#capítulos mad men donde ver

[nuriaverde]

Todo lo que quisiste saber sobre el ego y nunca te atreviste a preguntar en "Mad Men"

“Mad Men” va sobre el ego, lo cual implica deseo y miedo, ilusión e insatisfacción, ansias, ambiciones, hambre por el placer, las posesiones, el poder y el reconocimiento, y miedo a perder todo lo que se posee. Significa ausencia absoluta de paz interior. Sylvia, la vecina de Don Draper, que lo ama y, a la vez, no puede estar con él, le dice siempre después de hacer el amor: sólo quiero que…

[ipanemaisnotinlove]

Norte

Ponerse al día con la vida New York. Moverse, avanzar. Hacer cosas por mí misma. Priorizar. Escuchar a Marianne Costa un sábado en la mañana mientras el plomero soluciona una fuga del segundo piso. Hoy la carta que salió fue el Pendu. Pedir comida, ir a comprar cosas y flores, y sentir que la casa otra vez es mía. Horas de jardinería y pensar en lo que no se puede pensar. Ir a terapia en persona, ver las paredes y el techo alto del consultorio. Una oficina en Midtown. Mirar el cielo de Grand Central. Tomar el sol con Juli en Washington Square Park, luego de comer Pho. Ir a Jimmy's Corner el día de una especie de convención de marinos en su día libre, sentirse en un capítulo de Mad Men. Deseo, mire donde mire te veo, mire donde mire te veo, mire donde mire te veo. Exámenes que no quiero pero que necesito. Ser y existir sin D. Avanzar. Estar en paz con eso. Hoy Marianne me dijo algo lindo de La Papisa, la Papisa como representante de la dignidad intrínseca. Volver a priorizarme. Una invitación a no ver a nadie que no me interese. Una invitación a verme a mí misma. Sin maldad. Simplemente: No, gracias. Mañana final de Succession. Otra cosa más que se termina.

[revistasentimental]

ESPECTADORA COVID-19: PRIMERAS EXPERIENCIAS EXPOSITIVAS EN TIEMPOS DEL ALGORICENO

Por Natalia de la Rosa

Este texto es el primer escrito que realizo desde el confinamiento. La última entrega que había hecho se dio hacia finales de marzo, poco antes de aquella conferencia de prensa del sábado 30, en la cual Hugo López-Gatell planteó un panorama más estricto ante el escenario de pandemia COVID-19, la última oportunidad. Aunque tengo muchas cosas que podría avanzar, empezar o continuar, esta breve reseña me dio el impulso para tomar el teclado de la laptop para algo más que contestar correos, descubrir plataformas para reuniones en línea, ver conferencias en youtube y leer lo que puedo. Las condiciones creativas y de investigación han mudado de forma, por ejemplo, con mis compañerxs del seminario Despatriarcalizar el Archivo (BWEPS) hemos usado audios, imágenes y algún video, además de reuniones terapéuticas online. La voz, en nuestro caso, se ha vuelto un redescubrimiento indispensable. El teclado del celular lo uso exclusivamente para ver y compartir memes (obvio) y hablar en chats colectivos y personales que me mantienen apenas atada a los vínculos de la vida pasada. Sólo después de unas semanas de sana distancia he comenzado a pensar con mis cómplices más cercanxs qué estrategias des-centradas usar para contrarrestar esta forma de desarticulación social que el higienismo purista e individualista exige.

Decidí escribir sobre alguna muestra que haya visto a inicios de la cuarentena, con el objetivo de dejar constancia sobre este nuevo proceso y condición de la producción, distribución y consumo del arte. Una posibilidad recayó en la muestra organizada por Neotortillería (Guanajuato) en colaboración con Bexpo 6, la cual en su flyer inicial tituló simplemente como Programa de Artistas(1), y que tuvo una apertura virtual el 19 de marzo del 2020. Desde que vi la larga lista de participantes, la exhibición llamó mi atención, más allá de la cantidad jóvenxs creadorxs que fueron anunciadxs, porque reconocí artistas con los que estoy colaborando de alguna forma en diversas curadurías (Andy Medina, Julio García Aguilar, Enrique López Llamas), acompañadxs por otrxs que he estudiado desde hace tiempo (Gibrán Mendoza, Lourdes Martínez, David Zafra), al lado de participantes que no conocía y me parecieron reveladorxs (el resto). Recuerdo que a inicios del encierro, lxs organizadores explicaron enérgicamente que la inauguración se llevaría a cabo por livestream de IG y que tenían la esperanza de que la clausura, planeada para abril, fuera presencial, lo cual, como podrán imaginar, no sucedió. Por casualidad, y dadas las condiciones en ese entonces novedosas del encierro, tuve la oportunidad de presenciar el acto de apertura desde mi celular. No pude ver todo el recorrido de la exposición, pieza por pieza, pero sí algunas obras y la perfomance de Hugo Alegría, quien amenizó la velada con una acción dedicada a anunciar que el arte actual no tiene referencias nuevas, sino que parece más un reciclaje perpetuo, a través de frases bastante convincentes. A lo largo de las semanas, he seguido y likeado detalles de la exhibición, registros de las piezas que fueron montadas en el espacio físico como acciones digitales que le continuaron (como el cómic-montaje-gráfico dedicado a Greta Thumberg #gretalivingherbestlife a través de los capítulos La sala de Greta y Greta Soñando, con ilustraciones de Emilio Morales y narraciones de Lourdes Martínez a través de @vidaoxxo y @marykay.project), con lo cual confirmo que su resultado es cercano a varios intereses que tengo, cercanos a las formas de producción y lenguajes del arte actual. Del material disponible en la cuenta del espacio y al retomar lo que ha sido publicado desde estas cuentas, retomo, por la cercanía a procesos de reflexión en mi pesquisa, la pintura de Cristian B. Pichardo titulada Gato triste con cita de tuit de AMLO después del incidente del 18 de octubre de 2019 (liberación del hijo del Chapo), Paisaje de Itzayana Ramón, la pintura-escultura-cósmica Fondo destello mercurio de Kasser Sánchez y la poesía mural de Antulio Arroyo y Frida Rentería Hice esta pintura porque necesito producir, mantenerme creativa para transmitir visibilidad y sentirme validada. La idea de ser una artista activa me conflictúa. Quiero participar y exponer mis propuestas en todos los lugares que se pueda ocupar un lugar, un espacio en esta pared. Podría escribir bastante sobre cada pieza de la exhibición (temas, formatos, técnicas), respecto a las formas de producción y exhibición independiente en otros puntos del país, en tensión con el contexto central, así como del proceso de virtualización paulatino de la muestra. Sin embargo, quiero contraponer para esta ocasión este ejemplo del “mundo del arte” (al final) con otra forma de exhibición de pinturas desde una plataforma streaming. Se trata de la presentación de obras de arte lírico monumental y una reapropiación de la figura de Rufino Tamayo en la serie Narcos México 2 de Netflix (producida por Carlo Bernard y Doug Miro, con guiones del mismo Miro y otros escritores norteamericanos) la cual fue estrenada el 13 de febrero de 2020, semanas antes de que entraramos en modo catástrofe y la cual animó mis primeros días de encierro involuntario.

