#caricaturas de antaño

[conoviacat99]

Estaba divagando en el comedor cuando en la plática de mis familiares salió el tema (recuerdo) de las caricaturas que antes veíamos o veían ellos.

Ve��a muchas más y más queridas para mí, pero estás fueron las que ellos recordaron con aprecio así que las escogí.

De las caricaturas que más me gustan apesar de los años y que para mí son joyas es:

Coraje el perro cobarde (obviamente debe ser la primera es mi fav)

Bob esponja

Monstruos reales

KND los chicos del barrio

Scooby Doo

Samurai Jack

Dave el bárbaro

Y muchas más que la verdad no recuerdo sus nombres pero si a los personajes.

[selhiloec]

la vaca y el pollito una caricatura de antaño, recuerdo haberme aprendiendo la canción de la introducción, era pegajosa

[poenaulune]

Un amor.

Solo quiero un puto amor lindo con una persona que en verdad me quiera. Que abrace mis inseguridades y no me haga tener más, que comprenda mis ataques de ansiedad y de pánico.

Que le agrade la forma en la que expreso mi gusto por los libros, las películas, el anime, las caricaturas, las series de amor. Mi inquietud sobre las películas de terror y mi adoración por las de antaño.

Que podamos bailar al ritmo de un tocadiscos canciones viejas y de significado hermoso. Poder bailar en plena madrugada por alguna parte de la casa. Que me de helado en la boca, me haga reír, pueda usar sus camisas.

Que pueda amar mi ingenuidad en varios temas y la curiosidad que aquellos me causarán si le llego a escuchar hablar de ello. Que adore mi risa, mi sonrisa, mis pinturas, escritos... ¿Es a caso que pido demasiado?.. Realmente solo quiero..

Solo quiero ser amado como merezco, no pido más.

Att: Blanckt Radoslav

[lacronicacoruna]

12 Películas animadas recientes que fueron creadas para pasar una tarde cálida con una taza de chocolate

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Tuitéalo

En 1892, nació la primera caricatura del mundo. Émile Reynaud la presentó a su conocido teatral, la mayoría de los cuales, por cierto, eran damas y caballeros asaz mayores. A pesar de la sensación sin precedentes, el “teatro óptico” de Émile pronto fue rechazado por el cine. Ahora, la animación está ganando popularidad nuevamente. Los animadores modernos entienden que los adultos, como los niños, incluso quieren relajarse y permitirse finalmente divertirse desde el corazón. Y cualquier diversión se vuelve más agradable si se puede compartir con la comunidad.

Genial.guru descubrió qué dibujos animados fueron los más esperados en 2019-2020. Algunos de ellos ya han manido la luz, y el estreno del resto está previsto para el futuro cercano.

Corgi: un perro verdadero

La trama se desarrolla en torno a de la mascota consentida de la reina Isabel II. Huyendo de las maquinaciones de los envidiosos, un corgi llamado Rex escapa del palacio de Buckingham y se encuentra en las calles de Londres, donde reina la ley del más válido. Para regresar a casa sano y exceptuado, el mimado perro tiene que demostrar de que está hecho. El perrito debe familiarizarse con la vida secreta de la ciudad, encontrar un estilo global con otros perros, comprenderse a sí mismo y encontrar el sexo definitivo.

Duración: 85 min

Spycies

Vladimir es un agente experimentado que puede resolver incluso las misiones más complicadas. Pero tiene un inconveniente: es un felino aficionado de la voluntad que a menudo se sale del control de sus superiores. Cuando Vladimir inicia la próximo investigación, se le asigna la rata Héctor como compañero. Trabajar con un compañero inteligente pero soñador es insoportable para un felino agente exclusivo, porque cada uno de ellos prefiere sus propios métodos y no quiere ceder. Sin retención, para finalizar la investigación lo antaño posible y atrapar al criminal, Vladimir y Héctor tendrán que trabajar en equipo.

Duración: 99 min

Los locos Addams

¡El retorno de la comunidad favorita de muchos se esperaba con ansias y por fin ha ocurrido! Los excéntricos Addams llevan la fiesta de Halloween en el alma, por eso ellos perciben a las personas normales como un poco “extrañas”. La comunidad vivía completamente oportuno en su alejada casa en la colina hasta que se encontraron con una entrometida reportera. Gracias a ella, la vida habitual de los Addams cambia radicalmente.

Duración: 86 min

Día de Muertos

Salma creció en amorosa comunidad adoptiva, pero a sus 16 primaveras ella no ha perdido la esperanza de encontrar a sus verdaderos padres. La chica vive en una ciudad de México, en donde se celebra ampliamente una fiesta antigua: el Día de Muertos. Durante la fiesta, las almas de los muertos regresan desde el bóveda celeste para encontrarse con sus seres queridos. En vísperas de esta fiesta, los hermanos adoptivos de Salma encuentran un texto de hechizos que abre las puertas a otro mundo. Y entonces, la heroína decide emprender un alucinación en el mundo de los muertos para inquirir a sus padres y aprender conocer su pasado.

Duración: 95 min

Parque mágico

Cuando era pequeña, June inventó un ficticio parque de atracciones con todo y sus habitantes. Ella pasaba todo el día aquí, pero llegó el momento de crecer. Debido a la enfermedad de su mamá, la pupila dejó de tener tiempo para la imaginación. Lo que la pequeña no sabía era qué tan verdadero era su mundo de presunción. El parque, asaz verdadero, se va a la ruina sin la supervisión de su dueña; mientras que sus habitantes se encuentran en peligro. June se da cuenta de que ella es la responsable de la existencia del parque y decide poner todos sus esfuerzos en salvarlo. Afortunadamente, sus viejos amigos llegan para ayudarla.

Duración: 85 min

Espías a escondidas

Lance es un agente seguro de sí mismo que está oportuno de redimir ciudades y países. Walter es un novicio comprobado sombrío que rebusca aislarse del mundo en sus inventos. Estos dos chicos son polos opuestos. Un día, cuando la agencia necesita la ayuda de Lance, adecuado a una serie de accidentes, el pequeño se convierte en… una paloma. Esta vez, para redimir a la humanidad, el agente necesita la ayuda de Walter. Pero ¿puede un dúo inesperado convertirse en un definitivo equipo y evitar una catástrofe?

Duración: 102 min

Espíritus del mar

Ruka es una colegiala que pasa todo su tiempo en el acuario lugar donde trabaja su padre. Un día, conoce a dos chicos extraños. Los niños nacieron remotamente del mar y se descubrió que tenían poderes sobrenaturales. Pronto, los habitantes marinos de todos los acuarios del mundo comienzan a desparecer y se descubren en lugares muy inesperados. Ruka sospecha que esta pareja de chicos, por alguna razón, está relacionada con este misterioso hecho.

Duración: 111 min

A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon

El estudio Aardman Animations nuevamente nos alegra con las aventuras de la armoniosa oveja. En esta ocasión, una nave espacial con la extranjero Lu-La a borde se suerte en las cercanías de su alquería. La nueva amiga fascina a todos los animales y Shaun decide hacer todo lo posible para que Lu-La regrese a casa. Pero la oveja aún no se imagina que los cazadores de alienígenas ya se encuentran detrás de ella.

Duración: 86 min

The Willoughbys

Esta caricatura estadounidense-canadiense se cimiento en el texto del mismo nombre de Lois Lowry. En el centro de la trama hay cuatro niños convencidos de que criarse a sí mismos es mucho mejor que dejarlo en Dios en la comunidad. Por lo tanto, deciden tomarse un alivio de sus molestos padres y enviarlos de asueto. Sin retención, los hermanos y hermanas pronto tendrán que asimilar de su amarga experiencia que la vida sin los padres no es tan dulce como pensaban.

Duración: 92 min

Wolfwalkers

En la caricatura se presenta a Irlanda del siglo XVII, en el apogeo de la superstición y la nigromancia, donde los lobos son considerados criaturas diabólicas. La chica Robyn, adyacente con su padre cazador, persigue a la última manada de lobos. Un día, se encuentra con la salvaje Mebh, quien le abre los luceros a los secretos de la naturaleza. Poco a poco, Robyn comienza a dudar de las instrucciones de su padre.

Duración: desconocida hasta el momento

Wish Dragon

Esta es una comedia de animación basada en la historia llamativo de Chris Appelhans. Se sabe que la caricatura es producida por Jackie Chan. La historia es un recuento de Aladino, pero todo sucede en la China moderna. El protagonista no conoce a un índole, sino a un dragón, el cual es capaz de cumplir cualquier deseo. La conmovedora historia de amistad no solo fascina por su colorida trama, sino incluso toca temas de moralidad y ética.

Duración: desconocida hasta el momento

Confiesa, ¿te gusta ver caricaturas estando solo o en compañía de tus seres queridos?

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[lacronicacoruna1]

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En 1892, nació la primera caricatura del mundo. Émile Reynaud la presentó a su conocido teatral, la mayoría de los cuales, por cierto, eran damas y caballeros asaz mayores. A pesar de la sensación sin precedentes, el “teatro óptico” de Émile pronto fue rechazado por el cine. Ahora, la animación está ganando popularidad nuevamente. Los animadores modernos entienden que los adultos, como los niños, incluso quieren relajarse y permitirse finalmente divertirse desde el corazón. Y cualquier diversión se vuelve más agradable si se puede compartir con la comunidad.

Genial.guru descubrió qué dibujos animados fueron los más esperados en 2019-2020. Algunos de ellos ya han manido la luz, y el estreno del resto está previsto para el futuro cercano.

Corgi: un perro verdadero

La trama se desarrolla en torno a de la mascota consentida de la reina Isabel II. Huyendo de las maquinaciones de los envidiosos, un corgi llamado Rex escapa del palacio de Buckingham y se encuentra en las calles de Londres, donde reina la ley del más válido. Para regresar a casa sano y exceptuado, el mimado perro tiene que demostrar de que está hecho. El perrito debe familiarizarse con la vida secreta de la ciudad, encontrar un estilo global con otros perros, comprenderse a sí mismo y encontrar el sexo definitivo.

Duración: 85 min

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Vladimir es un agente experimentado que puede resolver incluso las misiones más complicadas. Pero tiene un inconveniente: es un felino aficionado de la voluntad que a menudo se sale del control de sus superiores. Cuando Vladimir inicia la próximo investigación, se le asigna la rata Héctor como compañero. Trabajar con un compañero inteligente pero soñador es insoportable para un felino agente exclusivo, porque cada uno de ellos prefiere sus propios métodos y no quiere ceder. Sin retención, para finalizar la investigación lo antaño posible y atrapar al criminal, Vladimir y Héctor tendrán que trabajar en equipo.

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Los locos Addams

¡El retorno de la comunidad favorita de muchos se esperaba con ansias y por fin ha ocurrido! Los excéntricos Addams llevan la fiesta de Halloween en el alma, por eso ellos perciben a las personas normales como un poco “extrañas”. La comunidad vivía completamente oportuno en su alejada casa en la colina hasta que se encontraron con una entrometida reportera. Gracias a ella, la vida habitual de los Addams cambia radicalmente.

