, literalmente, “mata la batería, “Laust, mata la batería”, y éste obedecía órdenes, haciendo un solo de batería original, diferente.

Y todas estas cosas positivas que suelen impactar cuando ves a alguien por primera vez, llevan la guinda, se vio ya nada más sonar el primer riff de Burning Star, de que son una bomba en directo, con un sonido compacto, directo y muy contundente. Son auténticos profesionales, saben bien lo que hacen y cómo hay que hacerlo, de forma seria. El bajo sonaba gordo, gordo, Laust, el batería es un mostro, como le pega, tocando como dice mi amigo JuanPa, “a lo antiguo”, con agarre americano, y ojo con cómo canta, siempre apoyando a Jesper y haciendo en infinidad de ocasiones segundas voces, no solo coros. Jacob no es un virtuoso, pero de sobra, y la mezcla de Les Paul y Fender Jazzmaster hace que el sonido sea único. Como lo es ese sonido, ese timbre, de la voz de Jesper, que tan bien maneja, canta mejor que habla, ¡el tío está ronco mientras lo hace!

En definitiva, noche mágica, deseando estoy de que vuelvan.

Galería de Fotos completa de D-A-D en Madrid al final del artículo

Setlist de D-A-D en Madrid el 28 de noviembre de 2019

Burning Star

Evil Twin

Jihad

Rim Of Hell

Nothing Ever Changes

Everything Glows

A Prayer For The Loud

Grow Or Pay

The Sky Is Made Of Blues

Jackie O´

Riding With Sue

The Real Me

I Want What She´s Got

Monster Philosophy

No Doubt About It

Bad Craziness

Sleeping My Day Away

Laugh ´n´ a 1/2

It´s After Dark

Galería de fotos del concierto de D-A-D en Madrid

Crónica y Fotos de Ape Navarro

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Crónica y Fotos del concierto de D-A-D en Madrid (28/11/2019) en el artículo original de Rock and Blog

#Crónicas de Conciertos #D-A-D #D-A-D Madrid #rock music #heavy metal #rock

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gaymerjournal · 7 years ago

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La familia Addams: El musical: La reseña

El pasado miércoles 18 fuimos a ver La Familia Addams en el Teatro Calderón en Madrid, y esto fue lo que pasó.

La Familia Addams es, con diferencia, una de las familias más conocidas y establecidas del mundo de la ficción. Son el origen de las series familiares tal y como las conocemos, y en su origen a la vez, una tira satírica de 1938 que se mofaba de las convenciones americanas. El autor, Charles Addams, dedicó su vida a Gómez, Morticia, Miércoles, Pugsley, Fétido, la Abuela, Lurch, Cosa y Eso.

En este caso, la macabra familia al completo (excepto el bebé Pubert, sólo visto en la segunda película) se enfrenta a un problema nunca antes visto: la taciturna Miércoles se ha enamorado de Lucas Beineke, un chico normal, algo para lo que nadie estaba preparado.

Ante la imminente visita de la familia Beineke, cada Addams tiene algo que decir al respecto, incluyendo a los ancestros de la familia, pero no hay tiempo ya que hay que preparar una cena normal.

El libreto

El musical está compuesto por dos partes, separadas por una pausa de 15 minutos. La primera parte sirve como introducción y primer nudo, siendo mucho más ligera que la segunda. La segunda, sin embargo, nos muestra a los personajes de una forma mucho más humana y cercana. Las canciones son fieles adaptaciones del musical de Broadway en función del estilo dado a cada uno de los personajes. Todos los personajes tienen su espacio para brillar tanto musicalmente como en comedia, y las risas están garantizadas.

No es, sin embargo, todo comedia, puesto que hay momentos maravillosamente intercalados en los que los personajes abren sus corazones y conmueven hasta casi el punto de la lágrima.

Se echa en falta la grabación de un CD con la banda sonora, pero teniendo en cuenta que los Addams llegaron a España hace tan sólo quince días (a fecha de escritura de este post), se entiende.

La música viene dada por una orquesta compuesta por dos teclados, una batería, un bajo, una flauta, un clarinete, dos saxos, una trompeta y un fliscornio (primera vez que escucho este instrumento bien nombrado en mi vida) que se antoja perfecta en todo momento para los 23 números que componen la obra.

Los actores

Cuando eres Addams vives el legado dejado por actores de talla mundial como Raúl Juliá o la oscarizada Anjelica Huston. En este caso, los Addams españoles son unos herederos más que dignos del legado.

Mención especial merece Gómez Addams, interpretado por Xavi Mira. Gómez es un personaje extremadamente complejo que equilibra la locura de los Addams con otra, de un tipo propio y único, además de un positivismo que contrasta con la fúnebre estética familiar y un encanto latino que hacen honor al personaje de una forma que ni siquiera actores de la talla de Tim Curry han sabido lograr. Hay que ser español para hacer a un Gómez supremo, y Mira está a la altura.

El resto de la familia vive a la altura del legado, siendo especialmente pronunciado en papeles tan desagradecidos como el de Pugsley Addams (interpretado magníficamente por Alejandro Mesa) y en las nuevas personalidades de Morticia (Carmen Conesa) y de Fétido (Fernando Samper). Éstos se distancian de sus anteriores encarnaciones y nos ofrecen unas perspectivas radicalmente opuestas, y a la vez, compatibles de una forma que sólo una familia sabe sacar adelante. Tanto Miércoles (Lydia Fairén) como la Abuela (Meritxell Duró) y Lurch (Javier Canales) son los mismos que conocemos y queremos de toda la vida, lo que nos da una gran sensación de comodidad cuando los vemos.

Por su parte, la genial familia Beineke, compuesta por Malcolm (Andrés Navarro), Alice (Julia Möller) y Lucas (Íñigo Etayo) demuestran que hasta las familias más normales pueden aprender un par de cosas de los desquiciados Addams.

Sin embargo, si los personajes principales tienen un encanto que no se pué soportá, los ancestros Addams, un grupo de espíritus traídos una vez al año por la magia de la familia y que actúan como personajes independientes y como bailarines y coro a la vez, no se quedan atrás. Cada ancestro tiene una personalidad impresa en sus movimientos y reacciones que resulta en un colectivo heterogéneo y a la vez uniforme. Quizá haya uno que destaque sobre los demás, y es el ancestro interpretado por Javier Enguix (en la foto superior, segunda fila, izquierda) debido a que brilla con luz propia sólo un poco más que los demás.

Las coreografías

Un musical sólo tiene una forma de demostrar que es más que la unión de música y teatro: las coreografías. Si hay algo que me ha enseñado ver de seguido El Rey León y La Familia Addams es que un buen musical es aquél en el que no sabes dónde mirar durante una coreografía, y esto es por la riqueza, complejidad y belleza de las mismas.

