#Adquisiciones de Arte

[alejandromanas]

Exposición «Fruit. Adquisiciones de Arte Contemporáneo» de la Diputació de Castelló.

[joseandrestabarnia]

Título: Estatua de Hércules (Lansdowne Herakles)

Artista/Creador: Desconocido

Fecha: alrededor del año 125 d.C.

Medio: Mármol

Dimensiones: Objeto: 193,5 × 77,5 × 73 cm, 385,5575 kg (76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 pulg., 850,0001 lb.)

Lugar: Imperio Romano (Lugar de Creación)

Villa Adriana, zona norte, cerca del Casino Fede, Tívoli, Italia (Lugar encontrado)

Cultura: romana

Número de objeto: 70.AA.109

El héroe griego Hércules lleva un garrote sobre su hombro izquierdo y sostiene una piel de león en su mano derecha. Estos objetos ayudan a identificar la figura, ya que Hércules a menudo era representado con una maza y la piel del León de Nemea, al que mató en su primer parto. Como es habitual en las representaciones de héroes griegos, el joven Hércules aparece desnudo, ya que los griegos consideraban que la desnudez masculina era la forma más elevada de belleza. Ningún otro dios o héroe se representa con tanta frecuencia en el arte griego y romano como Hércules.

El Lansdowne Herakles muy probablemente se inspiró en una estatua griega perdida, probablemente de la escuela de Policleto del año 300 a. C. Encontrada en 1790 cerca de las ruinas de la villa del emperador romano Adriano en Tívoli, en las afueras de Roma, esta estatua fue una de las numerosas copias de Escultura griega encargada por Adriano, amante de la cultura griega. La estatua, una de las adquisiciones más preciadas de J. Paul Getty, recibe su nombre de Lord Lansdowne, quien una vez fue propietario del Hércules y la exhibió en su casa de Londres. Las áreas de restauración incluyen la parte inferior de la pierna izquierda de la estatua y partes de ambos brazos.

Información e imágenes de la web del museo Getty.

[dakota-zen]

Escultura Jonathan

Owen🌈

Jonathan Owen, nacido en 1973 en Liverpool, estudió Bellas Artes en la Universidad Metropolitana de Leeds, donde se graduó en 1996, antes de obtener un MFA de Edinburgh College of Art en 2000, Owen comenzó a exhibir con exposiciones individuales en la Galería Colectivo, Edimburgo, y doggerfisher, Edimburgo ( tanto en 2001), y como parte de la muestra colectiva Nuevo: Adquisiciones recientes del arte británico contemporáneo en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, en Edimburgo (2002). La Galería Ingleby, Edimburgo, celebró exposiciones individuales de trabajo de Owen en 2011 y 2014 ha pasado a exposición en el Reino Unido e internacionalmente. Vive y trabaja en Edimburgo.

El arte de Jonathan Owen es la transformación. Encontrar las fotografías que se han reproducido en los libros, el artista utiliza un caucho ordinario para borrar partes de la imagen; que no añade nada a la superficie de la página. Hasta la fecha Owen ha trabajado en dos de estas series: estatuas públicas y estrellas de Hollywood en el set. En los primeros ejemplos que opera de una manera sistemática, mientras que sus obras más recientes han visto moverse de una manera más intuitiva. Owen sabe que la tarea fácilmente podría lograrse con programas de ordenador como Photoshop ® . Sin embargo, valora las imperfecciones inevitables que surgen cuando se hace a mano con una goma de borrar ordinaria. La traza residual de la figura, que se parece a una aparición fantasmal, deja pistas en cuanto a lo que una vez fue allí.

Owen describe este proceso de eliminación como una forma de talla de dos dimensiones. Por lo tanto, tiene sentido que su obra ha evolucionado en tres dimensiones. Esto comenzó con los cascanueces de madera que Owen alterada intrincadamente a través de la talla, muestra por primera vez en 2011 Estas pequeñas esculturas, cautivantes fueron seguidas por intervenciones audaces con estatuas de mármol del siglo XIX, que se transforma en parcialmente colapsadas reducciones y elegantes de su forma original.

Mercurio (2012) muestra el interés de Owen en la alteración de la dinámica de la figura. El artista ha tallado la figura del torso de Mercurio en la forma de una cadena. La cabeza de la escultura ahora se desploma hacia adelante, como si lamentándose. Por el contrario, en Untitled (2013) la cabeza de una figura militar se distorsiona de manera espectacular, sin embargo, el torso se mantiene intacta. El artista ha tallado la cabeza de la figura en una jaula con un patrón de estrella tridimensional compleja que se hace eco de la medalla en la solapa. Una esfera de mármol móvil está atrapado en el interior. En la eliminación de los rasgos faciales y no la titulación de la obra, se centra la atención en el aspecto físico de la escultura como un objeto en lugar de una declaración biográfica o alegórica. Owen está interesado en cómo las cifras son inmortalizados a través de la escultura y la fotografía y cómo sus propias acciones cuestionan su lugar en la historia.

