#Concierto para fagot solista

[migueldelaguila]

Just uploaded! Miguel del Aguila's #BrokenRondo's new version for #solo #bassoon and #windensemble performed by bassoonist Carlos Clark, Central Michigan University #Sympyhonic #Wind #Ensemble/#ChrisChapman, conductor https://youtu.be/wDFCBKjyVQE Versions for bassoon and chamber orchestra or piano also available. - Miguel del Aguila

[mijardinmusical]

Johannes Brahms, Violin Concerto in D Major, op. 77, third mvt  

El concierto para Violín en D Major, op 77, (tercer movimiento) fue por Johannes Brahms en 1878. Brahms fue el compositor mas destacado de su época en todos los campos, con excepción de la ópera, `y fue de influencia importante sobre la música del siglo XX.          Nació en Hamburgo, Alemania en una familia de recursos modesto.                                                                                                                                                                                                      

Este concierto para violín te provoca una sensación electrizante al escucharlo. El tono es hermoso, el color brillante en los instrumentos viento (flautas, clarinetes, oboes, fagot), metales (trompetas, trompa), percusión (timbales) y cuerda (violín, viola, violonchelo) se hacen sentir en esta composición. La estructura de este concierto esta divido en tres movimientos (allegro, adagio, allegro giocoso), y esta orquestado para violín solista. El ritmo es acelerado en el principio, luego cambia a alentó y vuelve a ser acelerado nuevamente.  El tema es alegre, vivaz y armonioso, pude sentirse la fuerte vibración y la energía en el tono melódica de esta composición. Es una belleza este concierto, puedo escucharlo todo el día sin aburrirme.

[elmartillosinmetre]

LA PLANTILLA. De orquestas y huelgas (12)

Ayer tuvo lugar un hecho insólito en la presentación de la temporada 2023-24 de la ROSS. El director titular, Marc Soustrot, se convirtió en portavoz de las reivindicaciones de la plantilla. Hasta ahí, bien, si no fuera porque el maestro francés saltó por encima de algunas líneas que nunca tendría que haber sobrepasado, con argumentos falaces y demagógicos y acusaciones genéricas a la prensa. La cosa fue de tal calibre que María Marí-Pérez, gerente interina de la orquesta, se vio en la necesidad de darle réplica para defender a su equipo de gestión (Soustrot pretendía que la cancelación del Festival Beethoven tenía más que ver con problemas de organización de la empresa que con su decisión de abandonar el proyecto) y para aclarar algunas cuestiones sobre relaciones con el teatro, el problema de la sala de ensayos y la gestión de la plantilla. Marí-Pérez fue comedida y seguramente calló más de una cosa. Hablaré en su momento de los ensayos, el teatro y otras cuestiones, pero ahora me quedo con la plantilla.

Soustrot reivindicó la necesaria estabilidad de la plantilla y, en el colmo de la demagogia, afirmó que no podía ser que a última hora antes de un concierto hubiera que coger el teléfono para llamar a un flautista o un violinista, poniendo a continuación un símil futbolístico sencillamente insultante (“imagínense que la plantilla del Sevilla tuviera 7 jugadores en lugar de 20 y antes de un partido llamasen a Mbappé o Benzema por si querían jugar ese día con el equipo”. Hombre. Hombre). La gerente le respondió que eso sencillamente no pasaba, salvo por causa de alguna baja sobrevenida por enfermedad o cualquier otra situación imprevista de algún miembro de la plantilla, vamos, lo que ocurre en cualquier orquesta del mundo.

El ejemplo del flautista resultó especialmente desafortunado, pues las vacantes que reclama cubrir el Comité de Empresa son todas de instrumentistas de cuerda, a las que recientemente se ha sumado la del timbalero, por la triste muerte del estupendo Peter Derheimer, miembro fundador del conjunto (la plaza ha salido ya a concurso). Así que si hay que recurrir al teléfono para cubrir alguna baja de última hora en las maderas será o por causa sobrevenida o por efecto de los descansos y permisos recogidos en convenio. Seamos serios.

Con sus 92 profesores (algunos interinos, es cierto), la plantilla de la ROSS es, con la de la Orquesta de Euskadi, la segunda más numerosa de España (sólo superada por la ONE, con 102) y si se cumplieran las exigencias del Comité de Empresa, con 103 sería la más nutrida de todo el país. Que un maestro tan veterano y conocedor de los entresijos de las orquestas recurra a un argumento tan falaz y pueril teniendo a sus órdenes una orquesta de 92 músicos es francamente triste.

