#Lía Cimaglia

[elmartillosinmetre]

"Este disco nace de una necesidad personal"

[La soprano argentina Soledad Cardoso / MICHAL NOVÁK]

Soledad Cardoso, soprano argentina residente en Barcelona, publica en IBS Classical un disco de canciones de su país natal

Lleva casi un cuarto de siglo en España (llegó en 1998), primero en Valencia y desde 2009 en Barcelona, y aquí se ha hecho un nombre querido y respetado en el ámbito de la música barroca, y sin embargo, cuando Soledad Cardoso (Santa fe, 1975) decidió meterse en la aventura de su primer CD en solitario optó por el repertorio de la canción argentina de concierto.

–¿Lo tuvo claro desde el principio?

–Sí, y por varios motivos. En primer lugar, del repertorio barroco hay tantísimas grabaciones bonitas, exquisitas, perfectas, que no vi que yo pudiera hacer un gran aporte, hay tantas excelentes intérpretes y grupos tan buenos. Sin embargo, el 60% del repertorio de este disco es desconocido y no por ello de baja calidad. Considero que en la música de principios del siglo XX de mi país hay un montón de repertorio que dar a conocer. Me siento muy afín a este lenguaje.

–Guastavino es de Santa Fe como usted…

–Exacto. Es santafesino, y aunque en persona nunca lo conocí, sí conozco a gente que lo trató, he recorrido las calles que él recorrió, me he leído todas sus entrevistas… Me identifico con su carácter reservado, introvertido, comedido. Pero por otro lado, en la poesía me gustaba mucho Gabriela Mistral, desde que era niña y la estudiamos en la escuela. Hablaba de temas domésticos, la maternidad, la infancia, la pareja, pero también de cuestiones sociales, y su combinación con Guastavino me encantó.

–Usted tiene una amplísima discografía con muchos de los mejores conjuntos de música antigua de España, ¿qué la impulsó a hacer su primer disco en solitario?

–Hace nueve años nació mi hija, y el primer año fue un poco duro para mí; en esas noches así medio de insomnio, de duermevela, sentí la necesidad de dar este paso. En mi caso, el disco es como lo de escribir el libro: tener un hijo, plantar un árbol y escribir un libro… Pensé que estaba madura artísticamente y con ganas de hacer algo que pudiera quedar para el futuro y fuera útil. Fui poco a poco madurando la idea. En mis viajes a Argentina, que suelo hacer una vez al año, aprovechaba, con la ayuda del padrino de mi hija, que es también músico e investigador, para revisar material, y me lo traje realmente todo. Con el paso del tiempo fui intentando encontrar la línea que quería darle, la coherencia, si tirar por el hilo musical concreto o un tema relacionado con la poesía o estrenar cosas… Y al final, he de confesar que me fui decantando por el gusto personal.

–¿Cómo conoce a su acompañante?

–Fue un poco como caído del cielo. Porque me faltaba la parte esencial, la compañera. Amigos comunes que tenemos en Argentina me hablaron de ella, de Quimey Urquiaga, que es de La Plata, y todos me decían cosas estupendas, tanto por su calidad artística como humana. Y dio la casualidad de que ella se vino a Barcelona. Llegó en 2020 un par de semanas antes del confinamiento. Empezamos a hablar por teléfono, a escribirnos, le comenté la idea, aunque al principio tampoco la quería comprometer del todo sin saber cómo íbamos a funcionar como dúo. En cuanto se abrieron las primeras restricciones pudimos juntarnos y quedamos encantadas. Era la persona indicada. He trabajado con muchos pianistas, pero necesitaba alguien que conociera de primera mano todo el sabor, las reminiscencias folclóricas argentinas, además de que como persona era lo que necesitaba, te tranquiliza, te da confianza. Y como música es excelente, precisa, creativa, deja todas las atmósferas preparadas. Fue una suerte encontrarla.

–El CD empieza con el más famoso de los compositores, Carlos Guastavino, pero ha optado por eludir sus canciones más conocidas.

–Efectivamente. Habiendo tantas buenas versiones de La rosa y el sauce, de Se equivocó la paloma, no sabía si tenía mucho sentido repetirlas. Me pareció mejor dar a conocer estas obras, que no son tan frecuentes, pero tienen una calidad incuestionable

–¿Han tenido ocasión de hacer este repertorio en concierto?

–Hemos tenido dos ocasiones. Probamos con plantearlo de distintas formas, porque el eje del repertorio para mí eran las canciones de Gilardi, sobre todo ese ciclo de las Trece canciones argentinas sobre poemas de Leopoldo Lugones que vimos que no se estrenaron como ciclo, porque hubo problemas de derechos con los herederos de Lugones, faltaba un papel o no sé qué. Así que para mí era muy interesante hacer el ciclo completo, y lo hicimos en Barcelona. Tuvimos otro concierto en Granada y ahí llevamos una selección del ciclo. Luego el orden del programa en el disco fue más decisión de Paco Moya, que tiene más experiencia. Le dio vueltas y pensó más acertado empezar con Guastavino.

