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diario-vespertino · 2 years ago

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Violeta Parra y sus solas de rock

Buscadora, la Violeta. Como toda persona pobre, no tenía que esperar a que alguien la vea y la elija. Tenía que salir a buscar. Así empezó a nutrir sus conocimientos. Golpeando puertas y ventanas mientras arriba, quemando el sol, para recopilar esas voces y canciones del folclore de Chile.Contar a ella es como contar a Janis Joplin, con sus inseguridades de belleza y su deseo de buscar algo más, con esa soledad como sombra, la exponían y salían a relucir en sus canciones: soy esto, también decía Violeta. Por eso cuando hizo el tema “Gavilán” no quedó ninguna duda que la esencia del rock es más que una campera de cuero. Se sentaba ante personas ancianas o ya enfermas, tomaba nota, escuchaba fuerte, su formación crecía. Y al lado iba su hijo ángel con ese enorme grabador. Pero los pies se cansan y el sol que quema a veces también es tormenta. Creo que Violeta además de música es el reflejo de remarla siendo artista independiente, de moverse hasta el dolor para poder hacer llegar tu arte, y que se rescate, la de su pueblo. El libro “La vida intranquila” de Fernando Sáenz hace un gran repaso por esos caminos que transitó Violeta en los que no sólo buscaba ser valorada en lo que hacía, si no, salir de la pobreza, poder amar, poder crecer: “me falta algo, no sé qué es. Lo busco y no lo encuentro. Seguramente no lo hallaré jamás” cita el autor y no cabe duda por los testimonios de este libro, que siguió esa necesidad a fuerza de sudor y dolor. “Nada ocurre con la velocidad que ella necesita, lo que va provocando una desazón convertida en molestia y rabia. Se siente poseedora de un tesoro, y parece que nadie lo aprecia de esa manera” reflexiona Sáez y expone la realidad dura que “le tocó” pero quiso erradicar a fuerza de arte e insistencia. En pocos meses, había hecho un trabajo en el que una institución habría tardado años. Ese trabajo de recopilación fue minucioso y muy lejos de las formas de la educación burguesa: ella se sentaba y escuchaba de personas que eran parte de la historia de Chile y no lo sabían. Cambiaba ropas por canciones. En 1957, finalmente la contratan en la universidad de Chile para la recopilación y costumbres de la zona y en 1948 inaugura el Museo Nacional de Arte Folclórico Chileno. Empieza a viajar. En uno de sus viejas, su hija bebé muere dormida. Ángel, con 13 años, corre con ella en brazos. No llegó. La maternidad, ser artista, seguir siendo pobre, otra vez el dolor. Sus hijos crecen, y las formas de explorar el arte también: empieza a pintar cuadros, a bordar, a profundizarse como poeta, a tener un programa de radio donde seguía con sus preguntas y escuchas. Quiso poner una carpa, en un descampado solitario. Lo levantó con apoyo. Era una carpa para unas 500 personas. Ahí adentro mismo se hizo una vivienda. Estaba harta de ser pobre. “No tengo que ponerme y lo que tengo es feo y gastado. No es que me haya vuelto pretenciosa, es que me veo muy pobre” cita Sánchez y es totalmente comprensible ese estado de una mujer con hijos, que viajó hasta a Europa para difundir su trabajo y el de la historia musical que venía reconstruyendo y aún así seguía remando en aguas fuertes. “Toda mi vida fui muy sola, por eso me he metido en tanto camino, muy duro, muy seco todo” leo y se me viene a la cabeza la imagen de la película “Violeta se fue a los cielos” cuando una tormenta empezó a destruir lentamente esa enorme y vacía carpa despoblada de gente y de visitas. Todos su entorno de una inestabilidad que temblaba, pero la fuerza de su canción no mostraba ni dolor ni debilidad. Contar a ella es como contar a Janis Joplin, con sus inseguridades de belleza y su deseo de buscar algo más, con esa soledad como sombra, la exponían y salían a relucir en sus canciones: soy esto, también decía Violeta. Por eso cuando hizo el tema “Gavilán” no quedó ninguna duda que la esencia del rock es más que una campera de cuero. “Gavilán” es un vals, un tema de raíces folclóricas, dura casi diez minutos, tiene una construcción poética de una historia, y es el tema más rockero y desgarrador que una mujer latinoamericana podría haber cantado en los años 60. La fuerza y el enojo está en la letra y en la guitarra que sube con rasgueos fuertes que laten. En la entrevista que le hizo el periodista Mario Céspedes ella cuenta toda la creación del tema: “el tema de fondo, es el amor, que casi siempre destruye” dice al relatar que se trata sobre una gallina que se enamora de un gavilán. Esta lo ve de lejos y cree que es una flor, se llena de espinas para poder llegar a él, las gallinas más viejas le dicen que no confíe en el gavilán, pero ella termina yendo a subir a una montaña para llegar a él. En el camino la limitan los elementos como la lluvia y el viento, y cuando finalmente llega, el gavilán la desgarra. “El vive, porque la maldad perdura” Cuenta Violeta en la entrevista en la que también dijo que esa imagen de Gavilán se la puede comparar también con otras manifestaciones de poder. Ojalá ya no tengamos que subir a ninguna montaña, ni llenarnos de espinas, todo para llegar y que nos maten. Ojalá podamos hacer otros caminos, y que ese que Violeta nos enseñó en su rockera y solitaria canción sea un ejemplo. Pero buscar, seguir buscando. Tal vez no se trate de subir montañas donde nos esperan gavilanes al asecho. Si no en lo que hizo ella en sus inicios. Buscar en la tierra, la raíz, el pueblo. Entre otras gallinas, entre las semillas olvidadas, tan al lado nuestro. Tan en la tierra. Nota publicada originalmente en https://asiesesteamorr.blogspot.com/2020/10/violeta-parra-y-sus-solas-de-rock.html Read the full article

#Chile #JanisJoplin #rock #VioletaParra

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pauimaginart · 5 years ago

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Nothing's Gonna Hurt You Baby - Cigarettes After Sex

Whispered something in your ear It was a perverted thing to say But I said it anyway Made you smile and look away

Nothing's gonna hurt you baby As long as you're with me, you'll be just fine Nothing's gonna hurt you baby Nothing's gonna take you from my side

When we dance in my living room To that silly '90s R&B When we have a drink or three Always ends in a hazy shower scene

Nothing's gonna hurt you baby As long as you're with me, you'll be just fine Nothing's gonna hurt you baby Nothing's gonna take you from my side

And we laugh into the microphone and sing With our sunglasses on, to our favorite songs

And we're laughing in the microphone and singing With our sunglasses on, to our favorite songs

Nothing's gonna hurt you baby Nothing's gonna take you from my side

Composers: Gregory Steven Gonzalez Lyrics Nothing's Gonna Hurt You Baby © Peermusic Publishing

#Great Songs #Song Lyrics #Lyrics #Cigarrettes After Sex #Mi Radio Soy #Música Independiente Mi Radio Soy

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musicaindepegt · 5 years ago

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Hasta la Piel - Carla Morrison

