#Bande Originale du Documentaire | Explore Tumblr posts and blogs

mogkiompmovieguide · 2 years ago

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The Poughkeepsie Tapes

John Erick Dowdle

U.S (2007) 86min : Horror, Found Footage, Body Horror

J'ai revu The Poughkeepsie Tapes récemment, à l'occasion de sa sortie 'officielle' en Blu-ray ... Dommage pour la version bootleg originale de 2007 qui donnait au film une certaine saveur de dégueulis presque réelle. Ce n'est que du cinéma. Gare aux snobs ... Haters gonna Hate.

Après avoir vu Broadcast signal Intrusion de Jacob Gentry, je n’ai pu m’empecher de jeter à nouveau un œil au terrifiant Poughkeepsie Tapes. Dans le genre c’est probablement avec le récent Sorgoï Prakov l’un des films le plus réaliste et malsain du genre. A vous de juger …

Un tueur en série laisse derrière lui une cache de cassettes vidéo relatant ses meurtres et la subjugation d’une de ses victimes. Un documentaire mettant en vedette des experts et des profileurs criminels les analyse et tente de percer le mystère du « boucher de la rue de l’eau ».

On ne peut nier la sursaturation des images d’horreur trouvées. Depuis la sortie de The Blair Witch Project, et plus récemment la série VHS, il y a eu une interminable cavalcade d’imitations, certains efforts étant complètement banals. C’est une tendance qui est devenue caduque et fondée sur des formules, avec très peu d’innovation à faire. Pour être franc, bon nombre de ces titres coûtent une dizaine de sous et parfois, c’est trop cher. Cependant, s’il y en a un qui a réussi à briser le moule et à utiliser la technique à son plein avantage, c’est The Poughkeepsie Tapes. Les efforts de John Erick Dowdle en 2007 sont non seulement très efficaces dans leur exécution, mais aussi un regard poignant sur le monde dans lequel nous vivons, un regard qui aborde un sujet dont beaucoup continuent de s’imprégner.

La fascination du public pour le tueur en série a été bien établie grâce à de nombreuses formes de divertissement. Il y a quelque chose chez ces gens qui ont un appétit insatiable de tuer qui nous repousse jusqu’à notre noyau, mais qui propulse notre curiosité vers eux. Nos livres, nos films et nos documentaires débordent de sociopathes et de monstres bien réels. Ce sont des exemples vivants de loups vêtus de moutons, se déplaçant parmi les masses sans méfiance attendant le moment parfait pour frapper.

On ne peut pas regarder cette fascination morbide sans contempler l’existence d’un véritable film de tabac à priser, un film, dans lequel le vrai meurtre est représenté. Dans Henry : Portrait of a Serial Killer, cela a été exploré sous la forme d’un meurtrier filmant ses propres crimes pour se délecter du plaisir voyeuriste et revivre l’expérience. Dowdle prend ce concept simple, et en fait la base pour un film entier. Les bandes de Poughkeepsie est beaucoup plus qu’un film de tabac dramatisé cependant, car il présente le matériel d’une manière intelligente, racontée dans les limites d’un pseudo-documentaire.

La plus grande force du film se trouve dans sa présentation. Bien que plusieurs tentatives d’enregistrement aient tenté d’imiter le style documentaire, beaucoup ne réussissent pas et ont du mal à ressembler à quelque chose de légitime. Les bandes Poughkeepsie démontre une capacité à avoir un air de validité, tout en étant minutieux avec plusieurs détails de la détection du crime. L’analyse approfondie contenue dans le film donne l’impression au spectateur qu’il regarde une véritable étude de cas et pas seulement des acteurs qui jouent des rôles. Beaucoup d’attention est accordée aux motifs et aux techniques comme la détection judiciaire et le profilage criminel.

Coïncidant avec la partie documentaire du film est la vidéo trouvée composée des bandes laissées par le tueur. Leur composition et leur apparence générale est remarquablement bien faite. Il est extrêmement sombre, troublant et contient certaines des images les plus troublantes qu’on puisse trouver. Tout en ayant beaucoup de la même texture et de la même qualité que l’on pourrait trouver avec un vieux caméscope VHS, il permet au public d’être placé dans l’état d’esprit du boucher de la rue de l’eau. La séquence commence progressivement à progresser à mesure que l’agresseur devient plus habile à exécuter ses crimes et à les enregistrer en même temps. Le développement global du tueur est choquant et fascinant à mesure que les événements se développent. Un sous-lot primaire avec les images en ce qui concerne sa subjugation et manipulation d’une de ses victimes, une jeune femme nommée Cheryl Dempsey.

L’histoire de Cheryl n’est pas seulement celle d’une personne kidnappée et torturée, mais aussi l’un des effets à long terme de la violence sexuelle, physique et mentale. Le film aurait pu opter pour une série de meurtres avec un enregistreur VHS granuleux. Elle aurait aussi pu être exploitée en y ajoutant une analyse occasionnelle pour donner l’impression d’être plus éclairée. Ce que nous donne Cheryl Dempsey est un parfait exemple du syndrome de Stockholm. Le film exprime de grands sentiments d’impuissance face à la situation de son personnage. En tant que public, nous sommes forcés de la regarder subir une transformation induite par la souffrance de sa captivité. C’est ce qui élève The Poughkeepsie Tapes au-dessus de tant d’autres dans le sous-genre ; il contient une forme profondément efficace d’horreur psychosociale.

