#arquitectura orgánica

[moonlight4uok]

Hice un pequeño boceto de algunos personajes de Afk Journey y pues… Repito y recalco que me encanta demasiado el diseño de Bryon, es súper dibujable jaja, es que está súper bien diseñado, es como que todo encaja, y el concepto del ave, los detalles están por todas partes, es hermoso! 🥺

Al dibujarlo a la rápida sentí como que todo estaba en su lugar, todo pertenece donde está, hay demasiada armonía, simetría y detalles bonitos y son como líneas continuas que conforman un todo bien equilibrado 😩

Es como la arquitectura orgánica 🤌🏻✨

Ten��a razón cuando lo vi por primera vez y sentí que podría ser un personaje que yo diseñaría

[cimentandoideas]

Contrastes en el Diseño: “El Universalismo de Mies van der Rohe y la Singularidad de Gaudí”.

Jeyshamarie Estrada Montalvo

ARQU 3121-001 Prof. J. Isado

16 de Diciembre de 2024

La arquitectura puede moverse entre dos extremos, el diseño universal de Mies van der Rohe y el diseño personal de Antoni Gaudí. El primero, con su lema de “menos = más”, recoge una propuesta de una arquitectura universal centrada en la simplicidad o la razón de la arquitectura. En el caso del segundo, el diseño que ha pugnar por un planteamiento profundamente personal, donde la ornamentación y la naturaleza son dos grandes ejes de su proyecto; ambos representando, como se ha mencionado, formas de orientar la necesidad humana que conlleva la arquitectura, una por la neutralidad, la posibilidad de ser adaptada a cualquier situación y otra vinculada a expresar identidad y singularidad.

Como puede observarse, la propuesta de Mies van der Rohe fue claramente universal, sencilla y en parte, adaptable. Por lo tanto, su apuesta se centraba en la creación de un espacio que no exigía desarrollar una narración, se trataba de un espacio a utilizar por todo el mundo. El Pabellón de Alemania de Barcelona (1929) o La Casa Farnsworth (Falcon, 1951-1958) son ejemplos claros de que la pureza de las líneas y el uso de materiales como el vidrio y el acero eliminaran lo superfluo para hacer del lugar lo más útil y estéticamente atemporal posible. Esta es una forma en la que los edificios se adaptarán a la cultura y clases sociales de la gente con la que van a entrar en contacto, demostrando así una forma poderosa de universalidad cuando se habla de la neutralidad.

Por el contrario, Antoni Gaudí definió un diseño sumamente personal que tenía su origen en la naturaleza, la religión y su forma de ver el arte. Sus obras (la Sagrada Familia, el parque Güell) destacaban por una complejidad ornamental, por el uso de las formas orgánicas y por establecer una relación emotiva con el entorno. Gaudí no buscaba la neutralidad sino crear espacios que narrasen, que comunicarán una identidad. Cada una de sus obras, mosaicos, formas escultóricas, estaba pensada para emitir un mensaje o provocar en el espectador una respuesta emotiva.

El contraste entre el diseño universal de Mies van der Rohe y el diseño personal de Antoni Gaudí es un claro ejemplo de cómo distantes enfoques arquitectónicos van dirigidos a satisfacer las necesidades humanas de formas completamente distintas. Entre el fundamentalismo de Mies, quien consideraba la funcionalidad y la adaptabilidad del espacio, en un intento por crear espacios que fuesen universales en el transcurso de su cultura y de su tiempo, y el de Gaudí que enfatizaba la expresión individual y el valor de la conexión emocional, ambos diseños subrayan la riqueza de la arquitectura como disciplina donde lo universal y lo personal son dos caras de la misma moneda y forman parte de un proceso que deja huella en la experiencia humana respecto al espacio construido.

Curtis, W. J. R. (1996). Modern architecture since 1900 (3rd ed.). Phaidon Press.

Collins, P. (1998). Changing ideals in modern architecture, 1750-1950. McGill-Queen’s University Press.

Schulze, F., & Windhorst, E. (2012). Mies van der Rohe: A critical biography (2nd ed.). University of Chicago Press.

[carlosenrique-mx]

La Casa Ennis, diseñada por Frank Lloyd Wright y terminada en 1924, es un ejemplo icónico de su método de construcción con bloques. Ubicada en Los Ángeles, California, la casa son bloques de hormigón entrelazados con un estilo distintivo del Renacimiento Maya. El diseño se integra con el sitio en la ladera, ofreciendo vistas panorámicas de la ciudad. Los intrincados patrones geométricos de la casa y las innovadoras técnicas de construcción la convierten en un hito en la arquitectura moderna, reflejando la visión de Wright de la arquitectura orgánica.

Fotografías: MBS Architecture

[alextorres2003]

Frank Lloyd Wright: La Arquitectura Orgánica y su Legado

Frank Lloyd Wright (1867-1959) es ampliamente reconocido como uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Su contribución a la arquitectura moderna se destaca por su enfoque en la integración de la naturaleza con la estructura, un concepto conocido como arquitectura orgánica. Wright creía que la arquitectura debía fusionarse armoniosamente con su entorno, lo que resultó en un conjunto de obras innovadoras que desafiaron las convenciones de su tiempo.

Wright diseñó algunas de las casas más icónicas de la historia, como la “Casa de la Cascada” (Fallingwater), una vivienda que parece flotar sobre una cascada en Pensilvania. Otra obra maestra es la “Casa Robie”, que muestra su enfoque en líneas horizontales y materiales naturales. Su proyecto “Taliesin West” en Arizona, su hogar y estudio, es un testimonio de su amor por el desierto y su habilidad para fusionar la arquitectura con el paisaje circundante

Wright influyó significativamente en dos de los arquitectos más destacados de la arquitectura moderna: Le Corbusier y Mies van der Rohe. Le Corbusier compartió la pasión de Wright por la arquitectura como una respuesta a las necesidades humanas, aunque su estilo difiere en términos de estética. Mies van der Rohe, por otro lado, adoptó la simplicidad y la funcionalidad de Wright, contribuyendo al desarrollo del movimiento moderno y el uso del vidrio y el acero en sus diseños.

