#canciones pegadizas del demonio: ella

[entropiasgift]

Tengo tres neuronas y dos son tontísimas

Me abren un rol que se titula:

Mi cerebro: "Y si miro al horizonte puedo ver como la olas pelean por tocar tu piel..."

Yo: Oh, oh...

Yo: FUUUUUU...

Mi cerebro: ¡TU PIEL MORENA SOBRE LA ARENA! ¡NADAS IGUAL QUE UNA SIRENA! ¡TU PELO SUELTO MOLDEA EL VIENTO! ¡CUANDO TE MIRO ME PONGO CONTENTO!

A ver, que para que entendáis lo terrible que es tener esto metido en la cabeza no me queda más remedio que extender el problema:

Lo siento muchísimo, pero si yo sufro, sufrimos todes.

[yarisamin]

𝐌𝐢 𝐇𝐢𝐬𝐭𝐨𝐫𝐢𝐚 𝐂𝐨𝐧 𝐞𝐥 𝐊-𝐏𝐨𝐩

Realmente escuché una canción Kpop a mediados del 2012, pero fue en realidad por la canción GANGNAM STYLE de PSY, que en ese momento ni sabía que era Kpop, yo solo la baile por moda y era pegadiza, porque negarlo, era pequeña, tenía 9 años, así que no le tome tanta importancia...

Y fue en realidad en el 2017, tenía 14 años, fue cuando entré a trabajar con una amiga de colegio, y a ella le gustaba el K-Pop junto a su hermana menor, y cuando iba a su casa, ella ponía a BTS y TWICE, y puso algunos más pero no recuerdo exactamente cuáles. Pero recuerdo que el primer video que vi fue el dance practice de Halloween de BTS de la canción 21st Century Girls, y realmente me gustó, me reí, pero no le di más importancia, no sentía todavía aquella "llamada".

Pero poco a poco, cada que iba a su casa ponía un video nuevo, ya después de 1 año, para el 2018, recuerdo que literalmente me obsesione, super loca por FAKE LOVE, y la escuchaba a cada segundo, pero no más, solo esa canción de BTS, en ese momento solo me aprendí el nombre de JK no me aprendí el de los demás. Pero, yo seguía escuchando de ellos debido a que mis amigas de promoción también eran fan de BTS, y hasta por videollamada me hicieron un unboxing del álbum MOTS: PERSONA y yo estaba como: "¿Que demonios me estan mostrando?".

No sabía que era realmente, solo que era un álbum y listo, pero ya cuando empezó la pandemia en mi país y fuimos a confinamiento, para el 2020, todos lo sabemos, me dije..."Vale, tengo tiempo y tendré 3 meses (que luego se hizo un año) en lo que tendré para investigar sobre BTS"

Me puse a buscar todo tipo de información para poder saber porque gustaba a todo el mundo, o al menos a la mitad de ellos y ellas, y de verdad entre solo por curiosidad, solo para saber, y al final, para Junio del mismo año, termine siendo ARMY.

Claramente me sentía mal porque llevaba muy poco tiempo con ellos y me maldecia por estar en el 2013 viendo a la Anna de Frozen que viendo el debut de BTS.

Fue en ese entonces, para junio, que se me abrió las puertas al K-Pop y no solo a mi, si no también a mí hermanita que se hizo fan de BP, y que luego mi mamá también se hizo fan de BTS.

Y esta es una mini historia de como ella se hizo fan.

Al principio, como toda madre, se le hizo super raro que me pusiera a escuchar a "los chinos esos" como ella los llamaba en ese entonces, ahora son sus "hijitos", pero bueno. Ella un día, después que le diera todas las razones por las que BTS había cambiado mi vida, como me había hecho sanar (cabe recalcar que el 2020 no había sido mi mejor año, y en realidad algunas partes de mi vida no lo habian sido) ella empezó a escuchar el transfondo de las canciones y sus significados, convirtiéndose poco a poco en ARMY. Aunque no son los unicos grupos, cada que yo le moestraba una canción a ella terminaba gustandoles, pero sus hijitos siempre seran BTS.

Ya para en aquel entonces otras canciones empezaron a aparecer en Youtube y las empecé a escuchar, siendo mi 2do grupo stan, los chicos de TXT con su video Run Away para agosto, pero lamentablemente ya tenían 1 año de debut cuando yo los empecé a escuchar, aunque eso no me impide amarlos muchisimo, porque sin duda son unos lindos chicos, super guapos y super tiernos.

Al poco tiempo, yo empecé a stanear a TWICE y a ITZY, me enamore de todas las chicas. La primera canción de TWICE, si no me equivoco fue LIKEY, y se me pego muchisimo; así mismo de ITZY fue Wannabe.

Casi para finales del año la MNET, junto con la HYBE sacaron un programa de supervivencia llamada "I-LAND" y cuando lo vi, me enamoré de muchos de los participantes, pero Sunoo era mi fav por lo tierno que se veía. En realidad me encariñe con todos y al poco tiempo estaba súper pegada junto a mi mamá viendo el programa, hasta la final de dónde salieron mis chiquitos de ENHYPEN. Realmente a los chicos les tengo un sumo cariño debido a que son el primer grupo que vi desde pre-debut, desde que eran pequeños y todavía me pongo a llorar cuando veo la final cuando todos cantan la canción final, hasta el corazón se me acelera, y cuando los veo en fotos, notando todo lo que han logrado y crecido, me siento como...no se, súper orgullosa y feliz, como una madre. Y cuando debutaron... Uffff, super emocionada.

Ese mismo noviembre conocí a los chicos de SKZ, y fue con la canción GOD'S MENU que quede impactada, realmente me gustaron, y el primero que me atrajo fue Jeongin, aunque los nombres de Feliz y Hyunjin ya me sonaba, al final y actualmente no puedo elegir, aunque Minho me esta haciendo ojitos.

Pero ya ingresando al 2021, seguí encontrando más grupos que me gustaron, y fue cuando llegó AESPA, para mayo del 2021, con la canción NEXT LEVEL que dije: "Aww estas chicas, que lindo cantan, voy a investigar quiénes son" fue cuando descubrí que estaba en la SM, y bueno. Las 4 chicas me parecen super lindas.

De la misma SM salió el grupo que me gustó, pero que había debutado hace 15 años...Sip...SUPER JUNIOR, me gustan ellos, no soy súper Stan porque realmente son 15 años que perdí, pero realmente me gustan. Y todo empezó con Eunhyuk o Hyukjae... y es que yo llegue a ver Weekly Idol y me dije: " Vaya que guapo es, voy a ver cómo se llama" y fue ahí cuando descubrí todo.

Estuve encontrando más grupos, y uno de los factores fueron los Doramas, en ese momento, que estaba viendo TRUE BEAUTY, y Chae Eunwoo estaba allí, y yo: "Que lindo chico" me puse también a investigar quien era, fue cuando descubrí que también estaba en un grupo, ASTRO pero para ese entonces no estaba teniendo tanto tiempo para hacer stan así que lo deje. Hasta... Otra vez, Weekly Idol, hubo un capítulo especial en el que aparecieron San Ha con Moonbin y Yo Han con Dong Ha y unos chicos de Cravity y bueno, me gustó y me dije: "Yo los staneo porque lo hago". Fue así como también llegue a ser AROHA

Del mismo modo, como ya mencioné, también habian aparecido Yo Han y Dong Ha, y fue que descubri que también estaban en el grupo WEi y... También me puse a stanearlos, realmente me gustaron, y no me sentí tan mal porque tenían poco tiempo de debut pero eran geniales, y fue con BYE BYE BYE con la canción la cual me enamore.

Todo en noviembre.

Fue del mismo momento, ya para diciembre, las chicas de IVE debutan y yo... Super emocionada, y si, también me enamoré de esas lindas chicas, aunque del mismo modo, sabia que Wooyoung y Yujin ya estaban en el ex-grupo IZ*ONE y que hbaia sido un gran grupo.

Ya para el 2022, seguí, pero con un grupo que había dejado atrás, debido a cantidad, proviniendo también de la SM... NCT.

Realmente quería hacerlo, pero quede impresionada al saber que podían llegar a ser hasta 40, pero me dije: "¿Cuando la cantidad te detuvo, mujer?". Actualmente todavía estoy aprendiendo sobre los chicos, que hay un camino súper largo por recorrer pero se que será bueno y hermoso.

Del mismo modo, hace nomás, unos pocos meses ATEEZ también conquistó mi corazón, y también estoy empezando a stanearlos, y aunque también me falta camino, me encantan, y como siempre, nunca puedo tener un bias porque siempre termino enamoradas de todos y todas.

