#10 años sin Gustavo Cerati

[aricastmblr]

Hace 10 años te hiciste eterno.

10 años sin Gustavo Cerati

Gustavo Cerati: 1959 - ∞

Y sigues aquí, entre nosotros. ¡Gracias por venir! ¡Gracias Totales!

∞

Recordarte es un hermoso lugar.

Hace 9 años te hiciste eterno.

9 años sin Gustavo Cerati

Gustavo Cerati: 1959 - ∞

Y sigues aquí, entre nosotros. ¡Gracias por venir! ¡Gracias Totales!

∞

Recordarte es un hermoso lugar.

[uniquetyphoonmiracle]

el CHROMEBOOK no tiene ESCRITORIO como tal [llama a ello a todas tus ventanas o app abiertas como en el telefono ]..todas tus aplicaciones , documentos y accesos directos se colocan en un menú desplegable..y los que quieras más accesible en lo que llaman ESTANTERIA que es la barra de abajo..va muy rápido Internet y para subir archivos a la nube [de memorias USB] o descargas de Internet.. puedes utilizar el Microsoft office pagando suscripción [69€ plan personal en 5 dispositivos ]..tiene aparte del OK GOOGLE o su asistente de voz.. conversión de texto o de lo que hay en pantalla a voz y dictado como si le redactaras una carta a tu secretaria pero sin que te la chupe porque tiene la mente o la cartera abierta jaja

Por cierto.. por LUNA ROJA soda stereo adoptó la bandera de TURQUIA que ponían en su ESTUDIO..dentro de 10 días Gustavo CERATI cumpliría 65 años..se quedó en 50 años y 9 meses..de VIDA ACTIVA y 4 años y 4 meses como un VEGETAL o un CALVARIO para él y para su FAMILIA..quizás si hubiera contado LA VERDAD en vez de cantar TRACCION A SANGRE del cd FUERZA NATURAL..todo podía haber cambiado [en vez de ser duramente golpeados por la tragedia lo que giro entorno a CERATI O SODA]..de todas formas DISCAZO

"Tal vez lo más suicida sea decirte la verdad

Preferí callar

A esta hora de la vida es lo mejor

Llega la noche

Respiro libertad, respiro libertad

Y no miento"

[juccme]

Diez discos, diez historias

Hace unos días me etiquetaron en una dinámica de Facebook (algo muy común en estos días de pandemia) que decía lo siguiente :"Enumerar 10 discos que influyeron enormemente en mi gusto en la música.(...) Sin explicaciones (...) " Y para no romper con la dinámica de aquellos lares, he decidido dejar la explicación de esos discos aquí, porque sentía un vació al solo dejar una simple portada sin más.

1.- Fuerza Natural/ Gustavo Cerati 

Fuerza Natural es el último disco que grabó Gustavo Cerati en aquel lejano 2009, de manera contraria sería el primer disco que yo compraría en una tienda, es curioso porque yo no iba por ese disco, yo estaba buscando el álbum de aquella canción que escuche en televisión, "Siempre es hoy" de un artista que era nuevo para mi y según yo para el mundo, en mi mente de 12 años ál sería quien revolucionaría la música. Vaya sorpresa me lleve cuando terminé de escuchar "Fuerza Natural" y me quede con ganas de más, una búsqueda rápida en Internet me llevo a un viaje, para descubrir quien era, por todas sus canciones y eventualmente a Soda Stereo, porque ya sabes nada es casualidad.

2.- Ahí Vamos/ Gustavo Cerati 

Nunca pensé llegar a querer tanto a un artista, pero así fue, y no saben cuántos sentimientos me revuelve adentro cada vez que lo escucho. Me hace volar, me hace bajar, me hace divertir y me hace llorar, pero lo más importante de todo y lo que más me llama la atención de toda está admiración que le tengo es que me hace sentir acompañado, logra que me meta tanto en sus letras y melodías que siento que su música es un abrazo continúo de él y su maravilloso arte, eso es lo que este disco provoca en mí, un viaje de emociones desde la felicidad en "La Excepción" y la tristeza palpable en "Crimen". Podría hablar horas y horas de todos los discos de ese genio,y algún día lo haré, pero por ahora vamos a lo que sigue.

3.- Gira Me veras Volver/ Soda Stereo

¡Soda Stereo, Carajo! 

No es el mejor disco de Soda, lo sé, pero es mi favorito porque con ese disco los conocí y porque tiene mis versiones favoritas de los clásicos. Hablar de la música de Soda Stereo esta de más, no podemos negar que revolucionaron lo que conocíamos de la Música y que sus canciones y sonidos quedarán por siempre entre nosotros. ¡GRACIAS TOTALES!

4.- El Arte de la Elegancia/ Los Fabulosos Cadillacs 

El amor no me deja pensar... 

Una vez enamorado del rock argentino, me inspire a adentrarme a más artistas de este país y por casualidad llegue a este disco, al día de hoy no hay canción de Los Fabulosos Cadillacs que no me emocioné, siento que tienen una para cada estado del animo y para muchas otras situaciones. Canciones que me ayudaron con mis primeras desilusiones amorosas y que aún lo hacen 

5.- Somos / Los Auténticos Decadentes 

La murga Argentina, la que nunca muere, la murga decadente...

Tuve una obsesión con la música argentina, claro ejemplo son los primeros seis discos de la lista,  explore a todos los artistas que pude, por supuesto que muchos me gustaron y aún aparecen de manera aleatoria en alguna de mis lista de reproducción. Pero Somos es de mis alunes en vivo favoritos por su dinámica y porque esa emoción que trasmiten durante ese concierto me inspiro a escribir, componer y querer estar en un escenario tocando. Cada día que me siento un bajón emocional muy fuerte o necesito inspiración para escribir, ese disco está como prioridad     

Nota: La primer banda que forme se llamaba “El Cadillac Decadente”

6.- In A Tidal Wave of Mystery/ Capital Cities 

I could show you love In a tidal-wave of mystery...

Cuando tenía 17 años, estaba enamorado de una chica que era muy fanática de un festival de Música llamado “Corona Capital”, en realidad le gustaban todos los conciertos y festivales, pero en especial este.

Yo con tal de tener más cosas en común con ella investigue todo sobre el festival,  lugar, bandas y cuando llegue a los precios todo se derrumbó,  Pero algo quedó el Line up se presento en un vídeo que tenia de fondo  “Safe & Sound”  una canción que se quedo grabada a en mi mente y en mi vida, algo bueno tuvo que salir de ese viejo amor.

7.-In Ghost Colours/ Cut Copy 

Everyone will be dismayed if your promise breaks

Después de la decepción con el festival, incursione en el indie me encontré con muchos grupos: Motorama, Camera Obscura,Outsider o Wallow,  Pero uno en especial capturo mi atención, Cut Copy,   Actualmente los escucho al hacer ejercicio y es la mejor decisión de mi vida. 

8.-Plastic Beach / Gorillaz

Well you can't get what you want 

No hay mucho que decir acerca de este álbum, dieciseiseno canciones con su sello y “On Melancholy Hill” que es un himno para mucho, incluyéndome. 

 9.- FM / Moenia 

Te dejo con el tiempo que nos falto y todo eso que no paso...

Me han roto el corazón tantas veces que ya perdí la cuenta, cada que pasa eso y para llorar poquito uso  “Mejor Ya No” y “Morir Tres Veces” que me ayudan a sanar mucho.

Nota: Me gustan más artistas mexicanos pero ninguno entro en la lista.

10.- 1999 (o como generar incendios en la nieve con una lupa encofando la Luna) / Love of Lessbian

Vertical y transversal, soy grito y soy cristal, justo el punto medio...

Es el primer disco conceptual que escuche en mi vida, habla de un relación desde el enamoramiento hasta la ruptura, a los largo de sus catorce canciones nos cuenta esta historia de casi diez años. Y con la cual me siento identificado cada que me rompen el corazón.

La música y cada canción que escuchamos nos ayuda a definir quien somos, a no sentirnos solo porque nos identificamos con una letra, a crear nuevas cosas con la inspiración que nos proporciona una nueva canción.

“Yo sigo buscando algo que no sé si alguna vez encontraré. ¿No? O sea, esa sensación de búsqueda es continua, y supongo que no me abandonará más, porque creo que ya es parte de mi personalidad. Entonces me gusta escuchar mucha música: nueva, vieja y  estoy atento a lo que pasa, porque sigo sintiendo que puedo aprender todo el tiempo”.

[adominguezs]

Soda Stereo - Signos. Año 1986. Edición Chile. Reedición 2015. Rock. Sony Music Entertainment Chile S.A. Es el tercer álbum de estudio de la banda, publicado el 10 de noviembre de 1986 y producido por Soda Stereo. Es considerado como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. Destacan canciones como: «Signos», «Prófugos», «El rito» y «Persiana americana». Soda Stereo - Gustavo Cerati - Voz, Guitarra. - Zeta Bosio - Bajo. - Charly Alberti - Batería, Percusión. Producción - Soda Stereo - Productor. Tracklist: A1 Sin Sobresaltos 4:25 A2 El Rito 6:08 A3 Prófugos 5:19 A4 No Existes 4:46 B1 Persiana Americana 4:54 B2 En Camino 4:30 B3 Signos 5:17 B4 Final Caja Negra 5:42 #musiccollection #coleccióndemúsica #vinilos #viniloschile #viniloslp #rock #sharemusic #compartirmúsica #lp #vinylrecords #sodastereo (en Villa Presidente Rios, Higueras) https://www.instagram.com/p/CnN1MtLOiW7/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[ivanreycristo]

..x cierto ..hablando q el ABUELO de BENITO CERATI o hijo de GUSTAVO [muerto cerebralmente con 51 años siendo trasladado a la clínica LA TRINIDAD de CARACAS]..se llamaba JUAN LUIS [muerto en accidente de AVION cuando tenía 6 años su hija CECILIA q estuvo casado con GUSTAVO 10 años o hasta q la dejó x DEBORA DE CORRAL q antes fue novia del BATERIA DE SU GRUPO SODA STEREO q la lanzó MUSICALMENTE..siendo INVITADA x INXS a cantar NEW SENSATION en su CD de propias versiones ORIGINAL SIN q pertenece o abre el cd THE SWING seguida de MELTING IN THE SUN donde un FAN QUIERE MATAR A HUTCHENCE [q me dio su cerveza MEXICANA CORONA en Sala DIVINO AQUALUNG solo 40 dias despues de grabar VIDEO "TIME" del cd FULL MOON, DIRTY HEARTS en un concierto en el HANGAR DE SANTA MONICA donde tras cantar NEW SENSATION nombro a la banda y dijo YOU ARE JESUS con camiseta de HUSTLER=ESTAFADOR/A=REVISTA DE o CON DESNUDOS FEMENINOS similar a la española INTERVIU a la q debia su IMPERIO el malogrado ANTONIO ASENSIO junto a revista TIEMPO para luego PROSTITUIR DE FORMA DESCOMUNAL el PUTO FUTBOL con los DERECHOS TELEVISIVOS x el PACTO DE NOCHEBUENA]..x VENGANZA y se ven mensajes apocalípticos fugaces como EL FIN ESTA CERCA, ESTAMOS TODOS CONDENADOS, SEXO, PECADO,ETC..

