#Figurativas'17

[fashionbooksmilano]

L'Oriente di Pasolini

Il fiore della Mille e una notte nelle fotografie di Roberto Villa

a cura di Roberto Chiesi

Cineteca comune di Bologna, 2011,  120 pagine, 16x17,2cm, ISBN 9788895862446

euro 12,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

"Il fiore delle Mille e una notte" di Pier Paolo Pasolini, ultimo film della "Trilogia della vita", nacque da lunghi viaggi in paesi remoti e arcaici come l'Iran e lo Yemen. Viaggi che ebbero un testimone, Roberto Villa, un fotografo che condivise con Pasolini e la troupe alcune settimane sul set. Ne derivarono alcune splendide fotografie che restituiscono la magia figurativa e la fisicità popolare del film più visionario di Pasolini e ne arricchiscono la conoscenza con uno sguardo sul mondo arabo che lo ha ispirato. Questo libro riunisce una scelta di fotografie inedite di Villa che mostrano i corpi e i luoghi all'origine dell'immaginario pasoliniano e alcuni ritratti del poeta-regista al lavoro sul set, accompagnate da rare interviste e testi di Pasolini su una concezione antropologica, narrativa ed estetica che si contrapponeva allo "sviluppo senza progresso" del presente.

17/11/23

[onlymexico]

Avelina Lésper (5 de mayo de 1973) es una escritora, historiadora, columnista, y crítica de arte mexicana. Es autora del libro El fraude del arte contemporáneo y es una opositora de algunas de las corrientes del arte contemporáneo como el performance, el videoarte y la instalación.

Es literata de la Universidad Nacional Autónoma de México y graduada en historia del arte de la Universidad Politécnica de Łódź de Polonia.

Escribe constantemente artículos en su página web personal, periódico, y revistas especializadas en arte, varios de estos artículos han sido narrados por ella misma para TV y en su propio canal de YouTube1​. Desde 2009, publica la columna «Casta Diva» en el suplemento cultural Laberinto del diario mexicano Milenio​ y es colaboradora recurrente del programa radiofónico Dispara Margot, Dispara, desde 2014.​ Asimismo, es directora de la colección de «Milenio Arte», que reúne a múltiples artistas plásticos que han realizado obras en México.​

Lésper es conocida principalmente por su libro El fraude del arte contemporáneo,​ que contiene fuertes pronunciamientos que han puesto a opinar en pro y en contra de su tesis. La controvertida crítica argumenta que mucho de la instalación, el videoarte, la performance y el arte encontrado no es arte, «es basura», sostiene que el arte contemporáneo está en crisis.​

Es considerada por muchos una acérrima defensora del arte figurativo; sin embargo, en varias ocasiones también reconoce el trabajo de artistas como Mark Rothko, Jackson Pollock, Gabriel Macotela, Manuel Felguérez, entre otros artistas pertenecientes a corrientes abstractas, no figurativas.​

Posición respecto al arte contemporáneo

Debate sobre el grafiti en el Museo de la Ciudad de México, agosto de 2018.

En julio de 2018, Avelina Lésper publicó en su blog una fotografía en la que posaba junto a un grafiti ubicado en la calle 4 Poniente esquina con Periférico Sur, cercano a la Sala Ollin Yoliztli en la Ciudad de México;​ en este se podía leer la frase «¡Avelina Lésper, Me la Pelas!». A partir de dicha situación, la crítica convocó a los autores del grafiti a mantener un diálogo sobre lo que implican estas intervenciones y en qué sustentan su valor artístico, así como por qué deberían permanecer en las calles de la ciudad. El debate fue convocado para el sábado 4 de agosto en el Museo de la Ciudad de México​

Durante las intervenciones de Lésper se escucharon silbidos y reclamos por parte del público. Al finalizar el evento, y una vez fuera del museo, la crítica fue interceptada por una persona que la agredió golpeándola con un pastel en el rostro.​

El 8 de febrero de 2020 provocó la accidental destrucción de la obra Nimble and Sinister Tricks (To be Preserved with Out Scandal and Corruption) del artista Gabriel Rico, exhibida en el stand de la Galería OMR de la 17 edición de Zona Maco que se realiza en Centro Citibanamex de la Ciudad de México.​ Ella declaró que se trató de un accidente que sucedió al intentar colocar sobre la obra una lata de refresco en la pieza.​ La Galería OMR señaló que no tomaría acciones legales en contra de Lésper.

Lésper, Avelina. El fraude del arte contemporáneo.​ Bogotá: Panamerica Formas e Impresos, 2016.

[haileybieberbrs]

Hailey Bieber quer provar que suas habilidades empreendedoras são mais do que superficiais.

A supermodelo emprestou sua imagem para marcas como Jimmy Choo, Levi's e Saint Laurent. Agora ela está assumindo o controle de seu nome e seu futuro com a Rhode Skin, uma empresa de cuidados com a pele com uma lista de espera que atraiu um total de 700.000 pessoas.

Hailey Bieber, supermodelo e autoproclamada "viciada em cuidados com a pele", tem acesso aos cosméticos mais exclusivos do mundo. Mas, nos últimos dois anos, os produtos que ela provavelmente guardou em sua bolsa são amostras sem glamour e sem marcas que, na maior parte desse tempo, não estavam disponíveis ao público.

"Quando fico sem meu Peptide Glazing Fluid, minha pele sente falta dele", disse Bieber à Forbes. "Foi assim que percebi que era um produto sólido, porque quando fico sem minhas amostras, minha pele não parece a mesma sem ele."

Em junho, depois de muita expectativa de seus mais de 60 milhões de seguidores nas redes sociais e de blogs de beleza na web, Bieber revelou o que eram essas amostras não marcadas: hidratantes para a pele e géis labiais da Rhode Skin, empresa de cuidados com a pele que Bieber fundou em 2020.

A demanda por Rhode superou rapidamente as expectativas de Bieber - e as capacidades da cadeia de suprimentos. Desde o lançamento, atraiu uma lista de espera de 700.000 pessoas para todos os três produtos (além do Glazing Fluid e do Lip Treatment, a Rhode vende um creme que ajuda a hidratar a camada mais externa da pele). Seu estoque mais recente viu mercadorias saindo das prateleiras figurativas a uma taxa de 36 unidades por segundo. A receita da Rhode em 2022 está "no caminho" para atingir oito dígitos, disse Bieber, mas se recusou a fornecer detalhes.

Para Bieber, 26, o salto de modelo para magnata foi uma evolução natural e um novo capítulo inesperadamente emocionante. Quando criança, ela treinou como dançarina de balé, cresceu vendo sua mãe e avó administrarem cuidadosamente seus próprios regimes de cuidados com a pele e começou a modelar aos 17 anos. Quando ela tinha 18 anos, Ralph Lauren a recrutou para uma campanha publicitária de verão, e nos últimos oito anos ela conseguiu contratos de patrocínio com Jimmy Choo, Tommy Hilfiger, Saint Laurent e dezenas de outros favoritos da alta moda. Depois de anos emprestando sua imagem para marcas de outras pessoas, e depois que a pandemia fechou as passarelas e deu a Bieber tempo livre suficiente para pensar em objetivos de longo prazo, ela percebeu que queria ir além de um acordo de licenciamento normal.

