#Künstlerische Objekte | Explore Tumblr Posts and Blogs

fabiansteinhauer · 7 months

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si in ius vocat ito

Es gibt inzwischen Forschungen aus dem Feld der ,Neurorhetorik' zu den Zügen, Trägern und Trachten, auch solchen, die nach Aby Warburg das Recht vor Augen laden und entladen, sein Erscheinen und seine Entfernungen anordnen und dabei "Gestelle schieben".

Diese Forschungen ist Forschung zu Objekten, die entfernt auseinanderliegen (wie erstens Gesten, die empirisch und neurologisch untersucht werden, zweitens Aby Warburgs Arbeiten und drittens juristischen Forschungsgegenstände, die alle drei entfernt auseinanderliegen können). Solche Objekte liegen deswegen entfernt auseinander, weil sie symbolisch auseinanderliegen. Liegen sie zusammen, liegen sie auch symbolisch zusammen. Man kann die Entfernung größer und kleiner stellen, die Gegenstände näher aneinander und weiter auseinander rücken, denn es ist wahrscheinlich, dass etwas, was symbolisiert und damit entfernt wurde, wieder symbolisiert werden kann und dass Gestelle, die mit Schub und Hemmung an bestimmten und präzisen Stellen situiert wurden, weiter rücken, aber dabei auch zurück rücken können, also näher aneinander rücken können. Physikalische Stellen und literarische Passagen, Fotos und Verträge können kontrahieren und distrahieren.

Experimente, die nach 2005 zu den Gesten Quintillians, also zu rhetorischen Institutionen gemacht wurden, Warburgs Staatstafeln, die 1929 entstanden, eine künstlerische Welt, eine wissenschaftliche und eine juristische Welt: Sie werden symbolisch auseinandergehalten und symbolisch ineinandergehalten. Vor diesem Hintergrund frage ich wieder einmal, was man vom Recht halten soll und welche Rolle dabei Kulturtechniken spielen, auch solche, die zur Kunst und zur Wissenschaft gehören sollen. Der Fokus liegt dabei auf Ladungen.

Dass Aby Waburg mit der Formulierung, er würde Gestelle schieben (also mit Schub und Hemmung arbeiten, um etwas hin und weg/ weg und hin zu bewegen), eventuell an die Anordnung seiner Tafeln denkt und nicht daran, wie das diplomatische Protokoll im Sommer 1929 sich durch den Vatikan schiebt, um ratifizierte Urkunden auszutauchen, dass er also eine Formulierung verwendet, um Regungen auseinanderhalten, die einerseits durch Tafeln mit Fotos gehen, anderseits durch das tableau vivant, das Diplomaten stellen, wenn sie sich vor Fotografen aufstellen, das sichert den Abstand zwischen dem einen Gestell und dem anderen Gestell, dem einen Schieben und dem anderen Schieben symbolisch, mit und durch Formen, durch die nicht nur Regung geht, sondern die auch Formlosigkeit durchziehen, weil sie limitiert und kanalisiert präzise sind. Das Gestell, seine Metapher und sein Begriff werden so noch auseinder- und ineinandergehalten.

Die neuen Forschungen zu den Zügen, Trägern und Trachten legen es aber nahe, noch einmal der Frage nach der Mimesis und ihren Gesetzen nachzugehen - und danach, was ein Laden überspringen lässt.

In Unterlagen, Situationen und Umgebungen stellen graphische und choreographische Züge das Recht so, als ob es stünde. In anderen Unterlagen, Situationen und Umgebungen lassen solche Züge (auf) ein Recht starren, als ob dort etwas fluten würde. Die Züge lassen Regungen á la Laokoon erscheinen, andere aber auch. Die Rhetorik assoziiert dieses Laden mit den Begriffen evidentia, enargeia, teilweise energeia. Warburg assoziiert ein Laden/ Entladen mit einer Geschichte und Theorie des Engramms, einer passioniert und durch Körper verzeichneten Erinnerung. Heiner Mühlmann assoziiert ein Laden wiederum mit Gesten und Stimuli, in denen schon beim ersten Sehen ein Wiedersehen abgerufen würde.

Es wird eine Fortsetzung von TRACE geben.

Mein Plan: im nächsten Kapitel meiner Kooperation mit TRACE die Experimente und Laborsituationen beschreiben, mit denen der Bild- und Rechtswissenschaftler Heiner Mühlmann nach 2005 gearbeitet hat. Ich werde erklären müssen, warum mal wieder ein ausgebildeter Kunsthistoriker zur Rechtswissenschaft kam. Mein Augenmerk richtet sich dabei auch auf Mühlmann und eine Forschungsgruppe um ihn herum. Mein Augenmerk (ein lange trainierter Zug von mir) richtet sich aber auf Heiner Mühlmann und seine Forschungdgruppe, um den Blick auf Grenzobjekte, durch die Ladungen und damit Regungen gehen sollen, zu richten.

Sprich: Heiner Mühlmann wird in diesem Projekt einer der Beobachter, der beobachtet wird - und eines der Grenzobjekte. Insofern fängt mein zweites Projekt zu TRACE an dem Moment an, an dem Heiner Mühlmann, der 1968 mit einer Arbeit zur ästhetischen Theorie der Renaissance in München promoviert und damit den Forschungen zur Bildrhetorik und zu juridischen Kulturtechniken Anstöße gegeben hat (vgl. Steinhauer, Das rhetorische Ensemble, RG 2006) in Rom, in der Bibliothek des MPI (der Hertziana) einen Aufsatz von Jan Bialystocky las. Das ist heute, während eines Telefonates im Jahre 2024, die persönlichen Erinnerung von Heiner Mühlmann an den Anfang seines Interesses an der Geschichte und Theorie des Rechts. Von dem Telefongespräch, das akustisch gewellt und gläsern verkabelt, digital und gefunkt von Körpern zu Körpern und leichten noch leicht choreographischen Zügen zurück ins das Jahr 1970 läuft und mich nach dem Gespräch mit Heiner Mühlmann über Heiner Mühlmann schreiben lässt: eine entfernte Ladung wird beobachtet.

Graphische und choreographische Züge lassen Spuren. Sie sind sekundär und lassen folgen. Solche Züge sind Letter, nicht immer sind es Buchstaben oder Briefe, verträge oder Urkunden, manchmal sind diese Letter schon Diplomaten und ihre Gesten, die Züge machen, machen lassen und damit Letter sind. An den Zügen bauen sich auch solche Grenzen auf, an ihnen richten sich auch solche Kanäle ein, durch die und dank derer etwas kontrahiert und distrahiert.

Man unterscheidet die Art und Weise, wie physikalisch, chemisch, anorganisch und organisch, biologisch, in natürlicher und dann kultureller Evolution Kontraktionen und Distraktionen gehen, wie hier getrennt und assoziiert wird und wie da getrennt und assoziiert wird, wie dort oder da geteilt und verdoppelt wird.

Die These lautet, dass man durchgehend und anhaltend auf normative, operative und rekursive Züge trifft, die insoweit das Reich, das Regime, die Regung und Regierung des Recht nicht nur nach dem Modell der biologischen Autopoiesis vorstellen lassen, sondern auch über Modelle 'toter Kooperation', etwa physikalischer Schläge, wie Schneeflocken, Meteoriten und Vulkane sie bringen sollen. Fröhlicher Pessimismus und "apokalyptischer Optimismus" (Brock) zwingen geradezu einen zweiten Teil auf, für alle Fälle, also auch für den Fall, dass nach der letzten Generation noch etwas vom Recht übrig bleiben könnte und nicht mit dem letzten Einzeller vorübergeht. Kleine Tracht biologie socialdemocratique, zur Evolution aller Überleber oder Kritik des reinen Überlebens? Später!

TRACE - Gerechtigkeit als Zufall II? Der Mensch tracht und Gott lacht.

#trace #gerechtigkeit zufall #der mensch tracht und gott lacht

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maurizio-colagiovanni-cas-lsd · 1 year

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Design umgibt Dich überall. Jedes Objekt um Dich herum wurde von irgendjemandem designt. Ob Dir das Design gefällt oder nicht, ist dagegen Geschmackssache. Doch wie lässt sich dann definieren, was als gutes Design und was als weniger gutes Design bezeichnet wird?

Ein deutscher Industriedesigner der Moderne, Dieter Rams (*1932), befasste sich in den späten 1970er-Jahren ausgiebig mit der Frage: "Was macht gutes Design überhaupt gut?". Schließlich fasste er seine Antwort in die "10 Thesen für gutes Design" zusammen, die unter anderem das Design von der Marke "Apple" prägten.

Design – 10 Thesen für gutes Design nach Dieter Rams

Dieter Rams gehört zu den Designerinnen und Designern, die viele der gefragtesten Werke der Welt geschaffen haben. Er wurde durch seine Arbeiten für die Firma "Braun" weltberühmt. Dort gestaltete Rams zunächst die Firmenräume, wobei die Firma sein Talent entdeckte, sodass sie ihn später in die Gestaltung der Produkte einbezogen.

In den Jahren 1961 bis 1995 leitete Dieter Rams sogar die Designabteilung der Firma "Braun". In dieser Zeit seines Lebens konzentrierte er sich auch auf die "10 Thesen für gutes Design".

1. "Gutes Design ist innovativ."1

Mithilfe von technischen Neuentwicklungen eröffnen sich immer wieder neue Wege für innovative und zukünftige Gestaltungsansätze, die im besten Fall auch den Gebrauchswert bestehender Produkte verbessern. Innovatives Design und innovative Technik gehen demnach Hand in Hand.

