#Estética Fotográfica

[eternadelusion]

Helter Skelter

“We’ll be forgotten. We’re machines for the processing of desires.”

Esta película fue originalmente concebida escrita como un manga y adaptada también por mujeres, cosa que me encanta ya que la crítica sociopolítica y cultural que se realiza solo podría haber sido derivada del análisis de mujeres que navegan por este mundo patriarcal, de otra forma hubiera sido una película desde la mirada masculina y habría perdido su sentido y significado por completo. ¡¡Aparte, they could never!!

Me recordó bastante a la película “The Neon Demon��� y me hizo pensar en como constantemente el cine estadounidense trata de emular la cultura asiática, hablando específicamente de los filmes japoneses, quedándose demasiado corta una película de la otra, si las ponemos en comparación, ya que Helter Skelter me pareció, por decir poco, muy icónica.

Definitivamente mis cosas favoritas de la película fueron su grandioso sentido estético, destacando bastante toda la dirección artística y fotográfica que hay detrás, con excelentes escenografías, una estética opulenta y exuberante llena de detalles, y ni hablar de todo lo que conlleva el personaje de Lilico, sus outfits son preciosos, su maquillaje y peinados son perfectos, todo eso de la mano de una narrativa excelente, metáforas inteligentes y un dialogo muy acertado y potencialmente citable. ¡quede completamente fascinada!

Aparte de ser una película que te deleita visualmente, destaca temas importantes que actualmente son solo algunos de los problemas mas importantes en la sociedad, tales como:

La pérdida del valor social que nos llega en algún punto con la edad a nosotras las mujeres, la automutilación psíquica, la desconexión progresiva de la humanidad, la soledad, el aislamiento, la tristeza e impotencia, el sentirte podrida por dentro y las expectativas asfixiantes que son parte de buscar la perfección o al menos lo hegemónico y socialmente mas aceptado, una “belleza ideal”.

Así mismo también nos habla de los estándares de belleza, orquestados por deseos patriarcales e influenciados por el capitalismo y como los mismos afectan en la percepción de las niñas y mujeres afectando sus ambiciones y aspiraciones. Nos hacen ver como todo lo anterior puede llegar a causar una competencia entre las mujeres, aparte, también como puede llegar a surgir un pensamiento de comparación y como afecta en la autoestima, haciéndonos creer, que jamás vamos a llegar a ser suficientes, no importa que tan dispuestas estemos a someter nuestros cuerpos (y mentes) a procedimientos y cambios drásticos con tal de aspirar a la perfección.

Menciona también, implícitamente, el tema de la superficialidad entrelazada con la cosificación y mercantilización de las mujeres “hermosas” y el cómo en las culturas asiáticas es más importante generar ídolos por masas que al poco tiempo serán olvidados y desechados.

Para concluir, fue una película que evoco muchos sentimientos en mí, en su mayoría muy buenos y también me sirvió para reflexionar y hacer un poco de introspección en como toda esta situación me ha llegado a afectar hoy en día, con todas las nuevas modas y estéticas a las que se aspira actualmente, que pueden ser tan fugaces como nada, o pueden arraigarse tanto a ti que te terminan afectando de una forma mas profunda de acuerdo a como es que lo percibes.

Es una película muy digerible y amena, con personajes divertidos, también tiene tintes un tanto de comedia muy oscura y perversa, cosa que me encanta :p Lilico es un femcel icon muy infravalorado definitivamente ¡ recomiendo muchísimo verla

[8ightisfate]

[TRANS] Seungmin: El agente del caos

El día de la sesión fotográfica de la portada de la revista Rolling Stone UK, me di cuenta de que Kim Seungmin siempre estaba mirando, como un cachorrito curioso. Durante la foto grupal, cada vez que miré hacia él, mientras Hyunjin daba vueltas en su propio mucho y Bangchan estaba ocupado asegurándose de que sus patitos estuvieran todos en fila, Seungmin me observaba con curiosidad desde lejos, ladeando la cabeza con su nuevo corte de pelo de bellota con flequillo recto. El estilo le sienta bien, le da una estética más madura. Tiene más capas y más profundidad, como él.

Cuando nos sentamos para su entrevista en solitario, mira más de cerca los papeles que he extendido frente a mí, que enumeran las preguntas que le voy a hacer al resto del grupo, antes de retirarse cortésmente. Se disculpa por su inglés, aunque prácticamente lo habla con fluidez, con un suave acento americano, y a menudo me hace preguntas sobre mí. Su curiosidad e inteligencia, junto con su agudo ingenio y humor, siempre lo han convertido en un miembro intrigante de Stray Kids.

Es rápido para hacer bromas, especialmente con el resto del grupo. "Tengo curiosidad", dice en tono de broma cuando le preguntan quién es el más fácil de enfadar. "Últimamente me burlo mucho de Lee Know; no sé por qué… Es el objetivo más fácil, el más divertido. Es delicioso de probar". Hay un brillo travieso en sus ojos mientras dice esto.

Al igual que con Changbin y sus desafíos de baile grupales femeninos, el espíritu lúdico de Seungmin es innato y no lo activa cuando se trata de momentos virales en la redes sociales. "No bromeo conscientemente sabiendo que habrá videos, pero cuando aparecen, lo disfruto aún más", dice.

Por mucho que a Seungmin le guste hacer tonterías, en realidad es solo un lado de su personalidad.

Cuando le preguntan qué ha aprendido sobre sí mismo en su viaje con Stray Kids, dice: "¿Sobre mí? Esa es una pregunta difícil". Luego hace una pausa para reflexionar antes de decir: "Aprendí que tengo dos personalidades: para el grupo y luego para mis cosas individuales. Al principio, era muy tímido. Conoces el test de personalidad MBTI, ¿verdad? Era una persona 'I' [introvertido], pero día a día, a medida que pasar el tiempo, ambas personalidades se fusionan y disfruto pasar tiempo con los otros miembros".

Anteriormente, Rolling Stone UK se había referido en broma a Seungmin como el 'agente del caos' del grupo, pero al igual que Lee Know, en el fondo, está mucho más predispuesto al orden. "Tengo más tendencia a ser más organizado, pero he pasado bastantes años con los miembros, así que me he acostumbrado al caos. Me gusta prosperar dentro del entorno caótico y simplemente bromear y divertirme. No es un desafío para mí".

"Todos los días, incluso si estoy muy cansado después de la loca agenda, reservo un tiempo para mi a diario antes de irme a dormir. Me ayuda a organizar cada pensamiento, lo que he hecho y lo que he aprendido ese día. Intento organizar todo, mis sentimientos y lo que he aprendido".

El llamado del hogar, al igual que para los otros miembros, siempre está ahí. Han ha comentado sobre el anhelo de su compañero de grupo por una comida decente de su país: "Algo que me parece lindo simplemente es presenciar cómo Seungmin siempre añora la comida coreana, especialmente cuando viaja y no hay mucha por ahí. La forma en que la anhela, la espera, la forma en que se la pide al personal es divertida".

Seungmin respalda la observación de Han. "Extraño la cálida energía y la buena comida coreana", dice, antes de enumerar como su comida favorita es el estofado de kimchi y el arroz.