"Eu emprestei dinheiro, meu nome e meu rosto para o processo criativo de outras pessoas", Bieber disse ao público na Forbes Under 30 Summit em outubro em Detroit. "Acho que isso realmente me ajudou a desenvolver o meu de várias maneiras. É muito empoderador ser aquele que está no comando."

Isso não quer dizer que Bieber não teve consciência em entrar no mundo do empreendedorismo. Apesar de seu sucesso como modelo e reputação de ter uma pele de morrer, Bieber admite que ela luta com dúvidas. Uma das coisas com as quais ela mais se preocupava antes de lançar Rhode era se alguém se importaria.

"O que estava em minha mente era o medo de não ser levada muito a sério", disse ela. "Alguém me leva a sério, como fundadora, como empreendedora?".

É uma insegurança que soará familiar para qualquer pessoa que já trocou de indústria ou abriu um negócio depois de uma carreira dedicada a outra coisa. Mas Bieber existe sob uma lente de aumento particularmente impiedosa: por nascimento, Baldwin (sim, aquela família Baldwin) e por casamento, Bieber (com o cantor Justin), ela foi alvo de uma quantidade estúpida de ódio online, e até que ela começou seu YouTube canal durante a pandemia, relutou em se envolver com a imprensa. Ela não é apenas uma celebridade começando uma marca de produtos para a pele. Ela é uma supermodelo superobservada que teria justificado a escolha de se esconder em sua mansão de US $ 25 milhões na Califórnia para evitar mais bullying online.

"É realmente uma grande aposta", diz Michael Ratner, um ex-aluno da Forbes Under 30 que é o criador da OBB Media e sócio-fundador da Rhode. "Quando você é Hailey, você pode ser o rosto de uma marca. Você poderia continuar sem risco e colocar esse dinheiro no bolso". Mas, disse Ratner, Rhode não é nenhum caso de celebridade para Bieber. É um verdadeiro chamado. "Ela começou a cuidar da pele", disse ele, "porque esse é o primeiro amor de verdade dela".

Ratner é um dos vários especialistas que Bieber recrutou para ajudar a construir Rhode. Ela pediu a Ron Robinson, um químico cosmético com três décadas de experiência trabalhando com Clinique, La Mer, Revlon e sua própria marca, Beautystat, para ajudar a misturar as fórmulas de Rhode. Ela também contratou Lauren Ratner, outra ex-aluna da Forbes Under 30 e ex-diretora de marca da Reformation, para administrar o marketing (Ratner e Ratner são casados).

Colegas descrevem Bieber como infinitamente curiosa e nem um pouco preciosa sobre o que ela não sabe. "Ela está constantemente fazendo perguntas", disse Lauren Ratner à Forbes. "No processo de desenvolvimento do produto, havia muitas perguntas noturnas sobre novos ingredientes: 'Vamos ver a mucina de caracol. Já consideramos isso ou mucina de caracol vegana?", foi uma pergunta divertida. (Para os não iniciados, a mucina de caracol é o muco dos caracóis que hidrata a pele e, em alguns casos, elimina linhas finas.)

"Ela quer fazer da maneira certa e realmente construir a equipe", disse Michael Ratner. Ele disse que Bieber era "firme" em sua visão de ter uma empresa de cuidados com a pele de propriedade e financiada por mulheres. "Acho que ela queria propriedade real", disse ele. "Ela colocou uma boa quantia de dinheiro para apoiar isso e para mostrar às pessoas que ela era séria e estava totalmente envolvida nisso." (Rhode se recusou a comentar exatamente quanto dinheiro Bieber investiu.)

Para Bieber, fazer isso "do jeito certo" significou assumir uma postura intransigente no desenvolvimento de produtos. Ela, os Ratners e Robinson descrevem o processo de aprovação para a Peptide Skin Glaze de Rhode como uma jornada de 17 rodadas de iteração e reformulação até que o produto finalmente atendesse aos seus padrões.

"Acho que seria muito fácil para mim simplesmente aprovar algo que é 95% perfeito e ficar bem com o 95, em vez de esperar que seja 100%", disse Bieber. "O que estou aprendendo é que a qualidade desta marca é muito, muito importante para mim."

Tão importante quanto o preço. Os três produtos Rhode custam cada um menos de US$ 30 porque Bieber acredita que as pessoas não precisam pagar mais para ter uma pele bonita.

Ao pensar em como chamar a empresa, pode ter sido mais fácil para Bieber capitalizar seus dois nomes famosos. Em vez disso, Bieber usou seu nome do meio menos conhecido: Rhode, que foi passado para ela pelo lado materno da família.

"Soava tão forte e bonito por conta própria", disse Bieber.

Seu sonho, ela disse, é construir uma marca que ainda esteja por aí em 20, 30 ou até 40 anos e que os consumidores do futuro comprem Rhode por causa do que ele faz por sua pele, não por causa de quem é o fundador.

"Acho que seria realmente incrível", disse Bieber, "se as pessoas simplesmente amassem a marca porque amam o produto".

[atenaviturino]

História da arte na Europa + todos os movimentos

A história da arte na Europa é rica e complexa, refletindo as mudanças sociais, políticas e culturais ao longo dos séculos. A seguir, está um resumo dos principais movimentos artísticos na Europa, organizados cronologicamente:

1. Arte Prehistórica

Período: C. 40.000 a.C. - 2000 a.C.

Características: Pinturas rupestres, como as encontradas em Lascaux, e esculturas, como a Vênus de Willendorf.

2. Arte Antiga

Civilizações: Grega e Romana.

Características: Idealização da forma humana, escultura em mármore, arquitetura monumental (templos).

3. Arte Medieval

Período: C. 500 - 1400.

Características:

Arte Bizantina: Ícones religiosos, mosaicos.

Românica: Estruturas robustas, arcos de meio ponto, afrescos.

Gótica: Casais elevados, vitrais coloridos, escultura em catedral.

4. Renascimento

Período: Século XV - início do século XVII.

Características: Redescoberta da cultura clássica, perspectiva linear, anatomia realista. Artistas notáveis incluem Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael.

5. Maneirismo

Período: C. 1520 - 1600.

Características: Exagero nas proporções e nas poses, ambiguidade estética. Artistas como El Greco e Parmigianino.

6. Barroco

Período: C. 1600 - 1750.

Características: Emoção, movimento, contrastes de luz (chiaroscuro). Artistas notáveis incluem Caravaggio, Rembrandt e Bernini.

7. Rococó

Período: C. 1700 - 1780.

Características: Ornamentação exuberante, temas leves e graciosos. Artistas como François Boucher e Antoine Watteau.

8. Neoclassicismo

Período: Fim do século XVIII - início do século XIX.

Características: Retorno aos valores clássicos, simplicidade e simetria. Artistas como Jacques-Louis David.

9. Romantismo

Período: Início do século XIX.

Características: Foco nas emoções e na própria subjetividade, valorização da natureza. Artistas como Eugène Delacroix e J.M.W. Turner.

10. Realismo

Período: Meados do século XIX.

Características: Representação objetiva da vida cotidiana, rejeição do idealismo. Artistas como Gustave Courbet.

11. Impressionismo

Período: 1870 - 1880.