Podemos esperar los pasionales intercambios de Gómez con la familia, y toda suerte de danzas tanto en solitario como en grupo, siendo las más impresionantes las que mezclan a los Addams al completo (ancestros incluidos) con los Beineke en el escenario, pero no por ello las más conmovedoras. Incluso el desgarbado y asíncrono Lurch encuentra sutilmente su sitio entre tanto movimiento.

La variedad de las coreografías es extraordinaria, con momentos de gran dinamismo mezclados con escenas de estaticidad que sirven para asegurarse de que toda la atención del público está en el mismo sitio... más o menos.

Puesta en escena

En este caso, creo que una imagen vale más que mil palabras. Así que os traigo seis y vosotros ya calculáis a cuántas palabras equivalen.

Los puntos negativos

Para mí, esta producción de LETSGO sólo tiene tres pegas importantes: el comportamiento de Morticia a partir de la mitad de la segunda parte, la necesidad de distraer en exceso al público y que algún personaje necesite algo más de tiempo para sí mismo en escena.

Morticia tiene un comportamiento en ocasiones no acorde con lo que predica, y es algo de lo que uno se da cuenta sólo en retrospectiva. No obstante, siendo un producto de entretenimiento, puede perdonársele. Me niego a entrar en más detalles por no haceros spoilers, pero si tenéis la suerte y la gloria de asistir al Calderón entenderéis de lo que hablo.

Además, en ocasiones en las que creo que se debería mantener la atención en un punto del escenario, la producción sigue aprovechando todo el escenario para colocar más elementos en movimiento. Hay momentos, como el número Triste y Feliz, donde se debería simplificar la acción en escena para tener un mayor impacto emocional.

Por último, algunos personajes como Pugsley, Lurch, la Abuela o Malcolm Beineke que mejorarían con más tiempo para brillar en escena.

Conclusiones

La Familia Addams es una obra maestra muy dignamente traída desde Broadway que ha mejorado durante el viaje. Es una adaptación que no decepciona a nadie y tira la casa por la ventana para asegurar el buen sabor de boca de sus espectadores.

Estoy deseando tener la oportunidad de volver a verla. A vosotros, no obstante, os dejo la obertura para que empecéis un viaje hacia la risa en lo más oscuro de cada uno de nosotros.

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#lafamiliaaddams #the addams family #teatro #madrid #ocio #ociomadrid

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suenantamboresdeguerra · 6 years ago

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Tiempo de otro aire

Mientras espero en el Santa Ana (Plasencia)…

Hace mucho tiempo sentí un aire que hasta entonces no había sentido. Corría el mes de abril del año 2017. Entonces conocí a alguien que me lo descubrió. A través de las conversaciones se fue gestando el conocimiento, el interés y la fascinación hacia dicho aire.

Tras un acercamiento a este aire de unas horas de un par de días en Badajoz (9 y 10 de junio), mientras iba conduciendo el segundo día hacia un pueblo de la provincia de Cáceres porque nuestro grupo de teatro actuaba allí, rememoré todo lo sucedido durante esas horas en Badajoz… sobre todo el "¡Manada, manada, manada!".

Tiempo después (del 31 de julio al 9 de agosto) pude disfrutar este aire a bocanadas. Fue en el campamento Cueva del Agua (Alcantarilla, Yeste, Albacete). Desde mi puesto de ayudante de cocina pude aprender mucho de la cocina y de este aire…

… Desde mi atalaya, aprendí gracias a mi compañera (la cocinera) a planificar las comidas del día siguiente, a tener en cuenta las necesidades de intolerantes, alérgicos y vegetarianos, a cocinar para muchas personas (niños, adolescentes y adultos), a guardar muestras para el veterinario, a hacer un montón de bocadillos, a llamar a la patrulla de servicio, etc. etc. Nunca hasta entonces había trabajado tanto. La cocina es muy trabajosa. Te levantas el primero y te acuestas el último. No me importó. Además me vino muy bien. Me espabilé por primera o segunda vez en mi vida y aprendí tareas culinarias. ¿Repetiría?... Creo que sí.

Desde la cocina podía observar lo que ocurría a mi alrededor. Los juegos, las idas y las venidas, las risas y las desazones, las conversaciones… Todo esto me hacía viajar en el tiempo hacia los campamentos de mi infancia (los del Movimiento Junior y los del kárate) y hacia los campamentos de juventud en los que estuve currando de monitor (el del Centro de Actividades Vera y el organizado por el ayuntamiento de Jaraíz de la Vera en el albergue Puerto Roque[1]).

A pesar de que la cocina deja poco tiempo para imbuirse de este aire, cual antropólogo pude aprehender algo del mismo a través de mi participación en algunas ceremonias…

Bien, antes de seguir, debo decir que este aire no es el mistral, ni el siroco, ni es catabático, ni alisio, ni siquiera es monzónico… ¡Qué va! Este aire al que me refiero es el espíritu scout y lo descubrí gracias al grupo scout Alcazaba (Badajoz) y al grupo scout Nómadas[2] (Alcorcón).

… Me acuerdo de que todos los días estaba presente en la ceremonia de izado de la bandera scout. Durante la ceremonia se cantaba el himno scout. También asistí a las ceremonias de promesa scout. Y en una ocasión me invitaron a una ceremonia de paso de rama. Aunque no lo entiendo como ceremonia, también participé en dos escollos. En pocas palabras, un escollo es un coloquio o una tertulia[3].

Todas estas ceremonias (y otras que desconozco) están revestidas de valor simbólico. El valor simbólico otorga cohesión grupal. Para muchos grupos de personas, algunos gestos, acciones y representaciones (símbolos, mitos y ritos) tienen valor místico. Muchas veces en esta sociedad desacralizada permanecemos impasibles cuando son profanados.

En una ocasión, al término de la ceremonia de izado de la bandera, estuve a punto de cometer sacrilegio. Estuve a punto de fotografiar un conjunto de objetos que había en el suelo. Menos mal que CP estaba ojo avizor para indicarme que no debía. Justo en ese momento capté la importancia de aquellos objetos. Una importancia que no sabría describir. En aquella ocasión no pregunté sobre lo que representaban. Seguro que si se lo hubiera preguntado a CP, me lo habría explicado. A mi juicio creo que se trataba de un tótem grupal. Sin duda estoy agradecido a CP por su observación. Gracias.

Finalmente, sobre el valor simbólico, menciono dos elementos muy característicos de los scouts, el saludo y el uniforme. El saludo scout está lleno de símbolos que me resultan confusos; cada dedo es un símbolo. En Internet podréis encontrar muchas explicaciones.