Recientemente TEMPEST hizo su debut, y los ame, se veian super lindos, ademas son otro grupo que segui desde los comienzos y me gusta muchisimo.

Por el momento esos son los grupos que staneo, lo cual no significa que no escuche canciones de otros Boys o Girls groups, incluso de solistas.

Actualmente estoy en la espera de los chicos de HYBE JAPAN, el nombre temporal de mis chicos, los chicos de THE ORIGIN y los chicos de TNX.

Hasta ahora no me arrepiento de stanear a todos los grupos que mencione, se que no serán los únicos, que posiblemente abran más, pero mi corazón realmente está súper feliz con todos y todas mis decisiones.

Gracias!!

[sonyclasica]

JOSEPH TRAPANESE

BANDA SONORA ORIGINAL DE THE WITCHER: SEASON 2

Milan Records lanza hoy THE WITCHER: SEASON 2 (SOUNDTRACK FROM THE NETFLIX ORIGINAL SERIES), un álbum con la  música de la segunda temporada de la serie de fantasía épica de Netflix compuesta por el compositor JOSEPH TRAPANESE. Ya disponible, el álbum incluye la música original de Trapanese al igual que tres temas vocales adicionales del actor Joey Batey. Doble vinilo a la venta el 5 de agosto.

Consíguelo AQUÍ

La banda sonora llega tras el éxito masivo de la banda sonora de la temporada 1, que ha acumulado cerca de 300 millones de streams globales del álbum desde su lanzamiento. Además del lanzamiento digital de hoy, el álbum se publicará en formatos CD y vinilo en 2022: el CD estará disponible el 25 de febrero de 2022 y el vinilo llegará en una edición doble LP desplegable el 29 de julio de 2022. Resérvalo aquí. La segunda temporada de The Witcher se estrena hoy en Netflix; mírala aquí.

De la banda sonora, el compositor JOSEPH TRAPANESE dice: "Estoy encantado de poder compartir nuestra música y nuestras canciones de la temporada 2 de The Witcher con vosotros. Lauren Schmidt Hissrich, Steve Gaub, Kelly Luegenbiehl, y el equipo entero de Nexflix han sido increíblemente generosos con el tiempo y los consejos, presentándome el mundo que habían construido basándose en The Witcher de Andrzej Sapkowski, a la vez que me invitaron a compartir mi propia interpretación y mi propio lenguaje musical. Ha sido especialmente gratificante trabajar con Joey Batey, cuya representación de Jaskier se convirtió en una parte fundamental del proceso de composición de canciones, donde Joey también coescribe dos de las canciones con los guionistas y conmigo. Estoy muy contento y me siento muy orgulloso de poder compartir esta música contigo, y se siento muy agradecido a todo el equipo de Witcher y Netflix por apoyar nuestro trabajo y ayudarnos a superar los desafíos de los dos últimos años."

De su participación en los temas vocales de la banda sonora, el actor JOEY BATEY añade: "Jaskier se aleja de las melodías pegadizas que lo han hecho famoso en el Continente y ahora utiliza su talento como compositor para explorar sus propias emociones y su propia historia, algo que para mí ha supuesto un gran reto pero que también resultó muy divertido de hacer. Trabajar con Joe [Trapanese] ha sido toda una revelación. Tiene un talento increíble y me siento afortunado de haber participado en este proyecto".

 SOBRE THE WITCHER

Basada en la exitosa serie de libros de fantasía, THE WITCHER es una historia épica de azar y familia. La historia de tres destinos entrelazados de tres individuos en el vasto mundo del Continente, donde humanos, elfos, brujos, enanos y monstruos luchan por sobrevivir y prosperar, y donde el bien y el mal no son fáciles de identificar.

 SOBRE THE WITCHER TEMPORADA 2

Convencido de que Yennefer perdió la vida en la batalla de Sodden, Geralt of Rivia lleva a la princesa Cirilla al lugar más seguro que conoce, su casa de la infancia en Kaer Monhen.  Mientras los reyes, elfos, humanos y demonios del Continente luchan por la supremacía fuera de sus murallas, él debe proteger a la chica de algo mucho más peligroso: el misterioso poder que ella tiene dentro.

 CONECTA CON THE WITCHER

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 THE WITCHER: SEASON 2 (SOUNDTRACK FROM THE NETFLIX ORIGINAL SERIES)

TRACKLISTING –

1.       The Golden One – featuring Joey Batey

2.       Nilfgaard Attacks

3.       Nivellen

4.       Some Wounds Can't Be Healed

5.       Kaer Morhen

6.       Leshen

7.       Power and Purpose

8.       Aretuza Looses Another

9.       The Pendulum

10.    Witcher Training

11.    Myrapod Chase

12.    Stay With Me

13.    Who Did This to You

14.    The Key to the Future

15.    Done Dealing in Debts

16.    Burn Butcher Burn – featuring Joey Batey

17.    Remembering Cintra

18.    Elder Blood

19.    Chernobog

20.    Melitele

21.    Fire Fucker

22.    Whoreson Prison Blues – featuring Joey Batey  

23.    Sworn to Protect

24.    Elves' Allegiance

25.    I Believe in You

26.    Pain and Desperation

27.    Tell Me What You Want

28.    Basilisks

29.    We're Your Family

30.    You Belong With Us

31.    The Wild Hunt 

32.    The White Flame

 SOBRE JOSEPH TRAPANESE

Joseph Trapanese es conocido por su elegante trabajo musical para películas de éxito como Tron: Legacy, Straight Outta Compton, The Greatest Showman, Oblivion y la serie Raid. Como compositor, arreglista y productor de música para películas, televisión, teatro y videojuegos, ha colaborado con varios artistas musicales del mainstream. Se dio a conocer en 2010 cuando trabajó con Daft Punk en la famosa banda sonora de la nueva versión/secuela de Tron de Disney. Trapanese luego trabajó con Mike Shinoda de Linkin Park en la música del lanzamiento americano del film de artes marciales indonesias en 2011 The Raid: Redemption (continuaría sin Shinoda en 2014 con The Raid 2). Ese mismo año, colaboró con los arreglos de una serie de temas del primer éxito de M83 Hurry Up, We're Dreaming, que llevó a que el dúo colaborar posteriormente en la película épica de sci-fi de Tom Cruise de 2013, Oblivion. Para The Greatest Showman de 2017, Trapanese trabajó con Pasek & Paul and John Debney, produciendo canciones y colaborando con la composición de la música.  

Ha compuesto la música de Prisoners of the Ghostland (2021), Finding Ohana (2021), Spontaneous (2020), Project Power (2020), Lady and the Tramp (2019), Arctic (2019), Robin Hood (2018), Only the Brave (2017), el biopic de rap Straight Outta Compton (2015), Earth to Echo (2014), y para la segunda y tercera entrega de la serie  Divergent: Insurgent (2015) y Allegiant (2016). En cuanto a su trabajo para televisión, ha compuesto música para la serie de Netflix Shadow and Bone (2021), Unsolved (2018); Jean-Claude Van Johnson (2017) de Amazon; Quantico (2016-17) de ABC, Dead of Summer (2016) de Freeform, y Tron: Uprising (2012) de Disney XD.  Ha compuesto también música para videojuegos como Star Wars: Tales from the Galaxy’s Edge (2020) de ILMxLab, Need for Speed: Payback (2017) de EA y The Crew (2014) de Ubisoft.  

En el estudio y en directo, además de Daft Punk, Dr.  Dre, M83, y Mike Shinoda, ha trabajado con 3OH!3, Active Child, Alessia Cara, Aloe Blacc, Amon Tobin, Dia Frampton, Dierks Bentley, The Glitch Mob, Haim, Halsey, The Haxan Cloak, James Newton Howard, Janelle Monae, John Newman, Kelly Clarkson, Kendrick Lamar, Moby, S.  Carey, Sohn, Steven Price, White Sea, y Zedd. En su papel de director, ha actuado en The Hollywood Bowl y Central Park, al igual que con la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia, AUKSO Poland, y en numerosas agrupaciones de festivales y orquestas de Hollywood.

Nacido en Jersey City, Trapanese se graduó en Composición Clásica en la Manhattan School of Music. A continuación, estudió el máster en UCLA y enseñó composición de música electrónca en la escuela desde 2008 hasta 2011. En 2016, se convirtió en miembro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas.

En 2013, junto a un tenaz grupo de compositores, artistas y músicos, Trapanese fundó The Echo Society. Con el objetivo de inspirarse mutuamente y de inspirar a la comunidad que les rodea, el grupo crea e interpreta nueva música mostrando los talentos y entornos únicos de Los Ángeles.