Carla Morrison Letra de Hasta la piel © Music Dealers Publishing

Hasta la piel - Carla Morrison

No te quiero perder... Que la distancia se devore nuestra miel Y perdamos la fe

No te quiero tener... Y cuando menos piense perderte otra vez Me duele hasta la piel

Dentro de mi, semillas tengo de ti Y sin ti, pueden querer morir

Quiero sentarme a llorar Sacar de adentro mil cosas, que te quiero decir, me siento tan débil sin ti

Quiero guardarme a la moral Darte unos besos que quizás, tenga que robar, de tu boca, mía (mía, mía)

No te quiero perder... Que el amor se acabe y vuelvas a querer, otro sabor a miel

No te quiero tener... Porque tanto te amo, comienzo a conocer, la intensidad de mi ser

Dentro de mi, semillas tengo de ti Y sin ti, pueden querer morir

Quiero sentarme a llorar Sacar de adentro mil cosas, que te quiero decir, me siento tan débil sin ti

Quiero guardarme a la moral Darte unos besos que quizás, tenga que robar, de tu boca, mía (mía, mía)

#Hasta La Piel #Carla Morrison #Grandes Canciones #Great Music #Great Songs #México #Música Independiente Mi Radio Soy #Mi Radio Soy

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miradiosoy · 5 years ago

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Gwen Stefani - 4 In The Morning (Official Music Video)

Waking up to find another day The moon got lost again last night But now the sun has finally had its say I guess I feel alrightBut it hurts when I think When I let it sink in It's all over me I'm lying here in the dark I'm watching you sleep, it hurts a lotAnd all I know is You've got to give me everything Nothing less cause You know I give you all of meI give you everything that I am I'm handin' over everything that I've got 'Cause I wanna have a really true love Don't ever wanna have to go and give you up Stay up till four in the morning and the tears are pouring And I want to make it worth the fight What have we been doing for all this time? Baby if we're gonna do it, come on do it rightAll I wanted was to know I'm safe Don't want to lose the love I've found Remember when you said that you would change Don't let me down It's not fair how you are I can't be complete, can you give me more?And all I know is You got to give me everything And nothing less 'cause You know I give you all of meI give you everything that I am I'm handin' over everything that I've got 'Cause I wanna have a really true love Don't ever wanna have to go and give you up Stay up till four in the morning and the tears are pouring And I want to make it worth the fight What have we been doing for all this time? Baby if we're gonna do it, come on do it rightOh please, you know what I need Save all your love up for me We can't escape the love Give me everything that you have

Composers: Tony Ashwin Kanal / Gwen Renee Stefani Lyrics: 4 in the Morning © Kobalt Music Publishing Ltd.

#4 in the morning #4 am #Cuatro de la mañana #Gwen Stefani #Grandes Canciones #Great Songs #Música Independiente Mi Radio América Latina #Mi Radio Soy América Latina #Mi Radio Soy

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cronicasdelacuarentena · 4 years ago

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Emprendedores, por qué se celebra el día a pesar de la pandemia

Por María Fernanda Santágata* (Ciudad de Buenos Aires, Argentina)

Hace algunos meses, cuando la noticia de un extraño virus era un evento que sucedía en otros continentes, muy pocos pensaron que hoy estaríamos en esta situación. Por fin, la pandemia llegó a estas tierras y, como efecto colateral, la cuarentena sumada a una terrible crisis económica. Justo en ese momento, hubo muchas reacciones por parte de los emprendedores. Aquella idea de que nadie sabe cómo va a actuar ante una situación límite es tan real como lo increíble de la actual coyuntura. Así fue que comenzaron a circular todo tipo de frases y pensamientos por parte de los trabajadores independientes “es una crisis más”, “de esta no salimos” o “hay que resistir”.

Durante las últimas semanas escuché muchas historias. Algunas se trataban de personas que perdieron su principal fuente de ingresos a causa del confinamiento y mostraban una resiliencia admirable. También supe de quienes están en el fondo del océano en un intento desesperado de emerger. Por otra parte, miles de empleados y empleadas fueron despedidos y se convirtieron en improvisados emprendedores del momento. En este contexto desesperado es imposible e inviable un análisis para evaluar donde estamos. No estamos en ningún lugar más que en resistir y tiene todo el sentido que así sea. De todos modos, hay una realidad contundente e innegable: En esta, como en todas, no podemos detenernos.

La primera publicación de #HaceloPosible en tiempos de aislamiento fue una columna superproducida con muchísimo material sobre cursos, talleres, clases y demás. El resultado fue la columna con más entradas de la historia de la página. Y no solo eso, también recibí muchísimos mensajes privados, aportes, colaboraciones, ideas y demás. Después de esa caricia, como muchos y muchas, llegó la angustia ¿Qué podía decir a otros y otras freelancers cuando yo misma estaba en una situación de tanta amargura? Me sentía hipócrita y falsa. Peor aún fue el sentimiento de no tener nada para contar. Para una comunicadora esa es la peor pesadilla. Con los días, algunas cosas se empezaron a ordenar, otras quedaron stand by hasta nuevo aviso y se abrieron oportunidades inesperadas. Casi como una sobreviviente me abracé a lo bueno, como una bocanada de aire fresco en el caos. Hoy no tengo tips ni casos de éxito para enumerar. Por esa razón, por primera vez desde que inicié Hacelo… escribo en primera persona. Cada uno y cada una sabrá como hizo para pasar la cuarentena y, dentro de mucho tiempo, se lo contará a los más jóvenes. Desde luego, algunos tienen la enorme fortuna de verse beneficiados por la actualidad dado que sus emprendimientos son funcionales a la pandemia. En esos casos, todo el apoyo y celebración. En el mío, soy una afortunada porque puedo continuar. Trabajo en dos de mis tres actividades principales y preparo nuevos proyectos que seguro podré lanzar pasada la instancia de coronavirus. Igual sufrí mucho la incertidumbre y tengo mis propias nubes negras. Entonces, cuando la tormenta se acerca, lo primero que surge en mi cabeza es una pregunta ¿A quién le debo sacar fuerzas de donde siento que no tengo?

Las respuestas…

A mis amigos y amigas artistas que, de un día para el otro, se quedaron sin ninguna posibilidad real de generar ingresos. Sin embargo, nos regalan arte en plena cuarentena con transmisiones en vivo.

A mis vecinos gastronómicos, solidarios, honestos y amorosos que tuvieron que convertirse en sus propios gestores para conseguir el permiso para funcionar como delivery. Hoy servirán un locro de 1º de mayo exquisito.

A mis profes de gimnasia, y a todos los trabajadores y trabajadoras de ese rubro. Si no fuera por el enorme esfuerzo que hacen vía plataformas digitales para ayudarnos a entrenar estaríamos mucho peor. Por lo menos en mi caso, ya hubiese enfermado.

A los y las colegas que la cuarentena les cayó como un balde de agua fría e intentan reinventarse todos los días. Para todos ellos, acá estoy con lo que pueda colaborar.

Paseadores de perros, trabajadores del rubro estética, técnicos y técnicas, profesionales independientes de servicios no considerados esenciales, textiles y sobran los etcéteras. Las historias más admirables llegan de ellos todos los días.