..yo tengo un PRIMO llamado JUAN LUIS [hijo de un hermano de mi madre como era otro q fue CORONEL del EJERCITO D AIRE q murió con 50 años de ICTUS] q era un HIPPIE q se fue a la INDIA [lema LA VERDAD SOLA TRIUNFA] y se HIZO MILLONARIO al empezar a IMPORTAR cosas de allí jaja

[trastornadosrevista]

EMI - Emiliano Brancciari lanza su carrera solista y estrena “KOREA”

Emiliano Brancciari montó el proyecto EMI para poder darle una vuelta de tuerca a su faceta como compositor, toma el desafío de cambiar radicalmente el proceso creativo en el estudio para ver a dónde lo lleva. El resultado es una perfecta colección de canciones, que tienen a la vez, su sello personal y un eje sonoro totalmente diferente.

"Korea" es el primer sencillo del nuevo álbum de EMI: "Cada Segundo Dura Una Eternidad" que se estrenará en plataformas digitales el próximo 16 de diciembre. Fue grabada y producida por Héctor Castillo (NTVG, Gustavo Cerati, David Bowie, Los Fabulosos Cadillacs, Philip Glass) en enero de 2022 en su estudio de Nueva York GB's Juke Joint y fue masterizada por Dave McNair. Contó con la participación de Gerry Leonard en guitarra (David Bowie), Dan Mintseris en teclados (St. Vincent, Elvis Costello & The Imposters, David Byrne), Jeff Hill en bajo (Bruce Springsteen, Vicentico, Regina Spektor, Rufus Wainwright), Aaron Steele en batería (Hayley Williams, Portugal The Man, Jose James, Chrome Sparks), Chris Bruce (Draco Rosa, Seal, John Legend) y Glenn Patcha en teclados. Este nuevo single está acompañado de un videoclip estilo documental que retrata de manera precisa lo que sucedió en enero de 2022 en el estudio de Long Island mientras se grababa el álbum. Logra capturar a la perfección la energía creativa y el intercambio musical entre los involucrados. Fue filmado por Ross Mayfield y editado por Pablo Abdala. https://youtu.be/LStBpgnV7UU

“Luego del lanzamiento del disco LUZ de NTVG en mayo de 2021, la pandemia continuó unos meses más, y con ella la imposibilidad de tocar en vivo. Fue con ese envión creativo que seguí componiendo y grabando maquetas en mi casa que nacían desde un lugar más íntimo aún, y sin pretensiones de terminar en un disco de la banda. Al poco tiempo decidí, con el apoyo de mis compañeros, dar vida a esas canciones y grabarlas con otros músicos; vivir una experiencia diferente a las que estoy acostumbrado. Fue por eso que en enero de 2022 viajé a un estudio en Long Island City, New York a grabar un álbum producido por Héctor Castillo. Korea es el primer single de éste disco que contiene 12 tracks, que si bien fueron también escritos por mi, se alejan un poco del estilo NTVG, si es que existe uno. Habrá dos adelantos más y el álbum completo estará disponible a fin de año. Quisiera agradecer a los grandes músicos que grabaron junto a mi y pusieron su talento y su corazón a disposición de las canciones, a mis compañeros por darme la oportunidad y la libertad de seguir creciendo como artista y a ustedes por el amor y el apoyo. Ojalá les guste. EMI.”

EMI

Cada Segundo Dura Una Eternidad

Estreno: 16/12/2022 Tracklist: 1 Fe En Lo Que Yo Quiera 2 Korea 3 Que Sigas Bien 4 El Rey Ha Muerto Ft. Jim Keller 5 Rufián 6 De Esos Días 7 Insuperable 8 Quise 9 Sirenas 10 Roma 11 Yo Lloraré Con Vos 12 Un Rato Más Todas las canciones compuestas por Emiliano Brancciari.

[omarcd]

Videos de Panteón Rococó por los desaparecidos

El compromiso social de la banda mexicana renace a través de su nuevo álbum, Ofrenda, con una decena de canciones de amor muy conocidas en América Latina llevadas a siete video-clips, crudamente teatralizados por el jalisciense Cristóbal González Camarena, en torno a problemáticas de represión y desapariciones. Tres integrantes del conjunto de ska y rock convidan a escuchar este trabajo por primera vez en vivo los días 10, 11 y 12 de diciembre en el Foro Sol, “tratando de reconstruir nuestras vidas y conciencias a lo largo de casi 27 años juntos”.

Bonilla, “Monelo” y Espinosa

Para que la desaparición forzada no se vea normal y sea desdeñada, el grupo de ska y rock Panteón Rococó acompaña su nuevo disco de 10 melodías, intitulado Ofrenda, con siete videos hilando la historia ficticia y dolorosa de Iván Ortiz, un albañil raptado a quien su esposa Juana busca.

El covid-19 impidió a Rodrigo

Bonilla Gorri (guitarrista), Paco Barajas (trombón), Felipe Bustamante (teclado), Darío Espinosa (bajista), Luis Román Ibarra Dr. Shenka (vocalista), Missael Oseguera (saxofón), Leonel Rosales Monelo (guitarrista) y Tanis (percusión), celebrar los 25 años de la banda los días 7, 8 y 9 de mayo de 2020 en el Foro Sol.Ya con boletaje agotado tuvieron que cancelar las fechas por la emergencia sanitaria. Bonilla, Espinosa y Rosales narran en entrevista se resguardaron y empezaron a reunirse vía Zoom a principios de este 2021. El primero comenta:

“Los ocho estuvimos muy desconectados y algunos se pusieron a crear música y otros nos dedicamos a un montón de cosas... De repente brotó la idea de ‘¡vamos a realizar algo!’, y surgió la convocatoria de Sony Music, la cual nos distribuye, proponiéndonos trabajar un disco con temas de Juan Gabriel, y sugerimos que fuera de más autores, para tropicalizarlos a Panteón Rococó.”

Se dejaron guiar por el equipo del productor Armando Ávila –creador de éxitos de música en español y generador de artistas–; amplía Bonilla: “Hubo nerviosismo, porque él es como el rey Midas del pop, pero… creo que ya estamos más allá del bien y el mal, nos dejamos conducir bien y Armando también nos demostró que posee un lado roquero muy importante.”

En cuanto a los videos, los tres señalan que le dieron toda la libertad a Cristóbal González Camarena, de Unlimited Films, para dirigirlos. Monelo detalla: “Nosotros estamos acostumbrados a realizar versiones de artistas que nos gustan desde hace mucho tiempo, y ya traíamos la idea de grabar un disco sólo con adaptaciones de otros artistas. Entonces nos dimos a la tarea de escoger entre alrededor de 100 canciones para que únicamente quedaran 10 en el álbum.

”Sin demora, Espinosa detalla que es un homenaje a compositores ya fallecidos de música iberoamericana “que nos marcaron”. Las canciones de Ofrenda, décimo álbum de los ocho músicos, se encuentran disponibles en plataformas digitales desde noviembre y son: “Vivir así es morir de amor”, del español Camilo Sesto (1946-2019); “Veinticinco rosas”, del popular Joan Sebastian (1951-2015); “Te vas a acordar de mi”, del “muñeco” Lalo (19592016) de los Tex-Tex, además de las melodías “Hasta que te conocí” y “Caray”, del Ídolo de Juárez Juan Gabriel (1950-2016). También: “¿Por qué no puedo ser del jet set?”, del porteño Gustavo Cerati (1959-2014), de Soda Stereo; “El lado oscuro”, del hispano Pau Donés (1966-2020), de Jarabe de Palo; los boleros “Por ti”, de Óscar Chávez (19352020), y “Cuando estoy contigo”, de Armando Manzanero (1935-2020), y “Cómo quisiera decirte”, del chileno Mario Gutiérrez, de Los Ángeles Negros, fallecido a los 71 años en enero pasado.

“Hasta que te conocí” cuenta con la colaboración del rapero guanajuatense Santa Fe Klan, y en “Caray”, del grupo colombiano Monsieur Periné. Animado, Rosales continúa:

“No hay que olvidar que son éxitos, por lo que Armando Ávila leyó bien a Panteón y lo mismo sucedió con los videos. Cuando nos presentaron a González Camarena, de Guadalajara, nos hizo la propuesta de llevar todas las canciones, que nacieron en un contexto más de amor, a un conflicto social como son los desaparecidos. Al principio dijimos: ‘¿Cómo?, ¡si no tienen nada que ver!’, pero al leer el guion resulta que les dio otro sentido a las rolas.”

Filmación conmovedora

El conjunto Panteón Rococó –adaptaron el nombre de la obra teatral El cocodrilo solitario del panteón rococó, escrita por Hugo Argüelles en 1981– se trasladó a la capital tapatía para la filmación.

Lo que vivieron allá fue “muy emotivo”, pues estuvieron rodeados de familiares de desaparecidos, que salen en los videos. Rosales se enteró así de que Jalisco es el estado con mayor número de gente desaparecida en la República Mexicana.

Es la primera vez que uno de los discos de la banda posee siete videos, enfatiza Gorri (“normalmente era uno, y en los mejores momentos de las disqueras fueron tres”).

En esas breves cintas, Juana, la esposa de Iván, recuerda las canciones que escucharon juntos.

El pasado 15 de octubre se estrenó en YouTube, primero, el video del capítulo 2 titulado Semillas, con la melodía “Vivir así es morir de amor”. Se ve a Juana acampar como protesta frente a un edificio y poner un cartel con la foto de su esposo desaparecido. Una periodista la ve en las redes y la busca para entrevista. Su nota la titula: “Iván Ortiz fue privado de su libertad cuando iba camino a su casa después de una jornada laboral”. (https://www.youtube.com/watch?v=+U8YTMdLztZ)

Para el 21 de octubre subieron a YouTube el capítulo uno Detonante, con la pieza “Te vas a acordar de mí”. Aparece a cuadro el personaje Iván recargado en un poste. Llega una camioneta negra de donde salen dos tipos, lo secuestran, lo llevan a una casa, lo golpean, lo sacan ya maltrecho y lo vuelven a subir a la camioneta, la cual se pierde por un sendero (https://youtu.be/tdBKJ2o0h2k).