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Buenos días🌞☕️

[marcovaltierra]

No existe tal cosa como una biblioteca. Capitulo I: Paisajes particulares

Co-curaduría con Caroline Montenat

Espacio Cabeza & Materia de Dibujo Drawing Issues, Guadalajara MX

Septiembre 2021

Artistas: Karian Amaya, Jorge Méndez Blake, Cynthia Gutiérrez, Carlos Ranc y Sayuri Sánchez

Materia de Dibujo/Drawing Issues ha desarrollado durante los últimos diez años un importante acervo bibliográfico especializado primordialmente en libros de dibujo y su relación con otros campos del conocimiento, así como de la historia y teoría de las artes, cultura visual y arte contemporáneo. 

En una alianza con Espacio Cabeza, la biblioteca toma la forma de un microformato expositivo al vincular su acervo bibliográfico con la producción artística actual, convocando inicialmente a los artistas Karian Amaya, Jorge Méndez Blake, Javier M. Rodríguez, Cynthia Gutiérrez, Carlos Ranc y Sayuri Sánchez a realizar una obra de sitio específico, con la idea de interpelar el sentido de una biblioteca. De múltiples maneras, estos artistas abordan en su producción nociones alrededor de la lectura, la biblioteca y los libros. Paulatinamente, se extenderán invitaciones a grupos, artistas y agentes a plantear actividades, presentaciones y talleres. 

Llamamos a los interesados a contribuir con donaciones para acrecentar el acervo bibliográfico en beneficio de los asistentes y de la comunidad. También a proponer títulos para posibles y futuras adquisiciones. 

La biblioteca es un proyecto de largo aliento, público, colaborativo y sin fines de lucro. Parte de la necesidad de compartir espacio e ideas, de poner en común a los libros entre distintos tipos de público y comunidades artísticas, con el objetivo de extender las posibilidades para acceder a nuevos o desconocidos conocimientos, autores, y temas. Confiamos en los libros como objeto y material en sí en tanto contenedor, vehículo y detonador de ideas. 

*Proyecto organizado bajo la curaduría de Caroline Montenat, fundadora y directora de Materia de Dibujo/Drawing Issues, y Marco Valtierra, director artístico de Espacio Cabeza, con el apoyo a proyectos curatoriales del Patronato de Arte Contemporáneo (PAC).

[espectro-de-plata]

Aquellos que creamos

Es frecuente escuchar afirmaciones como "el mundo se divide en dos" o "hay dos tipos de personas" al tratar de establecer algún punto. Entre las divisiones que vienen a la mente de inmediato está la dicotomía entre optimistas y pesimistas, espectadores y actores, líderes y seguidores. Aunque estas distinciones tienden a desdibujarse en la realidad, considero que la que abordo en este intento de ensayo es relevante.

No es necesario profundizar en la obviedad de la afirmación de que consumimos a diario; sin embargo, es útil proporcionar algunos ejemplos. Consumimos música, videojuegos, libros, pinturas, alimentos, moda, estilos de vida e ideologías. Aquí radica la división que quiero destacar y el reconocimiento que deseo otorgar a uno de estos sectores: Aquellos que creamos.

Mentiría si dijera que la inspiración de este escrito no proviene de la vasta y fascinante cultura pop (sobre la cual prometo escribir más adelante). También lo motiva mi inclinación hacia la poesía y el arte en general como mecanismo de defensa ante la adversidad.

Aquellos que consumen encienden sus dispositivos, estrenan sus adquisiciones, reproducen sus listas de canciones y comparan la calidad gráfica entre consolas. Además comparten sus aficiones, buscan medios para popularizar algo o a alguien, invierten considerables cantidades de dinero, tiempo o energía en la industria que aman, asisten a eventos, reseñan, critican, recomiendan o disuaden a otros de consumir ciertos productos.

Sin embargo, los creadores son aquellos que dan el paso adicional hacia algo que aún no logro definir con precisión. Los creadores comprenden el engorroso proceso creativo: el primer borrador, el segundo intento fallido, las deslealtades de colaboradores, el desgarrador impulso de buscar inspiración para algo nuevo. El poeta y el pintor deben vivir un solo trauma múltiples veces para plasmar sus visiones, mientras que el arquitecto y el chef se someten a ciclos de prueba y error que rozan la obsesión. ¿Por qué creamos? ¿Cuál es el instinto humano que nos impulsa a crear algo?