Parte de VOCALRACHA, junto con I.N, Seungmin tiene una mezcla sonora de tonos vocales suaves y flotantes y notas altas potentes que definen el sonido de Stray Kids. Al igual que los otros miembros del grupo, no se conforma con ser una triple amenaza, también está aprendiendo a tocar la guitarra. Es modesto sobre su progreso, aunque Felix ya ha respaldado sus habilidades. No cree que esté listo para tocar la guitarra en una canción o en el escenario.

"Algún día lo haré, pero todavía estoy practicando", dice.

¿Qué canción le gustaría interpretar? "¿Cuál sería más fácil?", se ríe. Propongo algo emotivo. "Ahhh, eso es difícil. Quizás 'Stars and Raindrops' de Seungmin", y me lanza una sonrisa encantadora y brillante incapaz de resistirse a una última risita antes de despedirse.

[blogdojuanesteves]

COISAS QUE EU VI

Memórias de Claudio Edinger

Damien Zanone, professor de literatura francesa na Université Catholique de Louvain, em seu livro Écrire son temps Les Mémoires en France de 1815 à 1848 (Presses Universitaires de Lyon, 2021) escreve que espera-se de um memorialista  que partilhe uma experiência exemplar da história contemporânea, uma exemplaridade que a sua voz constrói na representação da relação entre a particularidade de uma existência individual e a generalidade da história coletiva. Para ele é uma condição habitual do texto deste escritor que ele tenha vivido os seus próprios dias de uma forma notável, quer como testemunha, quer como ator em acontecimentos decisivos.

O memorialista pensa nos aspectos que marcaram os traços dominantes de sua geração e na forma como ele mesmo os encarnou. A sua abordagem à escrita encontra-se no cruzamento entre narrativas coletivas e individuais, descobrindo a solidariedade entre ambas. É o que encontramos aqui neste livro de pouco mais de 300 páginas Coisas que eu vi-Memórias de Claudio Edinger ( Ed. Vento Leste, 2024) do consagrado fotógrafo carioca radicado em São Paulo que celebram uma vivência de cerca de 50 anos como profissional da imagem e, acima de tudo, do seu viés como escritor já revelado em alguns livros como História da fotografia autoral e a pintura moderna (Ipsis, 2019) [ leia aqui review https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/182560838046/hist%C3%B3ria-da-fotografia-autoral-e-a-pintura ] um amplo trabalho de pesquisa ou seu romance Um Swami no Rio ( Annablume,2009) entre seus mais de quase 30  livros publicados no Brasil e no exterior.

Tal experiência consagrada em prêmios importantes como o Leica Medal of Excellence de 1983 e 1985, o Hasselblad de 2011 ou sua permanência em coleções que vão do Museu de Arte de São Paulo ( MASP) ao Los Angeles County Museum ( LACMA) entre as mais de 100 instituições e colecionadores que abrigam sua obra tornam o livro de uma significância ímpar, não somente para o aprofundamento na obra deste artista, mas sua contribuição essencial para o estudo da fotografia como um todo: imagens que reforçam seu talento e narrativas prazerosas que vão além de revelações pessoais, abarcando significativos momentos da história da fotografia.

Um rico conjunto de imagens e textos começa em 1975, com a documentação do Edifício Martinelli, icônico arranha-céu do centro histórico paulistano, após um pequeno incêndio. O fotógrafo então com 22 anos estava prestes a terminar sua graduação em Economia na presbiteriana Mackenzie e conversando com seu amigo, o sociólogo Lúcio Kowarick, ouviu deste a pesquisa sobre o lugar e ficou encantado. Termina em 2020 com a tragédia da pandemia da Covid-19, que resultou em um livro peculiar: Quarentena ( Ed.Vento Leste, 2022), uma série de retratos de conhecidos e amigos na maioria, tomados com um drone, mostrando o isolamento social deste período. [ leia aqui mais em https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/679544661367570432/quarentena-isolamento-social-na-pandemia-de ]. 

O crítico e curador mineiro  Agnaldo Farias, que assina o prefácio escreve que "Combinadas com uma profusão de imagens extraordinárias, as histórias vão se sucedendo: descrições de viagens e perambulações, experiências longas, curtas e curtíssimas, de naturezas bem distintas, como a cobertura da guerra de El Salvador, um período em Venice Beach, na Califórnia, afamado reduto beatnik, uma viagem espiritual pela Índia, incontáveis colaborações e encomendas, além de comentários agudos sobre a natureza técnica e estética fotográfica. O texto finda com a renovação dos laços com o Brasil (sorte nossa!) e com a lúcida defesa do foco seletivo, recurso fotográfico do qual Edinger é um mestre consumado e marca registrada de sua produção recente."

De 1976, quando Edinger vai para Nova York, onde ficaria por 20 anos, as imagens e os relatos são sobre os judeus hassídicos do Brooklyn. Ele lembra que já havia tentado mostrar seu trabalho do Martinelli para Cornell Capa, então diretor do recém criado  International Center of Photography (ICP) mas foi atendido por uma assistente que perguntou-lhe onde ficava São Paulo, uma pergunta típica, a qual ele responde com graça dizendo que ficava na Argentina. "Ela não deu importância e olhou as imagens sem interesse, o que fez com que ele saísse de lá magoado. Mas não podia reclamar: estava em Nova York, preparado para passar um ano visitando museus e as revistas como a Life e a  Look" conta o fotógrafo. Saiu pelas ruas e achou interessante os judeus ortodoxos que ilustram este período, ou capítulo. A narrativa é uma lição para os neófitos que acham que já sabem tudo e que ignoram que o caminho �� árduo, além de  uma boa história sobre estes conhecidos e peculiares  personagens que habitam a cidade e de como conheceu fotógrafos como Garry Winogrand (1928-1984), Henri-Cartier Bresson (1908-2004), André Kertész (1894-1985), Bruce Davidson, Mary Ellen Mark (1940-2015), Alex Webb, Eugene Smith. (1918-1978), "que perambulavam pela cidade" ajudaram-no em sua formação.

Chelsea 1978 é um capítulo que mostra como o fotógrafo chegou a um de seus melhores livros, The Chelsea Hotel ( Abbeville Press, 1984) ainda jovem. A publicação ganhou uma reedição este ano. O trabalho é um apanhado de retratos de artistas peculiares, que como o fotógrafo moravam no hotel. Os meandros desse período são expostos em uma narrativa bem humorada como seus personagens. Além de memorialista é também um raconteur.

Mas nem tudo era viver em meio de uma cultura alternativa e Edinger foi parar no conflito de El Salvador em 1983, um assigment para a revista Isto É. Felizmente um breve registro de um fotógrafo cosmopolita em meio a barbárie da América Latina, que serviu de intervalo para retornar aos excêntricos, desta vez em Venice Beach, uma praia de Los Angeles. que segundo ele era "quatro quilômetros com um calçadão onde artistas, músicos, mímicos, malabaristas e malucos de todas as vertentes se apresentavam diariamente." O resultado foi outro belo livro, Venice Beach ( Abbeville Press,1985). Duas experiências com uma câmera de pequeno formato, 35mm, que lhe dava certa agilidade e frescor, anos antes de aderir ao médio e  grande formato em 4X5 polegadas, que adotaria por alguns anos até o advento da digital de qualidade.