Esta es, según la última RPT, la plantilla de la ROSS, con sus vacantes:

Concertino Concertino asistente [VACANTE] Ayuda de concertino [VACANTE] 15 Violines I tutti [1 VACANTE] Solista de violines II Ayuda solista de violines II [VACANTE] 13 Violines II tutti [1 VACANTE] Solista de viola Ayuda de solista de viola 11 Violas tutti [2 VACANTES] 2 Solistas de Violonchelo [1 VACANTE] Ayuda de solista de Violonchelo 9 Violonchelos tutti [1 VACANTE] Solista de contrabajo Ayuda de solista de contrabajo 6 Contrabajos tutti [2 VACANTES]

2 Flautas solistas Flauta 2º Flauta 2º/piccolo 2 Oboes solistas Oboe 2º Oboe 2º/corno inglés 2 Clarinetes solistas Clarinete 2º/mib Clarinete 2º/bajo 2 Fagotes solistas Fagot 2º Fagot 2º/contrafagot

2 Trompas solistas 4 Trompas tutti 2 Trompetas 1º/3º 2 Trompetas 2º/4º 2 Trombones solistas Trombón 2º Trombón bajo Tuba

Timbales 3 Percusionistas Arpa Piano

Traduzco: 66 instrumentistas de cuerda (la idea es tener en los conciertos la cuerda a 60: 16/14/12/10/8), de los cuales ahora mismo hay activos 55 (11 vacantes), maderas a 4, 6 trompas, 4 trompetas, 4 trombones, tuba, timbales, 3 percusionistas, arpa y piano.

Por comparar con una de las orquestas más importantes de España, la OBC (Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña): son 49 de cuerda, la madera está también a 4, pero las trompas son 5, las trompetas, 3 y no hay plaza ni de tuba ni de piano.

Menos demagogia, por favor.

[Continuará]

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[sonyclasica]

DANIEL OTTENSAMER Y LA FILARMÓNICA DE VIENA

NIELSEN - GRIEG

El clarinetista Daniel Ottensamer interpreta obras de Carl Nielsen y Edvard Grieg. A la venta el 26 de mayo.

Consíguelo AQUÍ

El Concierto para clarinete del compositor danés Carl Nielsen es uno de los pilares absolutos del repertorio para clarinete y orquesta. Por eso, todo clarinetista debe haberlo tocado al menos una vez en su vida musical. Sin embargo, el clarinetista austriaco Daniel Ottensamer guarda un recuerdo muy especial de esta obra. En 2009, ganó el importante "Concurso Internacional de Clarinete Carl Nielsen" en Dinamarca con este concierto. Ottensamer tenía entonces 23 años, y ya hacía tiempo que ocupaba uno de los puestos más prestigiosos. En 2006 -y por tanto a la edad de 20 años- fue nombrado clarinetista principal de la Filarmónica de Viena. Y fue con esta "su" orquesta con la que interpretó el Concierto para clarinete de Nielsen bajo la batuta de Ádám Fischer en el Musikvereinssaal de Viena en 2014.

Con la grabación en directo del concierto, Ottensamer estrena ahora también su último CD dedicado a la música del lejano norte. Además del concierto de Nielsen, se le puede escuchar interpretando su Fantasía para clarinete y piano. El clarinetista, que también ha sido galardonado con un OPUS Klassik, está acompañado por su pianista de toda la vida Christoph Traxler. Ottensamer también ha arreglado con él para el álbum las "Piezas líricas" de Edvard Grieg para clarinete y piano.

“La música nórdica de Edvard Grieg y Carl Nielsen, así como la música folclórica escandinava que sirvió a cada uno de estos compositores como base para sus obras maestras, me ha fascinado desde mi más tierna juventud", nos cuenta Daniel Ottensamer. "Al yuxtaponer el complejo concierto para clarinete de Carl Nielsen con las "Piezas líricas" de Edvard Grieg, profundamente conmovedoras por su sencillez y simplicidad, me gustaría arrojar luz sobre las diferentes facetas de la música nórdica, así como sobre los diferentes timbres asociados del clarinete."

El danés Carl Nielsen escribió su Concierto para clarinete en 1928, tres años antes de su muerte. Nielsen recurrió a la orquestación de cámara, con pasajes destacados de fagot y trompa. El redoblante es el instrumento más importante junto al clarinete solista, alimentando la batalla de teclas con salvajes arrebatos rítmicos. La exigencia técnica para el clarinetista es enorme.

La Fantasía para clarinete y piano, por otra parte, es una obra temprana de Nielsen. Nielsen sólo tenía entre 16 y 18 años cuando demostró su precoz talento compositivo con esta brillante fantasía.

Del total de 66 piezas para piano de Grieg, que se han hecho famosas bajo el título de "Piezas líricas", Ottensamer y Christoph Traxler han arreglado 12 piezas. Y también Daniel Ottensamer, con su clarinete, recorre estos mundos sonoros, a veces folclóricos, a veces melancólicos, de una forma onírica y de una belleza conmovedora.