Mi postura no es la de considerar a los creadores como seres superiores, ya que, con el avance de la tecnología (entendida como simplicidad y practicidad), el desafío de crear se vuelve aún más difícil. Aun así, creo y defenderé siempre, bajo las premisas de la postura filosófica antes mencionada, que todo ser humano es capaz de crear. Este análisis social es más bien un reconocimiento a quienes crean, porque sé que no es fácil convertir el trauma en arte, invertir horas de esfuerzo y estudio en impulsar un proyecto.

Es, además, un agradecimiento, ya que el mundo gira en torno a las creaciones; diría incluso que funciona a partir de ellas (lo que podría ofrecer una respuesta parcial a por qué creamos tecnología, aunque no tanto para el arte).

Podría ser interpretado como una invitación urgente para aquellos que consumen: dar el siguiente paso, intentarlo, arriesgarse, perder la vergüenza. El mundo necesita más creadores. Es sencillo ser consumidor y lanzar críticas a quienes crean; la comodidad de obtener las cosas es demasiado tentadora. Sin embargo, si seguimos nuestro instinto, si apostamos por nuestras propias ideas en lugar de dejarlas extinguirse en el abismo de su espontaneidad bajo la absurda creencia de que alguien más lo hará, o de que será difícil, o de que no tenemos los medios (una limitación a la que parcialmente debo conceder razón, considerando el contexto económico), los creadores seremos más, y seguiremos maravillándonos de nuestra capacidad para modificar la realidad.

[johnlowell69]

El vuelo del infinito

En este libro, escrito por Juan Carlos Sosa Azpúrua, con prólogo de la cervantista María del Pilar Puig Mares y editado por ABediciones UCAB, el autor hace un recorrido por la lingüística, la literatura universal desde Hesíodo y Homero. hasta la época contemporánea; la literatura venezolana, sus orígenes, evolución y tendencias; el arte; el teatro y la filosofía. Para adquisiciones, escribir…

[creaciondempresas]

<p>A continuación nuestro nuevo post publicado en https://www.creaciondempresas.es/crea-tu-empresa/caracteristicas-sociedades-mercantiles/sociedad-anonima/de-los-negocios-sobre-las-propias-acciones-parte-i-la-adquisicion-originaria/</p> <blockquote><p><strong>De los negocios sobre las propias acciones.Parte I. La adquisición originaria.</strong></p> <p>La LSC regula el régimen de las acciones propias en los arts. 134 y ss. El punto de partida, recogido en el art. 134 LSC,   es la prohibición expresa  y absoluta de la sociedad de suscribir sus propias acciones, así como las de su sociedad dominante.  Sin embargo,  existen determinadas situaci...</p></blockquote>

A continuación nuestro nuevo post publicado en https://www.creaciondempresas.es/crea-tu-empresa/caracteristicas-sociedades-mercantiles/sociedad-anonima/de-los-negocios-sobre-las-propias-acciones-parte-i-la-adquisicion-originaria/

De los negocios sobre las propias acciones.Parte I. La adquisición originaria.

La LSC regula el régimen de las acciones propias en los arts. 134 y ss. El punto de partida, recogido en el art. 134 LSC,   es la prohibición expresa  y absoluta de la sociedad de suscribir sus propias acciones, así como las de su sociedad dominante.  Sin embargo,  existen determinadas situaci...

[genesisotteys]

Rasgos del arte moderno.

El arte moderno surgió en la década de 1850 y terminó en 1950

En la era del siglo XIX se iniciaron cambios políticos, sociales, económicos e ideológicos. La burguesía inició a aflorar y ser parte importante económico en la sociedad como parte de adquisiciones de arte donde antes sola, este era el estado, iglesias y personas de clase alta adquirían obras de arte.

La revolución industrial se dio en un momento donde se estaba creando nuevas tecnologías, urbanización de arquitecturas más durables, comercialización del arte.

Explicaremos los rasgos importantes que marcaron al arte moderno:

Experimentación: El artista de esta época estaban empezando a rechazar cada vez más fuerte la academia de arte por el hecho que tenía que estar bajo él reglamente del academicismo porque no se veía bien visto experimentar y desafiar lo tradicional. En esta era se empezó a experimentar con nuevas corrientes, pensamientos individualistas, y el poder resaltar la visión social y renovada de la era. Unos de los movimientos que empezó en esta era fue el romanticismo desafiando al neoclasicismo y resaltando que la fuerza del individuo era la fuerza motora de la historia.

Desafío las instituciones artísticas tradicionales: Los artistas siempre desafiaban las instituciones artísticas establecidas cuestionando muchos aspectos establecidos o que ellos consideraban de “buen gusto” una de estas demostraciones fue con la polémica exhibición del salón en París donde se presentaron los primeros impresionistas.