Duración: 86 min

Día de Muertos

Salma creció en amorosa comunidad adoptiva, pero a sus 16 primaveras ella no ha perdido la esperanza de encontrar a sus verdaderos padres. La chica vive en una ciudad de México, en donde se celebra ampliamente una fiesta antigua: el Día de Muertos. Durante la fiesta, las almas de los muertos regresan desde el bóveda celeste para encontrarse con sus seres queridos. En vísperas de esta fiesta, los hermanos adoptivos de Salma encuentran un texto de hechizos que abre las puertas a otro mundo. Y entonces, la heroína decide emprender un alucinación en el mundo de los muertos para inquirir a sus padres y aprender conocer su pasado.

Duración: 95 min

Parque mágico

Cuando era pequeña, June inventó un ficticio parque de atracciones con todo y sus habitantes. Ella pasaba todo el día aquí, pero llegó el momento de crecer. Debido a la enfermedad de su mamá, la pupila dejó de tener tiempo para la imaginación. Lo que la pequeña no sabía era qué tan verdadero era su mundo de presunción. El parque, asaz verdadero, se va a la ruina sin la supervisión de su dueña; mientras que sus habitantes se encuentran en peligro. June se da cuenta de que ella es la responsable de la existencia del parque y decide poner todos sus esfuerzos en salvarlo. Afortunadamente, sus viejos amigos llegan para ayudarla.

Duración: 85 min

Espías a escondidas

Lance es un agente seguro de sí mismo que está oportuno de redimir ciudades y países. Walter es un novicio comprobado sombrío que rebusca aislarse del mundo en sus inventos. Estos dos chicos son polos opuestos. Un día, cuando la agencia necesita la ayuda de Lance, adecuado a una serie de accidentes, el pequeño se convierte en… una paloma. Esta vez, para redimir a la humanidad, el agente necesita la ayuda de Walter. Pero ¿puede un dúo inesperado convertirse en un definitivo equipo y evitar una catástrofe?

Duración: 102 min

Espíritus del mar

Ruka es una colegiala que pasa todo su tiempo en el acuario lugar donde trabaja su padre. Un día, conoce a dos chicos extraños. Los niños nacieron remotamente del mar y se descubrió que tenían poderes sobrenaturales. Pronto, los habitantes marinos de todos los acuarios del mundo comienzan a desparecer y se descubren en lugares muy inesperados. Ruka sospecha que esta pareja de chicos, por alguna razón, está relacionada con este misterioso hecho.

Duración: 111 min

A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon

El estudio Aardman Animations nuevamente nos alegra con las aventuras de la armoniosa oveja. En esta ocasión, una nave espacial con la extranjero Lu-La a borde se suerte en las cercanías de su alquería. La nueva amiga fascina a todos los animales y Shaun decide hacer todo lo posible para que Lu-La regrese a casa. Pero la oveja aún no se imagina que los cazadores de alienígenas ya se encuentran detrás de ella.

Duración: 86 min

The Willoughbys

Esta caricatura estadounidense-canadiense se cimiento en el texto del mismo nombre de Lois Lowry. En el centro de la trama hay cuatro niños convencidos de que criarse a sí mismos es mucho mejor que dejarlo en Dios en la comunidad. Por lo tanto, deciden tomarse un alivio de sus molestos padres y enviarlos de asueto. Sin retención, los hermanos y hermanas pronto tendrán que asimilar de su amarga experiencia que la vida sin los padres no es tan dulce como pensaban.

Duración: 92 min

Wolfwalkers

En la caricatura se presenta a Irlanda del siglo XVII, en el apogeo de la superstición y la nigromancia, donde los lobos son considerados criaturas diabólicas. La chica Robyn, adyacente con su padre cazador, persigue a la última manada de lobos. Un día, se encuentra con la salvaje Mebh, quien le abre los luceros a los secretos de la naturaleza. Poco a poco, Robyn comienza a dudar de las instrucciones de su padre.

Duración: desconocida hasta el momento

Wish Dragon

Esta es una comedia de animación basada en la historia llamativo de Chris Appelhans. Se sabe que la caricatura es producida por Jackie Chan. La historia es un recuento de Aladino, pero todo sucede en la China moderna. El protagonista no conoce a un índole, sino a un dragón, el cual es capaz de cumplir cualquier deseo. La conmovedora historia de amistad no solo fascina por su colorida trama, sino incluso toca temas de moralidad y ética.

Duración: desconocida hasta el momento

Confiesa, ¿te gusta ver caricaturas estando solo o en compañía de tus seres queridos?

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[tamalitosalegres]

“primer corte” Los looney tunes y la irreverencia eterna

Cuando la Warner bros quiso expandir su alcance tras imponer el cine sonoro decidió aprovechar la fama creada por Mickey mouse para entrar en el campo de la animación, para lograrlo hizo un trato con  Leon Schlesinger,  Rudolph Ising y Hugh Harman quienes fueron antiguos empleados de Disney, y así se crearía a bosko la primera estrella animada de warner.

Bosko fue un personaje registrado como un “negro boy” el cuya apariencia intentaría acercarse a la del gato felix, su primera aventura seria Sinkin' In The Bathtub un corto donde el llevara a su novia “honey” de paseo.

En lo que respecta a la trama esta es similar a las demás animaciones de la época, pero este corto resalta por dos aspectos: el primero es que es extremadamente musical demostrando con total transparencia el deseo de Warner de imponer el cine sonoro, y la segunda es que en este corto podemos ver unas pequeñas muestras de lo que serían las producciones animadas de Warner bros en el futuro.

Hoy en día la Warner añade un aviso en sus clásicos donde dejan en claro que los ideales que tenían en esa época no son los mismos que tienen hoy en día, esto se debe a que las animaciones de antaño de los looney eran políticamente incorrectas (aunque vale aclarar que para los estándares de esa época no se consideraban incorrectos), y por su puesto Sinkin' In The Bathtub no sería la excepción.

Si bien siendo estrictos la caricatura no es directamente racista algunas personas podrían considerar que la caricaturización de los afroamericanos a través de Bosko y Honey si lo es, pero hay que reconocer que este sería el comienzo de los provocadores intentos de Warner por sacar a la animación del molde creado por Disney.

Sinkin' In The Bathtub es un corto que fascina mas por lo que lo rodea que por sí mismo, representa la creación de los looney tunes, la expansión del cine sonoro, la creación de un estudio de animación por antiguos empleados de Disney (tendencia que se repetiría bastante con la historia) y la exploración de nuevos tópicos en la animación, en resumen un trabajo tan único que solo sería posible hacerse una vez en la historia

-oscar gonzalez

[limantigua]

https://www.facebook.com/limantigua Un día como hoy, 1ro de Junio, en el año 2009 decidí comenzar un proyecto personal digitalizando parte de mi colección para publicarla en internet y asi crear un "álbum de recuerdos de Lima", a través de un blog llamado "Una Lima Que Se Fue..." con fotos, postales, páginas de historietas, caricatura política y más, buscando inicialmente una satisfación propia. Pero este proyecto creció tanto que la satisfacción personal se convertiría en la de muchos amigos que nos siguen día a día. Ahora, 1ro de Junio de 2019, el Proyecto Lima Antigua, sigue con el objetivo del Rescate de la memoria visual de la Lima de antaño, compartiendo la colección privada y convirtiéndola en una colección pública que llega en la actualidad a más de 166 mil seguidores entre nacionales y extranjeros. La meta es llegar a tener una Casa Cultural donde toda esta magnífica colección se convierta, con ayuda de las nuevas tecnologías, y el apoyo de la empresa privada, en la mayor fuente de consulta para las nuevas generaciones; niños y adolescentes. Se cumple 10 años de publicaciones ininterrumpidas y los invito a seguir y a recomendar nuestra página oficial de Lima Antigua a todos sus contactos. 🍰 https://www.facebook.com/limantigua https://www.instagram.com/p/ByKvWZMlrrN/?igshid=ar7k3hbwawa6

[industria-trash]

Industria Trash #nosotrosteamamos collage 1980's TV Shows. "Confía en mi. Se exactamente lo que hago" trust me i know what i'm doing.

 Sledge Hammer! fue una sitcom satírica estadounidense que estuvo al aire durante dos temporadas en la cadena ABC, desde 1986 hasta 1988. La serie fue creada por Alan Spencer, y la estelarizó David Rasche, en el papel del inspector Sledge Hammer, una caricatura del típico policía que bordea el límite de lo legal, y cuyo nombre es una obvia referencia a Mike Hammer. Pese a su corta estadía en el aire, el show ganó un número de fans que lo transformó en un programa de culto. Los fans del programa son conocidos como "Hammerheads".

Inspirado en la violencia explícita del uso de la fuerza policial por parte de Harry el sucio protagonizado por Clint Eastwood, el adolescente Alan Spencer imaginó a un policía que fuese incluso más exagerado, al punto del absurdo. A los dieciséis años, Spencer escribió un guion basado en esta idea. Tanto el guion como el personaje principal fueron llamados "Sledge Hammer".

 Spencer, quien a su joven edad había escrito para varios comediantes, tales como Rodney Dangerfield, y shows de televisión, se encontraba imposibilitado de vender el guion hasta mediados de los '80, cuando luego del estreno de la cuarta película de "Harry el Sucio", y con el alto nivel de popularidad alcanzado por la serie satírica Police squad!, aumentó el nivel de demanda de estas series. Cuando HBO consultó con Leonard B. Stern el creador del Súper agente 86 acerca de una serie de estas características, él recomendó la idea de Sledge Hammer.

Spencer rápidamente trabajó en su libreto para adaptarlo a un formato de media hora. Los ejecutivos de HBO no estaban del todo conformes, y sugirieron algunos cambios que Spencer no aceptó de ninguna manera, como por ejemplo el casting de Joe Piscopo en el rol principal. Sorpresivamente, ABC accedió a dar una oportunidad a un guion tan poco ortodoxo. Insistieron, eso sí, en bajar el nivel de violencia, y en agregar algunos otros detalles, pero la opción principal de Spencer para el personaje principal, el respetado actor clásico David Rasche fue mantenida. Sledge Hammer! ingresó en las planillas de ABC en 1986

Fortuitamente, el episodio piloto fue completado justo cuando la canción de Peter Gabriel del mismo nombre alcanzaba una alta popularidad, y fue utilizada en la publicidad de la serie

El inspector Sledge Hammer del departamento de policía de San Francisco, es un detective violento, cruel e insensible, pero querible a pesar de todo. Su mejor amigo es su revólver .44 Magnum (un Smith & Wesson Modelo 629), con quien duerme, se baña e incluso habla. Hammer cree en disparar primero y preguntar después. Su momento más memorable en el episodio piloto, es cuando vuela un edificio con un lanzacohetes para poder eliminar a un francotirador apostado en el techo.

Pese a pretender ser quisquilloso con las leyes de ley y orden, Hammer es más bien laxo cuando de regulaciones policíacas se trata. Suele disfrutar torturar criminales, a quienes frecuentemente se refiere como "mutantes con muerte cerebral" o "cretinos come-yogur". Frecuentemente es suspendido, y su foja suele tener que ser transportada en una carretilla.