Rosales revela:

“Fue muy duro y muy fuerte. Una persona que estaba con nosotros para el rodaje del video nos contaba que el día anterior había recibido una parte del cuerpo de su desaparecido, ¡que se lo estaban entregando por partes!, eso te destroza, a pesar de que no lo vivas tú directamente… Todos los capítulos forman un corto muy interesante. Sacamos primero el capítulo dos, luego el uno, siguió el tres, un poco extraño ese movimiento; pero ya estamos en vías de dar a conocer los demás”.

Frente: “Monelo”, Espinosa, Bustamante, “Dr. Shenka” y Bonilla. Atrás: Oseguera, Tanis y Barajas

El capítulo 3, Efecto dominó, con la melodía “Veinticinco rosas”, se lanzó el 27 de octubre. Llega una artista plástica en donde acampa Juana y pinta un mural. En el lugar ya hay más familiares de desaparecidos protestando (https://youtu.be/ FVcKutKPYGw).

La otra cara de la moneda, con la canción “El lado oscuro”, es el capítulo 4, y se presentó el 19 de noviembre; vemos a un policía que sale de su casa, pero una vez en la calle y con su compañero de patrulla, intercepta a unos jóvenes y les quita el poco dinero que traen. Luego regresa a su casa con regalos para su familia. En la televisión aparece Juana buscando a sumarido (https://youtu.be/Cgiu8yNWn8Q).

Los otros tres capítulos aún no se publican. En la segunda semana de diciembre saldrá el video de “Por ti”.

El director de los videos González Camarena (Jalisco, 1989) estudió Ciencias de la Comunicación en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO), en Guadalajara. Ha recibido premios como mejor director, mejor video, mejor guion y mejor concepto creativo por diferentes proyectos en el certamen Pantalla de Cristal.

Compromiso social

Panteón Rococó –que cuenta con más de 400 conciertos en Europa durante este siglo– adquirió un compromiso social desde el inicio. Surgió en Iztapalapa en 1995, bajo el grito de “paz, baile y resistencia”, por lo que siempre ha apoyado a los indígenas; ofreció tocadas en apoyo al movimiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional, siendo una banda que se preocupa por los problemas ambientales y está a favor del feminismo.

A decir de Bonilla, Espinosa y Rosales, la desaparición forzada no debe quedar en el olvido. El último evoca:

“Nosotros ya habíamos abordado el tópico desde nuestros comienzos. Es complicado enterarse que 15 o 20 años después sigue el asunto. No hay que quitar el dedo del renglón. Se debe evidenciar. Y Panteón Rococó puede ser un vínculo con ese tipo de información y crear conciencia de que debe cambiar la situación. Todos debemos formar una red de apoyo.”

Bonilla enfatiza que la desaparición forzada es una problemática heredada desde hace décadas, pero ahora “nos está rebasando a todos, no nada más al gobierno, sino como sociedad”, por lo tanto e proyecto significa “algo crucial para Panteón, para que eso se detenga”. Sigue: “El primer encuentro que tuvimos con familiares de desaparecidos fue con los padres de los 43 estudiantes de Ayotzinapa; por cierto, nuestro concierto en Chilpancingo fue boicoteado por la policía federal y nos mandaron a Tixtla, allá por diciembre del 2014.

”En México hay 94 mil 426 personas desaparecidas y no localizadas desde 1964, de acuerdo con el Registro Nacional de Personas Desaparecidas.

Panteón Rococó interpretará las melodías de Ofrenda por primera vez en vivo los días 10, 11 y 12 de diciembre en Foro Sol. Celebrarán ahí sus casi 27 años.

Cierra Rosales: “Es una ofrenda por la gente que fa lleció por el coronavirus y por los que seguimos vivos y tratamos de reconstruir nuestras vidas y conciencias.”

COLUMBA VERTIZ DE LA FUENTE

Paniagua. El espíritu de los sueños

El canto florido y el arpa dorada de Alejandra Paniagua

Lugar de refugio, la música es el espacio creativo donde la arpista y cantautora Alejandra Paniagua puede analizar sus emociones y transformar las vivencias propias en una suerte de terapia para desahogarse y compartir con el público.

Nació el 20 de septiembre de 1993 en la colonia Ferrer Guardia, de Xalapa, Veracruz, “a una cuadra de la Facultad de Humanidades de la Universidad Veracruzana”.

Ella unió su arpa dorada en intimidad con su suave canto, dando a conocer un disco EP hace cinco años, y recién ha terminado las grabaciones de un primer álbum de 10 temas, denominado Flores, los mismos que ofrecerá en recital este viernes 3 de diciembre en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, a las 20:30 horas. (ver su pieza “El aguante” https://youtu.be/Z7QrkuJX884)

Te escondiste en tu inocencia ( pueblerina…

El aguante no es más que temor al ( propio vuelo…

Entre 2018 y 2019 fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

“Me tranquiliza mucho cantar –dice telefónicamente desde la capital veracruzana–, me complace bastante generar esa sensación de suavidad para quienes me escuchan. Y es algo muy urgente brindar algo de calma en estos momentos cuando todo es tan acelerado, tan fuerte y eufórico, es una necesidad para mi voz el reflejar instantes de sosiego.

“Flores lo dedico a las abuelas. Siete composiciones son mías y dos más son arreglos basados en otras piezas que me gustan mucho, una es la zamba argentina ‘Alfonsina y el mar’, sobre la poeta Alfonsina Storni, y la otra ‘Yo vengo a ofrecer mi corazón’, de Fito Páez. La canción que da título a Flores es homenaje a mis abuelas y la pensé casi como una pintura. Tenía imágenes de sitios donde había estado de visita, y de ellas… hablo de mis dos abuelas incluso con un juego de palabras mencionando sus nombres, y de paisajes donde las visualizo, porque Flores viene de un lugar en Guatemala que es una isla paradisiaca en medio de un lago hermoso, Isla de Flores”.

En 2017 viajó a esos parajes de sus ancestros guatemaltecos y se enamoró de aquella reserva natural, en maya Noj Petén (también escrito Noh Petén), que significa “isla principal”. Dice Alejandra Paniagua que sus abuelas llevan por nombres Margarita [García] y Olga Marina [Paredes], lo cual motivó a que jugara con las palabras a flor de piel. Otra de sus melodías más sentidas es “Querido pájaro negro” (ver https://youtu. be/37jPZ0ni8Lk):

Dile que ya no le lloro, ay, dile que ya no le canto…

Cristalizar sueños

Cantar es un don que Alejandra cuida. ¿Cómo? Explica:

“La clave número uno es dormir. Los desvelos son muy malos para la voz, hay que tomar mucha agua (si es de limón mejor), vocalizar durante pequeños ratos en el día, no exponerse a climas extremos, cuidar de no gritar en reuniones. El cigarro es malísimo, el alcohol en exceso también. Como deporte me gusta correr y últimamente jugar basquetbol, de repente, ir así, a “las retas” en las canchas. Y me gustan los tés, muchísimo, son muy buenos para la garganta y mi cuerpo, justo en estos días siento como que me estoy resfriando y tengo ahí un rico frasquito de miel con cúrcuma y un combinado de hierbas que me ayuda.”

–¿Había soñado en estar algún día entonando sus canciones y tocando el arpa en el escenario del Teatro de la Ciudad?

–Sí, pero fíjate, quizá no era el Teatro de la Ciudad de México, aunque sí en algún teatro muy grande…

“Lo tengo muy claro, pues hice un dibujo de niña que está por ahí, perdido, a los 10 años cuando comencé a tocar arpa. Yo dibujo mucho por mi papá [el artista plástico Emmanuel Paniagua]. Una vez me retraté a mí misma tocando un arpa dorada en un teatro, no sabía qué teatro era, simplemente lo dibujé a lápiz, era un dibujo muy ingenuo. Tenía muy claro que era un arpa dorada y que era un teatro muy grande con un telón rojo. Casualmente hace un par de años ya mi arpa es dorada: ¡la pinté! Fue una cosa muy inconsciente, que ahora que lo he estado pensando ¡guau!, este concierto yo ya lo había estado proyectando siendo niña, como que estoy cumpliendo aquel fuerte sueño infantil, más allá de lo banal o cursi o cliché que pueda ser eso de que hay que perseguir tus sueños y de nunca claudicar, para seguir, perseverar y dar todo. Creo que existe algo de real ahí, uno de niño puede plasmar una ensoñación, y en mi caso me siento muy afortunada porque mi contexto familiar me permitió ser artista, mi mamá me ha apoyado bastante.”

Su historia musical viene de herencia paterna. El abuelo fue músico e hijo de Raúl Paniagua, su bisabuelo, pianista virtuoso y niño prodigio de Guatemala, quien a los cinco años ya daba conciertos acompañando al Ballet de San Francisco, California, compositor de Sinfonía de los mayas que estrenó en Nueva York. Su familia llegó a México exiliada de Guatemala en los ochenta, huyendo de la represión. Se establecieron en Veracruz

.–¿Cómo llama usted a su arpa dorada?

–Pues yo le digo La chula –ríe–, es como su apodo.

Alejandra irá acompañada en el concier to del Teatro de la Ciudad por Geo Equihua, Benjamín Walker, y Paz Court, ésta “una cantautora chilena y mi querida amiga que conocí en la Ciudad de México en 2019”. Su música, dice, “me recuerda al son jarocho, pero igual experimenta lo acústico y lo electrónico, es una Violeta Parra moderna”. Entonces subraya:

“Yo adoro la música latinoamericana, sobre todo de Chile y Argentina. Como Mon Laferte, me identifico con ambas porque, pese a la situación política tan dura de represión que están sufriendo en Chile, las mujeres vuelcan lo mejor de sí mismas para ser cordiales y bondadosas.

”Ir de gira por Sudamérica es uno de sus sueños.

–¿Cuál es su sentir sobre el momento político que vive su generación?

–Mi feminismo ha pasado por varias etapas. Yo comprendo muy bien la rabia, el enojo, el coraje, porque a mis 28 años lo he vivido como mujer y sí que he sentido mucho miedo de repente, ¿no? Como que en cualquier momento me puede suceder algo malo o a mis amigas, a gente que quiero.