Usó de nuevos medios y tecnologías: la invención de la fotografía influyó a gran escala la representación visual.

El cómo se capturaba las fotos de manera exacta y real los artistas empiezan a poder abandonar la imitación y a experimentar con recursos creativos de manera individual.

Las imágenes que representa tienen un sentido figurativo donde se interpretan de maneras diferentes. Los artistas en esta época empezaron a utilizar tubos de pintura para pintar en aire libre para capturar la luz natural en vez de estar en talleres de arte. La imprenta jugó una parte importante para los carteles publicitarios y la difusión de creaciones artísticas.

Manifestaciones artísticas: se desarrollaron numeroso movimiento desde el romanticismo, impresionismo, cubismo, realismo entre otros que tenía su propio enfoque y concepto.

[planta-alta]

Starting from the metaphor of the iceberg, Manuela Pedrón Nicolau and Jaime González Cela seek to investigate the hidden, what is lying below the surface. If the tip of the iceberg is the work of art, what strategies can experimental mediation and the critical pedagogies develop to make visible the invisible (archives, narratives, documents, intentions, contexts) that sustains it?

Within the framework of the NOTAR II residency, Iceberg investigates the Reina Sofía Museum’s collection and the processes of mythologization and mitopoiesi (the creation of a myth) that it unleashes, as well as its archive, and its relationship with other collections. Based on the stories that surround us, Jaime and Manuela reflect on the concept of contemporary mythology as a possible scheme to read reality, to approach the History of Art and its affectations and effects on current artistic work, as well as the tracking of pieces that are loaded with a mythological potential, including mainstream works as new acquisitions or forgotten ones.

Manuela and Jaime work on the intersection of education and curating contemporary art. Their projects develop hybrid formats in which mediation processes are essential to design spaces for reflection and experiences that respond to specific contexts and situated knowledge. Their work as a collective focuses on artistic research and their ability to generate narratives that explore the social and the political.

*

Partiendo de la metáfora del iceberg, Manuela Pedrón  Nicolau y Jaime González Cela buscan indagar lo oculto, aquello que se encuentra debajo de la superficie. Si la punta del iceberg es la obra de arte, ¿qué estrategias de visibilización puede desarrollar la mediación experimental y las pedagogías  críticas del conjunto de materiales invisibles (archivos, narraciones, documentos, intenciones, contextos) que la sostienen?

En el marco de la residencia NOTAR II, Iceberg investiga sobre la colección del Museo Reina Sofía y los procesos de mitologización y  mitopoiesi (la creación de un mito) que desencadenan, así como su fondo documental y la puesta en relación con otras colecciones. Partiendo de los relatos que nos rodean, Jaime y Manuela reflexionan en torno al concepto de mitología contemporánea como un posible esquema para leer la realidad, abordar la Historia del Arte a través de las afectaciones y efectos en el trabajo artístico actual así como el rastreado de obras que cuenten con carga o potencial  mitológico, tanto de obras mainstream como nuevas adquisiciones o piezas olvidadas. 

Manuela y Jaime se dedican a la educación y el comisariado en arte contemporáneo. Desde esta intersección, sus proyectos desarrollan formatos híbridos en los que los procesos de mediación resultan fundamentales para diseñar espacios de reflexión y experiencias que escuchen contextos concretos y saberes situados. Su trabajo como colectivo se centra en la investigación artística y su capacidad para generar narraciones que exploren lo social y lo político.

[el-reboot-de-mortadelo-y-filemon]

¡Este es el rediseño del Súper para el reboot!

Más información sobre este rediseño bajo el corte.

¿Qué papel cumple el Súper en la TÍA? Parece el tipo de líder que sabe más de lo que parece… Exploremos ese perfil.

En los cómics, el Súper se encarga de dirigir el cuartel general de la TÍA y asignar misiones a sus agentes. A pesar de hacer malabares con el presupuesto del que dispone, las instalaciones están en un estado deplorable, y los agentes a menudo han de pagar los gastos laborales de su propio bolsillo. Esto encaja con la idea de que la TÍA no es una agencia gubernamental subvencionada (como nos cuentan en "Guía Para La Vida De Un Agente De La TÍA"), sino una institución privada con problemas económicos.

Para hacer la historia más simple y darle peso narrativo a Vicente, vamos a reducir la TÍA a únicamente el cuartel donde trabajan Mortadelo y Filemón. No existen otras sucursales (al menos de momento) ni ninguna figura de autoridad que los gestione desde fuera. Todo cae en manos del Súper, y esto tendrá sentido cuando leamos sobre la construcción del mundo.