[todxsparatodxs]

Nací en la Ciudad de México en 1981, inicié en el Fagot desde los quince años de edad en el Conservatorio Nacional de Música de México y después en el Conservatoire National à Rayonnement Régional de Nice Pierre Cochereau en Francia donde tomé clases de perfeccionamiento. mis maestros han sido Sergio Rentería y José Castillo, también ha tomado cursos con los maestros como Robi O´Nell, Stéphane Lévesque y Nancy Goeres, entre otros. Fui alumno de composición del maestro Víctor Rasgado y de poesía del maestro Jorge Gonzáles Trujeque. A los 20 años de edad fui nombrado ganador del “Concurso Anual de Alientos Madera del Conservatorio Nacional de Música” en México y a los 22 años fui principal de la “Orquesta Sinfónica Nacional de México.” Participé en el “Festival de Teatro 2008 Wilberto Cantón” con el perfonmance Laberintos, fui solista en el “Festival de la Ciudad de Mérida” en 2009 y en “El Festival Internacional Cinco de Mayo” en 2013 en la ciudad de Puebla. Desde el año 2005 a la fecha di recitales en lugares como el “Teatro Peón Contreras”, el “Auditorio Silvio Zavala Vallado” en la ciudad de Mérida, también en varias iglesias del estado de Yucatán, en el estado de Hidalgo, el Conservatorio Nacional de Música y en varios puntos de la Ciudad de México. Actué como solista en orquestas como La Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Mérida y la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla, e, interpreté en vivo para Radio Universidad Autónoma de Yucatán la “Partita BW 1013” de J. S. Bach en arreglo para Fagot solo. He trabajado como principal en la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla y en la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo. También he integrado la Orquesta Filarmónica de Acapulco, Orquesta Filarmónica de Jalisco, Orquesta sinfónica de Yucatán, Orquesta Juvenil Carlos Chávez, entre otras más. Fui Titular de la cátedra de Fagot en la “Escuela Superior de Artes de Yucatán”, di clase de Fagot en el centro Cultural José Jacinto Cuevas y en el Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca, entre otros lugares. En los proyectos que para este año 2014 están el estreno nacional del “Concierto para Fagot de André Jolivet” y la producción de mi primer disco compacto

Facebook: https://www.facebook.com/pg/juancarlosbasoon/about/?ref=page_internal

[arsonsongs]

Orquesta

En la música culta occidental, hace generalmente referencia a la orquesta sinfónica, un conjunto integrado por numerosos instrumentos de cuerda más una selección de instrumentos de viento-madera, metal y percusión.

Aunque la orquesta nace  en el Barroco (siglo XVII y principios del siglo XVIII), es en el Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII) cuando se establece la instrumentación y la forma con la que la conocemos actualmente.

Inicialmente estaba acordado que la orquesta estaría formada por:

Cuerdas: siete violines, tres violas, dos violonchelos, un contrabajo y un clavecín opcional.

Viento-madera: dos flautas, dos oboes y un fagot. 

Viento-metal: dos trompetas y dos cornos franceses.

Percusión: dos timbales ejecutados por el mismo instrumentista.

El director de la orquesta cumple con una función principal respecto a la orquesta sinfónica, puesto que es el que la dirige e incluso da la formación musical. Es una persona que no solo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra pero dando una visión personal. 

Formas orquestales

La forma más característica de la música orquestal clásica es la Sinfonía, una obra para orquesta, sin instrumentos solistas, que privilegia la textura homofónica y la claridad formal. Se compone de cuatro movimientos (partes independientes pero relacionadas). Haydn compuso más de 100, Mozart 41, y Beethoven 9. Otra forma es el concierto, que suele ser para un solista (piano, violín, clarinete). Se estructura en tres movimientos.

Antonio Vivaldi – Storm (Maimuna & The Orchestra)

Moncayo - Huapango (Alondra de la Parra, Orchestre de Paris)

[humongousfanhologram]

Beethoven, Triple Concierto y Fantasía Coral. Yo-Yo Ma, Perlman, Barenboim

Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, Opus 56 1. Allegro 2. Largo (attacca) 3. Rondo alla polacca Itzhak Perlman, violín Yo-Yo Ma, violonchelo Daniel Barenboim, piano y director. Sala de la Berliner Philharmonie en Berlín-Tiergarten. El Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, op. 56, es una obra escrita por Ludwig van Beethoven y conocida comúnmente como su Triple concierto. Fue compuesta entre 1804 y 1805. Fue estrenada en 1808 en los conciertos de verano "Augarten" de Viena. Este es el único concierto que compuso Beethoven para más de un instrumento solista. Uno de los primeros biografos del compositor, Anton Schindler, sostenía que el Triple concierto fue escrito para el pupilo de Beethoven, el archiduque Rodolfo de Austria. El archiduque, que bajo el tutelaje de Beethoven logró ser un consumado pianista y compositor, era apenas un joven cuando se compuso la pieza, y esta sería la razón por la cual la parte para piano es a la vez vistosa y fácil, soportada por otros dos solistas más maduros y hábiles. Sin embargo, no hay conocimiento de que Rodolfo interpretara la pieza. Al momento de su publicación, la dedicatoria era para otro de sus mecenas, el Príncipe Lobkowitz. Además del violín, violonchelo y piano solistas, la pieza está orquestada para una flauta, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas, tímpano y cuerdas. - Fantasía para piano, coro y orquesta en do menor, Opus 80 (37' 30''~) 1. Adagio 2. Allegro 3. Meno allegro 4. Adagio ma non troppo 5. Marcia, assai vivace 6. Allegretto, ma non troppo 7. Presto Carola Höhn, Katharina Kammerloher, Andrea Böning, Endrik Wottrich, Pär Lindskog, René Pape. Chor Der Deutschen Staatsoper Berlin. Orquesta Filarmónica de Berlín. Daniel Barenboim, director.