O fotógrafo não hesita em contar suas memórias mais dramáticas como a série feita no Hospital Psiquiátrico do Juquery, de Franco da Rocha, região metropolitana de São Paulo, de 1989-1990. Publicação excepcional e produzida em médio formato, que exigia um relacionamento maior do fotógrafo e seus personagens. Nesta série que também virou livro, Loucura -Madness - DBA, DAP, Dewi Lewis, 1997) uma contundente amostra do sistema psiquiátrico brasileiro traz também o relato de uma conexão mais íntima, com sua avó, que nos últimos anos de vida, provavelmente, padeceu do Mal de Alzheimer. Mais uma vez, Edinger mostra o trabalho para Cornell Capa, que tinha gostado de suas imagens dos judeus novaiorquinos tendo como resposta " E quem é que vai querer ver isso?". Ironicamente, o trabalho ganhou o Prêmio Ernst Haas e foi finalista do W.Eugene Smith Grant. Hoje as imagens estão na Coleção da Maison Européenne de la Photographie, em Paris e da do MASP e do LACMA.

No mesmo ano do Juquery , Edinger pega outro assigment do New York Times, para uma matéria sobre o carnaval no Rio de Janeiro que resultaria no livro Carnaval (DBA, Dewi Lewis, DAP 1996) com imagens em cor e em preto e branco, com uma história que passa pela Favela da Rocinha e pelas praias do Rio. Segundo ele, foram cinco anos para entender o que era o carnaval e a relação dele com as pessoas. O livro é um tratado antropológico visual por excelência.  Eclético, Edinger continua sua saga indo para Habana, em Cuba, onde o resultado tornou-se mais um livro Old Havana  (DBA, DAP, Dewi Lewis, Editions Stemmle 1997) que revela a beleza e a resiliência cubana da pós -revolução.

Os bastidores de retratos feitos para inúmeras publicações do exterior e no Brasil de 1986 a 2000 mostram versatilidade e conhecimento de seus personagens, elementos essenciais para execução dos mesmos, onde o leitor que gosta do gênero ou o fotógrafo iniciante poderá aprender muito. De fato, a maioria dos textos não deixa de ser didática, um pouco da conhecida  generosidade do autor.

Nova York 1994-2000, é um capítulo importante que mostra um trabalho único feito em 6X6 cm, já com vestígios de um roteiro para um foco mais seletivo que resume sua obra nos dias de hoje: o belíssimo livro Cityscapes (DBA, 2001) quando ele revela que seu tempo na cidade está acabando. O fotógrafo então terminava seu período como professor no ICP, chamado "O projeto fotográfico", o qual ministra até hoje pelos festivais brasileiros. Ele considera esta série autobiográfica e faz uma boa recomendação ao leitor: "Fotografar o que conhecemos é muito  mais fácil! E cada um vê a cidade de uma forma. O segredo é fotografar a sua."

Daí em diante, o portfólio é iniciado por outro belo livro Rio ( Rio - DBA 2003) uma ode monocromática e poética  à cidade onde nasceu. Momentos em que o leitor menos informado na técnica fotográfica oferecida pelo uso de negativos em grande formato pode aprender muito, mostrando que os tempos como docente nos Estados Unidos marcam a sua história. Segue com uma série de livros que o caracterizam até seu momento contemporâneo como São Paulo, {DBA 2009);  Sertão da Bahia de Bom Jesus a Milagres (BEI, 2012); O Paradoxo do Olhar,  (Editora Madalena, 2015) e Machina Mundi ( Bazar do Tempo, 2017) entre tantos que desdobraram-se  em outras edições relacionadas ao "Paradoxo" das imagens e a "Machina Mundi" que move sua vida. Publicações alimentadas por sua curiosidade em lugares como a Amazônia ou cidades europeias de Santa Catarina, capturas espetaculares das paisagens brasileiras bem como o caos da urbanidade. Imagens aéreas, seja pelo uso de um helicóptero até chegar no uso do drone, do qual tornou-se exímio piloto.

Claudio Edinger explica de maneira filosófica que "A fotografia aérea nos possibilita o distanciamento vital para refletirmos sobre a relatividade de todas as coisas- a insignificância dos maiores prédios, matas, rodovias e monumentos. Como somos, na verdade, irrelevantes diante de nosso microplaneta, que é parte de um bilhão de sistemas solares, dentro de um bilhão de galáxias. Nada importa. Tudo é ordinário."

A curiosidade, o desejo pelo conhecimento são duas características de um bom pensador e de um artista virtuoso. Junto, temos sua honestidade e generosidade para com o próximo e para consigo mesmo. Edinger dá um spoiler já no início de suas memórias relativo a sua personalidade: " Há mais de cinquenta anos ando caçando minha identidade. Sou carioca, criado em São Paulo, educado em Nova York, filho de mãe russa e pai alemão, economista que fotografa e escreve, judeu cercado de amigos católicos, iogue que adora o budismo e os sufis... Nunca consegui encontrar o meu lugar, e meu trabalho é essa busca inesgotável." Para quem acha que já entendeu e sabe o que é a fotografia e a vida, melhor ler este livro.

Imagens © Claudio Edinger.   Texto © Juan Esteves

Infos básicas:

Coordenação editorial:  Mônica Schalka

Editora executiva: Heloísa Vasconcellos

Direção de Arte: Claudio Edinger

Coordenação de estúdio: Gabriel Guarany

Arte Final: Fernando Moser

Editor assistente: Cauê Siqueira Cardoso

Tratamento de imagens: Gabriel Guarany

Impressão e acabamento: Ipsis Gráfica

aquisição: ventoleste.com

* LANÇAMENTO DIA 18 de MAIO - 15 hs- CONVERSA COM O AUTOR E O CURADOR AGNALDO FARIAS 16 hs

no MUSEU DA IMAGEM E DO SOM,MIS Av. Europa, 158.

[pabloquerea]

ERANHINI (2022-2023)

El trabajo del artista visual michoacano Pablo Querea (San Juan Nuevo Parangaricutiro, 1987) se configura en la representación de rostros a partir de un proceso de descubrimiento y exploración personal. Querea utiliza el dibujo como una reflexión interna para llegar a otro tipo de posibilidad plástica contemporánea.

En el idioma purépecha, “eranhini” significa observarse internamente. Así, la exposición remite a esta palabra como un medio de búsqueda a través de un proceso de redescubrimiento e identificación del artista. La primera sala propone este ejercicio en retrospectiva, planteando un mapa mental a partir de preguntarse: ¿quién soy?, ¿ser o no ser? El primer cuerpo de obra se compone de 600 dibujos de múltiples rostros deformes, mutilados, grotescos, inertes o en descomposición en un ciclo entre la vida y la muerte. Expandidos en un caos liberador a manera de composición en el espacio, estos dibujos desafían nuestras presunciones convencionales acerca del orden y la belleza del arte.