El saludo consta de dos elementos: la seña y el apretón de manos. Cualquier scout se saluda con otro con un apretón ejecutado con la mano izquierda, separando el dedo meñique para que se entrelace con los dedos anular y meñique de la mano receptora del apretón. Si cualquier scout puede saludarse con un apretón de manos, sólo los scouts con promesa pueden realizar la seña. La seña se ejecuta levantando y flexionando ligeramente hacia atrás el brazo derecho y situando la mano a la altura hombro, con la palma mirando hacia delante[4]. Los dedos tienen la siguiente disposición: los tres centrales, extendidos y el extremo del dedo pulgar se pone sobre la falange distal del dedo meñique. ¡Uf! CP, espero que esté bien descrito…

Sobre el uniforme destaco la camisa y la pañoleta. Todos los scouts con promesa llevan puesta la pañoleta todo el día. La pañoleta tiene en el borde unas franjas de color que representan al grupo.

Cualquier scout (con promesa o sin promesa) lleva la camisa sólo en las ceremonias. La camisa, según mi entender, es del mismo color en todas las ramas de los grupos WFIS, por ejemplo, de color gris en los grupos de ASIM y de Asiex. Las mangas de la camisa se llevan remangadas porque cada scout siempre estará en disposición de trabajar, de ayudar, de echar una mano. Además de las mangas remangadas, en la camisa hay otros símbolos. Éstos son las insignias. Las insignias representan las huellas de vida scout: de pertenencia a un grupo, de rama (colonia, manada, tropa y clan), de formación, etc. Una insignia (de las escasas que tengo) que me trae muy buenos recuerdos es la insignia de un curso kudú que hice en La Acebeda (sierra de Somosierra, Madrid)… ¡Caray, qué frío pasé! No sólo pasé frío, fue fascinante lo que me pasó…

Aparte del valor simbólico, otro rasgo que otorga cohesión grupal a los grupos scouts es la filiación que se origina y crece entre sus miembros, ya sean estos niños, adolescentes o adultos. Es una filiación que se enriquece con el devenir del tiempo desde que se es castor hasta que se es róver o scouter.

Este tipo y grado de filiación no sabría cómo describirla. Tampoco creo que existan actualmente este tipo de filiación en otros grupos de niños y adolescentes (equipos deportivos, campamentos de verano, coros infantiles…). Tal vez, se me ocurre a bote pronto, pero en el mundo adulto, que las órdenes de caballería, el bushidō y la masonería tengan un tipo y un grado de filiación parecidos.

A lo largo de este periplo, la convivencia fue una fuente de experiencias. Reconozco que como persona a quien le gusta estar solo algunas veces, me resultaba casi imposible: la convivencia era ineludible, extrema y radiante. Al lío…

Conviví muchísimas horas durante diez días con niños, adolescentes y adultos. Me sorprendió la educación (cortesía) de los adolescentes. No quiero decir que los niños o que los adultos carecieran de ella. Me refiero a que la educación de estos adolescentes me sorprendió porque hasta entonces no había percibido anteriormente esta característica en otros adolescentes. También me sorprendió el compromiso que emanaban, que sólo antes del campamento había percibido en un compañero de teatro. Hay que romper una lanza a favor de los adolescentes…

Al socaire de esta convivencia fui testigo de algunos sucesos muy divertidos. Una mañana algunos róveres (chicos y chicas de entre 17 y 24 años) estaban inmersos en la superación de algunas pruebas. Uno de ellos no podía hablar y tenía que conseguir a través de gestos lo que le habían encomendado. Se dirigió a mí porque necesitaba algo que sólo yo (ayudante de cocina y oráculo de arcanos… de Jaraíz) sabía donde estaba. Tras muchos gestos infructuosos, mi falta de interpretación (de las plegarias de este mortal) y las risas que me provocaban sus gestos, el róver consiguió que fuese al almacén. Allí, asegurándose de que estábamos solos y de que nadie nos oía, me habló… me habló para pedirme dos cosas: que no lo delatara por haber hablado y para que le diera lo que le habían encomendado: unas brochetas de carne. A este róver siempre lo recordaré por las risas que me generó[5]. Fue una situación muy divertida que nunca se borrará de mi memoria.

Aún recuerdo esas horas tan divertidas, el revuelo y la algarabía de los róveres embarcados en las pruebas. Intuyo que estas pruebas y otras que desconozco forman parte de la totemización scout[6]. El término me resulta familiar porque estudié hace años algunas asignaturas de antropología.

Tanta convivencia puede provocar en una persona más racional que emotiva cierto desbarajuste en su interior, sentimientos encontrados y que las emociones estén a flor de piel en momentos puntuales. Así sucedió muchas veces mientras escuchaba el himno, en uno de los escollos, en la ceremonia de paso y… sobre todo en una ocasión en que una persona me pidió disculpas durante un mediodía. Esa disculpa hizo que se desbordaran las lágrimas. Hacía más de veinte años (creo recordar) que no lo hacía, pero a moco tendido… la primera.

Durante un tiempo este momento crítico me hizo mella. No sé si estos momentos críticos son frecuentes en un campamento scout. En mi caso diría que me pudo afectar esta convivencia tan intensa; pero a pesar de este momento, los aspectos positivos son más abundantes; por citar algunos señalo los siguientes: - Las experiencias scout que me brindó la persona[7] que me descubrió este aire (hacia la que estoy muy agradecido). - La protección, la ayuda y la cooperación que se prestan todos los scouts (desde los castores hasta los scouters). - La sensibilidad y el compromiso de los róveres. No recuerdo muchos nombres. Me acuerdo de David (¿Hathi?), de un chico que portaba un enorme cuchillo y del chico que iba con la flauta travesera (no recuerdo si la tocó alguna vez). - El buen hacer de los scouters: Sonia, Roberto, Lourdes, David, Carlos, etc. - La compenetración que desarrollamos Rosa (buena cocinera y mejor compañera de batallas) y yo. - La amistad que forjé con Vicente y Alicia (de Teruel). - La conciliación del sueño a pesar del ruido en directo… o sea, los ronquidos de mi compañero de tienda, je, je… - El uso de la sierra de arco y un hacha durante unos minutos con Vicente. - Mi labor en la cocina y el reconocimiento de este trabajo.

Este aire, aunque en un plano mental desde que acabara el curso kudú, se ha sumado a otros dos: la montaña y el teatro. Tal vez en mayor intensidad que la montaña y en iguales condiciones que el teatro (ahora mismo pienso: "Hace mucho tiempo que no hago teatro").

Pienso que sí, que me gustaría formar parte de un grupo. Esta idea es más factible que la de crear un grupo en Jaraíz[8]. No significa que no me atraiga la creación de un grupo, de hecho esta idea (aunque infundida) es más titánica y hermosa que la anterior. De todas formas, sería más adecuado formar parte de un grupo existente para conseguir preparación, aprendizaje, práctica… en definitiva, rodaje scout.