TODO EL GREMIO DEL TURISMO. Solo expresarles mi amor y solidaridad.

A los que sin remedio se van a fundir y sienten que esto es peor que mil años 2001. A los que le buscan la vuelta horas enteras y siente que de acá no salen más. A los que, Aún en esta, pagan a sus empleados el salario y lloran en silencio.

Es a todos ellos, a todos ustedes, a quienes se los debo porque yo hoy puedo y poder, en estas circunstancias, es un privilegio. Este es mi homenaje pequeño y humilde homenaje en el día del trabajador para los que no saben cuando volverán a tener trabajo después de haberlo creado para sí y para otros. Este, es el verdadero y real para celebrar el día del trabajador en tiempos de pandemia.

Imagen: Fernanda Santágata

*Redactora, periodista, fotógrafa, columnista radial, community manager y productora de contenidos. Profesional de la comunicación enfocada en el mundo digital. Autora de blogs especializados en emprendimientos y música. Formada en medios tradicionales como la radio y la televisión, migrada a los nuevos formatos web. Apasionada por los detalles de la palabra y de la imagen.

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Publicada en Agencia Olson Harris 1/5/2020

#covid19 #pandemia2020 #aislamientosocial #yomequedoencasa

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electricswan · 5 years ago

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1. Vagina Dentata Organ es una alegoria hiperrealista de violencia metafisica en estado puro. Es la gran vagina castradora de putrefactos y cretinos.

2. Al final es exactamente asi. Personalmente no me interesa contruir. Prefiero la violencia como gran espectáculo. Viva Eros y Thanatos!

3. Esta pregunta y respuesta nihilista me la hacia yo mismo a los 12 años. Viene de lejos el deseo de destruir.

4. Es muy raro. Desde mi primera actuacion en La Edad de Oro, Madrid 1984, estuve mas de 20 años sin actuar en directo. Luego ultimamente empiezan a invitarme a Valencia, Barcelona, Berlin, Bristol, Paris, Hong Kong, y Tokyo. Lo veo como un fenomeno nuevo y divertido para mi. En mis actuaciones participan musicos que interpretan musica clasica, hasta que llego yo al escenario envuelto de 10 o 15 personas tocando tambores de guerra. Luego voy directo con un martillo y un palo de baseball a romper los espejos que estan encima el escenario. Entro y salgo rapidamente del local. Es como un robo. Un asalto a mano armada. Un gran amigo fotógrafo, Albert Heras, escribió que en el contexto del arte "romper espejos es el origen de la expresión plástica y mental mas pura". No se que quiere decir esto.

5. La musica electronica o 'industrial' del final de los 70 y principio de los 80 en el UK, hay dos fuertes corrientes paralelas muy fuertes: Throbbing Gristle y Whitehouse. La linea que sigue T.G. bajo el cerebro de Genesis P-Orridge, es un camino lleno de magia sexual y paganismo junto sus rituales de S&M, y liturgias de Aleister Crowley. LuegoWH con William Bennett es totalmente lo contrario. Es un concepto laico y perverso. Nada de rituales. A William entre otras muchas cosas le gusta sobretodo la absoluta libertad de expresion del divino Marques de Sade, y libros como Psychopathia Sexualis de Richard von Krafft-Ebing. En lo que a mi me concierne, en el lejano año 2.000 me invitaron para presentar una exposicion de cuadros de 'top models' pintados con mi sangre en Grenoble. El director de la Escuela Superior de Arte francesa me dijo confidencialmente que vomitó, despues de escuchar "The Perpignan Killings" un CD de Vagina Dentata Organ. Este es precisamente el mejor elogio que nunca he recibido. Por supuesto jamas analizo mi trabajo, ni mando ningun mensaje a nadie.

6. Siempre busco fanáticamente ir contra la mediocridad conformista de los putrefactos y cretinos. El punk en Londres en su máximo esplendor solamente duró 2 años: 1976 y 1977. Fue una explosion de energia sonica muy importante. Londres es una ciudad tan creativa que al mismo tiempo que salian grupos punk por todas partes, en esos mismos años ya se estaba cociendo con alevosia la musica electronica industrial, mucho mas intelectual y perverso que el punk. Yo estaba al corriente gracias a la gran informacion musical escrita que hay en el Reino Unido. Pero mi suerte para entrar por la puerta grande de este underground electronico fue encontrarme por casualidad con Genesis P-Orridge, justo antes de crear Throbbing Gristle. Asi nos conocimos hasta el dia de hoy. Al cabo de poco tiempo tambien conecte con William Bennett, y su grupo Whitehouse. Creo que su trabajo es imposible de superar.

7. Los programas de música 'home made' eran para Radio PICA de Barcelona. Una emisora de música 24/7, independiente, de mi barrio de Gràcia. Desde mi dormitorio de Londres grababa y comentaba en cintas de cassette lo ultimo en electrónica, que luego mandaba por correo normal a Barcelona. Estoy hablando de 1978/79, y principio de los 80. Aparte de la música electrónica de TG y WH, lo que me interesa mas es la actitud de Genesis y William, dos personas completamente diferentes. Ellos van por caminos opuestos pero logran introducir pasión y aberración en la música electrónica, un hecho inaudito, pues hasta entonces esta música no me interesaba nada pues estaba compuesta solamente de 'ruiditos' mas o menos acertados, o aburridos, sin ninguna rabia. Absolutamente mediocre.

8. Paloma Chamorro la presentadora de La Edad de Oro me llamo a Londres. Parece que se entero de mi colaboración en el track 'Catalan' del disco 'Force The Hand of Chance' de Psychic TV. Paloma quería contactar con Genesis, y me pregunto si yo podía hacer alguna actuación también. Naturalmente dije que si. Al mismo tiempo el gran Derek Jarman colaboro en el mismo programa televisivo.

9. Mucho antes de nuestra presentación en Madrid corrian bulos del todo ciertos, que yo iba a dar la sagrada comunión a unos perros que pedi para mi actuación de Vagina Dentata Organ. Esto llego a los oídos de algunos políticos que se miraron el programa con lupa. Al principio del programa televisivo Paloma advirtió que la gente con predisposición sensible cambiara de dial. En aquel entonces solo habían dos canales de TV. En el momento de mi actuación yo tenia un bolsillo del pantalón lleno de ostias blancas. Pero con la emoción de mi primera 'live action' en publico me olvide completamente de alimentar espiritualmente a los perros. Otro dia será. Sinceramente no tengo ni idea porque cerraron La Edad de Oro. Quizas sea el miedo desrazonado al vacio. Aquella noche no paso absolutamente nada en especial. Era el año 1984.

10. No lo se. No tengo ni idea. No me importa.

11. Para mi destruir es un delirio. Escenifico violencia cósmica. No hay ningún secreto detrás de las 'live action' de VDO. Es destruir por el placer de destruir. Unos nacen para construir, y otros para quemar. Es como el dia, y la noche. Eros, y Thanatos. El Sexo, y la Muerte. Por otra parte no me lo tomo todo demasiado en serio, pero disfruto en lo que hago, plis plas!