Previamente al inicio de la explosión de contenidos virtuales tan diversos (desde los más experimentados hasta los más torpes) que ahora nos invaden, la empresa Netflix anunció la segunda entrega de Narcos México, dedicada a mostrar la caída de Miguel Ángel Félix Gallardo (Diego Luna) y la “Federación”. Existen excelentes lecturas de crítica cultural a esta serie, como fue el artículo del colectivo Arte y Trabajo sobre la primera temporada de Narcos Colombia, donde explican cómo opera una actualización a los modelos de representación de “Latinoamérica” desde los Estados Unidos, los cuales transitan de la orquestación del boom literario al reuso del formato narrativo y visual “mágico-realista”, definido bajo esta empresa de entretenimiento. En este espacio damos continuidad a dicha propuesta de estudio al centrarnos en las referencias artísticas utilizadas por una serie específica. Las pinturas que forman parte de la trama de Narcos México 2 no tuvieron el revuelo mediático que en su momento tuvo la aparición de Saturnino Herrán en la temporada inicial, a través de réplicas reinterpretadas del boceto para mural La leyenda de los volcanes. Estas pinturas que exponen un paisaje antropomorfo no son una simple decoración o ambientación, sino protagonistas, acompañantes y personificaciones simbólicas, al ser metáforas visuales de eventos determinantes que enfrenta al anti-héroe: la pintura es testigo del ascenso y consolidación del cartel, del encuentro de pruebas en las oficinas personales por el agente chicano de la DEA, Kiki Camarena (Michael Peña), del descubrimiento de la infidelidad y, finalmente, del allanamiento y la misma destrucción de la obra al interior de las propiedades del capo, acción violenta que ratifica la importancia del lienzo. La figura de Saturnino Herrán permite representar un contexto regional en tensión con el relato nacional; un discurso capaz de comprobar las posibilidades de la unificación cultural a partir de la vindicación de motivos prehispanistas y la erotización de un territorio en disputa. De alguna forma, el uso de estas referencias pictóricas confirman el uso de citas del arte mexicano por parte de Netflix México para sus producciones locales. Este fenómeno también es visible en: El Chapo, Ingobernable y Colosio. Mientras El Chapo e Ingobernable recurren al uso tradicional de los paisajes decimonónicos del Valle de México para referir a la centralización y acción del poder, Narcos México y Colosio llevan a un máximo nivel la utilización de la producción artística local. En el caso de Colosio, existe un momento determinante y extremo de este modelo. No se trata del uso del referente pictórico sino su absoluta reformulación, a través de una activación de la escena de Los funerales de Caín y Abel (1947) de David Alfaro Siqueiros, resuelta arquitectónicamente por medio del modelo de integración plástica y esculto-pintura que el “Coronelazo” empleó para La marcha de la humanidad (1964-1970), con el fin de recrear la oficina y espacio de operaciones del presidente impulsor del TLC. Sin duda, el gui��o a esta poderosa obra siqueiriana, consolida la metáfora de la traición entre hermanos (al aludir al asesinato del protagonista de la serie), tópico que el muralista mexicano ya había resignificado violentamente en el contexto de la temprana posguerra. En cuanto al uso de la pintura en Narcos 2, las selecciones rompen totalmente con el relato progresivo de la historiografìa del arte arte nacional, ya que da un salto interesante del simbolismo nacionalista representado por Satunino Herrán al referente que conocemos comunmente como La Ruptura para hablar de pintura abstracta de mediados de siglo. En esta segunda temporada grandes lienzos decoran el comedor exterior, habitaciones y escaleras de Félix Gallardo, el Jefe de Jefes. Se tratan de pinturas que recuerdan aquellos trazos libres y chorreados del expresionismo abstracto u obras matéricas de la pintura informalista. En concreto, apreciamos una serie de composiciones sustentadas en la combinación de fragmentos pictóricos, los cuales coinciden con las telas de Fernando García Ponce, y que acompañan la angustia interiorizada del protagonista. El señalamiento al movimiento abstracto de la década de 1950 es habitual en series que retratan un entorno corporativo, como es el caso de Mad Men con la icónica aparición de Mark Rothko en la oficina de Bertram Cooper, pero también en el entorno financiero del cártel de Cali, al presentar una pintura de corte neoexpresionista en la oficina de Miguel Rodríguez. El cambio radical que acontece en Narcos México 2, radica en que la obra abstracta forma parte del ámbito doméstico. A diferencia de la primera temporada que la pintura disputa el espacio público y privado, en esta ocasión se sitúa totalmente dentro del hogar. ¿Qué vinculación puede haber entre la disputa por los roles masculinos empresariales del Nueva York de los cincuenta y este monopolio con sede en Guadalajara? Parece que Mad Men (como Narcos Colombia) confirman que el arte abstracto tiene su lugar en la oficina, en el espacio asignado para los hombres. Solamente en lugares de resistencia de un papel delimitado, como resulta la de Casa Playboy, como explica Paul B. Preciado en Pornotopía, estos elementos de la masculinidad forman parte del ámbito doméstico. Por supuesto, que el arte abstracto eventualmente se introdujo a los hogares y para la década de 1980 era más común. El punto que queremos recalcar es cómo esta aparición es estratégica y una forma particular de representación del arte (un acto de re-representación) en la cultura de masas. En estos usos, la pintura abstracta no remite al éxito sino un recurso simbólico que es utilizado para significar la frustración del sujeto. Recordemos que las primeras pinturas abstractas de la posguerra, funcionaron como un elemento de expresión de las consecuencias de la guerra y una forma de señalamiento de una crisis existencial ante el mundo. Enrique Medina, escritor, artista y museummeme-influencer oriundo de Culiacán, me confirma que, en efecto, Miguel Ángel Félix Gallardo fue coleccionista de arte. De hecho, afirma (sustentado en las investigaciones de Diego Enrique Osorno) que existió un lazo entre el capo y el artista mexicano más representativo e internacionalista de La Ruptura: José Luis Cuevas. Esta otra forma de narco-cultura (como la que pensamos al recordar la presencia de Fernando Botero en el caso colombiano) adquiere otro sentido al conocer, gracias a las declaraciones del hijo de Félix Gallardo, la existencia de una nota que este artista de entregó a su padre: “Para Miguel Félix Gallardo, con mi amistad. Cuevas”. Por último, quiero referir a la apropiación del mural de Rufino Tamayo, Dualidad (1964) en Narcos México 2, pintura que originalmente decora los muros del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, específicamente la entrada del auditorio Jaime Torres Bodet, construido por el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez. Realizado en vinelita sobre lino, remite a una disputa dual que reinterpreta la cosmogomía precolombina, a partir de una cruenta lucha entre una serpiente y un jaguar, concretamente, una versión modernizada Quetzalcóatl y Tezcatlipoca. En 1950, Octavio Paz presentó el texto Tamayo en la pintura mexicana, dedicado a remarcar y describir los aportes plásticos del artista oaxaqueño Rufino Tamayo en contraposición al muralismo. Dicho acto dio comienzo a un nuevo proceso hegemónico en las artes nacionales, siendo el documento donde apareció este concepto de Ruptura para explicar un tránsito en la pintura. El crítico alemán Paul Westheim definió la pintura de Tamayo como aquella que expresa la “realidad humana”, alejada del arte imitativo: “arte que arranca del hombre y de sus vivencias internas”. Para Paz, como complemento, la obra de Tamayo implica una plástica poética y una pintura universal. En el caso del mural de Antropológica, ésta remite al orden cósmico y épico para expresar una temporalidad cíclica para sustentar un discurso en torno a la confrontación entre el sol y la luna, la vida y la muerte, el día y la noche, lo femenino y masculino, la guerra y la paz. Esta obra, bajo un formato de caballete, tiene una presencia relevante en diversos encuentros ocurridos entre Félix Gallardo y el misterioso Secretario de Defensa. Este personaje representa en la serie un elemento del gobierno mexicano que, dentro de la trama, ayudó al narco sinaloense en la transición del tráfico de marihuana al de la cocaína, al mismo tiempo que presionó para sucediera el secuestro, tortura y muerte del agente Camarena. En esta entrega, el personaje recibe al capo al interior de las oficinas públicas, a diferencia de la primera parte, donde en la mayoría de los capítulos resistía y complicaba sus encuentros. En estas escenas conspirativas, la tela tamayesca es testigo de una planeación truculenta para la transición de la presidencia, e inclusive de momentos donde el Jefe de Jefes aparece como autor intelectual del fraude electoral de 1988, a favor de Carlos Salinas de Gortari. Según algunos vídeos de aficionados en youtube, este personaje no corresponde al Secretario de Defensa, sino a Manuel Bartlett Díaz, Secretario de Gobernación de Miguel de la Madrid, ahora miembro importante del gabinete de la 4T. Hace unos días, la activista, teórica transfeminista y performancera, Sayak Valencia, habló respecto al proceso inaugurado por el Coronavirus, al que nombró como G-loritarismo. A pesar de la existencia de avisos paulatinos sobre el desarrollo de una nueva etapa en el orden mundial ligado a las actualizaciones del fascismo, este momento de control, aislamiento y virtualización anuncian un tránsito abrupto y extremo del antropoceno al algoriceno. En la charla, también realizada por plataforma streaming, la teórica tijuanense propuso una genealogía para pensar los orígenes de este término ligado, los cuales sitúa desde la posguerra. La base de este régimen es la ficción política consolidada a través de dispositivos culturales y tecnológicos. Adorno y Horkheimer señalaron en La dialéctica de la ilustración los usos de la cultura de masas para los propósitos del fascismo. Bajo este referente, la particularidad del arte mexicano posrevolucionario tiene como cualidad un ejercicio de yuxtaposición en torno a la representación de la historia, característico por romper los márgenes entre ficción y realidad de forma extrema. Netflix México aprovecha ese pasado para constituirse como aparato para la ficción política, haciendo uso de im��genes y metáforas que forman parte de nuestro imaginario histórico. Recordemos, inclusive, que se habló de una mezcla de realidad y ficción en esta producción, cuando en un scouting por el EDOMEX asesinaron a un miembro del equipo de Netflix (Carlos Muñoz Portal). Los cuadros y murales constitutivos del arte moderno mexicano no aparecen más en los libros de textos o en series para Televisa narradas por Octavio Paz. En cambio, son exhibidos en las series que vemos online, encargados de moldear nuestra percepción respecto al pasado reciente (donde la mirada morenista es ambigua, cuando en efecto, durante la campaña de Andrés Manuel López Obrador fue un poco más clara, poniendo atención a los lazos del narco con el PRI). Estas exitosas series complementan al nuevo régimen que Valencia llama life-streaming, donde da lo mismo la veracidad de los hechos sino la mediación de la verdad y la rentabilización de las distopías necropolíticas, sobre todo para generaciones nativo-digitales. Lo que más importa es la potencia simbólica y administración sensible (desde el exterior) de nuestrxs cuerpxs a manera de psicopolítica dirigida a nuestra memoria y afectos.