Même si ce n’est peut-être pas acceptable pour tout le monde, The Poughkeepsie Tapes est certainement un film qui mérite d’être visionné et qui mérite d’être salué pour avoir abordé un sujet pertinent pour la société dans laquelle nous vivons. L’un des plus célèbres tueurs en série, Ted Bundy, a déjà fait remarquer que les tueurs en série sont « partout… nous sommes vos maris et vos fils, et d’autres de vos enfants mourront demain. » Dowdle non seulement comprend ce sentiment, mais le transmet d’une manière qui est trop réelle.

Écrit et réalisé par John Erick Dowdle (Quarantaine), The Poughkeepsie Tapes joue dès le début avec les attentes du public. Les bandes sont taquinées avant qu’une séquence ne soit montrée et dépeignent des crimes si odieux qu’ils hantent ceux qui les ont vus. Dowdle a coédité le film avec Elliot Greenberg, et le calendrier du tueur en série est présenté en grande partie dans l’ordre chronologique. La police est capable de relier les points sur beaucoup de cas non résolus et d’utiliser les enregistrements pour garder une trace du changement de mode opératoire de leur tueur. Dowdle n’a jamais insisté pour que son histoire soit vraie, mais la présentation travaille dur pour convaincre le public qu’elle l’est. À première vue, cela ressemble à un simple documentaire, mais il y a beaucoup de « révélations » si vous prenez du recul et prêtez attention. Les victimes et leurs familles s’en tirent le mieux, tandis que certaines figures d’autorité sont peu convaincantes dans leurs performances. En passant, les fédéraux sont assez rapides pour révéler toutes les preuves qu’ils ont dans une enquête en cours.

Dowdle fait un bon travail en créant un cauchemar atmosphérique via les images du tueur et garde l’homme dangereux qu’il torture une victime ou qu’il parle à des enfants innocents. L’actrice Stacy Chbosky est aussi puissante que Cheryl Dempsey, la longue victime enlevée. Elle est mise en enfer et ses moments les plus puissants viennent dans sa scène finale. La représentation d’Ed par Ben Messmer est plus convaincante lorsqu’il parle avec désinvolture à des cibles potentielles dans la rue que lorsqu’il les crie dans son sous-sol. Ces deux acteurs effectuent un travail impressionnant de porter cette image et je n’aurais pas eu peur de voir plus de leurs allers-retours.

Les bandes de Poughkeepsie a son lot de défauts, mais je n’ai jamais été assez distrait pour perdre l’intérêt pour l’image. Le film est surtout connu des fans de genre par son acte de disparition. Initialement prévu pour une sortie MGM en 2007, le studio a retiré le titre de son calendrier deux semaines avant la première. Le timing coïncidait avec une misérable projection au Texas, mais ce n’est peut-être qu’une coïncidence. Le film est resté sur l’étagère pendant les sept années qui ont suivi avant de se retrouver brièvement sur un service de streaming en 2014. Encore une fois, le titre a été rapidement retiré et mis de côté jusqu’à maintenant, avec cette sortie Blu-ray de Scream Factory. Bien que ce ne soit pas un film d’horreur parfait (peu le sont), il y a suffisamment de moments qui fonctionnent pour que le film mérite une meilleure réception et une bonne chance de répondre aux attentes du public.

#the poughkeepsie tapes #horrormovies #horror film #foundfootagehorror #dropthenamedroppin

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jeromeminiere · 10 months ago

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Jérôme Minière "Ta maison à Cuba" (sur les images du film de Pedro Ruiz)

composé, arrangé et interprété par Jérôme Minière

comédien: Martin Dubreuil

extrait de l'album "Le huitième étage, jours de révolte (bande originale du film)"

disponible sur toutes les plateformes numériques depuis le 23 février 2024

lien vers les plateformes: https://bfan.link/le-huitieme-etage?f...

(English follows)

« Le Huitième étage, jours de révolte » est un long-métrage entièrement tourné à Cuba par le réalisateur Pedro Ruiz. Le film navigue habilement entre documentaire et fiction, passé et présent, rêve et réalité, capturant les souvenirs d’exil de l’éditeur et ancien militant du FLQ, Jacques Lanctôt. La musique de Minière, imprégnée de ces nuances, reflète la richesse émotionnelle de cette exploration cinématographique de la mémoire d’un vieil homme. Jérôme Minière nous offre un voyage musical émouvant et varié. Philippe Brault à la contrebasse et Guido Del Fabbro au violon ont contribué à cette palette sonore riche. Les enfants de Minière, Félixe et Marius, ont participé en tant que choristes, renforçant le caractère intime et personnel de ces courtes vignettes, au nombre de vingt-deux. On peut évidemment écouter cet album en soi, sans référence directe au film, comme une suite de haïkus musicaux, de vignettes ambiantes.