La práctica actual de Querea debate en torno a la relación entre identidad, las suposiciones inadecuadas de la modernidad acerca de la universalidad del arte y la relevancia de aspectos concretos de nuestro entorno como los procesos de enraizamiento o etnia del artista. Este trabajo se configura a partir de su investigación genealógica: entre documentos y archivos, conversaciones con sus abuelas y fotografías familiares e investigaciones etnográficas. En otros conjuntos de obra, el artista reproduce una estética purépecha basada en el texto ritual de la Relación de Michoacán, apelando a los procesos de formación identitaria como estrategia política desarticulada del pensamiento occidental que refuerza las desigualdades sociales que padecieron nuestros antepasados.

En la última sala, Querea aterriza sus propios procesos de aprendizaje dentro de su contexto con una serie de autorretratos. El resultado es una reinterpretación de sí mismo, transfiriendo la imagen fotográfica y colocando en cada cuadro de papel un fragmento correspondiente de su archivo, textos e inquietudes personales. En una mirada cercana, se pueden apreciar los diminutos trazos de tinta, las finas líneas que se convierten en un dibujo abstracto de gran formato horizontal. Así, encapsulando en un fragmento de la sala un proceso de mediación, el artista reconstruye un relato íntimo de una identidad que siempre ha estado allí.

Texto: Rosi Huaroco

[fotoing]

Arquitectos que juegan con la fotografía, la geometría y el humor

Anna Devis y Daniel Rueda son dos fotógrafos españoles que se conocieron en la Universitat Politècnica de València, donde ambos se graduaron en la Escuela de Arquitectura. Hoy, este dúo creativo utiliza sus conocimientos arquitectónicos para contar historias a través de imágenes divertidas y sorprendentes que se alejan de la fotografía convencional de arquitectura.

Su estilo particular se caracteriza por su sentido del humor visual, su creatividad, su precisión y su estética delicada inspirada en la ciudad, la geometría y el minimalismo. Combinando su conciencia espacial y su visión artística, basada principalmente en formas simples y patrones llamativos, han logrado establecer narrativas magnéticas y alegres que sugieren inteligentemente tanto la naturaleza de las relaciones humanas como la fascinación por el entorno urbano.

Aunque pueda parecer sorprendente o difícil de creer, además de un procesado básico de la imagen, Anna y Daniel crean estas escenas surrealistas sin el uso de software de edición fotográfica. En su lugar, preparan cuidadosamente la escena en la vida real utilizando objetos, lugares y luz natural.

Fotografías llenas de imaginación, humor y creatividad. Chévere! 

Por: @JulianDBernal

[arte-e-homoerotismo]

Nascido na Alemanha - sua família se mudou para Chicago quando ele tinha 7 anos - Joseph Christian Leyendecker foi um dos artistas comerciais de maior sucesso do século XX. Sua incrível habilidade de desenho e pintura, iluminada por sua sexualidade gay, trouxe uma nova estética para a publicidade, trazendo-a muito para o novo século. Seu trabalho como ilustrador de revista e sua vibrante publicidade consciente do corpo, geralmente para marcas de luxo de ponta, criaram o protótipo do símbolo sexual masculino, seu trabalho inicial anterior ao cinema, na época em que a fotografia não dominava a mídia. Sua campanha de maior sucesso foi para a empresa de camisas Arrow, e seu homem de colarinho Arrow se tornou o próprio epítome da masculinidade, prosperidade e estilo americanos, ao mesmo tempo recebendo mais cartas de fãs e propostas de casamento do que Rudolph Valentino, segundo se afirma. O que sua legião de fãs não percebeu foi que seu ídolo, o modelo de Leyendecker, era na verdade seu amante, Charles Beach. Sempre recusando encomendas de belas artes, Leyendecker preferiu trabalhar como ilustrador e artista comercial. Ele foi incrivelmente bem-sucedido e conhecido. Seu trabalho ajudou a definir o visual da América tanto quanto o cinema até a Segunda Guerra Mundial. Sua influência em Norman Rockwell também pode ser vista claramente. Ele teve tanto sucesso financeiro que em 1914 conseguiu encomendar uma mansão em New Rochelle, onde viveu até sua morte em 1952. E Charles Beach? Ele e Leyendecker ficaram juntos por mais de 50 anos, seu papel abrangendo modelo, marido, cozinheiro e gerente de negócios. Apesar da fama de Leyendecker, sua vida não é tão conhecida agora porque ele viveu discretamente; também parece que, em sua morte, Beach destruiu a maior parte do trabalho, diários e documentos restantes de Leyendecker. Leyendecker evitou a fotografia como uma forma de arte e poucas fotos existem ou sobreviveram delas. Charles Beach morreu logo após Leyendecker também em 1952. Se você digitar o nome J C Leyendecker no Google imagens, você pode ver o quão requintado, estiloso e icônico era seu trabalho, e você pode ver como seu trabalho influenciou as campanhas de publicidade fotográfica que posteriormente substituíram suas belas ilustrações. Vale a pena dar uma olhada.

Born in Germany - his family moved to Chicago when he was 7 - Joseph Christian Leyendecker was one of the most successful commercial artists of the 20th century. His incredible drawing and painting ability, illuminated by his gay sexuality, brought a new aesthetic into advertising, bringing it very much into the new century. His work as a magazine illustrator and his vibrant, body conscious advertising usually for high-end luxury brands, created the prototype for the male sex symbol, his early work pre-dating the cinema, in the time before photography dominated the media.

His most successful campaign was for the Arrow shirt company, and his Arrow collar man became the very epitome of American manliness, prosperity & style, at one time getting more fanmail and proposals of marriage than Rudolph Valentino it is claimed. What his legion of fans did not realise was that their idol, Leyendecker’s model was in fact his lover, Charles Beach.

Always declining fine art commissions, Leyendecker preferred to work as an illustrator and commercial artist. He was incredibly successful and well-known. His work helped define the visual look of America as much as the cinema up until World War II. His influence on Norman Rockwell can be clearly seen too. So financially successful was he that in 1914 he was able to commision a mansion in New Rochelle, where he lived until his death in 1952.

And Charles Beach? He and Leyendecker were together for over 50 years, his role encompassing model, husband, cook & business manager. Despite Leyendecker’s fame, his life is not so well-known now because he lived discreetly; it would also appear that on his death Beach destroyed most of Leyendecker’s remaining work, diaries and documents. Leyendecker shunned photography as an art form and few photos exist or have survived of them. Charles Beach died shortly after Leyendecker also in 1952. If you enter the name J C Leyendecker on Google images, you can see how exquisite, stylish and iconic his work was, and you can see how his work influenced the photographic advertising campaigns which have subsequently replaced his beautiful illustrations. It’s worth the look.

[paupauvibes]

Captura la Belleza de tu Vehículo con PauVibes

¿Tienes un coche del que estás orgulloso y quieres que brille en cada imagen? Soy PauVibes, fotógrafa especializada en la fotografía de coches, y estoy aquí para ayudarte a resaltar la belleza y singularidad de tu vehículo. Si buscas imágenes impresionantes que capturen la esencia de tu automóvil, ¡has llegado al lugar indicado!

¿Por qué elegir mis servicios?