 La lista completa de artistxs es: Ana Tatti, Andy Medina, Antulio Arroyo, Aylaculebra, César Zamora, Cristian Barajas Pichardo, Daniel Barajas Pichardo, David Zafra, Digital Magicz, Elizabeth Mejía, Enrique López Llamas, Franccesca Marcaccio, Frida Rentería, Gibran Mendoza, Hugo Alegría, Itxaso Urutikoetxea, Irving Castro, Itzayana Ramos, José Ponce, Jou Morales, Julio García Aguilar, Julián Sosa Padilla, Kasser Sánchez, Lourdes Martínez, Luis Campos, Mar Caracheo, Miguel Escamilla, MALVIAJE, Mayra Tavares, Paula Reyes-Pérez, Sha Godoy, Tsanda Guzmán.

[algoparahablar]

The Chilling Adventures of Sabrina-Madre de todos los Dark Lords! (Contiene Spoilers)

La segunda parte nos responde desde el primer capítulo que es lo que el Dark Lord quiere de Sabrina: “Quiere que sea su reina”. Y los escritores jugaron perfecto con eso. Entre todos los spoilers rondando y cosas que me imaginé con respecto al ¿Qué hace a Sabrina tan especial? Jamás imagine la revelación del último capítulo. Esto es algo que cambia todo.

No podemos negar la química entre Sabrina y Nick desde la temporada pasada. Ahora vemos la relación en otro nivel, uno que quitó la idea típica que era el rebound de Harvey. Y es excelente ver a Harvey como algo más que el novio soso de Sabrina, me agrada que ya tiene decisión y no anda como perrito tras de ella. Lo que sí me preocupa es que Nick tomó un poco esa posición, hace 100% todo lo que ella dice, al grado que yo si pensaba que estaba confabulando de una manera más intensa con la única y genial Lilith.

Iniciamos con un poco de feminismo, Sabrina reta al padre Faustus (como cada ocasión que cruzan palabra) de por qué una mujer no puede competir de “Top Boy”, y si bien no fue este el capítulo más elaborado de la serie, vimos como crecía esta relación con Nick y lo más importante, la menera en la que 2 demonios querían matar a Sabrina para que no ascendiera. ¿Ascendiera? ¿Esto que significa?

Y no pasaron muchos minutos para que lo supiéramos, Sabrina es la elegida para tomar el trono del Dark Lord y ser  su profeta/heraldo en la tierra. Aquí comienza un juego entre ellos donde Lilith le dice que Sabrina por su naturaleza de querer hacer lo correcto, jamás va a cumplir lo que el quiere de ella. 

El capítulo 2 y 3 me hicieron reír. Desde que el Dark Lord le dice a Sabrina que robe un chicle no perdí la atención. Y se me hizo algo importante con otro toque de feminismo. Lilith, una vez más y por siempre Madam Satan con la historia de como conoció al Dark Lord y viendo entra las sombras la obra de teatro me dejó conmocionada. Después de todo lo que ella hizo por él y la trata peor que a cualquier sirviente.

Y el 3, aunque no avanza tanto en historia, vemos como crece la relación de Sabrina con Nick y la manera en la que ya dejó atrás a Harvey. Son impresionantes las escenas que están bailando para buscar pareja o cuando Nick llora porqué Sabrina mató a su familiar. 

Por parte de tus amigos mortales, Harvey comienza una relación con Roz, quien pierde la vista al final del capítulo 3, y Susie al fin se revela con sus amigos como un chico trans llamado Theo. 

El capítulo 4 queda en el olvido como siempre. Me imagine que Lilith los manipularía pero no, sólo quiso saber de ellos, posiblemente la única manipulación fue que primo Ambrose viera como el padre Faustus lo manipulaba para matar a su familia. 

¡Y aquí viene lo bueno señores!

El antipapa (estoy enamorada de los nombres contrarios a la religión) llega a la boda de la tía Zelda para ser asesinado, y fue nada más y nada menos que el padre Faustus (usando el familiar de Ambrose para controlarlo y culparlo por esta muerte. Pero no se preocupen, él queda bien librado al final de cuentas con ayuda de Sabrina. 

¿Y qué significa esto? Vemos que la locura de Faustus no tiene límites, es retrograda y machista, los siguientes capítulos no hace más que despreciar a la mujer y al final intenta matar a todas las personas destruyendo la Academia y dejando sin líder a la Iglesia de la Noche. Y esto es interesante, ver la manera en la que las religiones manipulan a las personas para hacer atrocidades. 

Pero más interesante que esto es Sabrina. Después de mi querida Madame Satan, ella esta temporada se lleva todos los aplausos. Alguien me dijo que no podía imaginarse de mala a la pequeña Kiernan, después de verla en mad men, pero demuestra que sí, esa dulce niña tiene un lado oscuro que amamos ver. Y lo demuestra desde sus inseguridades por luchar entre el bien y el mal, hasta aceptar que tal vez no tenga nada de malo tener un lado oscuro. Y me gustaba verla con sus amigas, y claro, que estuviera más cerca de Madam Satan, pero fue bueno dejarla ir, ya era suficiente que estuviera todo el tiempo preocupada que por ser bruja todos sus amigos mortales la llevarían. 

Y lo impresionante y hace que perdonamos que Lilith este jugando a la casita la mitad de la temporada, es esa escena de Sabrina renaciendo entre las flechas de los ángeles cazadores de brujas y que gritara entre los aires “I’m the Dark Lord’s Sword”, quemando a todos los ángeles y reviviendo a los que mataron. 

Ella tiene poderes, y no teme mostrárselos al mundo, cree que tiene que ver con las enseñanzas de su papá de unir brujas con mortales. Y eso es lo que todos pensamos, pues sí, eso es lo que te hace diferente, tu eres mestiza (bien, pero bien jugado escritores!). ¿Y qué pasa? Que al fin sus amigos mortales se involucran en su trama y descubren en la mina una imagen de Sabrina con lo que ya sabíamos, ella es el heraldo de Satan en la tierra.

Y claro por que ella no quiere ser mala ni cumplir con las profecías, decide quitarse sus poderes, no sin antes darse cuenta que Madam Satan la manipuló todo este tiempo para que las cumpliera: resucitar a un muerto, ir al limbo, curar a un ciego. Pero ahí no terminaba todo, faltaba suicidarse. ¿Y qué hace la pequeña Sabrina? Mata a la doble que hizo (la que se queda con la magia), cumpliendo la profecía.

Y ahora sí, ¡Bienvenido Mr. Satan!

Los días en la tierra están contados, Sabrina se reúne con él para dar ese momento que yo no esperaba, sí todos pensamos que era un diablillo pervertido y no, quería a Sabrina por qué es su HIJA. Sangre de su sangre. Engaño a Edward Spellman para tenerla y ser lo contrario a la santísima trinidad: demonio, bruja y mortal. Ya cualquier otra confesión como que Nick se acercó a ella por ordenes de Satan quedan en segundo plano. 

Ya sabemos que la hace importante y la clave para todo. Claro que Sabrina y Lilith quieren destruirlo, la primera por buena y la segunda por coraje. Y logran hacerlo, de la misma manera que el falso Dios lo hizo: lo encerró en un cuerpo humano. El cuerpo de Nick.

Y todo parece regresar a la normalidad sin que esto sea posible ya: Ambrose y Prudence se van a cazar al padre Faustus, los dos aprendiendo que ya tenían familia y no deben dejarse manipular. Las tías Hilda y Zelda ahora están a cargo de los estudiantes que salvaron de Faustus, Zelda autoproclamandose como encargada. Salem sigue desaparecido y mi corazón entristece. Madam Satan se va al infierno con corona puesta y con el Dark Lord dormido en el cuerpo de Nick, dandole a Sabrina 2 regalos: su magia y revivir a su maestra favorita, Mrs. Wardwell. Y en la última escena tenemos a los 4 amigos juntos, con Sabrina prometiendo que no volverá a ponerlos a un lado, es más, los invita a ir al infierno a recuperar a su novio.