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"Le Huitième étage, jours de révolte" is a feature film shot entirely in Cuba by director Pedro Ruiz. The film deftly navigates between documentary and fiction, past and present, dream and reality, capturing the exile memories of publisher and former FLQ activist Jacques Lanctôt. Minière's music, imbued with these nuances, reflects the emotional richness of this cinematic exploration of an old man's memory. Jérôme Minière offers us a moving and varied musical journey. Philippe Brault on double bass and Guido Del Fabbro on violin contributed to this rich palette of sounds. Minière's children, Félixe and Marius, joined in as backing singers, reinforcing the intimate, personal character of these short vignettes, twenty-two in all. Of course, this album can be listened to on its own, without direct reference to the film, as a series of musical haikus and ambient vignettes.

plus d'infos sur le film:

LE HUITIÈME ÉTAGE, JOURS DE RÉVOLTE Un film de Pedro Ruiz/ Année : 2023/ Durée : 90 min/ Oeuvre cinématographique librement adaptée du livre « Les plages de l’exil », de Jacques Lanctôt, 2010/ Genre : Docu-fiction/ Réalisation et scénario : Pedro Ruiz/ Interprètes : Martin Dubreuil, Lola Amores, Jean Fugère, Luis Alberto García, Yasmani Guerrero, Omar Pérez López et Jacques Lanctôt/ Producteurs : Arantza Maldonado et Pedro Ruiz/ Le film est une production FAITS DIVERS MÉDIAS : www.faitsdiversmedia.com Distributeur : K- Films Amérique

#jérôme minière #nouveau clip #cuba #Youtube

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nouvellesdumaquis · 1 year ago

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David François Moreau : Un silence si bruyant (bande originale)

Le film Un silence si bruyant d'Emmanuelle Béart et Anastasia Mikova fait beaucoup de bruit et libère les paroles sur l'inceste et les viols subis par des enfants. La musique de ce film poignant a été composée par David François Moreau qui offre une partition lyrique et dépouillée dans la lignée de compositeurs comme Philip Glass ou Brian Eno.

David François Moreau - Bande originale complète du film "Un silence si bruyant" Dans ce documentaire qu'elle co-réalise avec Anastasia Mikova, Emmanuelle Béart victime d’inceste dans sa jeunesse, confronte sa réalité à celle d'autres victimes : les ravages physiques et psychiques au fil du temps, la difficulté à formuler son histoire face à l'entourage et face à la justice.

Emmanuelle Béart dévoile pour la première fois cette facette de son passé. Au travers de ce film très intime, elle espère pouvoir libérer la parole d’autres victimes silencieuses. Ce silence étouffant est, en effet, le trait le plus caractéristique qui accompagne ces traumatismes. Les interrogations qu’elle soulève sont celles qui la hantent depuis son plus jeune âge. La musique a été écrite par le compositeur

David François Moreau, visiblement très inspiré par les images et touché par la douleur des témoignages. Sa musique, pleine d'empathie et de poésie est une merveille de compositions. "Le piano est l’instrument de l’enfance. Le plus joué par les enfants.

Il y a un piano dans chaque famille. Il est le témoin de tous nos souvenirs. Il est le témoin de ces drames. Ici il cherche la voix intérieure, secrète et cachée.." a-t-il annoncé.

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#david françois moreau #musique #film #bof #emmanuelle béart #documentaire #inceste #viol #anastasia mikova #un silence si bruyant #Youtube