[juliancallejo]

Feist: Pleasure (2017)

La primera vez que escuché Pleasure me sentí muy triste. La segunda contento. La tercera eufórico. Todas ellas, reconocí a esa reina mainstream del Indie que supo seducir a propios y extraños y que ha regresado por la puerta pequeña, con un disco enorme. Simple y genial, afilado y hermoso, como en su momento hizo Emiliana Torrini. Simplificando la factura sonora para sonar distinta.

Pero al contrario que la islandesa, Feist sigue siendo la misma. Pero seca, dura, un tanto despiadada. A lo mejor, por eso nombra y arranca su nuevo y ya casi inesperado disco con una canción que habla de la conexión y del sexo, de la generosidad y del egoísmo que hay cada vez que intercambiamos líquidos y chispazos. Entonces, te suelta una hostia emocional con un canto a la añoranza y a la frustración de las rupturas, las pérdidas, las putadas o como quiera llamarle cada quién. Una canción, I wish I didn’t miss you, que habla en blancos y en negros, y corta sin piedad. Que describe esa sensación de rechazo y de necesidad que, los que tenemos la estúpida manía de engancharnos a otros, sabemos perfectamente describir, con una base de cadencia pop que se va saturando de surrealismo y llega a encandilar como una tela de araña cubierta de rocío.

Get not high, get not low podría ser una consecuencia de esa suerte de parque de atracciones emocional en el que nos ha metido (en el que nos hemos metido, Feist es una lejana maestra de ceremonias) y apenas el principio de ese periplo por la inestabilidad emocional, tocada con frialdad precisa y un tono de desgana en algún momento, mezclando la nana con el Réquiem, y describiendo con sonidos la imprecisión de ciertas emociones, y su peso.

El consuelo llega con una canción sobre los sueños perdidos que podemos recuperar a cada momento. Una Feist escéptica que, por lo menos, deja abierta una puerta imposible a la esperanza. Aunque el solo de guitarra, el bajo como una invitación a la rave y la evasión (que casi seguro me estoy inventando) terminan por ser tan desconcertantes, tan dramáticos, dulces como el resto de Pleasure. Su título, Lost dreams

Any party, que casi parece un flashback, también suena algo más distinta a esa frialdad entre cruel y confortadora de los rasgueos de guitarra y la peculiar voz de la canadiense combinados, y que viene a ser lo que hemos oído hasta el momento. Parece un tema hijo del grunge, rabioso, grandioso. Y al final es una canción de amor tan frustrada, frustrante, como otras, con un final muy parecido al de My moon my man, con Feist literalmente huyendo en la noche de la canción, mientras un coche pasa con los acordes de Pleasure sonando a todo volumen.

Y A man is not his song, que trae al presente la Feist de los comienzos, cuando lanzó Let It Die, viene a decirnos que, a pesar de todo, esto, todo, cualquier disco, cualquier canción es una mentira. Que la música decora y que nosotros vemos lo que queremos (sin parar en el hecho que habla de un hombre, no una mujer, y de atar una relación directa entre la persona su obra: con todo lo que implica la elección del género y el cierre guitarrero. Tal vez un dardo a la testosterona musical, tal vez algo más genérico e impreciso).

Y tal vez, por eso The wind, la siguiente, suena tan bonita como mentirosa. Una canción a la que se le ve el mecanismo funcionando con precisión. Una miniatura pop melancólica que podría acumular números uno y remezclas cool (ya hay algún coqueteo con al electrónica y alguna alusión a esa ya descartada Feist estupenda de la que nos acordamos todos.

Century parece una repetición de Pleasure pero dándole la vuelta, haciéndola carnal y pegadiza y quitándole ese tono de balada Metal y maquinal. Mucho más sencilla, parece que está en esa parte del disco en que deciden dejar de darle aguijonazos al oyente, y comienzan con las canciones bonitas. En directo podría convertirse en uno de esos himnos que marcan una noche.

Baby be simple podría ser el cierre perfecto. Delicada, suena a nana para calmar los demonios que bullen en todas direcciones. Aunque no haya mucha paz en la letra, pero sí cierto consuelo en el tono. O más bien una suerte de advertencia, contra todo lo que hemos tenido que pasar, escuchando la colección de canciones, rememorando los momentos, rascando de nuevo las marcas rojizas de la piel. Todo va a ir bien pero intenta calmarte la próxima vez…

En susurros, sienta mejor.

I’m not running away habla de la dependencia sentimental. Sin embargo, lo hace desde el blues, tomando y lanzando como serpentina todos los clichés del género, y casi se escucha como una canción-plantilla de la que engancharse sin complicar demasiado las emociones. Por otro lado, es -nuevamente- aquella Feist, la de Let it Die.

Young up es la advertencia final: después de esto llega la madurez, muere la ingenuidad, dejamos de ser jóvenes. El Punk desaparece pero, me temo, regresaremos a Pleasure, con nuestro cuerpo envejecido, sintiendo el mismo dolor, de la misma manera, como la sorpresa final: para ciertas cosas, no hay sabiduría. ¡Ta-chán!

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[ARTÍCULO] |21.10.2017| ART+MARKETING: La Filosofía de BTS: K-pop, Arte Pop y el Arte del Capitalismo.

Lo admito, pensé que Gangnam Style era pegadiza, pero nunca le di una oportunidad al K-pop, más allá de eso. Esto parece estar fuera de mi campo. Soy demasiado mayor y occidental. Amo la música pop, pero soy demasiado selectiva cuando se trata de aburridas cosas como la producción.

Pero luego BTS apareció en mi radar y con el empujoncito de un amigo mi transformación ocurrió en tres pasos.

Paso uno: La línea de baile. Soy una ex bailarina que llora con el ballet y termina cayendo en un sin fin de vídeos donde miro breakdance de los ochentas por horas. (Por cierto, Beat Street aún se mantiene, pero hablaremos de eso más adelante.)

•J-Hope, el bailarín principal de BTS es un maestro del popping (estilo de baile) y aislamiento. Él combina esa suavidad con Hip Hop y estilo libre, incluso puede bailar con su cara. J-Hope podría trapear el piso de Entonces, ¿Crees qué puedes bailar?.

•Jimin, es un calificado bailarín contemporáneo y él tiene algunos de los más fluidos bailes de Hip Hop con las líneas más limpias que yo he visto jamás.

•JungKook, quien está calificado en Taekwondo, tiene un elegante poder detrás de su baile y lo que parece ser un pozo de energía sin fondo.

•Los cuatro miembros restantes (Jin, Suga, RM y V) también bailan las complejas coreografías de BTS y sin parecer perdedores. Es como mirar a un equipo de baile, solo que también cantan y rapean bien.  

Paso dos: El video “DNA”. El vídeo para “DNA”, el primer sencillo del último comeback, y es tan atractivo visualmente que mirarlo es como tomar un día feriado. Su coreografía es atractiva y el arte en su vídeo es como Happy love child de Takashi Murakami y la máquina de Pinball. Es un recordatorio de que el arte no tiene por qué ser obscura, y que algunas veces viene de la alegría. (Además los siete miembros son tan ridículamente guapos que lastima.)

Créditos: BigHit Entertainment

Paso tres: Hermman Hesse. ¿Qué tiene que ver Hermman Hesse con BTS? Bueno, su líder, NamJoon (RM) quien aprendió inglés por sí mismo hasta el punto de la fluidez, lee líneas del libro de Hermmna Hesse, Demian, al inicio de pequeños cortos de una de las series de la banda, que corresponde a las canciones en solitario de los siete miembros en su álbum Wings/ You Never Walk Alone. Las canciones del showcase, siete diferentes estilos de siete diferentes personas; de alguna forma están unidas. Los cortos por si mismos son oscuros y dan mucho que pensar (mucho más que sus vídeos musicales más narrativos) y el vídeo para “Blood, Sweat and Tears” es más disfrutable para mí que las últimas tres películas de Christopher Nolan que vi. (Yo probablemente podría escribir un reporte académico de Nietzche, el existencialismo y el vídeo de “Blood, Sweat and Tears.”) Esto no es solo Hip Hop americano que roba el crédito de otros o que habla solo de sexo. Esto es arte. Es una experiencia envolvente que va más allá de la música.

Esto es un aspecto existencial para muchas de las canciones e imágenes de BTS, incluso las alegres canciones de amor. Ellos sostienen que la vida es fugaz y que tú puedes estar capturado por el mundo o por tus propios demonios, pero algunas veces todavía puedes sentir la libertad. NamJoon y J-Hope recientemente dijeron en una entrevista que su música expresa los sentimientos de los jóvenes en su adolescencia y sus veintes, como lo son todos los miembros. Pero en mis treintas la identidad no viene de forma fácil para mí. Yo todavía estoy tratando de averiguar la misma mierda que cuando yo era adolescente. Mi vida adulta entera ha sido gastada, tratando de recuperar el sentido de alegría y pensamientos positivos que sentí en mi juventud y perdí miserablemente. Desafortunadamente para hacer eso se requiere negación y yo estoy estancada entre ser miserablemente horrorizada por el mundo cuanto más aprendo de él, y tratar de conciliar como vivir de acuerdo con lo que creo en lugar de la indiferencia del mundo.