Ha pasado mucho tiempo desde que decidiera escribir sobre el campamento, 690 días (30 de junio del 2019), y mucho menos desde que empezara a escribirlo, (75 días desde el 18 de marzo hasta el 1 de junio[9]). Un amigo piensa que lo he escrito como redención. No sé cuál es el motivo… Sólo sé que tenía que hacerlo. Durante el campamento pensaba escribir sobre la experiencia (una vez finalizada) como hago alguna que otra vez tras un paseo, una ruta por la montaña, unas vacaciones e incluso alguna actuación de nuestro grupo de teatro. Cuando concluyó el campamento, durante unos días, no me sentí bien anímicamente y por lo tanto no tenía ganas de escribir; además se celebraban las fiestas de mi pueblo. Me dejó muy "pillado" el campamento…

Ya es momento de terminar, y aunque parece que haya remado a contracorriente, al final he llegado hasta la conclusión. El tiempo pasa y si bien la experiencia scout fue de unos días, el recuerdo de este aire permanece. Este aire, es decir, el espíritu scout entraña una magia que pocas actividades poseen. No es sólo cabuyería, construcción de refugios, código morse, uso de la brújula, pañoletas e insignias, campamentos… Es mucho más. Valor simbólico, convivencia, reflexión, compromiso, preparación para la vida, cohesión fraternal… E incluso, como dijo aquél, es el Gran Juego.

[1] Con este nombre lo conocí, ahora creo que se llama Albergue Juvenil Santa María de Guadalupe.

[2] http://scoutnomadas.blogspot.com/

[3] Como no conozco la frecuencia de los escollos en el mundo scout, pongo ambos términos.

[4] Redactado desde lo que se describe en la Wikipedia.

[5] También lo recordaré por ser el róver de la flauta travesera.

[6] Sobre la totemización scout tengo un libro "La magia de la totemización" que he empezado a leer.

[7] Cuyo alias es Dûrin.

[8] En Jaraíz de la Vera no hay ningún grupo scout.

[9] Escribo sin constancia, muy despacio, tachando mucho y reescribiendo, y consultando mucho el diccionario.

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flamingstaromunicacionnews · 8 months ago

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Jairo Martin le canta a la dualidad en su nuevo single ¨Nosotros II"

El canario Jairo Martin regresa con una nueva muestra de lo que será su nuevo disco ¨Bailar los Domingos¨. En este caso nos presenta ¨Nosotros II¨, una canción de vivos ritmos y armonías que contrastan con, a primera vista, una letra un tanto melancólica, pero que en el fondo es también una celebración de la dualidad, de la compañía, del equipo o la pareja, del amor, según se quiera interpretar. En ella se retratan, en unos pocos esbozos, las imágenes de una separación con la idea de que lo único inquebrantable y lo que en realidad importa es “nosotros dos”, por encima de todo lo demás y con una luz de esperanza. Es una canción prepandémica, pero curiosamente dibuja escenarios vacíos y abandonados como “el mundo se detendrá y los poetas contarán una triste historia...”, que luego parecían haberse escrito durante el tiempo de confinamiento.

La canción se mueve entre estilos clásicos de funky y disco, si se quiere, en el ritmo y en los sonidos, con puentes en donde se regresa al rock más elemental y algunos juegos de armonías en los teclados en cuartas y quintas que le otorgan cierto aire oriental. En este tema colaboran además de Jairo Martin (voz, teclados), Pedro Cuevas (batería), Kike Eizaguirre (guitarras eléctricas, bajo), Víctor Francisco (saxo), Patricia Lázaro y Bea Polegre (coros)

Tanto este nuevo single como el nuevo disco de Jairo Martin tendrán la presentación que se merece el próximo 29 de mayo en el Café Berlín de Madrid, una noche en la que estará rodeado de Los Chicos del Coro, una super banda que hará esta cita aún más especial. Sin duda estamos ante el disco más personal del canario, canciones que salen desde el corazón y que sin duda nos ponen de frente al día a día de muchos de nosotros. Las entradas para este concierto se pueden adquirir en el siguiente enlace.

Después de colaborar con nombres como Rafael Berrio, Jaime Urrutia, Ariel Rot, Rubén Pozo o La Unión, a Jairo Martín le vuelve a picar el gusanillo de presentar nuevas composiciones propias. ¨Nosotros II¨ es la segunda muestra de lo que será el nuevo disco de Jairo Martín, un trabajo que se está terminando de cocinar a fuego lento y que en breve estará disponible junto a las primeras fechas de su gira 2024.

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lanetasiempre · 4 years ago

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David Rees no solo logró encantar a más de 2 millones de personas con su dulce voz, su habilidad para tocar el ukelele y la creatividad que tiene para escribir canciones. Fue también, en parte, su carisma y sensibilidad lo que ha hecho que más de uno pueda conectar con él y su contenido.

Aquí en La Neta te contamos la historia de este español que, gracias a YouTube, logró darle forma a su carrera como cantante.

Acerca de David

David Benjamin Rees nació en Málaga, España, el 24 de agosto de 1994. Sin embargo, pasó sus dos primeros años de vida en San Roque, un pueblo gaditano, junto a sus papás, que son de origen británico.

Luego de la llegada de su hermana pequeña, llamada Laura, su familia decidió mudarse a Zafra a una casa más grande. Allí David pasó la mayor parte de su vida hasta que al cumplir 18 años se fue a Salamanca, donde inició su carrera de Psicología en el 2012 en la Universidad de Salamanca, de la que se graduó en el 2016.

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Inicios en YouTube

Sin embargo, David no es ningún español común y corriente. Desde pequeño ha estado rodeado de música, pues sus papás tocan instrumentos y lo apuntaron a clases desde muy pequeño. Así fue como aprendió a tocar la flauta, el piano, la guitarra y el ukelele. También estuvo en el coro.

A medida que iba creciendo, tuvo muchos referentes y personas que lo impactaron musicalmente, como Ed Sheeran y Maldita Nerea.

Todo esto lo llevó a tomar la decisión de crearse un canal de YouTube en el 2014, en el que empezó a publicar covers, lo que hizo que ganara popularidad en la plataforma, en la que actualmente reúne más 2 millones de suscriptores.

Su diario en YouTube

En el 2016, creó un canal secundario al que tituló davidreestos, en el que da un vistazo más cercano a su vida privada: comparte sus experiencias, pensamientos, poemas, etc. Él mismo lo ha llamado su diario.

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En la música

Pero David no solo se ha dedicado a hacer covers de canciones de otros artistas, sino que se ha creado las suyas propias.

En el 2016 fue cuando empezó a compartir con sus seguidores sus canciones originales, entre ellas Transparente, La Ciudad Eterna y Fácil. Ya para el año siguiente estaba publicando la canción que sería parte del soundtrack oficial del libro Eleanor and Park de Rainbow Rowell y la tituló Ella y él. En el 2018 publicó su primer EP y, al mismo tiempo, iba lanzando más de sus canciones.