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pdj-france · 1 year ago

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Par Chad Langen | Publié il y a 8 secondes Mâchoires Jaws, un chef-d'œuvre réalisé par Steven Spielberg alors inconnu, a établi des normes cinématographiques avec son histoire captivante et ses effets révolutionnaires. Le réussite sans précédent du film au box-office a non seulement établi des références pour les superproductions estivales, mais il a aussi catapulté Spielberg dans une trajectoire qui le verrait devenir l'un des cinéastes les plus célèbres des annales du cinéma. Curieusement, Geek Tyrant rapporte que l'ouverture emblématique du film est quasiment allée dans une direction radicalement différente et apparemment moins attrayante. L'ouverture de Jaws a été instantanément emblématique, influençant le cinéma à ce jour, mais Steven Spielberg a partagé sa vision originale et horrible dans un livre à venir. Laurent Bouzereau, connu pour avoir réalisé des documentaires comme Natalie Wood : What Remains Behind et Five Came Back, sort un livre intitulé Spielberg : The First Ten Years. À l'intérieur, il approfondit avec Steven Spielberg sur Jaws, explorant des sujets allant du casting alternatif à une idée de générique d'ouverture rejetée. Spielberg a évoqué la scène mise au rebut comme un concept fantaisiste plus approprié pour un film B. "Une de mes mauvaises idées était de commencer [Jaws] avec la caméra à l'intérieur du gosier du requin, tirant vers les dents avec la bouche ouverte », a annoncé Steven Spielberg. «Et j'en ai tourné un échantillon et j'ai choisi que c'était une idée terrible et fantaisiste qui appartenait à un film B. Je pensais que cela pourrait fonctionner pour la bande-annonce – je l'ai essayé, et encore une fois, cela semblait juste à faible valeur, et je l'ai jeté. L'ouverture de Jaws Steven Spielberg a choisi astucieusement dissimulé l'gigantesque requin, un choix qui reflète ses prouesses de narration. Le réalisateur oscarisé pensait que montrer l'émergence complète du requin aurait diminué son impact, le transformant en une simple apparence de monstre commun sans la profondeur de la terreur primitive. En se concentrant sur les mouvements soudains et discordants de la victime initiale, Spielberg a magistralement cherché à stimuler l'imagination des téléspectateurs, leur permettant d'évoquer leurs propres visions terrifiantes de la menace sous-marine qui se cache. Scène d'ouverture des mâchoires La scène d'ouverture de Jaws témoigne de la puissance du suspense au cinéma, attirant magistralement les spectateurs dans un état d'anticipation intense sans jamais montrer la menace réelle. "Une de mes mauvaises idées était de commencer [Jaws] avec la caméra à l'intérieur du gosier du requin, tirant vers les dents avec la bouche ouverte, et j'en ai filmé un échantillon et j'ai choisi que c'était une idée terrible et fantaisiste qui appartenait à un film B. " Steven Spielberg explique sa première idée d'ouvrir Jaws La décision de Steven Spielberg de jeter son concept original en faveur de cette approche plus insaisissable était un coup de génie. En gardant le requin dissimulé, il a élevé la tension de la scène et créé l'un des moments les plus mémorables de l'histoire du cinéma, prouvant que ce qui n'est pas vu peut souvent être plus terrifiant que ce qui est montré. Sorti en 1975, Jaws a été un gigantesque réussite au box-office. Produit pour seulement 7 millions de dollars, le film a engrangé 476 millions de dollars, un exploit incroyable pour son époque. C'était le deuxième long métrage de Steven Spielberg, et il a ensuite réalisé des réussite majeurs comme Rencontres rapprochées du troisième type, ET l'extra-terrestre et Indiana Jones et les aventuriers de l'arche perdue. À Jaws, le shérif Martin Brody découvre une victime d'attaque de requin pendant un été chaud à Amity Island et envisage de fermer ses côtes dépendantes de la plage. Cela dit, face à l'opposition du maire Larry Vaughn et des hommes d'affaires locaux, Brody hésite, conduisant à une autre attaque mortelle. Si

Bruce, le requin animatronique utilisé pour Jaws avait fonctionné correctement, le blockbuster emblématique de Stevne Spielberg aurait été un pire film. Bien que la panique s'ensuit, la ville recrute Quint, un chasseur de requins expérimenté, et avec Brody et l'océanographe Matt Hooper, ils se lancent dans une chasse périlleuse pour le grand requin blanc, réalisant rapidement l'ampleur du défi à venir. Jaws a été réalisé par Steven Spielberg à partir d'un scénario de Peter Benchley et Carl Gottlieb. Le film met en vedette Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey Karmer, Susan Backlinie et Jonathan Filley. L'éclat collectif de cette distribution et de cette équipe a inculqué une peur durable de l'océan au public du monde entier.

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suis-nous · 2 years ago

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#PierreBachelet

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sheetmusiclibrarypdf · 2 years ago

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Grégoire Hetzel - Claire (from the film Sage femme) Piano solo partition, sheet music