[Quimey Urquiaga y Soledad Cardoso. / ROBERT HOFFMANN]

–¿El objetivo del disco es sacar conciertos?

–Sí, sin duda es la intención número dos.

–¿Y la número uno cuál es?

–Ya se lo dije. Mi necesidad personal. No sé si por la edad o por mi temperamento, ser madre fue duro para mí, me sentí emocionalmente muy absorbida, y necesitaba un trabajo intelectual, sentí que algo así tenía que hacer, fue realmente terapéutico. Pero luego hay una tercera intención. Creo que es un repertorio interesante para el oyente europeo, porque se perciben reminiscencias folclóricas del nacionalismo musical del tiempo. Si en Falla o Albéniz late lo español, en Argentina tenemos también música en la que hay un latido muy nuestro, y lamentablemente es algo que se conoce muy poco, así que ejercer de embajadora de todo esto es algo que también me atraía.

–¿Cuáles son sus proyectos más próximos?

–Vengo de hacer muchos Mesías con diferentes grupos del entorno de Barcelona. Participo asiduamente en un grupo balear, que se llama Solnegre y lidera el tiorbista Ferran Pisà. Tenemos mucha actividad sobre todo en las Baleares y en Cataluña. Ahora estoy muy metida en la memorización de la Zerlina que haremos en el Teatro Sarriá de Barcelona en marzo.

–Es un personaje que le va muy bien a su voz…

–Sí, sí, estoy muy contenta. Para mí Mozart es Dios. Me faltaba el Don Giovanni para tener la trilogía Da Ponte y ahora al fin lo haré. Luego tengo otros muchos proyectos de barroco. Estaré en el Femap con Edwin García y La Sonorosa en un espectáculo que combina guitarra barroca, voz y baile histórico, que es algo que me gusta mucho, porque yo también puedo bailar.

[Diario de Sevilla. 8-01-2023]

[lesser-known-composers]

Alberto Williams (1862-1952) : 10 Milongas - 1era. Parte.

0m 05seg: "La milonga del volatinero". 1m 36seg: "Junto al fogón". 3m 20seg: "Arrastrando el ala". 5m 00seg: "La milonga del boyero". 7m 30seg: "Bailarina sandunguera".

Lía Cimaglia Espinosa, piano

[elmartillosinmetre]

Americanas en un piano

[El pianista Antonio Oyarzábal (Bilbao, 1989) / LEONARDO GONZÁLEZ ALCALÁ]

El pianista bilbaíno Antonio Oyarzábal publica un álbum con música de veintiuna compositoras iberoamericanas

En su tercer álbum, el pianista vasco afincado en Londres Antonio Oyarzábal (Bilbao, 1989) se había acercado con el título de La muse oubliée a música de compositoras clásicas europeas, la mayoría bastante conocidas ya. Con el cuarto ha dado un salto hasta Iberoamérica para ofrecer música de veintiuna compositoras nacidas en once países diferentes (incluidos España y Estados Unidos), aunque esta vez muy infrecuentes en las programaciones. Citemos sus nombres: Lía Cimaglia, Cecilia Arizti, Adelaide Pereira da Silva, María Luisa Sepúlveda, Alicia Terzian, Lita Spena, Carmela Mackenna, Rocío Sanz Quirós, Graciela Agudelo, Modesta Sanginés, Rosa Mercedes Ayarza, Rosa Guraieb, María Teresa Prieto, Kilza Setti, Isabel Aretz, María Luisa Escobar, Teresa Carreño, Teresita Carreño-Tagliapietra, Clarisse Leite, Modesta Bor y Chiquinha Gonzaga.

–¿Qué pretende con este proyecto?

– Es la exploración en torno a un grupo de compositoras latinoamericanas de los últimos 150 años. Habiendo grabado ya La musa olvidada con IBS, he seguido muy activamente con mis investigaciones en torno a música de mujeres y puse el foco en una serie de obras que escuché y me interesaron mucho de Modesta Bor, una compositora venezolana muy importante. Les comenté el descubrimiento a unos colegas que viven en Londres, donde tienen un sello discográfico y una empresa de vídeos profesionales para músicos que se llama Pixaudio. El dueño de la empresa es venezolano y el ingeniero de sonido, argentino. Ellos me animaron y entre todos pusimos en marcha este proyecto que rápidamente se extendió a todas estas compositoras.

–El fin del silencio, ¿de dónde procede el título?