12. Uno de los días mas orgullosos de mi vida fue cuando un sacerdote de mi colegio me condeno al fuego eterno desde el pulpito de la iglesia. Siento un desprecio total por todas las religiones. Son herramientas de control humano muy efectivas. A llegado la hora de actuar contra toda religión organizada. No podemos quedarnos con los brazos cruzados. Creo que la forma que funcionan internacionalmente FEMEN es un buen ejemplo a seguir entre otros.

13. Solo me interesa lo abstracto del satanismo. Lucifer es un dandy, con un gusto exquisito por la estetica. Es divertido, simpatico. Personalmente no creo absolutamente en nada de eso. Pero al mismo tiempo tengo la biblia satanica de Anton LaVey. Esta persona piensa como yo. Luego tenemos el Jazz, los Blues, el Rock and Roll, la música del diablo por excelencia. Fucking great.

14. (Adriana, aquesta actuacio de les 666 ampolles va ser l'Auditori del MACBA, Barcelona) Exactamente, al mismo tiempo de expresar violencia metafisica también busco la sublimación, y cristalización stendhaliana del sonido. Creo que la audiencia de mis 'live actions' percibe de alguna manera esta sensación aunque solo sea subconscientemente. El efecto big bang como dices tu, existe de verdad. El ruido puede ser estremecedor, muy potente.

15. El director de cine Albert Serra invito a Vagina Dentata Organ para purificar la pantalla del cine del Pompidou el mismo dia del homenaje a sus films en Paris. La purificación consistio en hacer temblar las paredes del Georges Pompidou a golpes de palo de baseball, y destrozar a martillazos 12 espejos situados junto a la pantalla del cine. Con Albert nos conocimos hace muchos años en Cadaques gracias a nuestro amigo común Eliseu Huertas Cos. Eliseu es el Drakula de la película sensacional de Serra: 'Historia de la meva mort', y también el 'chien catalan' el easy rider del disco de la Harley Davidson de VDO.

16. Vagina Dentata Organ es fanatismo puro y duro sin mensaje alguno que predicar. Es una actitud radical a todos niveles. Hasta somos nihilistas con la misma discografía de VDO que jamas volveremos a re-editar bajo ningún concepto.

17, Me interesan todos los fanatismos. El que los ingleses llaman 'one track mind'. Hassan-i-Sabbah fue el cerebro de los Hashishins, los primeros asesinos políticos, los primeros terroristas que tenemos constancia histórica. Luego el reverendo Jim Jones fue un paranoico que se creyo su propia propaganda. El vinilo 'Music for the Hashishins' es un disco totalmente funcional, solo para escuchar en momentos selectos, muy especiales. El segundo l.p. que mencionas: 'The Reverend Jim Jones' / 'The last supper', es un disco anti guru. Los gurus, charlatanes, y todas las religiones son la escoria de la tierra.

18. Cuando un lobo aúlla, a los hombres, y mujeres se nos hiela la sangre, pues regresamos a un pasado muy lejano, el principio animal sin artilugios, tal como eramos en nuestro génesis. Autentica memoria histórica. En Londres, las noches de luna llena en Regent's Park donde esta situado el Zoologico, desde fuera el recinto se ve claramente, y se oye como aúllan los lobos.

19. Desde muy joven Salvador Dalí me ha fascinado por su imaginación fantástica. Seguramente Vagina Dentata Organ no existiría sin la fuerza vital que me da Dalí. En el año 2004 centenario de su nacimiento, le dedique un CD: 'The Great Masturbator'. Es la grabacion durante una hora de campanas tocando a muertos. Radicalmente minimalista.

20. Me atrae la estética de la sangre. La sangre es vida, y al mismo tiempo representa muerte violenta. Me gusta esta ambiguedad en mi trabajo. Mis cuadros de 'Top Models' también se pueden confundir como una colección asesina de 'sharon-tates'. Pero eso depende de la persona que los mira. Esa es la ambigüedad que me interesa en el proceso creativo.

21. Ja, ja! Mi cabeza estaba vacia. Es que yo soy londiniense. He vivido mas de 30 años en el UK. Cuando empezó el punk en 1976, yo llevaba 8 años viviendo en Londres. Por lo tanto para mi era lo mas normal del mundo ir descubriendo nuevos movimientos artisticos de pintura, escultura, fotografía, y música. Londres es una ciudad super creativa y fantastica. Del punk me gusto la rabia, la música trepitante, y el espectáculo de la violencia. Que no tiene nada que ver con violencia física. Hasta mitad de 1970's tuvimos una música horripilante hasta que llego el punk con toda su frescura. Fueron 2 años sin dormir, de club en club, una locura continua. Entonces en el extranjero nadie sabia quien eran los Sex Pistols ni los Clash. El punk ingles era un fenómeno ultra local, igual que lo fue el principio de los Beatles y los Rolling Stones, o la música Industrial en su comienzo. Este es mi Londres recóndito.

22. No queria vivir en ninguna dictadura. Pero tampoco bajo la mentalidad gris imperante en el pais. Buscaba libertad y la encontre en Londres. Debo añadir que políticamente el estado español sigue demasiado estancado en su pasado. La clase política, y algunos de los medios de comunicacion no les interesa demasiado la democracia. No es correcto que un país que dice ser demócrata nunca ha condenado el franquismo. Esto seria oficialmente inaudito en cualquier otro lugar europeo. Ahora he vuelto a Barcelona pero sigo estrechamente unido a Londres donde viajo amenudo. Mi regreso aqui es solamente otra etapa de mi vida. Me gusta vivir en cualquier sitio del planeta donde sirvan el perfecto drymartini, como los hacia Luis Buñuel...

23. Vagina Dentata Organ seguirá en pie de guerra contra putrefactos y cretinos. Stop.

Jordi Valls

Barcelona, 23/10/2013

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amartingallego-blog · 5 years ago

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Para mi la inteligencia sería la capacidad de tener un grado de competencia aceptable en cada una de las 8 inteligencias. Aunque las 8 inteligencias se puedan considerar como independientes, y cada uno tengamos una capacidad o predisposición innata a desarrollar más unas que otras, creo que una persona verdaderamente completa e inteligente es aquella que desarrolla un grado de competencia mínimo en las 8, y no deja completamente de lado el desarrollo de alguna de ellas.

Además, el desarrollo de las 8 es importante para relacionarse de forma adecuada con el entorno, con los demás y con nosotros mismos. Por eso la escuela debería trabajar y contribuir al desarrollo de las 8 inteligencias.

Nadie duda, que la inteligencia verbal y matemática (a las que la escuela tradicional da mucha importancia) son importantes y tal vez sean soporte para el desarrollo de otras inteligencias. Pero la inteligencia corporal y musical, muy poco trabajadas en las escuelas, también son importantes, o es que no estamos en un entorno rodeado de música (internenet, televisión, radio...) y además, muchas veces nos quejamos de la música que escuchan nuestros alumnos. Tal vez si tuvieran más herramientas y un repertorio mayor elegirían otras músicas, porque hacer y escuchar música es innato en el ser humano.

Y que duda cabe, de lo fundamental que son la inteligencia interpersonal e intrapersonal (prácticamente nada trabajadas en las escuelas) para tener éxito y ser felices. O la inteligencia naturalista, en un momento en que nuestra relación con la naturaleza puede ser clave para el futuro.