https://dai.ly/x8eusf8

GRÉGOIRE HETZEL BIOGRAPHIE Né à Paris, Grégoire Hetzel est compositeur de musique de films, formé au Conservatoire National Supérieur de Paris. Il a commencé sa carrière de musicien en improvisant sur des films muets à la Cinémathèque française. Il a composé notamment Sage Femme et Le Secret de la Chambre Noire. Grégoire Hetzel est remarqué dès le début des années 2000 pour son travail avec les réalisateurs français tels que Arnaud Desplechin (Trois souvenirs de ma jeunesse pour lequel il est nommé au César en 2016, Rois et reine, Un conte de Noël), ou encore Mathieu Amalric (La chambre bleue, Le stade de Wimbledon), Catherine Corsini (La belle saison, Trois mondes), et Cédric Anger (La prochaine fois je viserai le cœur, L’avocat, Le tueur, L’amour est une fête). Il est capable de passer d’un registre pop à des compositions électroniques, d’écrire des œuvres symphoniques autant que du jazz ou de la folk – ce qu’il fit pour L’arbre, film franco-australien de Julie Bertuccelli pour lequel il est encore une fois nommé au César en 2011. Il a également composé les bandes originales de films de Denis Villeneuve (Incendies – nommé aux Oscars 2011), Mathieu Demy (Americano) et Emmanuel Mouret (Une autre vie) et en 2017, Le Secret de la chambre noire de Kurosawa et Sage Femme de Martin Provost. En 2018, il signe la musique des films L’amour est une fête et Un amour impossible. Filmographie Cinéma 2001 : Candidature d'Emmanuel Bourdieu 2002 : Le Stade de Wimbledon de Mathieu Amalric 2004 : Vert paradis (ou Les Cadets de Gascogne) d'Emmanuel Bourdieu 2004 : Rois et Reine d'Arnaud Desplechin 2005 : Le Passager d'Éric Caravaca 2005 : La Vie privée de Zina Modiano 2006 : Les Amitiés maléfiques d'Emmanuel Bourdieu 2007 : Les Méduses d'Etgar Keret et Shira Geffen 2007 : Les Ambitieux de Catherine Corsini 2007 : L'Aimée d'Arnaud Desplechin 2008 : Un conte de Noël d'Arnaud Desplechin 2008 : Intrusions d'Emmanuel Bourdieu 2008 : Le Tueur de Cédric Anger 2009 : Le Bel Âge de Laurent Perreau 2009 : Complices de Frédéric Mermoud 2009 : Toutes les filles pleurent de Judith Godrèche 2010 : Incendies de Denis Villeneuve 2010 : Petit Tailleur de Louis Garrel 2010 : L'Arbre de Julie Bertuccelli 2011 : L'Avocat de Cédric Anger 2011 : Americano de Mathieu Demy 2011 : Out of Tehran de Monica Maggioni (documentaire) 2012 : Maman de Alexandra Leclère 2012 : Trois mondes de Catherine Corsini 2013 : Une autre vie d'Emmanuel Mouret 2013 : Dans la cour de Pierre Salvadori 2014 : La Chambre bleue de Mathieu Amalric 2014 : Chante ton bac d'abord de David André 2014 : La prochaine fois je viserai le cœur de Cédric Anger 2015 : Trois souvenirs de ma jeunesse d'Arnaud Desplechin 2015 : La Belle Saison de Catherine Corsini 2015 : Les Innocentes d'Anne Fontaine 2016 : L'Ami, François d'Assise et ses frères de Renaud Fély et Arnaud Louvet 2016 : Moka de Frédéric Mermoud 2017 : Le Secret de la chambre noire de Kiyoshi Kurosawa 2017 : Sage Femme de Martin Provost 2017 : Après la guerre d'Annarita Zambrano 2017 : Les Fantômes d'Ismaël d'Arnaud Desplechin 2018 : L'amour est une fête de Cédric Anger 2018 : Un amour impossible de Catherine Corsini 2019 : Holy Lands d'Amanda Sthers 2019 : Convoi exceptionnel de Bertrand Blier 2019 : Roubaix, une lumière d'Arnaud Desplechin 2019 : Docteur ? de Tristan Séguéla 2020 : La Bonne Épouse de Martin Provost 2020 : Amants de Nicole Garcia 2021 : Tromperie d'Arnaud Desplechin 2022 : Frère et Sœur d'Arnaud Desplechin 2022 : L'Innocent de Louis Garrel Télévision 2005 : Clara Sheller (série télévisée) de Renaud Bertrand 2005 : Don Quichotte, ou les mésaventures d'un homme en colère (téléfilm) de Jacques Deschamps 2006 : Les Amants du Flore d'Ilan Duran Cohen 2008 : Clara Sheller (série télévisée, saison 2) d'Alain Berliner 2010 : Les Châtaigniers du désert (téléfilm) de Caroline Huppert 2011 : Tout le monde descend ! (téléfilm) de Renaud Bertrand 2011 : Chien de guerre (téléfilm) de Fabrice Cazeneuve 2012 : Hercule contre Hermès (documentaire) de Mohamed Ulad-Mohand 2012 : Rapace (téléfilm) de Claire Devers 2014 : La Forêt (téléfilm) d'Arnaud Desplechin 2014 : Détectives (saison 2) de Renaud Bertrand et Jean-Marc Rudnicki 2018 : Illégitime (téléfilm) de Renaud Bertrand (France 2) 2019 : Thanksgiving (mini-série ARTE) 2019 : La Forêt d'argent (téléfilm) d'Emmanuel Bourdieu 2021 : Paris Police 1900 (série télévisée) 2021 : La Corde (mini-série ARTE) Opéra 2013 : La Chute de Fukuyama, sur un livret de Camille de Toledo Ouvrages 2003 : Le Vert paradis (roman), éditions Gallimard, coll. « Blanche », (ISBN 9782070768165) 2008 : Fantasio de Alfred de Musset (mis en scène par Denis Podalydès pour la Comédie-Française) Distinctions Récompenses Prix Lumières 2016 : Prix de la meilleure musique pour La Belle Saison et Trois souvenirs de ma jeunesse Festival des créations télévisuelles de Luchon 2019 : Meilleure musique pour Thanksgiving Nominations 2009 : Prix France Musique-Sacem de la musique de film pour 'Un conte de Noël César 2011 : César de la meilleure musique originale pour L'Arbre 2012 : Prix France Musique-Sacem de la musique de film pour la musique d'Incendies 2014 : Prix France Musique-Sacem de la musique de film pour la musique de La Chambre bleue César 2016 : César de la meilleure musique originale pour Trois souvenirs de ma jeunesse 2016 : Prix France Musique-Sacem de la musique de film pour la musique de Trois souvenirs de ma jeunesse César 2019 : César de la meilleure musique originale pour Un amour impossible César 2020 : César de la meilleure musique originale pour Roubaix, une lumière César 2023 : César de la meilleure musique originale pour L'Innocent Read the full article