–Me lo dio la escritora Anna Beer, la autora de un libro que se hizo muy famoso, y está en español, Armonías y suaves cantos. Somos amigos, y fue ella la que me proporcionó en 2021 el título para este disco.

–¿Y de dónde sale toda esta música, pues salvo alguna excepción (Teresa Carreño o María Teresa Prieto, en este caso para nosotros, por ser asturiana de nacimiento) son músicas muy poco conocidas?

–Sí, pero la misma Prieto se consideraba más mexicana que española, que es algo que me dijo su biógrafa. Fue la parte más difícil del proyecto. Muchos meses de investigación tanto online como en bibliotecas. Vivo en Londres, tengo cerca la British Library y suelo ir a menudo. Pero luego además han funcionado mucho los amigos hechos durante el proceso. Por ejemplo, las partituras de la costarricense Rocío Sanz Quirós las conseguí por contactos con personas que llevan allí archivos de músicos, conocí también a un japonés que comparte intereses conmigo y me mandó mucho material. La recopilación fue un proceso largo y complejo. De allí salió una montaña de obras y la criba de aquello terminó en este programa.

–Se trata de una panorámica amplia: la compositora más antigua (Sanginés) nació en 1832 y luego hay un par de ellas nacidas en los años 1930 y aún vivas (Terzian y Setti). ¿Hay líneas estilísticas que puedan seguirse a lo largo del disco?

–Hay varias líneas. Muchas de estas mujeres viajaron a Europa para nutrirse de las diferentes corrientes musicales del continente, y lo que hacen muy bien es fundir este aprendizaje con el acervo folclórico de cada país, y hacerlo muy distintivo. Luego también hay una consciente narrativa en el CD: hacia la segunda mitad se empieza a hablar de la infancia. Hay una relación muy bonita, no conozco otro disco en el que se junte a Teresa Carreño con su hija Teresita Carreño-Tagliapietra. Está la nana de la propia Carreño, otra de la brasileña Clarisse Leite o las piezas de Kilza Setti, brasileña también. Me gustó mucho hacerlo así. Surgió de forma muy natural. Y me llevó a ese primer disco que grabé, The Inner Child (El niño interior), esa nostalgia por el pasado. El objetivo del CD no es ese, pero contar esta historia me pareció bonito.

–Se aprecian rasgos de diferentes tendencias europeas del siglo XX, romanticisimo, impresionismo, neoclasicismo… Hecho en falta referencias más vanguardistas…

–Por un lado, sí creo que hay algunas obras que hacen uso de un lenguaje más modernista, como las Evoluciones de Rocío Sanz Quirós, quizá no en el Moderato, que es un vals que nos lleva a Satie, pero el Allegro anterior tiene elementos atonales, o la Scriabiniana de la mexicana Rosa Guraieb, en la que la mano derecha está en una tonalidad y la izquierda en otra, con claves distintas. Pero es cierto que dominan los lenguajes románticos o impresionistas, como los Preludios de Lita Spena, por ejemplo. Me siento mucho más cómodo con esos lenguajes que con músicas más vanguardistas.

–¿Ha presentado esta música en concierto?

–El disco lo presentaré en Mánchester el próximo 26 de octubre y posiblemente en Londres también en otoño (aunque esto está sin cerrar). Toco mucho la Noche de luna en Altamira de la venezolana María Luisa Escobar y Días de lluvia de la mexicana Graciela Agudelo. Pero como tal, el programa del CD no lo he tocado nunca. Lo he propuesto, pero hasta ahora no ha salido, no ha generado aún el mismo interés que La muse oubliée, y me refiero sobre todo a España, aunque quizás aún sea pronto.

–¿Ha tocado mucho en América?

–Recientemente lo he hecho en Los Ángeles y Florida con proyectos más cercanos a La muse oubliée, aunque incluyendo esas dos piezas que le he dicho. Para Latinoamérica tengo planes, pero de momento no he estado.

–¿Rescata música de mujeres por convencimiento de que hay que hacerlo o este repertorio se ha convertido hoy en un simple nicho de mercado?

–Llevo tocando este repertorio muchos años. Con 14 estaba estudiando a Jacquet de la Guerre al clave. No me gustan las cuotas esas de incluir en cada recital una pieza breve de una compositora. Tengo el convencimiento de que hay que poner un poco de justicia con repertorio que ha sido relegado a las sombras. Y de hecho hay ya un segundo CD de La muse oubliée grabado con IBS.

–¿Compositoras nuevas?

–Todas son distintas a las del primer volumen.

–¿Nos movemos en el mismo ámbito temporal, siglos XIX y XX?

–Sí, y me voy incluso algo más atrás, porque hay una sonata de Mariana Martínez.

[Diario de Sevilla. 20-08-2023]

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