2. "Gutes Design macht ein Produkt brauchbar."1

In der Regel werden Produkte gekauft, um sie zu gebrauchen. Durch das Design soll die Brauchbarkeit eines Produktes gegeben oder besser gemacht werden. Störfaktoren, wie Verschnörkelungen, sollen vermieden werden, sodass ein Produkt von der konsumierenden Zielgruppe ohne Weiteres genutzt werden kann.

Hast Du schon mal über das Design und die Funktion einer elektrischen Zahnbürste nachgedacht? Die Hauptfunktion einer Zahnbürste sollte sein, die Zähne so bequem und so gut wie möglich zu putzen. Stell Dir vor, Du müsstest an der Zahnbürste morgens alle möglichen Einstellung vornehmen, um mit dem Putzen zu beginnen. Wahrscheinlich wären die meisten Nutzenden einer solchen Zahnbürste bereits nach wenigen Tagen unzufrieden. Designerinnen und Designer haben deswegen elektrische Zahnbürsten so geplant, dass Du nur einen Knopfdruck brauchst.

3. "Gutes Design ist ästhetisch."1

Das Wohlbefinden und das persönliche Umfeld werden durch die Ästhetik beeinflusst und geprägt. Ansonsten würde sich der Mensch zudem schnell an Produkten sattsehen. Angesichts dessen ist ein zeitloses, schlichtes Design, welches nicht an eine bestimmte Zeit anknüpft, von Vorteil.

Du möchtest wissen, was genau ästhetisch bedeutet? Schau dafür gerne in die Erklärung zum Thema "Ästhetik".

4. "Gutes Design macht ein Produkt verständlich."1

Eine weitere Aufgabe des Designs ist, das System bzw. den Aufbau eines Produktes den Endverbrauchenden deutlich nachvollziehbar zu machen. Im Idealfall erklärt das Produkt seine Funktionsweise von allein.

Stell dir eine Trinkflasche vor: In der Regel besteht eine Flasche aus dem Flaschenkörper und einem Deckel. Bereits diese Zusammensetzung der Form einer Flasche erklärt, dass der Deckel durch seine geriffelte Oberfläche für das Öffnen der Flasche genutzt werden muss. Mithilfe eines guten Designs kann das Produkt sein System selbst erklären.

5. "Gutes Design ist unaufdringlich."1

Bei gut designten Produkten handelt es sich weder um künstlerische Werke noch um dekorative Gegenstände. Gut designte Produkte sind zurückhaltend und neutral gehalten, wodurch dem Menschen Raum gegeben wird, um sich selbst verwirklichen zu können.

6. "Gutes Design ist ehrlich."1

Ein Produkt sollte nur das aufzeigen, was es auch wirklich ist. Das heißt, es darf keine falschen Versprechen vermitteln und den Kaufenden auf keine Weise manipulieren.

7. "Gutes Design ist langlebig."1

Die Gestaltung eines Produktes orientiert sich weniger an temporären Trends der Geschichte. Vielmehr lebt es auch in der aktuellen Wegwerfgesellschaft viele Jahre fort.

8. "Gutes Design ist konsequent bis ins letzte Detail."1

Gutes Design entsteht nicht durch Zufall. Vielmehr sollte gutes Design sowohl gründlich als auch genau geplant und ausgeführt sein.

9. "Gutes Design ist umweltfreundlich."1

Auch die Umwelt spielt bei gutem Design eine wichtige Rolle. Gutes Design bezieht seine benötigten Ressourcen bedacht, schonend oder gestaltet bereits bestehende Produkte um.

10. "Gutes Design ist so wenig Design wie möglich."1

Die Gestaltung eines Produktes konzentriert sich auf das Wichtigste, denn die Einfachheit hat Priorität, ganz nach dem Sprichwort: "Weniger ist mehr".

Besonders bei der Marke "Apple" ist auffällig, dass im Schnitt 55 % der befragten Kundschaft sich trotz höherer Preise für ein einfach gestaltetes Produkt entscheiden würden, 64 % würden diese Produkte sogar ihrer Familie oder ihren Freunden weiterempfehlen.

Zusammenfassend kann gesagt werden, dass sich gutes Design nicht nur durch seine Formschönheit auszeichnet, sondern unter anderem auch durch seine Funktionalität. Ein Produkt, welches zwar schön anzusehen ist, jedoch keine richtige Funktion erfüllt, ist in der Anwendung meist wertlos.

Das Einbeziehen der Funktionalität stellt auch den Unterschied zwischen Design und Kunst dar. Doch was ist Design überhaupt?

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Design – die Definition des Begriffs "Design"

Die Bezeichnung Design stammt aus dem Englischen und wird mit Formgebung und Muster übersetzt. Das Design beschäftigt sich zum einen mit der äußerlichen Darstellung eines Werks. Dazu gehören die Wahl der Form, Farbe oder Größe eines Produktes sowie die Wahl des Materials. Produkte können etwa Autos, Kleidung, oder Internetseiten sein.

Andererseits wird der Begriff dafür verwendet, den gesamten Prozess einer gestalterischen Beschäftigung zu beschreiben. Ebendarum gibt es verschiedene Wörter, die Synonyme zum Wort Design darstellen.

Wird von dem Erscheinungsbild einer Arbeit gesprochen, wird von Formgebung, Muster oder Gestaltung gesprochen.

Ist jedoch die Intention, einen gesamten gestalterischen Prozess zu beschreiben, stellen die Wörter Konzipierung, Planung, Entwicklung oder Entwurf passendere Synonyme dar. Das liegt daran, dass bei einem gestalterischen Schaffensprozess zunächst Ideen konzipiert und geplant werden. Darauf basierend werden anschließend Entwurfsskizzen angefertigt, die sich je nach Feedback stetig weiterentwickeln, bis schließlich das Endprodukt für die Kundschaft erwerbbar ist.

Das Design strebt in erster Linie an, die wichtigsten W-Fragen zum Aussehen eines Produktes zu beantworten. Dazu gehören:

Was soll gestaltet werden?

Wie soll es gestaltet werden?

Warum soll es gestaltet werden?

Für wen soll es gestaltet werden?

Zur Vermittlung einer konkreten Aussage kommt auch das Design ins Spiel. Es ist eine Tatsache, dass jede Farbe, jede Form und jedes Material eine individuelle Botschaft an die Betrachtenden bzw. an die Konsumierenden vermitteln. Die Aufgabe der Designerinnen und Designer ist es, diese Aussage richtig zu deuten und sie der Zielgruppe attraktiv zu präsentieren.

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Design – die Fachrichtungen des Designs

Heutzutage sind Designerinnen und Designer in unterschiedlichen Branchen der Wirtschaftswelt gefragt. Mittlerweile haben sich Bereiche wie Grafikdesign, Mediendesign, Industriedesign, Produktdesign und viele weitere Design-Segmente etabliert.

Das Tätigkeitsfeld der Designenden ist demnach sehr facettenreich. Welchem Tätigkeitsbereich sich die Designschaffenden letztlich widmen, ist vom Arbeitsumfeld und von der Aufgabe, die sie lösen möchten, abhängig.

Im Folgenden lernst Du einige dieser Bereiche genauer kennen.

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Das Kommunikationsdesign

Die Arbeit verschiedener Kommunikationsdesignerinnen und -designer kannst Du im alltäglichen Leben wiederfinden: ob in Form eines Werbeplakats oder einer öffentlichen Ausschilderung anhand von Zeitungen, Büchern, Verpackungen oder bei Etiketten von Kleidungsstücken. Aber auch in den digitalen Medien wie Instagram, Twitter, TikTok oder auf den eigenen Webseiten von Designerinnen und Designern lassen sich Werke des Kommunikationsdesigns finden.

Das Ziel des Kommunikationsdesigns ist es, spezielle Botschaften mithilfe von passenden Medien an eine bestimmte Zielgruppe zu vermitteln, die sich für diese Informationen interessieren. Das bedeutet, neben der Erarbeitung und Strukturierung von Inhalten und der Kenntnis über mediale Interaktionskanäle ist es wichtig, über ein hohes Maß an Empathie zu verfügen. Dadurch kann sichergestellt werden, dass die Botschaft von bestimmten Personengruppen auch wahrgenommen wird.

Kommunikationsdesign stellt einen Oberbegriff für viele weitere Teildisziplinen dar. Alle Teilbereiche, die das Kommunikationsdesign umfasst, charakterisieren sich durch viel Wissen darüber, wie durch eine bestimmte Optik Informationen kommuniziert werden können.

Werbeplakate dienen dazu, potenzielle Kunden anzulocken und/oder Botschaften zu übermitteln. Während beim ersteren abgebildete Produkte neugierig machen sollen und zum Kaufen anregen, wird beim letzteren auf Information oder auch Provokation gesetzt.

Welche Arten von Werbeplakaten begegnest Du auf der Fahrt zur Schule oder zur Universität? Wirst Du dabei zum Kauf angeregt oder über verschiedene Themen informiert?

Im Kommunikationsdesign wird nicht nur mit zweidimensionalen Medien gearbeitet, wie es beispielsweise im Druck- oder Screenbereich üblich ist. Auch die Gestaltung von Messen und Installationen sowie die Erarbeitung des Aussehens interaktiver Medien gehört mittlerweile zum Kommunikationsdesign.

Wie eingangs erwähnt, umfasst das Kommunikationsdesign verschiedene Fachrichtungen. Zu den Bereichen gehören unter anderem Grafikdesign, Corporate Design, Editorial Design, Motion Design oder User Experience (kurz UX) Design, die im Folgenden genauer behandelt werden.