Momentos Bajos:

La cámara borrosa y el capítulo 4 que no lleva a nada.

¿Dónde está Salem? 

Madam Satan jugando a la casita y siendo infantil. Si en verdad quería destruir los planes del Dark Lord, tan sencillo como ayudar a Sabrina, esa niña no quiera nada más que ser buena aunque sea hija del mismo Diablo.

No relacionaron bien la historia de los mortales con la de Sabrina en los primeros capítulos. Por lo menos algo que aportara o que tuviera que ver con Madam Satan.

Algunos momentos feministas no fueron aterrizados, no valía la pena perder a Madam Satan por mostrar el punto al que querían llegar.

Mejores Momentos:

Madam Satan en sus 5 minutos en las sombras. Gold, pure gold!

Sabrina con los ojos blancos matando a los ángeles.

La relación de Sabrina con Nick.

Los chistes de las tías Zelda y Hilda.

Harvey dejó de ser soso. Pray the Dark Lord!

Básicamente del final del capítulo 6 al 9. 

La manera en la que nos engañaron los escritores y nos hicieron creer que el Dark Lord la quería de niña-novia y no sospechamos que era su hija.

¿Qué esperar?

Ir al infierno. Probablemente ver más de Salem ya que lo invitaron ;)

Conocer la verdad del papá. Sigue sin cuadrar la historia de su muerte. Lo más probable es que conocía la profecía y no hizo nada.

Ver si podemos confiar en Nick. ¿Y qué si muchas cosas fueron planeadas? Todavía no sabemos nada de su familia. 

Más muerte, sangre y tal vez a Ambrose y Prudence volviendo a ser cool.

Más feminismo.

Más chistes cristianos

[paralectores]

10 Libros destacados de la década del 50

En los 50 nació la sociedad que conocemos actualmente, antes de las grandes guerras, el mundo tenía un aspecto muy distinto. Con los 50 llegaron los grandes cambios, sociales, políticos y culturales. Los 50 están de moda ahora más que nunca, con series como Mad Men.

Los 50 tenían algo especial, su estética, la moda, la arquitectura… Fue la década de los niños de la bomba atómica, todo el  mundo vivía con temor a una guerra nuclear. Los primeros locos iluminados bailaban ya en los suburbios de Nueva York y San Francisco al ritmo del Bebop, Jack Kerouac vagabundeaba por América, mientras Allen Ginsberg lanzaba su aullido, del que nacerían hippies y otras formas de contracultura.

Los 50 fueron especiales para el arte en muchos sentidos, en pintura aparecían grandes nombres como Warhol o Jasper Jones, en el cine James Dean y Marilyn Monroe hacían las delicias de todos los aficionados. Y en la literatura, aparecían algunos títulos que hoy en día seguimos recordando y de los que nos seguimos enamorando.

¿Quieres recordarlos?

#1. El Señor de las moscas, W. Golding (1954)

Una de las obras más fácilmente reconocibles y de la que te enamorarás en seguida. ¿Somos los humanos unos salvajes? Según Golding, sí. No hay nada como perderse en una isla desierta para sacar al animal que llevas dentro.

#2. La telaraña de Charlotte, E.B White (1952)

Aunque es mucho más conocida en Estados Unidos y en países de habla inglesa. La telaraña de Charlotte es un clásico de la literatura infantil: un cerdo, una araña, amor, amistad… En fin. Por cierto, E.B. White, es el mismo White que firma el aterrador manual Los Elementos del Estilo.

#3. La Compañía del anillo, J. R. R Tolkien (1954)

¿Qué puede decir de este libro que no se haya dicho ya? Si todavía necesitas que te lo presente, es que no has cogido un libro en tu vida y que, además, has estado viviendo en una cueva sellada por metros de piedra y enterrada bajo kilómetros de fango en la fosa más profunda del océano más oscuro. O te llamas Cthulhu o no tienes excusa, eh mah, vete de mi pagina si no conoces al autor…

Pd: no tienes que haberlo leído, solo hablo de conocerlo.

#4. Al este del Edén, John Steinbeck (1952)

Inspirada parcialmente en la historia bíblica de Caín y Abel, cuenta la historia de dos familias en los primeros años del sigle XX. Steinbeck la consideraba su mejor obra. Tiene uno de los personajes más bien construidos de la literatura, la cruel y egoísta Cathy Ames, que deja destrucción y miseria allá por donde pasa.

#5. El tambor de hojalata, Gunter Grass (1959)

Este libro se merece un hueco entre la lista, como homenaje particular a este gran escritor. Acusada de pornográfica y blasfema, cuenta la historia de un niño(que además no está muy bien) es una historia complicada, enrevesada que se cuenta en grandes saltos temporales; desde la concepción de su madre en un campo de patatas, hasta la mariposa que revoloteaba en su casa el día que nació.

#6. El guardián entre el centeno, J.D Salinger (1951)

La historia ya la conoces, Holden Caulfield es un adolescente problemático, caprichoso y un poco idiota.

#7. La invasión de los ladrones de cuerpos, Jack Finney (1955)

Aunque no os lo creas, La invasión de los ladrones de cuerpos, es algo más que una novela de ciencia ficción, muchos han querido ver en ella un alegato anti-comunista, con todos esos humanos sin sentimientos que brotan de las vainas. La verdad es que es uno de los grandes hitos de la ciencia ficción.

#8. Lolita, Vladimir Nabokov (1955)

Otro libro que fue tachado de blasfemo y pornográfico y, también, un hito en la cultura popular. El protagonista, Humbert Humbert (con ese nombre te esperas cualquier cosa) vive obsesionado sexualmente de su hijastra de 12 años. Algunos señalan que está «basada» en otras novelas de la época que tuvieron poco calado. Las malas lenguas…

#9. La rebelión de Atlas, Ayn Rand (1957)

Ayn Rand aparece en los Simpson (durante el capítulo sobre las mujeres triunfadoras, Maggie escenifica El Manantial), Ayn Rand es la escritora del neoliberalismo, su obra objetivista alcanzó su cumbre con La rebelión de Atlas. Fuera de visiones políticas, la obra de Rand nos muestra un Estados Unidos paralizado y en profunda depresión, gracias a unos empresarios que se rebelan contra los políticos intervencionistas y paran toda actividad económica. Una obra que deberíamos recuperar en estos tiempos de coronavirus o covid-19…

#10. El almuerzo desnudo, William S. Burroughs (1959)

El libro que hizo a Kurt Cobain viajar por Estados Unidos para conocer en persona a su autor, éste era su libro de cabecera. Considerada por la revista Time como una de las 100 mejores novelas en inglés de 1923 a 2005. Sus capítulos pueden ser leídos en cualquier orden, pues no guardan relación unos con otros. Cuenta sus propias experiencias como adicto a las drogas, con poco más que viñetas que se van sucediendo, intercaladas con algunas sátiras y recuerdos del mismo autor. Un obra brutal, que toca temas como la pedofilia o el asesinato.

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Hasta aquí mi lista, estos son algunos libros de los que me enamoré, faltan muchos más Starship Troopers, El día de los trífidos, La colmena, El harpa de hierba, El hombre invisible, Soy Leyenda...

Ahora te toca a ti ¿Qué libros escritos en los años 50 te han enamorado?

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[uros]

Todo sobre Mejores series de empresarios – Series de negocios recomendadas

Información sobre Mejores series de empresarios – Series de negocios recomendadas / HBO|Movistar+|Netflix|Series / de|empresarios|Mejores|negocios|recomendadas|series

Silicon Valley

Esta serie de HBO es una de las mejores series de empresarios y tecnología, como podemos intuir por su nombre. Una comedia muy divertida e inteligente que cuenta la historia de un clase de amigos que descubre un importante cálculo que cambia su vida. Una serie ideal si te gusta el mundo de los smartphones, tecnología, redes sociales y grandes compañías como Apple, Google o Facebook. Por otra parte, una serie muy muy graciosa y divertida que nos recordará a personajes reales o que refleja todo tipo de líos actuales en el mundo de la tecnología, la seguridad online, etc.

Silicon Valley recuerda harto a The Big Bang Theory en sus personajes aunque con una trama mucho más rica y más barragana. Conocemos a Richard, un programador que vive con sus tres únicos amigos en una incubadora del hostal Hacker. En emplazamiento de remunerar arriendo, el dueño se queda con un porcentaje de sus inventos.

