#arquitectura orgánica

[moonlight4uok]

Hice un pequeño boceto de algunos personajes de Afk Journey y pues… Repito y recalco que me encanta demasiado el diseño de Bryon, es súper dibujable jaja, es que está súper bien diseñado, es como que todo encaja, y el concepto del ave, los detalles están por todas partes, es hermoso! 🥺

Al dibujarlo a la rápida sentí como que todo estaba en su lugar, todo pertenece donde está, hay demasiada armonía, simetría y detalles bonitos y son como líneas continuas que conforman un todo bien equilibrado ���

Es como la arquitectura orgánica 🤌🏻✨

Tenía razón cuando lo vi por primera vez y sentí que podría ser un personaje que yo diseñaría

[carlosenrique-mx]

La Casa Ennis, diseñada por Frank Lloyd Wright y terminada en 1924, es un ejemplo icónico de su método de construcción con bloques. Ubicada en Los Ángeles, California, la casa son bloques de hormigón entrelazados con un estilo distintivo del Renacimiento Maya. El diseño se integra con el sitio en la ladera, ofreciendo vistas panorámicas de la ciudad. Los intrincados patrones geométricos de la casa y las innovadoras técnicas de construcción la convierten en un hito en la arquitectura moderna, reflejando la visión de Wright de la arquitectura orgánica.

Fotografías: MBS Architecture

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La Casa del Árbol © 2013 Arquitectura Orgánica – Javier Senosiain | México, D.F. | caracol1@prodigy.net.mx e-mail

[alextorres2003]

Frank Lloyd Wright: La Arquitectura Orgánica y su Legado

Frank Lloyd Wright (1867-1959) es ampliamente reconocido como uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Su contribución a la arquitectura moderna se destaca por su enfoque en la integración de la naturaleza con la estructura, un concepto conocido como arquitectura orgánica. Wright creía que la arquitectura debía fusionarse armoniosamente con su entorno, lo que resultó en un conjunto de obras innovadoras que desafiaron las convenciones de su tiempo.

Wright diseñó algunas de las casas más icónicas de la historia, como la “Casa de la Cascada” (Fallingwater), una vivienda que parece flotar sobre una cascada en Pensilvania. Otra obra maestra es la “Casa Robie”, que muestra su enfoque en líneas horizontales y materiales naturales. Su proyecto “Taliesin West” en Arizona, su hogar y estudio, es un testimonio de su amor por el desierto y su habilidad para fusionar la arquitectura con el paisaje circundante

Wright influyó significativamente en dos de los arquitectos más destacados de la arquitectura moderna: Le Corbusier y Mies van der Rohe. Le Corbusier compartió la pasión de Wright por la arquitectura como una respuesta a las necesidades humanas, aunque su estilo difiere en términos de estética. Mies van der Rohe, por otro lado, adoptó la simplicidad y la funcionalidad de Wright, contribuyendo al desarrollo del movimiento moderno y el uso del vidrio y el acero en sus diseños.

El legado de Frank Lloyd Wright perdura en la arquitectura contemporánea. Arquitectos de todo el mundo siguen buscando inspiración en su trabajo y sus ideas innovadoras. Su énfasis en la relación entre la naturaleza y la arquitectura continúa siendo una fuente de inspiración para proyectos sostenibles y respetuosos con el entorno.

En resumen, Frank Lloyd Wright dejó una huella imborrable en el mundo de la arquitectura a través de su enfoque único en la arquitectura orgánica y su capacidad para fusionar la naturaleza con el diseño. Su influencia se puede rastrear en el trabajo de arquitectos como Le Corbusier y Mies van der Rohe, quienes compartieron su pasión por la innovación y la función en la arquitectura. Su legado perdura en la actualidad, y su trabajo sigue siendo una fuente de inspiración para las generaciones venideras de arquitectos.

[ahaan-and-jaiveer-agricultura]

Introducción al Modernismo

¡Hola! En este blog, nosotros hablaremos sobre el modernismo y su efecto en el mundo de habla hispana.

¿Que es Modernismo?

Los países latinoamericanos tomábamos prestado de Europa el estilo arquitectónico que caracteriza el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, la Avenida Central de Río de Janeiro y la Avenida de Mayo en Buenos Aires.

En América Latina, el estilo arquitectónico modernista o internacional ganó popularidad a mediados del siglo veinte, reemplazando el clasicismo de los años anteriores. El modernismo se convirtió en el nuevo estilo o filosofía de arquitectura y diseño más importante del siglo veinte. Se asociaba con un enfoque analítico de la función de los edificios, un uso estrictamente de los materiales, la innovación estructural y la eliminación de la ornamentación.  

El Estilo Internacional es un término general que se refiere a la arquitectura moderna sin ornamentación que revele su forma estructural. Los diseños utilizan paredes de hormigón armado. Sin ornamentación, los exteriores de muchos de estos edificios presenta un diseño geométrico, unidades modulares y líneas limpias.

Este estilo arquitectonico transformaba muchas ciudades latinoamericanas, como la Ciudad de México y Brasilia, en ciudades modernas. En México, la década de 1950 marcó el retorno a la especificidad local y cultural, muy en línea con la arquitectura orgánica de Frank Lloyd Wright. En Brasil, el modernismo crecía de manera diferente, convirtiéndose en un carácter distintivamente expresionista, llamado "modernismo de forma libre." En Argentina, algunos arquitectos volvieron al neoclasicismo, mientras que otros adoptaron versiones extremas del modernismo, a veces denominadas brutalismo, debido al uso del cemento.

En América Latina, el modernismo tenía un impacto significativo, transformando las ciudades con sus diseños elegantes y funcionales. Reemplazó estilos arquitectónicos anteriores como el clasicismo. Cada país de la región adoptaba su propia forma del modernismo pero, la conexión entre estas interpretaciones eran similares en el nivel básico.