En una canción en solitario, producida al inicio de este año, NamJoon escribió: “Yo vivo para entender el mundo/ ¿Por qué el mundo nunca trató de comprenderme?” y ese es exactamente mi mantra de todos los días.

Si un grupo de Kpop escribe en un lenguaje que yo no entiendo, puede conseguir llevarme a la reflexión/ crisis existencial, tal vez hay algo más profundo aquí que lo que aparece en la superficie y puede ser mostrado, y lo poco que puede ser mostrado por la cultura o celebridad–Lo que un teórico critico llamaría una máquina de entretenimiento– que explota la profundidad de las carteras de cualquiera con poder adquisitivo y da a los jóvenes impresionables expectativas poco realistas para la vida, el amor y la belleza. 

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Todo el genero del K-pop, incluyendo a BTS, sigue siendo un poco problemático.

Si quieres ganar dinero como artista de cualquier género, tienes que aceptar ser explotado. A menudo se escucha desdeñosamente hablar sobre el  “Agotamiento”, pero no puede ser razonable esperar a mantenerse vivo en un sistema capitalista a menos de que sea agotado de alguna forma.

BTS escribe y produce la mayoría de sus canciones con un poco de ayuda, pero sus nombres aparecen en todos los créditos. Esto es aparentemente muy raro para un grupo de K-pop, pero da una muestra de esquiva autenticidad que los artistas buscan. Quiero decir, Suga escribió la canción “First Love” sobre su piano. Además de los temas existenciales (Aparentemente también raro para el K-pop — Escuche a otros grupos mientras escribía esto, y hasta ahora solo algunas canciones de Got7 hicieron click en mi), existe una conciencia de BTS en la música pop, especialmente en la música pop de Occidente, que a menudo no tiene, haciendo gran parte de ella genérica y redundante. Pero BTS sabe que son ídolos famosos del pop, y no se disculpan por ello ni fingen que no lo son. Y tal vez es un esfuerzo sin sentido, pero también lo es todo.

Ser un ídolo del K-pop no solo es música y baile. BTS filma mucho, los vídeos tras bastidores, programas de variedades, son estrellas invitadas en programas de entrevistas e incluso recuerdan los desafíos de Road Rules.

En la imagen: BTS Gayo. Créditos: BigHit Entertainment.

También tienen presencia en los medios sociales, selfies, transmisiones en vivo, tweets —BTS ofrece mucho contenido gratis a sus fans, y es así como lograron un público internacional (Para un Estadounidense, es abrumador). La firma con los fans también es importante para conectar con ellos. El truco es hacer que todos los fans se sientan amados y que forman parte de algo. Existe una diferencia cultural en la que BTS llama a sus fans, ARMYs. La cultura de los fan en Estados Unidos es generalmente poco interactiva. Sin embargo, creemos que las celebridades se deben a nosotros, pero tendemos a quitárselos con medidas invasivas e intrusión a sus vidas personales.

Ser un ídolo del K-pop actualmente es ser un ídolo, una imagen creada para ser adorada. BTS a veces se refieren a sus “Personajes”, significa que incluso aun cuando actúan como ellos mismos, son conscientes de que están siendo filmados vendiendo un personaje. Algunos de sus vídeo-contenidos se sienten como un reality show, excepto que a diferencia de los reality shows de Estados Unidos, éstos no pretenden que no están frente a la cámara.

Realmente no se pueden “Vender” una estrella de K-pop, porque ya son un objeto de venta. Y si la persona que vendes está cerca de su personalidad real, lo que parecer ser para BTS una personalidad natural en su música, entonces tal vez haya respondido la pregunta, ¿Es arte en las estrellas del pop?.

No pensé que ser estrella autentica de pop fuera posible, porque tienes que ser una persona autentica o sólo ser una persona — real, vulnerable y apuntada —pero BTS de alguna forma logra hacerlo de una manera increíble. Es casi como si estuvieran viviendo, respirando el arte en cada presentación.

El arte ha sido una mercancía durante siglos, y el debate continua sobre lo que cuenta. No estoy seguro de que sea algo menos sublime si también tiene una etiqueta con el precio. Nada en el mundo puede compararse con estar parado sobre una montaña, pero mirar la locura de Francis Bacon o los trágicos y hermoso murales de Murakami también es bueno. No es difícil adivinar que soy un fanático de Andy Warhol. Una de mis series de obras de arte favoritas son sus Screen Tests, donde primero filmo los rostros de las personas, luego redujo la velocidad a 16 fotogramas por segundo, durante dos minutos y medios mirando solo a la cámara.

Cuando se trata de música, y sé que esto es un reclamo impugnado, para mí una buena canción es una buena canción, ya sea escrita por Paul y John en un cementerio, o por un equipo de compositores suecos cuyos nombres jamás sabrás, o un grupo de productores coreanos. Todo lo que amo de alguna forma está contaminado por el capitalismo, e incluso Paul McCartney dijo: “John y yo, literalmente solíamos sentarnos y decir ‘Ahora vamos a escribir a un piscina’”. Y Paul McCartney es uno de los mejores compositores de la historia.

Me alegra que algunas personas se ganen la vida cantando, escribiendo y actuando. A veces me pregunto cuánto de bueno del arte, la música y el cine no nos será compartido porque los brillantes creadores tienen que trabajar de nueve a cinco para mantener un techo sobre su cabeza. Puede que no sea justo que tengamos que pagar dinero por la experiencia en la que no tenemos tiempo porque debemos trabajar 40 horas a la semana para recibir un cheque con nuestro pago. Pero así es como la mayoría de nosotros nos relacionamos con el arte. Tengo que tomar lo que se pueda.

En el capitalismo, todos intentan ganar dinero a través de usted, incluso las leyes que tenemos que seguir probablemente fueron compradas por un lobby. La naranja cargada de culpas que vino a mitad del verano desde Sudáfrica para ser pintada de naranja. El daño ambiental para enviarla es tan atroz, tanto como estoy seguro de la minúscula cantidad que se le pagó al agricultor de naranjas, para una enorme tienda de comestibles en Estados Unidos pueda incrementar el precio a los consumidores pero no pagar un salario digno a sus empleados.

Es difícil disfrutar de algo en pleno siglo XXI. Entonces, ¿Por qué no puedo disfrutar de una cosa auténticamente artificial?.

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Pero no solo es el capitalismo lo que me hace ser escéptico del K-pop.

La globalización ha abierto el mundo, para bien o para mal, y tenemos que enfrentarlo.

Uno de los beneficios del capitalismo global es el intercambio cultural y la exposición a perspectivas nuevas y diversas del mundo. La diversidad a menudo se refiere a la representación, que es importante socialmente, pero la diversidad de las perspectivas de una multitud de experiencias también es epistémicamente importante, porque aumenta nuestro conocimiento y nos ayuda a comprender mejor la verdad del mundo.

El problema es que muchas veces parece que en Occidente está forzando su cultura hacia el Este y el mundo “En desarrollo”. Usted ve esto con la ubicuidad de McDonald’s, Coca-Cola y Elvis Presley (Aún en 2017, destacable considerando que jamás debuto fuera de Norteamérica y murió antes de que internet existiera). El imperialismo se convirtió en una forma perfecta para que los capitalistas explotaran a las personas que colonizaban. El capitalismo tiene como objetivo elevar a la clase campesina lo suficiente para que sigan teniendo dinero, en su país y el extranjero. (Y cuando las cosas no lucen rentables en la distancia, simplemente, Estados Unidos entra en guerra con ellas).

El K-pop es criticado por ser un apropiación cultural, y eso vale la pena ser investigado.

Algunas apropiaciones generalmente las consideramos como formas aceptables de intercambio cultural, como comer humus o sushi. La comida no es una mala forma de apropiación: la comida es una de las mejores formas de compartir su cultura con otras personas. Pero incluso esto es dudoso cuando hay restaurantes en Estados Unidos siendo dirigidos por personas blancas que cobran precios exorbitantes para comer comida japonesa callejera, o personas blancas que ponen manzanas en recetas de guacamole. Por favor, dejen de hacer esto, es ofensivo para el buen gusto.