Plataforma:  HBO

Año: 2014

Capítulos: Cinco temporadas, 46 episodios

Duración: Unos 30 minutos por cada episodio

Temática: Comedia

Momento recomendada: Para Mayores de 16 primaveras

Ver Silicon Valley en HBO

StartUp

Nick Talman hereda una fortuna de su padre. Un boleto con una procedencia poco dudosa que decide trastornar en una startup de criptomonedas. Una de las mejores series de empresarios, negocios y tecnología aunque diferente a Silicon Valley ya que dejamos de lado el humor para sumergirnos en un thriller de suspense, de intriga y con todo tipo de secretos que rodean a la empresa. Aunque encima habrá inversores, informáticos y empresarios.

Start Up nos cuenta la historia de Nick Tallman, un inversor de Miami al que su padre ha pedido que esconda una gran suma de boleto conseguida de forma poco lícita, ya que es perseguido por el FBI. Para ello, Tallman invierte en GenCoin, una nueva criptmoneda similar al Bitcoin que le ayudará a esconder su fortuna. Todo esto será el inicio de una serie llena de complicaciones y persecuciones, un thriller de negocios que te enganchará.

Plataforma: Amazon Prime Video

Año: 2016

Capítulos: Tres temporadas, 30 episodios

Duración: Entre 40 y 45 minutos por episodio

Especie: Drama, suspense

Momento recomendada: Para mayores de 18 primaveras

Ver StartUp en Amazon Prime Video

Better Call Saul

Better Call Saul es una de las mejores series de abogados pero encima una de las mejores series de negocios en la que conoceremos a Saul Goodman antiguamente de aparecer en la famosa serie Breaking Bad. En este spin off es James McGill el protagonista, Saul Goodman antiguamente de ser Saul Goodman. McGill es un abogado fracasado, timador y pícaro que hará todo tipo de negocios para dedicarse a una vida más sencillo tal y como lo conocimos en la serie.

Una serie divertida, barragana y que podrás ver al completo en Netflix incluso sin indigencia de acontecer trillado Breaking Bad. Una trama interesante y capítulos que rebosan carisma y gags visuales, humor y entretenimiento.

Plataforma:  Netflix

Año: 2015

Capítulos: Tres temporadas, 30 episodios en Netflix

Duración: Entre 40 y 55 minutos por capítulo

Temática: Spinoff de Breaking Bad

Momento recomendada: Para mayores de 16 primaveras

Ver Better Call Saul en Netflix

Mad Men

Si buscamos la mejor serie de empresarios y negocios, Don Draper no puede eludir en ningún recopilatorio. Mad Men es una serie ambientada en Nueva York en los primaveras 60. En concreto, en la agencia de publicidad Sterling Cooper en la Avenida Madison. El responsable de esta agencia es Don Draper, el protagonista de la serie y un personaje que encarna a la perfección el clásico sueño norteamericano. Una serie barragana en la que convivieremos con el día a día en una agencia de publicidad, con las historias de sus trabajadores o con las costumbres sociales americanas de la época.

Mad Men es una de las series más aclamadas por la crítica y una de las mejores series que puedes ver en HBO. Una serie que no está pensada para ser un gran éxito para todos los públicos sino que cuenta con casi 100 episodios solo apto para amantes de esta temática, para comunicadores, publicistas o para verdaderos fans de las series. Tiene un ritmo pausado pero que es, sin duda, uno de los grandes imprescindibles de todos los tiempos.

Plataforma: HBO

Año: 2007

Capítulos: Siete temporadas, 92 episodios

Duración por episodio: Unos 45 o 50 minutos

Especie: Drama

Ver Mad Men en HBO España

Paquita Salas

Paquita Salas es una de las mejores series españolas que puedes ver en Netflix y una de las mejores series de empresarios y negocios si buscas poco divertido, distraído, de risa y sensibilidad. Veremos todo tipo de cameos de personajes del cine castellano, protagonistas que enganchan, diálogos que han conquistado a un gran palpable y una Paquita Salas peculiar y divertida.

Esta serie es la ideal para un par de tardes. Creada por Los Javis, Paquita Salas es una representante de actores y actrices que no se adapta a los tiempos y no atraviesa su mejor momento. Solo le queda una representada pero rastreo nuevos talentos para seguir con su negocio pase o que pase.

Plataforma: Netflix

Año: 2016

Episodios: Tres temporadas, 16 episodios

Duración: Entre 20 y 30 minutos por capítulo

Momento recomendada: Mayores de 13 primaveras

Ver Paquita Salas en Netflix

The Newsroom

The Newsroom es una de las series que puedes ver de principio a fin si no quieres esperar nuevas temporadas. Una creación de Aaron Sorkin apto en HBO y una de las mejores series de empresarios y periodismo. Una serie que causó gran futuro por la dorso de Sorkin y donde conoceremos una historia en la que se idealiza el periodismo y la fidelidad a los hechos pero encima el conflicto con el poder, los negocios, los inversores. Un periodismo idealista y clásico que se aleja de la mayoría de las relaciones actuales o de la importancia de Internet en los medios a día de hoy. Pero merece la pena.

Esta serie nos cuenta cómo se vive el trabajo previo a un informativo en una redacción de una prisión norteamericana. Cómo son los enredos de una popular prisión de televisión y de un práctico presentador y su equipo. Presiones, conflictos, decisiones periodísticas o búsqueda de la anuncio para que el informativo esté siempre a la pico. Una serie recomendable.

Plataforma: HBO

Año: 2012

Capítulos: Tres temporadas, 25 episodios

Duración por episodio: Entre 50 y 70 minutos

Especie: Drama / Periodismo

Ver The Newsroom en HBO España

Girlboss

Girlboss es una serie corta en Netflix que podrás ver en un par de días. Es una de las mejores series de empresarios si buscas poco trivial, divertido y diferente. No hay oficinas sino una protagonista, Sophia, desesperada por encontrar un trabajo o conseguir poco de boleto para evitar el desahucio. Así consigue formar su propio y diferente negocio gracias a una tienda de segunda mano.

Girlboss es una serie que ha sido cancelada por Ntflix pero tienes 13 episodios disponibles que podrás ver en muy poco tiempo. Una serie barragana y divertida basada en una historia definitivo y que nos enseñará una idea de negocio moderna, adaptada a los tiempos, diferente y creativa.

Plataforma: Netflix

Año: 2017

Capítulos: Una temporada, 13 episodios

Duración: Entre 25 y 30 minutos por capítulo

Temática: Comedia

Momento recomendada: Para mayores de 13 primaveras

Ver Girlboss en Netflix

House of Cards

House of Cards nos introduce en las altas esferas de la política estadounidense, pero encima en las relaciones del poder entre políticos y grandes empresas, la corrupción, los intereses personales y los negocios que influyen en las decisiones que toman tanto los congresistas como los miembros del gobierno. La serie narra el avance al poder de Frank Underwood, que no se sustenta en el apoyo popular sino en el entramado empresarial y en los grandes lobby de Estados Unidos, los que positivamente mueven las sillas en la Casa Blanca.

Así, House of Cards nos enseña que quien positivamente coloca presidentes o senadores no son los votos y sí los apoyos que los políticos reciben a través de las grandes empresas, subvenciones, donaciones y demás acuerdos para que, una vez en el poder, los políticos legislen a su distinción. Y todo esto, explicado desde internamente y con Kevin Spacey como mentor de las cloacas.

Plataforma: Netflix

Año: 2013

Capítulos: Seis temporadas, 73 episodios (solo 5 temporadas en Netflix)

Duración: Entre 50 y 60 minutos por capítulo

Temática: Thriller / Drama

Momento recomendada: Para mayores de 16 primaveras

Ver House of Cards en Netflix

Fyre

Billy McFarland es un patrón y emprendedor estadounidense al que se le ocurre una idea. Sumar un festival de pompa, en un entorno paradisíaco, con los mejores grupos y cantantes del momento. Al tiempo que pone en marcha los preparativos, empieza a cincelar su propia aventura para que quede registrada en la historia. Con el boleto que consigue de otros inversores y con la ayuda de influencers empieza a hacerse notar y la publicidad de Fyre Festival, el que iba a ser el mejor festival de todos los tiempos, aparece en redes sociales y en todos los rincones de Internet. Agota las entradas y convierte su idea en un éxito�� vistoso.

En ingenuidad no hay desaparición montado, ni conciertos, ni campamento, ni vestigio del pompa prometido. Las personas que acuden a Bahamas se encuentran en un precipicio, encerradas allí por un obra y a la intemperie. Finalmente, McFarland acaba siendo encarcelado por estafa. Un documental increíble si no fuera porque sucedió de verdad.