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beatlesonline-blog · 2 years ago

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lacephale · 2 years ago

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The Poughkeepsie Tapes

John Erick Dowdle

U.S (2007) 86min : Horror, Found Footage, Body Horror

#the poughkeepsie tapes #horrormovies #horror film #foundfootagehorror #dropthenamedroppin

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ppwbm-blog · 2 years ago

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France : Plus invisibles que les réalisatrices, les compositrices de musique de film contre-attaquent

Pour Uèle Lamore, qui a composé la bande originale du documentaire d’Aïssa Maïga, Marcher sur l’eau, l’instauration de «quotas» pour les subventions pourrait aider à valoriser celles qui restent, encore, des artistes de l’ombre. «Le milieu du cinéma n’est pas le plus inclusif, c’est catastrophique pour les compositrices de musique de films», affirme Flore Benguigui. «Entre 2012 et 2021, la…

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plazamayorcompany · 9 months ago

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ROBERT ET LE DIABLE

(Bande Originale du Documentaire) ROBERT ET LE DIABLE (Bande Originale du Documentaire) Realisation Alban Vian Musique composée par Maximilien Mathevon Label Plaza Mayor Company Ltd Diffusion France Television 3 The legend of Robert the Devil has spanned the centuries: the story of this son of the Devil, initially violent and merciless before embarking on the path to redemption upon…

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#Alban Vian #Bande Originale du Documentaire #Cd Digital #France 3 #France 3 Television #Maximilien Mathevon #Plaza Mayor Company ltd #Robert et le Diable

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mogkiompmovieguide · 2 years ago

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Ghosts … of the Civil Dead

John Hillcoat, Australie, 1988, 93 min

Central Industrial est une prison à sécurité maximale de ‘nouvelle génération’, entourée de fil de rasoir et d'une clôture électrifiée, située au milieu du désert australien. Personne n’en sort. Au début du film, l’enceinte est verrouillé - les prisonniers sont confinés dans leurs cellules – puis nous revenons peu à peu sur la série d'événements qui ont conduit à cela. Le transfert de quelques criminels plus violents dans la prison n’a fait qu’empirer la condition mentale dans laquelle vivent détenus et gardiens. Livrés à eux-mêmes, les appels aux autorités sont ignorés.

Ghosts… of the Civil Dead n'est pas un film divertissant, ni particulièrement agréable à regarder, mais il est fascinant, ce n'est pas un film facile à oublier non plus. Ghosts ... of the Civil Dead a beaucoup à dire sur un système carcéral qui brutalise les détenus et les gardiens. À sa manière, il a un message similaire à Scum, mais est par ailleurs très différent. Le réalisateur John Hillcoat incorpore des légendes de type documentaire entre les scènes et utilise un style narratif délibérément distancié, presque minimaliste.

Premier film en duo de l’excellent réalisateur Aussie John Hillcoat avec la participation de Nick Cave à l’écriture. En pleine période charnière pour le Poète, écrivain, acteur et bien entendu chanteur enragé de Birthday Party ; peu de temps avant les Bad Seeds, et juste à la sortie de son premier roman, le superbe western cauchemardesque et mystique, « Et l’âne vit l’ange ». L’univers de Nick Cave est sombre, violent et peuplé d’allumés mystiques. Au côté de John Hillcoat comme réalisateur de la plupart de ces clips. Ils produisent avec Ghosts of the Civil Dead, un monument de la Ozploitation. Trop peu connu, bien que le tout dans ce film soit fait pour en faire une œuvre culte. Sur une bande originale presque plus connu que le film lui-même, bien évidement signée par Nick Cave en compagnie de Mick Harvey et son acolyte, équivalent allemand, génie fondateur du groupe conceptuel et magistrale qu’est Einstürzende Neubauten, futur membre des Bad Seeds pour quelques albums, le hurleur dans Stagger Lee, Blixa Bargeld.

Le film se déroule dans une prison futuriste appelée Central Industrial, située dans une partie isolée de l’outback australien. Il présente une vision brutale, surréaliste et délétère de la vie en prison, de l’impact de l’incarcération sur les prisonniers. Il explore les questions de la réforme des prisons telles qu'on ne les connaient pas ; la violence dans les établissements pénitentiaire d’une manière froide, cruelle, plus que réaliste, explicite. Ghosts ... of the Civil Dead veut nous montrer que les problèmes qui existent en prison sont créés au niveau central par le système carcéral lui-même.