La danza es otro vehículo para el intercambio cultural. No pensamos en el ballet como algo propio, porque se realiza en todo el mundo. La mayoría de las personas no saben que se originó en el Renacimiento italiano a pesar del uso de los términos franceses y el bueno dominio de los rusos. Lo que pasa con la danza es que todos tenemos un cuerpo y nos expresamos sin palabras a través de ellos, lo que hace que la danza sea tan emocional, humana y universal como lo es comer. Pero también existen líneas ahí. No se apropiarían de una danza sagrada o litúrgica y la empaquetarían, pero está bien que se pueda apreciar la complejidad y la precisión de una danza de Bollywood  o que Alex Collins, un jugador de fútbol, haya aprendido un baile irlandés para mejorar su trabajo de pies.

La música, sin embargo, puede ser apropiada. La música, especialmente la música popular, generalmente está protegida por derechos de autor, otra característica del capitalismo que está dejando su huella. El intercambio gratuito no es posible aquí desde el inicio. Las líneas sociales y culturales que dibujamos en la música popular son muy polémicas. ¿Fue una apropiación cuando Joe Strummer usó riffs de reggae en las canciones de Clash? Probablemente. Era un DJ llamado Don Letts tocando música reggae entre los sets de punk de The Roxy que era responsable de la influencia del reggae en la música rock británica. Letts también presentó a Bob Marley al punk británico. Es por eso que existe el Afro-punk, pero ¿Finalmente no es algo bueno? Claro, los popurrís con pósters de Bob Marley en la pared son flojos, y con cualquiera debería salir y comenzar una banda de reggae, pero si usas un tambor d acero en “Jane Says”, para mí eso estaría bien.

Don Letts y Joe Strummer. Fuente.

El problema es que el K-pop involucra rap y hip-hop, una subcultura que generalmente se cree que se originó en el Bronx en la década de 1970 con un grupo de socialistas puertorriqueños que lanzaron fiestas de barrió con el objetivo parcial en mente para romper barreras sociales. De este movimiento surgieron el Beatboxing, DJing, breakdancing, Street art, y se extendió por todo el mundo. La película Beat Street fue incluso influyente en Alemania Oriental durante la década de 1980, precisamente por los fundamentos políticos sobre los males del capitalismo. El hip-hop es a menudo político (Ver la reciente respuesta de Questlove a Keith Olbermann), y hay algo universal en las críticas al capitalismo y en los himnos contra la opresión.

Corea ciertamente tiene la historia de ser explotada, particularmente en el siglo XX, primero por el Japón Imperial (Léase sobre la comodidad de las mujeres coreanas en algún momento). Luego se dividió como una víctima de la Guerra Fría entre la URSS y Estados Unidos, lo que condujo a la Guerra de Corea, después de lo cual, Estados unidos respaldó los regímenes autoritarios de Corea del Sur por sobre los democráticos. Corea del Sur no se convirtió en una democracia sino hasta los años 80. Entonces, tal vez los creadores del K-pop moderno, que crecieron en los años 80 durante la transición a la democracia, entendieron la explotación a un nivel donde les habló el hip-hop.

El rap surgió del hip-hop (Por supuesto, los precursores del rap se remontan al antiguo Egipto y a los griots del Oeste de África), sin embargo, no es solo un estilo de música. No se puede hablar de rap sin reconocer que tiene una historia particular en Estados Unidos  que viene en parte con la misma sociedad que fetichista la cultura negra a las vez que la silencia, explota, deshumaniza y mata. El capitalismo hace que el rap sea algo interesante, porque gran parte de el se comercializa en adolescente blancos (Una gran parte del mercado que compra música), y por eso está empaquetado con una imagen estereotípica hipermasculina particular que no refleja necesariamente su contenido.

Es bastante seguro decir que el rap generalmente no está escrito pensando en mí, una mujer blanca de unos 30 años, pero que sí la disfruto un poco. No es sorprendente, que el hip-hop y el rap me agrade que sea político, y tengo un amor inexplicable pero eterno por el Dr. Dre. (Escribí una parte importante de mi disertación doctoral para The Chronic 2001, que en teoría es un álbum que no me gustara para la misoginia sola). Recibo más de mi música política y de protesta por mis tendencias punk y folk, pero el rap es otra manera de expresar esos temas, generalmente desde el punto de vista de una persona con experiencias de la vida muy distintas a las mías. Pero eso es lo que me ayuda a entender nuevas perspectivas. Ese era el objetivo principia del hip-hop, dar una voz a esas silenciadas.

Hay líneas obvias que no deben cruzarse, como cuando algo es racista y explota los estereotipos raciales. Cuando el estilo se copia sin crédito o colaboración, eso es un problema, la definición propia de apropiación. El uso de miradas y estilos que son robados y manipulados por personas blancas como otra forma de vigilar a personas negras es francamente muy ofensivo. (O, por ejemplo, cuando ve la vestimenta de una cultura diferente, especialmente una que ha sido víctima de genocidio, y piensa que es “bonita” y como mujer blanca comienza a usar tocados de plumas y dashikis en Coachella). Cuando tomas algo, ganas dinero con él, y luego de alguna forma insulta o deshumaniza a aquellos a quienes se les robó es donde realmente sale todo mal.

A menudo son las estrellas femeninas del pop blanco las culpables de esto cuando intentan imitar a cantantes, raperos, intérpretes y estilos negros, pero terminan perdiendo el sentido, hipersexualizandose a sí mismos y luego llamándola como una “Fase de niña mala”. Luego las toman en la mira como si fuera un disfraz desconocido, donde es un privilegio dado el modo en que una sociedad sexualiza injustamente a las mujeres negras. 

No creo que el K-pop supere todas las pruebas, porque, por lo que he visto, parece existir casi una fetichización a la cultura estadounidense negra— por el amor de Dios, que deje de poner trenzas y rastas a los ídolos de K-pop (Y alguien por favor, queme el sombrero con trenzas que se pone J-Hope de BTS. Es culturalmente insensible, me parece ridículo y está matando mi prejuicio)*. Sentirse inspirado por la música, la moda o una respuesta cultural a la opresión no tiene porqué terminar en mimetismo y fetichización.

Probablemente sea injusto esperar que la gente del otro lado del mundo tenga una idea completa de la historia del racismo contra los negros en el curso de Estados Unidos. La mayoría de los blancos en Estados Unidos ni siquiera admiten que existe un racismo sistémico. Pero es algo que uno pensaría que el mundo del K-pop debería ser capaz de entender, dada la fetichización de los cuerpos de las mujeres del Este Asiático en Occidente, cómo la industria del entretenimiento de Occidente muestra a los actores asiáticos como los malos con habilidades en artes marciales y blanquea historias que se originó en lugares como Japón y Corea. O cómo la gente de Occidente agrupa a todas las culturas de Asia oriental y sudoriental. Pero, de nuevo, hay un gran problema de colorismo en, bueno, la mayoría de las partes del mundo, incluida Asia (Que generalmente es solo otra manera de vigilar los cuerpos de las mujeres en particular), así que es dudoso para mí.

BTS inició principalmente como un grupo de hip-hop, aunque ahora son una sólida mezcla de cantantes y raperos y su sonido es más del género cruzado. Por lo que puedo decir, sus raperos son realmente buenos. Asumo que son aún más impresionantes si uno habla coreano. RM es un poeta, que ha colaborado con Wale, Warren G, Krizz Kaliko y tanto la velocidad como el ritmo de Suga y J-Hope me parecen humanamente imposibles. Pero su estilo visual inicial fue genérico, el estilo faux gangsta estadounidense que no creo que haya sido usado por nadie en una pandilla real por pura impracticabilidad —Ya sabes, Busta Rhymes con un toque de Scarface (Que es la fetichización de la mafia/crimen organizado y tiene mucho que ver con la tóxica masculinidad, donde superponen tantas subculturas). Hay una serie de vídeos donde realmente BTS fue a Los Ángeles para aprender sobre el rap de la Costa Oeste, pero otra parte de las batallas de baile, es demasiado vergonzoso para mi poderla ver.

También hay elementos claramente coreanos para el K-pop, incluido BTS. Y Bang Shi-Hyuk, que encontró a BTS, ha dicho que nunca le gustaría que BTS haga canciones completamente en inglés para atraer el mercado internacional. Sin embargo, otros grupos de K-pop, explícitamente intentan incluir a miembros que no son coreanos para tener un atractivo internacional más amplio. El estilo musical del K-pop es una mezcla de hip-hop/rap, electrónica/EDM, R&B, rock, clásica, e incluso música tradicional coreana. Esto suena como un desastre, pero funciona —toda la música comienza desde los mismo bloques de construcción básicos. Y en el fondo de todo, la historia de la música contemporánea es una historia entrelazada que se le debe tanto a Edouard-Leon Scott, Thomas Edison y Emile Berliner como a cualquiera.