El legado de Frank Lloyd Wright perdura en la arquitectura contemporánea. Arquitectos de todo el mundo siguen buscando inspiración en su trabajo y sus ideas innovadoras. Su énfasis en la relación entre la naturaleza y la arquitectura continúa siendo una fuente de inspiración para proyectos sostenibles y respetuosos con el entorno.

En resumen, Frank Lloyd Wright dejó una huella imborrable en el mundo de la arquitectura a través de su enfoque único en la arquitectura orgánica y su capacidad para fusionar la naturaleza con el diseño. Su influencia se puede rastrear en el trabajo de arquitectos como Le Corbusier y Mies van der Rohe, quienes compartieron su pasión por la innovación y la función en la arquitectura. Su legado perdura en la actualidad, y su trabajo sigue siendo una fuente de inspiración para las generaciones venideras de arquitectos.

[ahaan-and-jaiveer-agricultura]

Introducción al Modernismo

¡Hola! En este blog, nosotros hablaremos sobre el modernismo y su efecto en el mundo de habla hispana.

¿Que es Modernismo?

Los países latinoamericanos tomábamos prestado de Europa el estilo arquitectónico que caracteriza el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, la Avenida Central de Río de Janeiro y la Avenida de Mayo en Buenos Aires.

En América Latina, el estilo arquitectónico modernista o internacional ganó popularidad a mediados del siglo veinte, reemplazando el clasicismo de los años anteriores. El modernismo se convirtió en el nuevo estilo o filosofía de arquitectura y diseño más importante del siglo veinte. Se asociaba con un enfoque analítico de la función de los edificios, un uso estrictamente de los materiales, la innovación estructural y la eliminación de la ornamentación.  

El Estilo Internacional es un término general que se refiere a la arquitectura moderna sin ornamentación que revele su forma estructural. Los diseños utilizan paredes de hormigón armado. Sin ornamentación, los exteriores de muchos de estos edificios presenta un diseño geométrico, unidades modulares y líneas limpias.

Este estilo arquitectonico transformaba muchas ciudades latinoamericanas, como la Ciudad de México y Brasilia, en ciudades modernas. En México, la década de 1950 marcó el retorno a la especificidad local y cultural, muy en línea con la arquitectura orgánica de Frank Lloyd Wright. En Brasil, el modernismo crecía de manera diferente, convirtiéndose en un carácter distintivamente expresionista, llamado "modernismo de forma libre." En Argentina, algunos arquitectos volvieron al neoclasicismo, mientras que otros adoptaron versiones extremas del modernismo, a veces denominadas brutalismo, debido al uso del cemento.

En América Latina, el modernismo tenía un impacto significativo, transformando las ciudades con sus diseños elegantes y funcionales. Reemplazó estilos arquitectónicos anteriores como el clasicismo. Cada país de la región adoptaba su propia forma del modernismo pero, la conexión entre estas interpretaciones eran similares en el nivel básico.

Al final, el modernismo tenía un gran impacto, haciendo que las ciudades fueran elegantes y funcionales, reemplazando estilos más antiguos como el clasicismo. El modernismo es uno de los estilos más importantes, y entre los años 1930 y 1970, cambió el curso de la historia de arquitectura. Yo no creo que la diversidad decorativa que caracteriza la arquitectura de postmodernista ocurriera sin la popularidad de modernismo. Cada país tenía diferentes tipos de modernismo, pero las ideas centrales eran las mismas.

Jaiveer

Fuentes:

https://www.architecture.com/explore-architecture/modernism

https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/latin-american-modernist-architecture/a/international-style-architecture-in-mexico-and-brazil

https://www.jstor.org/stable/1555399

¿Quiénes son algunas de las personas detrás del modernismo?

Hola a todos, mi nombre es Ahaan Modi. Voy a Horace Mann y he decidido hacer un blog sobre el movimiento modernista en América Latina. El movimiento modernista ha tenido un gran éxito a lo largo de los años gracias a múltiples arquitectos. Los arquitectos se alejaron de los estilos tradicionales europeos y crearon el movimiento modernista.

Primero está Luis Barragán de México. Luis Barragán es a menudo considerado como una de las figuras más importantes de la arquitectura modernista mexicana y latinoamericana. Su trabajo es conocido por su uso del color, la luz y la geometría, creando espacios serenos y contemplativos. Sus diseños a menudo incorporan elementos tradicionales mexicanos. Otro arquitecto con gran influencia es Oscar Niemeyer. Oscar Niemeyer fue un arquitecto brasileño conocido por sus contribuciones al desarrollo de la arquitectura modernista. Fue uno de los arquitectos clave detrás del diseño de Brasilia, y su trabajo se muestra en el uso de líneas curvas y la integración de la arquitectura con el entorno natural. Otro latinoamericano con gran influencia fue Clorindo Testa. Fue un arquitecto argentino que jugó un papel importante en el desarrollo de la arquitectura brutalista en América Latina. Entre sus obras destacadas se encuentra la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires. Sus diseños para Argentina fueron muy diferentes a los de otros arquitectos debido a su estilo único. Finalmente, otro arquitecto latinoamericano es Eladio Dieste. Eladio Dieste fue un ingeniero y arquitecto uruguayo conocido por su uso innovador del ladrillo en la arquitectura modernista. Sus diseños a menudo se centran en las partes estructurales de los materiales.