Al final, el modernismo tenía un gran impacto, haciendo que las ciudades fueran elegantes y funcionales, reemplazando estilos más antiguos como el clasicismo. El modernismo es uno de los estilos más importantes, y entre los años 1930 y 1970, cambió el curso de la historia de arquitectura. Yo no creo que la diversidad decorativa que caracteriza la arquitectura de postmodernista ocurriera sin la popularidad de modernismo. Cada país tenía diferentes tipos de modernismo, pero las ideas centrales eran las mismas.

Jaiveer

Fuentes:

https://www.architecture.com/explore-architecture/modernism

https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/latin-american-modernist-architecture/a/international-style-architecture-in-mexico-and-brazil

https://www.jstor.org/stable/1555399

¿Quiénes son algunas de las personas detrás del modernismo?

Hola a todos, mi nombre es Ahaan Modi. Voy a Horace Mann y he decidido hacer un blog sobre el movimiento modernista en América Latina. El movimiento modernista ha tenido un gran éxito a lo largo de los años gracias a múltiples arquitectos. Los arquitectos se alejaron de los estilos tradicionales europeos y crearon el movimiento modernista.

Primero está Luis Barragán de México. Luis Barragán es a menudo considerado como una de las figuras más importantes de la arquitectura modernista mexicana y latinoamericana. Su trabajo es conocido por su uso del color, la luz y la geometría, creando espacios serenos y contemplativos. Sus diseños a menudo incorporan elementos tradicionales mexicanos. Otro arquitecto con gran influencia es Oscar Niemeyer. Oscar Niemeyer fue un arquitecto brasileño conocido por sus contribuciones al desarrollo de la arquitectura modernista. Fue uno de los arquitectos clave detrás del diseño de Brasilia, y su trabajo se muestra en el uso de líneas curvas y la integración de la arquitectura con el entorno natural. Otro latinoamericano con gran influencia fue Clorindo Testa. Fue un arquitecto argentino que jugó un papel importante en el desarrollo de la arquitectura brutalista en América Latina. Entre sus obras destacadas se encuentra la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires. Sus diseños para Argentina fueron muy diferentes a los de otros arquitectos debido a su estilo único. Finalmente, otro arquitecto latinoamericano es Eladio Dieste. Eladio Dieste fue un ingeniero y arquitecto uruguayo conocido por su uso innovador del ladrillo en la arquitectura modernista. Sus diseños a menudo se centran en las partes estructurales de los materiales.

Estos cuatro arquitectos tuvieron un papel significativo en el cambio de América Latina de sus costumbres colonizadas a una cultura moderna. Todos tienen diferentes estilos, lo que hace especial el movimiento modernista en América Latina. En nuestro próximo post, explicaremos más sobre los diferentes edificios y monumentos que estos arquitectos hicieron en Latinoamérica con el fin de cambiar la cultura.

Yo creo que estos arquitectos y muchos más ayudaron a cambiar la arquitectura latinoamericana hoy. Si estos arquitectos no cambiaran las tradiciones de la construcción en América Latina, hoy sería muy diferente. Además, las ideas que tenían sobre el modernismo fueron importantes para los arquitectos de las últimas décadas. En conclusión, estos arquitectos fueron importantes para el movimiento modernista latinoamericano.

Ahaan

Fuentes:

https://www.optima.inc/modernist-movements-in-south-america/#:~:text=Architects%20such%20as%20Luis%20Barrag%C3%A1n,legacies%20of%20their%20home%20countries.

https://www.architectural-review.com/essays/exhibitions/latin-america-was-a-place-where-modernist-dreams-came-true

https://www.architecturalrecord.com/articles/6337-modern-architecture-in-latin-america-art-technology-and-utopia

[lannashanen]

La Cosmología Barroca.

Éste ensayo, escrito por Severo Sarduy quien fue uno de los más grandes escritores cubanos del siglo XX , gran narrador de el neobarroco nos demuestra en su ensayo el impacto tan importante de como un pensamiento, como la cosmología Barroca comenzó abrirse paso en la religión y la filosofía, que además la podíamos ver reflejada en la arquitectura y el arte.

El Barroco, lo encontramos como un punto en donde hay un cambio total con la forma representativa ( la manera de ver nuestro alrededor) ya se deja de lado esa centralidad , debido a que es en este punto donde los nuevos conocimientos nos permite explorar mucho más . Distinta forma de pensar (en donde descubrimos que nosotros no somos el centro de todo, si no una pequeña parte de un espacio infinito, en donde no encontramos una centralidad.

Nace el pensamiento de la topología Barroca. En donde se menciona que antes nuestros pensamientos estaban contenida ya que no conocíamos esa infinitud , ya no hay un límite que no nos permita esa infinidad de posibilidades .

Con ésto, la arquitectura se ve afectada, en la cual comenzamos a ver otras formas donde hay un único centro ( elipsis , hipérbolas y parábolas). Cambiando así desde como se organizan la ciudades ideales, ya que ahora comienzan a organizarse de manera por así decirlo orgánica, en donde no solo podemos ver un mayor crecimiento , sino también distintos centros que nos ayudan a ésto. Además podemos verlo también en distintas obras, con esa doble focalización , nuevas perspectivas.

También nos habla sobre la anamorfosis, la cual es una perversión de la perspectiva , como por ejemplo la elipse que es una perturbación del círculo, además es de mencionar que la anamorfosis se trataba como algo extraño e incomprensible, algo antinatural , que en ese momento se oponía a lo tradicional, por otro lado éste pensamiento era motivo de estudio en el cual se podía sacar provecho.