Das Grafikdesign

Das Grafikdesign etablierte sich als einer der ersten Studiengänge im kreativen Bereich — denn das Grafikdesign geht auf eine Zeit zurück, in der es, im Gegensatz zu heute, primär um die Gestaltung analoger Werke ging. Zum Beispiel lässt sich das Layouten von Zeitschriften bzw. Magazinen oder die Gestaltung von Werbebroschüren zum Bereich des Grafikdesigns zählen. Bis zum heutigen Zeitpunkt ist das Aufgabengebiet eines Grafikdesigners jedoch angewachsen: von der Gestaltung von Webseiten bis hin zum Verpackungsdesign.

Das Corporate Design

Die äußere Erscheinung eines Unternehmens wird unter dem Begriff "Corporate Identity", kurz "CI", zusammengefasst. Die "Corporate Identity" verfügt dabei über drei Säulen: das "Corporate Design", die "Corporate Behaviour" und die "Corporate Communication". Diese drei Säulen gemeinsam lassen Aufschlüsse darüber ziehen, wie ein Unternehmen sich — nach innen und nach außen — präsentiert.

Das Corporate Design (CD) konzentriert sich auf die Gestaltung des Erscheinungsbildes. Dazu gehören etwa die Gestaltung von Firmenzeichen bzw. Logos oder das Festlegen bestimmter Typografien oder bestimmter Farben, die für das Unternehmen stehen.

Wie ein Corporate Design aussehen könnte, siehst Du im folgenden Beispiel. Es ist auffällig, dass von der Visitenkarte bis zum Feuerzeug mit den gleichen grafischen Elementen und Schriftzeichen gearbeitet wird, sodass ein einheitlicher Firmenauftritt gewährleistet wird.

Vorgaben zur Farbe, zur Typografie oder Richtlinien darüber, wie Logos angewendet werden sollen, wird in sogenannten "Styleguides" bzw. "Gestaltungsrichtlinien" zusammengeschrieben. Dadurch können sich sämtliche Mitarbeitende eines Unternehmens bei seinem/ihrem Gestaltungsprozess daran orientieren, sodass für die Kundschaft ein einheitliches Gesamtergebnis wahrnehmbar ist.

Das Editorial Design

Das Editorial Design beschäftigt sich mit der Gestaltung von Druckmedien. Das heißt, das Editorial Design spezialisiert sich auf die visuelle Erscheinung von Zeitungen, Zeitschriften, Magazinen, Broschüren oder Büchern. Der Fokus wird dabei auf ein entwickeltes Layout gesetzt, das zur Hilfestellung für den gesamten Aufbau von etwa einem Buch dient. Zudem gewährleistet eine Layout-Struktur und eine gleichmäßige optische Gestaltung.

Designende im Bereich Editorial Design achten bei ihrer Arbeit speziell auf die perfekte Positionierung und Selektion von Bild- und Textelementen: Sie achten auf ausreichend Weißraum, um die Lesbarkeit nicht zu beeinträchtigen, und auf die Festlegung und Verwendung einer Farbpalette. Dabei wird das Ziel verfolgt, die Leserschaft durch ein ansprechendes Layout neugierig zu machen und sie gleichzeitig über Themen zu informieren.

Ein Editorial Design, bei dem mit viel Weißraum und Struktur gearbeitet wird, siehst Du im Anschluss. Dabei ist ein dreispaltiges Layout erkennbar, wobei einzelne Textabschnitte dieses Layout bewusst brechen, um besonders betont zu werden. Auch die Bildelemente sind in diesem Spaltensystem angeordnet worden, um ein einheitliches Ergebnis zu erreichen.

Im Bereich des Kommunikationsdesigns gibt es neben den bisher genannten Fachrichtungen das Motion Design, das eine Kombination aus grafischen Elementen und Animation behandelt.

Motion Design stellt eine Verknüpfung zwischen vielen Gestaltungsdisziplinen des Kommunikationsdesigns dar. Dazu gehören die filmischen, künstlerischen, grafischen und audiovisuellen Möglichkeiten, die sich aus verschiedenen Formen, Farben, Flächen, Typografien oder Übergängen aufbauen. Motion Design beinhaltet also Elemente aus Illustration, Fotografie, Film, Typografie und Sound, aber auch 3D-Modelle.

Bist Du neugierig geworden? Zum Motion Design findest Du auf StudySmarter im Bereich Film eine eigene Erklärung: "Motion Design und grafische Mittel".

Das User-Experience-Design

Das User-Experience-Design, kurz UX-Design, analysiert die Nutzererfahrung während der Interaktion mit einem digitalen Produkt, um entweder neue Nutzeroberflächen zu kreieren oder bereits vorhandene Oberflächen zu optimieren.

Das UX-Design verfolgt das Ziel, das Erlebnis der Nutzenden, während sie sich mit einer digitalen Interaktionsoberfläche beschäftigen, zu bessern — daher auch die Bezeichnung "User-Experience", was übersetzt "Nutzererfahrung" bedeutet.

Zum Beispiel wird beim UX-Design versucht, den Kaufprozess eines Tickets an einem Ticketautomaten, welcher sich für manche Menschen als schwieriger erweist, einfacher zu präsentieren, sodass die Nutzerinnen und Nutzer so einfach und so schnell wie möglich an ihr gewünschtes Ergebnis, in diesem Fall an ein Ticket, gelangen.

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Das Industriedesign

Bei dem Industriedesign geht es um die Ausgestaltung einer Vielzahl von Gegenständen, die durch die industrielle Massenfertigung produziert werden. Das bedeutet, dass sich das Industriedesign weniger um die Gestaltung von Unikaten bemüht, sondern vielmehr um die massenhafte Herstellung von Investitions- oder Gebrauchsgütern.

Investitionsgüter werden benutzt, um Güter zu produzieren oder transportieren. Maschinen werden unter anderem zur Produktion wie auch Lastkraftwagen, Traktoren oder Gabelstapler, die zum Transport eines Gutes dienen, als Investitionsgut bezeichnet.

Gebrauchsgüter sind dagegen Produkte, die an sich häufiger zur Verwendung kommen. Dazu gehören unter anderem Kaffeemaschinen, Mixer, Fahrzeuge, Werkzeuge, Möbel oder Lampen.

Wie auch bei den vorigen Teildisziplinen des Designs beschäftigt sich das Industriedesign gleichsam nicht nur mit dem puren Design, sondern gleichermaßen mit der Funktionalität und Benutzerfreundlichkeit eines Produkts. Manchmal ist jedoch auch der Fall, dass sich ausschließlich um den Zweck und die Funktion einer Ware gekümmert wird — das Aussehen wird also außer Acht gelassen. Dies trifft besonders auf die Produktion von Investitionsgütern zu.

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Das Produktdesign

Die Gestaltung von Produkten und Designobjekten wird unter dem Begriff Produktdesign bzw. Produktgestaltung zusammengefasst, dazu gehören unter anderem Leuchten, Möbel oder Fahrzeuge.

Als Produkte werden sowohl physische Gegenstände, die sich beispielsweise in einem Geschäft befinden, als auch immaterielle Produkte wie Dienstleistungen oder Informationen bezeichnet. Allgemein gesagt ist ein Produkt ein Wirtschaftsgut bzw. ein Endergebnis einer Arbeit, das von einem Unternehmen am Ende des Produktdesignprozesses angeboten wird und von Kundinnen und Kunden erworben werden kann.

Beim Produktdesign steht die Entwicklung von (physischen oder immateriellen) Produkten im Vordergrund – denn das Produktdesign macht aus einer Idee ein erfolgreiches Produkt. Der Erfolg eines Produkts ist davon abhängig, wie gut es die Bedürfnisse der Nutzenden befriedigt. Zudem gilt, dass das Design nicht zu kompliziert sein darf und im besten Fall sofort verständlich ist.

Das Design eines Produkts ist aber mehr als nur Dekoration. Die äußere Erscheinung hat unter anderem einen großen Einfluss auf den Kaufprozess bzw. die Kaufentscheidung. Spricht das Aussehen eines Produktes die Kundin und den Kunden an, werden bei diesem oder dieser Emotionen ausgelöst und der Kaufreiz verstärkt.

Produktdesignerinnen und -designer müssen sowohl über Kreativität, als auch über Kenntnisse in den Bereichen Mechanik und Materialkunde verfügen, um den Endverbrauchenden sowohl ein ästhetisches, als auch funktionales Produkt zu liefern.

Erfahre mehr zum Thema "Techniken und Analyse zum Produktdesign" in der entsprechenden Erklärung, die Du auf StudySmarter finden kannst!

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Design – die Bestseller des Designs

Designklassiker, also Bestseller des Designs, entstehen durch ein zeitloses Design. Merkmale zeitloser Gegenstände sind meist gerade, schlichte Linienführungen, eine hohe Qualität, einen hohen Wiedererkennungswert, ein großes Maß an Komfort, eine hohe Belastbarkeit und eine ansprechende Ästhetik.

Zu den Design-Bestsellern gehören unter anderem Tische oder Stühle, die durch ihre Optik noch heute überzeugen und/oder von bedeutenden Designenden entworfen wurden und so den Status eines Design-Bestsellers erreicht haben. Stühle und Tische, die mittlerweile zu den Design-Bestellern gehören, lernst Du im Folgenden genauer kennen.

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Der Lounge Chair und Ottoman

Zu einem der berühmtesten Sitzmöbel-Zusammenstellungen gehört der seit 1956 produzierte Lounge Chair in Kombination mit dem zugehörigen Ottoman, die beide von Charles Eames (1907–1978) entworfen wurden. Echtes Anilinleder (gehört zu den hochwertigsten Lederarten, die es zu kaufen gibt) überzieht sowohl den Stuhl als auch den Hocker. Eine hohe Dichte in den Schaumstoffkissen ermöglicht eine enorme Sanftheit und Bequemlichkeit.