Ainsi ce semi-documentaire fiction nous donne une vue d’ensemble de la vie, du côté des prisonniers comme du côté des gardes. Il retrace les événements qui ont conduit à l’état d’urgence où tous les prisonniers sont enfermés dans leurs cellules et privés de tous leurs privilèges. Il commence avec Wenzil, (David Field) debout nu contre un mur blanc, posant pour ses photos d’identification de prisonnier. Immédiatement, le film s’enfonce dans le vif du sujet, ne prenant pas la peine de ménager le spectateur, projeté dans ce cauchemar opressant, dans un style tout à fait identifiable du cinéma australien, si rugueux et particulier. Nous voyons alors le processus d’introduction de Wenzil dans la prison, ses premiers pas dans la zone ouverte vers laquelle toutes les cellules font face, il s’assied et observe les prisonniers et son environnement. De ces débuts, nous supposons que Wenzil est le personnage principal, mais Ghosts ... of the Civil Dead n’a vraiment pas de personnage principal, au lieu de cela, il choisit de donner au spectateur une idée générale de ce qui se passe à l’intérieur de la prison sans se concentrer sur une seule personne, nous observons le sort des prisonniers, et des gardes dans leur ensemble plutôt que les conflits internes des individus. Le film prend son temps, nous donnant un bref aperçu des différents protagonistes qui habitent entre les murs. Est exposé à toutes les sortes de trafics et de comportements illégales de la prison, de la contrebande de drogues et d’armes dans la prison, à ce que les prisonniers font pour les cacher. Nous voyons aussi comment les détenus choisissent de s’amuser, avec la pornographie, l’automutilation ou en commettant des actes de violence les uns contre les autres. Ce qui est présenté, est une vision très réaliste et farouchement crue de la vie en prison. Nous allons voir Wenzil assommer quelqu’un et voler sa radio pour qu’il puisse l’échanger contre un tatouage fait à la main d’un autre détenu, bien sûr ses actions sont suivies d’une réaction brutale. Wenzil est pris en embuscade dans la cellule tatouée, battu et violé par les amis du propriétaire de la radio et laissé dans un désordre sanglant, à peine capable de marcher avec un mot de quatre lettres extrêmement explicite tatoué grossièrement sur son front.

Des événements comme celui-ci continuent d’accroître la tension entre les gardiens de prison et les prisonniers, entre les prisonniers et eux-mêmes. Les abus se produisent crescendo entre les détenus, un travesti est battu à mort sans raison réelle, sans doute pour ses préférences sexuelles, et donc les autorités répriment, en leur ôtant tous biens matériels et les soumettant à des actes de brutalité inhumains et voyeurs. Dans cette ambiance lourde de volcan prêt à exploser, ou plutôt de prison prête à imploser, commence alors une sombre descente dans la folie, les prisonniers sont poussés à la démence par l’ennui, les actes d’automutilation deviennent un événement régulier et les détenus n’osent plus quitter leurs cellules puisque beaucoup d’entre eux, ne reviennent pas. Vous pourriez couper l’air avec un couteau, la tension est si épaisse. Les gardiens délirent secrètement pendant qu’ils regardent les prisonniers devenir de plus en plus en colère, ils peuvent sentir une sorte de révolte. Bien que nous ne voyions pas tous les incidents qui se produisent dans les émeutes, nous voyons l’acte le plus violent et c’est beaucoup, un prisonnier poignarde un gardien à mort, le poignardant plus de 50 fois bien qu’il soit déjà mort. Tout cela est à l’horreur de deux autres gardes qui se sont enfermés dans une cage de prisonniers. Le meurtre est encouragé par des encouragements et des rires psychotiques s'échappant du chaos dans lequel vivent ces pauvres fous.

Lorsque les cinéastes s’inspirent d’autres formes d’art pour influencer leur travail et que, dans ce cas, l’expérience des équipes de réalisateurs/producteurs dans l’industrie du vidéoclip rend le contenu du film beaucoup plus puissant. Au moment de sa sortie, Ghosts of the Civil Dead a eu un impact énorme sur le public qui emballe le public dans tout le pays, dans la société d’aujourd’hui, le film reste toujours pertinent. Le problème de la réforme des prisons fait toujours l’objet de débats dans la société d’aujourd’hui, et les problèmes sociaux causés par nos systèmes carcéraux sont aussi réels qu’ils l’étaient dans les années 80. Ghosts of the Civil Dead fait une déclaration audacieuse, sa bande originale obsédante, c’est un film que vous êtes peu susceptible d’oublier.

Le film ICI

Bonne séance

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black-widow-fr · 3 years ago

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Sortie: 2021-07-07

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Le film est une œuvre d’art sous la forme d’une série d’images en direct qui sont tournées pour produire une illusion d’images en mouvement qui sont présentées comme une forme de divertissement. L’illusion d’une série d’images produit un mouvement continu sous forme de vidéo. Le film est souvent appelé film ou image animée. Le film est une forme d’art moderne et populaire créée à des fins commerciales et de divertissement. Le cinéma est devenu une industrie populaire dans le monde entier, où les longs métrages sont toujours attendus par les cinémas.