[marbetxsarq]

Parcial II / Tercera Fase

Conclusiones sobre el trabajo grupal.

-James S. Ackermann

La arquitectura de Miguel Angel

Este texto nos habla y relata parte de la vista y el pensamiento de Miguel Ángel al momento de diseñar, unir puntos, generar líneas y espacios. Este autor (Ackermann) inicia comentando y en cierto modo “JUSTIFICANDO” la manera en la que los teóricos renacentistas relacionaban las partes del cuerpo humano con la arquitectura, caso que estaba sucediendo desde los tiempos de la antigua Grecia ya que en cierto modo se asociaba; pero todo esto desde décadas pasadas seguía un mismo “patrón”, en sentido de que todo ese tiempo al momento de relacionar la arquitectura con el cuerpo humano lo hacían y veían de un manera “inactiva”, todo esto hasta la llegada de Miguel Ángel. Ackermann describe la visión de Miguel Ángel como algo Genuino, algo único a diferencia de la monotonía que venía pasando desde tiempos pasados, que es ver la arquitectura no solo relacionada con las partes del cuerpo humano, sino con sus funciones, ¡ y todo esto visto de una manera ORGÁNICA !, dándole “vida” y “movimiento” a las obras…

Al momento de que los escritores y/o arquitectos hablaban o diseñaban en base al cuerpo humano, no lo hacían de una manera viva/orgánica, lo hacían en base a relaciones matemáticos, así asimilaban a las partes del cuerpo humano, cosa que estaba bien, pero Miguel Ángel Criticaba eso ya que no solo debemos ver la arquitectura de ese modo, el buscaba más; podría decir que lo hacía de una manera subjetiva, que sería en base al sentimiento, tal vez… Pero más allá de eso se refiere a ver la arquitectura de una manera viva orgánica que tú la veas y sientas algo (por eso comenté lo del sentimiento). Miguel Ángel cambió la arquitectura, sus opiniones iban más allá de lo que pensaba la metrópoli, ya que él no se conformó con lo que ya estaba; incluso su manera de ver las cosas lo hacía distinto, la perspectiva era buena, (dibujar en perspectiva) pero él no lo hacía mucho ya que opinaba que el observador nunca estará quieto en un mismo punto viendo una obra, hay (MOVIEMIENTO).

Es un texto muy halagador por parte del escritor, Ackemann hacia Miguel Ángel, apoyando su visión y manera de diseño, mostrando un antes y un después desde la llegada de este gran pintor, escultor y Arquitecto, Miguel Ángel.

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YOYOGI OLYMPIC ARENA

Autor: Kenzo Tange

Localización: Tokyo

Superficie total : 34,204 m2

Cronología: 1964

            Biografía del autor

Kenzo Tange nació en un pequeño pueblo de Isla Shikoku, Japón el 4 de septiembre de 1913. Estudió arquitectura e ingeniería en la Universidad de Tokio y se convirtió en profesor en 1946. En la misma universidad fundó Tange Lab, formando a famosos arquitectos como Maki Fumihiko o Arata Isozaki. Se les encargó la reconstrucción de Hiroshima, que fue destruida por la bomba atómica.

En la zona más bombardeada, Tange construyó el Parque de la Paz, un museo y símbolo de paz que se convirtió en un referente internacional de la modernización de Japón. La mayor parte de su estructura es de hormigón armado. Durante la década de 1950, diseñó edificios públicos, edificios del parlamento, bibliotecas y ayuntamientos.

En 1958, su estilo se consolidó en la oficina de Takamatsu de la prefectura de Kagawa, un edificio de nueve pisos en el que apareció un sistema de vigas y columnas de hormigón pretensado. Para los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964, construyó dos pequeños estadios con candados. La Catedral Católica de la capital japonesa (1965) se centra en una aguja espiral de hormigón y vidrio rodeada por cuatro casquetes parabólicos de acero inoxidable.

Fue el responsable del plan maestro para la Exposición Universal de 1970 en Osaka y,  a partir de este encargo, su enfoque estilístico evolucionó hacia una arquitectura más orgánica. Kenzo Tange murió en su casa de Tokio el 22 de marzo de 2005, a la edad de 91 años.

            Contexto cultural y descripción de la obra

El Gimnasio Nacional Yoyogi es un edificio que funciona como estadio deportivo. Fue construido en Tokyo Dan durante los Juegos Olímpicos de Verano de 1964. Diseñado por Kenzo Tange, uno de los arquitectos modernistas más famosos de Japón, este gimnasio es una mezcla de la estética modernista occidental y la arquitectura japonesa tradicional.

Este edificio tiene un diseño arquitectónico distintivo, famoso por su diseño de techo suspendido. El estadio tiene una capacidad de 13.291 y actualmente se utiliza principalmente para hockey sobre hielo y baloncesto. El concepto de espacio es original y audaz. Ambos edificios utilizan los últimos sistemas estructurales, como la catedral de Santa María con una carpa y un sistema de cables de acero que funciona como una fuerza de tracción integrada para todos los elementos.

La estructura del techo de cables de acero tiene forma de parábola hiperbólica. El hueco detrás de la marquesina está acristalado, mezclandose con la construcción de iluminación artificial. La estructura principal del gimnasio es un edificio de planta rectangular que se estrecha hacia arriba. En este edificio, Tange mezcla la sotifiscación de la tecnología estructural del siglo XX con una estructura moderna, a saber, una carpa y un sistema de cables de acero que actúa como una fuerza de tracción integrada. resiste todos los elementos. Eligió la estructura de techo de cable de acero porque la estructura de acero a la tracción era un elemento arquitectónico importante en ese momento y la estructura de acero a la tracción tenía una alta resistencia a la tracción y a la tracción.