1. Especialización en Fotografía Automotriz

Mi pasión por los coches se refleja en cada fotografía que tomo. Con una especialización en fotografía automotriz, tengo el conocimiento y la experiencia necesarios para resaltar los detalles más importantes de tu vehículo, desde las líneas elegantes hasta los acabados únicos.

2. Estilo Personalizado y Único

Cada coche tiene su propia personalidad, y mi objetivo es capturar esa esencia. Trabajo contigo para diseñar una sesión de fotos personalizada que refleje el carácter de tu vehículo. Ya sea un coche clásico, un deportivo o un SUV familiar, adaptaré el enfoque para que cada imagen sea auténtica y significativa.

3. Locaciones Impresionantes

La elección del escenario es clave para una buena fotografía. Conozco una variedad de locaciones impresionantes, desde paisajes urbanos vibrantes hasta entornos naturales serenos. Juntos seleccionaremos el lugar perfecto que complemente la estética de tu coche y haga que tus fotos destaquen.

4. Técnicas Fotográficas Avanzadas

Utilizo técnicas fotográficas avanzadas para asegurar que cada imagen sea visualmente impactante. Desde el uso creativo de la luz hasta composiciones dinámicas, mi objetivo es crear fotografías que no solo sean hermosas, sino también memorables.

5. Resultados Rápidos y Eficientes

Entiendo que el tiempo es valioso. Ofrezco un servicio rápido y eficiente sin comprometer la calidad. Recibirás tus fotos editadas en un plazo corto, listas para compartir en redes sociales o para cualquier otro propósito.

Beneficios Adicionales

Aumento de Visibilidad en Redes Sociales: Las imágenes profesionales pueden hacer que tu coche destaque en plataformas como Instagram y Facebook, atrayendo más atención y admiración.

Recuerdos Duraderos: Cada sesión es una oportunidad para crear recuerdos invaluables. Las fotos no solo capturan un momento; son una forma de celebrar tu amor por los coches.

Asesoramiento Personalizado: No solo soy fotógrafa; también soy una apasionada del mundo automotriz. Estoy aquí para ofrecerte consejos sobre cómo presentar mejor tu vehículo y maximizar su atractivo visual.

¡No esperes más!

Si estás list@ para dar el siguiente paso y capturar la esencia de tu coche con imágenes impresionantes, ¡contáctame hoy mismo! Juntos crearemos una experiencia fotográfica inolvidable que resaltará lo mejor de tu vehículo y dejará a todos boquiabiertos.

Transforma tus momentos en arte visual. ¡Espero trabajar contigo pronto!

[agendaculturaldelima]

  #EspacioAtemporal #Fotografia

🖼 “BUCÓLICA” 🌎📷

💥 Exposición que nos presenta una selección de treinta y cinco obras, a través de dos de las series de su colección fotográfica. La primera comprende escenarios del Perú y del Mundo, territorios ricos en historia, tradiciones, diversidad natural y cultural.  La intención del autor es mostrar la expresión estética de grupos humanos que viven y diseñan sus paisajes a través de vínculos armónicos con la geografía, como en el Valle del Colca, las planicies monumentales de Chinchero, la Toscana (Italia) o los viñedos romanos del Duero (Portugal).

🌚 La segunda es una serie nocturna que muestra retratos y escenarios andinos registrados durante sus viajes a nuestro país realizados entre los años 2009 a 2022. Aquí el protagonismo es de los peregrinos del Qoyllurit’i, tradición religiosa sincretista que ocurre en las alturas de Ocongate (Cusco). Ambos conjuntos fueron realizados con técnicas por las que es considerado una referencia en Brasil: la fotografía infrarroja y el «Light Painting» o pintura con luz.

🚨 La fotografía infrarroja registra una parte del espectro de la luz y color que son invisibles al ojo humano, posibles de ser capturados a partir de su grabación en películas o sensores electrónicos modificados en laboratorios especializados para ese fin. La técnica del Light Painting, desarrollada por Cepeda, consiste en iluminar con un trazo de luz al objeto fotográfico, mientras se toma el momento con una cámara de larga exposición.  El resultado es una pintura fotográfica plasmada en una película analógica a modo de lienzo o en una tarjeta de memoria digital. La duración del registro o del “click” puede variar entre un par de minutos a casi una hora. Ambas técnicas son identidades visuales que Cepeda utiliza para revelar un mundo oculto a través de su caligrafía personal. Gran parte de su acervo, como varias de las imágenes que componen la exposición, es producido en película, con cámaras de formato grande, fabricadas en los años cincuenta.

👨‍ Artista:Renan Cepeda (Brasil).

🔎 Curaduría: Beatriz Canales Languasco.

📌 INAUGURACIÓN:

 📆 Jueves 17 de Octubre

🕛 12:00m.

🏛 Galería del Centro Cultural Inca Garcilaso (jr. Ucayali 391 – Centro de Lima)

🎯Temporada: Hasta el 24 de Noviembre

👪 Visitas: Martes a Viernes 🕙10:00am. a 8:00pm. / Sábados, domingos y feriados 🕙10:00am. a 6:00pm.

 🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre

📣El dato: Visita Guiada el Sábado 19 de octubre 🕚 11:00am. 

📝 CV.- vive y trabaja en Río de Janeiro, en su estudio en Santa Teresa, barrio de los artistas cariocas. Ha sido fundador y presidente de los festivales de arte de esa localidad.  Es representado por la Galería Gaby Indio da Costa Arte Contemporánea (Río) y por la WM Gallery (Amsterdam).  Ha sido galardonado con diversos premios internacionales, entre otros el  Sony World Photography Awards en 2007 y 2012 y, el Premio Pipa (2020).

[gilbertofromtijuana]

Workshops

2018 -Historia de la Bienal de la Fotografía (1980-2018) with Armando Cristeto Patiño at CECUT, Tijuana B.C. -El Caníbal Virtual 3.0 with Gerardo Montiel Klint at CECUT, Tijuana, B.C.

2013 -Narrativas Urbanas with Christian Zuñiga at Relaciones Inesperadas. Tijuana, B.C.

2012 -Fotografías Cotidiana with Yvonne Venegas at the Centro de Posgrado y Estudios Sor Juana. Tijuana, B.C. -Retrato documental with Stefan Falke at La Casa del Túnel: Art Center. Tijuana, B.C.

2011 -Fotografía documental contemporánea with Elsa Medina at Espacio Freelance. Tijuana B.C. -Creación de Portafolio with Victoria Garcia. Tijuana, B.C. Estéticas Fotográficas with Yvonne Venegas at the Centro de Posgrado y Estudios Sor Juana. Tijuana, B.C.

2010 -Apreciación de la Fotografía Contemporánea with Ingrid Hernandez at La Caja Galería. Tijuana, B.C. -Asesoría a Proyectos Fotográficos with Javier Ramírez Limón at the Instituto de Cultura de Baja California. Tijuana, B.C.

Exhibitions

2011 TIJUANILLA. Group show of local young artists. La Caza Club. Tijuana, B.C.

Publications

Jaime Cháidez Bonilla, "Resultados del taller de retrato documental", El Mexicano, Vitrina Cultural. Tijuana B.C., March 15 2012.