Estos cuatro arquitectos tuvieron un papel significativo en el cambio de América Latina de sus costumbres colonizadas a una cultura moderna. Todos tienen diferentes estilos, lo que hace especial el movimiento modernista en América Latina. En nuestro próximo post, explicaremos más sobre los diferentes edificios y monumentos que estos arquitectos hicieron en Latinoamérica con el fin de cambiar la cultura.

Yo creo que estos arquitectos y muchos más ayudaron a cambiar la arquitectura latinoamericana hoy. Si estos arquitectos no cambiaran las tradiciones de la construcción en América Latina, hoy sería muy diferente. Además, las ideas que tenían sobre el modernismo fueron importantes para los arquitectos de las últimas décadas. En conclusión, estos arquitectos fueron importantes para el movimiento modernista latinoamericano.

Ahaan

Fuentes:

https://www.optima.inc/modernist-movements-in-south-america/#:~:text=Architects%20such%20as%20Luis%20Barrag%C3%A1n,legacies%20of%20their%20home%20countries.

https://www.architectural-review.com/essays/exhibitions/latin-america-was-a-place-where-modernist-dreams-came-true

https://www.architecturalrecord.com/articles/6337-modern-architecture-in-latin-america-art-technology-and-utopia

[lannashanen]

La Cosmología Barroca.

Éste ensayo, escrito por Severo Sarduy quien fue uno de los más grandes escritores cubanos del siglo XX , gran narrador de el neobarroco nos demuestra en su ensayo el impacto tan importante de como un pensamiento, como la cosmología Barroca comenzó abrirse paso en la religión y la filosofía, que además la podíamos ver reflejada en la arquitectura y el arte.

El Barroco, lo encontramos como un punto en donde hay un cambio total con la forma representativa ( la manera de ver nuestro alrededor) ya se deja de lado esa centralidad , debido a que es en este punto donde los nuevos conocimientos nos permite explorar mucho más . Distinta forma de pensar (en donde descubrimos que nosotros no somos el centro de todo, si no una pequeña parte de un espacio infinito, en donde no encontramos una centralidad.

Nace el pensamiento de la topología Barroca. En donde se menciona que antes nuestros pensamientos estaban contenida ya que no conocíamos esa infinitud , ya no hay un límite que no nos permita esa infinidad de posibilidades .

Con ésto, la arquitectura se ve afectada, en la cual comenzamos a ver otras formas donde hay un único centro ( elipsis , hipérbolas y parábolas). Cambiando así desde como se organizan la ciudades ideales, ya que ahora comienzan a organizarse de manera por así decirlo orgánica, en donde no solo podemos ver un mayor crecimiento , sino también distintos centros que nos ayudan a ésto. Además podemos verlo también en distintas obras, con esa doble focalización , nuevas perspectivas.

También nos habla sobre la anamorfosis, la cual es una perversión de la perspectiva , como por ejemplo la elipse que es una perturbación del círculo, además es de mencionar que la anamorfosis se trataba como algo extraño e incomprensible, algo antinatural , que en ese momento se oponía a lo tradicional, por otro lado éste pensamiento era motivo de estudio en el cual se podía sacar provecho.

[marbetxsarq]

Parcial II / Tercera Fase

Conclusiones sobre el trabajo grupal.

-James S. Ackermann

La arquitectura de Miguel Angel

Este texto nos habla y relata parte de la vista y el pensamiento de Miguel Ángel al momento de diseñar, unir puntos, generar líneas y espacios. Este autor (Ackermann) inicia comentando y en cierto modo “JUSTIFICANDO” la manera en la que los teóricos renacentistas relacionaban las partes del cuerpo humano con la arquitectura, caso que estaba sucediendo desde los tiempos de la antigua Grecia ya que en cierto modo se asociaba; pero todo esto desde décadas pasadas seguía un mismo “patrón”, en sentido de que todo ese tiempo al momento de relacionar la arquitectura con el cuerpo humano lo hacían y veían de un manera “inactiva”, todo esto hasta la llegada de Miguel Ángel. Ackermann describe la visión de Miguel Ángel como algo Genuino, algo único a diferencia de la monotonía que venía pasando desde tiempos pasados, que es ver la arquitectura no solo relacionada con las partes del cuerpo humano, sino con sus funciones, ¡ y todo esto visto de una manera ORGÁNICA !, dándole “vida” y “movimiento” a las obras…

Al momento de que los escritores y/o arquitectos hablaban o diseñaban en base al cuerpo humano, no lo hacían de una manera viva/orgánica, lo hacían en base a relaciones matemáticos, así asimilaban a las partes del cuerpo humano, cosa que estaba bien, pero Miguel Ángel Criticaba eso ya que no solo debemos ver la arquitectura de ese modo, el buscaba más; podría decir que lo hacía de una manera subjetiva, que sería en base al sentimiento, tal vez… Pero más allá de eso se refiere a ver la arquitectura de una manera viva orgánica que tú la veas y sientas algo (por eso comenté lo del sentimiento). Miguel Ángel cambió la arquitectura, sus opiniones iban más allá de lo que pensaba la metrópoli, ya que él no se conformó con lo que ya estaba; incluso su manera de ver las cosas lo hacía distinto, la perspectiva era buena, (dibujar en perspectiva) pero él no lo hacía mucho ya que opinaba que el observador nunca estará quieto en un mismo punto viendo una obra, hay (MOVIEMIENTO).

Es un texto muy halagador por parte del escritor, Ackemann hacia Miguel Ángel, apoyando su visión y manera de diseño, mostrando un antes y un después desde la llegada de este gran pintor, escultor y Arquitecto, Miguel Ángel.

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YOYOGI OLYMPIC ARENA

Autor: Kenzo Tange

Localización: Tokyo

Superficie total : 34,204 m2

Cronología: 1964

            Biografía del autor

Kenzo Tange nació en un pequeño pueblo de Isla Shikoku, Japón el 4 de septiembre de 1913. Estudió arquitectura e ingeniería en la Universidad de Tokio y se convirtió en profesor en 1946. En la misma universidad fundó Tange Lab, formando a famosos arquitectos como Maki Fumihiko o Arata Isozaki. Se les encargó la reconstrucción de Hiroshima, que fue destruida por la bomba atómica.