Hammer maneja un Dodge verde lima golpeado y baleado, con un sticker que dice "I ♥ VIOLENCE" (yo amo la violencia). Además, son de su agrado las chaquetas deportivas baratas, las corbatas llamativas y los anteojos negros. Está divorciado, y suele hacer bromas a expensas de su ex mujer (quien aparece en el episodio final) Pese a su irresponsabilidad e incompetencia, suele lograr el cometido signado en un principio, generalmente a través de pura suerte. Su lema es (irónicamente): "Confía en mi. Se exactamente lo que hago" (que suele ser previo a algún tipo de desastre). También suele utilizar la expresión "No me confundas", como respuesta a cualquier comentario que ponga en cuestionamiento a su ridículo y unidimensional mundo.

La compañera de Hammer es la bella detective Dori Doreau (protagonizada por Anne-Marie Martin), que es competente, sensible, inteligente y sofisiticada (justamente todo lo que Sledge no es) Doreau es usualmente ofendida por el lamentable comportamiento de Hammer y su actitud obcecada, pero ella parece ver ciertas cualidades que lo redimen pese a su grotesco exterior (inclusive, al final de la segunda temporada aparentemente ella empieza a desarrollar sentimientos por él). El machismo rampante de Hammer es un gag continuo en los diálogos con Doreau:

Doreau: ¿Qué, acaso piensas que todas las mujeres deberían estar descalzas y embarazadas? Hammer: No, aliento que utilicen zapatos. El aproximamiento a la ley compasivo y cauto de Dureau es un contrapunto crucial a la búsqueda irracional y nihilista de Hammer. Sin embargo, es una dura y ágil oficial, con conocimientos de karate y gran puntería, que suele sacar a Hammer de los extraordinarios predicamentos en los que él mismo se incumbe.

Hammer y Doreau son supervisados por el traga-Pepto-Bismol y estresado Capitán Trunk, quien se pasa la mayor parte de su tiempo gritando a Hammer por su incompetencia, o quejándose por la migraña que lo aqueja debido a las tropelías de Hammer. Si es que le tiene algún respeto o cariño, lo esconde muy bien. En un episodio, Hammer está a punto de morir de envenenamiento, pero a último momento Trunk aparece con el antídoto. Cuando Sledge le pregunta de qué manera puede pagarle ese favor, Trunk le responde: "No tomes el antídoto". En otro episodio Hammer está intentando desactivar una bomba y esto es transmitido por TV, mientras que se ve a la gente decir: "Vamos, Hammer, vamos!!" el capitán repite: "Vamos, bomba, vamos!!", aunque luego se une a los demás a regañadientes.

El humor de Sledge

Mucho del humor en Sledge Hammer! está basado en la forma simplista y unidimensional de ver las cosas de Sledge, y las desafortunadas consecuencias que esto acarrea. Hammer es como un tornado humano, devastando todo y a todos a su paso. Fuertemente patriota, xenófobo, es un republicano registrado y un defensor de la guerra. Generalmente culpa al feminismo, al control de armas y a la música de rock de muchos de los problemas del mundo. Si no fuera por sus boberías y en definitiva por su carisma, sería el mejor ejemplo del hombre blanco agresivo. Un ejemplo de dicho humor:

Sledge Hammer: Entonces ambos hombres apuntaron sus escopetas al vendedor, y yo saqué mi Magnum y disparé y maté a ambos. Luego procedí a comprar huevos, leche y algunas de esas pequeñas salchichas de cocktail.

Reportera: Inspector, ¿era eso absolutamente necesario?

Sledge Hammer: Oh si, prácticamente no tenía comida.

La comedia física es otro elemento importante en el show. Sledge está constantemente lastimando al capitán Trunk (ya sea con un taco de billar, pillando sus dedos con un ataúd,...). Otro gag recurrente es el descuidado nivel de conducción de Sledge, continuamente golpeando autos frontal y posteriormente con su Dodge.

Sledge Hammer! también cuenta con una buena cantidad de humor autorreferente y basado en la cultura pop. Por ejemplo, en el episodio final de la primera temporada, el capitán Trunk le dice a un criminal arrestado "¡Tu show se canceló!" y Sledge responde: "¿Quién, yo?", una referencia obvia a los planes inestables del show para una segunda temporada. En otro episodio, Hammer le dice a un sospechoso "Cada vez que respires, cada movimiento que hagas, te estaré vigilando. ¡Así habla la policía!", aludiendo a la canción de 1983 de The Police Every Breath You Take.

Existen numerosas referencias a otros shows populares de aquella época, generalmente de forma despectiva, tales como ALF, El Show de Bill Cosby, Matlock, Luz de luna, etc. También hay alusiones a filmes de la época, como Robocop, Flashdance y Cocodrilo Dundee, y a grandes clásicos como Casablanca.

 Introducción y cortina musical

La introducción del programa nos muestra fotos e imágenes sensuales de la Magnum.44 de Sledge, descansando en una almohada de raso. La memorable música compuesta por Danny Elfman, sonando de fondo. Es allí cuando aparece Sledge, y gira el revólver como un vaquero de antaño, mientras dice su latiguillo ("Confía en mí, sé exactamente lo que hago"), para luego disparar a la pantalla, rompiéndola. La versión original lo tenía a Sledge disparando directamente al televidente, pero los ejecutivos creyeron que podía ser muy violento para los espectadores, al punto de demandar a la cadena por posibles ataques cardíacos. Por ende, Hammer aparece disparando ligeramente en ángulo.

Ratings y segunda temporada

Pese a la crítica positiva y a la leal base de fans, Sledge Hammer! la pasó mal en los ratings. Esto se dio así porque fue emitido los Viernes a las 9 p.m., compitiendo con Dallas de la CBS, y Miami Vice de la NBC, dos de los shows más populares de la época. Una muestra de la competencia planteada, fue durante el episodio "Hammer gets nailed", durante el cual, tras haber visto en un bar, un informe televisivo sobre su desempeño en las calles, Hammer le dispara al televisor luego de escuchar al locutor decir "Ahora continuamos con Miami Vice".

En la versión de DVD de los comentarios, Spencer remarca que la única serie que tenía ratings más bajos que Hammer era el Show de Tracy Ullman, cosa que se aplica sólo a la segunda temporada.

En realidad, Sledge Hammer! atraía semanalmente a diecinueve millones de personas que seguían el show religiosamente pese a sus cambios constantes en el horario.

como la ABC tenía la intención de cancelar la serie, el último episodio de la primera temporada termina con Hammer accidentalmente destruyendo la ciudad mientras intenta desarmar una ojiva nuclear. La última escena muestra las ruinas de la ciudad mientras la voz de Trunk resuena gritando: "HAMEEEEEEEEEEEEEER!". Este episodio tuvo un rating mucho más alto de lo esperado, en parte debido a que la cadena movió la serie a un horario mejor. ABC entonces modifició su idea inicial y renovó contrato por una temporada más.

El primer episodio de la segunda temporada explicó que ese, y el resto de la misma transcurrían cinco años previamente a la explosión. Bill Bixby (de la serie El increíble Hulk) dirigió en varias oportunidades. Doreau es la compañera de Sledge, en lo que fue una notable (e inexplicada) inconsistencia del guion, ya que ambos se conocen recién en el episodio piloto, y la segunda temporada transcurre cinco años antes. Esto se supone que es una parodia a los finales de serie (un ejemplo notorio es el primer episodio de la serie Dallas en la que se revela que la temporada anterior había sido un sueño). En los momentos finales del episodio final, Sledge le pide a Dureau que se case con él, pero momentos después se retracta diciendo que fue un chiste. El televidente es quien finalmente debe imaginarse qué es lo que sucede después.

La segunda temporada sufrió otro indeseable cambio de horario, un presupuesto reducido, y un estándar de filmación menor. No se renovó para otra temporada más.

DVD

La primera temporada de Sledge Hammer! fue lanzada en DVD en el año 2004 Las risas con las que la cadena había insistido tanto no están presentes. El DVD también incluye una versión varios minutos más larga que el episodio piloto y contiene también un final diferente, y una música distinta. Supuestamente, un terremoto tuvo lugar mientras Alan Spencer grababa el comentario para uno de los DVD, incluyendo este contratiempo en el DVD, y dejando a los televidentes preguntándose si realmente ocurrió o no. La segunda temporada fue lanzada en DVD El 12 de abril de 2005; El comentario del episodio final terminó con Spencer, nuevamente, presa de un aparente terremoto.

sitcom

Una comedia de situación o comedia de situaciones (conocida por su abreviatura en inglés: sitcom) es un tipo de serie televisiva cuyos episodios se desarrollan regularmente en los mismos lugares y con los mismos personajes,1​ ​ y en donde se suelen incluir risas grabadas o en vivo. Se desarrolló en los años 1960 en Estados Unidos y sigue siendo relevante aún en la actualidad, como lo muestran recientes realizaciones y anuncios al respecto.

[mordoxrigs]

Ok... Right now I'm feeling really angry and I don't... Ugh... I'm using spanish now. If you don't speak it use a translator or something, but I have to talk RIGHT FUCKING NOW.

En todos los jodidos años que llevo en el fandom de Invader Zim nunca me topé xon situaciones como esta antes. Antaño nadie se preocupaba por la edad de los personajes ni si la relación FICTICIA de ambos era pedofilia o no. De hecho, la edad de Zim NUNCA fue un misterio; en su wiki oficial ya se decía que tenia bastantes años y podía considerarse viejo, incluso en el mismo show de Nick, Zim da a entender de manera DIRECTA que es mucho mayor que Dib, y aun aunado a esto, el fandom comenzó a shippearlos hasta que se convirtieron en la pareja más famosa de toda la serie, incluso por encima del ZaGr y el DaTr, parejas que de hecho nunca fueron (ni son) criticadas por el simple y sencillo hecho de que eran heterosexuales. Recordemos que el disgusto por la inclusión no cannonica de la homosexualidad en caricaturas por parte de los fans ha sido y quizá siempre sea algo que la gente reprochara, y aun así no es algo que sea MALO.

Todas las personas que ACOSAN a artistas que aman esta serie tanto como ellos no son mas que gente intolerante y arenosa que aprovecha el hype de la película y las normas "políticamente correctas" de la sociedad actual para molestar y hacerse oir de manera agresiva y estúpida por encima de otros que en su vida han visto a la ship como una manera de desquitar sus deseos de "" "" pedofilia""" ". El ZaDr NUNCA HA SIDO NI SERÁ una relación que trate de enfatizar la pedofilia o el abuso a menores, eso está super jodido y es un problema REAL que de ninguna manera debería ser comparado con una pareja IRREAL de una maldita caricatura para niños.