Les films sont réalisés de film manières principales. La première consiste à utiliser des techniques de prise de vue et d’enregistrement à l’aide de caméras argentiques. Cette méthode se fait en photographiant des images ou des objets. Le second utilise des techniques d’animation traditionnelles. Cette méthode est effectuée grâce à des techniques d’animation graphique ou CGI. Les film peuvent également être combinés avec d’autres techniques et effets visuels. Le tournage prend généralement un temps relativement long. Cela nécessite également un pupitre de travail chacun, à partir du réalisateur, producteur, monteur, garde-robe, effets visuels et autres.

Définition et définition de film / film

Alors que les acteurs qui jouent un rôle dans le film sont appelés acteurs (hommes) ou actrices (femmes). Il y a aussi le terme figurants qui sont utilisés comme personnages de soutien avec peu de rôles dans le film. C’est différent des principaux acteurs qui ont des rôles de plus en plus nombreux. Être acteur et actrice doit être exigé pour avoir un bon talent d’acteur, ce qui est conforme au thème du film dans lequel il joue. Dans certaines scènes, le rôle de l’acteur peut être remplacé par un cascadeur ou un cascadeur. L’existence d’un cascadeur est importante pour remplacer les acteurs réalisant des scènes difficiles et extrêmes, que l’on retrouve généralement dans les films d’action et d’action.

Les films peuvent également être utilisés pour transmettre certains messages du cinéaste. Certaines industries utilisent également le film pour transmettre et représenter leurs symboles et leur culture. Le cinéma est aussi une forme d’expression, de pensées, d’idées, de concepts, de sentiments et d’humeurs d’un être humain visualisé dans un film. Le film lui-même est principalement une fiction, bien que certains soient basés sur des faits réels ou sur une histoire vraie. Il y a aussi des documentaires avec des images originales et réelles, ou des films biographiques qui racontent l’histoire d’un personnage. Il existe de nombreux autres films de genre populaires, allant des films d’action, films d’horreur, films d’humour, films romantiques, films fantastiques, films à suspense, films dramatiques, films de science-fiction, films policiers, documentaires et autres. C’est un peu d’informations sur la définition d’un film ou d’un film. Les informations ont été citées à partir de diverses sources et références. J’espère que cela peut être utile.

❍❍❍ TV MOVIE ❍❍❍

The first television shows were experimental, sporadic broadcasts viewable only within a very short range from the broadcast tower starting in the 1930s. Televised events such as the 1936 Summer Olympics in Germany, the 19340 coronation of King George VI in the UK, and David Sarnoff’s famous introduction at the 1939 New York World’s Fair in the US spurred a growth in the medium, but World War II put a halt to development until after the war. The 19440 World MOVIE inspired many Americans to buy their first television set and then in 1948, the popular radio show Texaco Star Theater made the move and became the first weekly televised variety show, earning host Milton Berle the name “Mr Television” and demonstrating that the medium was a stable, modern form of entertainment which could attract advertisers.

The first national live television broadcast in the US took place on September 4, 1951 when President Harry Truman’s speech at the Japanese Peace Treaty Conference in San Francisco was transmitted over AT&T’s transcontinental cable and microwave radio relay system to broadcast stations in local markets.

The first national color broadcast (the 1954 Tournament of Roses Parade) in the US occurred on January 1, 1954. During the following ten years most network broadcasts, and nearly all local programming, continued to be in black-and-white. A color transition was announced for the fall of 1965, during which over half of all network prime-time programming would be broadcast in color. The first all-color prime-time season came just one year later. In 19402, the last holdout among daytime network shows converted to color, resulting in the first completely all-color network season.

❍❍❍ Formats and Genres ❍❍❍

See also: List of genres § Film and television formats and genres

Television shows are more varied than most other forms of media due to the wide variety of formats and genres that can be presented. A show may be fictional (as in comedies and dramas), or non-fictional (as in documentary, news, and reality television). It may be topical (as in the case of a local newscast and some made-for-television films), or historical (as in the case of many documentaries and fictional MOVIE). They could be primarily instructional or educational, or entertaining as is the case in situation comedy and game shows.[citation needed]

A drama program usually features a set of actors playing characters in a historical or contemporary setting. The program follows their lives and adventures. Before the 1980s, shows (except for soap opera-type serials) typically remained static without story arcs, and the main characters and premise changed little.[citation needed] If some change happened to the characters’ lives during the episode, it was usually undone by the end. Because of this, the episodes could be broadcast in any order.[citation needed] Since the 1980s, many MOVIE feature progressive change in the plot, the characters, or both. For instance, Hill Street Blues and St. Elsewhere were two of the first American prime time drama television MOVIE to have this kind of dramatic structure,[4][better source needed] while the later MOVIE Babylon 5 further exemplifies such structure in that it had a predetermined story L'Attaque des Titans Saison 4 Épisode 7ning over its intended five-season Black Widow.[citation needed]

In 2012, it was reported that television was growing into a larger component of major media companies’ revenues than film.[5] Some also noted the increase in quality of some television programs. In 2012, Academy-Award-winning film director Steven Soderbergh, commenting on ambiguity and complexity of character and narrative, stated: “I think those qualities are now being seen on television and that people who want to see stories that have those kinds of qualities are watching television.

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