“Sin embargo, creo que toda esta violencia proviene por haberse englobado la situación, pues no sólo es: ¡mujeres contra hombres! No, ni viceversa. Tengo la sensación de que a partir del enojo, de la rabia, del caos provocado, las cosas ya se van reacomodando. No olvidemos que el feminismo lo que busca es liberarnos a todos, y una de las formas es no excluir a los hombres. La solución no es haciendo un mundo nada más de mujeres. Hay que cambiar la forma de relacionarnos entre todos, y eso no se logrará excluyendo a los hombres ni expandiendo este odio. Llegó una marea de odio muy fuerte, mediática, y de ciertos grupos feministas radicales, un odio que personalmente no comparto.

”Por ende, el canto de Alejandra Paniagua es por el triunfo del amor y por el renacer de las flores en la Tierra, con el canto y el tañido de su arpa.

ROBERTO PONCE

[ceratiunsoda]

Hoy se cumplen 10 Años del último recital de la gira "Me Verás Volver" de Soda Stereo . #SodaStereo #Cerati "Todo este tiempo sin Soda fue muy enriquecedor para mí, necesitaba abrirme". -Gustavo Cerati Soda Stereo se reunió una década después de su separación. El 21 de Diciembre de 2007, el trío realizaba el 6to River de la Gira Me Verás Volver, con el que se despediría finalmente de los escenarios. Cerati, Gustavo. Guitarrista, cantante. Todo este tiempo sin Soda fue muy enriquecedor para mí. Después de tocar en una banda tanto tiempo necesitaba abrirme a compartir con otros artistas, abrir más el panorama musical. También necesitaba hacerme cargo de mi propio rumbo y esa perspectiva me hizo crecer mucho. Humanamente pienso que el tiempo sirvió para cicatrizar heridas y mirarnos más francamente, aunque no seamos todo lo unidos que fuimos alguna vez. Recuperar el humor y pasarla bien con todo esto es la clave. Seguir jugando. Porque el dinero en danza es sólo una parte y no puede comprarte amor. Es posible que no represente para mí un desafío a nivel artístico como todo lo que vengo proponiendo como solista, pero es un verdadero placer compartir nuevamente con ellos esa magia que se produce cuando nos juntamos a tocar. Es algo para disfrutar. Hay momentos en que siento lo gratificante que es ver a Charly y a Zeta tocando sus instrumentos nuevamente. Los tres volvemos a una especie de adolescencia. De hecho, las versiones suenan más frescas que en toda la última época. Diría que menos contaminadas. El concierto final fue algo muy pesado para mí. No porque estuviéramos peleados como mucha gente cree, sino por la carga emocional que tenía una despedida anunciada. Era la sensación de agotar la última reserva de energía tratando de que, aun en la agonía, pudiéramos presentar un espectáculo digno. Actualmente, cuando veo esos shows, siento que la música sufrió mucho menos de lo que yo individualmente sentía y me alegro por eso; hubiera sido un poco frustrante por todo lo que hicimos. Luego sobrevinieron el alivio y la necesidad de pensar para adelante, pero reponer las energías me llevó un buen tiempo. ¿Cuál es el primer recuerdo -el primero- que tienen de Soda? Me acuerdo de que entre el 82 y 83 teníamos unas ganas locas de salir a tocar por primera vez y no nos animábamos, buscábamos un cuarto integrante, ensayábamos casi todos los días, escuchábamos juntos mucha música y grabamos nuestro primer demo en casete. Varios amigos, como Richard Coleman, Daniel Melero, Ulises Butrón, Eduardo Rogatti y otros se sumaban a esos ensayos, pero no salíamos de ahí. Parece que éramos demasiado exigentes y teníamos la ilusión de controlarlo todo. Finalmente, una noche estábamos los tres comiendo unos tallarines en la casa de Charly y recibimos un llamado de alguien que nos pedía tocar en un bar de Núñez, ya que la banda Nylon, contratada para esa noche, no podía tocar. Cargamos todo en una furgoneta y fuimos. No recuerdo que hubiera mucha gente, pero tocamos con una excitación desbocada. No creo que tuviéramos más de seis o siete temas, pero los hicimos durar una eternidad. Esa noche había un directivo muy conocido de CBS, Horacio Martínez, productor de Los Gatos y otros. Quedó flasheado con la banda y nos propuso un contrato para hacer nuestro primer disco. No podíamos creerlo, al fin rompíamos el cascarón y con yapa, así que en la madrugada regresamos a comernos los tallarines recalentados. ¿En qué momento de los diez años extrañaste más a Soda Stereo? No registro un momento en particular, supongo que es porque, por un lado, no soy muy nostálgico y porque estuve concentrado y entretenido en mi propio viaje, disfrutando a full. Eso no significa que no vengan a mi memoria recuerdos y experiencias imborrables con la banda. Además, en muchos lugares por donde ando tocando, anteriormente, estuve con Soda, así que salen a la luz anécdotas e imágenes que me conectaban con eso. Igualmente creo que fue sobre todo la gente la que mantuvo viva la cosa. Sobre Cerati se supo casi todo: desde los experimentos abstractos de Plan V (su proyecto electrónico experimental con el que salió a tocar apenas minutos después del "Gracias totales") hasta la gira internacional de Ahí vamos, su reconciliación con el público masivo. Indudablemente, por la repercusión, la gente estaba esperándolos: ¿qué crees que Soda le devuelve al rock nacional y latino? ¿Qué vuelve con ustedes? Soda se convirtió en una banda muy grande, pudimos combinar sofisticación y popularidad, incorporar elementos sonoros y estéticos de vanguardia con una visión pop y rockera. Varios discos potentes, shows tremendos, un montón de canciones, historia. Lo popular hoy en día parece un sinónimo de chato y falto de vuelo. Por supuesto que hay mucha gente por ahí haciendo música increíble pero pocas bandas pueden hacer gala de tantos años de éxito masivo y al mismo tiempo proponer evolución, sintonía, excitación y búsqueda. Nosotros redoblamos la apuesta con cada disco y gira, nos animamos a la aventura de hacer lo que nos parecía y sobrevivir a ello. No es poco. Convengamos que ahora vivimos otra época y eso le otorga una mística extra a todo lo que hicimos entonces. También creo que la repercusión de mi carrera solista levantó la temperatura para este encuentro. ¿Cuál era tu relación con la obra de Soda? ¿Más allá de para tocar los temas, escuchabas los discos? Es parte de mi historia, por supuesto, y aunque uno dé vuelta la página, porque es necesario y vital hacerlo, son muchas las canciones e imágenes que han quedado resonando en la gente y en uno mismo. Y aun en un montón de músicos a los que les cuesta reconocerlo. Siento orgullo de haber sido parte de una banda así y creo que provocamos un sentimiento similar en mucha gente. Es una gran responsabilidad estar a la altura de ello y aunque no va a volver a repetirse algo semejante, podemos hacer algo especial y único nuevamente. Así que toda esta movida también es un desafío. Francamente, ¿acaso no es eso una característica de Soda? ¿Estás nervioso? En todo caso son nervios que valen la pena, me mantienen ocupado. Siempre es más agradable pensar en un hola que en un chau, así que me preparo para una graaan fiesta. ¿Y tu primer plan para 2008? Descansar de todo ayer. Foto: Fernando Gutiérrez y David Sisso Vía: Rolling Stone Argentina

[elmorochodeboulogne]