Su éxito era tanto, que una discográfica lo contactó para firmarle, pero se negó pues sentía que iban a querer “moldearlo” y ya se había ganado el cariño de la gente siendo él mismo.

Amarillo

En junio del 2020 publicó su primer álbum de estudio llamado Amarillo y cada una de las canciones, compuestas por él mismo, tienen un significado personal. Por ejemplo, Querido Yo ,es una carta del David del futuro. Mientras otras, como Aladdín hablan acerca de los sueños.

En un vídeo en su canal secundario explicó él detrás de cada una de las canciones que componen este primer disco, en el que también está De Ellos Aprendí, que fue un tema que le hizo ganar bastante reconocimiento.

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Cantante y escritor

Además de escribir sus propias canciones, la mente creativa de David también le ha permitido escribir poemas y otros textos, como su primer libro al que llamó El chico del Ukelele. En él, el español compartió algunos relatos de su vida personal en cuanto al amor, la vida y la superación.

Algunas de las historias que escribió son acerca de su primer beso, de la universidad, de su familia y de cuando sufrió bullying en el instituto.

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Curiosidades

Si quieres conocer más acerca de David Rees, te contamos algunas curiosidades y datos que quizás no sabías:

Su apellido es inglés (pronunciado Ris). Sin embargo, intentó llevar su nombre al español y lo pronuncia “David Res” en lugar de “Deivid Ris”.

Quería ser veterinario, doctor y astronauta cuando era un niño.

Madrid fue la primera ciudad en la que realizó una gira.

El azul y el amarillo son sus colores favoritos.

via La Neta – La comunidad más grande de influencers emergentes y creadores en español

#IFTTT #La Neta – La comunidad más grande de influencers emergentes y creadores en español

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joseanzombie2674 · 6 years ago

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El Thrash Attack III se celebró el pasado Sábado 2 de Marzo en la Sala We Rock de Madrid, y si no tuviste la oportunidad de asistir lo vas a lamentar porque el espectáculo nos voló los sesos a todos.

Ha sido más de una década desde la primera edición hecha en Madrid, que se celebró en la desaparecida sala Ritmo & Compás, en donde las bandas Killem (Sevilla), Rancor (Madrid) y Angelus Apatrida (Albacete) abrían la brecha de este sueño en 2006, logrando una noche memorable, y que se intentó volver a revivir en Sevilla en Noviembre de 2007, pero lamentablemente no hubo la misma respuesta que en la capital española.

Desde esta iniciativa, trece años han pasado en donde las bandas de Thrash nacional no han perdido su garra e interés por darse a conocer y cada una ha ido presentando sus trabajos por separado a nivel nacional, pero en el fondo el público amante de este género esperaba nuevamente un festival a la altura, como fue la primera edición del Thrash Attack.

Y aquí es donde entra la mente inquieta de Vasco Durán, guitarrista de Rancor, quien enfocó su amor por este género y, aprovechando el 20 Aniversario de Rancor se puso a maquinar ideas y a contactar con miembros de diferentes bandas para volver a revivir esa reunión de Thrash Metal nacional en Madrid.

Él, junto a sus compañeros de Rancor han movido toda la promoción para que todo salga a pedir de boca, además de la ayuda de Antonio Cerezuela quien ha sido el stage manager de ésta pasada edición. Y como hemos indicado al inicio de esta reseña, las cosas se han cumplido y el público ha salido muy contento, aunque algo adolorido del cuello… Gajes del oficio!

El show empezó con un poco de retraso ya que los chicos de STEELGAR, tuvieron problemas con su transporte en su trayecto desde Gavá- Barcelona hasta Madrid, pero llegaron con el tiempo justo para realizar un breve sound check y empezar la descarga.

La tardanza no tuvo mucha importancia ya que todos los fieles presentes, esperaban pacientes a las afueras de la sala mientras las charlas entre conocidos iban y venían acompañadas de unas cervezas previas antes del acceso a la sala We Rock.

Una vez preparado el escenario, cada uno de los miembros de STEELGAR se posicionaban sobre las tablas y de fondo la intro elegida para abrir el show fue el tema inicial de la ya famosa serie Rick and Morty y posterior la de Dune, arrancando sin piedad y dándonos la calurosa bienvenida a esta gran fiesta.

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Normalmente los primeros grupos son los que más sufren en cuanto a sonido, pero en este caso pese al poco tiempo para hacer la prueba de sonido, la verdad que STEELGAR sonaron muy bien, tanto en las guitarras a cargo de Jesús Pérez y su cantante Héctor Amaya, como el bajo hermoso de 6 cuerdas de su invitado para esta ocasión Vic A. Granell’s, bajista en Northland y Moonloop.

Lo único quizá que no estuvo a nivel de esta primera entrega de poder fue un poco el descompás en ocasiones del batería Cristian Zamorano, pero que poco a poco fue algo que superó según descargaban su arsenal preparado y que posiblemente todo se deba a los nervios del momento.

La voz de Héctor ruda, desgarrada y con sus riffs machacones hacían el perfecto balance con la maestría técnica y melódica en las cuerdas de Jesús, más conocido como Chuko.

Las líneas hipnotizantes de Vic al bajo, demostrando ser un fiera a las 6 cuerdas fusionado con las explosiones y velocidad de la batería iban in crescendo en cada tema, dejándonos una transición demoledora.

Su setlist principalmente se basó en su trabajo de 2010 Xenocide, regalándonos además un nuevo tema que aparecerá en breve y también un brutal cover de Kreator, Phobia.

Enhorabuena a STEELGAR por demostrar su profesionalidad a pesar de las penurias que pasaron para llegar a Madrid, sin bajar la guardia, con una sonrisa siempre y con muestras de agradecimiento a cada fan que estuvo esa noche disfrutando de su directo.

Nos quedamos a la espera de novedades, y desde luego con ansias de que lancen su nuevo trabajo visitando la capital para presentarlo.

Por cierto, STEELGAR busca bajista, así que si puede interesarte pónte en contacto con ellos!

SETLIST:

Promontory

Riders of the Sand

Napalm Burn

Injected

Under the Whip

Human Devourers (Nuevo tema)

Hunter on Prowl

Phobia (Kreator)

Retaliator

Thrashing Knights

Army of Goats

Los siguientes en subir al escenario fueron SOLDIER, provenientes de Oviedo, Asturias.

Estos chicos son muy jóvenes, pero no por ello han dejado de trabajar en lo que más les gusta. Su Thrash Metal va aderezado con toques groovies y Southern Rock.

Desde el primer momento en poner un pie en el escenario no dejaron de moverse como unos lunáticos enérgicos por el poder que les invoca el Thrash, y más aún con una sala expectante y lista para disfrutarlos.