En la zona más bombardeada, Tange construyó el Parque de la Paz, un museo y símbolo de paz que se convirtió en un referente internacional de la modernización de Japón. La mayor parte de su estructura es de hormigón armado. Durante la década de 1950, diseñó edificios públicos, edificios del parlamento, bibliotecas y ayuntamientos.

En 1958, su estilo se consolidó en la oficina de Takamatsu de la prefectura de Kagawa, un edificio de nueve pisos en el que apareció un sistema de vigas y columnas de hormigón pretensado. Para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964, construyó dos pequeños estadios con candados. La Catedral Católica de la capital japonesa (1965) se centra en una aguja espiral de hormigón y vidrio rodeada por cuatro casquetes parabólicos de acero inoxidable.

Fue el responsable del plan maestro para la Exposición Universal de 1970 en Osaka y,  a partir de este encargo, su enfoque estilístico evolucionó hacia una arquitectura más orgánica. Kenzo Tange murió en su casa de Tokio el 22 de marzo de 2005, a la edad de 91 años.

            Contexto cultural y descripción de la obra

El Gimnasio Nacional Yoyogi es un edificio que funciona como estadio deportivo. Fue construido en Tokyo Dan durante los Juegos Olímpicos de Verano de 1964. Diseñado por Kenzo Tange, uno de los arquitectos modernistas más famosos de Japón, este gimnasio es una mezcla de la estética modernista occidental y la arquitectura japonesa tradicional.

Este edificio tiene un diseño arquitectónico distintivo, famoso por su diseño de techo suspendido. El estadio tiene una capacidad de 13.291 y actualmente se utiliza principalmente para hockey sobre hielo y baloncesto. El concepto de espacio es original y audaz. Ambos edificios utilizan los últimos sistemas estructurales, como la catedral de Santa María con una carpa y un sistema de cables de acero que funciona como una fuerza de tracción integrada para todos los elementos.

La estructura del techo de cables de acero tiene forma de parábola hiperbólica. El hueco detrás de la marquesina está acristalado, mezclandose con la construcción de iluminación artificial. La estructura principal del gimnasio es un edificio de planta rectangular que se estrecha hacia arriba. En este edificio, Tange mezcla la sotifiscación de la tecnología estructural del siglo XX con una estructura moderna, a saber, una carpa y un sistema de cables de acero que actúa como una fuerza de tracción integrada. resiste todos los elementos. Eligió la estructura de techo de cable de acero porque la estructura de acero a la tracción era un elemento arquitectónico importante en ese momento y la estructura de acero a la tracción tenía una alta resistencia a la tracción y a la tracción.

El concepto aplicado al Gimnasio Nacional Yoyogi, del arquitecto Kenzo Tange, tomó algunos elementos clásicos del techo del santuario sintoísta, característico de Japón.

Bibliografía:

Safitri, E. (2014, 2 noviembre). Yoyogi National Gymnasium «Study Analysis». «https://www.academia.edu/9093798/Yoyogi_National_Gymnasium_Study_Analysis_»

Vallejo,E.L.(2017, 4 diciembre). Kenzo Tange. «https://www.academia.edu/35339531/Kenzo_Tange»

Claros,B.C.(2016, 25 octubre). KENZO TANGE. «https://www.academia.edu/29411849/KENZO_TANGE»

Gimnasio Nacional de Tokio - Ficha, Fotos y Planos. (2020, 19 octubre). «WikiArquitectura. https://es.wikiarquitectura.com/edificio/gimnasio-nacional-de-tokio/»

Torrijos, G. (2005, 5 abril). Kenzo Tange, el arquitecto que transformó Tokio. El País. «https://elpais.com/diario/2005/04/05/agenda/1112652009_850215.html»

Honoring the Legacy of Kenzo Tange. (s. f.). Tokyo Art Beat. «https://www.tokyoartbeat.com/en/articles/-/honoring-the-legacy-of-kenzo-tange»

KENZO TANGE: GIMNASIO NACIONAL DE YOYOGI, TOKIO. (2011, 5 octubre). Pinterest. «https://www.pinterest.es/pin/643522234224478049/»

[htca2]

VILLA MAIREA

ARQUITECTOS: HUGO HENRIK ALVAR AALTO

LOCALIZACIÓN: NOORMAKKU, FINLANDIA.

CRONOLOGÍA:

INICIO DE PROYECTO: 1937

FIN DE LA CONSTRUCCIÓN: 1940

Biografía del Arquitecto:

Alvar Aalto nació en kuortane, Finlandia, el 3 de febrero de 1898. Fue un importante arquitecto y diseñador de muebles. Aalto fue uno de los arquitectos que mas influencia tenía a lo largo de sus mas de cincuenta años de carrera.

En el año 1921 se graduó en Arquitectura y desde entonces, estuvo realizando sus obras por todo el mundo. En 1922 realiza su primera obra, el Edificio de Exposición Industrial de Tempere. Tras ello, en el año 1923 fundó su propio estudio de arquitectura.

Sus primeros proyectos tenían el típico estilo clasista nórdico, pero su carrera evolucionó y empezó a tomar una estética del movimiento modero. 

En la arquitectura de Alvar Aalto el uso de formas geométricas básicas revela el racionalismo funcionalista, sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad de su edificio.

Recibe numerosos premios a lo largo de su carrera, entre los que se encentran la Gran Cruz de la Orden del Halcón en Islandia y la Grande Medaille de l’Academie de l’Architecture, ambas otorgadas en el año 1973.