[jaimeariansencespedes]

OCT 11 – UN DIA COMO HOY – AÑO (1830) – EN VARSOVIA, POLONIA, EL COMPOSITOR FRÉDÉRIC CHOPIN INTERPRETA COMO SOLISTA SU CONCIERTO PARA PIANO N° 1, UNO DE LOS CONCIERTOS PARA PIANO Y ORQUESTA MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA.

Este concierto fue estrenado el 11 de octubre de 1830, en el Teatro Nacional de Varsovia, con el compositor como solista durante uno de los conciertos de "despedida", antes de que Chopin abandonara Polonia.

Está dedicado al pianista Friedrich Kalkbrenner. Fue el primero de sus dos conciertos para piano en ser publicado, y por lo tanto se lo denominó Concierto para piano "número 1" en el momento de su publicación, aun cuando en realidad fue compuesto inmediatamente tras el que después sería publicado como Concierto para piano n.º 2.

Está orquestado para piano, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos fagots, cuatro trompas, dos trompetas, un trombón, timbales y cuerdas.

Frédéric Chopin, nació en el Gran Ducado de Varsovia, el 1 de marzo ​ de 1810 y falleció en París, 17 de octubre de 1849, fue un profesor, compositor y virtuoso pianista polaco, considerado uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical.

Su maravillosa técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica se han comparado históricamente, por su influencia en la música posterior, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Franz Liszt o Serguéi Rajmáninov.

La descendencia pedagógica de Chopin llegó hasta pianistas como Maurizio Pollini y Alfred Cortot, por medio de Georges Mathias y Emile Descombes, respectivamente. jaimeariansen@outlook.com

[nicosarart]

MÚSICA

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La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi. Características generales y estilísticas

Las principales características de la música de la época barroca son:

La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.

La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa, tiorba...).

El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).

El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.

El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.

La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata, la orquesta y la suite entre las segundas.

El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.

El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.

[lelitblog]

El lado desconocido de la música occidental

Barroco temprano

Me parece importante mencionar que la presente columna marcará una clara división entre las antecesoras a ella y las que serán escritas posteriormente. En las columnas anteriores, me había delimitado a dar explicaciones sobre la evolución de los distintos estilos musicales, ya fueran vocales o instrumentales, para que el lector comprendiera las bases de la música. De igual manera, mi objetivo estuvo en explicar los géneros musicales fundamentales para así, situar correctamente en contexto. En cambio, los siguientes escritos estarán centrados, principalmente, en exponer a los compositores más representativos y desconocidos de la música según los diferentes periodos históricos. Ahora bien, la actual columna estará dedicada al barroco temprano, periodo en el cuál destacaron especialmente cuatro compositores: Buxtehude, Pachelbel, Arcangelo Corelli y Vivaldi.  

 Buxtehude (1637-1707) es conocido por ser el organista más afamado e importante del periodo, como se puede suponer, sus composiciones fueron escritas, en su mayoría, para órgano. Estas piezas se destacan por exigir cierto virtuosismo en el empleo de los pedales y las manos de tal instrumento e igualmente, en la interpretación del ejecutante. El lugar de trabajo de Buxtehude fue la iglesia luterana de Santa María en donde adquirió fama por sus Abendmusiken, que eran conciertos públicos de música sacra, la entrada era gratuita y se dice que Bach asistió a uno de ellos en 1705 a la edad de 20 años. La música de órgano de la iglesia luterana se usaba como preludio (antecedente o introducción) para un coral, una lectura de las escrituras o una pieza de extensión mas grande). Un dato destacable de Buxtehude es que fue una de las principales influencias y modelos a seguir de Johann Sebastian Bach.

Pachelbel (¿?-1706) es un compositor que ahora es malamente conocido únicamente por su canon en Re Mayor , el cuál es regularmente tocado en las bodas. Mi expresión malamente se debe a que no se sabe, a ciencia cierta, si tal pieza es de su autoría, añadiendo también que, cualquier buen compositor merece ser reconocido no solamente por una de sus obras, sino por un estilo compositivo característico. Johann Pachelbel fue un prominente organista, clavicembalista y compositor alemán de la época anterior a Bach. De entre sus numerosas obras, las más representativas son los preludios, tocatas y fugas para órgano como algunos corales, de los cuales destacan motetes, cantatas y magnificats. Se especializó en música sacra luterana.

 Un punto relevante a destacar del compositor italiano Arcangelo Corelli (1653-1713) es que no escribió ninguna pieza de música vocal. Sus obras suelen ser, generalmente, sonatas en trio, sonatas para violín solo o concertos grossos (los concertos grossos son una forma de concierto creada en el barroco, que consiste en entablar diálogos entre instrumentos solistas y el ripieno, es decir, la orquesta o todo el conjunto musical). A pesar de nacer en Fusignano, fue en la ciudad de Roma que Corelli se convirtió en el violinista y compositor mas eminente de la época. Arcangelo contribuyó a elevar el nivel interpretativo de los instrumentistas y, de igual manera, sentó las bases para la técnica violinística que sería utilizada en siglos posteriores. Corelli es comúnmente catalogado como el primer compositor que escribió exclusivamente música instrumental.