Zim y Dib eran emparejados debido a sus similitudes y lo bien que demostraban trabajar o estar en contra el uno del otro. Capítulos cancelados como Moppiness of Doom o El Retorno de Keef lo demuestran perfectamente, y en ningún momento se hace alusión a que la relación de ambos se viese interrumpida por una razón como la edad. Incluso en muchos fanfics y fanarts, como ya se ha mencionado hasta el maldito cansancio, ambos son considerados mayores de edad o en su defecto, cuando se les dibujaba de niños, son pocas las personas que los retratan de manera explícita, cosa que hacen con GAZ MEMBRANA, una niña que es menor que Dib por 2 años y es por demás el personaje MAS SEXUALIZADO de toda la serie, sobretodo en la Rule34, poniéndola en situaciones de sexo brutal y grafico no solo con Zim, sino también con su hermano, su padre o cualquier otro personaje hombre de la serie.

Hay miles de fanfics y fanarts ZaGr y no veo a estos malditos arenosos yendo a las cuentas de los autores a tacharles de pedofilos, muy por el contrario, les elogian y les hacen saber lo bien que está que Zim y Gaz estén juntos. ¿POR QUÉ? Muy simple: POR QUE DAN A ENTENDER DE MANERA DIRECTA Y SIN TAPUJOS QUE DESPRECIAN EL ZADR.

El mismísimo Jhonen ha aclarado miles de veces que no hay cabida para el romance o cualquier otro sentimiento relacionado al amor en su serie y que, de hecho, ninguno de los personajes tiene una sexualidad definida, haciéndolos prácticamente asexuales. Cualquier ship que haya nacido en el seno de Invasor Zim ha sido ÚNICA Y EXCLUSIVAMENTE por DIVERSIÓN.

Las ships NO SON NINGÚN FETICHE. Son solo una expresión artística de personas que son capaces de ver algo más dentro de las mentes y personalidades de los personajes y como estas se relacionan con otros en un sentido más íntimo. El cliché de "enemies to lovers" es famoso en muchos fandoms y da una tristeza inmensa que justo en el de Zim es en donde el odio se intensifica con más fuerza. Nosotros NUNCA fuimos un fandom tóxico, ¿¡Por qué carajos empezar a serlo ahora?! Si no te gusta la ship, sea la que sea, y quieres argumentar tu odio inexcusable diciendo que Zim es mayor y por lo tanto es "pedofilia", haznos un favor a todos y bloquea al artista o ignora la publicación. Vayan a buscar la atención que no reciben de sus padres en casa en otro lado y dejen a los artistas en paz.

Y si lo que quieren es acabar con el ZaDr, pues buena suerte. Están "peleando" por una causa perdida y contra una mayoría de grandes mentes creativas que llevan años en el arte y en el fandom, cosa que ustedes no podrían soñar ni aunque les llevara la vida en ello.

Me siento profundamente decepcionada, molesta y triste al saber que una comunidad tan hermosa como la que fundamos hace año ahora corra el riesgo de caerse sólo porque unos ardidos y neófitos "fans" de la serie quieren llamar la atención lastimando a gente inocente cuyo único pecado fue el tener gustos diferentes al de ellos.

Espero que toda esa situación se termine pronto y las personas aquí en Tumblr, Twitter, Instagram o cualquier otra red social no tengan que preocuparse más al respecto.

¡QUE VIVA EL ZADR! Y si alguno quiere insultarme y tratarme de "pedofila", adelante. Los estaré esperando con mi botón de BLOQUEADO en la mano.

#FuckOffIntolerants

I can’t believe that I actually need to make a second discourse post. (The first was about the trans Zim discourse a year ago it’s over now I think) Anyways recently (before AND after the movie) I’ve seen people in this fandom act very ignorant to say the least. Artists and other content creators in our little bubble should not have the issue of harassment and bigoty they are receiving. And before you think this is bullshit, it’s not.

This very small group of people on Instagram AND on tumblr that are specifically ONLY targeting zadr fans. not in my entire 3 years of being in this fandom have I seen a post about ZAGR and DATR discourse. And YEAH I know it’s very biased to say that since I am one myself, and before you go there with the pedophile label, I AM A MINOR.

This is not about the “pedophillia” that is going on- and tbh I’ve seen none so far! (I’m not looking for it and if you have seen it in the dark corners of the web I am so sorry.) I’m not going to ignore the possibility that there could be some sickos out there, because there are, in the fandom? No idea. Apparently years ago there were(are?) people sexulizing gaz and shipping her with her BROTHER dib. Gross. 🤮

NOW the zadr shippers that I am talking about in this post are NOT pedophiles or anything like that. They are simply fans of a show,shipping an alien with a human.

And if there is a drawing you come across of Zim and dib kissing, and it’s dib as a child I can promise you that they’re most likely not thinking ‘OOOH CHILD AND ADLUT SEXY’ THEYRE NOT!! NOT EVERYONE YOU MEET IN THIS FANDOM IS A PEDOPHILE!!! It’s most likely a very innocent minor drawing it and thinking oh this is cute!! NOT ACTIVELY THINK OH THIS ONE IS ADULT THIS ONE IS A CHILD. How do I know this? I have done this before when I was 11 and very new into the fandom. I’ve also heard stories of other people when they were young doing this as well.

The thing is it’s not about the age difference or anything. That doesn’t apply to the fics and art. What I’m trying to say is that it is ASSUMES that dib is 18+ and it usally is STATED on the art or blog!! Trust me most of them are uncomfortable by the age gap and a lot of times age dib up ALOT.

To shippers it’s about the dynamics of their characters, and how nice it would be to see them interact NICELY to each other, and fall in love.

what I just described is literally a reason why people ship enemies to lovers

One of my favorite artists @/starchild37 has an Instagram and used to post their art there. For a while it was nice and everyone was nice and interacted in a good way. Unfounded that didn’t last. It is very unclear what messages were sent and what went on exactly but here was their final post:

No one deserves to be treated like this. We are better than this. Please stop spreading hate and hurting people. If you really feel uncomfortable with these artists I can recommend you doing the following:

1. Block the artist and blacklist the zadr tag :)

Please feel free to add. I tried to make this as unbiased as possible. Let’s have a friendly discussion.

[eecmoda]

VESTUARIO MODESTO, COMO VIRTUD? La tendencia de esta década.

Hace algunos días me llego esta nota del New York Times, de mano de mi mejor amiga,  titulada VESTIMENTA MODESTA, UNA VIRTUD (MODEST DRESSING, AS A VIRTUE) eso fue un gran flashback de estos últimos años, que me llevo a la realidad local, y preguntarme ¿Cómo andamos por casa?.

MODEST DRESSING, AS A VIRTUE  analiza el tremendo cambio que se ha provocado en la estética sofisticada en esta década, que se ha catalogado por New York Times como un fenómeno desconcertante, hacia un vestidor casi agresivamente no provocativo, y los sentimientos complicados que las mujeres tienen al respecto.

Doree Shafrir Editora y escritora, se atrevió a comentar en Twitter, "Bendice a todos los que son lo suficientemente lindos, lo suficientemente delgados y lo suficientemente ricos como para usar este vestido." Aludiendo a un diseño de la marca Creatures of comfort, verán que se parece mucho a la tendencia que se potencia en la moda de autor local. 

En mi caso como mujer y diseñadora también me provoca sentimientos complicados, y es algo que hace un buen tiempo lo he estado analizando en mi círculo más cercano, y según el artículo, muchas mujeres parecerían escépticas respecto de la moda actual de las modas conservadoras y encubiertas.

La frase, sólo aquellos bendecidos con los privilegios que el dinero y el atractivo fino traen, llevan a mi mente la imagen de cierto tipo de mujeres que buscan representar la silueta virginal y una opresión patriarcal al estilo de los círculos religiosos, usando un vestido que con su silueta de saco, parece una cruza entre el delantal de época 1800s y el llamado barril de bancarrota usado a modo de caricatura  por los vagabundos de antaño.

El estilo VAGABUNDO.

Actualmente son muchísimas marcas las que van por esta tendencia y algunas lo han relacionado a una situación vulnerable y volátil, la ropa que oculta la figura, sirve como una especie de armadura, así como una tendencia réplica a una cultura de realidad televisada, que aparentemente intenta exponer cualquier momento privado, cualquier parte íntima del cuerpo, para el consumo público, esta sería su antagonista.

En el medio local, sin duda las más refinadas pasarelas  van por esa línea, trate de interpretar las propuestas de algunas  marcas, e identificarme con la mujer que viste estos diseños o con los mismos creadores de ellos, sin pretender juzgar el estilo de nadie, me parece que más allá de la imagen, así como otros estilos, nuevamente trata de política, no tiene que ver con la materialidad, sino con el hecho de que se proponga un ejemplo de mujer  modesta, sobria, casi monja, por no decir mojigata, también se relaciona a mujeres, con gran afinidad por lo natural, amigables con eco sistema, nada de maquillaje, ni tintes, paleta de colores neutros, etc.

Bueno cada uno podrá sacar sus propias conclusiones, hay espacio para todos los gustos y estilos, ¿somos lo que aparentamos?.

Nota por Carolina RivAl, Diseñadora, Directora EEC MODA Fotografías gentileza Mara Corsino, Creatures of comfort y Fuente Google.

[miguelmarias]

William Wyler. Falso prestigio, talento verdadero

Del limitado —pero innegable— talento artesanal de William Wyler, quién sabe por qué cúmulo de equívocos —la trascendencia temática, la respetabilidad literaria de sus fuentes, la intrincada y honda fotografía de Gregg Toland, el cuidado acabado industrial de sus productos—, se hizo una montaña. Todos los críticos de América, todos sus colegas —no se olvide que el Oscar lo concede un jurado corporativo— le admiraban; el público acudía a sus películas, los productores depositaban en él su confianza: sabían que nada podían temer de él, que no iba a sorprenderles, que iba a cumplir el contrato, y le dejaban el tiempo, el dinero y la innecesaria libertad de movimientos que a otros, menos conformistas y más inspirados, les negaban. Su consagración vino, como siempre, de Francia: Roger Leenhardt gritaba con una miopía hoy escandalosa: «Abajo Ford, viva Wyler», y André Bazin se sumaba al coro de sus apologistas, confundiéndole con Welles, del mismo modo que a Vittorio de Sica con Rossellini, a René Clair con Renoir. Sin embargo, Bazin era capaz —siempre lo fue— de decir cosas inteligentes y reveladoras, incluso cuando se equivocaba al valorar su importancia. Su «William Wyler o el jansenista de la puesta en escena», por mucho que nos choque esa descripción de su estilo ampuloso, remilgado y blando, sigue siendo lo más valioso que se ha escrito sobre este cineasta, pese a errores de detalle y a atribuirle ideas teóricas que nunca se le pasaron por la cabeza. Pero hasta el propio Bazin, en nota a pie de página de 1958, se desdijo de su entusiasmo por Wyler. Tal vez eso explique la ausencia de análisis de la obra de Wyler, la inexistencia de libros acerca de su carrera —salvo la «biografía autorizada» publicada en 1973 y escrita por Axel Madsen, mero agente de prensa, que perpetró el primer «estudio» del cine de Billy Wilder que se editó en el mundo—, mientras a un director maldito y marginal como Samuel Fuller se le han dedicado tres, y todos buenos. El caso es que Wyler pagó los excesos de sus turiferarios y fue víctima de esa ley del péndulo que hace que no pueda reivindicarse a Ford, sino a costa de Wyler, ni sea posible defender la etapa postrera de la obra del primero sin sacrificar la precedente, más aceptable para los instalados y los historiadores. Con este mecanismo —mezcla de táctica guerrillera y reflejo pavloviano (o edíptico)— se cometen dos injusticias: tanto vale Qué verde era mi valle como Dos cabalgan juntos, y —lejos de excluirse— su suma explica la grandeza de Ford. La superioridad de este director, por otra parte, no obliga a despreciar a todo aquel que no llegue a su altura (¿quién quedaría?), ni exige la ruina crítica de Wyler. 