Sus obras mas destacadas son:

Universidad de Jyväskylä, Ayuntamiento de Säynätsalo, Stephanuskirche, Biblioteca de Viipuri, MIT Baker House Dormitory…

Descripción de la obra:

Alvar Aalto fue siempre presentado como el “humanizador y naturalizador” de una arquitectura racional y modernamente fría para la época.

Hay indicios de que Aalto se inspiró de Maire, ya que ella había estudiado pintura en París de los años 20. Gracias a la técnica del collage hizo que Aalto pudiera hacer una casa magnífica e inconfundiblemente finlandesa.

La Villa Mairea es una casa de verano construida en Noormarkku, Finlandia. Esta fue diseñada para el matrimonio finlandés Gullichsen a mediados de la década de los años treinta.

El matrimonio dio al Arquitecto y su ayudante vía libre para plantear una casa diseñada hasta el más mínimo detalle existente, ya que le garantizaron un presupuesto sin límites.

Es una casa que tiene dos plantas. En el primer nivel podemos encontrar el patio, que está totalmente integrado hacia el espacio natural. En el centro del patio, se encuentra una piscina que, con su forma orgánica, se asemeja a los lagos finlandeses. También existe el hall de entrada hacia la casa.

En el interior podemos ver un vestíbulo que conduce al salón, el cuál está al lado de la sala de reuniones y la biblioteca, ambas separadas por tabiques. A la salida de dichas salas, se encuentran unas escaleras que conducen a la segunda planta. Además de estos espacios, se encuentra la cocina y la oficina principal. Aunque parece una vivienda bastante jerarquizada, existe un espacio muy fluido debido a la disposición de las columnas puestas de formas aleatorias siguiendo la idea del bosque.

En la segunda planta, podemos observar una sala de juegos de niños, y del vestíbulo se puede acceder a los dormitorios. El de los niños y el del matrimonio está separado por un baño. Frente a estos dos dormitorios, se encuentran otros dos dormitorios que dan hacia la terraza. Por último, también se encuentra el taller de Maire Gullichsen. Este taller de pintura tiene una fuerte relevancia en la composición exterior de la villa Mairea.

Bibliografia:

Urbipedia- Consultado el 15/12/2022

URL: https://www.urbipedia.org/hoja/Alvar_Aalto

Biografías y vidas- Consultado el 16/12/2022

URL: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/aalto.htm

CIRCARQ- Consultado el 11/12/2022

URL: https://circarq.wordpress.com/2017/10/12/villa-mairea-aino-y-alvar-aalto-1937-38/

Wikiarquitectura- Consultado el 09/12/2022

URL: https://es.wikiarquitectura.com/edificio/villa-mairea/

Archdaily- Consultado el 12/12/2022 URL:https://www.archdaily.cl/cl/784719/10-proyectos-de-alvar-aalto-que-destacan-la-riqueza-de-su-legado

[arq2028]

EL GUGGENHEIM VS EL KURSAAL: SURFACING, ORDERING, AUTHORSHIP

El Museo Guggenheim de Bilbao y el Kursaal de San Sebastián son dos obras icónicas que reflejan las visiones contrastantes de los arquitectos Frank Gehry y Rafael Moneo, respectivamente. Mientras el Guggenheim se presenta como una estructura dinámica y escultórica que redefine el horizonte de la ciudad, el Kursaal busca una integración sobria y respetuosa con su entorno. Ambos edificios transformaron la ciudad y se convirtieron en iconos culturales y turísticos. Sin embargo, su composición y relación con el espacio urbano varían mucho. Estas diferencias se expresan en términos de tratamiento superficial, planificación espacial, filosofía arquitectónica, etc. El análisis de estas obras nos permite comprender cómo la arquitectura puede resolver problemas similares desde ángulos opuestos.

En términos de superficies, el Guggenheim de Gehry presenta un revestimiento de titanio que le da al edificio una apariencia dinámica y dinámica. Los arcos y volúmenes del museo interactúan con la luz y el entorno, dándole una identidad orgánica y dinámica. Por el contrario, Kursaal Moneo utiliza vidrio translúcido en prismas geométricos.Entra en un diálogo sutil con el paisaje costero. La elección de materiales del Kursaal busca integrar el edificio armoniosamente con su entorno y evitar ser una monstruosidad innecesaria. Mientras Gehry utiliza las superficies para evocar asombro y poder, Moneo elige la neutralidad y la discreción. Estas decisiones reflejan el enfoque individual de cada arquitecto hacia el contexto urbano y paisajístico.

El plano espacial también demuestra las diferencias entre las dos obras. En el Guggenheim, Gehry propone un camino fluido y no lineal a través del cual los espacios internos se conectan orgánicamente. Fomenta experiencias exploratorias al tiempo que desafía las nociones tradicionales del museo. El Kursaal de Moneo, por su parte, presenta una organización más racional y práctica con una clara jerarquía en un espacio dedicado a conciertos y eventos. Esta estructura vertical facilita la orientación y atiende las necesidades funcionales del edificio. Gehry prioriza la experiencia sensorial y el impacto, mientras que Moneo enfatiza la función y el orden. En ambos casos, el espacio refleja las intenciones del creador y los requisitos del programa.

Finalmente, en este trabajo, el autor es considerado de otra manera. Al dejar su firma inconfundible en el Museo Guggenheim, Gehry utiliza tecnología de vanguardia para dar vida a su visión innovadora. El museo es una expresión del estilo personal de Gehry de sorprender y redefinir los límites de la arquitectura. Kursaal encarna la filosofía de Moneo de centrarse en el diálogo entre los edificios, su entorno y la cultura local. Moneo prioriza la integración y el respeto por el contexto y elige diseños que no sean demasiado molestos. Estas diferencias en la autoría reflejan cómo cada arquitecto ve su papel en la creación de espacios significativos. A pesar de sus enfoques contrastantes, ambos edificios son ejemplos de cómo la arquitectura puede transformar paisajes urbanos y culturales.