Eingerahmt wird der Stuhl und der Hocker durch Palisanderholzrahmen, die gebogen und lackiert wurden. Im Großen und Ganzen kann festgestellt werden, dass sich diese Sitzmöbel-Kombination nicht nur durch eine hohe Eleganz des Äußeren auszeichnet, sondern auch durch eine sehr hohe Bequemlichkeit und Qualität — laut Dieter Rams also ein optimales Design.

Der Egg Chair

Arne Emil Jacobsen (1902–1971) genoss als der bedeutendste Designer und Architekt im Dänemark des 20. Jahrhunderts an internationaler Bedeutung. Sein im Jahr 1957 entworfener Egg Chair zeichnet sich durch seine einfache, dennoch einladende und sympathisch erscheinende Form aus, wodurch er gleichzeitig über einen hohen Wiedererkennungswert verfügt.

Bei dem Egg Chair handelt es sich um eine Kunststoffschale, die mit einer Kaltschaumpolsterung und schließlich mit einem Leder- oder Stoffbezug versehen wurde. Das Fußkreuz dagegen besteht aus Aluminium. Der Stuhl zeichnet sich besonders durch seine einfache und futuristische Form aus. Heute wird der Stuhl in Eiform von der Firma Fritz Hansen produziert und gehört zu einem der gefragtesten Wohnklassiker.

Der Whirl Tisch

Bei dem von Henrik Pedersen (*1967) für die Firma "Gloster" entworfen Whirl Tisch handelt sich, um einen Tisch, der aus einer braunen Teakholzplatte und besonders arrangierten Stahlröhrenbeinen aufgebaut ist.

Auffallend an diesem Tisch ist der Kontrast zwischen dem filigranen, aber kühl wirkenden Edelstahlgestell und der massiven Holzplatte, die Wärme ausstrahlt. Neben der Funktion als Tisch machen die lattenartigen Einkerbungen in der Tischplatte es möglich, nasse Flächen rückstandslos und schnell abfließen zu lassen.

Der BUK Beistelltisch

Zuletzt folgt der kunstvoll gefaltete Beistelltisch BUK, der von dem Designer Michael Hilgers (*1976) entworfen wurde. Der aus Aluminium gefertigte Beistelltisch kombiniert eine minimalistische Form mit Flexibilität, denn je nach Bedarf kann das Möbelstück auch auf den Kopf gestellt werden. Das bedeutet, der BUK-Tisch kann je nachdem, wie er hingestellt wird, als Büchertisch, als Ablagefläche für etwa Notebooks, als kleines Regal oder als Notenpult verwendet werden.

Weitere Designbestseller findest Du in den Erklärungen "Stuhl Kunst" und "Bauhaus Design".

Design – Das Wichtigste

Der deutsche Industriedesigner Dieter Rams (*1932) verfasste die "10 Thesen für gutes Design". Laut den Thesen werden Produkte, die innovativ, brauchbar, ästhetisch, verständlich, unaufdringlich, langlebig, konsequent, umweltfreundlich und reduziert sind, als gut designt empfunden.

Die Bezeichnung Design stammt aus dem Englischen und wird mit Formgebung bzw. Muster übersetzt.

Das Design beschäftigt sich mit der äußerlichen Darstellung eines Werks. Dazu gehört die Wahl der Form, Farbe, Größe oder des Materials für Produkte.

Das Design bezeichnet auch den gesamten Prozess einer gestalterischen Tätigkeit — vom Entwurf zur Planung bis hin zum fertigen Endprodukt.

Mittlerweile haben sich Bereiche wie Grafikdesign, Mediendesign, Industriedesign, Produktdesign und weitere Design-Segmente etabliert.

Zu den Design-Bestsellern gehören unter anderem der "Lounge Chair" von Charles Eames, der "Egg Chair" von Arne Jacobsen, der "Whirl Tisch" von Henrik Pedersen oder der "BUK" Beistelltisch von Michael Hilgers.

Nachweise

wedot.ch: Was macht gutes Design aus? (28.05.2022)

page-online.de: Was ist eigentlich Kommunikationsdesign? (28.05.2022)

design-hof.de: Was ist Design? (28.05.2022)

Abbildung 3: Beispiel für eine Sitzmöbel-Zusammenstellung; Charles Eames: "Lounge Chair", "Ottoman" (1956) (https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Reina_Design_Interior_Collection_Volume_2_(2570129830).jpg) von Rama (https://commons.wikimedia.org/wiki/User:Rama) unter der Lizenz CC BY 2.0 (https://creativecommons.org/licenses/by/2.0/deed.en)

Abbildung 4: Beispiel für ein Egg Chair; Arne Emil Jacobsen: "Egg Chair" (1958) (https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Fh060109-20272.jpg) unter der Lizenz Free Art Licence 1.3 (http://artlibre.org/licence/lal/en/)

Häufig gestellte Fragen zum Thema Design

Die Arten, wie Design zu Ausdruck gebracht werden kann, sind vielfältig. Heutzutage sind Designer*innen in unterschiedlichen Branchen der Wirtschaftswelt gefragt. Mittlerweile haben sich Bereiche wie Grafik Design, Mediendesign, Produktdesign, Industriedesign und viele weitere Design-Segmente etabliert. Das Tätigkeitsfeld des Designers ist demnach sehr facettenreich.

Laut den "10 Thesen für gutes Design" nach dem berühmten deutschen Industriedesigner Dieter Rams werden Produkte, die innovativ, brauchbar, ästhetisch, verständlich, unaufdringlich, langlebig, konsequent, umweltfreundlich und reduziert sind, als gut designt empfunden.

Die Bezeichnung "Design" stammt aus dem Englischen und wird mit "Zeichnung" bzw. "Muster" übersetzt. Das Design beschäftigt sich zum einen mit dem äußerlichen-ästhetischen Erscheinungsbild eines Werks. Dazu gehört die Wahl der Form, Farbe, Größe, oder des Materials für Produkte. Andererseits bezeichnet das Design den gesamten Prozess einer gestalterischen Beschäftigung - vom Entwerfen einer Zeichnung zur Planung bis hin zum Endprodukt, welches für den Endverbraucher erwerbbar ist.

Das Design beschäftigt sich einerseits mit der äußerlichen Erscheinung eines Werks. Dazu gehört die Wahl der Form, Farbe, Größe, oder des Materials. Andererseits bezeichnet das Design auch den gesamten Prozess einer gestalterischen Tätigkeit - vom Entwerfen einer Zeichnung zur Planung bis hin zum Endprodukt.

Finales Design Quiz

Frage

Fülle die Lücken.

Die Bezeichnung "Design" stammt aus dem Englischen und wird mit "1) ... " bzw. "2) ... " übersetzt.

Antwort anzeigen

Antwort

1) Zeichnung

2) Muster

Frage anzeigen

Frage

Mit was beschäftigt sich das Design? Nenne zwei Aspekte.

Antwort anzeigen

Antwort

Bekannte Synonyme zur Bezeichnung "Design" sind: "Konzipierung", "Entwicklung", "Entwurf", "Planung", "Formgebung", "Muster" oder "Gestaltung".

Frage anzeigen

Frage

Nenne zwei Synonyme zur Bezeichnung "Design".

Antwort anzeigen

Antwort

Bekannte Synonyme zur Bezeichnung "Design" sind: "Konzipierung", "Entwicklung", "Entwurf", "Planung", "Formgebung", "Muster" oder "Gestaltung".

Frage anzeigen

Frage

Richtig oder Falsch?

Jede Farbe, jede Form und jedes Material eine individuelle Botschaft an den/die Betrachter*in bzw. an den/die Konsument*in vermittelt

Antwort anzeigen

Antwort

Richtig

Frage anzeigen

Frage

Wer verfasste die "10 Thesen für gutes Design"?

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Antwort

Ein deutscher Industriedesigner der Moderne, Dieter Rams (geb. 1932), verfasste diese Thesen.

Frage anzeigen

Frage

Welche Aussagen aus den "10 Thesen für gutes Design" von Dieter Rams sind richtig? Wähle die Richtigen aus.

Antwort anzeigen

Antwort

Gutes Design ist innovativ.

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Frage

Worin liegt der Unterschied zwischen Kunst und Design?

Antwort anzeigen

Antwort

Das Einbeziehen der Funktionalität stellt den Unterschied zwischen Design und Kunst dar.

Frage anzeigen

Frage

Fülle die Lücken.

Das 1) ... ... (CD) konzentriert sich auf die 2) ... Gestaltung. Dazu gehören beispielsweise Firmenzeichen bzw. formale 3) ... , festgelegte Typografien oder bestimmte Hausfarben.

Antwort anzeigen

Antwort

1) Corporate Design

2) formale

3) Logos

Frage anzeigen

Frage

Fülle die Lücken.

Vorgaben zur Farbe, zur Typografie oder Richtlinien darüber wie Logos angewendet werden sollen und Weiteres wird in sogenannten "1) ... " bzw. "2) ... " zusammengeschrieben

Antwort anzeigen

Antwort

1) Styleguides

2) Gestaltungsrichtlinien

Frage anzeigen

Frage

Wozu dient ein Styleguide?

Antwort anzeigen

Antwort

Jeder (neue) Mitarbeiter eines Unternehmens kann sich bei seinem/ihrem Gestaltungsprozess daran orientieren. So kann ein einheitliches Gesamtergebnis nach außen gewährleistet werden.