Desde luego, son muchas las películas de Wyler que responden fielmente a la caricatura que de él nos legaron Chabrol y compañía: pesado, aburrido, moroso, sin vida, académico, ilustrativo, prudente, pretencioso, inofensivo... Ni las buenas intenciones del sermón titulado Friendly Persuasion (La gran prueba, 1956) ni la nulidad de Ben Hur (1959) —sólo se salva el trabajo de la segunda unidad, a cargo de Richard Thorpe, Andrew Marton y Yakima Canutt—, ni el enfatismo que empobrece un western como The Big Country (Horizontes de grandeza, 1958) en cuanto lo comparamos con otro del mismo año y menos solemne y pretencioso, como Rio Bravo, de Hawks, o These Thousand Hills (Duelo en el barro), de Fleischer; ni la falta de humor de How to Steal a Million (Cómo robar un millón, y..., 1966) o el efectismo ramplón de su última obra piadosa, The Liberation of L. B. Jones (No se compra el silencio, 1969) podrían hacernos sospechar que Wyler mereciese los tres oscars al mejor director y la mejor película que obtuvo. Tampoco su gélida y mutiladora versión de Wuthering Heights (Cumbres borrascosas, 1939) podía inspirar respeto, sino hostilidad y rencor, a quien admirase la novela de Emily Brontë. La falta de garra de Detective Story (Brigada 21, 1951) y la miseria de The Desperate Hours (Horas desesperadas, 1955), pese a contar con Bogart, no invitaban a revisar su carrera. 

Y, sin embargo..., dejando de lado ese esbozo de Red River (Río Rojo, 1946/8) que es Come and Get It/Roarging Timber (Rivales, 1936), dirigido casi íntegramente por Hawks, resulta que de vez en cuando, pero en bastantes ocasiones, Wyler dio pruebas de un buen hacer, que si frente al genio de Hawks, Ford, Walsh o Hitchcock, la simplicidad de Dwan, la apasionada inventiva de Nicholas Ray o Fuller o la maestría de Minnelli, Cukor, Wilder, Mankiewicz o Preminger poco importa, hoy resulta ejemplar comparada con la vulgaridad, el descuido y la torpeza que presiden la realización de la mayor parte de las películas que han sucedido a las de Wyler en las nominaciones de la Academia. Obras bien hechas, dignas y trabajadas, aunque poco inspiradas y nada entusiasmantes, fueron, por ejemplo, These Three (Estos tres, 1936), su remake The Children's Hour/The Loudest Whisper (La calumnia, 1961), The Heiress (La heredera, 1949) o Carrie (Carrie, 1951), aceptables adaptaciones de Lillian Hellman, Henry James y Theodore Dreiser, respectivamente. Incluso Dodsworth (Desengaño, 1936), según Sinclair Lewis, la moralizante Dead End (1937), el estático musical biográfico Funny Girl (Una chica divertida, 1968) con coreografía de Herbert Ross, y, pese a sus limitaciones, The Big Country podrían hacer sospechar que tal vez el prestigio de Wyler tuviese, después de todo, algún fundamento. 

Una obra de vejez llena de malicia y precisión vino a alertar a los que habían olvidado a Wyler en el cementerio de las falsas glorias del pasado: The Collector (EI coleccionista, 1965) demostraba una vitalidad y una pericia ya inesperadas. Roman Holiday (Vacaciones en Roma, 1953) se confunde, casi en el recuerdo, con Sabrina (1954) y Love in the Afternoon (Ariane, 1957), de Wilder, y creo que su revisión podría deparar alguna sorpresa agradable. Jezebel (Jezabel, 1938), pese a cierta rigidez almidonada, no es del todo indigna de Gone With the Wind (Lo que el viento se llevó, 1939). The Westerner (El forastero, 1940) es, curiosamente, un retrato mucho más pícaro y profundo del legendario juez Roy Bean que el que nos brindó John Huston en El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972), pese a que, en teoría, poca gente más hay ajena que Wyler y más afín que Huston a este personaje. The Little Foxes (La loba, 1941) y The Letter (La carta, 1940) relatan con maestría intrigas, odios, rencores y traiciones exasperadas y minuciosamente ejecutadas en ambientes claustrofóbicos y calurosos. 

Ya sería suficiente, creo yo, para rescatar a Wyler del limbo crítico al que se le había consignado tras su violenta expulsión del paraíso. Lo mismo que Henry Hathaway, Gordon Douglas, André de Toth, Stuart Heisler, Mitchell Leisen, John Cromwell, William Dieterle, Robert Siodmak, George Sidney, Charles Walters, Don Weis, B. Seiler, John Brahm, George Stevens y otros muchos buenos artesanos, con más oficio que genio, nos había dado varias películas excelentes, muchas mediocres, alguna interesante, bastantes malas. No había, pues, motivo para odiarle, sobre todo cuando ya nadie lo enarbolaba como bandera; tampoco merecía hacer de su caso un caballo de batalla, pues había otras guerras más importantes que ganar. Pero hay un film de Wyler, uno de los que antaño cimentaron su renombre, culminación de su carrera y principio del fin, que es, efectivamente, una obra maestra plenamente admirable, aunque tal vez impersonal, como todas las buenas que hizo, que quizá pertenezca, más que al realizador nacido el 1 de julio de 1902 en Mulhouse, Alsacia (entonces Alemania), al cine americano. Se trata de The Best Years of Our Lives (Los mejores años de nuestra vida, 1946), probable causa del espejismo de Bazin. 

Los mejores años de nuestra vida tiene auténtica grandeza: con indignación moral justa y sentida, con generosidad y respeto hacia los personajes, con amplitud de perspectiva, sin asomo de mezquindad ni oportunismo, sin grandilocuencia ni «buena conciencia», supo en ella Wyler conectar como nunca antes ni después con la realidad de su tiempo. Por una vez hizo la película que el momento exigía, tan necesaria, justa y oportuna como, al otro lado del Atlántico, Paisà (1946) o Germania, anno zero (1947) de Rossellini. Se ha presentado este film como una muestra de astucia comercial y de prudencia, y no hay nada más falso: puede pretenderse a posteriori, cuando se mantiene como un «clásico» recompensado por el Oscar y un éxito de taquilla considerable, que no corrieron riesgo alguno sus artífices, pero me parece evidente que hace falta valor, audacia y convicción, tanto por parte de Wyler como de su productor, Samuel Goldwyn, para emprender —nada más terminar la segunda guerra mundial— un film con actores principiantes (Dana Andrews, Virginia Mayo), venidos a menos (Fredric March, Myrna Loy) o no profesionales (el mutilado Harold Russell), en blanco y negro, de casi tres horas de duración, que plantea con franqueza y sin dorar la píldora, aunque sin entregarse al derrotismo ni a la crítica fácil, un problema tan en carne viva aquel año como el regreso y la reintegración en su familia, su trabajo y la vida social de los soldados recién desmovilizados, tras cuatro o cinco años de ausencia y la experiencia traumática de la guerra, y su encuentro con unas personas que no han compartido ni pueden comprender del todo su situación, con la ingratitud de la gente por la que combatieron, con un sistema económico que no puede darles trabajo ni crédito, ni devolverles las manos o la confianza que han perdido. En un momento en el que la población americana celebraba el final de la contienda y sólo deseaba olvidarla, Wyler y Goldwyn tuvieron la valentía de recordarle que tenían problemas pendientes de solución, y lo hicieron sin flaquezas, sin cargar las tintas ni eludir las dificultades. 

Para conseguir su objetivo, Wyler contó con un guión admirablemente construido y equilibrado, al que infundió presencia física y dramatismo volcando en su realización todo su talento, empleándose —creo que por única vez en su vida— al cien por cien, creciéndose incluso ante la magnitud de la empresa. Podría decirse que el Wyler de Los mejores años de nuestra vida no es el hijo de una prima de Carl Laemmle, que murió el 27 de julio de 1981, sino el representante —apropiadamente impersonal— del espíritu del cine americano de la gran época, encargado de realizar, sin acotaciones características privadas, una obra capaz de expresar los sentimientos de todo un país, con un aliento colectivo y democrático que evoca a Walt Whitman y Abraham Lincoln. 

Nunca el dominio de la imagen, de la elección y dirección de actores, de la narración y de la matización dramática fue tan grande en Wyler. Desde astucias menores —pero eficaces—, como dignificar al envejecido y fatigado Frederic March, añadiéndole un bigote, hasta la osadía de reclutar a un auténtico inválido y hacerle valerse ante la cámara, sin trucos de montaje, en planos nítidos, amplios y sostenidos, todo en la película revela la mano de un maestro, el control y la vigilancia constante de un grupo de técnicos y artistas responsables y entregados a su tarea no sólo como individuos con aspiraciones estéticas o profesionales, sino como elegidos de una tradición. Por eso The Best Years of Our Life tiene una amplitud y una emoción —sobre todo en los «retornos al hogar» de Russell y March— que evoca a Griffith, un pudor dramático que hace pensar en Ford, una grandiosidad que recuerda a King Vidor, una claridad digna de Preminger, una indignación sorda que enlaza con trabajos futuros de Ford —The Wings of Eagles (Escrito bajo el sol, 1957)— y Stanley Donen —Kiss Them for Me (Bésalas por mí, 1957)—, y tiene su última prolongación, por el momento, en un film que, sin llegar a su modelo, parece haber aprendido la lección de puesta en escena de Wyler: The Deer Hunter (El cazador, 1978), de Michael Cimino. 

Los mejores años de nuestra vida tiene todas las virtudes que uno echa en falta en las restantes películas de Wyler: con un ritmo y un empuje, un sentido del humor, una amargura serena, un arte de la modulación, una precisión que no se pierde en minucias, una pasión y una lucidez que se asocia con gente más joven, airada, emotiva y comprometida políticamente que el autor de Brigada 21 (Ray, Brooks, etc.); es una obra de rara perfección, que no cabía esperar de Wyler y que nunca más alcanzaría en los sucesivo, pero que quizá sólo alguien como él pudo llevar a buen término. Este tipo de películas, que mezclan historias paralelas, han de estar construidas con la precisión de un mecanismo de relojería y sin que se note demasiado el artificio. Aquí está logrado, pues no resultan forzados o «significantes» ni los «cambios de carril» ni las confluencias, y está claro que para tal tarea hacía más falta un guardagujas o un director de tráfico que un poeta. 