 Antonio Vivaldi (1678-1741) nace en Venecia. Es ordenado sacerdote y también maestro del Pio Ospedale della Pietà (orfanato y escuela de música) en 1703. Debido a que la mayor parte de su vida se dedicó a ser profesor della Pietá, una cantidad considerable de su repertorio está pensado para ser interpretado por las niñas de tal hospicio, ya que la educación musical que allí se impartía tenía el propósito de hacerlas mas capaces, deseables y aptas para el matrimonio. Vivaldi compuso música de todo tipo: instrumental, ópera, oratorios y misas. Antonio, a su vez, escribió alrededor de 350 conciertos para una gran cantidad de instrumentos, de los cuales destacan:  viola d´amore, mandolina, corno, violín y fagot. Una innovación del cura rojo fue el hacer los movimientos lentos de los conciertos igual de significativos que los rápidos (un elemento estructural principal de los conciertos es tener movimientos rápidos y lentos para lograr un contraste). Vivaldi tenía un estilo muy característico y claro, en todas sus obras se logra entrever una pulcra ornamentación en las melodías, que contrarresta el virtuosismo técnico para lo que eran pensadas porque, como ya se mencionó anteriormente, gran parte de sus obras son pedagógicas, ya que las utilizaba para enseñar.

En conclusión, el término barroco proviene del portugués barroco que significa, una perla de forma irregular. Italia fue el país que vio surgir a los músicos que iniciaron este movimiento cultural y artístico propio del S. XVII. El barroco no solamente fue musical, sino también abarcó a la pintura y a la arquitectura. Las principales características del barroco son las tendencias dramáticas, muy rebuscadas y ornamentadas. Como ya se logró distinguir, fueron varios los compositores que dieron inicio al movimiento y que inventaron y a su vez perfeccionaron varias técnicas compositivas. Tales compositores sirvieron como modelo para que nuevos jóvenes se fueran formando y, al final del siglo, emergieran grandes figuras artísticas que, hasta la época actual, serán consideradas como unas de las más brillantes y sobresalientes de la música occidental. 

--Pau Mendoza--

Lista de reproducción

1)    Buxtehude

*Membra Jesu Nostri: https://open.spotify.com/album/4iwvxA4mD7W7TFwI1iOFVz?si=pBZZVVpyQ0O_I3yHLDl8kg

*Abenmusiken: https://open.spotify.com/album/2t2QOBbYvhHGqcK399zUaL?si=8yoheM7kTda27QQs-klBZQ

*Piezas de organo: https://open.spotify.com/album/0j22b9nOXDPB0IQBNU6sgc?si=W1uoU63nTkuKTfrxb1f2Qw

*Obras para clavicembalo: https://open.spotify.com/album/0nZZs1j9gqJBnUSRLBIWDg?si=dBLYT-HnRpe15hns2we1Kg

 2)    Pachelbel

*Obras para organo: https://open.spotify.com/album/1Pd5XiOm4NIeoXaaynE1GS?si=Co7c-odmQW-GRPY6RopPiA

*Obras para clavicembalo: https://open.spotify.com/album/1h5mwWY9k89XZvpJcCjE8a?si=uzVDYRG0R16Zc_l7VmRDaQ

 3)Corelli

*Concertos grossos: https://open.spotify.com/album/67F8bPdHZLHZhU3kTfWJry?si=bjekG2ZyQKCMSNdrSU6iNw

*Violín sonatas: https://open.spotify.com/album/6ptSMu5yHPd8qJFAgdFWgW?si=9X5fgIsqRrqq_y2d87b9Qg

*Trío sonatas: https://open.spotify.com/album/1L09vVycQFTy9LAou0YWZt?si=JQg0mjWiSSm1bGzUOSoAyg

 4)Vivaldi

*Violín concertos: https://open.spotify.com/album/4HgXzqVTLb8jKijx0ET5OY?si=DCXppkQvSB2ZGgZY8gxqCw

*Arias de operas: https://open.spotify.com/album/7fW2ovWBIK2VXllmvVlrzQ?si=hxf52dNGT_m1b7bQLUU2Dw

*Fagot concertos: https://open.spotify.com/user/1122258037/playlist/5hWHxMfGN2TLHrW3AxmyG0?si=F7oP440GS22kWrCnSsHDrQ

*Mandolina Concertos: https://open.spotify.com/album/0fZenqZ92lyulZ1S5rBbC1?si=6yKxpYP8SLe8VrMus8cuMg

*Varios concertos: https://open.spotify.com/album/0th73s2F2MbSuaZr0znoGm?si=lkzV3PqoTsCKBbRm7ZfxGQ

*Stabat Mater: https://open.spotify.com/album/1ID2oIHU3neE1kHa4lWfhd?si=4avNVTIGSo2EwhyX758Qdg

[jaimemv-blog]

Es con los conciertos didácticos con los que inicia la temporada 2019 de la Orquesta Sinfónica Juvenil de la UACJ.  Concierto para Dummies 4.0, esta es la cuarta ocasión que se da este tipo de conciertos en esta ocasión el instrumento invitado es el fagot  y se contará con la participación del solista de fagot José Ibarra Leurín y bajo la dirección del maestro Lizandro García, el sábado 2 de febrero en el Centro Cultural Universitario, 19:15 hrs, y el domingo 3 de febrero, 12:15 hrs, en el Teatro Víctor Hugo Rascón Banda del CCPN.