Frage anzeigen

Frage

Worum handelt es sich beim Industriedesign?

Antwort anzeigen

Antwort

Bei dem Industriedesign geht es um die Ausgestaltung einer Palette an Gegenständen, die durch die industrielle Massenfertigung produziert werden.

Frage anzeigen

Frage

Richtig oder Falsch?

Das Industriedesign konzentriert sich auf die Fertigung von Unikaten.

Antwort anzeigen

Antwort

Falsch

Frage anzeigen

Frage

Nenne 3 Merkmale einer zeitlosen Gestaltung.

Antwort anzeigen

Antwort

gerade, schlichte Linienführungen

eine hohe Qualität

einen hohen Wiedererkennungswert

ein großes Maß an Komfort

eine hohe Belastbarkeit

eine ansprechende Ästhetik

Frage anzeigen

Frage

Um welchen Design-Bestseller handelt es sich in der unteren Abbildung? Nenne sowohl den Titel als auch den/die Designer*in.

Antwort anzeigen

Antwort

Das ist der "BUK" Beistelltisch von Michael Hilgers.

Frage anzeigen

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3 notes · View notes

laura-schwyter-atmosphericdesign · 2 years

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Farblichtzentrum Tag3

Farbe im "D Raum ist ganz etwas anderes als im 3D Raum! -> Da spielen Licht und Schatten auch mit eine Rolle. (Bsp.Hella Jongerius Farbstudien)

Ziel der visuellen Wahrnehmung ist die Objekterkennung. Mit ganz wenig Licht nehmen wir nur hell/dunkel wahr – je mehr Licht dazu kommt, desto besser erkennen wir die Farben. Grün scheint in der Dunkelheit heller als ein Rot im gleichen Helligkeitsbereich, da Rot mehr Licht benötigt für die Wahrnehmung. Gelb verliert im Schatten sofort die Farbigkeit und ist daher auch nicht geeignet für düstere Räume. Gelb wird jedoch lange als hell wahrgenommen, genauso Cyan. Mit warmweissem Licht kommen die Rottäne zur geltung / mit kaltweissem die Blautöne:

gleiche Farben, anderes Licht

Raumgrenzen lösen sich auf durch fehlende Kontraste (z.b. Nebel)

Farbfunktionen im Raum (Le Corbusier)

Atmosphärische Funktion: Helle Farben beeinflussen die Stimmung

Konstruktive Funktion: kräftige Naturtöne erzeugen Raumtiefe, betonen die Konstruktion und verändern die Raumwahrnehmung

Dynamische Funktion: Starke synthetische Farben erzeugen Kontraste, bilden Formen, erzeugen kompositionen oder lösen die Raumkonstruktion auf

Dekorative Funktion: Wanddeko/Künstlerische Effekte/Lasuren/Tapeten/Wandmalerei

Farbige Fensterfolien können auch Farbe in den Raum bringen.

Farbe kann: -> Ordnung in den Raum bringen -> Räume grösser/kleiner wirken lassen -> Die Raumtemperatur beeinflussen -> Trennen oder verbinden -> Einen Raum im Raum schaffen -> betonen oder verschwinden lassen -> Wertvoll oder billig scheinen lassen

Problem von Farbpsychologie: Farbstudien werden 2D und nicht im Raum durchgeführt. Je heller die Umgebung ist, desto schlechter ist unsere Wahrnehmung in ihr, da die Pupillen sich verkleinern und das wirkt sich auf die Raumwahrnehmung aus. Weisse Farbe rückt in den Vordergrung / dunkle Farbe in den Hintergrund und inszeniert dadurch die helleren Objekte im Raum. Dunkle Decken lassen den Raum Grösser scheinen, da sie ihn scheinbar nach oben auflösen:

Raumanalyse:

Bestandesaufnahme: Welche Farben sind vorhanden und nicht veränderbar?

Wahl eines passenden Weisstons -> Prägt die Atmosphäre

Differenzierung: Betonung oder Auflösung der Architektur durch unbunte Farben

Dynamik erzielen durch bunte Farbakzente (einzelne Wände oder auch Möbelstücke)

Harmonie entstehen lassen

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loveperfectgalaxycollector · 9 days

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Indische Türen mit ihren aufwendigen Schnitzereien von Gottheiten wie Ganesha erfüllen eine Schutzfunktion, indem sie böse Geister abwehren und die Heiligkeit des Hauses gewährleisten. Diese symbolischen Elemente erheben die Tür von einem funktionalen Objekt zu einem spirituellen und kulturellen Artefakt.Diese architektonische Vielfalt unterstreicht, wie asiatische Vintage-Türen als Fenster zu den kulturellen und ökologischen Faktoren dienen, die die Designprinzipien jeder Region geprägt haben. Jedes Material wurde sorgfältig aufgrund seiner Haltbarkeit und kulturellen Bedeutung ausgewählt, um sicherzustellen, dass die Tür sowohl funktional als auch ein künstlerischer Ausdruck war.

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craft2eu · 1 month

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WRITING TIME - WEAVING TEXT - Renata Brink: Berlin vom 23.08. bis 01.09.2024

Das Format der Ausstellung ist als Prozess und als Einblick in die künstlerische Forschung 2021 – 2024 der Künstlerin Renata Brink zu verstehen: Ein Ausstellungsprojekt von textil-basierten Arbeiten, die u.a. von der großen Weberin Anni Albers sowie zeitlichen und räumlichen Fragestellungen inspiriert sind. In einer Ausstellungsinstallation loten die Objekte / Arbeiten das Verhältnis von…

#Berlin #Fäden #Galerie erstererster #Material #Prozessproportionen #Raum #Renata Brink #Sc hrift #Schreiben #Text #Textil #Weben #Zusammenspiel

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bspoquemagazine · 2 months

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Das Minsk im August-September: Soft Power & Noah Davis

SOFT POWER LETZTER AUSSTELLUNGSTAG AM 11. AUGUST 2024 Die Gruppenausstellung Soft Power stellt Textilgestaltung als künstlerisches Ausdrucksmittel vor, mit dem Machtverhältnisse infrage gestellt werden können. Die Ausstellung begreift Textilien nicht nur als handwerklich oder industriell gefertigte Objekte, sondern auch als Teil von Systemen. Dazu gehören die Produktions- und…

#Ausstellungen #Das Minsk #Hasso Plattner Foundation gGmbH #Kinder und Jugendliche #Noah Davis #Potsdam #Soft Power #Workshop

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comicshopsaar · 2 months

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Die Sammelausgabe "Masters of the Universe: Die Giganten des Universums" von RetroFabrik ist eine beeindruckende Kollektion, die auf knapp 600 Seiten die klassischen Comics der Masters of the Universe aus den 80er Jahren zusammenführt. Diese Neu-Edition umfasst alle Comics, die ursprünglich vom Interpart Verlag veröffentlicht wurden, und präsentiert sie in restaurierter Form. Diese Ausgabe ist eine wahre Hommage an die epischen Abenteuer von He-Man und seinen Verbündeten im Kampf gegen Skeletor und dessen dunkle Mächte. Die Welt von Eternia Die Geschichten entführen die Leser in die faszinierende Welt von Eternia, wo galaktische Wesen mit magischen Kräften gegen das Böse kämpfen. He-Man, der mächtigste Held von Eternia, steht im Mittelpunkt der Erzählungen, unterstützt von einer Reihe von einzigartigen Charakteren. Die Comics bieten eine Mischung aus epischen Kämpfen und ruhigen, charakterzentrierten Momenten, was die Geschichten sehr abwechslungsreich und unterhaltsam macht. Jedes Kapitel ist in sich abgeschlossen, was den Lesefluss angenehm gestaltet und den Einstieg in die Serie erleichtert. Restaurierung und Bonusmaterial Ein herausragendes Merkmal dieser Ausgabe ist die sorgfältige Restaurierung der Originalbilder. RetroFabrik hat es geschafft, den ursprünglichen Stil der Comics zu bewahren, während notwendige Anpassungen und Korrekturen vorgenommen wurden. Dies stellt sicher, dass die Comics in bester Qualität genossen werden können, ohne dass der Charme und die Authentizität der 80er-Jahre-Veröffentlichungen verloren gehen. Zusätzlich zur Restaurierung enthält der Band umfangreiches Bonusmaterial, das tiefe Einblicke in die Entstehungsgeschichte der Comics und deren kulturellen Hintergrund bietet. Diese redaktionellen Inhalte wurden mit viel Leidenschaft und Fachwissen erstellt, was sie besonders interessant für Sammler und langjährige Fans macht, die die ursprünglichen Hefte möglicherweise noch besitzen. Künstlerische Gestaltung und Verarbeitung Die künstlerische Gestaltung der Comics stammt unter anderem von Michael Götze, während die Texte von Wilfried A. Hary verfasst wurden. Beide haben maßgeblich dazu beigetragen, die Geschichten von He-Man und seinen Gefährten lebendig und fesselnd zu gestalten. Die Ausgabe selbst besticht durch ihre hochwertige Verarbeitung. Der stabile Hardcover-Einband und das qualitativ hochwertige Papier machen dieses Werk zu einem wahren Schmuckstück für jede Comicsammlung. Diese Sorgfalt in der Produktion unterstreicht den Sammlerwert der Ausgabe und macht sie zu einem begehrten Objekt für Fans und Neueinsteiger gleichermaßen. Fazit "Masters of the Universe: Die Giganten des Universums" bietet eine reichhaltige und faszinierende Reise in die Welt von He-Man und seinen Gefährten. Die sorgfältig restaurierten Comics und das umfangreiche Bonusmaterial machen diese Ausgabe zu einem Muss für jeden Fan der Serie. Ob langjähriger Anhänger oder neuer Leser, diese Sammlung begeistert durch ihre epischen Geschichten, beeindruckende künstlerische Gestaltung und hochwertige Verarbeitung.