Aparte de eso, William Wyler puede darnos todavía alguna que otra sorpresa — menor, probablemente, pero grata—, pues sigue siendo un desconocido. Pocas de sus películas anteriores al comienzo de su colaboración intermitente con Goldwyn, es decir antes de 1936, son conocidas; nunca he leído nada acerca de los westerns mudos que hizo al principio de su carrera —23 de dos rollos y cinco de cinco—, ni de sus documentales bélicos, ni de alguna comedia con la que fue, de 1934 a 1936, su esposa, Margaret Sullavan. Tal vez alguna otra de las 70 películas que hizo (43 largos, 23 cortos y cuatro documentales) valga la pena o revele facetas insospechadas e inimaginables a partir de las veintidós que yo conozco (todas del periodo 1936-1969). A lo mejor tuvo personalidad durante una época y luego la perdió o la reprimió. Su caso queda, pues, pendiente de sentencia, a la espera de que nuevas pruebas permitan argumentar su defensa o abandonarla a un abogado de oficio. 

Miguel Marías 

Revista “Casablanca” nº 9, septiembre-1981

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12 Películas animadas recientes que fueron creadas para pasar una tarde cálida con una taza de chocolate

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Tuitéalo

En 1892, nació la primera caricatura del mundo. Émile Reynaud la presentó a su conocido teatral, la mayoría de los cuales, por cierto, eran damas y caballeros asaz mayores. A pesar de la sensación sin precedentes, el “teatro óptico” de Émile pronto fue rechazado por el cine. Ahora, la animación está ganando popularidad nuevamente. Los animadores modernos entienden que los adultos, como los niños, incluso quieren relajarse y permitirse finalmente divertirse desde el corazón. Y cualquier diversión se vuelve más agradable si se puede compartir con la comunidad.

Genial.guru descubrió qué dibujos animados fueron los más esperados en 2019-2020. Algunos de ellos ya han manido la luz, y el estreno del resto está previsto para el futuro cercano.

Corgi: un perro verdadero

La trama se desarrolla en torno a de la mascota consentida de la reina Isabel II. Huyendo de las maquinaciones de los envidiosos, un corgi llamado Rex escapa del palacio de Buckingham y se encuentra en las calles de Londres, donde reina la ley del más válido. Para regresar a casa sano y exceptuado, el mimado perro tiene que demostrar de que está hecho. El perrito debe familiarizarse con la vida secreta de la ciudad, encontrar un estilo global con otros perros, comprenderse a sí mismo y encontrar el sexo definitivo.

Duración: 85 min

Spycies

Vladimir es un agente experimentado que puede resolver incluso las misiones más complicadas. Pero tiene un inconveniente: es un felino aficionado de la voluntad que a menudo se sale del control de sus superiores. Cuando Vladimir inicia la próximo investigación, se le asigna la rata Héctor como compañero. Trabajar con un compañero inteligente pero soñador es insoportable para un felino agente exclusivo, porque cada uno de ellos prefiere sus propios métodos y no quiere ceder. Sin retención, para finalizar la investigación lo antaño posible y atrapar al criminal, Vladimir y Héctor tendrán que trabajar en equipo.

Duración: 99 min

Los locos Addams

¡El retorno de la comunidad favorita de muchos se esperaba con ansias y por fin ha ocurrido! Los excéntricos Addams llevan la fiesta de Halloween en el alma, por eso ellos perciben a las personas normales como un poco “extrañas”. La comunidad vivía completamente oportuno en su alejada casa en la colina hasta que se encontraron con una entrometida reportera. Gracias a ella, la vida habitual de los Addams cambia radicalmente.

Duración: 86 min

Día de Muertos

Salma creció en amorosa comunidad adoptiva, pero a sus 16 primaveras ella no ha perdido la esperanza de encontrar a sus verdaderos padres. La chica vive en una ciudad de México, en donde se celebra ampliamente una fiesta antigua: el Día de Muertos. Durante la fiesta, las almas de los muertos regresan desde el bóveda celeste para encontrarse con sus seres queridos. En vísperas de esta fiesta, los hermanos adoptivos de Salma encuentran un texto de hechizos que abre las puertas a otro mundo. Y entonces, la heroína decide emprender un alucinación en el mundo de los muertos para inquirir a sus padres y aprender conocer su pasado.

Duración: 95 min

Parque mágico

Cuando era pequeña, June inventó un ficticio parque de atracciones con todo y sus habitantes. Ella pasaba todo el día aquí, pero llegó el momento de crecer. Debido a la enfermedad de su mamá, la pupila dejó de tener tiempo para la imaginación. Lo que la pequeña no sabía era qué tan verdadero era su mundo de presunción. El parque, asaz verdadero, se va a la ruina sin la supervisión de su dueña; mientras que sus habitantes se encuentran en peligro. June se da cuenta de que ella es la responsable de la existencia del parque y decide poner todos sus esfuerzos en salvarlo. Afortunadamente, sus viejos amigos llegan para ayudarla.

Duración: 85 min

Espías a escondidas

Lance es un agente seguro de sí mismo que está oportuno de redimir ciudades y países. Walter es un novicio comprobado sombrío que rebusca aislarse del mundo en sus inventos. Estos dos chicos son polos opuestos. Un día, cuando la agencia necesita la ayuda de Lance, adecuado a una serie de accidentes, el pequeño se convierte en… una paloma. Esta vez, para redimir a la humanidad, el agente necesita la ayuda de Walter. Pero ¿puede un dúo inesperado convertirse en un definitivo equipo y evitar una catástrofe?

Duración: 102 min

Espíritus del mar

Ruka es una colegiala que pasa todo su tiempo en el acuario lugar donde trabaja su padre. Un día, conoce a dos chicos extraños. Los niños nacieron remotamente del mar y se descubrió que tenían poderes sobrenaturales. Pronto, los habitantes marinos de todos los acuarios del mundo comienzan a desparecer y se descubren en lugares muy inesperados. Ruka sospecha que esta pareja de chicos, por alguna razón, está relacionada con este misterioso hecho.

Duración: 111 min

A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon

El estudio Aardman Animations nuevamente nos alegra con las aventuras de la armoniosa oveja. En esta ocasión, una nave espacial con la extranjero Lu-La a borde se suerte en las cercanías de su alquería. La nueva amiga fascina a todos los animales y Shaun decide hacer todo lo posible para que Lu-La regrese a casa. Pero la oveja aún no se imagina que los cazadores de alienígenas ya se encuentran detrás de ella.

Duración: 86 min

The Willoughbys

Esta caricatura estadounidense-canadiense se cimiento en el texto del mismo nombre de Lois Lowry. En el centro de la trama hay cuatro niños convencidos de que criarse a sí mismos es mucho mejor que dejarlo en Dios en la comunidad. Por lo tanto, deciden tomarse un alivio de sus molestos padres y enviarlos de asueto. Sin retención, los hermanos y hermanas pronto tendrán que asimilar de su amarga experiencia que la vida sin los padres no es tan dulce como pensaban.

Duración: 92 min

Wolfwalkers

En la caricatura se presenta a Irlanda del siglo XVII, en el apogeo de la superstición y la nigromancia, donde los lobos son considerados criaturas diabólicas. La chica Robyn, adyacente con su padre cazador, persigue a la última manada de lobos. Un día, se encuentra con la salvaje Mebh, quien le abre los luceros a los secretos de la naturaleza. Poco a poco, Robyn comienza a dudar de las instrucciones de su padre.

Duración: desconocida hasta el momento

Wish Dragon

Esta es una comedia de animación basada en la historia llamativo de Chris Appelhans. Se sabe que la caricatura es producida por Jackie Chan. La historia es un recuento de Aladino, pero todo sucede en la China moderna. El protagonista no conoce a un índole, sino a un dragón, el cual es capaz de cumplir cualquier deseo. La conmovedora historia de amistad no solo fascina por su colorida trama, sino incluso toca temas de moralidad y ética.

Duración: desconocida hasta el momento

Confiesa, ¿te gusta ver caricaturas estando solo o en compañía de tus seres queridos?

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[maroblogmedia-blog]

A mi animación le coloque un filtro que asemeja a una película de 8mm. Dicho efecto le da a la animación un feeling de caricatura antigua o un film de monstruos de antaño.

El siguiente enlace pertenece a la textura de film que implemente por mediante de las herramientas de Premiere.

https://www.youtube.com/watch?v=S1rCxzJnmiM 

[lacronicacoruna]

La muerte del dibujante Albert Uderzo a los 92 años por una crisis cardiaca deja huérfano a Astérix

Cuarenta y tres años posteriormente de la muerte de René Goscinny, el irreductible Astérix quedó ayer huérfano con la desaparición a los 92 años de su segundo padre, Albert Uderzo, cúspide de un imperio cincelado gracias al antihéroe galo.

Murió rodeado de su clan, tranquilo, en la casa en la que estuvo postrado por la enfermedad en los últimos años en Neuilly, una de las ciudades más ricas que rodean a la hacienda francesa, en contraste con Bobigny, en pleno cinturón popular de París, donde además había vivido y creó a Astérix en 1959.

Una crisis cardiaca, sin relación con el coronavirus que atormenta estos días al mundo, se llevó por delante al que muchos consideran el final paradigma de la vieja escuela de dibujar personajes, un artesano del cómic que desde 2011 se había pasado obligado a ceder el testificador por una recurrente tendinitis. Porque Uderzo siempre se negó a que Astérix acabara con sus creadores y lo demostró cuando se quedó solo alimentando el mito durante más de cuatro décadas. Se encargó de que la dinastía continuara además sin él, de la mano del dibujante Didier Conrad y del argumentista Jean-Yves Ferri, que ya firmaron cuatro álbumes.

La dinastía continúa

Los cuatro bajo la supervisión del padre de la criatura y el final se publicó en 2019, “La hija de Vercingétorix”, 60 años posteriormente de su salida. Fue la entrega número 38 de una dinastía de la que se han vendido 380 millones de ejemplares y se ha traducido a 111 lenguas.

Eso sin contar la decena de películas, reales y de dibujos animados, los productos derivados y el parque de atracciones que siguieron la recuerdo y encumbraron a sus creadores, de nuevo reunidos ahora en el Olimpo de los dibujantes. Pese a que sus apariciones públicas se contaban con los dedos de la mano, el rostro de Uderzo era conocido y Francia, que vieira a su personaje, sintió mucho la pérdida de una figura respetada. “Encontró la receta de la pócima mágica: un espíritu divertido, una pincelada insuperable, una complicidad imbatible con Goscinny y horas de trabajo”, resumió en Twitter el ministro de Cultura, Frank Riester, que alabó que aceptara “que sus héroes le sobrevivieran para alegría de su público”.

Otros responsables políticos, de todos los colores y partidos, pero además de la civilización y de la sociedad, prodigaron sus homenajes a un hombre al que, durante años, la profesión trató con desdén y al que ahora reconocen como un saburía. Muestra de que a través de Astérix, Uderzo supo obtener a un país que se veía reflejado en las aventuras del menudo galo, convertido en engendro internacional, pero siempre con un pie en la pueblo que resistía los envites de Roma. Desde el año 50 antaño de Cristo, el guerrillero de casco de alas supo ir repasando los cambios de la sociedad, con un creciente éxito entre el conocido que nunca le dio la espalda.