[kleisypereyra]

El universo personal de gaudi y la abstracción universal de mies van dar roche

El cosmos personal de Antoni Gaudí y la abstracción universal de Ludwig Mies van der Rohe son dos perspectivas muy distintas pero igual de impactantes en el desarrollo de la arquitectura moderna. Con su singular obra, Gaudí convirtió la arquitectura en una vivencia sensorial y casi mística. No solo su estilo muestra un fuerte vínculo con la naturaleza, sino también con la espiritualidad y la fantasía. Mediante formas orgánicas y minuciosos detalles, tal como los hallamos en la Sagrada Familia o el Parque Güell, Gaudí generó espacios que parecían emanar directamente del mundo natural. Su perspectiva trasciende la mera funcionalidad, persiguiendo una estética que impacte las emociones del observador, invitándolo a vivir una conexión profunda con el ambiente edificado.

Por otro lado, Ludwig Mies van der Rohe se orientó hacia un diseño arquitectónico más racional y universal. Su famoso principio "menos es más" encierra la esencia de su estilo, que se distingue por sus líneas nítidas, formas geométricas y la utilización transparente de vidrio y acero. En trabajos como la Casa Farnsworth o el Pabellón de Barcelona, Mies intentó diseñar lugares que no solo fueran útiles, sino que también pudieran comunicar una percepción de tranquilidad y orden. En lugar de los adornos y la decoración, Mies enfocó su trabajo en la construcción de espacios abiertos y luminosos que, al igual que Gaudí, aspiraban a un vínculo profundo con el ambiente, aunque desde un punto de vista más minimalista y austero.

A pesar de sus diferencias estilísticas, ambos arquitectos tenían el objetivo común de cambiar la percepción humana del espacio. Gaudí lo logró mediante un enfoque emocional y orgánico, mientras que Mies lo logró a través de la abstracción y la sencillez. Ambos dejaron un legado que superó sus correspondientes periodos y contextos, estableciendo el rumbo de la arquitectura moderna. El trabajo de Gaudí nos incita a meditar acerca de la relación entre la naturaleza, la emoción y el arte, mientras que el trabajo de Mies nos reta a reconsiderar la funcionalidad, la nitidez y la universalidad en la arquitectura.

[alejandrotexidore]

Transformación de espacio. La arquitectura del Renacimiento italiano, rica en simbolismo y audacia, dejó testimonios que aún hoy inspiran asombro y reflexión. Entre sus máximos exponentes, Miguel Ángel destaca como un visionario capaz de transformar espacios comunes en escenarios de profunda conexión espiritual y cultural. Dos de sus obras más emblemáticas, el vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana en Florencia y la Piazza del Campidoglio en Roma, no solo redefinieron los cánones arquitectónicos de su tiempo, sino que también propusieron nuevas formas de diálogo entre el ser humano, el espacio y la historia.

El vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, concebido entre 1524 y 1559, no es simplemente un acceso funcional, sino un manifiesto arquitectónico cargado de simbolismo. Miguel Ángel convirtió este espacio en una experiencia sensorial que transciende la mera utilidad. La escalera central, con su fluidez casi orgánica, parece desbordar de las piedras, invitando al visitante a adentrarse en un ámbito donde el saber y la arquitectura se entrelazan. Las paredes, que “aprisionan” las columnas en un gesto dinámico y provocador, desafían la rigidez de la tradición clásica y evocan una lucha simbólica por la liberación del conocimiento. En este espacio, las líneas entre lo funcional y lo artístico se desdibujan, revelando un diseño que apela tanto al intelecto como a las emociones. Miguel Ángel no solo diseñó un vestíbulo, sino un portal que parece respirar la esencia del Renacimiento: la búsqueda de trascendencia a través de la creatividad humana.

Por otro lado, la Piazza del Campidoglio, proyectada en 1536, representa un ejemplo magistral de la capacidad de Miguel Ángel para transformar un espacio urbano. Antes de su intervención, el monte Capitolino era un lugar caótico y sin dirección. Miguel Ángel le otorgó un nuevo orden y significado, convirtiéndolo en el epicentro simbólico de Roma renacentista. Su diseño elíptico, cuidadosamente planeado, no solo organiza el espacio, sino que también crea una sensación de acogida y armonía. La ligera inclinación de la plaza hacia el Palacio Senatorio dirige la mirada y el movimiento del visitante, estableciendo una narrativa visual que refuerza la conexión entre el pasado glorioso de Roma y su renacimiento cultural. En el centro, la estatua ecuestre de Marco Aurelio no es solo un ornamento, sino el vínculo que une lo eterno con lo efímero, lo histórico con lo contemporáneo. Cada elemento de la plaza, desde la disposición geométrica hasta las fachadas diseñadas bajo su supervisión, refleja una visión integradora que transforma un espacio físico en una experiencia casi teatral.

Ambos proyectos demuestran la genialidad de Miguel Ángel para reinterpretar los principios clásicos y crear algo completamente nuevo. En el vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, el dinamismo arquitectónico transforma un espacio cerrado en un viaje hacia el conocimiento. En la Piazza del Campidoglio, el diseño urbano trasciende la mera funcionalidad para ofrecer un escenario que conecta al individuo con la historia y la comunidad. Miguel Ángel entendió que la arquitectura no es solo técnica, sino también emoción y mensaje.

Tanto la Biblioteca Laurenziana como la Piazza del Campidoglio siguen siendo testimonios elocuentes de la capacidad de la arquitectura para inspirar, conmover y trascender. Miguel Ángel logró, en piedra y espacio, lo que pocos artistas han conseguido: convertir lo inanimado en una experiencia viva, hablándole al alma humana con un lenguaje que trasciende el tiempo. Estas obras no solo redefinen su época, sino que nos invitan a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno y la capacidad del arte para transformar la realidad.