El concepto aplicado al Gimnasio Nacional Yoyogi, del arquitecto Kenzo Tange, tomó algunos elementos clásicos del techo del santuario sintoísta, característico de Japón.

Bibliografía:

Safitri, E. (2014, 2 noviembre). Yoyogi National Gymnasium «Study Analysis». «https://www.academia.edu/9093798/Yoyogi_National_Gymnasium_Study_Analysis_»

Vallejo,E.L.(2017, 4 diciembre). Kenzo Tange. «https://www.academia.edu/35339531/Kenzo_Tange»

Claros,B.C.(2016, 25 octubre). KENZO TANGE. «https://www.academia.edu/29411849/KENZO_TANGE»

Gimnasio Nacional de Tokio - Ficha, Fotos y Planos. (2020, 19 octubre). «WikiArquitectura. https://es.wikiarquitectura.com/edificio/gimnasio-nacional-de-tokio/»

Torrijos, G. (2005, 5 abril). Kenzo Tange, el arquitecto que transformó Tokio. El País. «https://elpais.com/diario/2005/04/05/agenda/1112652009_850215.html»

Honoring the Legacy of Kenzo Tange. (s. f.). Tokyo Art Beat. «https://www.tokyoartbeat.com/en/articles/-/honoring-the-legacy-of-kenzo-tange»

KENZO TANGE: GIMNASIO NACIONAL DE YOYOGI, TOKIO. (2011, 5 octubre). Pinterest. «https://www.pinterest.es/pin/643522234224478049/»

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VILLA MAIREA

ARQUITECTOS: HUGO HENRIK ALVAR AALTO

LOCALIZACIÓN: NOORMAKKU, FINLANDIA.

CRONOLOGÍA:

INICIO DE PROYECTO: 1937

FIN DE LA CONSTRUCCIÓN: 1940

Biografía del Arquitecto:

Alvar Aalto nació en kuortane, Finlandia, el 3 de febrero de 1898. Fue un importante arquitecto y diseñador de muebles. Aalto fue uno de los arquitectos que mas influencia tenía a lo largo de sus mas de cincuenta años de carrera.

En el año 1921 se graduó en Arquitectura y desde entonces, estuvo realizando sus obras por todo el mundo. En 1922 realiza su primera obra, el Edificio de Exposición Industrial de Tempere. Tras ello, en el año 1923 fundó su propio estudio de arquitectura.

Sus primeros proyectos tenían el típico estilo clasista nórdico, pero su carrera evolucionó y empezó a tomar una estética del movimiento modero. 

En la arquitectura de Alvar Aalto el uso de formas geométricas básicas revela el racionalismo funcionalista, sin embargo, la utilización conjunta de líneas sinuosas tiende a romper la ortogonalidad de la caja arquitectónica a la vez que acentúa la corporeidad de su edificio.

Recibe numerosos premios a lo largo de su carrera, entre los que se encentran la Gran Cruz de la Orden del Halcón en Islandia y la Grande Medaille de l’Academie de l’Architecture, ambas otorgadas en el año 1973.

Sus obras mas destacadas son:

Universidad de Jyväskylä, Ayuntamiento de Säynätsalo, Stephanuskirche, Biblioteca de Viipuri, MIT Baker House Dormitory…

Descripción de la obra:

Alvar Aalto fue siempre presentado como el “humanizador y naturalizador” de una arquitectura racional y modernamente fría para la época.

Hay indicios de que Aalto se inspiró de Maire, ya que ella había estudiado pintura en París de los años 20. Gracias a la técnica del collage hizo que Aalto pudiera hacer una casa magnífica e inconfundiblemente finlandesa.

La Villa Mairea es una casa de verano construida en Noormarkku, Finlandia. Esta fue diseñada para el matrimonio finlandés Gullichsen a mediados de la década de los años treinta.

El matrimonio dio al Arquitecto y su ayudante vía libre para plantear una casa diseñada hasta el más mínimo detalle existente, ya que le garantizaron un presupuesto sin límites.

Es una casa que tiene dos plantas. En el primer nivel podemos encontrar el patio, que está totalmente integrado hacia el espacio natural. En el centro del patio, se encuentra una piscina que, con su forma orgánica, se asemeja a los lagos finlandeses. También existe el hall de entrada hacia la casa.

En el interior podemos ver un vestíbulo que conduce al salón, el cuál está al lado de la sala de reuniones y la biblioteca, ambas separadas por tabiques. A la salida de dichas salas, se encuentran unas escaleras que conducen a la segunda planta. Además de estos espacios, se encuentra la cocina y la oficina principal. Aunque parece una vivienda bastante jerarquizada, existe un espacio muy fluido debido a la disposición de las columnas puestas de formas aleatorias siguiendo la idea del bosque.

En la segunda planta, podemos observar una sala de juegos de niños, y del vestíbulo se puede acceder a los dormitorios. El de los niños y el del matrimonio está separado por un baño. Frente a estos dos dormitorios, se encuentran otros dos dormitorios que dan hacia la terraza. Por último, también se encuentra el taller de Maire Gullichsen. Este taller de pintura tiene una fuerte relevancia en la composición exterior de la villa Mairea.