Será un personaje más conducido por la trama que por sus circunstancias personales, pero vendría bien tener un par de detalles sobre su vida.

La personalidad del Súper siempre ha sido consistente en todas las adaptaciones, salvo pequeños matices en los que vamos a profundizar. Concretamente, hablaremos del trato a sus agentes. Generalmente impone su autoridad sobre ellos, sin darle demasiada importancia a las nefastas condiciones laborales de la TÍA, e incluso amenazando con despidos o castigos si se quebranta su voluntad. Sin embargo, alguna vez se lo ha visto honestamente preocupado por su bienestar. No es algo que muestre con demasiada frecuencia, pero de algún modo está ahí.

Esto nos da el perfil de un hombre que está intentando de forma desesperada que esta institución funcione. Pero nadie puede saber que apenas le alcanza para ciertos gastos, así que evita el tema aparentando ser un superior tirano y déspota. Y viendo lo incompetentes que son sus empleados, cualquiera pensaría que sus rabietas están justificadas.

Por motivos de la trama que se explican más abajo, Vicente es un hombre atormentado por la culpa. Lo que sea que tiene entre manos, lo está haciendo para calmar su conciencia y no por su sentido del deber. Este sentimiento contrasta enormemente con su personalidad arisca, dando como resultado una persona que intenta convencerse a sí misma de que no necesita más que su propia aprobación. ¿Qué más da si la gente a quien ayuda le detesta? Algún día se lo agradecerán…

Basándonos de nuevo en "Guía Para La Vida", el Súper está casado y tiene dos hijos. Esto da la oportunidad de mostrarlo relacionándose con otras personas fuera de su trabajo, especialmente gente a la que no le de reparos mostrar aprecio. ¿O quizá trate a su familia con la misma distancia (pero sin agresividad)?

Otro detalle a destacar de los cómics es su ojo artístico, pues un chiste recurrente es que Mortadelo y Filemón destrozan sus adquisiciones. ¿Es un mero admirador, o tuvo un pasado vinculado al arte? ¿Quizá fue así como Filemón y él hicieron buenas migas en la Agencia? ¿Conoció a su esposa así? ¿Transmitió ese gusto a sus hijos?

Ya que mencionamos a Filemón, y por extensión a Saturnino (Bacterio), ¿cómo va a enfocar su relación con ellos ahora que trabajan de nuevo en el mismo lugar? ¿Se tragará su increíble ego y orgullo y les pedirá perdón? Quién sabe… (¡Pero más le vale!)

¿Cómo acabó trabajando para la TÍA? ¿Era su plan desde el principio, o tenía otros planes de futuro? De ser lo segundo, ¿por qué no los cumplió?

Un portal dimensional se ha abierto en el centro de Madrid, y Vicente lleva décadas esperando este momento. Pero aunque el profesor Bacterio por fin ha regresado, dicha apertura ha provocado una serie de anomalías en la ciudad. Con lo poco que le queda en la cuenta bancaria y los contactos que aún le siguen vivos, Vicente resucita la Agencia de Información bajo el nombre de la TÍA. Es imperativo encontrar, estudiar, vigilar y controlar a los afectados por este incidente…

Al ser ahora una institución de carácter privado, el Súper también ha decidido investigar casos genéricos de robo o terrorismo bajo recompensa. Con ese dinero espera poder sostener este castillo de naipes que él solito se ha montado. Pero siendo también una agencia secreta, ¿cuánto tardará la prensa en descubrir a este falso filántropo que paga a sus empleados en negro y se salta tantos convenios de Ginebra? El tiempo corre, Vicente…

Rediseño: Originalmente no pensé en cambiarle demasiado, pero al construirlo como personaje me he dado cuenta de que podía jugar un poco con las circunstancias de su vida y aplicarlas en su nuevo look. ¡Me he divertido mucho!

Al estar en un cargo sedentario no necesitamos plantearnos comodidad física en su vestimenta, pero sí darle un par de bolígrafos y clips en los bolsillos para no tener que volver corriendo al despacho si los precisa. También cicatrices de guerra y unas prominentes entradas en lugar de una calvicie parcial, con canas.

Siendo padre de dos niños pequeños, no me sorprendería que tuviera las ojeras de un mapache (y también justificaría un poco su mala leche por falta de sueño). También podría llevar algún elemento infantil guardado en los bolsillos, por si su mujer necesita dejarlos un rato con él en el cuartel. O podríamos darle un maletín con utensilios de oficina y paternidad, lo cual daría lugar a situaciones de lo más cómicas. 