Características: Interesse por luz e cor, e por retratar a impressão visual de um momento. Artistas como Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir.

12. Pós-Impressionismo

Período: 1880 - 1900.

Características: Exploração do uso da cor e da forma. Artistas notáveis incluem Vincent van Gogh, Paul Cézanne e Georges Seurat.

13. Simbolismo

Período: Fim do século XIX.

Características: Temas místicos e poéticos, ênfase em emoções e sugestões. Artistas como Gustav Klimt.

14. Modernismo

Período: Início do século XX.

Características: Quebra com tradições anteriores, abrandamento das regras formais. Movimentos como o Cubismo, liderado por Pablo Picasso e Georges Braque, e o Futurismo.

15. Surrealismo

Período: Anos 1920 - 1940.

Características: Exploração do inconsciente, sonhos e a irracionalidade. Artistas como Salvador Dalí e René Magritte.

16. Abstracionismo

Período: Anos 1910 em diante.

Características: Uso de formas e cores sem representação direta. Artistas como Wassily Kandinsky e Piet Mondrian.

17. Expressionismo

Período: Anos 1900 - 1930.

Características: Ênfase na expressão emocional, distorções figurativas. Artistas como Edvard Munch e Egon Schiele.

18. Pop Art

Período: Anos 1950 - 1970.

Características: Uso de imagens da cultura popular, mass media e consumismo. Artistas como Andy Warhol e Roy Lichtenstein.

19. Arte Conceitual

Período: Anos 1960 e 1970.

Características: Ideia como arte, muitas vezes desconsiderando a forma física da obra.

20. Arte Contemporânea

Período: Anos 1980 - presente.

Características: Diversidade de estilos e mídias, questionamento do que é arte. Inclui muitos movimentos e práticas.

Conclusão

Esses movimentos artísticos mostram a evolução da habilidade humana em expressar emoções, conceitos e a condição humana através da arte em diferentes contextos históricos. A história da arte na Europa é um reflexo da mudança cultural e das interações sociais ao longo dos séculos, e continua a influenciar artistas e movimentos ao redor do mundo.

[adrianomaini]

Allieva di Giuseppe Balbo e di Enzo Maiolino

Allieva di Giuseppe Balbo e di Enzo Maiolino https://ift.tt/LxaZMN7 Gabriella Allara, La Porta del Capo a Bordighera, 1967. Fonte: dzen.ru Col patrocinio del Comune di Bordighera - assessorati alla Cultura e al Turismo - Gabriella Allara espone i suoi "Ritratti a Matita e Sanguigna" nella suggestiva sede dell'ex chiesa Anglicana dal 26 dicembre 2009 al 10 gennaio 2010 con il seguente orario di tutti i giorni: 15,30/19. L'inaugurazione della mostra si terrà alle 17 del 26 dicembre. Ingresso libero. Gabriella Allara nasce a Bordighera, dove vive e lavora. Figlia d'arte. Il padre, Giuseppe, stimato pittore e fondatore della Galleria d'Arte "La Certosa", è stato commemorato nel 2008 in occasione del centenario della nascita con un'esposizione presso l'ex chiesa Anglicana. Artista figurativa. Le sue tecniche più usate sono l'acquerello, la tempera, l'olio e la china. Conosciuta soprattutto per il suoi "carrugi", suggestivi lavori eseguiti in china bianca su nero, ritraenti angoli caratteristici dei paesi dell'entroterra ligure ricco di scorci. Ha scritto di lei il professor Giacomo Migone: "… possiede le innate, peculiari doti, privilegio delle creature elette, che volgono all'elevazione della mente e alla commozione del cuore, dinanzi al mistico richiamo della natura. Pur denotando istintive predisposizioni nell'interpretazione di soggetti paesaggistici, evocativamente resi, sente particolarmente attrazione per lo studio della figura". Allieva di Giuseppe Balbo e di Enzo Maiolino. Dopo un periodo di silenzio artistico, causato da motivi familiari, torna al pubblico dal 1992 con mostre collettive e dal 2005 con la mostra "Ritratti a matita e sanguigna", riprendendo un'attività espositiva che in passato aveva caratterizzato la sua produzione. Ha esposto in collettive e personali in tutto l'entroterra del Ponente ligure, a Bordighera, Vallecrosia, Ventimiglia, Sanremo, Imperia, Principato di Monaco, Milano, Parma, Biella, Villefranche sur mer, Mentone. Francesco Mulè, Gabriella Allara all'Anglicana, Sanremo Buongiorno!, 23 dicembre 2009    Gabriella Allara, Bordighera Alta. Fonte: dzen.ru Si è svolta ieri pomeriggio, nella sala polivalente di Vallecrosia, l'inaugurazione della mostra 'Ritratti a matita e sanguigna' della pittrice Gabriella Allara. Carlo Alessi, Vallecrosia: inaugurazione della mostra di Gabriella Allara, Sanremo.news, 24 maggio 2010  Gabriella Allara Gabriella Allara Gabriella Allara Gabriella Allara Gabriella Allara Gabriella Allara Gabriella Allara Riportando di seguito alcuni riconoscimenti ottenuti da Gabriella Allara, si sottolinea che qui sopra vengono pubblicate immagini (da lei gentilmente concesse) di altre sue opere: Medaglia d’Oro Circolo Amici della Pittura di Apricale, Medaglia d’Oro a Vallecrosia, Medaglia d’Argento a Villefranche S/Mer, Primo Premio a Molini di Triora, Terzo Premio a Coldirodi, Secondo Premio a Vallecrosia, Terzo Premio Trofeo Internazionale “Mosè Bianchi 1977” di Milano, Secondo Premio al Concorso Internazionale “La Bitta d’Oro” di Milano, numerose altre targhe e coppe. Adriano Maini via Aspetti rivieraschi https://ift.tt/dkwYLXr June 08, 2024 at 11:39AM

[marianeaparecidareis]

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EVANGELHO

Sábado 11 de Maio de 2024

℣. O Senhor esteja convosco.

℟. Ele está no meio de nós.

℣. Proclamação do Evangelho de Jesus Cristo ✠ segundo João

℟. Glória a vós, Senhor.

Naquele tempo, disse Jesus aos seus discípulos: 23b“Em verdade, em verdade vos digo: se pedirdes ao Pai alguma coisa em meu nome, ele vo-la dará. 24Até agora nada pedistes em meu nome; pedi, e recebereis; para que a vossa alegria seja completa.

25Disse-vos estas coisas em linguagem figurativa. Vem a hora em que não vos falarei mais em figuras, mas claramente vos falarei do Pai. 26Naquele dia pedireis em meu nome, e não vos digo que vou pedir ao Pai por vós, 27pois o próprio Pai vos ama, porque vós me amastes e acreditastes que eu vim da parte de Deus. 28Eu saí do Pai e vim ao mundo; e novamente parto do mundo e vou para o Pai”.

- Palavra da Salvação.

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- Comentário do Dia

💎 Fé, amor e oração

“Em verdade, em verdade vos digo: se pedirdes ao Pai alguma coisa em meu nome, ele vo-la dará”.