Plataforma: Netflix

Año: 2019

Capítulos: Solo un capítulo

Duración: Una hora y 37 miuntos

Temática: Documental

Momento recomendada: Para mayores de 13 primaveras

Ver Fyre en Netflix

Suits

Suits es una de las mejores series de abogados que puedes ver al completo en Netflix con más de cien episodios. Pero encima es una serie muy interesante si buscas las mejores series de empresarios, de negocios, de oficina. Una de las mayores series de éxito de Estados Unidos en los últimos primaveras y con un amplio abano de personajes muy interesantes, con una fotografía increíble y con una trama que te enganchará a la historia desde el principio.

Este drama sumarial estrenado en 2011 nos presenta a Mike Ross, un ex estudiante de derecho que no ha arruinado la carrera y que se dedica a hacer exámenes para los demás. Mike Ross conoce a Harvey Specter, un brillante abogado que lo contrata aun sabiendo que este no tiene título. Ross y Specter harán un tándem valentísimo, un dúo con una gran química que iremos conociendo en profundidad episodio tras episodio, caso tras caso.

Plataforma: Netflix

Año: 2011

Capítulos: Ocho temporadas, 128 episodios

Duración: Entre 40 y 45 minutos

Especie: Drama / Comedia

Momento recomendada: Para mayores de 13 primaveras

Ver Suits en Netflix

Ballers

Ballers es una serie de humor que nos cuenta la historia de Spencer, una superestrella de fútbol norteamericano en Miami que ha dejado el deporte para tratar de convertirse en delegado financiero de los jugadores actuales. Una serie cuyo protagonista es interpretado por Dwayne La Roca Johnson y que nos muestra el fútbol norteamericano desde todas sus “etapas”: el novato, el que se retira, el que intenta digerir su éxito. Pero encima una de las mejores series de empresarios y negocio enfocado a este deporte y a lo que le rodea.

Plataforma:  HBO

Año: 2016

Capítulos: Cuatro temporadas, 40 episodios

Duración: Una media hora por capítulo

Temática: Comedia

Momento recomendada: Para Mayores de 18 primaveras

Ver Ballers en HBO

The Office

Una de las series más vistas de todo Netflix que en España puedes ver en Amazon Prime Video. Es una de las mejores series para estudiar inglés pero encima una de las mejores series de empresarios y oficina. Capítulos cortos, humor y una serie muy barragana y amena, una de las grandes series de televisión de los últimos primaveras que simplemente se dedica a contar la vida diaria en una oficina dedicada a la saldo de papel, Dunder Mifflin.

The Office es una serie llena de personajes divertidos o situaciones que nos resultarán cotidianas y familiares. Comedia, drama y bromas entre los empleados pero encima acto sexual entre algunos de los personajes. The Office es una de las mejores series de empresarios pero sin duda es la que más refleja la vida internamente de una empresa u oficina tal y como es, fiel absoluta a la ingenuidad.

Plataforma: Amazon Prime Video

Año: 2016

Capítulos: Nueve temporadas, 188 episodios

Duración: Entre 20 y 25 minutos por capítulo

Temática: Comedia, sitcom

Ver The Office en Amazon Prime Video

Esperamos que te haya gustado el articulo sobre, HBO|Movistar+|Netflix|Series / Mejores series de empresarios – Series de negocios recomendadas y si te antojo el artículo que escribimos para ti compartirlo con tus amigos así cada vez somos más

Por El rincon de diego

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Series a destacar

Twin Peaks:

En España (y en el resto del mundo) Twin Peaks fue todo un fenómeno, las expectativas de los espectadores cambiaron cuando un thriller tan complejo se colaba en los televisores de la población española. De la mano del reconocido David Lynch se produjo un florecimiento del interés por la televisión por parte de los círculos intelectuales.

“Nunca se había visto en prime time en una cadena en abierto nada como esto". La frase de la crítica de The New York Times publicada en 1990 refleja lo que significó Twin Peaks en una televisión acostumbrada a historias lineales en las que, si el espectador se encontraba un asesinato al comienzo, sabía que tendr��a la resolución del misterio al final. Twin Peaks señala el año cero de la nueva televisión, "Cogió a la audiencia un poco fuera de juego en el sentido de que gran parte de los espectadores pensaban ver un policial y se encontraron con un producto de autor que exigía de un compromiso por parte del espectador y dejarse llevar hacia esos extraños mundos lyncheanos", añade Raquel Cristóstomo, que participa en el volumen dedicado a la serie que ahora regresa.

Fue todo un éxito de audiencias para la cadena Telecinco que fue quien la emitió en España

10 de Noviembre de 1990: El comienzo. Comienza a aparecer en los periódicos una enigmática noticia: “Laura Palmer ha sido asesinada”.

11 de Noviembre de 1990: Aparece la misma noticia, pero con algo más de información: “Laura Palmer ha sido asesinada. Nadie sabe quien la mató”.

12 de Noviembre de 1990: Esta vez la noticia es: “Laura Palmer ha sido asesinada. Todo el mundo pregunta quién la mató”.

13 de Noviembre de 1990: La última noticia: “Laura Palmer ha sido asesinada. Sólo hay una pista: sabemos dónde fue encontrado su cadáver. Descúbrelo mañana”.

14 de Noviembre de 1990: Los periódicos anuncian la emisión de Twin Peaks en Telecinco, la nueva cadena privada propiedad de Silvio Berlusconi. “Si no ves mañana Twin Peaks, pasado mañana no sabrás de que hablan todos.” Por aquel entonces, Tele 5 sólo emitía para Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla.

15 de Noviembre de 1990: Se emite el episodio piloto. Audiencia: 3.338.000 (57,6% de share).

16 de Noviembre de 1990: Episodios 1 y 2. Audiencia: 2.309.000 (46,9%).

22 de Noviembre de 1990: Episodios 3 y 4. Audiencia: 2.553.000 (52,3%).

23 de Noviembre de 1990: Episodios 5 y 6. Audiencia: 2.357.000 (47,7%).

24 de Noviembre de 1990: Madchen Amick (Shelly Johnson) visita España y es entrevista en Telecinco, donde habla acerca de la grabación de la serie, los otros personajes de la serie y de David lynch.

Tras la finalización de la primera temporada, Manuel Villanueva afirmó "Nos han llamado de todo", aseguraba a EL PAÍS en 1990. con una audiencia de 2.424.000 espectadores (50,3%). Telecinco anuncia que ése es el último capítulo, lo que provoca un aluvión de llamadas colapsando la centralita. La gente enfadada, no dejaba de preguntar quién era el asesino de Laura.

Entre los herederos directos figuran nombres como los de David Chase, creador de Los Soprano, Damon Lindelof, uno de los nombres detrás de Perdidos y The Leftovers, o Matthew Weiner, responsable de Mad Men, que asegura que con Twin Peaks fue consciente de lo que era posible hacer en televisión.

Los Soprano:

Ha sido coronada por el crítico de The New York Times, Stephen Holden como el producto cultural más importante de los últimos 25 años. Muchos críticos como Chris Marker afirmaron que la televisión norteamericana había logrado igualar e incluso superar al cine de Hollywood en muchos aspectos. Tal impacto causo la serie que el final de Los Soprano fue anunciado en las primeras paginas de los principales periódicos de EEUU.

Los Soprano dio paso a la producción propia de las cadenas de televisión, los canales de cable básico siguieron el ejemplo de HBO esperando obtener una relevancia entre críticos y espectadores parecidas multiplicando el numero de series en producción.

La serie consiguió elevar la fama del antihéroe hasta lo más alto dejando sus resquicios en la realidad llegando a puntos tan extremos como la serie Dexter.

Mr. Robot y la composición:

Un ejemplo de serie notoria en la actualidad sería Mr. Robot, la primera temporada es suficiente para entender el por qué.

El uso tradicional del lenguaje cinematográfico es un método seguro, sin embargo, Sam Esmail el creador de Mr Robot, decidi�� no limitarse e innovar con la composición de los planos. Estos son utilizados (mayormente) en secuencias con un alto nivel dramático, en estas tomas la cámara decide no estar condicionada por las reglas clásicas de composición. Una de las características más notoria de la serie, es el no empleo de la regla de los tercios, esta regla divide la escena en tres tercios horizontales y verticales posicionando al sujeto en uno de los tercios.

Planos y contra-planos atípicos que aparecen en la serie:

La gran cantidad de aire o espacio restante del cuadro suele ubicarse en la misma dirección en la que se dirige la mirada del personaje y no por detrás como se puede ver en Mr. Robot. Esto parece dar la sensación de un mayor alejamiento de los personajes, tanto física como emocionalmente.