Para que a su familia no le falte de nada, procura todo lo posible ahorrar en lo que a su propia persona se refiere. Es por eso que, si bien su traje es elegante, está viejo y algo deshilachado, incluso con manchas de leche que ni tras quince lavados ha conseguido quitar. La experiencia también le ha enseñado que una corbata puede ser tu propia soga cuando tienes bebés, así que rara vez las usa.

Biografía:

Al final el padre acabó tan hastiado que, para cuando ingresó en el servicio militar español, compró a Filemón para que le hiciera de guardaespaldas. Vicente lo despidió de inmediato y le dijo que no quería un sirviente, lo que quería era un amigo o se acabaría pegando un tiro ("¿Me estás haciendo chantaje emocional?" "Prácticamente me han criado secuestradores, no estoy muy bien del coco.").

Vicente, Saturnino y Filemón fueron “El Trío Calaveras”, tanto en la mili como en la Agencia de Información donde ingresaron más tarde (aunque fuera por enchufe del padre de Vicente, pero bueno…). El chico agradeció tener amigos más versados en lo intelectual que en lo físico, pues siempre tuvo problemas con el asma y otras condiciones de salud que le impedían congeniar con el resto de militares cargados de testosterona. Los tres hablaban de música, arte pictórico, literatura, ciencia, etc…

Vicente necesitaba validación constante y alcanzar una serie de méritos que justificaran todo el dinero y molestias gastados en él, así que se obsesionó con la idea de ser el nuevo Súper de la Agencia de Información. Esto al final lo llevó a los sucesos que ya conocemos, con la mala suerte de que justo en aquellos meses Filemón y él se estaban volviendo más cercanos que nunca. Decir que la partida de Pi le rompió el corazón es quedarse corto, aún sabiendo que se lo merecía por fallarle a Saturnino.

Con los años, y tras superar a Filemón, conoció a Avutarda. Ella le enseñó, a través de lecciones de vida y el arte pictórico, que no necesitaba "vivir" para justificar nada sino vivir para vivir ( si de algún modo esa frase tiene sentido).

Pero aún con todo el apoyo de su esposa y su recuperación emocional, Vicente sigue atormentado por la culpa. En gran parte por ese motivo Avutarda apoya su decisión de crear la T.I.A., incluso sabiendo el peligro que eso conlleva para su marido.

Tiene a sus hijos, Víctor y Violeta, colmados de amor y atención, pues no piensa permitir que en ningún momento se sientan como su padre le hacía sentir. Nunca les grita, jamás les ha alzado la mano, y es capaz de llegar a medidas muy drásticas si se entera de que algo amenaza su integridad. Esto para Violeta, que es un bebé, aún no es muy relevante, pero Víctor pronto llegará a la adolescencia y es muy posible que entonces se empiece a sentir agobiado… Esperemos que Vicente no se lo tome como otro rechazo emocional.

Poderes y habilidades:

Ni cuando era joven gozaba de una buena salud física, por lo que tuvo que aprender a compensarlo con el poder de su mente. Adquirió conocimientos de todo tipo relacionados con el espionaje, la negociación, la guerra… Rara vez participa en una misión directamente, y cuando lo hace depende de armas de fuego en lugar del combate cuerpo a cuerpo. Esto también lo empujó a perfeccionar su puntería y su manejo técnico, siendo el mejor tirador de su promoción. Su poder también reside en sus contactos, pues a pesar de todo logró causar una buena impresión en sus años de la Agencia de Información, así que a menudo dispone de un plan B de mano de algún antiguo socio.

Desventajas: Con los años no sólo ha mantenido sus problemas de salud física (como el asma), sino que ahora también sufre problemas de ansiedad y estrés. 

[brayanksc]

Disney Company. Ya sabía porque querían comprar twitter desde 2018 (según recuerdo). Bien ya son una empresa de arte, entretenimiento, multimedios, y ahora de comunicación masiva (con la adquisición de ESPN, FOX, ABC - es casi suya por invertir en ella con acciones -).

Por qué me gustaría que adquirieran Tumblr y Twitter.

Claro sería genial de Elon Musk que se las vendiera, pero sino potencienla. Eso sí les pido que empoderen y ayuden a Tumblr porque con la nueva app de Facebook, Meta la quiere desaparecer.

Meta sigue con la intención de monopolio disfrazado de oligopolio.

Twitter les ayudará a compartir información rápidamente.

Tumblr como blog o página web personal por internauta. Dónde puedan expresar sus ideas. Incluso con lo que empecé en Instagram pero por no saber que existía Tumblr o lo qué es o para lo que me podía servir más bien; me fuí a escribir mis pensamientos a Instagram bajo una foto o serie de fotos, cuando no eran el verdadero contenido (lo que de verdad importaba) más bien es una expresión pictórica extra, que se añade a mis pensamientos que escribí en Instagra. De aquí pueden sacar muchas más ideas para crear, innovar, agregar ideas originales a la red social y de comunicación Tumblr (poder agregar videos con texto alternativo para no verlos sino se tiene el tiempo). A plenitud, sin límites.