Creo que la escuela debe contribuir al desarrollo de todas estas inteligencias. Para conseguirlo creo que en primer lugar hacen falta recursos, porque trabajar todo esto requiere una enseñanza más individualizada y sin duda con menores ratios y apoyos es más fácil. También, es importante aplicar metodologías nuevas, activas que pongan el foco en el alumno y permitan un aprendizaje que integre todas estas inteligencias. Y no dar tanta importancia a los resultados académicos y poner más atención en el proceso.

En mi caso, que soy profe de FP de electricidad, tal vez, el perfil de mis alumnos sea más homogéneo que en otras enseñanzas, pero aún así, observo que mis alumnos tienen más desarrollado unas inteligencias que otras. Puedo distinguir dentro de mi alumnado dos grandes grupos, aquellos alumnos que tienen más desarrolladas la inteligencia linguistica-verbal y lógico-matemática y otro grupo que tiene más desarrollada la inteligencia cinestésica-corporal y visual-espacial. El primer grupo suele comprender mejor los conceptos teóricos y realizar mejor actividades como resolución de problemas. El segundo grupo, suele realizar mejor actividades de tipo práctico, como el montaje de instalaciones eléctricas, donde hay que tener destreza con las herramientas y orientarse espacialmente para llevar los cables al lugar adecuado.

Por otro lado, también aprecio alumnos que tienen una gran inteligencia interpersonal y funcionan muy bien trabajando en grupo.

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fueradefocomagazine · 6 years ago

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CIUDAD EMERGENTE Día 3

Músicos de Argentina, México y España, en la Usina del Arte.

Por Liliana Bertoia

Fotos: Camila Corrales

En la tercera jornada del festival realizamos la cobertura de los shows de Lucas & The Woods, Emmanuel Horvilleur, Carmen Costa y los españoles agrupados en Sounds From Spain.

Lucas & The Woods:

Esta prometedora banda de género indie pop, está formada por Lucas Engel ( Voz, Sintetizadores y Guitarras) Andy Schneir (Bajo) Willo Sarmiento ( Batería) y Niko Sedano (Dirección Artística); los acompañaron en el festival, Simón Bosio en guitarra y Silvina Moreno en el tema Qué Será de Mí.

El set list que presentaron en la Plaza de la Usina fue: Nena, No Es Amor, No Queda Nada, Qué Será De Mi (feat Silvina Moreno), Victoria y Pensacola.

Actualmente se encuentran tocando por Argentina con su disco debut Pensacola Radio, nominado a los 19th Latin Grammy en la categoría Mejor Album Pop/Rock de estudio.

Emmanuel Horvilleur:

Nada puede impedir que Emmanuel congregue a una multitud cuando aparece en un escenario, este 15 de septiembre no fue la excepción; el músico brindó un enérgico show a sus seguidores que se mantuvieron fieles, aún bajo una persistente llovizna, en la Plaza de La Usina

Con su banda formada por los IKV Matías Rada (guitarra) y Mariano Domínguez (bajo); Andrés Cortés, de Lo’ Pibitos (segunda guitarra); Guillermo Salort (batería) y Francisco Azorai (teclados), abrió su show con Alucinante, siguieron Soy tu nena, 12.30, y Llamame.

En una segunda parte y como antesala del cierre sonaron No como, Amor loco, Somos nosotros, y Tu hermana

El Hit, parecía ser la última canción, pero el músico invitó a que el público sugiriera el tema final. Entre los pedidos a gritos por sus seguidores se destacaron Abarajame y Radios (la elegida), el ambiente llegó a su punto máximo de conexión, pero el show debía terminar. .

La letra de Radios aplica cada vez que Emma despliega su talento y carisma en un escenario ... “solo sé que nos hace bien bien”

Todas las fotos en: https://www.facebook.com/pg/cmlcfotografia/photos/?tab=album&album_id=758636271139066

MÉXICO

Carmen Costa, una de las bandas más representativas de la escena independiente mexicana, llegó a la Argentina para realizar varias presentaciones, y Ciudad Emergente fue uno de los lugares elegidos. Desplegando su “rock camaleónico” en la Plaza de la Usina, se dieron el lujo de tener al talentoso Carca como músico invitado.

ESPAÑA

Sounds from Spain: Es una plataforma de internacionalización de la industria musical española, que regresó a Argentina con 4 empresas que participarán de las rondas de negocio de SoL Buenos Aires y 4 bandas que actuaron en el Festival Ciudad Emergente.

En esta nueva misión, Sounds from Spain ha seleccionado cuatro bandas: Vinila Von Bismark, Tu otra bonita, Ada Van, y Apartamentos Acapulco que tuvieron su espacio en el festival en el Auditorio Transformador.

Vinila Von Bismark : La multifacética Vinila está presentando su tercer trabajo, “Motel Llamado Mentira”, editado a través de su propio sello, Cachucha Records, y que supone una ruptura con su faceta años 50 para volver a sus raíces y dejarnos ver su Yo más profundo. Nos mostró un show colorido e impactante tanto visual como musicalmente, que cautivó a los presentes.

Tu Otra Bonita: El quinteto madrileño, se presentó en la Usina con su "rumba psicodélica” Durante el último año el grupo se ha consolidado como una de las grandes promesas del panorama musical emergente español, quizá la clave sea la fusión de pop, flamenco, indie y rumba que invita a compenetrarse en la trangresión de sus letras y al mismo tiempo disfrutar el ritmo.

Ada Van: definen su música para no escuchar en una “sala de espera” sino para quien se ha cansado de esperar y quiere más: historias que escapan de estribillos repetitivos, con guitarras de oscuro aire glam. La banda nacida en Barcelona, está girando con su primer disco “Una forma huracanada de mantener la calma”

Apartamentos Acapulco: Este dúo español supo captar la atención de los presentes con un estilo muy cercano al “indie argentino” de hoy día.

Su música “es un confrontación de melodías cuidadosamente sencillas compactadas con guitarras y sonidos de sintetizadores ruidosos que se entremezclan creando un estilo que intenta no dejar indiferente a quien lo escucha”.

El tercer día de música en la Usina cerró con una conjunción de rock, pop y ska bajo la lluvia, en manos de Vicentico y su hijo Florián.

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silencioyestruendo · 3 years ago

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Estoy Escuchando Master of Reality, de Black Sabbath

Por Abraham García

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Publicado hace 50 años, es el tercer álbum de la primigenia agrupación de metal formada en Birmingham. A la fecha continua el debate acerca de si es o no aquel que terminó por definir al género entre su discografía.

Mi acercamiento a Black Sabbath fue en la adolescencia, cuando un viejo amigo me regaló las copias quemadas en cd de Paranoid y el álbum que hoy escuchamos, con el pretexto de aleccionarme sobre metal, pues desacreditaba los grupos que escuchaba por ese entonces.

Fue la banda perfecta, con la mística perfecta, en el tiempo perfecto para sumergirme en ella.

De ahí que me resulte complicado hablar acerca de uno de mis máximos grupos favoritos en la vida. Cuesta mantener el sentido de objetividad y no caer en las garras del fanatismo desbordado, pero antes que periodista musical, soy melómano. Así que haré lo posible por mantener una línea de equilibrio.