Bibliografia:

Urbipedia- Consultado el 15/12/2022

URL: https://www.urbipedia.org/hoja/Alvar_Aalto

Biografías y vidas- Consultado el 16/12/2022

URL: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/aalto.htm

CIRCARQ- Consultado el 11/12/2022

URL: https://circarq.wordpress.com/2017/10/12/villa-mairea-aino-y-alvar-aalto-1937-38/

Wikiarquitectura- Consultado el 09/12/2022

URL: https://es.wikiarquitectura.com/edificio/villa-mairea/

Archdaily- Consultado el 12/12/2022 URL:https://www.archdaily.cl/cl/784719/10-proyectos-de-alvar-aalto-que-destacan-la-riqueza-de-su-legado

[arianacruzsblog]

Dos Estilos: Frank Gehry y Raphael Moneo

Cada arquitecto tiene su propio estilo y es muy importante entenderlo, el estilo de Mies van der Rohe es muy simple mientras que el estilo de Antoni Gaudí es muy complejo, la diferencia es enorme. Al igual que Mies y Gaudí, Frank Gehry y Raphael Moneo tienen algunas diferencias importantes, pero esto no es óbice para el éxito de su obra. Son grandes héroes de la arquitectura y su búsqueda de la buena arquitectura es muy evidente. Frank Gehry es ese tipo raro de arquitecto que ha cosechado tanto elogios de la crítica como fama popular. Desde Frank Lloyd Wright, un arquitecto no ha sido un nombre tan familiar.

Los diseños de Gehry desdibujan dramáticamente la línea entre el arte y la arquitectura, sin embargo, el fuerte atractivo de sus diseños escultóricos no oscurece el papel de la función. Sigue un minucioso proceso de sutil visión y revisión tanto en sus bocetos como en su taller de maquetas. Es un error común pensar que los edificios de Gehry están construidos como meros contenedores, construidos por el bien de su forma. En verdad, los edificios están construidos de adentro hacia afuera. Los estudios de masas de bloques de madera se construyen y reconstruyen de acuerdo con los propios bocetos en evolución de Gehry. Los modelos gestuales de cartón, madera y tela actúan como intermediarios, manteniendo a Gehry consciente de las implicaciones tridimensionales. El proceso, como admite Gehry en la película, le obliga a “trabajar en dos o tres escalas a la vez”. Esto le obliga a olvidarse de la maqueta como “objeto de deseo” y concentrarse en cambio en el funcionamiento del edificio.

Los edificios de Gehry son muy ocupados, aleatorios, dinámicos, no tan ordenados y meticulosos como los de Moneo. Gehry es un diseñador que comienza su trabajo con dibujos de los que deriva su obra. Esto contrasta con Moneo, quien creía que los dibujos eran inútiles para completar las obras, ya que los edificios no se podían dibujar. Gehry se caracteriza por jugar con sustancias orgánicas en sus obras, mientras que Moneo es completamente diferente. Moneo estaba interesado en el orden más que en la experiencia tridimensional del espacio. Aunque sus estilos son muy diferentes, sus edificios son todos muy singulares a los ojos del mundo, que se dejan llevar por construcciones antiguas. No hay duda de que las diferencias entre Mies y Gaudí son extremas, y hay poca o ninguna similitud entre sus obras, el Guggenheim y el Cousard. Estos edificios se han convertido en una parte importante del terreno en el que se ubican.

Es sorprendente cómo dos arquitectos muy diferentes y únicos tienen algunas similitudes en sus obras. Como dije antes, la diferencia entre Moneo y Gehry es enorme. Lo que buscaban, lo que defendían y la forma en que se realizaba su trabajo diferían, pero puede haber algunas similitudes en la arquitectura entre los dos. En la vida de los arquitectos, siempre se nos dice que nunca hay una solución correcta, hay muchas. Entonces, el proceso puede ser diferente, pero no hay nada de malo en eso, porque se puede ver en su arquitectura que estas arquitecturas han tenido mucho éxito.

[aconcretejungle]

RON ARAD

Diseñador Israeli académico, con su lema “nada hecho a mano, nada hecho en China” crea interiores metálicos con un enfoque de iluminación muy analizado. En sus diseños combina la arquitectura y el diseño a través del material. Arad experimenta la materialidad y la forma con el fin de descubrir a que se puede trasladar.

En el hotel Puerta America piso 7 Arad diseña un interior que nos transporta al futuro, donde el acabado metálico es de tan alta calidad que no tiene uniones, aparenta haber sido extruido en una sola pieza. Este baño con un piso blanco y muros rojos engaña a la percepción visual sobre el espacio, pues a pesar de ser pequeño, el espejo colocado en el todo el muro de enfrente amplía el espacio al doble sin literalmente agrandarlo. 

En el hotel Watergate Ron Arad remodela los interiores transformándolos en un aura metálica de formas orgánicas. Obteniendo un espacio frío que a pesar de ser gris no es oscuro ni pesado, pues el metal se siente como si hubiera nacido en el edificio, todo parece siempre haber estado ahi, sin embargo no se pierde el aire de que al entrar viajaste al futuro. 

El interior de Glossier diseñado por  Max Zinser and Kate McCollough comparte características en cuanto a color con el interior de Arad, sinembargo al tener una materialidad y forma distinta se genera una atmósfera completamente diferente, una más suave.

En el metal hands cafe también utilizan estructuras metálicas como acabado, sin embargo en este caso se siente completamente sobre puesto. Con la iluminación cenital se baña de luz el pasillo, sin embargo este no deja de sentirse angosto. 

CITAS

FOTO 1: “Ron Arad · Hotel Puerta América, Seventh Floor.” Divisare, https://divisare.com/projects/317332-ron-arad-hotel-puerta-america-seventh-floor. Accessed 28 November 2022.

FOTO2: Roux, Caroline, et al. “Re-vamped Watergate Hotel opens its doors after $125 million Ron Arad renovation.” The Telegraph, 14 June 2016, https://www.telegraph.co.uk/luxury/property-and-architecture/re-vamped-watergate-hotel-opens-its-doors-after-125-million-ron/. Accessed 28 November 2022.