[elmartillosinmetre]

Sammartini, la flauta galante

[La flautista israelí residente en España Tamar Lalo / MICHAL NOVAK]

La flautista israelí radicada en España Tamar Lalo publica en Pan Classics su primer álbum como solista, un paseo por sonatas de Giuseppe Sammartini

Nació en Tel Aviv y buena parte de su formación en música antigua la recibió en La Haya, donde estudió con algunos de los más prestigiosos maestros de flauta dulce (o flauta de pico, como ella y tantos profesionales del instrumento la llaman) del mundo, entre ellos, Peter van Heyghen, Dorothea Winter y Daniel Bruggen, pero vive en España desde hace doce años y aquí se ha hecho un nombre entre los principales grupos barrocos del país, fundamentalmente el conjunto La Ritirata, que fundó y dirige el violonchelista Josetxu Obregón.

–Este es su primer disco como solista después de muchos años grabando con muchos conjuntos, ¿qué cambió?, ¿se sintió ya madura para un proyecto así?

–Llevo muchos años haciendo discos para La Ritirata, no sólo grabar y tocar, sino todo el trabajo de edición y luego de promoción. Y llevo igualmente muchos años dándole vueltas en la cabeza a la idea de hacer un disco dedicado a la flauta, con repertorio elegido por mí, y que fuera cosa mía, pero entre grabación y grabación, pues no encontré el tiempo. El parón de la pandemia me dio la oportunidad de planteármelo definitivamente de forma seria y me lancé.

–A por Giuseppe Sammartini...

–Sí. Me puse a buscar repertorio, a releer mucha música y muchas obras... Giuseppe Sammartini es muy conocido en el mundo de los flautistas por su Concierto para flauta, pero tiene tanta música original para flauta de pico que se conoce tan poco; en concreto, son 32 sonatas para flauta y continuo y algunas para dos flautas. De esas 32 sonatas muy pocas están grabadas y apenas se conocen. Leí toda esta música y me pareció de muy buena calidad y muy variada. Sammartini tenía muchas ideas nuevas. Es un compositor barroco pero con una visión ya galante de la música. Experimenta mucho con las modas, y me pareció que era muy interesante por eso.

–Una de las novedades es formal: todas las sonatas que ha grabado menos una están en tres movimientos…

–Sí, creo que esta forma está en esa línea de mirada al futuro galante de la música, del que le hablaba, pero no sólo ya por la forma, sino por los motivos, las armonías. Tiene muchos elementos galantes e intenté escoger las sonatas en que eso se nota más.

–Sammartini fue un reconocido oboísta. ¿Se nota eso en esta música?

–Nos faltan evidencias de que tocara la flauta. Pero cuando murió dejó a su hermano Giovanni Battista, entre otras cosas, cuatro flautas, no sabemos si de pico o traveseras, aunque probablemente, fueran de los dos tipos. Es la única evidencia que tenemos de que tocase la flauta, pero era lo más habitual de los oboístas en la época. Además escribió tanto para la flauta de pico que nos hace pensar que conocía bien el instrumento. La escritura es muy idiomática, y muestra tanto en las sonatas como en su concierto posibilidades de hacer cosas muy virtuosísticas.

–Sammartini era un compositor del norte, milanés. El repertorio napolitano para flauta de esta época está más difundido y grabado. ¿Su carácter es muy diferente?

–En los últimos años hemos dedicado muchas grabaciones a compositores napolitanos y es distinta. He visitado Nápoles últimamente, y la ciudad tiene algo, hay una atmósfera, que se traspasa a la música, y hasta se puede oler. La de Sammartini es música diferente: nació en Milán de un padre francés que también era músico, pero él viajó mucho, estuvo un tiempo en Bruselas y terminó su vida en Londres. Su música es muy diferente a la napolitana y refleja todas sus experiencias por Europa.

–Ha recurrido a compañeros habituales para un continuo variado...

–Son cinco continuistas, pero en realidad la mayor parte del tiempo me acompaña sólo un teclado (clave u órgano), un laúd y/o un fagot. Sólo en la primera sonata hay cuatro continuistas; el cello sólo toca en una obra y el violone en dos movimientos. Buscaba variedad de sonidos. El fagot va muy bien con esta música. No sé si porque Sammartini era oboísta, pero la escritura de los bajos encaja muy bien con el fagot. El laúd barroco se utiliza poco en el bajo continuo y pensé que esta música fue tocada en Inglaterra, y me pareció interesante, aporta otro tipo de sonoridad.