Era julio de 1971 y Black Sabbath ya lanzaba al mercado su tercer larga duración, apenas 16 meses después de haber publicado su debut homónimo. Nadie había asimilado del todo su música porque causaba extrañeza y hasta desprecio que alguien cantara sobre demonios poseyendo almas y hombres de hierro de fantasía destruyendo pueblos, pero el sencillo “Paranoid” les hizo ganar cierta publicidad en los medios de comunicación, debido en parte al pegajoso acorde de Anthony Iommi y la letra de Terence Butler, hasta cierto punto convencional para los charts de popularidad.

Eran los tiempos en que como novel grupo tenían que aprovechar la atención recibida por la controversia que despertaron al ser señalados como satanistas y rajarse el lomo como burros en tocar, componer, grabar y publicar antes de que se desvaneciera la notoriedad, por la que también competían grupos tal vez hasta más virtuosos, como Deep Purple o Led Zeppelin, que junto con los mismos Black Sabbath empujaron para abrir las puertas del éxito popular a los grupos de rock duro o pesado.

Pero lejos de grabar más éxitos radiales, Black Sabbath entregó Master of Reality, un álbum que de primera oída pareciera una calca, un Volumen II de su antecesor, o que incluso podría ser parte del mismo álbum, por la duración y cantidad de canciones de ambos. También era un álbum nada amigable para la radio.

En los menos de 35 minutos de duración y 6 canciones per se que contiene (por ahora obviemos ��Embryo” y “Orchid”), Master of Reality parecería más un ep que un álbum (así como el Bad Witch de Nine Inch Nails), pero que en mi opinión supuso la chapita o una fina punta de lanza para terminar por definir una estética y un estilo musical auténtico y original como propuesta del grupo.

Si con el homónimo Black Sabbath el grupo quiso asustar a críticos y gente con su pantanoso blues electrificado, como otrora hiciera la película de Mario Bava de donde tomaron el nombre; si con Paranoid comenzaron a ganar dinero a causa de la polémica, el morbo y los “hits” radiales, Master of Reality presentó un sonido más consciente y pulido de parte del grupo y una identidad musical completamente cohesionada y sólida. Son mínimos los detalles, ¡pero están presentes!

Incluso dispusieron de más tiempo en el estudio y a diferencia de las sesiones de los álbumes anteriores, pudieron trabajar con mayor calma.

La portada del álbum, como si fuese una fotografía distorsionada con el objetivo conocido como ojo de pez, presenta la tipografía con los nombres del grupo y del álbum de manera que parecen ondear sobre una bandera con fondo negro. BLACK SABBATH en el púrpura de la realeza y MASTER OF REALITY en un gris casi negro, que se torna invisible al primer vistazo.

Todavía la entiendo como una declaración, no sé si de intenciones, de principios o de fundamentos, independiente a los aspectos musicales de su contenido.

Atronador y denso es el inicio del álbum con esa oda a la marihuana que es “Sweet Leaf”. Michael “Ozzy” Osbourne en su cantar suena como un niño emocionado y agradecido con Doña Macohna por haber ampliado su reflexividad y sus capacidades de contemplación para disfrutar de la vida, mientras Iommi hace gala de sus acordes más pegajosos y obesos para arrancar con fuerza. Sorprende que la frase “pruébala” en el cuerpo de la letra no haya sido censurada, si se considera que Black Sabbath ya registraban buenas ventas y eran sujetos de escrutinio público.

“¿Pierdes el aliento cuando piensas en la muerte o mantienes la calma?” es una de mis líneas favoritas de Black Sabbath, contenida en “After Forever”. A la fecha, todavía me emociona.

Es una canción que en lo personal me remite a mis 11 años, al tiempo en que de buena gana me preparaba para hacer mi confirmación en la Iglesia Católica. Por el proceso mismo me surgieron inocentes preguntas como “¿y de dónde salió Dios?”, mientras la señora que nos instruía contestó, no con una respuesta suya, tal vez basada en su fe y su lógica, sino que me leyó tal vez una parte del “Credo”. Percibí que su respuesta era para memorizar y no para discernir. Fue muy insatisfactorio, en términos tanto del reforzamiento de mi fe como en la situación misma, ya que quise comprender algo y se me trató como si fuese un autómata incapaz de razonar. De eso va “After Forever”, así como de la hipocresía entre feligreses y otros dardos a tan entrañable institución. Black Sabbath quiso lanzarla como como sencillo y curiosamente fue descartada en las estaciones de radio.

Iommi, que por aquellos días todavía no contaba con fabricantes de prótesis a la medida para sus yemas mutiladas y tenía que ingeniárselas para crearse las suyas, continuaba con dolencias a causa de la tensión al pisar las cuerdas. Para grabar parte del álbum tuvo que afinar su guitarra en un tono todavía más grave que en las sesiones de sus primeros dos álbumes con el grupo. Butler tuvo que hacer lo propio con las cuerdas de su bajo. Después de todo tenía que sonar más grave que la guitarra, ¿o no?

La parte del álbum que grabaron así es nada menos que “Children of The Grave”, “Lord of This World” e “Into The Void”, temas donde es innegable notar la gravidez y majestuosidad del sonido del grupo. Es Black Sabbath en su máxima expresión.

“Children of The Grave” es el himno y grito a tambor batiente de estos supuestos señores obscuros, que insta a levantarse con valentía y combatir la inercia opresora y los embates de la decepción que ofrece la realidad, “¡demuéstrale al mundo que el amor continúa vivo!”.

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En “Lord of This World” quien escucha cae sin previo aviso en un juicio y de manera directa recibe una condena por haber elegido en esta vida mundana la arrogancia sobre la humildad y los caminos del mal. Parecería fácil adivinar la identidad del juez, pero queda a la interpretación libre.

La melancólica “Solitude” es una delicia y una joya sui generis dentro del repertorio total del grupo. En el álbum, complementa esa sensación de que aun en la penumbra absoluta pueden aparecer de pronto finos destellos de luz con una fragilidad etérea e invernal, mismos que comenzaron a brillar desde la introducción de guitarra de “After Forever” y continuó en los interludios instrumentales “Embryo” y “Orchid” de Iommi. Con ellos, “Solitude” brinda equilibrio y contraste a los temas más espesos, lúgubres y zumbantes.

“¿Es realmente Ozzy quien canta?”, me pregunté muchas veces, porque suena tan solemne y vulnerable, pero es el efecto delay en su voz y Iommi en plan multi instrumentista, con guitarra, flauta y piano, lo que crea esa atmósfera acromática y sin embargo serena. Es una lástima que aún no encontré versiones en vivo. Ni siquiera sé si alguna vez “Solitude” haya sido interpretada fuera del estudio.

"Into The Void", el majestuoso corolario de Master of Reality, con Ozzy en un fraseo que parece trabalenguas y los vertiginosos cambios de ritmo de Bill Ward, quien se quejó muchas veces en la grabación de no poder llegar a tiempo en la batería, es la máxima distopía entre todas las letras de Black Sabbath firmadas por Geezer Butler.