FOTO3: Keller, Hadley. “Glossier Unveils a Fabulous New Brick-and-Mortar Space.” Architectural Digest, 3 November 2017, https://www.architecturaldigest.com/story/glossier-unveils-a-fabulous-brick-and-mortar-space. Accessed 28 November 2022.

FOTO4: Shuang, HAN. “Metal Hands Coffee Renovation / Linkchance Architects.” ArchDaily, 12 March 2020, https://www.archdaily.com/935204/metal-hands-coffee-renovation-linkchance-architects. Accessed 28 November 2022.

[d-e-s-c-o-o-r-d-i-n-a-d-a]

La naturaleza y su arquitectura antes de la intervención tecnológica eran orgánicas, armoniosas y amigables con el ecosistema. Los lugares poblados por el ser humano, se les nombraban por algún vegetal u otro animal que usualmente allí habitaba; luego de que se descubrieran las herramientas e insumos de construcción, comenzó la invasión de viviendas, caracterizadas por las culturas más poderosas y corrientes históricas: europeas, coloniales, renacentistas, góticas, barrocas, etc. Con ellas nacieron también las calles, avenidas y pasajes denominados con el nombre de algún descubridor, conquistador, guerrero, u otro exponente histórico; dando paso a la creatividad moderna para cimentar construcciones: contemporáneas, Bauhaus, Art Decó, funcional que, sumado al marketing y al capitalismo, desencadenó la construcción de guetos verticales sin ninguna estética, calidad, ni seguridad para vivir, como cual prenda de ropa desechable por moda, temporada, cualidad de material compra cualquier persona que la olvidará rápidamente en el bote de basura.

Existen ciclos, y creo que estamos viviendo el último, al ver que, al parecer, involucionamos, perdiendo identidad, voluntad, consciencia tanto interna como con el medioambiente, habitando un plano veloz y plenamente superficial.

[alexamarierodriguez]

El impacto de los sistemas proporcionales en la arquitectura: Un análisis desde diferentes perspectivas

ARQU 4211-001 / Prof. Isado

Gabriel A. Fontánez Rivera

Rubí Soto Ortiz

Andrea S. Gómez Díaz

Alexamarie Rodriguez Monge

A lo largo de las últimas clases, hemos discutido la evolución de la creatividad en la arquitectura y cómo las antiguas prácticas siguen influyendo en la arquitectura contemporánea. En las presentaciones realizadas por los compañeros, se abordaron diversos puntos de vista que nos ayudaron a comprender mejor estas ideas desde perspectivas variadas. En particular, los grupos lograron exponer sus argumentos de manera clara y precisa, lo que facilitó un análisis profundo sobre los sistemas proporcionales, un tema que generó debate al haber opiniones diversas y que sigue siendo relevante en el diseño arquitectónico actual.

A pesar de que las proporciones suelen seguir leyes matemáticas, las presentaciones revelaron que este tema puede ser abordado desde diferentes puntos de vista. Se discutieron dos enfoques principales: el sistema de proporciones matemáticas y el sistema de proporciones estéticas. Un grupo se destacó al argumentar que la proporción es subjetiva, ya que su percepción depende del contexto cultural y artístico de una región. Este grupo explicó cómo las matemáticas pueden ayudar a crear una simetría que se percibe como estética, pero también plantearon una pregunta interesante: ¿la simetría garantiza automáticamente la belleza, o depende del gusto individual? Estos debates resaltan la tensión entre lo objetivo y lo subjetivo en la apreciación de la arquitectura.

Los compañeros también reflexionaron sobre cómo la arquitectura ha sido utilizada a lo largo de la historia para reflejar las creencias, valores y necesidades de las civilizaciones. A través de ejemplos como los monumentos egipcios y los edificios romanos, como el Panteón y el Coliseo, se destacó cómo las estructuras arquitectónicas pueden ser una expresión de poder y religión, además de dejar un legado duradero. Este análisis nos invita a ver la arquitectura no solo como un arte, sino también como una herramienta clave para entender la historia de las culturas. La influencia de estas antiguas civilizaciones sigue siendo evidente en obras modernas, lo que subraya la importancia de estudiar las proporciones y el simbolismo en el diseño arquitectónico.

Por último, se abordó la relevancia de las proporciones en la arquitectura antigua. Los compañeros explicaron que, aunque la belleza es subjetiva, las proporciones matemáticas crean un sentido de orden y armonía visual que es reconocido universalmente. Sin embargo, no toda belleza sigue este orden. Las obras de Antoni Gaudí, con sus formas más caóticas y orgánicas, son un ejemplo de cómo la belleza también puede encontrarse en lo no simétrico. Además, se compararon las antiguas ciudades de Teotihuacán y Tikal, que representan dos estilos arquitectónicos diferentes: uno más centralizado y geométrico, y otro más integrado con la naturaleza. Ambos estilos han influido en la arquitectura contemporánea, especialmente en el diseño ecológico y sostenible, lo que demuestra que las ideas antiguas siguen siendo valiosas para la arquitectura moderna.

En conclusión, las presentaciones de los compañeros nos llevaron a reflexionar sobre la importancia de las proporciones en la arquitectura y cómo estas siguen influyendo en el diseño contemporáneo. Tanto los enfoques matemáticos como los estéticos juegan un papel fundamental en la creación de belleza arquitectónica, y aunque la simetría puede generar armonía, la subjetividad del gusto individual también debe ser considerada. La arquitectura no solo sirve para diseñar espacios, sino que es una herramienta para entender la historia y los valores de las civilizaciones, demostrando su impacto duradero en nuestra sociedad actual.

[mrgslesp]

¿Por qué optar por cerámica efecto arcilla para una apariencia rústica?