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manuelamordhorst · 2 months

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Tipp: Der Stoff, aus dem wir sind - Sonderausstellung in Ahrenshoop

“Als „irdene Bildwerke“ gelten im hier dargestellten Zusammenhang Objekte, die in einem aufwändigen, in der langen Geschichte des keramischen Handwerks verwurzelten Herstellungsprozess entstehen und gleichwohl zeitgemäße künstlerische Äußerungen sind. Die Keramik war schon in der klassischen Moderne ein von avantgardistischen Künstlerinnen und Künstlern gern besetztes Arbeitsfeld. In den letzten…

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unternehmenskommunikations · 3 months

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Beyond Auto: Der wesentliche Leitfaden für das Kameratraining

Waren Sie schon einmal mit Ihrer Kamera frustriert? Sie sehen atemberaubende Fotos online und fragen sich, wie Fotografen solch fesselnde Ergebnisse erzielen können. Die Antwort wird Sie vielleicht überraschen – oft geht es dabei um mehr als nur um eine schicke Kamera. Der Schlüssel liegt darin, das wahre Potenzial Ihrer Ausrüstung auszuschöpfen Kameratraining. Dieser wichtige Leitfaden vermittelt Ihnen das Wissen und die Fähigkeiten für den Übergang vom „Auto “-Modus in eine Welt voller kreativer Möglichkeiten.

Warum über das Auto hinausgehen?

Der automatische Modus kann zwar praktisch sein, schränkt jedoch Ihre kreative Kontrolle ein. Mit dem Kameratraining können Sie:

• Das Licht einfangen: Verstehen Sie die Prinzipien von Blende, Verschlusszeit und ISO, um das Licht zu steuern und die gewünschten Effekte zu erzielen.

• Komponieren wie ein Meister: Lernen Sie Kompositionstechniken wie die Drittelregel und Leitlinien kennen, um visuell fesselnde Bilder zu erstellen.

• Nutzen Sie den manuellen Modus: Übernehmen Sie die Kontrolle über Ihre Kamera und entfalten Sie ihr volles Potenzial, sodass Sie sich an jedes Aufnahmeszenario anpassen können.

• Beherrschen Sie verschiedene Objektive: Entdecken Sie die einzigartigen Fähigkeiten verschiedener Objektive und wählen Sie das perfekte Objektiv für Ihr Motiv und das gewünschte Ergebnis.

• Nachbearbeitungsleistung: Lernen Sie die Grundlagen der Bearbeitungssoftware kennen, um Ihre Fotos zu verbessern und Ihrer künstlerischen Vision freien Lauf zu lassen.

Was Sie vom Kameratraining erwarten können:

Kameraschulungsprogramme gibt es in verschiedenen Formaten, von Online-Kursen bis hin zu Präsenzworkshops. Folgendes können Sie im Allgemeinen erwarten:

• Ihre Kamera verstehen: Gewinnen Sie ein umfassendes Verständnis der Funktionen, Tasten und Menüs Ihrer Kamera.

• Belichtungsgrundlagen: Erfahren Sie, wie Blende, Verschlusszeit und ISO zusammenarbeiten, um ein gut belichtetes Bild zu erstellen.

• Kompositionstechniken: Entdecken Sie verschiedene Kompositionsmethoden, um das Auge des Betrachters zu lenken und wirkungsvolle Bilder zu erstellen.

• Beleuchtungstechniken: Verstehen Sie, wie Sie natürliches und künstliches Licht nutzen, um atemberaubende Fotos aufzunehmen.

• Aufnahmemodi: Entdecken Sie verschiedene Aufnahmemodi wie Blendenpriorität oder Verschlusspriorität, um den gewünschten kreativen Effekt zu erzielen.

• Einführung in die Nachbearbeitung: Lernen Sie grundlegende Bearbeitungstechniken, um Ihre Fotos zu verbessern und ihr volles Potenzial auszuschöpfen.

Vorteile des Kameratrainings:

Die Investition in eine Kameraschulung ist eine Investition in Ihre fotografische Reise. So können Sie davon profitieren:

• Verbesserte Bildqualität: Die Beherrschung von Belichtung, Komposition und Beleuchtung führt zu erheblichen Verbesserungen der Qualität Ihrer Fotos.

• Verbesserte Kreativität: Gehen Sie über den automatischen Modus hinaus und erkunden Sie verschiedene kreative Techniken, um Ihre einzigartige Vision zum Ausdruck zu bringen.

• Erhöhtes Selbstvertrauen: Mit einem grundlegenden Verständnis Ihrer Kamera können Sie jede Aufnahmesituation mit Zuversicht angehen.

• Erhöhter Spaß: Die Möglichkeit, die Welt um Sie herum so einzufangen, wie Sie sie sich vorstellen, macht das Fotografieren noch angenehmer.

Begeben Sie sich auf die Reise des Lernens:

Kameratraining ist eine aufregende und lohnende Reise. Es gibt immer mehr zu lernen und mit der Übung entwickeln Sie Ihre Fähigkeiten und Ihre künstlerische Vision. Denken Sie daran, dass selbst die renommiertesten Fotografen irgendwo angefangen haben.

Sind Sie bereit für Ihr Kameratraining-Abenteuer? Teilen Sie Ihre fotografischen Ziele oder Fragen in den Kommentaren unten mit!

In zukünftigen Beiträgen werden wir tiefer auf bestimmte Kamerafunktionen eingehen, verschiedene Fotografie-Genres erkunden und Tipps und Tricks von professionellen Fotografen anbieten, die Ihnen helfen, Ihre Fähigkeiten zu verbessern und atemberaubende Bilder aufzunehmen.

#Kameratraining

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pochonka · 4 months

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Projekt "Selbstwahrnehmung und Fremdwahrnehmung"

Eine entstehende Gemäldereihe.

.¤*¨¨*¤.UPDATE .¤*¨¨*¤. Die Bilder sind fertig - Schnappschüsse aus dem Atelier

Grobe Digitale Skizze für das erste Gemälde in der Reihe. Wichtig ist, dass das Weiß des Lakens hervorsticht und wie eine Art Negativraum wirkt.

Was ist meine Intention hinter den Gemälden?

Was würde man von sich verdecken? - Was würde man allen präsentieren

Intervention - Weil man sich dieser Stellen vermehrt selbst bewusst ist verdeckt man sie im praktischen, aber auch gleichzeitig schafft man durch die Bedeutung des weißen Lakens eine Leerstelle

Gleichzeitig werden die stellen zwar “unsichtbar” hinter den Laken, aber dadurch dass das Laken so sehr hervorsticht wird es umso sichtbarer

Verweis auf inneren Zwiespalt? Eine Art Streisand-Effekt

Weißes Bettlaken → steht auch zusammen mit dem klassischen Reinheitsbild der Frau während sie gleichzeitig ein “Objekt” der Begierde seien

Kritische Hinterfragung der Selbstzensur

Offene Fragen

Warum muss es gemalt werden?

Ein Foto wäre auch nur eine Inszenierung von mir wie ich die Personen wahrnehme

Auseinandersetzung mit der typischen Inszenierung von Frauen in der Klassischen Kunst - und die Frauenperspektiven daraus wurden auch in das Frauenbild der Videospiele verbreitet

Frauen als Opfer sexueller Gewalt, als Objekt zum ansehen - Offenlegung der Intimbereiche

In diesen Bildern sind die Modelle auch AkteurInnen, weil sie entscheiden was am ende offengelegt wird

Künstlerische Abstraktion verschafft mehrere Interpretative Zugänge zu dem Thema

Subjektive auseinandersetzung

Interaktion mit anderen Medien

Malerei als Tradition der Selbstdarstellung durch andere

Diskrepanz mit Selbstwahrnehmung Stellen die verborgen werden - geprägt durch Normativen Frauenbildern

Warum malen die Personen sich nicht selbst?

Stellen die verborgen werden - geprägt durch Normativen Frauenbildern

Thema der Kontrolle- dadurch, dass ich sie male, entziehe ich ihnen wieder die Kontrolle; Wir werden von anderen dargestellt - vorallem in Videospielen gibt es nur begrenzte Auswahl an Darstellungen. → Verweis auf das Spannungsfeld?

Projektion eines Fremdbildes - Die meisten Game Director sind Männer; gab auch schon mehrere sexuelle Übergriffe auf Frauen in großen Companies

Trotz eigeninitiative immer noch “Opfer des Systems”

Dinge zu beachten bei Umsetzung

generell:

Das weiß des Lakens muss hervorstechen

Andeutungen der verpixelungen - Verbindungsstück zu restlichen Ausstellungsstücken

Ich möchte das sie gezielt den Betrachter ansehen, damit sie selbstbewusster und initiativer wirken

Die Modelle würden im Anschluss nochmal eingeladen werden über diese Fremdwahrnehmung zu malen. (?)

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fabiansteinhauer · 4 months

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Balls haben

If you got balls, you know what Balance ist. Wenn man bolische Objekte händeln, bestreiten kann, dann kann man balancieren. Ein Aufschlag im Tennis, der den Ball ins Spiel lanciert und der Schlag einer geballten Faust in die Fresse oder auf die Nieren, der balanciert auch. Die Balistik ist eine Technik, noch eiserne Bälle und Kugeln lancieren zu können, zum Beispiel mit einem Mörser in einer Haufen italienischer Soldaten. Fritz Saxl hat im ersten Weltkrieg sehr erfolgreich Kurven berechnet, einen Teil des Wissens dafür hatte er schon zuvor als Kunsthistoriker und Spezialist für astronomische und astrologische Literatur erworben, nach dem Krieg konnte er das Wissen gut gebrauchen, um mit Aby Warburg und dessen Bibliothek umzugehen.