[felixlandaez]

Parcial II DE HISTORIA II

Manierismo - Arnold Hauser

El manierismo introduce una ambivalencia respecto al espacio. Aunque se aleja de las estrictas reglas del Renacimiento, sigue jugando un papel importante en la obra artística. Sin embargo, esta época provoca una fragmentación del espacio y una tensión entre la profundidad y la superficialidad. Las representaciones espaciales pueden ser irregulares y carecer de continuidad orgánica, lo que refleja una crisis en la percepción del mundo.

Arnold Hauser, fue un destacado historiador del arte y sociólogo húgaro, conocido por su contribución a la comprensión del arte en el contexto de las dinámicas sociales y culturales. Enfatiza el cambio en la percepción del artista durante el manierismo que se caracterizaba por composiciones complicadas, figuras alargadas y poses inusuales, estos elementos permitieron a los artistas explorar conceptos más allá de la simple representación.

Mientras que el Renacimiento se centró en la proporción, la armonía, y la belleza, el Manierismo se aleja de estas nociones, explorando principalmenta la distorsión y la complejidad.

En su lectura menciona a algunos arquitectos importantes y sus obras que no detalla, simplemente las nombra porque demostraban Manierismo, es decir, eran obras que se destacaban en cuanto a distorsión y complejidad.

Hauser también pone énfasis en cómo la arquitectura del manierismo refleja esta complejidad espacial. A través de ejemplos como la columnata de los Uffizi y el vestíbulo de la Laurenziana, destaca cómo estas obras pueden provocar confusión y desasosiego en el espectador.

La arquitectura parece alejarse de la lógica empírica y generar una experiencia de alienación y argumenta que, el manierismo radicaliza esta transformación, convirtiendo lo natural en algo artificial y distante. Esta transformación no solo afecta a la forma en que se percibe el espacio, sino también a la relación entre el espectador y su entorno.

Es así como analiza que, el concepto de espacio evoluciona desde una visión espiritual y estática hacia una preocupación por la representación tridimensional en el Renacimiento, que luego se complica con el manierismo. Su enfoque destaca la interrelación entre la cultura, el espacio y la percepción humana, subrayando cómo estas dinámicas influyen en la creación artística a lo largo de la historia.

Un aspecto resaltante de Arnold hauser, es la manera que la que se dirige al manierismo siendo que en algunas partes parece resaltar las cosas buenas de esta corriente arquitectonica, pero de la misma manera denota las incongruencias e inconvenientes de esta esta forma de arte, pues le parece que al crear edificaciones existen muchas indecisiones a la hora de colocar elementos. Creando de esta manera sensaciones negativas al espectador, esto lo demuestra en las edificaciones que analiza en su lectura, diciendo que en muchas ocasiones la falta de un orden y trabajo sistemático, da como resultado estructuras que son una amalgama de elementos tal vez hasta cierto punto innecesarios, o meramente esteticos sin ningún fin práctico, muchas veces contradiciendo los paradigmas establecidos en la arquitectura renacentista, que cómo es bien sabido respetaba la triada de Vitruvio para la creación de estructuras.

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Biografía sobre el arquitecto Vicent Van Gogh creado con IA.

Vincent van Gogh nació el 30 de marzo de 1973 en Zundert, Países Bajos. Desde joven, mostró un profundo interés por el arte y la naturaleza, pero en lugar de seguir el camino tradicional de la pintura, decidió canalizar su creatividad en la arquitectura. En el siglo XXI, Vincent se convirtió en un arquitecto innovador, conocido por su enfoque emocional y su capacidad para fusionar la naturaleza con el diseño urbano.

Después de completar sus estudios en una prestigiosa escuela de arquitectura, Vincent se unió a un grupo de arquitectos contemporáneos que buscaban desafiar las normas establecidas. Su estilo se caracterizaba por el uso de colores vibrantes y formas orgánicas, inspiradas en la naturaleza y en sus propias experiencias emocionales. A menudo decía que cada edificio debía contar una historia, reflejando la vida y las emociones de quienes lo habitaban.

Uno de sus proyectos más emblemáticos fue el "Jardín de los Sentidos", un complejo residencial que integraba espacios verdes y áreas comunitarias, diseñado para fomentar la conexión entre los residentes y su entorno. Este proyecto no solo fue un éxito arquitectónico, sino que también se convirtió en un modelo de sostenibilidad, utilizando materiales reciclados y tecnologías ecológicas.

A pesar de su talento, Vincent enfrentó muchos desafíos en su carrera. A menudo se sentía incomprendido por sus colegas y luchaba contra la presión de la industria, que a veces priorizaba la funcionalidad sobre la creatividad. Sin embargo, su pasión por la arquitectura y su deseo de crear espacios que evocaran emociones lo llevaron a seguir adelante.

A lo largo de su carrera, Vincent colaboró con artistas y diseñadores de diversas disciplinas, creando instalaciones que combinaban arte y arquitectura. Su obra "La Casa de los Colores", un espacio comunitario interactivo, se convirtió en un símbolo de la revitalización urbana, atrayendo a visitantes de todo el mundo.

A pesar de su éxito, Vincent nunca dejó de luchar con sus demonios internos. Su vida personal fue tumultuosa, y a menudo se sentía aislado en un mundo que no comprendía su visión. Sin embargo, su legado perdura, y su enfoque único de la arquitectura ha inspirado a una nueva generación de arquitectos a explorar la conexión entre el arte, la naturaleza y la emoción.

Vincent van Gogh falleció el 27 de julio de 2015 se adentró en un trigal cerca del pueblo de Auvers-sur-Oise, en las afueras de París, y se disparó al pecho.