Dibujante pese a todo

Hijo de inmigrantes italianos, se asoció con Goscinny, semita originario de Europa del Este, para crear el más francés de los personajes del tebeo, una obra en la que acabó poniendo toda su alma. Uderzo reconocía que carencia en su vida le predisponía a dedicarse al oficio que le ha considerado la posteridad. Daltónico, nació con seis dedos en cada mano y peleó contra todos los que se burlaban de su origen italiano. Tenía (decía él mismo) manos grandes “de carnicero”, más que de ilustrador. Pero a todo ello se sobrepuso, como a la observación altiva de quienes le menospreciaban por considerarle poco más que un subalterno de Goscinny, en una profesión que le negó el inspección.

El Festival de Angulema, división de culto para el cómic, nunca premió su talento, pero ayer le despidió en un comunicado como “uno de los más impresionantes, si no el más impresionante, dibujante del tebeo francés”. “Uderzo era capaz de mezclar en una misma imagen un montón de registros de rasgos diferentes sin crear disonancias. Caricaturas de nariz grande (Astérix) y realismo (César) coexistían en perfecta armonía”, destacó el festival. l

from La Crónica Coruña https://lacronicacoruna.com/la-muerte-del-dibujante-albert-uderzo-a-los-92-anos-por-una-crisis-cardiaca-deja-huerfano-a-asterix/

[lacronicacoruna1]

La muerte del dibujante Albert Uderzo a los 92 años por una crisis cardiaca deja huérfano a Astérix

Cuarenta y tres años posteriormente de la muerte de René Goscinny, el irreductible Astérix quedó ayer huérfano con la desaparición a los 92 años de su segundo padre, Albert Uderzo, cúspide de un imperio cincelado gracias al antihéroe galo.

Murió rodeado de su clan, tranquilo, en la casa en la que estuvo postrado por la enfermedad en los últimos años en Neuilly, una de las ciudades más ricas que rodean a la hacienda francesa, en contraste con Bobigny, en pleno cinturón popular de París, donde además había vivido y creó a Astérix en 1959.

Una crisis cardiaca, sin relación con el coronavirus que atormenta estos días al mundo, se llevó por delante al que muchos consideran el final paradigma de la vieja escuela de dibujar personajes, un artesano del cómic que desde 2011 se había pasado obligado a ceder el testificador por una recurrente tendinitis. Porque Uderzo siempre se negó a que Astérix acabara con sus creadores y lo demostró cuando se quedó solo alimentando el mito durante más de cuatro décadas. Se encargó de que la dinastía continuara además sin él, de la mano del dibujante Didier Conrad y del argumentista Jean-Yves Ferri, que ya firmaron cuatro álbumes.

La dinastía continúa

Los cuatro bajo la supervisión del padre de la criatura y el final se publicó en 2019, “La hija de Vercingétorix”, 60 años posteriormente de su salida. Fue la entrega número 38 de una dinastía de la que se han vendido 380 millones de ejemplares y se ha traducido a 111 lenguas.

Eso sin contar la decena de películas, reales y de dibujos animados, los productos derivados y el parque de atracciones que siguieron la recuerdo y encumbraron a sus creadores, de nuevo reunidos ahora en el Olimpo de los dibujantes. Pese a que sus apariciones públicas se contaban con los dedos de la mano, el rostro de Uderzo era conocido y Francia, que vieira a su personaje, sintió mucho la pérdida de una figura respetada. “Encontró la receta de la pócima mágica: un espíritu divertido, una pincelada insuperable, una complicidad imbatible con Goscinny y horas de trabajo”, resumió en Twitter el ministro de Cultura, Frank Riester, que alabó que aceptara “que sus héroes le sobrevivieran para alegría de su público”.

Otros responsables políticos, de todos los colores y partidos, pero además de la civilización y de la sociedad, prodigaron sus homenajes a un hombre al que, durante años, la profesión trató con desdén y al que ahora reconocen como un saburía. Muestra de que a través de Astérix, Uderzo supo obtener a un país que se veía reflejado en las aventuras del menudo galo, convertido en engendro internacional, pero siempre con un pie en la pueblo que resistía los envites de Roma. Desde el año 50 antaño de Cristo, el guerrillero de casco de alas supo ir repasando los cambios de la sociedad, con un creciente éxito entre el conocido que nunca le dio la espalda.

Dibujante pese a todo

Hijo de inmigrantes italianos, se asoció con Goscinny, semita originario de Europa del Este, para crear el más francés de los personajes del tebeo, una obra en la que acabó poniendo toda su alma. Uderzo reconocía que carencia en su vida le predisponía a dedicarse al oficio que le ha considerado la posteridad. Daltónico, nació con seis dedos en cada mano y peleó contra todos los que se burlaban de su origen italiano. Tenía (decía él mismo) manos grandes “de carnicero”, más que de ilustrador. Pero a todo ello se sobrepuso, como a la observación altiva de quienes le menospreciaban por considerarle poco más que un subalterno de Goscinny, en una profesión que le negó el inspección.

El Festival de Angulema, división de culto para el cómic, nunca premió su talento, pero ayer le despidió en un comunicado como “uno de los más impresionantes, si no el más impresionante, dibujante del tebeo francés”. “Uderzo era capaz de mezclar en una misma imagen un montón de registros de rasgos diferentes sin crear disonancias. Caricaturas de nariz grande (Astérix) y realismo (César) coexistían en perfecta armonía”, destacó el festival. l

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[estudiotorremayado]

H O R I Z O N T E

D E

S U C E S O S

“Física y metafísica de la pintura”

Resumen de los capítulos que componen la “Física y metafísica de la pintura” de Louis Cattiaux realizado por Emmanuel d’Hooghvorst.

En alabanza de la que nos ha dado la facultad de sentir y de amar.

A la gloria del que nos ha enseñado a ordenar la naturaleza por el Arte.

“La creación refleja al hombre y el artista tiene el arte que merece, ya que la obra no es más que el espejo de su nada, de su mediocridad o de su ser magnificado.”

Introducción

Este libro tiene por objeto alentar a quienes poseen el don innato para que realicen su obra, y está hecho para ilustrar a quienes se obstinan en creer que se puede penetrar el Arte por la astucia, por la fuerza o por la mediocridad.

Los llamados tendrán que soportar, por amor a su Dios, la pobreza y la soledad, sin buscar otro consuelo que su arte a fin de probar su vocación y para mantenerse íntegros hasta el día incierto del triunfo electivo.

“Cuando haya renunciado a todo, lo poseerá todo”.

Fondos

La pobreza física de las obras contemporáneas debería provocar la búsqueda de la encarnación pictórica viva y purificada de toda escoria.

Hay que recordar que la perfección y la potencia sólo pueden unirse por la asociación del espíritu más elevado con el alma más nítida en el cuerpo más perfecto.

Técnica

Hay que trabajar mucho tiempo sobre una misma obra, pero sin esfuerzo, sin aburrimiento, sin trabajo en suma, y tal como dice Paul Valéry: “Se ha de mantener el esfuerzo hasta que el trabajo haya borrado las huellas del trabajo”.

La meditación desapegada interviene en los últimos toques, que han de dar el máximo de expresión a la obra sin borrar ni destruir nada.

Genio

Aquí no basta con la paciencia para tener éxito en semejante ensamblaje, se necesita una profunda meditación, se precisa un genio particular que está en función de la potencia de la vida interior. Con falta de propiedad, Buffon dijo: “El genio va acompañado de una gran paciencia”; pues la paciencia sólo es pasiva, mientras que la meditación es un estado activo y tiende al acto creador.

El genio es como la iluminación que aparece después del desenmarañamiento del caos interior y que se realiza en la meditación solitaria. Es como el despertar del ser secreto y todopoderoso que dormita en cada uno de nosotros. Normalmente se dice que el genio es sublime, nosotros precisamos cuando decimos que es “sublimado”.

Cuando el artista alcanza el trance creador, se vuelve como un hombre ebrio que habla consigo mismo y que ya no le preocupa ser oído o no serlo, pues su mensaje expresa el esclarecimiento de las tinieblas interiores y sirve ante todo a su propia naturaleza […]. El final de la meditación es la creación. Así, el artista vive su sueño interior hasta la alucinación del acto divino.

Origen

“El arte es mágico o no es.”

El origen del arte no es el resultado de una necesidad estética, como generalmente se cree, sino de una necesidad de dominación mágica.

En su origen la propia música, el canto y la danza fueron los soportes del pensamiento mágico que se concilia con el mundo hostil o lo domina.

Así, todas las artes tienen su origen en la primera obligación del hombre encarnado: la de defenderse en los tres planos del mundo creado. Sólo después de acabado el rito se ha podido tomar conciencia de la gratuidad del arte por el juego de formas, sonidos, colores y movimientos, y elevar su magia hasta intentar comulgar, por medio de ella, con la gran alma del mundo a la que los hombres llaman Dios.

Entonces diremos que la magia particular se ha elevado hasta la magia general y que el arte es el conducto que nos comunica con lo Universal.

Cuando eso se produce es arte, cuando no se produce no es nada.

Por lo tanto, la obra de arte es una creación mágica y, al igual que la procreación, exige, para dar existencia al Ser, una carga psíquica producida por el espasmo de amor. Por eso hay tan pocos hombres y tan pocas obras vivas en este mundo, pues la proyección mágica es un acto difícil por encima de todo, como el de la transmisión integral de la vida; y pocos seres son capaces de realizar ese misterio de la transfusión energética del “voltio”.

Los hijos del amor, más vivaces y más hermosos que los demás, son los que han sido engendrados en el entusiasmo y en la pasión amorosa; si consideramos la humanidad media y la generalidad de las obras, tendremos la prueba de que todo lo que se hace en el aburrimiento y la mediocridad engendra la muerte. Sólo los artistas generosamente dotados cargan de manera inconsciente sus obras que, acto seguido y sin explicación razonable, hechizan a ciertos espectadores, más sensibles y receptivos que el común de los hombres.

Así pues, tanto los humanos como las obras de arte que han nacido muertos pululan naturalmente por el mundo, gracias al aliento dado a la debilidad y a la muerte, siempre en aumento desde la caída inicial.

Esas creaciones fantasmales sólo tienen apariencia de vida, sin poseer su esencia, pero, tal como decía el maestro antiguo: “Hay que dejar a los muertos que entierren a sus muertos”, pues lo absurdo de la muerte es lo único capaz de hacer que nos repugne verdaderamente.

La vida sólo se transmite haciendo el amor, sea procreando, obrando o rezando, y allí donde no se hace el amor, sólo hay una caricatura de vida, aburrimiento y muerte.

Las recientes reacciones de sorpresa que han provocado las exposiciones de obras realizadas por niños, ingenuos, primitivos o locos, muestran con suficiente claridad los orígenes misteriosos y mágicos del arte.