LAS 10 DE LOS 80

Si nos remontamos a los años ochenta en la Argentina, nos resultará imprescindible mencionar algunos hitos que marcaron dicha década: el fin de la dictadura, el renacimiento de la democracia, la guerra de Malvinas, el juicio de las Juntas, la hiperinflación y el Mundial 86 son algunos de los hechos más destacables de aquella época. Esos años de cambios políticos desembocaron también en una revolución creativa que impacto en áreas como las artes visuales, la moda, el teatro, el cine, el mundo del espectáculo, las publicidades, el periodismo gráfico y audiovisual y los medios de comunicación en general. La sociedad finalmente lograba satisfacer sus necesidades expresivas luego de tantos años de censura, acostumbrada a una época donde prácticamente todo estaba prohibido y la libertad, entendida en todas sus formas, muy limitada. Pero probablemente el ámbito donde más se haya traducido lo mencionado anteriormente sea en el musical: los ochenta significaron una década determinante para el rock nacional, plagada de cambios de estilo y estéticas, letras más osadas y la aparición de nuevas bandas que marcarían para siempre la historia musical del país, influenciando a grupos que se destacarían durante los años posteriores y logrando que el género se convirtiera en un fenómeno popular y uno de los rasgos más característicos de la sociedad. Dicho esto, para cualquier amante de la música significaría muy difícil armar un ranking de canciones surgidas en esos diez años. Hay demasiado material. Sin embargo, me pongo el traje de seleccionador y a continuación menciono diez canciones de los años ochenta. Las 10 de los 80. No necesariamente las considero las mejores canciones de la época, pero sí que por algún motivo tenían que estar, y los mismos son expresados brevemente. 1- LOS DINOSAUROS, Charly Garcia (1983): El puesto número uno no podía ser para otro que para el numero uno, el máximo exponente de aquellos años. Charly deja Seru Giran en el 82 para emprender una exitosa carrera de solista, lanzando en los años posteriores tres de los mejores discos de la historia: Yendo de la cama al living, Clics Modernos y Piano Bar. Los Dinosaurios es la mejor y más explícita canción relacionada con la, en aquel momento, reciente dictadura militar. Aunque el mismo Charly haya manifestado que no pensó en los militares al componerla, esto parece poco creíble al escuchar la letra de la canción, que se ha transformado en una especie de himno para todos aquellos que perdieron seres queridos durante aquellos años oscuros. 2- JIJIJI, Los Redondos (1986): Si Oktubre no es el mejor disco de la historia del rock nacional, pega en el palo (y probablemente entre). La máxima obra de los Redondos, la cual les otorgo el salto a la fama, también contiene su canción más simbólica. Jijiji, la responsable del pogo más grande mundo, es una eminencia de nuestro rock. La melodía introductoria de Skay, con esos rasgos pegadizos que al mismo tiempo generan algo de suspenso y ansiedad, es la calma que antecede al huracán. Muchas teorías y mitos se han generado a partir de la duda que plantea el verdadero significado de la canción, pero el mismo Indio Solari se ha encargado de aclarar que la misma habla de los efectos de la cocaína. 3- PERSIANA AMERICANA, Soda Stereo (1986): Un grupo de tres jóvenes influenciados por bandas como The Police o The Cure, que cuatro años atrás habían dado comienzo a ese proyecto llamado Soda Stereo realizaban en Signos, su tercer álbum, lo que sería su máximo hit durante esta época. Persiana Americana causo un furor inesperado desde el primer momento que sonó, no solo en Argentina sino en toda Latinoamérica, donde la banda ya se había hecho conocida a partir de Nada Personal. Cuenta con la curiosidad de que fue escrita por un joven para un concurso de un programa radial de la época. A Cerati, aparentemente, le gustó mucho. 4- INCONSCIENTE COLECTIVO, Charly Garcia (1982): La canción forma parte del primer álbum de Charly Garcia, Yendo de la cama al Living, pero ya había salido a la luz un año antes, cuando Seru Giran aun existía. Indudablemente, una de las canciones más emotivas de su repertorio. La alusión a la dictadura militar aun presente en aquel momento y a los nuevos aires que asomaban le dan un contenido sentimental importante, siendo hoy en día una especie de himno de la libertad y estando presente en muchos eventos benéficos. Inconsciente Colectivo tuvo su punto más alto al ser interpretado por Mercedes Sosa en el mítico recital del 26 de diciembre del 82 en Ferro, en el que Garcia presentaba su álbum. Este recital, además, contó con la asistencia de 25.000 personas, lo cual significo un récord en aquel entonces, siendo además la primera vez que un artista realizaba un show en un estadio de futbol 5- LA RUBIA TARADA, SUMO (1985): En el año 1980 aterrizaba en Argentina Luca Prodan, un italiano con estudios académicos realizados en Inglaterra que se refugiaría en Córdoba para escaparle a su adicción a la heroína. Tiempo después, se instalaría en Hurlingham y fundaría definitivamente la banda SUMO, cuya alineación es no menos que un Dream Team: Prodan, Mollo, Arnedo, Pettinato, Superman Troglio, Sokol y Daffunchio, aunque no todos al mismo tiempo, fueron los encargados de hacer sonar a una de las bandas más revolucionarias de la historia de nuestro rock. La mayoría de estos personajes, una vez disuelto el grupo por la muerte de su cantante en 1987 debido a su adicción a la ginebra, formarían dos bandas hasta el dia de hoy continúan siendo protagonistas del rock nacional: Divididos y Las Pelotas. Supieron ser los reyes del movimiento underground y los primeros en cantar canciones en inglés, incluso durante la Guerra de Malvinas (lo cual les trajo problemas) y recién sacaron el primero de sus tres discos en 1985. El nombre del mismo es Divididos por la felicidad y contiene su primer hit: La Rubia Tarada. En este, Luca describe una noche en la discoteca New York City (uno de los boliches porteños más exclusivos de aquella época), el cual estaba plagado de mujeres de clase alta a, quienes describe como conchetas, huecas y superficiales, y pseudo-punkitos queriendo aparentar algo que no eran. Cansado de este ambiente, Prodan dice basta y se va rumbo a la puerta y después a un boliche a la esquina, a tomar una ginebra con gente despierta. Según el, esa sí que es Argentina. 6- NOS SIGUEN PEGANDO ABAJO, Charly Garcia (1983): Clics Modernos fue grabado en Nueva York y traía consigo un sonido innovador. El new wave no fue ajeno a Charly Garcia, que comenzaba a reinventarse y por primera vez realizaba canciones con ritmos bailables. Nos siguen pegando abajo fue una de esas y, como para no perder la costumbre del cantante, hace referencia a la represión de fuerzas policiales de la dictadura militar que finalizaría casi paralelamente con la salida del álbum. 7. MIL HORAS, Los Abuelos de la Nada (1983): En el año 81, Miguel Abuelo reinventó a Los Abuelos de la Nada, banda que había sido creada a fines de los 60, convirtiéndose en una de los primeros grupos de rock de nuestro país. Para esta nueva etapa, convoco a algunos jóvenes artistas que estaban dando sus primeros pasos, como Cachorro Lopez, Gustavo Bazterrica y nada más y nada menos que Andrés Calamaro. La banda  no tardo en alcanzar el éxito, que duraría unos cinco años, con canciones como Lunes por la Madrugada, Costumbres Argentinas, Himno  de mi corazón o Sin Gamulán. Pero sin dudas su tema más popular, tanto a nivel nacional como latinoamericano fue Mil Horas, compuesta y cantada por el joven Calamaro. La canción alcanzó un éxito masivo instantáneamente, convirtiéndose en una de las canciones más destacadas de la década y que continua vigente en estos días, siendo versionada por infinidad de artistas. Existen varias hipótesis acerca de su significado: la Guerra de Malvinas, un desamor del cantante y una apología a las drogas son las teorías más relevantes. 8. UNA LUNA DE MIEL EN LA MANO, Virus (1985): Si hablamos del movimiento new wave de los primeros años de los 80, no podemos ignorar a Virus. La banda de los hermanos Moura fue una de las grandes protagonistas de esta renovación musical y tuvo un acentuado impacto en el rock. En una época en la cual las letras de las canciones solían tener un contenido serio y un sonido clásico, Virus rompió paradigmas haciendo canciones  divertidas y comerciales, que sonaban en las discotecas y los bares. Su música bailable, alegre y de contenido sexual, al igual que la estética de los integrantes y su forma de moverse en el escenario generaron gran revuelo, ganando adeptos pero también críticos. Una luna de miel en tus manos fue su mayor éxitos de aquellos años. La referencia a la masturbación es tan obvia como sutil y su ritmo, conducido por el sonido del teclado, extremadamente pegadizo. 9. TIRA PARA ARRIBA, Miguel Mateos/ZAS (1984): Otro de los referentes del new wave. Miguel Mateos compuso uno grandes clásicos de los 80. Tira para arriba es un símbolo de esos años y de las canciones bailables que sonaban por aquellos tiempos. Su arranque calmo con la seductora voz de Mateos, su atractivo ritmo y su pegadizo estribillo, sumados a su letra que es cuasi una oda a la alegría, son los pilares de este éxito que no entiende de décadas. 10. REZO POR VOS, Charly Garcia & Luis Alberto Spinetta (1985): ¿Cómo no iba a estar presente una canción compuesta por los dos personajes mas importantes del rock nacional? Garcia y Spinetta comenzaron un proyecto conjunto en 1985 que luego quedaría trunco. Sin embargo, de esa fusión surgió Rezo por vos, una de las canciones más conocidas del rock argentino, que sería incluida por Spinetta en su álbum del año siguiente, Prive y por Charly en Parte de la Religion, en 1987. Cuenta con una particular historia que indica que cuando estos dos personajes se presentaron en televisión para dar a conocer su primera canción conjunta, en el momento en el que entonaban la estrofa que dice ‘’Y queme las cortinas y me encendí de amor’’, Charly recibió un llamado para ser informado de que su departamento se estaba incendiando

[aricastmblr]

Hace 10 años te hiciste eterno.

10 años sin Gustavo Cerati

Gustavo Cerati: 1959 - ∞

Y sigues aquí, entre nosotros. ¡Gracias por venir! ¡Gracias Totales!

∞

Cerati <3

[rocktails]

10 imperdibles del MUTEK Argentina 2019

Se viene la tercera edición de MUTEK Argentina en Buenos Aires y, como no podía ser menos, Rocktails te recomienda lo que para nosotros son un “must” en este festival de música y arte de avanzada. El evento se realizará entre el 13 y el 16 de septiembre en distintos puntos de la ciudad como el majestuoso Palacio Alsina, el Planetario Galileo Galilei, La Tangente y el CCK.

Hiroaki Umeda (JP)

Jue 12 – Planetario Galileo Galilei

Desde que lanzó su compañía S20, sus sutiles aunque violentas coreografías se han podido ver alrededor del mundo con el mismo éxito entre público y crítica. Su trabajo es conocido por su metodología artística altamente holística con un fuerte componente digital. Umeda considera que la danza no son solo elementos físicos sino también ópticos, sensoriales y espacio-temporales. Basado en su profundo interés en el tiempo y el espacio coreográfico, Umeda ha mostrado su talento como coreógrafo, bailarín, compositor, diseñador de luces, escenógrafo y artista visual. Su show se dará en el domo del planetario. Quizás uno de los imperdibles para los amantes de la danza contemporánea y las artes visuales.

Nonotak (FR/JP)

Viernes 13 – Palacio Alsina

NONOTAK es la colaboración entre la ilustradora Noemi Schipfer y el arquitecto-músico Takami Nakamoto. Juntos crean deslumbrantes instalaciones de arte visual que cobran vida, fusionan música electrónica, diseño de iluminación con luces estroboscópicas, sombras y múltiples pantallas integradas en estructuras que rodean a los artistas. Noemi y Takami confunden lo virtual y lo real en presentaciones hipnóticas, creando un universo de sonido interactivo y metamorfosis ligera que envuelve no solo a los artistas, sino también al público.

Stefan Goldmann (DE)

Viernes 13 – Palacio Alsina

Cambiando el techno desde lo más profundo, Stefan Goldmann creó su propia forma de música artística contemporánea. Sin restricciones por los límites de la funcionalidad de la música electrónica del club, ni por la más purista, sus trabajos varían desde micro detalles de producción hasta conceptos macro, exponiendo distintos géneros, características formales o formatos técnicos.

Flora Yin-wong (UK)

Viernes 13 – La Tangente

Esculpiendo ambientes y generando terrenos con estilos disonantes, Flora Yin-Wong logró un sonido donde el dubstep más clásico se mezcla con el uk funk, algo de trap, post-dubstep y sonidos futuristas, donde el bass es el soporte de toda esa mixtura introspectiva. Una verdadera joya para los que buscan algo de sonido bailable en la noche del Mutek Argentina.

Gustavo Lamas (AR)

Sábado 14 – Palacio Alsina

Referente de la música electrónica en Argentina, Gustavo Lamas es músico, DJ y productor con una extensa trayectoria local e internacional. Desde su primer CD, Disperso (2008), editó numerosos discos en sellos argentinos y extranjeros, colaborado en una veintena de compilados y realizado remixes de artistas como Gustavo Cerati, Altocamet, Rosario Bléfari, Microesfera, Tickled Trio, Tenfold Lodstar, Fax, Tremolo y Clorofila. Formó parte, con Leo García, del dúo Rascacielos. Integra el colectivo ambient Agencia de Viajes -junto a Pablo Schanton, Ale Ros, Dany Nijensohn y Leo García- y comparte con Ismael Pinkler el dúo Mezcla, en el que se mixturan influencias del house, el techno, el ambient y el pop.