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El Futuro del Diseño: La Importancia del Diseño Sostenible

En un mundo donde el cambio climático y la degradación ambiental son realidades innegables, el diseño sostenible se ha convertido en un imperativo para crear un futuro más equilibrado y saludable. Pero, ¿qué es realmente el diseño sostenible y por qué es crucial en el contexto actual? En esta publicación, exploraremos los principios del diseño sostenible y cómo puedes aplicarlos en tus proyectos, ya sea en arquitectura, moda, interiores o productos.

¿Qué es el Diseño Sostenible?

El diseño sostenible se refiere a la creación de productos, servicios y entornos que respetan y protegen el medio ambiente. Este enfoque busca minimizar el impacto ambiental, fomentar la responsabilidad social y promover la economía circular. En esencia, el diseño sostenible no solo considera la estética y funcionalidad, sino también la huella ecológica que deja en el planeta.

Principios Clave del Diseño Sostenible

Uso de Materiales Ecológicos: Optar por materiales renovables, reciclados o de bajo impacto ambiental es fundamental. Esto incluye maderas certificadas, fibras orgánicas, metales reciclados y plásticos biodegradables.

Eficiencia Energética: Diseñar espacios y productos que consuman menos energía es vital. La implementación de tecnologías como paneles solares, iluminación LED y sistemas de calefacción y refrigeración eficientes contribuye significativamente a reducir la huella de carbono.

Ciclo de Vida del Producto: Considerar todo el ciclo de vida de un producto, desde la extracción de materias primas hasta su desecho, ayuda a identificar oportunidades para mejorar la sostenibilidad. El objetivo es minimizar el desperdicio y maximizar la reutilización y el reciclaje.

Diseño Centrado en el Usuario: El diseño sostenible no es solo sobre el medio ambiente; también se trata de crear productos y espacios que mejoren la calidad de vida de las personas. Incorporar principios de accesibilidad y bienestar es crucial para un enfoque holístico.

Fomentar la Economía Circular: Este concepto se basa en el principio de "reducir, reutilizar y reciclar". Diseñar productos que sean fácilmente desmontables y que puedan tener múltiples usos asegura un ciclo de vida más largo y positivo para los recursos.

Ejemplos de Diseño Sostenible en Acción

Arquitectura Verde: Edificios que utilizan energía renovable, sistemas de recolección de agua de lluvia y materiales locales son ejemplos de cómo la arquitectura puede ser amable con el planeta.

Moda Sostenible: Marcas que optan por prácticas éticas, como la fabricación de ropa a partir de materiales reciclados y el uso de procesos de producción que reducen el desperdicio, están liderando el camino hacia una industria más sostenible.

Mobiliario Ecológico: Diseñadores de muebles que utilizan madera reciclada o biodegradables crean piezas que no solo son estéticamente agradables, sino también responsables con el medio ambiente.

¿Cómo Puedes Incorporar el Diseño Sostenible en Tu Vida?

Informarte y Educate: Conocer las prácticas y materiales sostenibles es el primer paso hacia un diseño responsable.

Elegir Compras Conscientes: Prioriza productos de marcas que tengan un compromiso con la sostenibilidad. Investiga sobre su cadena de suministro y las prácticas laborales.

Implementar Cambios en Tu Espacio: Pequeños ajustes, como el uso de bombillas LED o la elección de muebles de segunda mano, pueden tener un gran impacto.

Apoyar Iniciativas Locales: Col

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Contrastes estilísticos: Guggenheim vs. Kursaal

El Guggenheim, diseñado por Frank Gehry, y el Kursaal, diseñado por Rafael Moneo, son grandes símbolos culturales diseñados en la era contemporánea. Ambos resaltan por su grandeza, formas distintivas y diferencias de su entorno. Al momento de comparación, contrastan muy bien, que incluso se complementan, y resaltan las características innovadoras y únicas de cada uno. Estas dos obras arquitectónicas contrastan entre sí y resaltan sus características distintivas.

Estos símbolos culturales resaltan por sus diseños riesgosos, su magnitud y ruptura visual. Además de cumplir con sus funciones de museo y auditorio, estos sirven como símbolos de modernidad e innovación en sus ciudades respectivas. Rompen con la arquitectura tradicional e integran el arte a ella. El Guggenheim tiene un diseño artístico e innovador de formas deconstructivas, asimétricas, de diferentes volúmenes y ángulos, y está construido con titanio que refleja la luz del río y su entorno. El Kursaal tiene un diseño minimalista y geométrico, construido de vidrio, emitiendo luz durante día y noche. Tiene un leve desplazamiento angular para evitar que se vea demasiado estático.

Cuando estas dos arquitecturas se comparan, resaltan sus cualidades. El diseño de Gehry, que es deconstructista, se percibe innovador, caótico, orgánico, monumental y llamativo. Su capacidad de convertir un entorno urbano en un monumento es apreciada al compararlo con el diseño de Moneo. El Kursaal es más sencillo, pero aún así, sigue siendo complejo en su diseño. Crear el desplazamiento requiere mucha precisión para un equilibrio visual y seguridad. Para su material del exterior, que es vidrio, es necesario soluciones para que haya seguridad, durabilidad y que cumpla con todas sus funciones de auditorios y salas, y a la misma vez mantenga el juego de luz que crea.

El Guggenheim y el Kursaal son símbolos culturales por sus diseños innovadores. Rompen con la arquitectura tradicional, integran el arte y forman una ruptura visual. Se complementan por sus estilos diferentes y se destaca su unicidad. El Guggenheim refleja la luz de su entorno, es abstracto, tiene formas curvas, orgánicas y asimétricas, mientras que el Kursaal emite la luz interior hacia su entorno, es lineal, geométrico y para más detalles tiene un desplazamiento lateral.

https://en.wikiarquitectura.com/building/guggenheim-bilbao/

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/auditorio-kursaal/