Balancieren kann man ohne Schiedsrichter, mit Schiedsrichter. Der Jäger, der dem Reh Schrott ins Herz schießt, lanciert auch bolische Objekte. Ein Meteor, der in die Atmosphäre eintritt, glühend zum Boliden wird, dann das Leben auf einem Planeten auslöscht, balanciert auch, lanciert einen Ball, dessen Reigen einige sogar für das jüngste Gericht halten.

Die Literatur zur Balance will ich einmal in zwei Felder unterteilen: eine, in der die Regeln feststehen sollen und Verfahren beständig sind. Es gibt Literatur zur Balance, in der Balance eigentlich kein beunruhigendes Problem ist, wo sie in Form ist und in Formeln man die Balance darstellt, als ob man sie herstellen würde. Transzendenz: der größte Richter wird es schon ausrichten. Edgar Wind schreibt in einem Text (Reifsein ist alles), es sei seltsam, dass die Idee, Transzendenz für Gleichgewicht sorge, jemals die künstlerische Phantasie beflügelt hätte.

Und dann gibt es die Literatur zur Balance, da ist die Balance ein beunruhigendes Problem, weil das Verfahren nicht besteht, die Regeln unbeständig sind. Haben die Monarchen Fenster? Hat der Robert Alexy Fenster? Haben die Formeln Fenster?

Die historischen Literaturen sind u.a. die stoischen Literaturen, etwa Seneca, der besonders (Justus Lipsius rezipiert ihn, wie Luhmann das tut). Die Literatur prägt eine Gattung aus, De Constantia, von der Antike bis über Alberti entstehen auch Texte, die den Ausgangspunkt in Balance als einer Aufgabe im Umgang mit Schrecken, Apokalypsen und Katastrophen sehen. Historisch reflektiert man die Aufgabe der Balance in ihrer beunruhigenden Version in Figuren der Fortuna und der Occasio greller als in Figuren der Justitia, obwohl es auch Figuren wie Fortuna Iustitiae und fragile, debile, unbeständige Figuren der Iustitita gibt. Schiffbrüche werden zu einem Motiv einer stoischen Idee der Balance: alles fahren lassen, alles über Bord schmeißen, nur tragen, was einen bis zum Ufer schwimmen lässt. Im Druckerhaus de La Porta in Lyon zeigt man ein Brett, es soll die herausgerissene Tür eines Tempels im nahen Osten sein, das Brett soll bis auf reigendem und schlingendem Meer eine klamme Strecke lang tragen. In Moby Dick wird daraus ein hözerner Sarg, der Asyl auf See geben soll. In solchen Passagen ist Balance ein unruhiges Problem.

Blut lassen: Rubens malt den Tod des Seneca als brutale, furchtbare, schreckliche Bilanz, die Balance darin ist nicht zynisch, sie ist kühn und kynisch. Balance und Bilanz: Standhalten in Konfrontation mit einem finalen Schlag, durchhaltend in die Knie gehen.

Cornelia Vismann nannte sich Bianca Lanz (B. Lanz), wenn sie Artikel in der FAZ veröffentlichte. Weder mit den Freunden aus der Autonomen Szene noch mit den Kolleginnen und Kollegen am MPI musste sie dann ihr Schreiben vergleichbar halten.

#balancieren #bilanzieren

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freunde-der-mewo-kunsthalle · 5 months

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23.02.2024, Eröffnung der Ausstellung ‘HEX’

Tatjana Stürmer, The House, the Body, the Child – My corporeal, cereal phantasies, Ausstellungsansicht, 2024, Fotograf: Carsten Eisfeld

Die Geschichte der Hexen war eine gewalttätige und bildgewaltige. Zwischen sexualisierter Femme fatale und der hässlichen Alten waren die Zuschreibungen männlich dominierter Gesellschaften eindeutig, wertend und verachtend. Die Gründe für die Hexenverfolgung mit ihrem Höhepunkt im 16. Jahrhundert waren vielfältig. Der europäische Kontinent erholte sich noch von der Pest und hatte bereits mit den Folgen der kleinen Eiszeit zu kämpfen. Diese krisenhaften Zeiten bereiteten den Boden für Verschwörungsideologien und die Suche nach Schuldigen. Den als Hexen Beschuldigten wurde die Nähe zum Teufel nachgesagt, sie wurden für allgemeine Missstände und persönliche Schicksalsschläge verantwortlich gemacht. Es waren insbesondere weltliche Gerichte, die den Denunziationen nachgingen, durch Folter Geständnisse erwirkten, die Urteile aussprachen und durchführen ließen. Die Hexenverfolgung war vor allem auch eine mediale Kampagne und ohne die einschlägigen Publikationen und die im Druckverfahren massenhaft in Umlauf gebrachten Flugblätter in diesem Ausmaß kaum vorstellbar gewesen.

Mit den feministischen Theorien des 20. und 21. Jahrhunderts, etwa Silvia Federicis Caliban and the Witch aus dem Jahr 2004, vollzog sich ein Perspektivwechsel in der Beurteilung der Hexenverfolgung. Ursprünglich vorgebrachte Gründe wie Ketzerei oder die Zuschreibung übernatürlicher Kräfte wurden als expliziter Kampf gegen den weiblichen Körper und die soziale Macht von Frauen neu interpretiert. In demselben Maß machte sich die Frauenbewegung der späten 1960er Jahre, u.a. die in New York gegründete Gruppe Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell, kurz WITCH, die Hexe mit positiven Besetzungen zu eigen. So führte die Rückbesinnung auf die Hexe als autonome Frau mit Wissen und Macht im letzten Jahrhundert immer stärker zu einer Entstigmatisierung. Auch in der Popkultur hielt die Hexe Einzug und sie ist mit ihrem Identifikationspotenzial seit einiger Zeit auf Social-Media-Plattformen als Trend auszumachen.

Emily Hunt, oldladybaby, 2022, 36 × 24 x 33 cm, Glasiertes Steinzeug mit Goldglanz

Das Bild der Hexe in der Kunst wandelte sich von stereotypen, abwertenden Darstellungen über die vorgeführte Ambivalenz der Figur hin zu rein positiv besetzen Darstellungen. Dennoch sind die Diffamierung als hässliche Alte, die Sexualisierung des weiblichen Körpers und der Angriff auf die soziale Macht von Frauen nicht nur aufgrund medialer Hasskampagnen Themen unserer Zeit. Auch Memmingen war in den späten 1980er Jahren Ort eines Prozesses, bei dem der Verdacht auf illegalen Schwangerschaftsabbruch verhandelt wurde, der als „Moderner Hexenprozess“ nationale Bekanntheit erlangte.

Die Ausstellung ‚HEX‘ präsentiert drei zeitgenössische Künstlerinnen, die sich in ihrer Kunst mit dem Thema der Hexen in seiner Relevanz für die Gegenwart, insbesondere aus einer feministischen Perspektive heraus, befassen. Kuratiert von Axel Städter.

Emily Hunt (AUS) kommt in ihrer künstlerischen Herangehensweise und Formensprache dem Bild des mystischen und geheimnisumwobenen Praktizierens von Hexerei am nächsten. Magische Symbole und Elemente fließen wie in einem alchemistischen Ritual in ihre detailreichen und bunten Steinzeugfiguren und -objekte ein. In ihren Radierungen bezieht sie sich auf frühneuzeitliche Hexendarstellungen und verweist durch die Drucktechnik auf die mediale Propaganda dieser Zeit. Für die Ausstellung realisiert die Künstlerin vor Ort eine erweiterte Wandzeichnung.

Marleen Rothaus, The Cure, 2021, 200 × 380 cm, Öl auf Leinwand, Foto: David Cabana Echaniz

Marleen Rothaus (DE) ist sowohl künstlerisch als auch aktivistisch tätig. Beide Bereiche sind für sie nicht strikt getrennt und so kommen ihre Malereien – zumeist in Form von Bannern umgesetzt – auf Stangen montiert auch bei Demonstrationen zum Einsatz. Die Motivik kreist um Themen von weiblich konnotierter, unbezahlter und unsichtbarer Sorgearbeit, um sexuelle und reproduktive Selbstbestimmung sowie um die Figur der Hexe als die autonome Frau. Es ist einerseits ein Aufzeigen und Sichtbarmachen, andererseits auch ein Aufruf tätig zu werden. Die den Hexen zugeschriebene Widerspenstigkeit verwandelt Rothaus in ihrer künstlerischen und aktivistischen Praxis zum politischen Potenzial der Widerständigkeit.

Tatjana Stürmer (DE) arbeitet häufig aus dem Archiv heraus. Ein zentrales Thema ist die Wissensökonomie und die Fragen, wer Macht über das geschaffene Wissen besitzt und darüber Macht ausübt. In ihrer Arbeitsweise, gerade auch Stimmen von Frauen hörbar oder lesbar werden zu lassen, steht sie in der Tradition der Écriture féminine. Für die Ausstellung realisiert sie eine Auftragsarbeit in künstlerischer Zusammenarbeit mit dem Künstler und Musiker Manuel Sékou (DE) und der Sängerin Clare Tunney (GBR). Die multimediale Installation lädt die Besuchenden ein, das Thema anhand der für Stürmer typischen Zusammenführung von Fragmenten und Zitaten auf mehreren Sinnesebenen zu erleben.