Su setlist principalmente se basó en su último trabajo The Sleeping of Reason de 2018 y The Great Western Oligarchy de 2015, sin olvidar algún tema de su primer trabajo Gas Powered Jesus de 2012.

Lamentablemente el sonido en su directo no les acompañó de la mejor manera, sobre todo en las voces a cargo de Phil González, pero no por ello Phil paró su energía, al contrario, se dejó la piel en el escenario y con sus gesticulaciones faciales mientras nos hacía disfrutar de los temas nos mantuvo encandilados disfrutando de lo que demostró sobre las tablas, además se le vio mucho más aguerrido y más loco cuando dejó en un par de ocasiones su instrumento para enfocarse al 100% en la voz mientras sus compañeros hacían el resto.

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Comento el tema del sonido, porque alguna gente al notar que éste es “regulero” en eventos, cosa que es lo más habitual, pasan de enfocar el goce del momento en otros temas más importantes como es la presencia escénica, la versatilidad en la técnica instrumental y la originalidad en las composiciones.

El sonido, no es el mejor amigo de los directos y eso lo sabemos de siempre… Lo que no llego a entender es porqué la gente se vuelve tan “especialita” con esto y no ve más allá.

En el transcurso entre tema y tema el resto de los instrumentos mejoraron en cuanto a sonido. Además que hay que tomar en cuenta que por el retraso inicial, los cambios que estaban planificados de entre 15 a 20 minutos se redujeron y es por ello que posiblemente las voces se quedaron demasiado bajas para mi forma de ver, con lo cual no se pudo apreciar ese toque “redneck” que da Phil en cada tema, por eso os recomiendo oír sus discos!

Por otro lado, los riffs de Phil siempre pesados y rítmicos encajaron perfectamente con un sonido contundente y mucho más claro (al menos desde donde nos encontrabamos) del guitarrista principal Dmitry Ocunschi.

Nos quedamos perplejos con la velocidad, sutileza y virtuosismo de este jóven que apunta a ser un grande en las seis cuerdas. Le felicitamos posteriormente al show y él, humildemente nos dijo que no se puede comparar su técnica con otros miembros presentes en la sala con más trayectoria, pero lo que si tenemos claro es que cuando disfrutamos de un guitarrista en directo que lo vive, cuando su instrumento se vuelve parte de él y siente la música hasta el último poro de su cuerpo es para dejarle palabras de elogio y que continúe trabajando en ello porque se nota su amor por su instrumento y la pasión por la música que desempeña.

Y más de lo mismo con el bajista “Non-Stop”, Pei Garcia. Madre mía que difícil sacarle una foto decente, y es que encima mi cámara estaba en cirugía de garantía y tuve que apañarme con el súper móvil (Huawei) que poseo…. Ya vereís las fotos! Se hizo lo que se pudo 😀

A partir de este momento, la que escribe esta crónica, bautiza a Pei como Mr. Non-Stop!

Vaya manera de tocar tiene este chico! Esas bases rítmicas tan Southern y su presencia escénica imparable es fuente de vitaminas para la audiencia, y eso se notó.

Y si a esa energía le sumamos la de Lucas Diaz en la batería quien acompañó de forma perfecta la rítmica de cada tema con sus cambios de tempo y composiciones frenéticas, tenemos un cuarteto que merece ser escuchado en directo nuevamente en la capital.

Puedo decir que a más de uno se le notó la cara de decepción en cuanto a lo comentado antes, el sonido. Pero con la apisonadora conjunta de lo que representa SOLDIER, es necesario volverlos a ver con un sonido que acredite el porqué a día de hoy son una de las bandas reconocidas en el mundo del Thrash Metal nacional.

Para terminar su show nos regalaron la versión del Cowboys From Hell de Pantera, subiendo la adrenalina de los presentes que esperábamos impacientes a los otros dos grupos restantes.

Pedazo de concierto nos dio SOLDIER! Les deseamos la mejor de las suertes y esperamos verlos pronto nuevamente por estos lares.

SETLIST:

…Exterminate White People

The Great Western Oligarchy

Destroyers

No Child Left Behind

Corrupted (Sex in Prison)

Christoholic

The Sleeping of Reason

Between Two Masters

Cowboys From Hell (Pantera)

Llegaba el turno de LEGEN BELTZA!

Lo primero que notamos es que tanto los guitarristas Ekaitz y Joseba, como Xanti cantante y bajista llevaban consigo un equipo Dean pegados al cuerpo para desatar la locura en la sala. Desconozco si es decisión de los chicos trabajar con esta marca porque les gusta o el motivo es que Dean sea su sponsor.

Con su trayectoria desde 1998, se nota lo bien a gusto que están sobre el escenario y la soltura mientras iban desgranando los temas elegidos para la velada.

Sus bases naturalmente son Thrashers, pero no podemos dejar pasar esos coros guturales que acompañan en cada tema por parte de ambos guitarristas, y que hace que sus composiciones sean más oscuras y mucho más extremas comparándolas con las dos bandas anteriores.

Los blast beats y la rápidez en la percusión de Iban hacen que este Thrash Metal Vasco tenga las pinceladas perfectas de Death Metal generando unas composiciones sin piedad para los cuellos. Cosa que ya advertía Xanti al inicio del show.

Ekaitz nos dejaba boquiabiertos con su calidad musical en las 6 cuerdas en donde de igual forma Joseba no se quedaba atrás. Acompañamientos con rítmicas y riffs más deathmetaleros, pero también defendiendo sus solos en el lado izquierdo del escenario cuando le tocaba su turno de demostrar su técnica en la guitarra.

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La descarga de los de Azpeitia principalmente se enfocó a su disco de 2003, Insanity, y el Dimension of Pain de 2006. Sin olvidar un par de temas de su último trabajo de 2010 Need to Suffer.

Me parece recordar que en el tema Deathpidemic, Xanti entregó su bajo a Joseba para presentarnos este tema 100% entregado al micro, y el calor de la sala en aumento, generando constantes circle pits en donde Xanti no perdió la oportunidad de unirse a uno de los pogos y volver con una sonrisa al escenario, rememorando las veces que han venido a la capital y agradeciendo la respuesta que siempre tienen del público que les sigue en la capital.

Una hora casi de machaque para las nucas, pero valió la pena volver a ver a LEGEN BELTZA, una vez más en la capital después de tanto tiempo y confirmando que a pesar del tiempo siguen manteniendo esa fuerza sobre las tablas entregando lo mejor que saben hacer, THRASH METAL MADE IN BASQUE COUNTRY.

Increíble energía que nos dejaron en el cuerpo estos chicos, y esperamos que ya estén maquinando un nuevo trabajo para continuar con su legado. Con la respuesta de los presentes, seguro que les servirá de aliciente.