Se puede lograr una estética rústica en cualquier ambiente seleccionando cerámicas con efecto arcilla. Estas cerámicas crean un ambiente cálido y acogedor, que imitan los tonos y texturas terrosos y cálidos de la arcilla real. Además, las cerámicas con efecto arcilla requieren poco mantenimiento y son duraderas, lo que proporciona el atractivo visual de los materiales convencionales sin las molestias. Su capacidad para resistir las manchas y la humedad agrega aún más funcionalidad a su utilidad, lo que garantiza que las áreas mantengan su atractivo y sigan siendo útiles para las actividades diarias.

Adoptando funcionalidad y estilo con piedra natural, cerámica con efecto arcilla y cerámica antideslizante La selección de materiales utilizados en el diseño de un espacio es crucial para su funcionamiento y apariencia. Los materiales cerámicos antideslizantes son tres soluciones destacadas que mejoran la funcionalidad y el atractivo estético de cualquier lugar: Sevilla, materiales de piedra natural y cerámica con efecto arcilla. Cada material tiene ventajas distintivas que los hacen apropiados para una variedad de usos tanto en contextos comerciales como residenciales.

Beneficios de las superficies cerámicas antideslizantes en Sevilla

Las cerámicas antideslizantes Sevilla están fabricadas especialmente para ofrecer seguridad sin sacrificar la elegancia. Perfectas para patios exteriores, caminos y lugares húmedos, estas cerámicas tienen una superficie rugosa que reduce drásticamente la posibilidad de resbalones. Especialmente en climas húmedos, sus cualidades antideslizantes garantizan que las áreas se mantengan seguras para los miembros de la familia y los visitantes.

Las cerámicas antideslizantes Sevilla son seguras, pero también vienen en una sobreabundancia de colores y diseños que permiten a los propietarios diseñar interiores exclusivos y llamativos. Son una inversión excesiva a largo plazo debido a su resistencia al desgaste y su capacidad para mantener sus cualidades estéticas y prácticas a lo largo del tiempo. Además, debido a lo simple que es limpiar y conservar estas cerámicas, los espacios interiores y exteriores juntos siempre serán acogedores y atractivos.

Examinando los materiales de piedra natural Los Materiales Piedra Natural  son conocidos por su resistencia y elegancia clásica. La piedra natural se origina en muchas variedades, como pizarra, granito y piedra caliza. Su diverso espectro de colores y texturas puede complementar cualquier estilo de arquitectura. Los materiales de piedra natural son adecuados para pisos, encimeras y fachadas, ya que brindan una sensación de refinamiento tanto a los ambientes interiores como exteriores.

La piedra natural tiene muchas ventajas, entre las que se encuentran su resistencia a la intemperie y sus bajos requisitos de mantenimiento. Además, la piedra natural actúa como un buen aislante, ayudando a controlar la temperatura de un espacio. Para los hogares con conciencia ecológica que buscan ahorrar gastos de energía y mejorar su espacio habitable, esto la convierte en una opción sostenible.

El encanto de la cerámica con efecto barro Una opción común para las personas que intentan producir un aspecto tradicional o rústico es la Cerámica Efecto Barro. Con sus tonos cálidos y texturas que evocan una sensación agradable, estas cerámicas se asemejan a la apariencia orgánica de la arcilla. Pueden combinarse fácilmente con una variedad de estéticas de diseño, desde modernas hasta rústicas, debido a su adaptabilidad.

La cerámica con impresión de arcilla es una excelente opción para áreas de alto tráfico como salas de estar y cocinas debido a su resistencia a las manchas y su extrema durabilidad. Debido a que son fáciles de mantener, las áreas pueden permanecer elegantes y útiles sin requerir mucho trabajo. Cualquier área gana carácter gracias al aspecto distintivo de la cerámica con efecto arcilla, que permite a los propietarios mostrar su gusto individual.

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"Antoni Gaudí: El Genio que Transformó Barcelona y Encontró su Trágico Final en las Calles que Creó"

Antoni Gaudí es considerado uno de los pioneros de la arquitectura moderna debido a su capacidad de romper con las formas convencionales de diseño arquitectónico y su enfoque innovador en la integración del arte, la naturaleza y la funcionalidad en sus obras. A continuación, algunos aspectos que lo destacan como pionero: 1. Uso Innovador de Formas Orgánicas Gaudí se inspiró en la naturaleza,…

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La arquitectura de Sevilla es, en nuestra opinión, una de las corrientes más impresionantes en la actualidad. En esta presentación, nosotras, Paula, Natalia y Lorena, del grupo 21, queremos mostrar algunos de los estilos arquitectónicos que nos gustan y compartimos. Además, presentaremos la información que hemos recopilado sobre algunos de los espacios arquitectónicos más emblemáticos de Sevilla, que nos inspiran a la hora de crear.

Yo soy Natalia y, para comenzar, voy a presentar una construcción sevillana tan importante como las ruinas de Itálica. Situada en el municipio de Santiponce, Sevilla, se trata de una ciudad romana fundada en el año 206 a.C. El elemento más notable de este conjunto arqueológico es su gran teatro, construido alrededor del siglo I a.C. Este teatro romano es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura romana que se conserva en España hoy en día, siendo uno de los más antiguos y mejor conservados de la península. En cuanto a su estructura y construcción, el monumento aprovechaba la pendiente de la colina en la que se sitúa para la disposición de las gradas, estando estas divididas en varias secciones que determinaban la clase social de los espectadores. La fachada del teatro, por su parte, no escatimaba en detalles arquitectónicos y decorativos, pudiéndose encontrar multitud de columnas, estatuas y grabados que, desgraciadamente, han ido perdiéndose con el paso de los siglos. Finalmente, encontramos la orchestra (orquesta en castellano), una plataforma o escenario donde se situaban los músicos, entre otros espectadores, y que aún conserva parte de los mosaicos y decoraciones que poseía en el pasado.