Como salida de la pluma de Aldous Huxley, con un toque de ominosidad lovecraftiana, nos habla de una humanidad desesperada en un planeta Tierra caído en pedazos, producto de la desigualdad, así como de los vicios propios de sus sociedades, con gente por ahí ya resignada pero también persistiendo, mientras hay quienes ya buscan un lugar para habitar y repoblar de individuos en algún recoveco del vasto espacio exterior para que nuestra especie triunfe ante el fin del mundo.

Cualquier parecido con lo que en nuestro tiempo ya hacen o pretenden Elon Musk y Jeff Bezos, como buenos visionarios y exitosos capitalistas, es mera coincidencia.

Había dicho que si la portada de Master of Reality parece una declaratoria de Black Sabbath, pues el sonido y las letras parecen confirmarla. Algo como: “Quisimos ser hippies, pero quedamos desencantados. Conocimos el lado obscuro del camino y ahora seguimos su sórdida senda, ahí descubrimos la hipocresía y las falsas buenas intenciones de la gente y sus instituciones. No quisiéramos, pero de esa realidad hablamos, aunque pueda parecer irreverente y repudiable. Somos Black Sabbath y lo nuestro es tocar muy grave, muy obscuro, muy denso, muy pesado”, pero esto es más mi fan interno descarrilado que otra cosa.

Es que, en 16 meses de tocar, componer y producir, además de su repertorio Black Sabbath generó un sonido que sirvió como base para que generaciones y generaciones posteriores de grupos, incluido Black Sabbath con Ronnie James Dio al micrófono, lo hicieran evolucionar con sus diferencias y especificidades en ese hermoso y frondoso árbol genealógico que es el metal.

Quizá importe más el árbol y no quién puso la semilla, ni quién la regó, quién le vio crecer, ni quién disfruta ahora de su sombra y se come la fruta.

Octubre de 2021.

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transeuntepalido · 4 years ago

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Cuando hablamos de Hip-hop en el territorio chileno, podemos ver cómo las corrientes extranjeras llegan de manera difusa a un país como este.

Si bien es cierto, el género nace desde las sombras, ya en sus 4 vertientes a las que gran parte asienten, podemos diferir el baile como la primera manifestación de esta cultura. Ya años después los protagonistas de ese sector logran dilucidar que era un fenómeno bien transversal, sobre todo en la región metropolitana. Aunque el séquito no era amplio, de a poco fue agarrando fuerza. Todo esto aún cuando el dictador seguía en pie con su régimen. No era de extrañarse que los fines de semanas viéramos agrupaciones recrear distintos programas de baile existentes, o en su mayor virtud, el breakdance. Desde ahí, desde estas juntas y socialización nos fuimos acercando poco a poco a la música y poesía, a eso que hasta el día de hoy vemos un estadio evolutivo cuando nos paramos en frente de este mundo.

El espíritu recién salido del horno no era distinto, en la primera parte del círculo under pudimos ver cómo el carácter irreverente y denunciante ya estaba inserto a la hora de preparar las cosas. Nombres ya veían la luz, y se compartían en los cassettes de ese tiempo. Panteras Negras, Los Tetas, La Pozze Latina, De kiruza, entre otros, donde toman el protagonismo. Sin embargo, un común denominador estaba ahí, al momento de hacer la música; la cotidianidad.

El retrato vívido de las diferentes localidades y realidades a través de la jerga chilena eran la idiosincrasia del hip hop . Este condimento que quizá el género lo englobe de mejor forma acá, era importante, en esta primera instancia.

Al fin y al cabo, terminó siendo un fervor al que todos se querían subir y probar. No era extraño ver que los cabros ya empezaran a juntarse. Las lenguas más veteranas de las pistas nos cuentan de que los jóvenes iban con la disposición de pasarla bien y no a echarse la foca, cuando hacían el freestyle.

Desde ahí, desde ese arroyo, tenemos a las dos mentes claves en la música chilena; Juan Sativo y Lenwa Dura. Dos adolescentes comprometidos e intrigados por el nuevo paradigma al que apuntaban sus pares en el plano aterrizado.

Para definir a Tiro de Gracia, generalmente se asocia a uno de los nombres más importantes cuando trazamos históricamente al hip hop chileno, y por qué no, la música chilena. No solamente por presentar a estos 3 frontman tan carismáticos y únicos, si no que también a quienes actuaban detrás de ellos.

El esquema que supuso toda la agrupación no obtuvo fama inmediata, también venían saliendo desde el under con presentaciones que ya agarraban a un buen público y todas estas instancias las cuáles los oyentes podían decir “necesitamos material de estos cabros”.

El disco el cuál tengo la oportunidad de tratar hoy es el debut de la agrupación, Ser humano!! lanzado en el año 1997. Para contextualizar, hay que entender que el álbum ya se venía trabajando de manera independiente. Se dice que el esqueleto final ya existía antes de presentarse de manera más profesional ante un estudio. Diferentes demos circulaban a través de las radios, en virtud de un necesario contrato discográfico. Una clave en la producción del disco es ésta exclusividad que presenta al ser lanzado bajo el sello de EMI, el cual no tardo en alcanzar la apreciación internacional.

El resultado no fue muy distinto de todas las ideas que acarreaban madurez, las mismas cabeceras detrás de esto, Camilo Cintolesi y Patricio Loaiza definen que cada grabación no tomaba muchas tomas en sacar.

Al momento de escuchar Ser Humano!! tenemos que tener en cuenta tres principales características. La performance de los MC��s, el aspecto lírico y la producción musical.

Ser Humano!! es un trabajo heredero e influenciado principalmente por la costa este americana del hip hop, el carácter más irreverente y que presenta mayor crudeza para recrear los paisajes en las cuales nuestro hablante lírico está situado. Tiro de Gracia logró traducir y crear una narrativa que hasta el día de hoy podemos ver cuando salimos a dar una vuelta a la esquina en los barrios.

A la hora de revisar el apartado musical, podemos ver cómo el boom-bap está presente y cómo el jazz, soul y funk que parecieran existir en menor medida son la segunda alma de la estructura de canción. Mucho de los samples son de canciones de soul, o reinterpretaciones de géneros intrínsecamente negros. Uno de los ejemplos más reconocibles está dentro de su hit “El juego verdadero” el cual samplea Just the two of us de Bill Withers. Y así, la instrumentación del disco no solamente goza de una inteligencia para resignificar canciones, si no que se da el espacio preciso para utilizar percusiones con el sonido latinoamericano o secciones de vientos sin la necesidad de estar derechamente relacionados a la teoría de estos.

La performance y la voz son muy características del disco, el cual en su gran parte podemos deleitarnos con la voz de Juan Sativo y que tiene cierta dualidad entre Lenwa Dura y Zaturno, dándole toques distintos que no se quedan atrás. En las presentaciones en vivo se puede notar más este apartado.