Cristo, no Evangelho de hoje, primeiro deixa a promessa e só depois dá a garantia, como quem parte dos efeitos para chegar às causas próximas e, finalmente, às últimas. O efeito prometido é a infalibilidade da oração: “Se pedirdes ao Pai alguma coisa em meu nome, Ele vo-la dará”. A causa próxima que garante a promessa são a fé e a caridade de quem ora: “Porque vós me amastes”, indicando a segunda, “e acreditastes que eu vim da parte de Deus”, significando a primeira. A causa última, enfim, por que alcançam o que pedem os que oram com fé e caridade é o amor que Deus mesmo lhes tem: “Pois o próprio Pai vos ama”. Por quê? Porque o Pai não tem posto o seu agrado em ninguém além de Jesus Cristo: “Eis meu Filho muito amado em quem ponho minha afeição” (Mt 3, 17), e como a fé é o princípio de nossa união com Cristo e a caridade, o seu complemento e consumação, é evidente que Deus há de escutar quem reza com fé e amor. E quanto mais pura for a fé e mais perfeita, a caridade, tanto mais os pedidos do fiel serão pedidos do próprio Cristo e, portanto, mais aceitos e agradáveis ao Pai. É isso que significa, em último termo, pedir em nome de Jesus, ou seja, em união e sintonia com o seu divino Coração, não porque Ele suprima a vontade e a iniciativa do fiel: “Não vos digo que vou pedir ao Pai por vós”, mas porque dá a ele a graça de querer e pedir cada vez mais o que Ele mesmo quer: “Naquele dia pedireis em meu nome”. Aí temos a meta de nossa vida espiritual, o critério seguro de nossas orações e a graça que mais devemos pedir ao Espírito Santo, cujo envio ao mundo estamos cada dia mais perto de celebrar. — Vinde, Espírito Santo!

Deus abençoe você!

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[demoura]

DIA 17 DE JANEIRO : INAUGURAÇÃO DE “VIVA MANTA” MAGNÍFICA RETROSPECTIVA DE PINTURA NA SOCIEDADE NACIONAL DE BELAS ARTES : CONVIDEI O MIGUEL PARA IRMOS JUNTOS E DEPOIS PARA UM JANTAR DE REFLEXÃO .VOLTAREI ..:inicialmente: prevista para 2020 adiada pela pandemia foi ontem inaugurada na SNBA uma retrospectiva de pintura de João Abel Manta com curadoria do Presidente João Paulo Queiroz e Luísa da Rocha .E uma avassaladora seleção de pinturas exclusivamente do enorme acervo da família . Diz a folha de sala “ a exposição acompanha o percurso intenso de João Abel Manta que se inicia com a expressão Neo-Figurativa dos anos 60 e 70, através de grafismos planificados e composição assente na justaposição na página, com referências na Arte Pop, a que se somam apontamentos letrista. Após decidir encerrar a sua atividade como cartoonista, cerca de 1980, o autor dedica-se a pintura, em exclusivo, como que começando de novo, mergulhando na paisagem, e tomando como referência Gouveia, terra natal do seu pai, o pintor Abel Manta. Daqui prossegue para a paisagem marítima, ou urbana, nas zonas de Lisboa, Porto, e outras cidades, sempre de Portugal. o interesse pelas figuras da cultura está presente também na extensa galeria retratos, onde escritores, pintores, filósofos, actores, músicos, são convocados com a proximidade intensa e o companheirismo ameno que se conhecia dos seus desenhos e cartoons. Já no lado esquerdo da exposição estão presentes os últimos trabalhos de João Abel Manta, que evocam tanto a mitologla revisitada, como a biografia familiar, no contexto dos referentes profundos das relações humanas: a sexualidade, as idades, os livros, as viagens. ldentifica-se o artista em auto-representação , ora como criança, de três ou quatro anos ora como pintor adulto ou envelhecido : assjm como também se identifica a sua companheira de vida entre outros referentes da sua biografia » ., .Eu com o privilégio da nossa relação especial e que a julgo conhecer bem a sua obra descobri pinturas que nunca tinha visto . O impacto da sua arte e sempre colossal,! Voltarei para escrever ..Lamente-se o curto prazo da mostra e a ausência de catálogo . Tive o gosto de convidar o meu irmão Miguel para uma visita em conjunto e para jantar comigo e com a Zaza para reflectirmos sobre a obra do primo genial .

[lil-ataegina]

Beatame -  from Angelika Winkler (Brazil)

Figurativas ’17 selected sculpture, at Museu Europeu de Arte Moderna (Barcelona, Spain)

[fotopadova]

Il Grande Risveglio della fotografia Italiana dal secondo dopoguerra agli anni '80 alla villa Giovannina di Carità di Villorba

di Carlo Maccà

 -- L'edificio della Barchessa nel parco di villa Giovannina a Carità di Villorba, a pochi chilometri dall'uscita Treviso Nord dell'autostrada Venezia-Belluno, contiene uno spazio espositivo attualmente gestito dall'associazione culturale Mandr.agor.art (https://mandragorarte.it) che vi organizza "mostre d’arte, eventi culturali ed anche conferenze con un focus particolare nei confronti della storia della fotografia" (recentemente, Tina Modotti - Fotografa e Rivoluzionaria. e Dorithea Lange - American Exodus).

  - Barchessa di villa Giovannina, Il II° Salone espositivo

Fino al 17 ottobre la Barchessa ospita la mostra Il Grande Risveglio! la fotografia Italiana dal secondo dopoguerra agli anni '80, prodotta e curata da Dionisio Galvanin, intenditore e collezionista d'arte e soprattutto di fotografia, che affianca alla professione di commercialista l'attività di esperto e di scrittore sulla storia di questa arte. Personaggio che già fotopadova.org conosce dalla mostra del 2019 Fini e Confini. Dal Paesaggio al Territorio (Museo del Paesaggio, Boccadasse di Torre di Mosto, 2019).

-- La prima sala. Al totem, opere di Adriano Altamira (1972, sopra) e di Carlo Alfano (1976, sotto).

Quanto segue è nient'altro che una volgarizzazione del tutto personale da parte dell'estensore di questa nota di quanto si evince dal ricco e dottamente istruttivo materiale presente in mostra: cartelloni illustrativi delle 6 sezioni tematiche/temporali in cui sono suddivisi opere e autori; 109, opere, alcune delle quali sono composte da più fotografie o da materiali disparati (vedasi immagine qui sopra), tutte vintage,  alcune opera unica, evidentemente provenienti dalla inesauribile collezione del curatore; 96 Autori, alcuni presenti in più sezioni - un esempio per tutti, il poliedrico e longevo Nino Migliori, al quale auguriamo di continuare a sorprenderci.

Già durante la seconda guerra mondiale, con Visconti, De Sica e Blasetti la cinematografia italiana cominciava a staccarsi dai telefoni bianchi e dalla propaganda di regime senza peraltro affidarsi all'imitazione dei film americani e francesi che dominavano nel mondo e ponendo i semi di quello che sarebbe diventato il nostro, originale Neorealismo. Un po' più tardi anche la nostra fotografia cominciò a svegliarsi dal torpore in cui era caduta da anni: prima col Neorealismo (debitrice al nostro cinema, ma anche alla generazione statunitense della Farm Security Administration e alle riviste internazionali che finalmente cominciarono a raggiungere i nostri scrittori), poi col paparazzismo, fenomeno tipicamente nostrano.