–¿La parte del bajo continuo es sencilla, un poco en la línea del estilo galante del que me habló?

–No tan sencilla. Depende. Tiene elementos galantes, es simple, limpio, pero armónicamente en algunos momentos nos ha creado dudas, porque Sammartini está experimentando con cosas. A veces es obvio lo que quiere decir y otras no tanto y nos obligó a probar hasta dar con lo que pensábamos que era idóneo. En general es un continuo sencillo, pero con momentos experimentales.

[Un momento de la grabación del álbum / JAIME MASSIEU]

–¿Cómo lleva en concierto las limitaciones en materia de potencia y dinámica de la flauta dulce?

–Depende mucho del instrumento que toque en cada momento, algunos suenan un montón y a otros cuesta un poco más sacarles el sonido. También depende de la escritura de la música y de la acústica en la que toques, pero casi siempre son cosas que se pueden solucionar, es un poco el control del instrumento. Las dinámicas son limitadas, así que hay que buscar opciones de variedad, con articulación, colores, timbres. Cuando te falta algo es la oportunidad de desarrollar otros aspectos, como les pasa a otros instrumentos de la época.

–¿Ha hecho este programa ya en concierto?

–Lo voy a hacer en verano en el Festival Internacional de Santander y en el del Camino de Santiago y después del verano con otros programadores.

–¿Piensa ya en un segundo disco?

–Me ha dejado con muchas ganas. Ideas hay un montón, el problema es encontrar el momento.

–¿Siempre con música barroca? ¿No le interesa la contemporánea que se está escribiendo para instrumentos antiguos?

–Ideas tengo demasiadas, pero hay que decidirse. Hay fantástica música contemporánea para la flauta, sí, y podría ser una opción…

–¿Por qué Pan Classics?

–Grabamos con La Ritirata en Glossa desde hace muchos años y es una marca hermana, ambos sellos tienen el mismo jefe. Cuando le propuse el proyecto me dijo que le interesaba mucho y le pareció que encajaba muy bien en esta marca. Fue un trabajo muy agradable en todo momento.

[Diario de Sevilla. 23-04-23]

EL CD EN SPOTIFY

[sientemendoza]

Orquesta Sinfónica UNCuyo | Concierto 80° Aniversario UNCuyo

Orquesta Sinfónica UNCuyo | Concierto 80° Aniversario UNCuyo

El viernes 16 de agosto la Orquesta Sinfonica Uncuyo conmemora un nuevo aniversario de la UNCUYO con un atractivo concierto dirigido por Rodolfo Saglimbeni que incluye obras de Vivaldi y Ravel. La cita es a las 21:30 hs. en la Nave UNCuyo.

PROGRAMA 🎼 CONCIERTO 80º ANIVERSARIO UNCUYO Director: Rodolfo Saglimbeni Solistas: Augusto Carnevale, fagot – Ruy Facó, piano (*) ▪Ravel: Concierto en Sol para…

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Desde el pasado lunes, Carboneras acoge en el Centro Foro Abierto la primera edición del Curso de Perfeccionamiento de Música, ”Carboneras on Wind”, organizado por la Concejalía del Cultura y Arbea Producciones, del 17 al 21 de julio.

Un total de 22 alumnos estudiantes de música procedentes de once comunidades autónomas asisten desde inicios de esta semana a clases individuales y clases grupales de música de cámara de instrumentos de viento como la flauta, oboe, clarinete, trompa y el fagot.  Todos ellos de la mano de un gran grupo de profesores encabezados por José Manuel González, oboes Solista Real Orquesta Sinfónica de Sevilla; Alvaro Octavio, flauta Orquesta Nacional de España; Isaac Rodríguez, clarinete Solista Orquesta Bandart; Javier Aragó, fagot solista Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y José Miguel Asensi, trompa solista Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

  Para José Manuel González, profesor y organizador del curso, “el objetivo que perseguimos con este curso es ayudar a los alumnos a perfeccionar sus técnicas, solucionar dudas y servir de inspiración para los proyectos futuros”. “Elegimos Carboneras porque es un marco ideal no solo por la belleza de su pueblo sino por la acogida y apoyo que hemos encontrado desde el Ayuntamiento, que siempre está abierto para desarrollar este tipo de actividades culturales”.

Por su parte la concejala de cultura, Ana María Moreno destacó “la buena aceptación de esta primera edición de “Carboneras on Wind”, que ha logrado albergar a 22 alumnos procedentes de once comunidades de España”. Asimismo recordó, que “el ayuntamiento en la medida de lo posible apoya este tipo de iniciativas culturales e invitó a todos los carboneros y visitantes a asistir al concierto de Música de Cámara programado para el próximo viernes a las 22:00 horas en el Castillo de San Andrés”.

El curso ”Carboneras on Wind” finalizará el próximo viernes 21 de julio a las 22:00 horas con un concierto de música de cámara en el Castillo de San Andrés, donde los alumnos y profesores compartirán con los asistentes lo aprendido durante esta semana.