Uno de los logros más grandes en la lírica y poesía que nos presenta la música chilena, está acá en el hip hop, sin desmeritar a quienes hacen de la poesía su principal ejercicio y oficio. Dentro de lo que ya mencioné anteriormente, podemos ver como el hablante lírico permanente en la obra nos denuncia la cotidianidad, este sentir que a ratos pareciera no estar tan presente donde el espíritu se encarga de hablar por si mismo: la marginalidad. Ser humano!! no presenta un carácter denunciante muy evidente, de hecho, más que un defecto puede ser una cualidad del disco, que es camaleónico, que roza los mundos de “la buena vida”, “la consciencia social” y se permite el juego de palabras con el lenguaje. Se puede creer que las letras carecen de sentido alguno cuando visitamos distintos pasajes dentro de las canciones, pero se compensan con el Flow que cada uno le va dando.

Otro aspecto destacable dentro del apartado lírico es la creación de frases que quedan pegadas y a la vez representan el carácter del trabajo que presenciamos. Por ejemplo, “esto es música de vida” “aquí todo el mundo alza la melaza” o “este ritmo va para toda mi gente” no están ahí sin justificación, esta es la denuncia principal de lo que rodea y la capacidad que presenta el disco de entretener.

El juego verdadero es uno de los hits, que a mi parecer, están en un top de canciones chilenas por lo eclético que llega a ser la performance de juan sativo, quien se da el espacio de filosofar a medida que avanza la canción en ejemplos como

“Dentro de lo que tu llamas la realidad podrías comportarte como un animal”

“caras vemos, corazones no sabemos”

“cuando el juego se hace verdadero, bienvenido al laberinto eterno del fuego” que de manera subjetiva, quizá no puede ser una gran innovación, pero que presentan una construcción e idea de canción muy solida.

Cuando vemos canciones como Dos Corazones, chupacabras o nuestra fiesta logramos entender la noción de chilenidad, el tipo de personas al que nos topamos y como hacen los juicios ellos mismos. Por ejemplo “Chupacabras” habla de la leyenda urbana que la gente creía verdad en ese tiempo para justificar desapariciones, donde el grupo se sienta a decir en palabras básicas no creas weas.

O cortes como “Viaje sin rumbo” que retratan sin lugar a dudas una de las realidades urgentes que hasta el día de hoy siguen vigentes, de cómo la nula educación sexual en los barrios marginales puede llevar la vida por un camino de perdición, donde no hay vuelta atrás.

También, tenemos este carácter filosófico que está presente en la última parte del disco, donde los versos y cuestionamientos tornan de colores oscuros. Versos como “¿Quién soy yo dentro de esta pirámide social?” en Bebedor mientras nos cuenta una realidad jovial que parece estar perdida en el alcohol. O la exigencia de hacer un rap netamente narrativo sobre la colonización de Latinoamérica.

Estas son ideas de todo el trabajo que hay detrás. Ser humano!! es uno de los discos que encasillan como experiencia menester para comprender la música y entender de donde vienen las cosas que están en los parlantes de nuestros hogares. Sin embargo mucha gente apunta a que no es un disco perfecto, pero para mí esta imperfección es la perfección como tal. Más que relatar cuáles son las virtudes explícitas que existen al escuchar Ser Humano!!, quiero poner a prueba la concepción que tenemos como chilenos acerca del mejor disco de la música chilena ya que a pesar de su mediana existencia, aún sigue siendo poco hablado de él como trabajo de disco.

Muchos críticos o comentaristas se van a la segura desde la raíz de la discusión, con artistas como Los Jaivas, Violeta Parra, Victor Jara, Los Angeles Negros, y todo lo que fueron haciendo desde esas vertientes sus compañeros. Otros pueden otorgar el lugar a agrupaciones más contemporáneas como Los Tres, Los prisioneros y ya en su última estadía y la cual a mi parecer encuentro la más interesante que son los exponentes de géneros derechamente de afuera y que logran resignificarlos acá, tal es el caso de Niños del Cerro, entre otros. La música ha evolucionado en Chile de manera evidente, y no vengo a alabar un disco por lo agraz o veterano que pueda ser para el desarrollo de éstos. A lo que quiero apuntar es que ¿puede haber cabida para la música no tan sofisticada en estándares tan altos? La respuesta quizá puede ser muy evidente, algunos pueden asentir y otros no, por diferentes motivos, de manera obvia pero que no está en la intención del video tratar.

Ser humano!! para mí, es esto. Es la propuesta que se hizo más de 20 años atrás para situar de alguna forma la música, sin la necesidad de ser derechamente sofisticada, compleja, que experimente con matices y colores que por lo general no son comunes, en la música del territorio. De hecho, creo firmemente que el debut de este proyecto no tiene nada que envidiarle al trabajo de afuera, y para mí está a la altura de trabajos clásicos del género, independiente si estos exaltan sus cualidades y virtudes a otros lugares. Un disco que es muy juvenil y que trasciende las barreras del tiempo es la lectura que le puedo dar a este disco, la premisa de ser música que se disfrute en cualquier contexto, que te abre los ojos y que no tiene la intención implícita de separar aguas. Esto lo digo principalmente por las personas que no tienen conocimiento musical tan estricto, como para hacer y diferenciar la paleta de color que enmarcamos quienes ya estamos más adentro. Porque no a todos les puede gustar el sonido de Victor jara, de Violeta Parra y demases pero sí se quedan con el mensaje político y denunciante que ellos trabajaron. No cualquiera puede apreciar la música de Los Tres, Los Jaivas, Los Bunkers desde el ámbito lírico, pero sí te mueves y te emocionas al escuchar la propuesta sonora de ellos.

Y así este ejercicio con los innumerables lanzamientos que salen del país y que los oyentes se dedican a buscar y a encontrar. Ser humano!! para mí es la unión de todo esto, del ritmo urbano, de esta música que es para todxs y que todxs pueden disfrutar de alguna forma y que además está nutrida de mensaje y sonoridades interesantes. Como dije anteriormente en otra forma, no vengo a desmeritar el trabajo de los nombres a quienes aluden con esta posición, hasta yo mismo soy devoto de todo el trabajo legendario que presentan bandas que mencioné y también artistas que no están pero que de alguna forma tienen propuestas interesantes dentro del choque cultural que significa hacer música en chile. Ser humano!! no es un trabajo que se queda atrás, y sé que no aporto con un grano de arena acá, pero sin este disco el hip hop no sería lo que es hoy, acá en chile. Muchas agrupaciones o artistas en el género le deben algo sí o sí a Tiro de Gracia, que no es lo sonoro mas el espíritu. Éste disco para mí es un clave ejemplo de que, a pesar de coexistir en un mundo donde lo de afuera siempre se va a mirar con más grandilocuencia, siempre habrá la cabida de desafiar esos estándares y hacer de eso algo completamente nuestro. Nos enseña identidad y valor a lo que hacemos sin tener que mirar al lado que sin lugar a dudas, dentro de lo fantasmal, la música que presenta éste espíritu ambivalente en cualquier posición en la que se mira, no sería lo mismo. Más de dos décadas separan cuando descubrí este disco, y que sin titubear, pareciera ser una caja que cada vez que se abre te trae un nuevo misterio.

#tirodegracia serhumano musica review comentario

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diario-vespertino · 2 years ago

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Violeta Parra y sus solas de rock

#Chile #JanisJoplin #rock #VioletaParra

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