Con un estilo totalmente opuesto, nos encontramos con la catedral de Sevilla, que tal vez sea el monumento más emblemático de la ciudad y uno de los más representativos del país. Se trata de la catedral gótica más grande del mundo y se caracteriza por mezclar estilos de diversas culturas, como el ya mencionado estilo gótico, mudéjar, renacentista y barroco. Es por ello que este edificio es un perfecto ejemplo del legado multicultural de Sevilla y su gran riqueza histórica. Tal vez el elemento más característico de esta construcción y de la ciudad en general sea la Giralda, una fusión del estilo islámico y renacentista. Su base parte del minarete de la antigua mezquita, presentando un estilo almohade, mientras que la parte superior fue construida años más tarde, en el siglo XVI, por lo que es de estilo renacentista. Este monumento está coronado por su emblemático giraldillo, símbolo de la ciudad de Sevilla.

Las Setas de Sevilla, oficialmente conocidas como Metropol Parasol, se han convertido en uno de los emblemas arquitectónicos más fascinantes de la ciudad andaluza. Inauguradas en 2011 y diseñadas por el arquitecto Jürgen Mayer, estas estructuras se inspiran en la geometría orgánica y buscan crear un contraste armonioso con el entorno histórico de la ciudad.

La historia de las Setas de Sevilla se remonta a principios del siglo XXI, cuando la ciudad decidió renovar la Plaza de la Encarnación. El proyecto, conocido como Metropol Parasol, fue la solución ganadora de un concurso internacional de arquitectura. Su diseño, compuesto por una serie de enormes estructuras de madera y acero que se asemejan a setas gigantes, fue concebido para revitalizar el espacio público y ofrecer una nueva perspectiva sobre la integración de la arquitectura moderna con el contexto histórico de Sevilla.

Las Setas no solo son un atractivo visual, sino que también cumplen múltiples funciones prácticas. El nivel inferior alberga espacios comerciales y culturales, mientras que el nivel superior ofrece una pasarela panorámica que brinda vistas espectaculares de la ciudad y del casco antiguo.

Yo, Lorena, he escogido este monumento porque me resulta una invitación a pensar más allá de los límites establecidos y a no tener miedo de experimentar con nuevas ideas y formas. Rompiendo con las convenciones tradicionales y explorando nuevas formas de diseño, la estructura, que parece desafiar las leyes de la gravedad con sus gigantescas "sombrillas", muestra cómo la creatividad puede llevar a soluciones arquitectónicas únicas que transforman el paisaje urbano.

Estos monumentos sevillanos, a pesar de ser de estilos y épocas totalmente dispersas, reflejan la esencia de la ciudad, siendo un símbolo de los largos siglos de historia y cultura que posee. A continuación, presentaremos otra construcción que, aunque no pertenece a la cultura sevillana, nos resulta enormemente sugerente e inspiradora a la hora de hablar sobre arquitectura.

A mí, Paula, me gustaría hablar sobre el Templo de Diana. Aparte de que me fascina su arquitectura y composición y es un gran monumento, es un lugar que significa mucho para mí, pues de pequeña, con mi academia de ballet, representábamos muchos bailes en su escenario, y me recuerda a todos esos momentos tan bonitos que pasaba allí con mi familia y amigos. Es un templo romano construido en el siglo I d.C. en la antigua ciudad de Augusta Emerita, que ahora se conoce como Mérida. Verdaderamente, no fue construido como un monumento religioso para dar culto a la diosa Diana, sino que en él transcurría la vida política, se administraba justicia, se hacían transacciones financieras y mercantiles, y se ofrecían sacrificios en honor de los dioses.

Es uno de los monumentos mejor conservados. Esto se debe a que, durante mucho tiempo, el templo fue el palacio renacentista del Conde de los Corbos, conocido como la Casa de los Milagros. Se construyó en el siglo XVI aprovechando los restos del Templo de Diana, y aún se conservan algunas partes. A finales del siglo XX, fue adquirido y restaurado por el Estado Español, y ahora pertenece al Patrimonio Nacional. En cuanto a su arquitectura, siempre me ha inspirado mucho y lo he tomado como referente para algunos dibujos. Es considerado una de las maravillas arquitectónicas más importantes de la antigua Roma, con una fachada hexástilo y columnas imponentes. Refleja el poder y riqueza que poseían los ciudadanos de esa época, con capiteles corintios adornados con diseños muy detallados. El santuario interno muestra el ingenio arquitectónico de la época. Está construido sobre una plataforma elevada y posee un altar de mármol con una decoración mitológica. Las paredes están decoradas con frescos que muestran escenas históricas y dan una visión de la cultura romana. Su ubicación es estratégica, ya que se encuentra en el cruce de las dos vías principales de la ciudad, en el foro central.

En Sevilla, las Setas y la Catedral nos hablan de grandes logros arquitectónicos, donde el diseño se encuentra en perfecta armonía con el entorno histórico. Imagina ahora las marismas cercanas como un inmenso lienzo en blanco, donde la extracción de sal crea una "arquitectura líquida" de estanques y canales. Estos estanques, con sus formas geométricas organizadas, son como las estructuras de un edificio que la naturaleza ha diseñado, utilizando el sol y el viento como herramientas para esculpir su obra maestra.

Así, mientras las Setas desafían la gravedad con sus elegantes "sombrillas", los estanques de sal transforman el agua en cristales brillantes, mostrando que la creatividad y el ingenio se manifiestan tanto en los monumentos que admiramos como en los paisajes que a menudo pasamos por alto. Ambos revelan una profunda conexión entre la funcionalidad y la estética, cada uno a su manera, en un diálogo silencioso entre el hombre y el entorno.