Agli inizi, molti degli innovatori uscivano da qualche fotoclub più avvertito. Ma in breve se ne distaccavano, mentre la fotografia amatoriale sopravviveva ferma alle prime conquiste, forse assimilate malamente (e forse è rimasta ancora lì, nonostante l'avvento del digitale; o magari, proprio per questo, regredita).

La successiva stagione del paparazzismo ebbe come unica e tardiva la spesso pretenziosa fotografia di strada o, più elegantemente, Street Photography.

 -- Franco Pinna. Fellini sul set di Giulietta degli Spiriti, 1965.

Venne il tempo della contestazione. I fotografi professionisti passarono dai set della Dolce Vita alle piazze e alle Università. I fotografi-artisti, presto raggiunti da molti artisti che usavano la fotografia come attrezzo per comporre le componenti delle proprie immagini, immersero nel flusso contestatario collo scopo non di fare, ma disfare l'arte, e assieme a questa la fotografia. In quel tempo si è affermato l'uso del mezzo fotografico puramente come mero attrezzo per fare arte figurativa e, talvolta, sfigurativa. Uso che coll'avvento del digitale si è generalizzato fino a invadere il settore amatoriale, che nel frattempo era rimasto impermeabile alle successive novità rivoluzionarie, in particolare all'arte concettuale.

A partire dagli anni 80, mentre l'arte in senso stretto se ne va per i fatti propri (pur continuando sfruttare in varie forme e diversi modi l'attrezzo fotografico, si veda Christo, Sandy Skoglund et al.) in Italia si assiste, soprattutto nella fotografia di paesaggio urbano e d'ambiente, ad una riappacificazione (pur temporanea) fra l'avanguardia della fotografia vera e propria e la tradizione, esente da atteggiamenti e teorizzazioni postmoderni ("defiantly free of postmodern attitudes and theorizing" come viene qualificata la contemporanea opera del fotografo degli U.S.A. Robert Adams:         

https://fraenkelgallery.com/artists/robert-adams

è disponibile un utile "atlante degli autori in mostra" i cui in i loro nomi sono incolonnati sotto i titoli dei cinque settori in cui l'esposizione è suddivisi. Da ciascun nome è possibile risalire ad una scheda che inquadra brevemente l'attività dell'artista. Si trova al sito:

https://mandragorarte.it/index.php/2021/09/08/mostrailgranderisveglio

All'ingresso la cortesissima Maria Francesca vi informerà sulla mostra, sull'organizzazione, sui contenuti e vi illustrerà il percorso da seguire. è in vendita il catalogo che contiene, dopo puntuali introduzioni ai 5 settori storico-tematici, le immagini di tutte le opere esposte, senza, però, che la stampa renda il giusto onore a molte di queste. Molto valida appare l'opera del Galvanin Homini & Domini - Il corpo nell'arte fotografica, ivi disponibile, ricca di informazioni e puntuali commenti sui numerosi fotografi che dall'800 fino al 2011, data della pubblicazione, si sono occupati di temi che coinvolgono la rappresentazione del corpo umano. Per ognuno di questi è presentata almeno un'immagine particolarmente significativa, anche se per apprezzare pienamente questa e l'autore (spesso malamente noto al pubblico amatoriale (e questo è uno dei pregi e delle utilità del libro) occorrerà l'aiuto della Rete.

[estonoesautoayuda]

La poesía en el cine entre choferes de colectivos

Poema

Estoy en casa.

Afuera se está bien: un sol

cálido sobre la nieve fría.

Primer día de primavera

o último de invierno.

Mis piernas bajan corriendo

las escaleras y cruzan

la puerta, mi mitad

superior tecleando aquí.

Este poema pertenece al poeta Ron Padgett, destacando su obra, en este caso, por el film de Jim Jarmusch Patterson. Padgett cofundó a los 17 años The White Dove Review donde fueron publicados autores beatniks como Kerouac, Ginsberg, etc. Puede empatizarte contándote cómo ser un clavo torcido y oxidado o recomendarte en otra poesía sobre que elevar las pulsaciones a 120 durante 20 minutos cinco veces a la semana te puede hacer lo que se dice más feliz.

Me encantan los escritores del S. XX que caen y se levantan de los viejos romanticismos de los autores que ellos mismos leían, y que comprendían a la literatura como algo que está continuamente sucediendo. Como comerte una naranja o que saques la basura.

Jarmusch contempla un poco todo esto no? me refiero a este film ya nombrado del año 2016, con Adam Driver a la cabeza interpretando a un cotidiano chofer de colectivos que encuentra momentos de soledad (o solemnidad) para escribir sus poemas. Poemas que luego sabremos cuando salgamos del aura de la pantalla que son de Ron Padgett. Y si no, se entán enterando ahora.

Siempre quise comentar sobre esta peli porque más allá de la belleza en la simpleza, los colores otoñales, las cortinas de su compañera, las cerillas de fósforos de Ohio Blue Tip, me sugiere todo el film un poema entero, una poesía figurativa que tiene forma con movimiento y color y no una cosa estática que sólo se puede leer en los libros. Ojo, amamos los libros. Ojo, amamos las pelis y no siempre tienen que tener tintes poéticos (hay que ver que se entiende bien de esto) pero a lo que voy es que cuando leemos poesía estamos explorando e involucrando formas constantemente en cada verso, no son sonetos porque sí, y hay muchas paletas como palabras para crear todo el tiempo nuevos cuadros.

No quiero aburrir a nadie acá, yo me divierto tanto escribiendo, pero hagansé un favor y vean a Jarmusch y lean a Padgett y encuentren sus paletas diarias, algo les va a servir.

[kinkascarvalho]

ERRO? O QUE SIGNIFICA JESUS TER FICADO 3 DIAS E 3 NOITES NO CORAÇÃO DA TERRA?

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#VocêPergunta: tem uma coisa na morte e ressurreição de Jesus que não entendo: Jesus disse que iria ficar 3 dias e 3 noites no coração da terra, porém, ele não ficou esse tempo, se considerarmos a morte dele na sexta-feira e a ressurreição do domingo. Como entender essa questão? Temos um erro aqui na Bíblia?

Cara leitora, vamos começar a explicação dessa questão relembrando o texto bíblico e o que Jesus disse ali, depois iremos analisar todo esse contexto para que você compreenda bem a questão:

“Porque assim como esteve Jonas três dias e três noites no ventre do grande peixe, assim o Filho do Homem estará três dias e três noites no coração da terra” (Mateus 12:40).

OS 3 DIAS E 3 NOITES DE JESUS NO CORAÇÃO DA TERRA

(1) Comecemos compreendendo o contexto dessa fala de Jesus. Jesus está aqui respondendo a um questionamento de escribas e fariseus, que lhe disseram:

“Então, alguns escribas e fariseus replicaram: Mestre, queremos ver de tua parte algum sinal” (Mateus 12:38)

Jesus considera essa fala deles, pedindo um sinal, um grande absurdo e reage em um tom bastante confrontador:

“Ele, porém, respondeu: Uma geração má e adúltera pede um sinal; mas nenhum sinal lhe será dado, senão o do profeta Jonas” (Mateus 12:39).