Una cosa que a menudo me pregunto es si podríamos hablar de apropiación si la gente no gana mucho dinero con eso. La apropiación ocurre dentro de Estados Unidos, de culturas negras, culturas latinoamericanas, culturas indígenas, culturas asiáticas, o lo que sea. Es una marca de imperialismo, colonialismo, vigilancia y guetoización. Y con el capitalismo global/transnacional ahora todo podemos apropiarnos a todos en todas partes.

La cuestión es que no hay vuelta atrás en la globalización. No podemos borrar el colonialismo. Tenemos que compartir el mundo con personas que tienen diferentes antecedentes culturales. Entonces, a menos que queramos aislarnos, tenemos que tener formas aceptables de intercambio cultural. Los humanos se mueven, migra, son invadidos. La cultura se extiende, en cierto modo, más siniestras que otras cosas. Los futuros distópicos a menudo retratan culturas homogeneizadas, pero rara vez se sumergen en cómo ocurrió esa homogeneización (No hay demagogo más grande que le omnipotente dólar).

El Occidente empuja su cultura y economía hacia los demás, pero también toma cosas como el yoga, el Budismo, los dichos de Confucio, incluso el conocimiento popular de las plantas medicinales, y lo convierte en algo por lo que debas pagar. Explota a personas en todos los rincones del mundo. Y todo esto es asqueroso, porque gracias al capitalismo la riqueza se mantiene en manos de unos pocos. Los fabricantes, vendedores y propietarios de la cultura popular son en su mayoría blancos, y la blancura domina injustamente todo hasta el punto en el que tenemos que hablar de cualquier otra cosa como una subcultura a pesar de que los blancos occidentales son minoritarios.

La relación de la música con todo esto es complicada. ¿Es la apropiación de K-pop? Sí. ¿Pero Occidente se forzó a hacer lo mismo en Corea? Definitivamente.

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K-pop es claramente una invención capitalista. No es solo música, es una experiencia visual y multimedia. Estás comprando un paquete cuidadosamente diseñado por un equipo de coreógrafos, diseñadores, estilistas y maquilladores. El "Regreso" del K-pop es una reinvención de un look tanto como cualquier otra cosa.

Si miras demasiado de cerca, verás el impacto de los estándares de belleza imposibles y la sobrevaluación de la imagen corporal (La imagen de BTS, refrescantemente, no es hipermasculina, al menos no para los estándares occidentales, aunque todavía no estoy seguro de cómo me siento al respecto con los grupos de chicas K-pop, que en una mirada superficial, parecen hipersexualizadas e infatilizadas, más allá de aegyo). Los estándares de belleza y cuerpo han depredado al capitalismo, pero la obsesión siempre parece aparecer históricamente entre los ricos y los aburridos.

La característica estándar del capitalismo es la explotación, lo que claramente es el K-pop. El concepto de celebridad en cualquier lugar del mundo es la explotación, al igual que el trabajo asalariado, la subcontratación y las leyes de protección ambiental. Estoy bastante segura de que ser un ídolo del K-pop viola las leyes laborales coreanas. Pero parece ser voluntario, y los ídolos y las celebridades ganan mucho dinero, así que permiten que suceda en Corea como lo hacemos en Occidente. Incluso tienen instalaciones de entrenamiento para futuros ídolos. BTS está bajo BigHit Entertainment, una pequeña (Aunque ahora extremadamente rica) compañía de entretenimiento en comparación con las principales fábricas de éxito que representan a otros grupos.

Pero puedes darte cuenta cuánto y qué tan duro trabajan los miembros de BTS. Hay vídeos detrás de las escenas de bailes que aprenden, practican y perfeccionan para un pequeño segmento en un programa de televisión. Suga y RM, que producen mucha música, básicamente viven en sus estudios. Cada uno de ellos escudriña todos los aspectos de sus presentaciones. Todos hablan regularmente sobre cómo necesitan trabajar más duro. Hablan de querer mantener a sus ARMY’s felices.

Usan ropa de diseñador (Demasiado Gucci). Ellos protagonizan anuncios publicitarios. Hay mercancía BTS oficial, múltiples versiones de cada álbum, ropa, pósters, etc. Hacen sold-out en arenas. Están ganando mucho dinero, y su base de fans parece relativamente joven e impresionable, y probablemente sin ingresos disponibles. Parece un poco menos escandaloso que en los Estados Unidos, ya que aparentemente las entradas para conciertos en Corea son baratas, y BTS realmente ofrece mucho contenido para los fans, totalmente gratis.

Sin embargo, te preguntas cuál es el final del juego para los productores de K-pop.

El verdadero problema con el capitalismo es que, si bien ha aumentado el nivel de vida de muchas personas, también ha cambiado irrevocablemente la forma de vida de otros, explotando al Sur global, destruyendo los medios de subsistencia y creando un ambiente inhabitable a su paso. El capitalismo prospera con la opresión. La verdad es, que una clase [social] campesina necesita una clase trabajadora para prosperar; y cosas como la raza, el género y las instituciones sociales con largas historias de opresión, permiten esta división. Las consecuencias del crecimiento desenfrenado del capital no son equitativas. La “Economía del goteo” fue una frase utilizada por primera vez como una broma, porque es realmente una. Y la creciente brecha en la desigualdad de la riqueza y los ingresos, es otra herramienta utilizada para oprimir a amplias franjas de la población mientras se les vende la mentira de que ellos también pueden enriquecerse en el mercado libre si lo “Merecen”.

A veces pienso que la cultura pop es un sedante, que se usa para hacernos consumidores dóciles. Para hacernos un vehículo para publicidad. Una forma de hacernos lo suficientemente cómodos como para no luchar contra todas las formas en que nosotros, los plebeyos, estamos siendo arruinados. Pero la cultura pop también une, extrañamente.

Y sigue siendo arte para mí de la misma forma que Warhol convirtió las latas de sopa en arte. Hay un elemento de burla incrustado en él. Pero a veces nos burlamos de la superficialidad como si todo no fuera una fabricación completa de por sí. Cuando las personas dicen que no les gusta la música pop o sólo escuchan jazz de forma libre, me pregunto por qué esas fueron las líneas que ellos decidieron dibujar.

Nosotros mismos somos productos, productos del capitalismo, productos culturales conformados por categorías de identidad que otras personas idearon y pusieron para nosotros. Nos dicen quiénes somos por la forma en que somos tratados. Desconcierta a las personas cuando su concepto de identidad se vuelve frágil. Pero también nos dicen que hay un yo auténtico debajo de todo. Demian estaba a punto de destruir el mundo de la ilusión que otras personas han construido para ti, pero el verdadero truco es que no puedes. La única forma de conocerme realmente sería gatear dentro de mí, pero incluso entonces no creo que puedas obtener una respuesta. Filtramos todo a través de tantos estándares, normas e ideas que fuimos socializados para tomar como verdad. No estoy muy segura de quién soy, lo que represento, y si estoy aún con vida – y todos esos pensamientos es durante un buen día.

El capitalismo me encuentra rutinariamente preguntando “¿Es real o no?”, aunque estoy bastante segura de que la respuesta es siempre “bueno, sí y no”. Cuando tenía 18 años, pasé por mi fase de “Mierda” donde podría tomar cualquier cosa en el mundo entero, incluidos los fenómenos naturales, y decirte por qué era una mierda. Todavía soy bastante buena para arruinar cosas que la gente disfruta. Lo único que realmente me dejó perpleja fueron los árboles (Excepto los árboles de Navidad, los árboles de Navidad son una mierda, los amo. Pero son una mierda) y el calamar gigante.

Pero no es que simplemente sea una gilipollas o un Debbie Downer, es que he estado en una búsqueda para encontrar algo significativo toda mi vida, y lo único que he encontrado fuera de la naturaleza es bailar, Wilco , las escrituras de Bell Hooks y Kafka, y aparentemente la flagrante artificialidad del arte pop y la música pop. 

Sí, me gustaría desmantelar el capitalismo global y abolir el concepto obsoleto del estado-nación y las estructuras opresivas que lo acompañan, y sacrificaría la cultura pop para hacerlo. Pero tampoco puedo negar que la cultura popular, las redes sociales, las novelas, la música, la danza, me han abierto mundos y me han expuesto a diferentes personas y perspectivas, y me han convertido en una persona mejor y más inteligente. Al final del día, BTS me hace feliz.

Entonces, de nuevo, tal vez no lo haría.