Alfredo González Reynoso, "Frontera e identidad en la producción cultural tijuanense: De la exofrontera a la endofrontera", Revista Replicante, March 10 2012.

Texts

"Mostrarte: Damian Gastelum escenifica en Imágenes la Inocencia en Alma de Niño", Revista Tijuaneo #25, Tijuana B.C., May 2009. 20

"Tijuanearte", Revista Tijuaneo #24, Tijuana B.C., April 2009. 18

"Tijuaneando", Revista Tijuaneo #23, Tijuana B.C., January 2009. 16

Revista EXISTIR #91, Tijuana B.C., January 2009. 16

Revista EXISTIR #90, Tijuana B.C., November 2008. 10

[arte-e-homoerotismo]

Nascido na Alemanha - sua família se mudou para Chicago quando ele tinha 7 anos - Joseph Christian Leyendecker foi um dos artistas comerciais de maior sucesso do século XX. Sua incrível habilidade de desenho e pintura, iluminada por sua sexualidade gay, trouxe uma nova estética para a publicidade, trazendo-a muito para o novo século. Seu trabalho como ilustrador de revista e sua vibrante publicidade consciente do corpo, geralmente para marcas de luxo de ponta, criaram o protótipo do símbolo sexual masculino, seu trabalho inicial anterior ao cinema, na época em que a fotografia não dominava a mídia. Sua campanha de maior sucesso foi para a empresa de camisas Arrow, e seu homem de colarinho Arrow se tornou o próprio epítome da masculinidade, prosperidade e estilo americanos, ao mesmo tempo recebendo mais cartas de fãs e propostas de casamento do que Rudolph Valentino, segundo se afirma. O que sua legião de fãs não percebeu foi que seu ídolo, o modelo de Leyendecker, era na verdade seu amante, Charles Beach. Sempre recusando encomendas de belas artes, Leyendecker preferiu trabalhar como ilustrador e artista comercial. Ele foi incrivelmente bem-sucedido e conhecido. Seu trabalho ajudou a definir o visual da América tanto quanto o cinema até a Segunda Guerra Mundial. Sua influência em Norman Rockwell também pode ser vista claramente. Ele teve tanto sucesso financeiro que em 1914 conseguiu encomendar uma mansão em New Rochelle, onde viveu até sua morte em 1952. E Charles Beach? Ele e Leyendecker ficaram juntos por mais de 50 anos, seu papel abrangendo modelo, marido, cozinheiro e gerente de negócios. Apesar da fama de Leyendecker, sua vida não é tão conhecida agora porque ele viveu discretamente; também parece que, em sua morte, Beach destruiu a maior parte do trabalho, diários e documentos restantes de Leyendecker. Leyendecker evitou a fotografia como uma forma de arte e poucas fotos existem ou sobreviveram delas. Charles Beach morreu logo após Leyendecker também em 1952. Se você digitar o nome J C Leyendecker no Google imagens, você pode ver o quão requintado, estiloso e icônico era seu trabalho, e você pode ver como seu trabalho influenciou as campanhas de publicidade fotográfica que posteriormente substituíram suas belas ilustrações. Vale a pena dar uma olhada.

Kuppenheimer Clothing Co. ads, J.C. Leyendecker. (Src.)

[ocombatenterondonia]

Polícia prende dona de clínica onde influencer Aline Ferreira fez procedimento supostamente fatal

ESTADÃO CONTEÚDO Polícia prende dona de clínica onde influencer Aline Ferreira fez procedimento supostamente fatal Grazielly Barbosa, dona de uma clínica de estética de Goiânia, foi presa nesta quarta-feira (3), um dia após a morte da influenciadora digital e modelo fotográfica brasiliense Aline Maria Ferreira da Silva, de 33 anos. A prisão foi realizada pela Delegacia de Repressão a Crimes…

[blogdojuanesteves]

JOGO DE PACIÊNCIA > ANA SABIÁ

Entre março de 2020 e junho de 2021 - no auge da pandemia da Covid-19- a artista visual Ana Sabiá, professora de fotografia do Departamento de Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC), produziu um trabalho procurando possíveis encontros feitos pela arte. Ela conta que a ideia surgiu a partir de um lençol antigo herdado de sua tia, que possui uma abertura central similar a uma moldura. Foi basicamente construído com autorretratos, entretanto com seu rosto oculto.

Sua obra transformou-se em um delicado livro-objeto, Jogo de Paciência ( Editora. Tempo d'Imagem+Lovely House Editora, com a primeira edição publicada no inverno de 2023. Uma série de 78 cartas como um baralho, em um estojo onde a autora registra suas performances diante da câmera, tendo como estrutura o lençol e objetos com os quais interagiu. Entre eles, cadeiras, rebatedores de luz, molduras e balões. Pelo meio destas, algumas imagens do seu filho, com o rosto oculto como o dela. Segundo os editores, um conjunto que pode ser compreendido como um "objeto-oráculo".

"Paciência" escrito em várias línguas é um jogo de cartas, também conhecido como "Solitaire" o que, semanticamente, aproxima-se ainda mais da construção da artista. Um nome originalmente aplicado para indicar qualquer atividade relacionada a cartas de um único jogador. No entanto, a grande maioria dos jogos solitários de cartas, reflete a compreensão mais habitual da palavra, denotando uma atividade em que o jogador começa com as cartas embaralhadas e tenta, seguindo uma série de manobras especificadas pelas regras, organizá-las em ordem numérica, muitas vezes também separadas em seus naipes. Alguns passatempos deste tipo são jogados competitivamente por dois ou mais jogadores, questionando assim a adequação do termo paciência.

Portanto, o livro torna-se um objeto interativo, quando o leitor adentra o universo peculiar e extremamente lírico de Ana Sabiá- uma característica de sua vasta produção-  em que, para ela, a escolha de um corpo sem face foi um esforço consciente na proposição do diálogo para além da vivência individual, abarcando também experiências coletivas. Diz a autora: "Compreendi que a proposta era afrontar o limiar vida-morte-vida nas esferas do cotidiano e que o ineditismo surreal do isolamento fazia-se necessário, também, no cenário das fotografias. O inalterável posicionamento da câmera no tripé; a repetição do enquadramento; a invariável apreensão de um tipo específico de luz; a recorrência dos lençóis instalados cada qual em seu respectivo idêntico lugar; o uso constante de camisolas- afirmou-se como um fazer metodológico que cumpria-se, minuciosamente, à risca."

Seja qual for a sequência das cartas escolhidas pelo leitor, encontramos certa anamnese, uma rememoração gradativa, na qual descobrimos nossas verdades essenciais e latentes que remontam a um tempo anterior a existência empírica.Também uma espécie de animismo nas quais os objetos inseridos pela autora em sua performance acabam por adquirir uma essência mais espiritual. Um libreto com um índice  mostra definições das cartas pelo qual o leitor recebe certa ajuda, como por exemplo, em O Livro: Um livro é um portal para universos insuspeitos; mergulho da descoberta de outros-nós mesmos; papéis que imprimem nosso lento folhear nas marcações caligráficas e dobraduras de suas orelhas; o lugar de criação subjetiva. Seguido das palavras-chave: portal; criação; história; ideias; descoberta.