Nuestra actitud materialista, que nos lleva a no considerar más que las apariencias del mundo, hace que exageremos hasta el absurdo la angustia del cambio y la renovación de todas las cosas. Y tomamos por un fin lo que, sin duda, sólo es un comienzo.

Esa actitud de los filósofos cartesianos, cegados por la apariencia exterior del mundo, engendra el escepticismo, la desesperación y la disolución de las sociedades modernas que han renegado de su fe antigua que, aparentemente, se ha vuelto demasiado simplista e infantil.

El estudio irracional de las antiguas creencias probablemente nos conduciría a constatar nuestra grosera ignorancia acerca de los problemas que conciernen a la vida y a la muerte.

La orgullosa creencia en nuestra supuesta civilización y en nuestra pseudo-ciencia, nos impide, por desgracia, considerar el misterio de la creación a partir de la simplicidad primera, donde el instinto unido a la intuición reemplazarían brillantemente nuestra rastrera razón razonadora. Pues “sólo el que penetra hasta la raíz conoce todos los frutos del árbol”.

Tradición

La anarquía es el fraccionamiento hasta el infinito del conocimiento y de la simplicidad primera.

Para los pintores supone la dispersión y la pérdida de las tradiciones artesanas y de las fuentes de inspiración, lo que hace que se confunda la parte con el todo.

La personalidad sólo puede aparecer en la obra de arte por el equilibrio de todos sus componentes, lo que exige universalidad de espíritu y perfección técnica.

Dicho de otra manera, la originalidad es la exageración de una particularidad del ser, mientras que la personalidad es la exaltación de todos sus poderes. La originalidad es una carencia, la personalidad es una realización.

Hace ya mucho tiempo que la tapicería francesa murió por querer imitar la pintura. Ahora, la pintura francesa se está muriendo por querer imitar el tapiz.

Destino

La pintura, como las demás artes, también es un medio para descubrir los mundos que gravitan en nosotros y a nuestro alrededor. Poner en circulación una obra de arte es una señal de reconocimiento destinada a reunir en una misma comunión a individuos que tienen una cultura y sensibilidad idénticas.

El destino de la obra de arte es, pues, permitir que la humanidad media pueda relacionarse con la esencia oculta de los seres y de las cosas. Toda obra de arte gana si se presenta entre objetos que embellecen la vida del hombre.

Su acumulación en los museos es un contrasentido y su exhibición múltiple se parece a una blasfemia, ya que la risa estúpida de las muchedumbres sanciona siempre la revelación del arte, como sancionó antaño la revelación de Dios y del Hombre.

Hay que vender para vivir, pero nunca debe ser éste el objetivo de la creación artística.

La venta interviene sólo para permitir que el artista persevere y quien así llegue a comer, a tener un alojamiento, a calentarse y vestirse, debe considerarse un privilegiado entre los demás hombres, ya que será el único en vivir, como el santo, de la oración y la alabanza puras, lo que es concedido a muy pocos individuos en este mundo.

Sólo el artista realiza una función gratuita, por lo tanto divina, sólo él practica la unión con la creación circundante, sólo él busca el amor y la paz, sólo él conoce la armonía de los mundos, terror perfecto y perfecta felicidad.

Arte y ciencia

El antiguo Arte Real de los sabios era integración, amor y vida. La ciencia actual es desintegración, tristeza y muerte, y todos nosotros morimos a causa de su difusión en el mundo: medicamentos muertos, alimentos muertos, aire, agua y tierra envenenados, luz muerta, vestidos y bebidas falsificados, habitaciones siniestras, objetos feos, tristeza y dolor de la uniformidad chancrosa que estandariza a la raza humana. Últimamente, un académico, premio Goncourt, que se dirigía a las élites francesas, presentó a los sabios modernos como sucesores de los alquimistas medievales, confundiendo así a los buscadores de vida con los buscadores de muerte y demostrando una ignorancia muy poco academizante.

En nuestras sociedades modernas el sabio es la prolongación del criminal, ya que ambos destruyen los seres y las cosas para apoderarse de su riqueza oculta. La vulgar navaja se transforma en bomba atómica, el crimen contra el individuo se amplía hasta el crimen contra la humanidad.

Recordemos el slogan hecho para el uso del francés medio, laico y obligatorio: “La ciencia salvará a la humanidad”. Todos los primarios se han chupado los dedos con esto antes de empezar a morir por su culpa.

Por el contrario, nadie ha dicho todavía: “El arte salvará a la humanidad”, lo cual es, no obstante, la única verdad futura.

“Somos como los barrenderos del mundo”, dijo san Pablo. Se refería a los vivos, a los santos, a los artistas, a los poetas, que son como las flores y los frutos ignorados de la humanidad, cuya presencia justifica todas las mediocridades, todas las suficiencias, todas las cobardías, todas las violaciones, todos los crímenes y todas las imbecilidades, en una palabra, el estercolero donde esperan y germinan misteriosamente los hombres ordinarios, pues nuestras vidas se encuentran aún extraviadas en la muerte, y la luz de algunos es un insulto para las tinieblas de la mayoría.

Sin embargo, el amor y el genio dominarán finalmente el caos de donde han salido bajo el impulso del fuego que habita la esencia primera, el vehículo de los mundos.

Enseñanza

En las sociedades modernas los estímulos sólo se dirigen a los que matan y a los forjadores de muerte. Las artes sólo subsisten por el efecto mismo de la especulación que busca tanto en lo hermoso como en lo feo, en lo verdadero y en lo falso, en el bien y en el mal.

El conocimiento y el estudio de las grandes obras del pasado es indispensable para la formación cultural y técnica del artista, sin embargo, más vale estudiar y trabajar solo, que sufrir la castración de una enseñanza mediocre.

Cultura

La cultura aumenta el don inicial y permite su desarrollo completo.

La cultura nunca debe de ahogar la sensibilidad y el verdadero saber debe permanecer subyacente y discreto, como esas capas de aguas subterráneas que alimentan inagotablemente los pozos artesianos.

La cultura debe ser un ornamento y no una coraza, una riqueza y no un peso muerto. Ha de ayudar a conocer lo que está arriba a fin de unirlo con lo que está abajo para hacer la obra.

En el arte como en la vida, preferimos siempre una persona simple pero provista de sensibilidad a un genio ausente del amor.

Don

El don es como la suma de una búsqueda particular, acumulada durante ciclos de vidas encarnadas. Es inalienable.

La inspiración es como la gracia, movediza y muy inestable. Puede aparecer y desaparecer sin motivo aparente.

Ese don, junto con la gracia y el amor, manteniéndose en la libertad del ser interior, es lo que permite comunicar sin esfuerzo con el Universo sensible e inteligente que llamamos Dios.

Cuando la voluntad intenta forzar la expresión y el orgullo exige el primer puesto –una cosa nunca va sin la otra– se amputa la sensibilidad o se la destruye y sólo se logra caricaturizar el talento con grandes penas y tormentos.

El maligno también ha surgido de Dios, pero perdió la gracia y el amor por la ignorancia del orgullo. Tan a menudo se hace el ángel como la bestia, a fin de que todos puedan aplaudirle al menos una vez.

Nunca se pierde completamente el don inicial, es más bien la gracia que, tras abandonar al artista, hace que el don permanezca dormido o escondido a causa de su voluntad de aislarse.

Basta un abandono sincero, una verdadera gratuidad, una ruptura de los resortes del ego, para que al circular la gracia de nuevo, el don reaparezca en todo su asombroso esplendor. Así, la imaginación y la inteligencia no pueden disociarse de la gracia y del amor, so pena de muerte fraccionada.

Para la obra creativa, el artista que tiende inconscientemente hacia el absoluto divino debe conservar y conciliar en él los atributos de la divinidad y las cualidades de Dios.

Generaciones

El artista dotado de verdadera personalidad, sólo es comprendido y alentado por los hombres de su generación, las generaciones siguientes le considerarán y honrarán, o bien lo eliminarán brutalmente si ha falseado para complacer a los mediocres de su época. El artista que permanece fiel a sí mismo no ha de esperar nada de sus mayores, ya sean aficionados, marchantes, críticos, artistas o literatos, pues la expresión de una época sólo es reconocida por los hombres de la misma generación. Cuanto más lejos vea un artista, menos ayudado será por sus contemporáneos pero más festejado por las generaciones posteriores.

Facilidad

Lo propio de nuestra época es confundir la calidad con la cantidad, la potencia con la violencia, la perfección con la sequedad, el frescor con la crudeza.

Estamos invadidos por un arte furioso y fácil, hecho, sobre todo, para atrapar al absorto transeúnte, al conductor de automóvil, al consumista robot, como si se tratara de estos anuncios perentorios de los que ya no puede diferenciarse. Cuando uno se detiene, de repente se vuelven menos divertidos, pero al acercarse, se toma conciencia del vacío de esas obras siempre inacabadas y, a menudo, ni siquiera comenzadas.

Mediocres

Por definición, las personas mediocres se oponen al movimiento, al ímpetu y a la vida, pues su pobreza espiritual y su sequedad de alma les lleva a obstaculizar todo lo que podría animarles. La falta de sustancia les vuelve pusilánimes, tristes, avaros, hipócritas y cobardes.

Son los fieles guardianes de su posición y de los bienes adquiridos, de las morales estereotipadas, de las leyes congeladas, de los ritos muertos. Son los rebaños de Panurgo de los partidos políticos, la grey supersticiosa de los cultos, los robots de las tinieblas, los esterilizadores de la vida, los furrieles del reino de la bestia.

Vejan y abruman a los vivos, incluso en nombre de los grandes precursores. Eliminan el arte en nombre del arte e intentan borrar a Dios en nombre de Dios.

Al no tener ni corazón, ni espíritu, ni fidelidad, son para siempre los sepulcros blanqueados que ya repudiaba Elías?artista, más conocido por el nombre de Cristo. Al negar, rechazar o rebajar lo que les supera, forman la enorme masa de los holgazanes espirituales de la humanidad, a la que ningún amor volverá a calentar jamás.

Todas las instituciones degeneran y perecen bajo la marea de los mediocres.

Crítica

Tan sólo queremos recordar que la función esencial del crítico es analizar las obras de arte y que en ningún caso debe involucrarse en dirigir o forzar la expresión artística, como ocurre demasiado a menudo en la actualidad.

El tiempo pone las cosas su sitio, pero ya está hecho el mal que hace que artistas originales, cuyo único error es no balar junto con los corderos que les circundan, mueran en la miseria.

Vocación

La vocación debe mostrarse irresistible, tenaz y estar confirmada por pruebas astrológicas y quirománticas de fácil verificación.

Parece necesario que los desaires, las injurias, los escupitajos y los golpes nos laven, nos reblandezcan y nos abran hasta el abandono de todo el ser, para que el Universo nos parezca luminoso y límpido.

“Debemos volvernos ausentes a nosotros mismos, para estar presentes en la creación entera.”

Debemos volvernos vacíos a fin de ser llenados, maleables para ser formados, pobres para ser enriquecidos, ignorantes para ser instruidos, locos para volvernos sabios, miserables para ser consolados, oscuros para ser iluminados.