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*En caso de que haya alguien leyendo esto que quiera decir “Pero… pero… los antiguos griegos usaban trenzas” sobre esto. Si, si lo hicieron. Pero los negros en Estados Unidos pueden ser despedidos o expulsados de las escuelas por tener rastas o trenzas según los códigos de vestimenta de las compañías o escuelas porque la sociedad sigue controlando sus cuerpos llamándolos “Matones”. Así que invocar a los antiguos no es un argumento valido aquí.*

Fuente: ART+Marketing

Traducción Esp.: Bulletproof Support.

[trastornadosrevista]

Rock en Baradero Día 2: Lluvia y locura en Baradero ¿Como no te va a gustar?

Luego de un primer día muy positivo, las noticias de que podría llegar a desatarse una gran tormenta no lograron evitar que una multitud acudiese al segundo día del Rock En Baradero. Con bandas como Las Pelotas y No Te Va Gustar encabezando el cartel, era imposible imaginar siquiera un poco de espacio para caminar dentro del Anfiteatro Municipal. Del dicho al hecho, además de una lluvia torrencial que apenas dio tregua cerca de las 2 de la madrugada del domingo, el predio estuvo colapsado por la impresionante cantidad de personas que se acercó a disfrutar de una jornada que por momentos tuvo tintes épicos gracias a ese condimento siempre ambivalente que es la lluvia torrencial.

Pasadas las dos de la tarde, una gran nube negra terminó de confirmar que no iba a ser una jornada normal en Baradero. El diluvio fue brutal desde el primer momento y hasta hizo complicado el poder llegar al anfiteatro en un tiempo razonable. Luego de dos presentaciones breves y poderosas por parte de Rivales y El Plan de la Mariposa, llegó el momento del primer plato fuerte de la tarde.

Con un estilo muy similar al de Callejeros, claramente deudores de su herencia, Cruzando El Charco hizo delirar a un muy buen número de aficionados que se acercaron exclusivamente para verlos a ellos. El funk y el reggae fueron la novedad dentro de un estilo ya conocido, algo que los posiciona muy bien, pues significa que eligieron no quedarse con el envase pre fabricado sino que están intentando ir un poco más allá. Más allá del rock barrial, Cruzando El Charco también busca alcanzar la clave de bandas como Kapanga, Los Caligaris y Los Auténticos Decadentes, algo que podría hacerlos resaltar dentro de una escena demasiado homogénea.

Las canciones cálidas fueron acertadas y el sonido en general fue muy bueno, encontrando mucha claridad a pesar de utilizar el volumen casi al máximo. Los vientos se destacaron durante los poco más de 30 minutos que la banda estuvo sobre el escenario y todo finalizó con el anuncio de que muy pronto llegará a las bateas su nuevo trabajo de estudio al cual habrá que estar muy atentos.

Con nuevos integrantes en su banda, Marilina Bertoldi comenzó a probar el sonido casi de inmediato tras la salida de Cruzando El Charco. La lluvia no hizo más que intensificarse, algo que no significó problema para la mujer de los prolijamente desprolijos rulos ahora entre rubios y morochos. La primera canción de su breve presentación fue “Sexo Con Modelos”, esa explosión con el sonido siempre muy alto que la hace colocarse muy cerca de Marilyn Manson en cuanto a la manera de cantar y ciertas inflexiones que realiza durante el estribillo.

Sorpresivamente, el clima bajó de inmediato con una sentida versión de “Puerto”, que tuvo su momento más pesado sobre el final, pero que encontró su punto destacado en los agudos lanzados por Marilina. En “Puentes”, la frontwoman eligió sostener el estilo más relajado y nostálgico, con su seducción total desde el micrófono y la promesa de una venganza para aquel amor que la abandonó.

Para “MDMA” quedó claro que, más allá de la potencia sonora y la precisión de la banda, la menor de las hermanas Bertoldi no se encontraba tal vez cómoda ante un público poco efusivo que sin dudas no era el suyo. Con “Quisiera” y su introducción góspel intentó encauzar la relación, subiendo la temperatura y haciendo despabilar a unos cuantos que estaban pensando en otra cosa. Ya sobre el cierre, llegaron “Rastros” y “Cosas Dulces” con la voz de Marilina en modo grunge, finalizando su presentación con “Y Deshacer” para abandonar velozmente las tablas envuelta en un cálido aplauso.

Pocos minutos después, llegó uno de los momentos más esperados del segundo día, con La Perra Que Los Parió tomando por asalto el escenario bajo una cortina de agua. La banda liderada por Nahuel Amarilla comenzó su show con “Ficciones”, cercano al estilo actual de La Beriso, con el centro en la canción, una base clásica y un punteo muy agudo y preciso por parte de Juan Espada. La calma duró demasiado poco, ya que con “Tanto Bicho”, LPQLP mostró su cara más de garage, con la guitarra bien adelante y Nahuel luchando contra algunos problemas en el micrófono principal.

El recorrido continuó con “La Respuesta”, con otro muy buen punteo y el público estallado en un disfrute total. De la mano de “Disco Bar” se terminó de configurar el clima ideal para una jornada bastante difícil de llevar por la gran cantidad de agua que caía incesantemente, pero que se vio mejorada gracias al lucimiento de una banda que se encuentra en un excelente momento.

Para los luchadores de la AGR, que están tomando la fábrica de Clarín, llegó “La Viaba” y Espada no hizo más que prender fuego su guitarra con un riff muy pesado y un solo maravilloso. Antes de “El Viajero”, el diluvio se hizo universal y - tras la dedicatoria por parte de Nahuel a los policías que los frenaron y requisaron cual criminales en el camino a Baradero- todo se fue al demonio en una comunión rockera que se hizo épica gracias al agua.

Sorpresivamente, la organización dio por finalizado su muy buen recital, quedando la sensación de que podrían haber tocado dos o tres temas más sin generar ningún problema en la estructura de la jornada. Foto con el público mediante, La Perra Que Los Parió se despidió de su público fiel y del que los conoció allí, dejando una excelente imagen de cara a un año que podría ser consagratorio para ellos.

La fiesta total se hizo presente cuando ese circo itinerante cordobés llamado Los Caligaris se presentó con la clásica música circense como cortina. Sin perder nada de tiempo, lanzaron con una catapulta “Todos Locos” creando un ambiente de locura total, uno que continuó con “Mi Estanciera y Yo”, con todos recorriendo la escena con absoluta soltura y velocidad.

El carnaval no detuvo su marcha, con esta gran big band haciendo delirar a todos en “Nadie Es Perfecto”. Una versión a la cordobesa de “Jijiji” puso al público a poguear como si el mundo estuviese por finalizar, con un muy buen solo de los dos percusionistas como detalle a mencionar. La calidez vino de la mano de “Razón” y de la divertida “Aunque No Quiero”, continuando la catarata de hits con “La Montaña” y “Asado y Fernet”, quedando la imparable lluvia en un tercer o cuarto plano.

“Kilómetros” y la fenomenal “Que Corran” sellaron la conexión con el público festivalero y dejaron todo perfecto para que Santi Aysine y Salta La Banca realizasen una de las presentaciones más esperadas del Rock en Baradero.

Abrazados por el pico máximo de público en este segundo día, Salta La Banca inició el recorrido con “No Pierdas Cuidado”, con todos los integrantes muy afilados, notándose ya el oficio de una banda con bastante recorrido a pesar de su juventud. Los vientos estallaron en “Falta de Asfalto”, canción con una letra muy compleja e inteligente – dos cosas que no siempre van de la mano- encontrando de nuevo a la banda perfectamente ensamblada.

Pero como nada es perfecto, una serie de fallas en los retornos y en los micrófonos hicieron que el setlist tuviese que ser acortado (se perdieron más de diez minutos buscando una solución a un problema realmente insólito por parte de la organización), algo que no hizo feliz a Aysine y condicionó el resto del show.

Le siguieron al incidente “Desnudando Un Ángel”, con el bajo y la guitarra creando de manera impecable una atmósfera oscura, y con el frontman yendo de micrófono en micrófono buscando alguno que funcionase, pero sin por ello perder el hilo vocal. “Mejillas de Amapola” fue otra de las muy buenas canciones que ofreció Salta La Banca, con los problemas técnicos atentando contra todo, pero siendo superados con tranquilidad y esfuerzo por la banda.

“¿Quién Dice?” fue uno de esos habituales y hermosos momentos que entrega este conjunto, destacándose el saxofonista con un solo de alto calibre. En “Unos Versos”, Aysine mantuvo el tono romántico y reflexivo, ese que logró hacerle dar el gran salto hacia adelante y ampliar su base de fanáticos en los recientes años. Con “Dolores” imprimieron algo de milonga al Rock En Baradero, viejo tema sacado del cajón de los recuerdos en el momento ideal.