A dualidade no uso de simbolismos, o deslocamento entre pólos opostos de conceitos, as vias duplas que apontam verso e reverso são espelhos multifacetados que reproduzem reflexos caleidoscópicos. Nesse sentido, a fabulação fotográfica da série “Jogo de Paciência" busca amalgamar antagonismos entre a realidade ficcional e a ficção realista em referência direta à estética surrealista.

Para os editores, a escolha na fotografia em preto, branco e uma considerável gama de cinzas, evidência que demarca a supressão da realidade colorida visível aos olhos, remete aos primórdios da fotografia e suspende a temporalidade linear. O cenário composto por lençóis brancos delimita um palco surreal para os personagens e objetos. Por vezes o “fundo infinito” afirma o deslocamento espacial onde tudo está suspenso: não há paredes, chão ou teto e os elementos buscam algum arranjo emoldurados pela brancura amarrotada.

As inúmeras variáveis propostas por Ana Sabiá nos remetem a um modo de criação, onde a participação do leitor no entendimento de suas ideias torna-se essencial. É próximo do que o grande autor italiano (nascido em Cuba) Ítalo Calvino (1923-1985) propõe em seu genial livro Il castello dei destini incrociati, publicado em 1973 ( por aqui no Brasil, O castelo dos destinos cruzados, Cia das Letras em 1991), um romance que explora como o significado é criado  seja escrito por meio de palavras pelo autor no livro, já que os seus personagens não podem falar entre si, ou por imagens (as cartas de tarô - consideradas proféticas por alguns, em que eles próprios estão abertos a muitas interpretações simbólicas). É como frequentemente nas obras  deste autor multifacetado, onde vários níveis de interpretações e leituras são possíveis, com base na relação autor-narrador-personagem-leitor, caso deste Jogo de Paciência criado pela artista.

Assim como este livro, Jogo de Paciência nos mostra o pensamento plurifacetado da autora em suas mensagens subliminares que assimilam uma plêiade de informações inseridas em suas cartas que recontam suas propostas ao entrelaçarem entre si mesmas. O "livro" em suas múltiplas combinações é ao mesmo tempo fantasia e ficção imaginativa cujo efeito depende da estranheza do cenário e dos seus personagens incorporados através de uma narrativa multiforme não convencional, explícita de diferentes maneiras no índex do libreto que o acompanha. Nele o posicionamento das cartas desenha o assunto: "Uma cadeira é lugar de espera; acomoda o cansaço; morosamente recepciona os encontros ao redor da mesa..." Uma garrafa é chamariz e reserva da sede, acolhe a água e o vinho, ampara as flores...". Uma máscara como segunda pele; refúgio que cessa o riso; atmosfera filtrada contra o hostil, ausência de cor vibrante do batom...".

Este Índex do posicionamento das cartas e suas deambulações não ampara somente uma questão descritiva, mas sim um forte complemento às imagens. De forma poética, aproxima e ao mesmo tempo irradia o pensamento de Ana Sabiá, seja por  meio de um micro ensaio literário e de certa forma também filosófico, no qual a autora exprime categoricamente seu talento literário, ao personificar os elementos de suas composições imagéticas em um texto lírico.

Uma das características mais marcantes do livro de Calvino é o processo de escrita; o romance foi escrito em parte por escolha consciente do autor e em parte como produto do acaso, uma possibilidade que encontramos no O Jogo de Paciência. O leitor pode encontrar as cartas certas para ilustrar seu pensamento e compor a própria história, ao identificar-se com as propostas da autora, ou no encontro aleatório, na busca de uma imagem discernível a partir da contingência de suas posições, que constituem o interessante processo semiótico visto anteriormente, em suas urdiduras, aproximando-se de um perfeito constructo.

Jogo de Paciência não é o embaralhamento de histórias improvisadas. Há também um componente filosófico significativo, que convida à reflexão sobre a natureza da linguagem que a imagem é capaz de criar. À medida que os personagens criados por Ana Sabiá estão estáticos na fotografia, a linguagem humana revela-se simplesmente como outro sistema de signos que pode ser substituído por um baralho de cartas. Em menor grau, pode ser dito o mesmo da linguagem. Uma palavra não faz sentido em si mesma, assim como as cartas precisam de um contexto ( buscado pelo leitor, incitado pela autora). Isto faz com que estes  percebam que a linguagem humana também pode ser interpretada de múltiplas maneiras e, em última análise, leva à questão de quão precisamente a linguagem é capaz de transmitir significados e descrever o mundo em que vivemos.

Imagens © Ana Sabiá. Textos© Juan Esteves

Infos básicas:

Fotografia e Ilustração : Ana Sabiá

Edição de imagens: Ana Sabiá, Isabel Santana Terron e Luciana Molisani

Desenho gráfico: Ana Sabiá e William Bazzo

Textos: Ana Sabiá e Ana Martins Marques ( epígrafe)

Tratamento de imagens: José Fujocka

Impressão: Pigma

Caixa artesanal: Yume Ateliê

Papéis: Saville Row Plain e Offset

Tiragem de 100 exemplares assinados e numerados

*edição especial com um panô de cetim de seda sublimado com uma das 5 opções de fotografia da série em tiragem limitada de 3 exemplares cada.

Edição bilíngue Português/Inglês.

vendas: lovelyhouse.com.br

[fotoing]

LEGO IDEAS rinde homenaje a Ansel Adams, el artista de la naturaleza!

Ansel Adams fue uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX, conocido por sus impresionantes imágenes en blanco y negro de los paisajes de Estados Unidos. Su obra refleja su amor por la naturaleza y su compromiso con la conservación del medio ambiente.

Su pasión por la fotografía nació cuando era niño y visitó por primera vez el parque nacional de Yosemite, uno de sus lugares favoritos y más fotografiados. Allí recibió su primera cámara y empezó a capturar la belleza de las montañas, los bosques y las cascadas. A lo largo de su carrera, Adams realizó numerosas expediciones por Yosemite y otros parques nacionales. Sus fotografías se convirtieron en iconos de la naturaleza americana y contribuyeron a sensibilizar al público sobre la importancia de preservar estos espacios.

Por su trabajo y su labor ambientalista, Adams recibió numerosos reconocimientos, como la Medalla Presidencial de la Libertad en 1980. También fue un pionero en el ámbito de la educación fotográfica, escribiendo varios libros sobre técnica y estética, como "La cámara, El negativo y La copia". Asimismo, participó en la fundación del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la revista Aperture y el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona.

Su legado ha inspirado un proyecto de LEGO IDEAS, una plataforma donde los aficionados a los bloques de construcción pueden proponer sus propias creaciones y votar por las de otros usuarios. El proyecto se llama “El fotógrafo de paisajes”. El set representa una escena típica del artista: un fotógrafo con una cámara sobre un viejo coche de madera, capturando imágenes de paisajes. El set incluye también tres fotografías famosas de Adams recreadas con piezas LEGO.

El proyecto ha recibido más de 7.000 votos de apoyo en LEGO IDEAS y necesita llegar a los 10.000 para que sea considerado por la compañía para su posible producción oficial. Espero que estas propuestas sirvan para difundir el trabajo de Ansel Adams y para animar a más personas a disfrutar de la fotografía y la naturaleza. Chévere! 