SETLIST:

Insanity

Nuclear Winter

Satanic Neighborhood

Dimension of Pain

Fucking Dawn of the Dead

Black Storm

Meet me in the Dark

Dying

Vaporized

Deathpidemic

When the Moon Falls

Black Star

Legen Beltza

Cannibalistic

Awaits You

Con la Sala We Rock casí llena, los chicos de RANCOR iniciaron su show con dos temas seguidos, sin dar tiempo a un respiro apurando el tiempo que tenían para poder completar el setlist preparado.

Idolize your Demons y Cruelty fueron los temas elegidos de su último trabajo Evilization de 2017, para dar inicio a su presentación.

Así empezó ésta celebración en directo de estos 20 años de trayectoria artística de estos madrileños que no han parado de auto-promocionarse, dejando claro en cada evento en donde han puesto su sello, que los años de experiencia les ha hecho ganar muchísimo y con ello los promotores nacionales han constatado su calidad musical contando con ellos en varios festivales.

Recuerdo la primera vez que los vi, en el Thrash Attack I, en donde no llegaba a comprender porqué Dani, su cantante hacía también los coros y me revotaba un poco que el resto de sus compañeros no le hagan las colaboraciones necesarias, pero con el paso del tiempo entendí que Dani tiene una voz espectacular y que puede defenderse como voz principal y también haciendo coros sin depender de nadie, pero entiendo que con el paso del tiempo, los directos y la reacción de la audiencia toda la banda comprendería que para tener la fuerza que necesitan sobre los escenarios y que han ganado a día de hoy era indispensable que los coros sean más contundentes y con esto, la máquina de Thrash metal y los engranajes serían los perfectos para que RANCOR suene como suena en la actualidad. APLASTANTES!

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Qué decir del virtuosismo de cada uno de sus miembros…. Pues que me encanta!

Además de esas composiciones tan cañeras y a la vez tan versátiles de la mano de Vasco, la seguridad escénica de todos ellos, la complicidad de Vasco con Ricky y sus riffs atronadores.

Serra siempre entusiasmado sobre las tablas, acompañando a sus guitarras de izquierda a derecha y con ese bajo explosivo que lleva la base estructural junto a Jorge en la batería, no podemos más que alagar a todos por su buen hacer.

Dani, además de ser un gran cantante es un gran artista visual y es él quien se encarga de la imagen promocional de RANCOR, ideando los carteles de cada evento que han realizado y colaborando además en las primeras portadas de su demo y EP’s, Death Collector, Death is Everywhere y Raining Bombs respectivamente.

Cómo véis, RANCOR no es solo una banda de Thrash Metal. Su trabajo diario y su colaboración continua nos deja claro que más que una banda, son una familia que va a cuidar con mimo cada proyecto que realicen y es por eso que en este aniversario muchos amantes del Thrash Metal no podían perderse esta gran fiesta celebrándolo con ellos.

Si! Porque se lo han currado desde 1998 y eso se ha notado. El trabajo en equipo es esencial a día de hoy.

Poco a poco pero sin pausa nos entregaron temas desde sus inicios, extrayendo temas de su primer trabajo Release the Rancor de 2010, entre ellos su tema homónimo Rancor que puso la sala a cantar al unisono y en donde el carisma de su frontman nos hiciera corear su nombre dejándonos los pulmones y disfrutando en los pogos.

Temas de su trabajo de 2013, Dark Future y un leve lapsus en el setlist, pero estoy segura que fue de la euforia que se sentía en el ambiente, ya que originalmente posterior a su controversial tema Spain is Pain de su último trabajo Evilization, debía haber seguido Sea of Lies, pero el orden se modificó por el tema Dark Future porque entiendo, que en la cabecita loca de Dani estarían fluyendo realidades lamentables que se vive en el país en estos momentos… un futuro oscuro que sólo nosotros podemos cambiar.

Fuese lo que fuese, la fiesta continuo y no hubo ningún problema con este cambio, al contrario, los chicos seguían a lo suyo sobre el escenario y mantuvieron su calidad y poder sobre las tablas.

El momento friki guapo de la noche, y encima coincidiendo con los Carnavales, fue cuando arrancaban las tonadas del Wounded Wolf y nuevamente Dani hacía de las suyas apareciendo con sus garras de Lobezno, volviendo loco a más de uno y de igual forma coreando a viva voz este temazo de su primer trabajo.

Para finalizar la fiesta, los chicos de RANCOR invitaron a los miembros de STEELGAR, SOLDIER y LEGEN BELTZA a subir al escenario para regalarnos un medley sorpresa, el cual puso la sala a estallar de energía.

Whiplash (Metallica), Pleasure to Kill (Kreator), Caught in the Mosh (Anthrax), Bonded by Blood (Exodus) y el Raining Blood (Slayer)… Os lo imagináis?

Los que habéis asistido sabéis lo grandioso que fue ese final, viendo a las bandas unidas disfrutando, riendo de gusto y dándolo todo en agradecimiento al público presente y por qué no, a los currantes de RANCOR que trabajaron mucho para que esta edición dé los resultados tan satisfactorios que se han confirmado.

Felicidades por estos 20 años de lucha y que vuestra maquinaria creativa no pare, porque es fuente de inspiración para todas las bandas nacionales.

GRANDES RANCOR!

SETLIST:

Idolize your Demons

Cruelty

Addicted to Hate

Rancor

Fatal Disease

Soul Chamber

Spain is Pain

Dark Future

Sea of Lies

Orgasmic Speed

Wounded Wolf

Thrash Attack Medley

Fotos y reseña: Paula Chávez

THRASH ATTACK III, SALA WE ROCK MADRID El Thrash Attack III se celebró el pasado Sábado 2 de Marzo en la Sala We Rock de Madrid, y si no tuviste la oportunidad de asistir lo vas a lamentar porque el espectáculo nos voló los sesos a todos. 2,897 more words

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estoyalmando · 7 years ago

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El domingo 17 de junio “Alaska & Mario”continuarán preparando su viaje a México. En #ALASKAYMARIO503 (21:30h en Paramount Network y 22:30h en MTV), la pareja recibe las camas de invitados que compraron en el episodio anterior, además de visitar a los Javis junto a Brays Efe, grabar la nueva versión de la canción “Huracán Mexicano”, llevar al padre de Mario a ver un partido del Atlético, donde se encuentran con los futbolistas Torres y Koke… ¡Incluso se adentran en Atapuerca con un amigo muy especial!

En “Huracán camas”, el tercer programa de su nueva temporada, “Alaska & Mario” preparan ropa para llevarla a Casa Bibiana cuando suena el teléfono: ¡es Javier Calvo, el 50% de los Javis! Y tiene una apetitosa propuesta: les invita a ir un día a su piso para cenar cocido madrileño casero y celebrar que han terminado de grabar la 2ª temporada de su serie.