Este rompimiento o cuestionamiento de la composición visual tradicional está vinculado también a la filosofía “antisistema” que conlleva la serie, el rompimiento visual se corresponde con el rompimiento de la estructura social que la serie propone temáticamente, y bienvenido sea todo rompimiento, al menos por intentar sacarnos de lo convencional.

[tuseriesdetv]

10 frases de... 'American Gods'

Después de una primera temporada llena de dudas y dramas existenciales, American Gods, la nueva serie estrella de Starz culminaba su primera andadura televisiva tras ocho capítulos donde la belleza estética se ha impuesto a la lógica narrativa. American Gods consigue pleno y, además de entusiasmar al público, promete más emoción y mejores respuestas para el año que viene. 

Para hacer la espera menos larga, hemos recopilado algunas de las mejores frases que recoge esta primera temporada donde el humor negro, el existencialismo y la importancia de creer, destacan por encima de todo. Por eso aquí tenéis 10 de las mejores frases de la primera temporada de American Gods (más un consejito extra que puede ser útil en la vida real...).

“That's all you do, take time off. We gave meaning to their lives”. 

“Eso es lo único que hacéis, quitarles tiempo. Nosotros les dábamos significado a su vida”. —Mr. Wednesday, 1x05 Lemon Scented You

“If all this is real, and the TV tell you, and she can read the future and the masses bleed, and if there is another world ... under this world. To take for ass”.

“Si todo esto es real, y las teles te hablan, y ella te puede leer el futuro y las masas sangran, y si hay otro mundo... bajo este mundo. A tomar por culo”. —Shadow Moon, 1x03 Head Full of Snow

“Worrying if the sky is going to fall, it will give you more headaches ... than if it really fell“.

“Preocuparse por si se va a caer el cielo, te dará más quebraderos de cabeza... que si se cayera de verdad”. —Laura Moon, 1x06 A Murder of Gods

“Why do men like anal sex? Not women. Not like his friend Ibrahim here, he does not care if they enter through the back door. But this kind of love of yours, deceased wife, does give a lot in the ass. You can love someone even though you know it's not funny, even when you know you do not want to. Take wisdom from the good wrap in an evocative anal metaphor“.

“¿Por qué a los hombres les gusta el sexo anal? A las mujeres no. No como aquí al amigo Ibrahim, a él no le importa que le entren por la puerta de atrás. Pero esta clase de amor tuyo, difunta esposa, sí da mucho por el culo. Puedes querer a alguien aunque sepas que no le hace gracia, incluso cuando sepas que no quiere. Toma sabiduría de la buena envuelta en una evocadora metáfora anal”. —Mad Sweeney, 1x06 A Murder of Gods

“The only good news is that the tobacco they are going to grow for your grandchildren will cause cancer to a lot of white whores son”.

“La única buena noticia es que el tabaco que van a cultivar gratis vuestros nietos les va a provocar cáncer a un montonazo de hijo putas blancos”. —Mr. Nancy, 1x02 The Secret of Spoons

“What was I doing in Chicago? You will not believe me if I tell you. I went to recruit a god of death, who is tired, worse still has the energy to fight in a war against the new gods, who would do well to fear him as much as to fear me, but not yet ... do“.

“¿Que qué hacía en Chicago? No me creerá si se lo cuento. Fui a reclutar a un dios de la muerte, que está cansado, peor aún tiene energía para luchar en una guerra contra los dioses nuevos, que harían bien en temerle tanto como temerme a mí, pero que aún no… lo hacen”. —Mr. Wednesday, 1x05 Lemon Scented You

“There is nothing to believe in, trust me, I have sought. My parents believed in everything... in the Father, the Son and the Holy Spirit, touched by the grace of the light of God. They taught me the whole Bible by verses, every day I lived in a world full of magic in which everything was possible. But one day you discover that Santa Claus is not real, and neither is the Little Mouse. And that there is no farm in the field for old dogs“.

“No hay nada en lo que creer, fíate de mí, lo he buscado. Mis padres creían en todo… en el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo, tocados por la gracia de la luz de Dios. Me enseñaron la Biblia entera por versículos, cada día vivía en un mundo lleno de magia en lo que todo era posible. Pero un día descubres que Papá Noel no es real, y tampoco el Ratoncito Pérez. Y que no hay una granja en el campo para los perros viejos”. —Laura Moon, 1x04 Git Gone

“The only thing that scares me... is that they forget me. I can survive almost everything, but not that“.

“Lo único que me da miedo a mí… es que me olviden. Puedo sobrevivir a casi todo, pero a eso no”. —Mr. Wednesday, 1x03 Head Full of Snow

“Collective delusions are as old as me. It was already when the Martians came in 1938. There was panic, a horrible panic. Now there is a man of the stars in the sky, they believed it was true, and it was. It did not have to be believed by everyone, just enough“.

“Los delirios colectivos son viejos como yo. Ya estaba cuando vinieron los marcianos en 1938. Hubo pánico, un pánico horrible. Ahora hay un hombre de las estrellas en el cielo, creían que era cierto, y lo fue. No hacía falta que se lo creyera todo el mundo, solo los suficientes”. —Media, 1x05 Lemon Scented You

“What colors are Jesus Christ? Well you have the white, the Jesuit style. There is the African Negro. There is the Mexican mestizo. There is the Greek Morenito. Jesus really needs... that's why there are many“.

“¿De qué colores hay Jesucristos? Pues tienes al blanco, al estilo Jesuita. Está el negro africano. Está el mestizo mexicano. Está el griego morenito. Jesús hace mucha falta… por eso hay muchos”. —Mr. Wednesday, 1x08 Come to Jesus

“Do not fuck those airport sluts. Learn the lesson of Johnny Lars. He left after his 5th birthday, arrives at the airport, gives the ticket to the flight attendant at the counter, and asks for his driver's license. He gives it to her, and she says, 'It's out of date'. And he: 'It may not serve to drive, but to identify, pussy. My photo comes, my weight and my height. Who the fuck do you think it is? She says, 'I would appreciate it if you did not talk to me like that, sir.' And he: 'Give me the fucking boarding pass right now, fuck you.' He had a right to talk to her like that, he was disrespectful, and in prison you can not afford to be disrespectful, why the fuck would he let you be disrespectful as a free man? The stewardess gave a button, security came, and back to jail”.

“No cabrees a esas zorras de los aeropuertos. Aprende la lección de Johnny Lars. Él salió después de cumplir 5 años, llega al aeropuerto, le da el billete a la azafata del mostrador, y ella le pide el carnet de conducir. Se lo da, y ella le dice: ‘Está caducado’. Y él: ‘Puede que no sirva para conducir, pero sí para identificar, coño. Viene mi foto, mi peso y mi altura. ¿Quién cojones se cree que es? Ella le dice: ‘Le agradecería que no me hablara de esa manera, señor’. Y él: ‘Deme la puta tarjeta de embarque ahora mismo, joder’. A ver, tenía derecho a hablarle así, le estaba faltando al respeto, y en la cárcel no se puede permitir que te falten al respeto, ¿por qué coño iba a permitir que le faltaran al respeto siendo un hombre libre? La azafata le dio a un botón, vinieron los de seguridad, y de vuelta a la cárcel”. —Low Key Lyesmith, 1x01 The Bone Orchard

[manoletus]

Lo que te pierdes por ver sólo cine y series estadounidenses

Publicado en ‘Remontando’ el 30 de junio de 2017 (link):

El 30 de mayo Pablo Iglesias terminó de ver la serie estadounidense Mad Men y pidió por Twitter que le recomendaran “alguna de Netflix”, la plataforma estadounidense de pago. Entre las respuestas que aparecen inmediatamente debajo de su tuit están The Americans, Black Sails, Breaking Bad, Stranger Things, Better Call Saul, Fargo, Master of None y varias decenas más hasta completar una lista interminable de series estadounidenses en la que apenas se cuelan tres europeas (Borgen, Black Mirror y Peaky Blinders). Al final Pablo Iglesias acabó descartando Netflix pero optó por otra serie estadounidense, The Leftovers, de otra plataforma también estadounidense, HBO.

Desde hace un par de años me hierve la sangre y me vengo arriba cada vez que observo una mínima señal de colonización cultural estadounidense. Yo, que soy tan milenial como cualquiera y que me creo tan librepensador e independiente como el que más, me di cuenta un par de veranos atrás de que tres cuartas partes del cine que había visto era yanki y de que hasta ese momento ni me había planteado discutir esa hegemonía sino más bien al contrario: me sentía bien y mucho más culto descubriendo los clásicos estadounidenses y viendo las 250 películas mejor valoradas en IMDb. Hasta que en ese momento hice clic y, como el exfumador que se vuelve un talibán del antitabaquismo, empecé a interpretarlo todo en clave imperialista. Os pongo varios ejemplos en diferentes contextos.