(2) Temos de ter em mente aqui que Jesus já havia feito grandes sinais e maravilhas até aqui em Seu ministério. E não foram poucos!

Obviamente que os religiosos não queriam enxergar isso, antes, queriam determinar o tipo de sinal que eles achavam que seria do Messias e a hora que esse sinal deveria ocorrer para que eles cressem!

Mas Jesus não fazia esse tipo de milagre, à pedido de corações incrédulos, orgulhosos, altivos! Mas para que eles não ficassem sem resposta, Jesus dá uma resposta provocativa!

(3) Essa resposta era o sinal de Jonas! A Bíblia diz que Jonas esteve 3 dias e 3 noites no ventre do grande peixe e isso prefigurava o que iria ocorrer com Cristo!

O grande e maior sinal de todos, a ressurreição de alguém que, assim como Jonas, esteve frente a frente com a morte e a venceu! Esse seria o sinal presenciado por todos um tempo depois!

“Deparou o SENHOR um grande peixe, para que tragasse a Jonas; e esteve Jonas três dias e três noites no ventre do peixe” (Jonas 1:17).

(4) Mas por que Jesus não passou de fato 3 dias e 3 noites morto como Ele disse? Como entender essa questão desse sinal comparativo com Jonas? Temos aqui pelo menos 2 visões a considerar:

(a) Se Jesus morreu na sexta-feira à tarde, os 3 dias não eram literais.

Nesse caso a expressão 3 dias e 3 noites não era matemática e exata, mas figurativa (idiomática), usando a tradição judaica de contar uma parte de um dia como um dia.

Sendo assim, a ideia é que Jesus ficou morto sexta-feira (parte do dia), sábado (dia todo) e domingo (parte do dia) e ressuscitou “no terceiro dia” e não depois de exatas 72 horas, ou seja, 3 dias completos.

Essa forma interpretativa está em harmonia com outros relatos bíblicos, onde a expressão 3 dias e 3 noites já foi usada outras vezes, mesmo sem que 72 horas exatas tivessem passado. Veja o exemplo do jejum de Ester em Ester 4:16.

(b) Jesus na verdade teria morrido na quinta-feira e não na sexta-feira.

Nesse caso a expressão 3 dias e 3 noites é entendida de uma forma literal, mais exata, já que, considerando a morte de Jesus na quinta-feira, então, ele ficou morto na noite de quinta-feira, noite de sexta-feira e noite de sábado, dando essas 3 noites “no coração da terra” citada no verso.

Mas mesmo essa interpretação não é livre de dificuldades, pois se fossemos ser matematicamente exatos, mesmo morrendo na quinta-feira, não teríamos 72 horas exatas (3 dias completos) até a ressurreição.

Isso porque em Mateus 27:46 vemos que Jesus morreu por volta da hora nona (3 da tarde): “Por volta da hora nona, clamou Jesus em alta voz, dizendo: Eli, Eli, lamá sabactâni? O que quer dizer: Deus meu, Deus meu, por que me desamparaste?” (Mateus 27:46)

Considerando a quinta-feira como dia da morte, teríamos de quinta-feira (3 da tarde) até sexta-feira (3 da tarde) = 24 horas. Depois, de sexta-feira (3 da tarde) até sábado (3 da tarde) = 24 horas. Jesus ressuscita bem cedo na manhã de domingo, logo ainda faltaria algumas horas para as 72 horas literais.

Conclusão:

A forma como Jesus falou e todos os elementos do contexto parecem indicar que Jesus usou mesmo uma expressão figurada que não tinha foco matemático de contagem de horas exatas.

Mas temos ali uma forma comum dos judeus contarem dias (mesmo incompletos) como dias inteiros em determinadas ocasiões. Foi isso que Jesus fez na sua menção, não havendo nenhuma contradição nos relatos.

Alguns, para tentar encaixar essa fala de Jesus em uma realidade matemática, ainda dizem que ele pode ter morrido na quarta-feira. Mas isso fica totalmente inviável de acordo com a cronologia das narrativas dos evangelhos!

❤No Amor de Cristo,

[linaje-bendito]

Soy la persona que hizo la pregunta de 1 Corintios 10:16... la persona católica argumenta con este versículo que la comunión con la ostia es un mandato de Dios.... hay alguna explicación más profunda en este versículo? O efectivamente habla de la comunión? O de la Santa cena?

Hola :)

Ya te entendi hahahah perdoname corazon.

La Transustanciación es una doctrina de la Iglesia Católica Romana. El Catecismo de la Iglesia Católica define esta doctrina en su sección 1376:“El Concilio de Trento resume la fe católica declarando: “Puesto que Cristo nuestro Redentor dijo que era verdaderamente su sangre la que se ofrecía bajo las especies del pan, ésta siempre ha sido la convicción de la Iglesia de Dios, y este santo Concilio lo declara nuevamente ahora, que por la consagración del pan y el vino, se efectúa un cambio de toda la sustancia del pan en la sustancia del cuerpo de Cristo nuestro Señor y toda la sustancia del vino en la sustancia de su sangre. A este cambio, la santa Iglesia Católica le ha llamado justa y apropiadamente la transustanciación.”En otras palabras, la Iglesia Católica Romana enseña que una vez que un sacerdote ordenado, bendice el pan en la Cena del Señor, éste se transforma en la misma carne de Cristo (aunque retiene su apariencia, olor y sabor de pan); y cuando él bendice el vino, éste es transformado en la misma sangre de Cristo (aunque retiene la apariencia, olor y sabor del vino). ¿Es bíblico este concepto? Hay algunas Escrituras que si se interpretan estrictamente en su forma literal, indicarían que la presencia de Cristo “está realmente” en el pan y el vino. Como ejemplo tenemos a Juan 6:32-58; Mateo 26:26; Lucas 22:17-23; y 1 Corintios 11:24-25. El pasaje que se señala más frecuentemente es Juan 6:32-58, especialmente los versos 53-57, “Jesús les dijo: De cierto, de cierto os digo: Si no coméis la carne del Hijo del Hombre, y bebéis su sangre, no tenéis vida en vosotros. El que come mi carne y bebe mi sangre, tiene vida eterna; y yo le resucitaré en el día postrero. Porque mi carne es verdadera comida, y mi sangre es verdadera bebida. El que come mi carne y bebe mi sangre, en mí permanece, y yo en él. Como me envió el Padre viviente, y yo vivo por el Padre, asimismo el que me come, él también vivirá por mí.”Los Católicos Romanos interpretan este pasaje literalmente, y aplican este mensaje a la Cena del Señor, al cual ellos llaman la “Eucaristía” o “Misa”. Aquellos que rechazan la idea de la transustanciación interpretan la idea de las palabras de Jesús en Juan 6:53-57 figurativa o simbólicamente. ¿Cómo podemos saber cuál es la interpretación correcta? Pero, a Dios gracias, Jesús hizo excesivamente obvio lo que Él quiso decir. En Juan 6:63 declara, “El espíritu es el que da vida; la carne para nada aprovecha; las palabras que yo os he hablado son espíritu y son vida.” Jesús establece específicamente que Sus palabras son “espíritu”. Jesús estaba usando conceptos físicos, como el comer y el beber, para enseñar una verdad espiritual. De la misma manera que el consumir físicamente comida y bebida mantiene nuestros cuerpos físicos, de igual manera nuestras vidas espirituales son salvadas y construidas al recibir a Jesucristo por gracia a través de la fe. El comer la carne de Jesús y beber Su sangre son los símbolos de haberle recibido total y completamente en nuestras vidas.Las Escrituras declaran que la Cena del Señor es un memorial del cuerpo y la sangre de Cristo (Lucas 22:19; 1 Corintios 11:24-25), y no la consunción misma de Su sangre y cuerpo físico. Cuando Jesús estaba hablando en Juan capítulo 6, aún no había tenido lugar la Última Cena con Sus discípulos, en la que Él instituyó la Cena del Señor. Es injustificado leer La Cena del Señor / Comunión Cristiana en el capítulo 6 de Juan. Para una información más completa sobre estos puntos, favor de leer nuestro artículo titulado: La Sagrada Eucaristía.La razón principal por la que la transustanciación debe ser rechazada es porque es vista por la Iglesia Católica Romana como un “re-sacrificio” de Jesucristo por nuestros pecados, o como una “re-ofrenda / re-presentación” de Su sacrificio. Esto está directamente en contradicción a lo que dice la Escritura; que Jesús murió “una sola vez” y no necesita ser sacrificado nuevamente (Hebreos 10:10; 1 Pedro 3:18). Hebreos 7:27declara, “que no tiene necesidad cada día como aquellos sumos sacerdotes, de ofrecer primero sacrificios por sus propios pecados, y luego por los del pueblo; porque esto lo hizo (Jesús) UNA VEZ para siempre, ofreciéndose a Sí mismo.”