HEX, 23 March – 26 May 2024, MEWO Kunsthalle, Memmingen, Ausstellungsansicht ( Wandmalerei von Emily Hunt), Fotograf: Carsten Eisfeld

#exhibition #ausstellung #zeitgenössischekunst #contemporaryart #zeitgenössischemalerei #conte #contemporarypainting #Witch #Hexen #feminism #feminismus

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mediaexklusivgloben · 5 months

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Restaurierung alter Globen: Media Exklusiv GmbH enthüllt Geheimnisse des Fachhandwerks

Media Exklusiv GmbH: Globen sind historisch wertvolle Zeitdokumente

Das Team der Media Exklusiv GmbH erklärt, dass alte Globen nicht nur Navigationswerkzeuge oder dekorative Elemente sind, sie bieten auch Einblicke in vergangene Weltbilder und Entdeckungen. Die Restaurierung solcher Globen ist ein komplexer Prozess, der Fachwissen, Präzision und eine tiefe Wertschätzung für historische Artefakte erfordert.

Die Media Exklusiv GmbH bietet einen Einblick in den anspruchsvollen Prozess der Wiederherstellung dieser faszinierenden Objekte und enthüllt die Sorgfalt und Detailgenauigkeit, die notwendig ist, um sie für kommende Generationen zu bewahren.

Die Restaurierung beginnt mit einer gründlichen Untersuchung des Zustands des Globus und beinhaltet eine sorgfältige Reinigung sowie die Reparatur von Beschädigungen. Profis müssen dabei auf eine Vielzahl historischer und konservatorischer Techniken zurückgreifen, um das Original so getreu wie möglich zu erhalten. Es ist eine heikle Balance zwischen der Bewahrung des Alterscharakters des Objekts und der Notwendigkeit, es in einem Zustand zu halten, der weitere Verfall stoppt. Bei der Restaurierung alter Fotos, die häufig Globen begleiten oder in Archiven zu finden sind, gelten ähnliche Grundsätze. Auch sie verlangen eine spezialisierte Behandlung, um die Qualität des Bildes zu verbessern und seine Langlebigkeit zu sichern. Media Exklusiv zeigt auf, wie jede Falte und jeder Riss sorgfältig behandelt wird, um das historische Bildmaterial für die Nachwelt zu sichern.

Geschichte der Globen und ihre Bedeutung als Schätze

Globen repräsentieren eine faszinierende Verbindung aus Wissenschaft und Kunst, so das Team der Media Exklusiv GmbH. Seit Jahrhunderten dienen sie der Bildung und sind als historische Dokumente sowie als Kunstwerke von großer Bedeutung.

Globen als historische Kunstwerke

Historisch gesehen, sind Globen Zeugen der geografischen Kenntnisse und des Weltbildes ihrer Entstehungszeit. Sie wurden erstmals im antiken Griechenland erwähnt und kamen im 15. und 16. Jahrhundert in Europa zu größerer Bedeutung. Die Herstellung eines Globus erforderte damals ein hohes Maß an Präzision und handwerkliche Fertigkeit, wobei sie oft dekorativ gestaltet wurden und damit auch als Kunstwerke galten. National Geographic hat in verschiedenen Publikationen die künstlerische Komponente historischer Globen betont und deren Bedeutung als Abbilder vergangener Epochen hervorgehoben.

Sammlungswert und Erhaltung

Globen sind als Sammlerstücke hochgeschätzt und gelten als wertvolle Schätze. Ihr Wert ergibt sich nicht nur aus dem Alter, sondern auch aus dem kulturellen und pädagogischen Einfluss, den sie auf die Gesellschaften ihrer jeweiligen Zeiten hatten. Die Restaurierung alter Globen, wie sie Unternehmen wie Media Exklusiv durchführen, spielt eine wesentliche Rolle, um den historischen Zustand und damit den Sammlungswert dieser Objekte zu bewahren. Die Erhaltung ist komplex, da es sowohl die Materialbeständigkeit als auch die Genauigkeit der kartografischen Informationen zu berücksichtigen gilt.

Der Ablauf einer professionellen Restaurierung von der Media Exklusiv GmbH erklärt

Die fachgerechte Restaurierung historischer Globen erfordert ein umfangreiches Verständnis von Materialien und Techniken, erklären die Mitarbeiter:innen der Media Exklusiv GmbH. Experten müssen bei der Arbeit hohe Präzision und Qualität gewährleisten.

Bewertung des Zustands

Vor Beginn der Restaurierung wird der Zustand des Globus genau bewertet. Spezialisten untersuchen Kratzer, Risse und eventuelle Abnutzungen, um die notwendigen Restaurierungsmaßnahmen festzulegen. Wichtig dabei ist die genaue Dokumentation aller Befunde, die häufig mit Hilfe von Fotografien festgehalten wird.

Kratzer und Abnutzungen: Identifizierung der Beschädigungen

Risse: Feststellung der Struktur und Tiefe

Materialermüdung: Überprüfung auf Brüchigkeit

Die Restaurierungstechniken

Die gewählten Techniken richten sich nach dem spezifischen Zustand jedes Globus. Experten setzen auf traditionelle Handarbeit und schonende Verfahren, um die historische Substanz zu bewahren. Es kommen unter anderem präzise Farbretuschierungen, die Stabilisierung von Rissen und Spezialreinigungen zum Einsatz.

Farbretuschierungen: Anpassung an originalgetreue Farbtöne

Stabilisierung von Rissen: Behutsame Fixierung ohne weitere Materialbelastung

Materialauswahl und Handwerk

Die Auswahl der Materialien für eine Restaurierung ist von entscheidender Bedeutung, da sie die Qualität und Langlebigkeit des restaurierten Stücks maßgeblich beeinflussen, so Media Exklusiv. Nur die besten, dem Original entsprechenden und oft handgefertigten Materialien kommen zum Einsatz. Die Verarbeitung erfolgt durch erfahrene Restauratoren, die mit höchster Sorgfalt und Präzision arbeiten.

Materialien: Wahl von adäquaten und alterungsbeständigen Substanzen

Handarbeit: Anwendung von traditionellen Methoden und Werkzeugen

Genauigkeit: Gewährleistung einer detailgetreuen Wiederherstellung

Technologie im Dienst der Restaurierung

Moderne Restaurierung alter Globen nutzt fortschrittliche Technologie, um präzise und behutsame Verfahren zu ermöglichen. Digitale Werkzeuge und künstliche Intelligenz spielen dabei eine zentrale Rolle.

Digitale Werkzeuge und Algorithmen

In der Wiederherstellung historischer Globen werden digitale Werkzeuge und Algorithmen eingesetzt, um Schäden zu analysieren und Restaurierungspläne zu entwickeln. Photoshop ist ein prominentes Werkzeug, mit dessen Hilfe Restauratoren verblasste Farben korrigieren, fehlende Pixel ersetzen und Risse virtuell reparieren. Sie verwenden spezialisierte Algorithmen, die es ermöglichen, Texturen und Muster, die für das menschliche Auge kaum noch erkennbar sind, zu identifizieren und zu rekonstruieren.

Einsatz von KI für Präzisionsarbeiten

Die Präzision der KI-Technologie ergänzt das Fachwissen der Restauratoren. Künstliche Intelligenz, kurz KI, wird verwendet, um fehlende Bereiche auf Globen durch das Lernen von Mustern und Vergleichsdatenbanken präzise nachzubilden. Einzelne Pixel werden akkurat analysiert und restauriert, was eine detailgetreue Rekonstruktion gewährleistet. Der Vorteil liegt in der Fähigkeit der KI, komplexe Muster und Farbgebungen, die in der cartografischen Darstellung des Globus verwendet wurden, zu erkennen und zu duplizieren, ohne zusätzliche Schäden zu riskieren.

Herstellung und Pflege von Globen als Wohnaccessoires

Beim Herstellen und Pflegen von Globen als Wohnaccessoires liegt der Fokus auf Ästhetik und Funktionalität, erläutern die Experten der Media Exlusiv GmbH. Unter Einsatz von Farbkorrektur und speziellen Beleuchtungstechniken werden Globen nicht nur zu informativen Objekten, sondern auch zu ansprechenden Dekorationselementen.

Ästhetik und Beleuchtung

Die Optik eines Globus ist entscheidend für seine Schönheit als Wohnaccessoire. Farbkorrektur spielt hierbei eine wichtige Rolle, um die realistische Darstellung der Oberflächen zu gewährleisten und visuelle Akzente zu setzen. Hinsichtlich der Beleuchtung werden viele Globen mit internen Lichtquellen versehen, was sie in Funktionalität und ästhetischer Anziehungskraft verbessert. Eine durchdachte Beleuchtung steigert die Bildqualität beträchtlich und trägt zur allgemeinen Atmosphäre des Raumes bei.

Wichtigkeit hoher Bildqualität durch Farbkorrektur

Internes und externes Licht zur Unterstützung der Atmosphäre

Praktische Tipps zur Benutzerfreundlichkeit

Um die Benutzerfreundlichkeit zu erhöhen und die Langlebigkeit zu sichern, sind Pflegehinweise essentiell. Staubschutz und eine sorgfältige Handhabung tragen zur Werterhaltung bei. Regelmäßige Fotowiederherstellungsverfahren können bei antiken Globen eingesetzt werden, um Verfärbungen und Abnutzungserscheinungen entgegenzuwirken, so erklärt die Media Exklusiv GmbH. Dadurch bleibt nicht nur die Lesbarkeit erhalten, sondern auch die dekorative Qualität.

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