Alumnos de Música de toda España se dan cita en Carboneras para asistir al Curso de Perfeccionamiento Musical Desde el pasado lunes, Carboneras acoge en el Centro Foro Abierto la primera edición del Curso de Perfeccionamiento de Música, ”Carboneras on Wind”, organizado por la Concejalía del Cultura y Arbea Producciones, del 17 al 21 de julio.

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SOYOKA SHOJI “JOACHIM”

Siempre es un honor representar una gran obra, en este caso el op. 77 de Johannes Brahms en re mayor, pero pocas veces se consigue hacer una interpretación tan sublime para que hasta en plataformas modernas como lo es YouTube se refieran a ella como “brillantísima” y “obra de Dios”. Esta es la interpretación en 2005 en Tokio dirigida por Alan Gilbert.

El concierto para violín en re mayor fue escrito por el compositor Johannes Brahms en 1878 y supone el op. 77 de su obra. Brahms le dedicó el concierto a su amigo y también compositor, además de pianista, Josep Joachim, y fue él el encargado de estrenarlo al año siguiente, el 1 de enero de 1879. Aun así, fue Brahms elelegido para dirigir a la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig aquel día, una de las orquestas más famosas a día de hoy con alrededor de 175 músicos profesionales. El concierto consta de tres movimientos, el primero, Allegro non troppo en re mayor, el segundo, Adagio en fa mayor y el tercero y último, un Allegro giocoso, ma non tropo vivace- Poco più presto en re mayor. Hay que resaltar además que Brahms ideo el concierto para que fuera especialmente orquestado por un violín solista, dos flautas, oboes, clarinetes y fagotes, cuatro trompas, dos trompetas, timbales y cuerdas. Dentro de las muchas interpretaciones de esta obra a lo largo de este siglo y del anterior, encontramos algunas destacadas como la dirigida por Herbert von Karajan, posiblemente el director más destacado de todo el siglo XX, con la violinista Anne-Sophie Mutter como solista. En cambio, me gustaría resaltar y analizar el concierto de Tokio de 2005 con la grandísima violinista japonesa Sayaka Shoji, acompañada por la Sinfónica de la Radio del Norte de Alemania y dirigidos ambos por el estadounidense Alan Gilbert.

Este concierto se dió cita en Tokio en 2005 para representar una de las obras mas conmovedoras del director Johannes Brahms, y fue el encargado de dirigirla el director Alan Gilbert, actual director de la prestigiosa Filarmónica de Nueva York. Además de trabajar aquí desde septiembre de 2009, ha sido director ayudante en la orquesta de Cleveland durante dos años, también ligado a la Santa Fé Opera desde 1993 hasta 2006 además de dirigir a la filarmónica de Estocolmo hasta 2008 y de allí hasta llegar a la filarmónica de Nueva York hasta el día de hoy. La gran protagonista del concierto fue la violinista Sayaka Shoji, nacida en Tokio en 1983 y la ganadora más joven de la historia del Concurso Intenacional de Violín “Nicolo Paganini” en 1999. Desde entonces ha sido invitada por numersosas orquestas como la Filarmónica de Israel, la de Berlín o la de San Petersburgo. Por último, fue protagonista también la Sinfónica de la Radio del Norte de Alemania, la orquesta más prestigiosa de Hamburgo, cuyo director titular es, desde el 2011, Thomas Hengelbrock. Orquesta cuyos orígenes se remontan a la Segunda Guerra Mundial y cuyo repertorio románitco contiene desde obras de Bruckner, Beethoven hasta otras más contemporáneas.

El primer movimiento en re mayor comenzó de forma suave, gracias a la poca intensidad de los instrmentos y el protagonismo de las flautas, aunque poco tardarían estas en subir esa intensidad acompañadas de la demás orquesta sin todavía haber participado Sayaka Shoji. Ese ascenso nos lleva cada vez más alto hasta alcanzar un climax que se seguirá de nuevo de una calma y suavidad que estrcutran de maravilla la primera parte del concierto. Sobre los 3 minutos de concierto es cuando por fin comenzará a sonar el violín solista y desde entonces hasta el final el recital es indiscutible con un segundo movimiento a partir de los 25 minutos tras un final con una alargada coda, que será más tranquila que la primera pero con momentos de climax igualmente, y un tercer movimiento que solo con la brusquedad de su comienzo y su corta duración de apenas 8 minutos nos da una idea de como Brahms pensó el final de su obra, no fue precisamente un final tranquilo.

Ver como Shayaka Shoji cerraba los ojos oyendo la pieza musical que la orquesta estaba interpretando y simplemente era ondeada como si de una bandera al viento se tratara reflejó a la perfección la gran emoción que esta obra causa en las personas que aman la música, además del claro dominio de la situación que desprendía Alan Gilbert, que con una sonrisa permanente hizo de la Sinfonía del Norte de Alemania la mejor orquesta posible aquella noche, para un concierto realmente correcto en todos los sentidos y muy abrumador. Estoy seguro que Brahms hubiera disfrutado de esta interpretación de su obra y del increible talento que rebosaba Sayaka Shoji con su Straduvarius 1715 “Joachim”, el nombre perfecto para el violín de tan talentosa violinista.