Melero y Tuñon (AR)

Sábado 14 – Palacio Alsina

Daniel Melero es un reconocido y prolífico compositor, tecladista, teórico y productor argentino; pionero de la música electrónica de su país, y un faro ineludible de toda tendencia vinculada al rock. En el año 2013 fue distinguido como “Personalidad destacada de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en el ámbito de la Cultura”.

Diego Tuñón es músico, productor y compositor argentino. Desde el año 1991 integra el emblemático grupo musical Babasónicos, a través del cual produjo una vasta discografía y desarrolló una carrera de alcance internacional. En su faceta de productor trabajó en múltiples discos de artistas referentes de la escena local, como Daniel Melero, Carca, Victoria Mil y Banda de Turistas, entre otros.

Gene Tellem (CA)

Sábado 14 – Palacio Alsina

Ya sea que tome el centro del escenario como DJ, co-creadora de fiestas o productora, Gene Tellem comunica su propio estilo de música soul modificada a través de guiones de house y techno, dedicando sus producciones a ritmos para cabezas asintiendo y cuerpos moviéndose.

Como una experimentada conductora de vibraciones, Gene Tellem irradia todas las características de un buscador sonoro clásico, haciendo referencia a las casas del pasado: delgadas, inclinadas y llenas de surcos en su sonido. Además, cuenta con otro oído muy atento a las progresiones y peculiaridades de mezcla de géneros que define nuestro presente.

IMAABS (CL)

Viernes 13 – Palacio Alsina

IMAABS es el alias productor del artista chileno Cristo Vargas. Su música encuentra y redefine lo experimental en la nueva música de club, un nuevo sonido electrónico que combina naturalmente ritmos futuristas y bailables con ecos de su herencia latina, pero de una manera totalmente poco convencional. “Laboratorio” es una palabra clave para entender la propuesta, una combinación de laborare, trabajo y experimentación, abrir una ventana para pensar en la pista de baile y la música de club como una zona de experimentación radical.

Marco Martínez & Andrea Gana (CL)

Creación en tiempo real donde el paisaje sonoro y visual se centra en la eterna transformación de los elementos, en una geografía irregular y carente de precisión geométrica. NAVAS ofrece un estado contemplativo donde el paisaje abstracto, que por momentos suele ser una creación de “pinturas” en vivo, se hace reconocible, emotivo y fugaz.

A su vez, el paisaje sonoro dialoga con la interpretación en tiempo real de sonidos análogo-digital y “registros de campo” de sonidos tales como: campanas, agua, cuevas, tren subterráneo, entre otros.La re-interpretación del sonido y el campo visual, van confluyendo en una experiencia estimulante, que invita al espectador a transitar por abstractos estados atmosféricos digitales.

CLON x NWRMNTC (ES/UK)

La artista Estela Oliva (CLON) y la productora de música electrónica Ana Quiroga (NWRMNTC –se pronuncia New Romantic-) presentarán sus colaboraciones innovadoras como su proyecto META, una performance inmersiva que integra simulación de videojuegos en vivo con banda sonora en directo.

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Danilo Díaz Granados vio: 50 Pensamientos de Amor para dedicarle a tu pareja

Estos pensamientos de amor vienen de las plumas más prodigiosas de la historia. Poetas, escritores y cantantes consumados que en cada palabra dejaron un pedazo de su corazón. Hoy en Psicocode recopilamos las mejores frases de amor para ti, para que puedas expresar tus sentimientos de la manera más dulce posible.

Se acerca el día de San Valentín, y como todos sabemos una de las formas más bellas de expresar lo que sentimos es a través de los versos de amor. Es por eso, que en esta recopilación quisimos ofrecerte los mejores pensamientos de amor en español para que llegues directo al corazón de esa persona que hace latir el tuyo.

50 Pensamientos de amor que revelarán tu lado más romántico

Pensamientos de amor de canciones:

1. ¿Que habré hecho yo de bueno, para que la vida crea que yo te merecía? Tu amor es más que un mero desconcierto, es más cierto que la poesía. (Jorge Drexler)

2. El lago parece mar, el viento sirve de abrigo: todo se vuelve a inventar si lo comparto contigo. (Silvio Rodríguez)

3. Me pasé la vida imaginándote, no es momento para ser cobarde. (Gustavo Cerati)

4. Y yo muero de ganas de encontrar la forma de enseñarte el alma, y solo se me ocurre amarte. (Alejandro Sanz)

5. El mejor de los pecados, el haberte conocido. Tú no eres sin mí, yo solo soy contigo. (Fito & Fitipaldis)

6. Yo no buscaba a nadie y te vi (Fito Paez)

7. Salir al mundo es como caminar en medio de una guerra, pero a tu lado todo es más seguro porque encuentro paz. (Andrés Cepeda)

8. Mi universo está aquí adentro donde vives tú y por suerte vivo yo. (Ricardo Arjona)

9. Hay amores que se vuelven resistentes a los daños, como el vino que mejora con los años, así crece lo que siento yo por ti. (Shakira)

10. Contigo aprendí que yo nací el día en que te conocí. (Armando Manzanero)

Pensamientos de amor de poetas:

11. Estar o no estar contigo es la medida de mi tiempo. (Jorge Luis Borges)

12. Tengo una atmósfera propia en tu aliento, la fabulosa seguridad de tu mirada con sus constelaciones íntimas, con su propio lenguaje de semilla. (Vicente Huidobro)

13. Andábamos sin buscarnos, pero sabiendo que andábamos para encontrarnos. (Julio Cortázar)

14. Amo como ama el amor. No conozco otra razón para amar que amarte. ¿Qué quieres que te diga además de que te amo si lo que quiero decirte es que te amo? (Fernando Pessoa)

15. Cuando te beso, sé que eres tú, mi corazón te reconoce, eres parte de mi sangre. (Jaime Sabines)

16. Si yo pudiera darte una cosa en la vida, me gustaría darte la capacidad de verte a ti mismo a través de mis ojos. Sólo entonces te darás cuenta de lo especial que eres para mí. (Frida Kahlo)

17. Porque tú siempre existes dondequiera, pero existes mejor donde te quiero. (Mario Benedetti)

18. Amor, cuántos caminos hasta llegar a un beso, ¡qué soledad errante hasta tu compañía! (Pablo Neruda)

19. Tu cuerpo es el paraíso perdido del que nunca jamás ningún Dios podrá expulsarme. (Gioconda Belli)

20. Lo que se llevó el viento, tú me lo has devuelto. (Ángela Botero)

Pensamientos de amor cortos:

21. El amor es una muestra mortal de la inmortalidad.

22. Cómo no amarte si por ti soy lo que soy.

23. Sabes que estás enamorado cuando te das cuenta de que esa persona es única. 

24. ¿Y tú que sabes del amor? Yo te sé a ti de memoria.

25. Y una cosa puedo jurar: yo que me enamoré de tus alas, jamás te las voy a querer cortar.

26. Cualquier lugar es mi casa si eres tú quien abre la puerta.

27. Cualquiera en su sano juicio se habría vuelto loco por ti.

28. La luz no existe si no me alumbras con tu presencia.

29. Fíjate qué coincidencia, que me encontré a la par contigo y con el amor.

30. Solo con mirarte me vuelvo invencible.

Pensamientos de amor de películas:

31. Si de verdad existe alguna clase de dios, no debe estar en nosotros. Ni en ti ni en mí, pero quizás en un pequeño hueco entre nosotros. (Antes del amanecer)

32. Todos tenemos un destino; tú eres el mío. (Cuando te encuentre)

33. Quiero hacer el amor contigo, no sólo una vez, sino cientos de veces, pero no te lo diré nunca, sólo si me volviera loco te diría que haría el amor contigo aquí delante de tu casa, toda la vida. (La vida es bella)

34. Nunca conocí a nadie que de verdad pensara que yo valía la pena, hasta que te conocí a ti. Y tú lograste que yo también me lo creyera, así que, por desgracia, te necesito, y tú me necesitas a mí. (Amor y otras adicciones)

35. Sé que no soy lo suficientemente bueno para ti, pero pasaré el resto de mi vida probando que sí lo soy. (Amor eterno)

36. Me gustas, quien eres ahora es de la misma persona que estuve enamorado ayer; de la misma que estaré enamorado mañana. (Si decido quedarme)

37. Dicen que cuando conoces al amor de tu vida, el tiempo se para… Y es verdad. Lo que no dicen es que cuando vuelve a ponerse en marcha, se mueve aún más rápidamente, para recuperar el tiempo perdido. (El Gran Pez)

38. Hagamos de nuestras manos una sola mano. Hagamos de nuestros corazones un solo corazón. Hagamos de nuestros juramentos el último juramento. Sólo la muerte nos separará. (West Side Story)

39. Amor es una palabra muy débil para describir lo que siento. (Annie Hall)

40. He venido aquí sin expectativas, sólo para declarar, ahora que tengo la libertad de hacerlo, que mi corazón es y siempre será tuyo. (Sentido y sensibilidad)

Pensamientos de amor largos:

41. Amor mío, celebrarte a ti es celebrar la vida. Gracias por enseñarme que solo puede ser libre quien ama de verdad. 

42. Gracias porque a tu lado la vida tiene colores que nunca antes conocí. Gracias porque el amor solo sabe a amor si viene de tu boca.

43. Te amo y eso es lo único que sé sobre la eternidad. Déjame ser tan terrenal contigo que aunque nos vayamos al infierno, si es a tu lado, yo me sentiré en el paraíso. 

44. Vivamos y que pase lo que tenga que pasar. Vamos a recorrer caminos tomados de la mano, a dibujar la vida, a inventar el destino como un solo cuerpo enamorado.

45. El amor llega y la vida renace de las cenizas. Todo lo que antes de ayer no importaba ahora cobra sentido. ¡Lo sé! Porque lo he vivido contigo. 

46. Amar es saber que pase lo que pase, tu mano estará ahí para mostrarme el camino o para inventarlo aunque no lo conozca. Amar es entregar todo lo que somos y saber que no se necesita nada más.

47. Contigo descubrí que el verdadero amor es mucho más emocionante que las películas. No se trata de un final feliz, sino de un comenzar eterno. 

48. Tú que le robaste la luz a todas las mañanas, y te conviertes en sueño todas las noches. Tú que encarnas todo lo que pueda significar la palabra amor.

49. Desde que llegaste el cielo está aquí en todas partes. No hay mayor paraíso que aquel que habitan aquellos que se atreven a ser entrega. 