Te mando un abrazo y que Dios te sorprenda.

[verdadpresenteadv]

Lunes 7 de febrero IMPOSIBLE DE RENOVAR Compara Hebreos 6:4 al 6; Mateo 16:24; Romanos 6:6; Gálatas 2:20; 5:24; y 6:14. ¿Qué sugiere esta comparación acerca de lo que significa crucificar a Cristo? El texto original en griego enfatiza la palabra “imposible”. Es imposible que Dios restaure a los que “recayeron” porque están “crucificando de nuevo para sí mismos al Hijo de Dios” (Heb. 6:6). Pablo quiere enfatizar que no hay otro camino de salvación, excepto a través de Cristo (Hech. 4:12). La salvación por cualquier otro medio es tan imposible como lo es “que Dios mienta” (Heb. 6:18) o agradar a Dios “sin fe” (Heb. 11:6). Crucificar nuevamente al Hijo de Dios es una expresión figurativa que busca describir algo que sucede en la relación personal entre Jesús y el creyente. Cuando los dirigentes religiosos crucificaron a Jesús, lo hicieron porque Jesús representaba una amenaza para su supremacía y autonomía. Por lo tanto, esperaban eliminar a Jesús como persona y destruir a un enemigo poderoso y peligroso. De igual modo, el evangelio desafía la soberanía y la autodeterminación de la persona en el nivel más básico. La esencia de la vida cristiana es tomar la cruz y negarse a sí mismo (Mat. 16:24). Esto significa crucificar al “mundo” (Gál. 6:14), al “viejo hombre” (Rom. 6:6) y “la carne con sus pasiones y deseos” (Gál. 5:24). El propósito de la vida cristiana es que suframos una especie de muerte. A menos que experimentemos esta muerte al yo, no podremos recibir la nueva vida que Dios quiere darnos (Rom. 6:1-11). La lucha entre Jesús y el yo es una lucha a muerte (Rom. 8:7, 8; Gál. 5:17). Es una batalla difícil, que no se gana de una vez. Este pasaje no se refiere a la persona que a veces fracasa en la batalla contra el “viejo hombre” y la “carne”. Este pecado se refiere a la persona que, después de haber experimentado la salvación genuina y lo que esta implica (Heb. 6:4, 5), decide que Jesús es una amenaza para el tipo de vida que quiere tener y procede a terminar su relación con él. Es decir, mientras la persona no elija alejarse completamente de Cristo, todavía existe la esperanza de la salvación. ¿Qué significa morir al “yo”, tomar la “cruz”? ¿Qué es lo que te resulta más difícil de entregar al dominio de Cristo?

[bongianimuseum]

SANDRO  BONGIANI VRSPACE

Mostra Retrospettiva di Andrea  Bonanno

“L’uomo contemporaneo tra degrado e riscatto”

Opere 1976 - 2021

A cura di Sandro Bongiani

11 dicembre 2021 - 13 febbraio 2022

Via S. Calenda 105/D, 84126 SALERNO (Italy).

https://www.sandrobongianivrspace.it/

 Preview /AMACI -  11 dicembre 2021 ore 18:00

(L’evento partecipa alla diciassettesima giornata del contemporaneo

promossa da AMACI Associazione dei Musei d'Arte Contemporanea Italiani)

#GiornataDelContemporaneo

 “… le figure, come delle apparizioni inquietanti, uscite dai loro corpi reali per assumere delle forme declinanti il vuoto e l’assenza della spiritualità e della sentimentalità dell’uomo…”

In occasione di AMACI-17.Giornata Del Contemporaneo viene organizzata dalla Collezione Bongiani Art Museum di Salerno presso la Galleria “SANDRO  BONGIANI VRSPACE” www.sandrobongianivrspace.it, la retrospettiva di Andrea Bonanno dal titolo, “L’uomo contemporaneo tra degrado e riscatto”, con opere dal 1976-2021 a cura di Sandro Bongiani. La mostra cerca di fare il punto sulla condizione anonima dell’uomo contemporaneo da lungo tempo indagata dall’artista con coerenza e originalità creativa. Una visione intesa come rivelazione della condizione di degrado, diretta ad investigare e a rispondere alla problematica del destino dell’homo tecnologicus, rappresentato come una figura  estraniata dell’inconsistenza e da una tormentata scissione, incapace ormai di  ricercare il suo essere e la sua vera identità.

Anonime presenze vivono atteggiate in un perdurante silenzio interrogativo e metafisico, così  come gli spazi dell’uomo rivelati come aree di commisurazioni fra perdita e sogno. Una particolare weltanschauung dell’uomo presentato come  desolato involucro, senza più organi interni e anima, a stento comunicanti tra loro, in un clima segnato da una ingrata solitudine e da un’assillante dissoluzione.

Sono presenze dell’assenza dell’umano che tentano invano di ritrovare la vitalità, di resistere all’immane perdita delle loro funzioni immaginative e critico-riflessive. Le figure convivono in paesaggi desolati, si aggirano in tossici scenari degradati sconvolti da una perdurante azione inquinante da sembrare riflettere anch’essi le stigmate dello sconvolgimento. Quasi sempre, mostrano il lato oscuro di una insolita staticità, in realtà, restano solo delle fugaci apparizioni, con presenze uscite dai loro corpi reali per assumere forme declinanti il vuoto e l’assenza. Stando a questa particolare tematica nel dipingere l’uomo indagata con un acuto atteggiamento “verificale”, riflessivo e critico,  viene denunciata  l’assenza perduta dell’uomo e l’invito ad un ripensamento, a ritrovare un barlume di riscatto, di possibile liberazione da una condizione che aliena profondamente e degrada profondamente l’uomo, conducendolo alla sua completa destrutturazione e ad una totale negazione della sua precaria e inconsistente condizione umana. Sandro Bongiani.                            