Y si quieren explayarse.

No le metan demasiados tipos de letras o colores. Con las herramientas que tienen es más que suficiente. Pero sí pueden mejorarla.

Bien planteles cara a Zuckerberg y compañías.

Pueden comprobar porque está plagiando metas Meta y el potencial que le vió a Tumblr gracias a mis publicaciones. Y por venganza de decir que Twitter era una red social perfecta a diferencia de Facebook y sus adquisiciones y/o plagios.

De: Brayan Ksc (human)

[lavoixdesion]

Museo Reina Sofia -Rostros & Rastros

https://www.lavoixdesion.com/newpage/rostros.rastros

Tomó como sede el antiguo Hospital General de Madrid, gran edificio neoclásico del siglo xviii situado en la zona de Atocha, cerca de la estación homónima de tren y de la Estación del Arte de Metro. Este hospital fue diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, y actualmente se le conoce como edificio Sabatini en honor a este arquitecto italiano. El museo como tal fue inaugurado en 1992, si bien el edificio ya había albergado exposiciones temporales en años previos. En septiembre de 2005 se ampliaron las instalaciones de la institución con la apertura del edificio Nouvel en el inicio de la Ronda de Atocha.

El Reina Sofía es el vértice sur del conocido como Triángulo del Arte de Madrid, que incluye a otros dos célebres museos: el Prado y el Thyssen-Bornemisza. Forma parte del denominado Paisaje de la Luz, paisaje cultural declarado Patrimonio de la Humanidad el 25 de julio de 2021.

 En la colección permanente del museo destaca un núcleo de obras de grandes artistas españoles del siglo xx, especialmente Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, representados ampliamente y con algunas de sus mejores obras. Son muy relevantes también las colecciones de arte surrealista (con obras de Francis Picabia, René Magritte, Óscar Domínguez o Yves Tanguy, además de los ya citados Miró y Dalí), del cubismo (que a la colección Picasso añade nombres como Juan Gris, María Blanchard, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger o Albert Gleizes), y la presencia de artistas de la Nueva Figuración, como Francis Bacon o Antonio Saura.

 Junto a estos autores hay muchos otros de diversas tendencias tan destacados como Lucio Fontana, Yves Klein, Diego Rivera, Alexander Calder, Roberto Matta, Mark Rothko, Antonio López García, Antoni Tàpies, Miquel Barceló o Sam Francis.

 El Museo Reina Sofía cuenta con excelentes colecciones de Juan Gris, Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró, cuatro artistas españoles que se encuentran entre los más importantes del siglo xx y cuyos trabajos constituyen el gran puntal del museo.

 El repertorio del madrileño Juan Gris es singularmente rico, a pesar de haber tenido que ser reunido en su totalidad en las últimas décadas, ya que su primera obra no se incorporó a las colecciones nacionales españolas hasta fecha muy tardía. Fue La guitare devant la mer (La guitarra ante el mar), comprada en 1977 para el MEAC.​ Sin embargo en la actualidad el fondo del autor incluye ya diecinueve pinturas,​ entre las que figuran algunos de sus mejores trabajos, como La bouteille d'anis (La botella de anís) (1914), Portrait de Madame Josette Gris (Retrato de Madame Josette Gris) (1916) o la citada La guitarra ante el mar (1925).

 La representación de Picasso en el museo se centra en los años 30, ya que aunque la colección del artista se ha reforzado gradualmente con varias adquisiciones, la presencia de trabajos de otros periodos sigue siendo limitada. La obra más temprana de este artista que conserva el Reina Sofía es la Mujer en azul, de 1901, perteneciente a la denominada «Etapa azul».​ Le siguen dos pinturas del Cubismo analítico (El frutero, 1910, y Los pájaros muertos, 1912), otras surrealistas, varias de su estilo expresionista de la década de 1930 y las hay también de sus últimos años (tres grandes lienzos sobre el tema El pintor y la modelo, de 1963). La colección consta de un total de 292 obras, que incluyen 29 pinturas,​ y cuatro de sus principales esculturas: Tête de femme (Fernande) (Cabeza de mujer [Fernande]), considerada la primera escultura cubista,​ Femme au jardin (Mujer en el jardín), La femme au vase (La dama oferente) y L'homme au mouton (El hombre del cordero), además de dibujos y estampas. Entre estas últimas destacan Sueño y mentira de Franco y La Minotauromaquia. Sin embargo, no cuenta con ninguna representación de su importante labor en el campo de la cerámica.