50. A tu lado comprendí que el amor trasciende las definiciones, que solo es verdadero aquello que se puede sentir.

Espero que entre todos estos pensamientos de amor, puedas encontrar uno perfecto para dedicarle a la persona que amas. Recuerda que el amor se nutre de detalles, y una palabra de amor puede ser la detonante del fuego.

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[diegoricol]

Diego Ricol Freyre recomienda: Diego Ricol Freyre recomienda: Los mejores discos argentinos de la última década (Parte 2)

Segunda entrega de esta selección de los mejores discos nacionales editados entre 2008 y 2018. Como ya mencionamos en la primera parte de este trabajo, no se trata de un ranking, sino que la lista está ordenada por fecha de salida.

“El mar de las almas”, Carajo (09/10)

Foo Fighters, Underoath y Sevendust fueron las influencias del trío liderado por Corvata Corvalán para este disco, tal como lo contaron en una entrevista con Rock.com.ar. El álbum sería el último que lanzarían con Universal Records, y tendría un significado muy especial para la banda.

“‘El mar de las almas’ es la vida misma: el mar a veces está revuelto y también hay días re calmos. Hay muchos destinos, y cada uno de nosotros tuvo distintos faros guiándolo cuando las aguas estuvieron movidas. Supongo que esta etapa representa nuestro carácter aventurero”, señalaba el vocalista en una nota con Conexión Under.

Producido por Ale Vázquez -aliado permanente del grupo-, el sonido del disco es posiblemente el más sólido que Carajo haya logrado. Canciones como “Humildad”, “Libres” y los cortes “Ácido” y “Luna herida” serían números casi fijos en sus conciertos de ahí en adelante, marcando la verdadera importancia del lanzamiento.

En el mismo diálogo con Rock.com.ar, Corvata agregaba: “Fue donde se concretó nuestra identidad, el sonido, ese power trío y mixtura que veníamos experimentando. Es uno de los más logrados, y le hace justicia al vivo de la banda”. Nada más que agregar.

Canciones destacadas: “Luna herida”, “Libres”.

“El perfume de la tempestad”, Indio Solari (11/10)

Si “Porco rex” había sido una bisagra en la carrera del ex Redonditos de Ricota, este disco fue la consolidación de ese sonido. Con un feeling menos crudo y letras más crípticas que su antecesor, el Indio mostró que su carrera solista estaba más viva que nunca.

Al igual que el resto de sus lanzamientos, el álbum fue grabado en su estudio Luzbola. “Es un viaje de ‘Porco rex’ hacia la tormenta -explicaba el cantante en un reportaje con Rock & Pop-. A las maquetas las hice solo, y para este disco arranqué con cuarenta. Siempre quedan un montón de temas que no progresan de la misma manera, y que son escupidos rápidamente”.

En “El perfume…” Solari adoptaría el nick “Caballo loco”, y lo acompañaría una banda histórica: Gaspar Benegas y Baltasar Comotto en guitarras, Marcelo Torres en bajo y Hernán Aramberri y Martín Carrizo en baterías.

La solidez es clara desde el comienzo: “Todos a los botes” es quizás la mejor apertura que el vocalista presentaría en todos sus discos solista. La gira del disco tuvo como punto cúlmine un show en el Autódromo Ángel Pena de San Martín, Mendoza, con 150.000 personas. Chapeau.

Canciones destacadas: “Vino mariani”, “Torito es muerto”.

“Ringo”, Massacre (08/11)

Aunque “El mamut” (2007) fue la llegada al mainstream para la banda de Walas, éste disco los presentaba con el audio más pulido de su carrera. “Después de un álbum tan exitoso, teníamos mucha presión -explicaba el vocalista en una entrevista con Rock.com.ar-. ‘Ringo’ podía ser un fracaso… o sostener el título. Los artistas que transan repiten la fórmula. Dicen ‘con esto la pegué’, y se plagian a sí mismos”.

Producido por Ale Vázquez y grabado en los estudios El Pie, Tónica y El Quincho entre marzo y junio de 2011, el nombre es un homenaje al boxeador Ringo Bonavena. En el disco, Massacre plantea algunas de sus letras más científicas… y más extrañas.

En la apertura con “La web del siglo”, Walas ya marca el tono: “Microsoft lo inhibió, todos quieren trabar su paso. Marco Polo, web del siglo… ¿hasta dónde va a llegar?”. Para “Celebrity”, que aparece casi en la mitad del álbum, el vocalista redobla la apuesta: “Voy a cuidarte y protegerte, llamarte por tu nombre. Voy a meterte en una cajita de Tic-Tac azules”.

En “Ringo” también hay temas radio-friendly (“Tanto amor”, “Tengo captura” y “El deseo”) y momentos espaciales en los que se luce el guitarrista Pablo Mondello (“El robot vs. la momia azteca” y “Lo mío no es tan grave”).

Con un disco con tantos matices y un audio tan pulido, era obvio que Massacre estaba creando uno de los momentos más destacados de su historia. Definitivamente, revalidaron el título conseguido con “El mamut” y ganaron por knock out.

Canciones destacadas: “Tengo captura”, “Luna elástica”.

“Non stop”, Dancing Mood (09/11)

Después de más de una década de carrera, Hugo Lobo y sus secuaces ya habían conquistado un montón de escenarios como el Luna Park, el teatro Gran Rex y el Ópera. En este último, incluso habían grabado un DVD junto a una orquesta e invitados como Skay Beilinson y Guillermo Bonetto.

Pero con su espíritu siempre entusiasta, Dancing Mood decidió llevar la situación un poco más allá. Grabaron un disco triple… ¡con casi 50 temas! Todo un hito para una banda de ska y rocksteady instrumental, que encima, mostraba en este material sus primeras composiciones propias. Lobo explicó, en una entrevista con Rock.com.ar, que esos temas se generaron “desde el piano y no desde los vientos”.

“Non stop” fue grabado mayormente en los estudios MCL, pero el trompetista paseó por todo el mundo en busca de invitados estelares. Así conseguió a leyendas con nombre propio como Dennis Bovell (Matumbi), Pauline Black (The Selecter), Winston Francis, Rico Rodriguez, Lynval Golding (The Specials), Winston Reedy, Doreen Shaffer (The Skatalites) y Gazz Mayall (The Trojans).

La secuenciación de “Non stop” también es clave para que el álbum haya sido un éxito. Temas como el homónimo, “Man in the street”, “Song for my father”, “You can get it if you really want” y “Mr. PC” se convertirían en figuras centrales de sus conciertos. El disco le llevó a Hugo Lobo casi cuatro años de trabajo, pero como se ve, estuvieron más que justificados.

Canciones destacadas: “Non stop”, “Teenage ska”.

“Volumen II”, Humo del Cairo (10/11)

Después de un debut orientado al desert rock, Humo del Cairo encontró su sonido definitivo con este lanzamiento. Con canciones más cercanas al post-metal, una banda en plena aceitadísima en vivo y la masterización de Mario Breuer, era imposible que la fórmula no diera resultado.

“Me despojé de muchos tabúes, y dije: ‘Somos un grupo pesado y punto’. Eso puede incluir a un tipo cantándote con una guitarrita. No pasa por el volumen ni el sonido, sino por la intensidad -explicaba el cantante Juan Manuel Díaz en una entrevista con la revista Soy Rock-. El hardcore fue el género que más interpreté en mi vida, me agarró justo en la adolescencia, así que me empapé bastante”.

Tales avances se notarían más en los siguientes lanzamientos del grupo, pero en “Volumen II” ya había pistas de esa búsqueda. Se vislumbraba en temas como “Fe”, “Crinas” y “Espada de sal”. Otras canciones todavía tendrían vestigios de un stoner puro, como “Los ojos”, “Tierra del rey” y el épico “El alba”, quizás el mejor tema que haya editado Humo del Cairo. Definitivamente, un antes y un después dentro del género.

Canciones destacadas: “El alba”, “Tierra del rey”.

“Fábulas de la locura”, Zumbadores (03/12)

Con el décimo aniversario del grupo, la banda liderada por Alejandro “Coco” Fassi buscaba romper los moldes mediante un disco de estudio arriesgado. Y vaya si lo consiguió: en un lapso de dos años, grabaron canciones con invitados como Chizzo (La Renga), Fernando Ruiz Díaz (Catupecu Machu) y Jorge Serrano (Los Auténticos Decadentes).

Pero además hubo colaboraciones de artistas plásticos y escritores. En conclusión, casi 50 invitados. “Todos lo hicieron con alegría y muy amablemente. Estoy agradecido porque pudimos armarlo mediante la generosidad de cada uno”, explicó el cantante en una entrevista con El Bondi.

El ilustrador Juan Manuel Tavella, por su parte, creó videos con animaciones (además de los oficiales) para contar las historias de cada canción. El recurso tiene incluso más sentido si se considera que las composiciones navegan diferentes territorios: desde el hard rock de “Dios practica un tsunami”, pasando por la eufórica “Rata de puerto” y terminando con “Una noche como ésta”.

¿Lo más importante? Que al margen de contar con decenas de invitados y colaboradores, el álbum tiene una cohesión envidiable y suena homogéneo. Y eso es, sin dudas, lo más difícil de lograr. Bien por Zumbadores.

Canciones destacadas: “Un amor sofisticado”, “Rata de puerto”.

“Lima”, Kapanga (10/12)

“No se puede manejar un barco desde el muelle”, explicaba el baterista Claudio Maffia en una charla con Rock.com.ar. Se refería a la partida de Marcelo “Balde” Spósito, uno de los miembros históricos de Kapanga. La salida del bajista y compositor se dio progresivamente: primero dejó de tocar en vivo y luego se dedicó exclusivamente a componer. Después, se alejó del todo.

Por eso, “Lima” era una oportunidad para que el grupo demostrara que seguía de pie, y que podría hacerle frente a la pérdida de uno de sus compositores más importantes. “El equipo se rearmó, con Maikel (guitarrista) como lider musical y Memo (nuevo bajista), que empezó a aportar muchas ideas”, agregaba Maffia, que también contaba que a la mitad del disco la había escrito Maikel “en solitario”:

El violero tomó protagonismo con aportes vocales “Lost” -usada para abrir los shows de la gira-, “Miles de ideas” -que tuvo a Hugo Lobo de invitado- y “Canción simple”. Gracias a la producción de El Chávez, Kapanga también pudo hacer que su estilo evolucione sin dar concesiones. Eso se nota en “La crudita”, “Jefe max” y “No me sueltes (es posible)”, algunos de los cortes con el sonido más tradicional de todo el álbum. Con “Lima”, Kapanga demostró que no sólo tenía el control del barco, sino que no les asustaba ir hacia nuevas aguas.