I. La semana pasada las cinco principales cadenas de televisión españolas (La 1, Antena 3, Telecinco, Cuatro y LaSexta) emitieron 13 películas en horario de prime time —a partir de las nueve de la noche, más o menos—. De ellas, once eran estadounidenses, y de las dos restantes, una estaba protagonizada por Nicolas Cage y Hayden Christensen (Anakin en Star Wars II y III) y la otra era V3nganza, la de Liam Neeson, que no es estadounidense pero como si lo fuera. La elección ni siquiera se acaba de justificar por criterios de calidad, porque 6 de las 11 están suspensas en Filmaffinity, y esta semana la cosa va por el mismo camino. Por supuesto, he dejado intencionadamente fuera de la selección a La 2, que se luce cada semana. El sábado, por ejemplo, puso La vida de Adèle.

II. En febrero de este año intenté ver en algún cine Psiconautas, la película de animación de Alberto Vázquez y Pedro Rivero que ganó el Goya —si no los conoc��is, os recomiendo mucho su corto Sangre de Unicornio—. Solo estaba disponible en una sala de la provincia de Málaga y en un horario prohibitivo. De las 700 salas que hay en España, sólo podía encontrarse en 40. Y acababa de ganar el Goya. Os animo a buscar cines en los que no pongan hoy Wonder Woman.

III. La semana pasada, aprovechando la ola de calor, JotDown sacaba un listado con las películas que mejor han retratado la canícula. Como en el resto de continentes no hace calor, el periodista —que supongo que algo sabe de cine— debió recurrir a América, concretamente la del Norte, y entre las 15 películas destacadas coló 14 estadounidenses.

IV. Mientras escribo esto —miércoles 21 de junio— en las salas del cine Kinépolis de Madrid, el más grande de España y donde debería haber más variedad en la oferta, hay 18 salas operativas. En 14 están poniendo películas estadounidenses, entre ellas El bebé jefazo, que se estrenó en la primera mitad del mes. De abril.

V. Tengo a 19 amigos agregados en Filmaffinity, y allí puntuamos con más o menos regularidad las películas que vamos viendo. Cada uno de ellos —y son de lo más variopintos: desde uno que trabaja como crítico cinematográfico hasta otro que lo flipa con Kurosawa más que Leonor— ha visto más películas estadounidenses que del resto de países juntos. De hecho, dos tercios de lo que ven ha salido de EEUU. 

Podría seguir con la lista, pero creo que la idea se entiende y, además, hay datos oficiales que explican mejor lo que yo cuento. En España, más del 60% de la cuota de mercado está copada por producciones estadounidenses frente a algo menos del 20% de las nacionales y otro 20% del resto de países. Aunque en 2014 lo español tocó techo con un 25% —gracias sobre todo a Ocho apellidos vascos, pero también a El Niño, La isla mínima, Torrente 5…—, la situación está prácticamente igual que hace diez años, todo según los datos del Ministerio. España no estaría tan bien como Francia (40% de cine patrio frente a 45% de estadounidense) pero tampoco tan mal como Alemania (78% de cine estadounidense), según el Observatorio Europeo Audiovisual.

En 2016 sólo una película no estadounidense estaba en el top-6 de las más taquilleras de España. En 2015, lo mismo en el top-9. Y eso que estamos en plena explosión del cine español con peliculones como Que Dios nos perdone, Tarde para la ira y El hombre de las mil caras concentrados en el último año. Estas tres juntas han recaudado cinco millones; Mascotas, ella solita, casi 22. Lo único salvable de todo esto es que, al menos, las intrusas en ese ránking / festival de superproducciones estadounidenses son españolas y ocupan la primera posición (Ocho apellidos catalanes en 2015 y Un monstruo viene a verme en 2016).

Bustamante y Álvarez-Monzoncillo, catedráticos de la Complutense y la Rey Juan Carlos, observaban hace más de una década un “progresivo alejamiento de las series de ficción norteamericanas” del público español, que poco a poco estaba “llegando incluso a desplazarlas” de la primera línea en favor de las producciones nacionales. Y aunque en el caso concreto de las series en televisión en abierto puede haber sido así —hay quien ha seguido los últimos capítulos de Velvet como quien pierde a un hermano—, por cable y en Internet se da el fenómeno opuesto.

Las causas de esta presencia tan extendida de Estados Unidos en la industria son de lo más diversas y trascienden la capacidad de este artículo. Es difícil negar Hollywood es, por recursos y por historia, la mejor industria cinematográfica del mundo, que de esos estudios han salido genios como Scorsese y películas inolvidables, pero tampoco hay que olvidar que la práctica habitual de los grandes estudios es vender a las televisiones una película de primer nivel y añadir en el pack un puñado de mediocridades que acaban ocupando la parrilla. A esto se suma que rodar una película es mucho más caro que comprar los derechos de emisión de otra e incluso cierta inercia del público español —consumir mucho cine estadounidense acostumbra y casi produce rechazo salir de la zona de confort—.

El debate no hay que plantearlo como un España contra Estados Unidos que debe acabar en aniquilación del otro, ni siquiera en un todos contra Estados Unidos, sino en términos de riqueza. Hollywood da mucho, pero hay cine y muy bueno más allá de lo importado de América que tiene poco que ver con lo experimental y plomizo que uno se imagina cuando piensa en producciones europeas o cuando le hablan de “un autor lituano muy interesante”. El iraní Asghar Farhadi, por ejemplo, lleva dos Óscar a la mejor película en habla no inglesa y no sería raro que se llevara un par más. La Nueva ola rumana no tiene película mala, y son capaces de sumergirte en tensísimos dramones mientras te partes de risa por lo cutres que son. El griego Yorgos Lanthimos se inventa unas tramas loquísimas. El brasileño José Padilha, director de Narcos, tiene dos películas impresionantes sobre el tráfico de drogas en las favelas y la corrupción policial con el también protagonista de Narcos, Wagner Moura. Paolo Sorrentino, italiano, ahora de moda por The Young Pope, podría exponer en un museo cualquier fotograma de cualquiera de sus películas. Lars von Trier, danés, y David Cronenberg, canadiense, tienen dos de las mentes más perversas del cine y no dejan de parir maravillas. Argentina lleva una racha buenísima con Relatos salvajes, El clan y El ciudadano ilustre. En Irlanda se ha destapado, gracias a La habitación, Lenny Abrahamson…

Fotograma de 'L'arte della felicità' (Alessandro Rak, 2013) 🇮🇹

Se supone que en la era de internet los contenidos se han democratizado y cualquiera puede acceder a cualquier contenido al instante. Yo no lo tengo tan claro. Es sencillísimo conseguir en Bluray (pirata) cualquier mediometraje estadounidense de los años 50, pero no vas a encontrar con un mínimo de calidad ninguna de las películas que Holanda envía cada año a los Óscar, por ejemplo. Dentro de la legalidad, Netflix, Amazon y hasta HBO vienen a perpetuar la hegemonía norteamericana —sus modelos y sus costumbres, hasta su lenguaje, sus esquemas de pensamiento, cómo nos imaginamos un juicio o una cárcel o un periódico o una familia ideal—, aderezada sólo con alguna producción propia en cada país. La única que se sale del tiesto es Filmin, con un catálogo bastante amplio que agrupa casi todo lo que no sale de Hollywood. Yo he pagado dos meses y he regalado otros tres y no puedo estar más contento. He encontrado grandes películas españolas que no habría localizado de otra manera (Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen; Torremolinos 73, de Pablo Berger; El Mar, de Agustí Villaronga), he visto dos de mis documentales favoritos (Los increíbles, español, y Merci patron!, francés), he descubierto alguna cosa interesante de países a los que quizá no me habría asomado (Serbia, Croacia, Kosovo, Etiopía) y me he enamorado aun más del país de mi corazón, Rumanía.

P.D. Si he removido conciencias hasta el punto de que no sabéis por dónde empezar, propongo una recomendación neutra de uno de los autores que he mencionado: Nader y Simin, una separación, de Asghar Farhadi. En Madrid está disponible en 26 bibliotecas municipales, en Andalucía en 44 y cada provincia de España tendrá su buen puñado disponible.

[nuriaverde]

La creatividad según Don Draper en "Mad Men"

Lucía Blázquez, mi compañera en el programa de RTVE en el que trabajo, “Objetivo Igualdad”, lo podéis ver en RTVE Play, y yo estamos leyendo a la vez el libro “Libera tu magia” de Elizabeth Gilbert acerca de la creatividad. Luego lo comentamos. El otro día, en la comida de despedida de Andrés por su jubilación, al comentario de una compañera de que va a haber más escritores que lectores con un…