Junto con Gris, Picasso y Dalí, sobresale el fondo de Joan Miró. Inicialmente estuvo integrado casi en su totalidad por las obras entregadas en 1985 en dación como pago del impuesto de sucesiones por su viuda, Pilar Juncosa, y el resto de sus herederos: 24 pinturas y 203 grabados. ​ Casi todas las pinturas estaban datadas entre los años 50 y 1983, pero posteriormente, mediante compras, fueron ingresando también trabajos de su primera época, en torno a los años 20. De las numerosas obras de este artista que conserva el museo, entre las que figuran cincuenta y cinco pinturas, ​ destacan La casa de la palmera (1918), Femme et chien devant la lune (Mujer y perro delante de la luna) (1936), o Le sourire des ailes flamboyantes (La sonrisa de alas flameantes) (1953). En el patio central se exhibe una de sus esculturas, Oiseau lunaire (Pájaro lunar) (1966).

[timriva-blog]

Historias. Arte y cultura del Perú

Juan Javier Salazar, Perú, país del mañana, 2005, serigrafía sobre tela, 102 x 174.5 cm. Museo de Arte de Lima. Comité de Adquisiciones de Arte Contemporáneo 2007. Donación Oswaldo Sandoval El Museo de Arte de Lima – MALI y la Fundación Telefónica Movistar presentan Historias. Arte y Cultura del Perú, plataforma digital que ofrece al público contenidos originales sobre artistas, obras y temas…

[thecubanartobserver]

“Collage: Selling exhibition” en la Habana

#hablandodemercadodearte Recién leía esta mañana una publicación de un artista en redes sociales, algo así como (parafraseando) que éramos un país sin coleccionismo privado adecuado y sin adquisiciones estatales para un uso social, público o cultural interno del arte, donde además no existen efectivas gestiones comerciales para las visiones artísticas no fabricadas según matrices mercantiles en…

[joseandrestabarnia]

Venetsianov Alexey (1780-1847) HENIFICACIÓN MEDIADOS DE LA DÉCADA DE 1820 Tamaño - 66x54 Material - lona Técnica - óleo Número de inventario - Zh-1819 Recibido según la voluntad de V.G. Provatorova. 2001

Temáticamente, la obra complementa las tramas creadas por Venetsianov relacionadas con el trabajo campesino estacional. Pero no sabemos si el artista pretendía el ciclo de las estaciones, lo cual sería lógico. Dos lienzos - “En tierra cultivable. Primavera” (primera mitad de la década de 1820) y “En la siega. Summer” (mediados de la década de 1820, ambas de la Galería Tretyakov) tienen una similitud figurativa y estilística, a pesar de la diferencia de formatos. Al mismo tiempo, "Haymaking", que según la lógica de la secuencia del trabajo de campo constituye la parte central del tríptico, se realiza de manera diferente, acercándolo al género y la interpretación cotidiana de la trama.

El artista representa una escena de un breve descanso durante un momento difícil: una mujer joven, sentada en una colina y cruzando las manos cansadamente sobre su regazo, amamanta a un bebé, mirando a su hija, que se sentó a su lado. Aferrada a una gran piedra, la niña mira a su madre con cierta duda. Este diálogo mudo, la cercanía del grupo al primer plano, los artículos domésticos cuidadosamente ejecutados, una canasta para un niño y un rastrillo abandonado, encarnan la trama del lienzo. El tema de la producción de heno en sí mismo se revela mediante detalles menores del género incluidos en la imagen, pero apenas explicados: una mujer en cuclillas con un caballo, corrigiendo algo en su pierna; el otro, apenas visible detrás de un árbol delgado a la izquierda, conduce un caballo. En el fondo, hombres y mujeres cavan y apilan heno. Casi todo el espacio de la imagen está ocupado por un campo amarillo. Solo en el borde superior del lienzo se ve una estrecha franja de cielo, lo que también realza el sonido "terrenal" del tema. Pero el brillo dorado de los tonos ocres, la luz difusa deslizándose sobre los objetos y ocultando la nitidez de los contornos, dan a la escena cotidiana algo sutilmente mágico, transformando la cotidianidad de la acción.

Este lienzo pertenece a las últimas adquisiciones de la Galería Tretyakov. Perteneció al famoso coleccionista V.B. Khvoshchinsky y después de su emigración estuvo en Roma. El último dueño de la pintura fue V.G. Provators, y durante este período vagó de Kent a Montecarlo. Ahora la obra adorna la exposición de la Galería Tretyakov como una de las mejores obras de arte de la primera mitad del siglo XIX.

Información e imagen de la web de la Galería Tretyakov.