Luego de la dedicatoria a Luciano Arruga y un discurso encendido contra el actual gobierno y la clase política en general, dispararon “Ellos” y se constituyeron como el rugido de los oprimidos, de los que nunca tienen voz. Los medios de comunicación lejos estuvieron de salirse con la suya y recibieron con mucho amor “Vosotros”, bajo el grito de que “no comunican nada” que desató la locura entre la gente. 

El cierre encontró a Salta La Banca en clave más poguera, con “Seremos” y “Bautismo”, quedando la revancha para dentro de poco más de un mes en el Estadio Malvinas Argentinas, donde la banda grabará su primer DVD en vivo.

Mientras muchas personas sufrían la espera interminable para ir al baño, para buscar un vaso de cerveza y para sacar los tickets de comida (que por la demanda estuvo al borde de agotarse tanto en las parrillas internas como en los camiones de comida que estaban afuera), Estelares ingresó al ring para darle batalla a una noche fría y lluviosa. Apenas iniciaron su muy buen setlist con “Aire”, el agua volvió a caer con la misma fuerza que a la tarde y no detuvo su marcha hasta bien entrada la madrugada.

Sin interactuar demasiado con el público ni tampoco enojarse debido a los continuos errores en el sonido, el grupo de Manuel Moretti deleitó a los presentes con canciones pegadizas y movidas como “Doce Chicharras”, “Ella Dijo”, “Tanta Gente”, “Es El Amor”, “Un Día Perfecto” y “El Corazón Sobre Todo”, ganándose el aplauso y confirmándose cada vez más como una banda ideal para cualquiera de los grandes festivales que tiene nuestro país.

Once en punto de la noche, tal cual anunciaba la grilla, los rosarinos de Cielo Razzo salieron a demostrar que no fue casualidad el que los hayan elegido para telonear a los Guns N’ Roses hace unos pocos meses. Con un sonido más cercano al metal antes que al rock barrial, Pablo Pino y sus muchachos comenzaron la fiesta con “Luminoso” y “¿Quién baja la pala?”, generando un delirio en la multitud que en su mayoría se había acercado a verlos a ellos.

Luego de una caricia para los que se quedaron a pesar de la lluvia, sonaron los festejados acordes de “Alcalina”, canción llena de calidez y calor humano, que fue el pie ideal para el reggae presente en “Chapa y Bandera”. Con la batería encendida al máximo posible, llegó el momento de uno de sus clásicos: “Vieja Caña” que fue coreado de principio a fin. Le siguieron “Que Se Yo” y “Cochico”, esta última dedicada a Las Pelotas que minutos más adelante se presentaría en ese mismo escenario.

Con “Disfraz” y “Demás”, Cielo Razzo comenzó a transitar el tramo final de la lista a pura potencia y crudeza, para introducir en “Luna” un poco de murga bajo un cielo que ya no lloraba con tanta intensidad. Para el cierre quedó una sentida versión de “Ventana”, uno de sus hits más reconocidos, quedando conformes tanto los más fanáticos como los que presenciaron por primera vez un recital de los oriundos de Rosario.

Sin tardar casi nada en enchufar y acomodar los instrumentos, pues tenían todo listo y tapado con lonas para evitar las mojaduras, Las Pelotas inició su muy buen recital con una imagen de Donald Trump y una poderosa versión de “Capitán América”. Sin ningún problema en el sonido, dejaron en claro lo que es una banda normal y corriente y la realeza del rock nacional. 

El setlist fue muy parejo y conciso, con Daffunchio disparando una canción tras otra. La segunda canción fue “¿Qué Podés Dar?”, en la que se lucieron la voz del cantante y el bajo en manos de la genial Gabriela Martínez lanzando fintas sin cesar para sostener la melodía. “Tormenta en Júpiter” confirmó todo lo dicho líneas atrás, elevando la vara ya en los momentos finales del segundo día.

“Ya No Estás” y “Las Víctimas del cielo” sonaron bien altas, siendo la segunda una lección acerca de cómo construir una melodía. Primero el punteo, el bajo entrando de a poco, la batería explotando después de los primeros versos y la guitarra principal dando paso al riff central. El tecladista logró con algunos efectos crear una atmósfera psicodélica y cálida al mismo tiempo en “Siempre Estará” y el romance volvió a tomar por asalto el predio con la llegada de “Personalmente”. 

El funk de “Si Supieras” hizo bailar al público a pesar del lógico cansancio, manteniéndose la saludable tendencia de no tener un solo error técnico en su performance. La máquina no detuvo su marcha y arrasó con “Transparente” y “Hasta El Fondo del Río”, canción que incluyó dos notables solos por parte del trompetista y a la batería como columna vertebral a pura velocidad. Ya superando la media hora de recital, el público siguió disfrutando con “Escondido Bajo El Brazo”, la dolorosa “Era” (decir que fue magistral es ser poco generoso) y vivió un momento muy emotivo cuando sonó “Como Una Estrella”, dedicada al Bocha Sokol, en la que fue imposible no sentir como se erizaba la piel.

La hoja de ruta continuó con “Bombachitas Rosas”, la oscuridad mística de “Esperando El Milagro” y – luego de la negativa de Daffunchio a retirarse del escenario- los bises “Como un Buey” y “Día Feliz”. Acto seguido, la ovación fue interminable mientras los músicos saludaban por última vez antes de dar lugar a los plomos de No Te Va Gustar para que acomodasen todo de cara al grand finale.

Emiliano Brancciari y su extensa compañía salieron a las dos de la mañana y en un ambiente donde reinaba la ansiedad, dispararon como flecha veloz – tras 16 segundos de espera- una primera tanda de cuatro temas que mantuvieron muy lejos del piso al público. No hubo manera de detener la tormenta musical cuando sonaron en fila “Más Mejor”, “Cero A La Izquierda”, “Con El Viento” y “Fuera de Control”. 

Luego de agradecer a todos por haberse quedado hasta tan tarde, llegaron las gotas de lluvia cayendo por la pantalla y esa gran canción que es “Llueve Tranquilo”, siendo la labor de los vientos impecable e implacable. “Al Vacío” sirvió como uno de esos hits que todos cantan, con la banda regulando a la perfección los ánimos, bajando lo justo y necesario, para luego volver con la muy pícara “A Las Nueve” y la ranchera “Mirarte A Los Ojos”, que exhibió la versatilidad de una de las más grandes bandas, en calidad y convocatoria, de América Latina.

Le siguió “Esta Plaga”, canción en la que No Te Va Gustar encuentra siempre su estilo, combinando el rock clásico con el carnaval. Para introducir “El Error”, Brancciari contó a pedido la historia que inspiró la letra y desató una carcajada masiva, pues confirmó esa máxima de que las canciones no suelen tener demasiado que ver con el imaginario popular. Casi sin quererlo, el cantante dio una clase muy rápida acerca de las diversas maneras en las que se puede interpretar una canción, que teniendo en mente la historia real, es muy divertida y simpática.

El tándem “Comodín” y “Sin Pena Ni Gloria” volvieron a encender por completo a una multitud eufórica que nunca dejó de cantar con el alma cada una de las 27 canciones que sonaron en la noche de Baradero. La nostalgia, la tristeza, la melancolía, todo eso que la banda uruguaya sabe cómo transmitir a la perfección aparecieron de golpe con “Ese Maldito Momento” y “Clara”, donde la voz popular pareció por momentos superar a la de Brancciari. 

El momento acústico se prolongó con la valiente “Prendido Fuego” y todo regresó al plano anterior con “Arde” y un solo de guitarra que cosechó una gran ovación. Segundos afuera y la fiesta siguió con “Rata”, “Paranoia” y “Chau”, en las que tomaron la delantera los percusionistas, encontrando el momento para lucirse. Superando la hora y cuarto de recital, “Destierro” y “Verte Reír” – enganchada con “Mañana en el Abasto” fueron la señal de largada para un cierre a puro salto.

La experimentación con la electrónica no es ajena a No Te Va Gustar y “El Camino” es uno de sus grandes ejemplos en ese sentido. A continuación, “Tan Lejos”, “Nada Para Ver” y ese himno que es “No Hay Dolor” abrieron el paso para las dos canciones finales: “Te Voy A Llevar” (enlazada con “Todo Un Palo”) y “No Era Cierto”. 

El reloj marcaba las cuatro de la mañana del domingo seis de Febrero, con una molesta llovizna persistiendo a pesar de la alegría colectiva. Tras el saludo final de No Te Va Gustar, el predio volvió a vaciarse a gran velocidad, con la gran mayoría quedándose en Baradero. Todavía restaba una jornada que, aunque sería más corta, también entregaría muchas horas de emociones de la mano de bandas más vinculadas a la escena Stone del rock nacional.

Crónica: Rodrigo López Vázquez

Fotografía: Lucila Crudo