Pero antes tienen un asunto muy importante pendiente: grabar la versión ‘reguetoniana’ de “Huracán Mexicano”, el tema de Dinarama que Nacho Canut ha actualizado, acompañados por las Nancys y Topacio a los coros. Como no pierden el tiempo, ¡aprovechan para autoinvitarse todos al viaje de la pareja!

La puesta a punto de Casa Bibiana sigue adelante, ¡y por fin llegan las camas! Tumbados en su nuevo colchón, planifican su viaje a México antes de ir a comer con la familia de Mario en Vicálvaro. Además, tienen una sorpresa para el padre de Mario: ¡le llevan a ver al Atlético en el estadio Wanda! Pero él apoya al Real Madrid… ¿cómo se tomará la oferta? Aunque claro, si después del partido saludan al presidente del equipo, a Fernando Torres y a Koke Resurrección… ¡cómo va a decir que no!

¡Y por fin llega el momento de catar el cocido de los Javis! Además, estos aprovechan para enseñarles su piso, mientras terminan la cena acompañados por el actor Brays Efe. Al día siguiente,Olvido y Mario tienen un planazo: visitar Atapuerca, de la que Alaska es embajadora, junto a Pablo, un niño que conocieron una década antes ¡en un concierto de Alice Cooper! Acompañados de este chico tan aventurero, se adentran en las cuevas y aprenden a fabricar herramientas… ¿Se fabricará Mario un abrebotellas paras las cervecitas?

Las Nancys y Topacio llegan para pasar la noche en Casa Bibiana y estrenar sus nuevas camas. Aprovechan para decidir qué hacer en México: ¿Ver la Virgen de Guadalupe? ¿Pasear por el mercado flotante de Xochimilco? Hay opciones para todos los gustos… ¿Conseguirán ponerse de acuerdo?

Todo esto y más en “Huracán camas”, la nueva entrega de #AlaskaYMario, también disponible en la web de Paramount Network a partir del lunes 18.

‘Alaska & Mario’ cenan con los Javis y duermen con las Nancys, este domingo en MTV y Paramount Network El domingo 17 de junio “Alaska & Mario”continuarán preparando su viaje a México. En #ALASKAYMARIO503 (21:30h en Paramount Network y 22:30h en MTV), la pareja recibe las camas de invitados que compraron en el episodio anterior, además de visitar a los Javis junto a Brays Efe, grabar la nueva versión de la canción “Huracán Mexicano”, llevar al padre de Mario a ver un partido del Atlético, donde se encuentran con los futbolistas Torres y Koke… ¡Incluso se adentran en Atapuerca con un amigo muy especial!

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efe-es1405-yahoopartner-blog · 7 years ago

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Llega "Incredibles 2", una película para niños donde "mandan las mujeres"

Madrid, 12 jun (EFE).- Brad Bird, ganador de dos Óscar por "The Incredibles" (2004) y "Ratatouille" (2007), estrena este viernes en todo el mundo lo nuevo de Pixar, "Incredibles 2", un filme en el que las mujeres tienen papeles muy destacados y el auténtico superpoder es "la unidad de la familia". "Es una película donde las mujeres mandan", afirma en una entrevista con Efe en Madrid el director, que recuerda que tuvo la idea de esta historia desde que empezó la promoción de "The Incredibles". Hellen Parr, la madre de esta peculiar familia "ya era un personaje muy fuerte y hemos seguido esa línea de la historia, no hemos cambiado nada", precisa Bird. Una segunda parte que ha tardado catorce años en llegar, a pesar de que el director asegura que comenzó a escribirla nada más terminar la primera, y que recupera a la familia Parr (los increíbles que mantienen oculta su verdadera identidad de superhéroes) como si no hubiera pasado el tiempo. Ahora, las nuevas tecnologías captan a la familia en una de sus actuaciones contra el mal y un magnate les ofrece salir del anonimato mediante una campaña de marketing que tendrá a la madre como protagonista; esto supone que Bob tendrá que quedarse en casa a cuidar de Jack Jack, un bebé que parece "normal". Bird reconoce que hoy está mucho más de moda que entonces dar prioridad a la igualdad o crear personajes femeninos potentes, pero explica que los guiones se hacen "con tantísima antelación que no hay manera de reaccionar a la actualidad. Solo queríamos contar una buena historia", resume. La cinta está llena de guiños a la igualdad, al ecologismo y al valor de la diversidad: todos los papeles relevantes de la historia son protagonizados por mujeres, se lanzan mensajes de comida saludable y hasta la moto que conduce Elastigirl es eléctrica. "No es un riesgo apostar por las mujeres; es más, creo que así somos las mujeres en el mundo, yo soy una mujer trabajadora y mi marido ha pasado mucho tiempo con nuestros hijos; aquí, Bob se tiene que quedar en casa con los niños y eso da mucho para la comedia", apunta una de las productoras de la cinta, Nicole Grindle. Su colega John Walker, que también fue productor de la primera entrega, añade que "no hay nada en esta película que no hubiera podido ocurrir en la otra. En aquella, Helen ya no estaba dispuesta a dejar 'esto de salvar el mundo' a los hombres", bromea. Para el director, el concepto de la familia unida, por encima de cualquier otra cosa "es lo que distingue a nuestra película de otras de superhéroes". "Cuando hice 'The Incredibles' intentaba pensar en superpoderes que no hubieran tenido otros personajes y descubrí que realmente estaban ya todos utilizados", señala el creador de "The Iron Giant" (1999) o "Tomorrowland" (2015). "Luego me di cuenta de que no me interesaba tanto el superpoder en sí como los comentarios de la familia, cómo cada miembro se relaciona con la vida, de modo que la fuerza de cada personaje es su época vital". Así, explica, los dotó de poderes según se esperaba de ellos: "Bob es fuerte; las madres hacen mil cosas a la vez, por eso Helen es elástica; las adolescentes sueles estar a la defensiva, y Violet tiende a la invisibilidad, mientras los chicos de diez años son curiosos, quieren toquetearlo todo, abrir todas las puertas. Y los bebés pueden ser todo, o nada, son puro potencial", resume. Bird estalla en carcajadas solo de pensar que algún político como los presidentes de EE.UU., Donald Trump, o Corea del Norte, Kim Jong-un, hubieran podido inspirar al bebé Jack Jack, con poderes para hacer casi cualquier cosa pero sin capacidad para controlarlo. "Es una figura mítica, la que aludes no estaba en mi mente, y prefiero que haya sido así", se ríe a coro con sus productores. Y desvela que Jack Jack está basado en su hijo mediano: "Es una caricatura del momento en el que los bebés empiezan a gatear, a desplazarse, algunos son tiernas criaturas que se quedan donde les dejas pero otros son remolinos que te dan un susto cada cinco minutos". EFE aga/mcm/agf

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