Por: @JulianDBernal

[arte-e-homoerotismo]

Nascido na Alemanha - sua família se mudou para Chicago quando ele tinha 7 anos - Joseph Christian Leyendecker foi um dos artistas comerciais de maior sucesso do século XX. Sua incrível habilidade de desenho e pintura, iluminada por sua sexualidade gay, trouxe uma nova estética para a publicidade, trazendo-a muito para o novo século. Seu trabalho como ilustrador de revista e sua vibrante publicidade consciente do corpo, geralmente para marcas de luxo de ponta, criaram o protótipo do símbolo sexual masculino, seu trabalho inicial anterior ao cinema, na época em que a fotografia não dominava a mídia. Sua campanha de maior sucesso foi para a empresa de camisas Arrow, e seu homem de colarinho Arrow se tornou o próprio epítome da masculinidade, prosperidade e estilo americanos, ao mesmo tempo recebendo mais cartas de fãs e propostas de casamento do que Rudolph Valentino, segundo se afirma. O que sua legião de fãs não percebeu foi que seu ídolo, o modelo de Leyendecker, era na verdade seu amante, Charles Beach. Sempre recusando encomendas de belas artes, Leyendecker preferiu trabalhar como ilustrador e artista comercial. Ele foi incrivelmente bem-sucedido e conhecido. Seu trabalho ajudou a definir o visual da América tanto quanto o cinema até a Segunda Guerra Mundial. Sua influência em Norman Rockwell também pode ser vista claramente. Ele teve tanto sucesso financeiro que em 1914 conseguiu encomendar uma mansão em New Rochelle, onde viveu até sua morte em 1952. E Charles Beach? Ele e Leyendecker ficaram juntos por mais de 50 anos, seu papel abrangendo modelo, marido, cozinheiro e gerente de negócios. Apesar da fama de Leyendecker, sua vida não é tão conhecida agora porque ele viveu discretamente; também parece que, em sua morte, Beach destruiu a maior parte do trabalho, diários e documentos restantes de Leyendecker. Leyendecker evitou a fotografia como uma forma de arte e poucas fotos existem ou sobreviveram delas. Charles Beach morreu logo após Leyendecker também em 1952. Se você digitar o nome J C Leyendecker no Google imagens, você pode ver o quão requintado, estiloso e icônico era seu trabalho, e você pode ver como seu trabalho influenciou as campanhas de publicidade fotográfica que posteriormente substituíram suas belas ilustrações. Vale a pena dar uma olhada.

J.C. Leyendecker by rocor on Flickr.

Cooper Underwear Company, 1915. Oil on canvas (1874-1951) Haggin Museum

[headlinerportugal]

Sem Travo amargo com os repescados Gator, The Alligator – Dia 1 do Warm-Up, Basqueiral | Reportagem Completa

Barcelenses Gator, The Alligator no Museu de Lamas | mais fotos clicar aqui Teremos só a 14 e 15 de junho a 8ª edição do Basqueiral, um festival cujas raízes já estão bem assentes na cultura festivaleira nacional. Para a edição de 2024 o cartaz final ainda não foi revelado. Para já estão divulgados publicamente alguns nomes, pela parte internacional estão confirmados bandas como as espanholas Bala e os britânicos Bad Breeding. Vão-se misturar, como habitualmente por entre alguns dos melhores projetos musicais nacionais como os Galgo, ZEN ou MДQUIИД..

Toda a informação sobre bilhetes e restantes nomes do cartaz pode ser visualizada nas redes sociais do festival @basqueiral

Antes do evento principal a Basqueiro Associação Cultural promoveu um mini (!?) festival em regime de warm-up ocorrido recentemente nos dias 22 e 23 de março, respetivamente sexta-feira e sábado, no Museu de Lamas. Na primeira noite, sexta-feira dia 22, marcaram presença o rapper português de culto Nerve, o coletivo eletrónico/pós-punk Conferência Inferno, o trio de drum and bass composto Patmac, Filipe Saraiva e MC Sooba e também os Gator, The Alligator com o seu garage rock. Estes últimos repescados devido à impossibilidade de comparência dos Travo devido a doença.

A habitual energia positiva dos Gator, The Alligator | mais fotos clicar aqui Tiago Martins (voz e guitarra), Eduardo da Floresta (guitarra), Filipe Ferreira (bateria) e Ricardo Tomé (baixista) são o quarteto barcelense Gator, The Alligator e uma das bandas nortenhas que mais temos acompanhado nos últimos anos. O ritmo frenético e a pujança demonstrada a cada performance é já selo de garantia de que os seus concertos vão ser bem animados e curtidos ao máximo por quem os assiste. Assim o foi nesta atuação no museu, deram um excelente concerto, com muita e energia e entrega.

Nota de registo: todas as atuações foram atrasadas devido à substituição de última hora. Basicamente os Gator, The Alligator chegaram, instalaram-se e praticamente começaram o concerto na sequência.

Tiago Gonçalves mais conhecido por Nerve | mais fotos clicar aqui Tiago Gonçalves é um rapper oriundo de Constância cujo nome artístico é simplesmente Nerve. Tem já colaborações realizadas com artistas como Mike El Nite, Slow J, Blasph ou Capicua. O artista está a trabalhar em dois álbuns, um dos quais colaborativo e outro só seu intitulado “Escalpe” dos quais já foram editados os singles “Pratta” e “Kylo” e “Quezília”. Deu um concerto competente, a disparar rimas certeiras e poéticas. O pessoal que ali estava fã do rapper mostrou-se disponível para “abraçar” as suas palavras.

Trio Conferência Inferno no Museu de Lamas | mais fotos clicar aqui Raul Mendiratta (sintetizadores) e Francisco Lima (voz) são os responsáveis pelo início do projeto Conferência Inferno em 2018. Mais tarde juntou-se José Miguel Silva para os teclados. Em 2021 editaram LP de estreia ‘Ata Saturna’ e mais recentemente, o seu segundo longa-duração ‘Pós-Esmeralda’ foi lançado em 2023. Álbuns muito bem recebidos pela crítica. Este trio portuense tem uma estética sonora bastante invulgar. Às letras negras e meio obscuras de Francisco são adicionadas trechos musicais post-punk e eletrónicos. Revelam um synth-pop à portuguesa refrescante e inovador com ritmos ora melódicos ora dançáveis a testar as ancas até dos menos flexíveis.

MC Sooba e DJ Filipe Saraiva em acção | mais fotos clicar aqui Ao duo composto pelos DJs Patrício Maceda mais conhecido artisticamente como Patmac e Filipe Saraiva juntou-se MC Sooba no microfone. Ambos os DJs levam já 25 anos de carreira tendo feito parte da evolução do drum and bass em Portugal. Basicamente foi ordem para soltar os pés e dançar.

Em breve teremos a reportagem acerca do segundo dia.

Reportagem fotográfica completa: Clicar Aqui

José Miguel Silva no teclado dos Conferência Inferno | mais fotos clicar aqui Texto: Edgar Silva e Jorge Resende Fotografia: Jorge Resende