                                                                                                     Breve biografia di Andrea Bonanno

Andrea   Bonanno, nato a Menfi (AG), ha  iniziato  ad   esporre  a  partire dal  1966, dopo aver  rifiutato ogni  pittura manieristica  e fuori  dalle  fondamentali   esigenze   spirituali  del nostro tempo. Pittore, saggista e scrittore, svolge  da anni  un' intensa  attività pittorica  e  letteraria, spaziando  dalla poesia alla  critica d'arte  e  alla letteratura, partecipando a  molte manifestazioni nazionali  ed  internazionali  ottenendo lusinghieri  consensi  di  critica  ed importanti riconoscimenti.

 Ha pubblicato opere saggistiche, come L’arte e la verifica trascendentale (saggio critico, Edizioni Tracce, Pescara 1992, Per un'arte della verifica trascendentale (Edizioni Pubblicoop, Sessa Aurunca, 1994), La poesia di Pietro Terminelli (Edizioni L'Involucro, Palermo, 1995), La verifica nell’arte figurativa contemporanea ed altri saggi (Phasar Edizioni, Firenze, 2001), seguiti negli anni successivi da altri titoli: Saggi sulla poesia di  M. Grazia Lenisa (Monografia), Edizioni Archivio "L. Pirandello", Sacile, 2003. Il volume è stato ristampato in seconda edizione nel 2004 con l'aggiunta di altri saggi; Saffo Chimera di Maria Grazia Lenisa, (Commento), Edizioni Archivio "L. Pirandello", Sacile, 2005, Poeti contemporanei per la verifica trascendentale (saggi), Ediz. Archivio “Luigi Pirandello”, Sacile, 2007, L’arte  deviata, otto Biennali di Venezia ed altri saggi, Ediz. Archivio “L. Pirandello”, 2010, Il romanzo e la verifica trascendentale (Vittorini, Piovene, Saviane), Ediz. Archivio “L. Pirandello”, 2014,  Van Gogh e la pittura <<verificale>>, Youcanprint Self Publishing, Trecase (LE), 2016.

Sue opere e pubblicazioni sono in istituzioni, musei e collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero.

[desiderativaa]

17

soñé que me secuestraban y al despertar no se había ido la sensación. tardé en reconocer que era una que llevaba acompañandome, o asfixiandome, más de diez años ya. se llevaron mi presencia, y en su lugar dejaron un programa automatizado que apropia comportamientos externos y cree que ellos son su personalidad. no tengo sentido. no hago nada más que respirar y tristemente no es de forma figurativa. nada más para vivir, digo. no como, intento dormir pero no descanso, no trabajo por el futuro que deseo. bueno, respirar y desear.

es un bucle que con suerte olvidaré mañana cuando sentada en el pasto espere la hora prudente para regresar a mi casa. allí habré tenido que conversar, pero no para vivir, sino para fingir.

Ana María, como nunca le he dicho, le da sentido incluso a momentos donde cuento con inexistentes niveles de emoción. hace un rato, después de un día donde poco hablamos, me llamó y terminó de leer un cuento que habíamos comenzado en otra atormentada noche. hoy ha sido un día sin vida, pero gocé ese paréntesis donde huí de la muerte para encarnar a Luis E., y ver a Eloísa muchos años después.

antes de eso, sin razón aparente, su imagen, la de Ana María, vino a mí, entre el momento donde bailaba algún tipo de música lejana a mi gusto, con la autoridad de quien la compuso. ella baila y parece que todo le pertenece, que es el polo al que responden las brújulas. adoro verla bailar. allí también abandoné la muerte, sin tener que abandonarme a mí.

no sé por qué prefiere nunca ser llamada por su nombre de nacimiento. entre anma y ana maría prefiero decirle mi amor.

[mybeneditarosadeoliveirablog]

🌹VAMOS REZAR JUNTOS A NOVENA DE SANTA TEREZINHA DO MENINO JESUS E DA SAGRADA FACE. . DE 09 A 17 DE CADA MÊS. MAS PODE SER COMEÇADA A QUALQUER DIA. 7°SETIMO DIA DA NOVENA DAS ROSAS🌹. Evangelho de hoje (Jo 16,23b-28) Naquele tempo, disse Jesus aos seus discípulos: “Em verdade, em verdade vos digo: se pedirdes ao Pai alguma coisa em meu nome, ele vo-la dará. Até agora nada pedistes em meu nome; pedi, e recebereis; para que a vossa alegria seja completa. Disse-vos estas coisas em linguagem figurativa. Vem a hora em que não vos falarei mais em figuras, mas claramente vos falarei do Pai. Naquele dia pedireis em meu nome, e não vos digo que vou pedir ao Pai por vós, pois o próprio Pai vos ama, porque vós me amas­tes e acre­ditastes que eu vim da parte de Deus. Eu saí do Pai e vim ao mundo; e novamente parto do mundo e vou para o Pai”. — Palavra da Salvação. — Glória a vós, Senhor. . . NESTA NOVENA COLOQUEMOS TAMBÉM PELOS NOSSOS FILHOS🙏 POR TODOS OS JOVENS🙏 PELA PAZ EM NOSSAS FAMÍLIAS E NO MUNDO INTEIRO🙏 POR TODAS AS PESSOAS QUE ME PEDEM ORAÇÕES🙏 POR TODOS NOSSOS VIZINHOS🙏 PELAS MINHAS AFILHADAS🙏 POR TODAS AS GRAÇAS RECEBIDAS ATRAVÉS DAS NOSSAS ORAÇÕES E NOVENAS🙏 POR TODOS NÓS QUE ORAMOS UNS PELOS OUTROS🙏 PARA NOSSO SACERDOTE🙏 PELO FIM DESSA PANDEMIA DO CORONAVIROS🙏 POR TODAS AS PESSOAS QUE ESTÃO EM HOSPITAIS E UTIS 🙏 🌹Em nome do Pai, do Filho e do Espírito Santo. Amém. “Santíssima Trindade, Pai, Filho e Espírito Santo, eu Vos agradeço todos os favores, todas as graças com que enriquecestes a alma de Vossa serva Teresa do Menino Jesus durante os 24 anos que passou na Terra. Pelos méritos de t��o querida santinha, concedei-me a graça que ardentemente Vos peço: (fazer o pedido), se for conforme a Vossa Santíssima vontade e para salvação de minha alma. Ajudai minha fé e minha esperança, ó Santa Teresinha, cumprindo, mais uma vez, sua promessa de que ninguém vos invocaria em vão, fazendo-me ganhar uma rosa, sinal de que alcançarei a graça pedida”. Rezar, em seguida, 24 vezes: glória ao Pai, ao Filho e ao Espírito Santo, como era no principio agora e sempre. Amém. 🌹Eu confio em vós o Santa Terezinha do menino Jesus e da Sagrada Face! (em Sanctuaire de Lisieux) https://www.instagram.com/p/CO5KE-kBR00/?igshid=1stb9d4o8awtm