Canciones destacadas: “Lost”, “No me sueltes (es posible)”.

“Chances”, IKV (10/12)

El estudio Unísono, de Gustavo Cerati, fue el lugar en donde el dúo de Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur decidió grabar su disco regreso. Como si eso fuera poco, la banda contrató al productor Rafael Arcaute -ganador de más de una decena de premios Grammy- y se dejó llevar por el funk, el pop y hasta el soul más progresivo de los años ‘70.

Uno de los grandes ejes conceptuales del disco es la pérdida, un sentimiento influenciado por la muerte de Luis Alberto Spinetta, padre de Dante. De hecho, la canción “Águila amarilla” es un tributo al Flaco. “Habla de cambiar de forma, porque de alguna manera nos vamos de este mundo pero seguimos estando espiritualmente”, fundamentaba Dante en una entrevista con Clarín. Incluso, en “Chances” se usaron algunas de las guitarras de su padre.

El momento más duro para el grupo fue el de tener que presentarse en el Cosquín Rock, a sólo horas de la muerte del Flaco. Allí versionaron “Post crucifixión” y demostraron algo: que ellos estaban más vivos que nunca. En el álbum -que saldría meses más adelante- también hay luminosidad, sobre todo gracias a los vientos que recuerdan al período de “Leche” (1999).

El lanzamiento los gratificó con cinco Premios Gardel, varias nominaciones a los Grammy y múltiples reconocimientos para el productor Rafael Arcaute. Más allá de las obvias comparaciones con su pasado, Dante se dejó una consigna clara en el mismo reportaje con Clarín: “No había nada que superar, era hacer algo nuevo”. Y vaya si lo lograron.

Canciones destacadas: “Funky futurista”, “Monta el trueno”.

“Blanco”, Eruca Sativa (11/12)

“Somos de la idea de que las radios tienen que pasar la música que hacen los artistas, y que no hay que trabajar para sonar ahí”, decía la bajista Brenda Martin en un reportaje con la revista Soy Rock. “Para tratar de no imitar los errores, a veces nos ponemos a ver las experiencias de las otras bandas y por qué se separaron. Ojalá que nos siga saliendo bien”.

Quizás por esa búsqueda, “Blanco” marca una etapa. Ya desde los títulos de sus discos previos se cierra una trilogía: “La carne/Es/Blanco”, pero también desde lo sonoro. En los estudios MCL, Eruca Sativa se dio el lujo de experimentar con canciones más largas (como “El balcón”), temas sensibles (“Antes que vuelva a caer”) y por supuesto, su coyuntura de power trío (“Fuera o más allá”). El material también contó con la participación de Fito Páez en “Guitarras de cartón” y tuvo al cordobés Titi Rivarola, que fallecería poco tiempo más tarde, en “Amor ausente”.

A esto le seguiría una multitudinaria gira por el país y por el exterior, y hasta una presentación en el Teatro Ópera en formato electroacústico, que sería editada en CD + DVD. Está la creencia de que el tercer álbum de una banda es el que realmente demuestra si su legado se mantendrá en el tiempo. Con “Blanco”, Eruca Sativa dejó en claro que había llegado para quedarse. Por suerte.

Canciones destacadas: “El balcón”, “Antes de que vuelva a caer”.

“Incandescente”, Richard Coleman (08/13)

Ale Vázquez, productor que ya apareció en este ránking gracias a su trabajo con Carajo y con Massacre, sería también responsable también del tercer LP solista del ex Siete Delfines.

Coleman, que ya había trabajado con Soda Stereo y Charly García, llamó a Skay Beilinson para que tocara la guitarra en “Corre la voz”, y a Alejandro Lerner para que dejara plasmado su Hammond en “Cuestión de tiempo”.

“Decidí grabar los primeros demos en cintas. En cassettes de 4 pistas, para ser más preciso. Era una grabadora restaurada igual a la que usé en 1985 con Fricción, sin nada de edición ni Pro Tools. Parte de la búsqueda del disco fue rescatar objetos de su obsolescencia”, señalaba Coleman en un comunicado de prensa.

La idea del disco fue básicamente esa: demostrar que es difícil negar el “sistema” en en el que se dan nuestras rutinas, pero dejar en claro que igualmente se puede estar enamorado de la vida. Un álbum realmente incandescente.

Canciones destacadas: “Como la música lenta”, “Corre la voz”.

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[veonoticia]

¡UPA! ¿Édgar Ramírez tiene nuevo amor? (Fotos)

04/01/2018

Nadie puede olvidar a una de las parejas de telenovela más famosas de Venezuela, y es que Cacique y Verónica interpretados por el actor Édgar Ramírez y Marisa Román son personajes que no hemos podido superar.

Fuente: El Cooperante

La pareja juvenil de la telenovela “Cosita Rica” no deja pasar los años sin esos reencuentros que nos hacen morir de amor, recientemente han aparecido juntos en varías fotos que el venezolano ha compartido en su cuenta de Instagram en donde parece que se tren algo más entre manos.

La pareja de talentosos actores parece estar trabajando en un nuevo proyecto “Buenos presagios, atentos todos” reza una de las fotografías en donde los venezolanos se encuentran acompañados por dos actores argentinos.

Pero es otra fotografía la que nos ha hecho suspirar y es que la química entre Marisa y Édgar es algo que trasciende de las pantallas “Entendí todo/ Menos la distancia/ Desordené átomos Tuyos para hacerte/ Aparecer” es el texto que acompaña una foto en donde los actores aparecen abrazados de una forma apasionada, entre los comentarios aún sigue surgiendo la duda de si tendrán o no una relación amorosa.

“El Cuarteto de Baires” mucho power en este encuentro.Buenos presagios. Atent@s tod@s 🇦🇷🇻🇪#evadedominici #marisaroman #joaquinfurriel #buenosaires

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  🇦🇷“Entendí todo/ Menos la distancia/ Desordené átomos Tuyos para hacerte/ Aparecer” [ Puente by Gustavo Cerati ] #puente #cerati #marisaroman #caciqueyveronica #forever

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¿Será que hay amor? Las reveladoras fotos de Édgar Ramírez y Marisa Román 😍

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[soydumi]

27 de Diciembre del 2017

Hoy salí de casa para despejar mi mente, mis planes iniciales era comer un elote,eso siempre me sube el ánimo. Pasé por Emilio y me comentó que tenía ganas de ir al nuevo café de la ciudad, así fuese un elote o un café, era una simple excusa,lo único que yo quería era alguien con quien pudiera contar. Ambos Pedimos un chocolate caliente y una rebanada de Cheescake, hablamos de todo un poco pero muy general. Fue hasta camino a su casa que empezamos a hablar de ti,pero más que nada sobre lo que fue nuestro,desde el inicio de todo,de ese sentimiento, la niña de flequillo que desde aquellos cursos de verano llamó mi atención y mira que ya hace tiempo de eso (8 años y 6 meses). Le platiqué de nuestro primer beso y de la aventura y drama que me llevó para conseguirlo ¿lo recuerdas?, le platiqué mi plan maestro (fingir estar ebrio) lo único que no tenia contemplado era que fueras por mi mamá, en verdad eso no me lo esperaba, pero como quiera no soy de los que se rinden y menos si se trata de amor. Lagrimas de cocodrilo por un falso amor que había tenido en el pasado ¿Recuerdas que me recargue en tu hombro? Y fue ahí donde todo culminó, fue ahí donde el beso se dió, después me puse a decir una que otra tontería para que no me descubrieras, lo sé, quizá fue un poco cobarde pero si supieras los nervios que sentía cuando me recargue en ti. Después de la estupidez que cometí, sí, aquella en la que te fallé. Continué hablando de la sorpresa de cumpleaños (15 años) que tenía preparada para ti,todo un lío, esperando a lo lejos en la mañana verte salir de tu casa camino hacia la escuela para justo en ese instante empezar a pintar aquel mural que al pasar el tiempo se me hacía eterno ya que era la posada de tu escuela y para malas mía el tiempo de regreso era menos así que me las arreglé hasta el momento que llegaste, tú cómo siempre toda una despistada y que días posteriores me presentarías ante toda tu familia.

Le dije que no me arrepentía de todos esos brazos dormidos y espalda torcida que casi casi a diario sufría en silencio solo para ver cómo dormías, o de las veces que yo salía a las 11 y tú a las 5 y te esperaba por lo mucho que te quería, de qué los $50 pesos que a diario me daban $22 eran para el camión y el resto para ti, ya sea en desayunos,comidas o chucherías, de la vez que tuve que fortalecerme cuando tú te lastimaste tú pie y era mi deber trasladarte, o cuando madrugaba para yo llevarte y no se te hiciera tarde a pesar de que yo entrara horas después. Culminé diciendo “No habrá persona que haga eso por ella” por más sencillo que fuera cada una de las cosas las hacía con Amor. Nos paramos en un puesto de tacos justo a la vuelta de su casa y ahí le dije “En verdad me gustaba mucho,lo hermosa que era sin necesidad de maquillaje,pocas veces se maquillaba (una línea en tus ojos,te enchinabas tus pestañas y pintabas los labios) y si mal no recuerdo era solo cuando salíamos ya sea de fiesta o solamente los dos” Continue hablando de ti, que prefería estar contigo viendo películas,series,comiendo contigo,cantando,bailando haciendo tarea o hablando cualquier cosa si era contigo, prefería estar a tu lado que estar rodeado por falsos amigos. Entre risas le conté de las veces que nos habíamos condenado al infierno por reírnos de videos del niño Dios ,el nacimiento y la virgen.

Mencione que sólo tú sabías los puntos exactos para derretirme por completo, que a veces sin tocarme siquiera hacías que a mi cuerpo le diera “cosa” y mi piel se erizara. Pague la cuenta y Emilio comentó “El dinero te dura más sin Ella”; Fuimos a la tienda por un refresco y le platiqué de la aventura que fue para ir a Coldplay,desde comprar los boletos,conseguir el dinero,los nervios,miedo,adrenalina y emoción que me quitaron el sueño en el camión y del momento en que Coldplay tocaba YELLOW mientras nosotros llorando de felicidad,de emoción,de Amor.

Llegamos a su casa y nos subimos a la terraza donde pusimos música y comenzamos a cenar, después me ofreció una cerveza (desde el día que me terminaste hasta el día de hoy solo he bebido 8 cervezas contando las 2 que hoy me tomé) en la lista de reproducción Llegó Gustavo Cerati con “Adiós” y le dije a Emilio “escuché esa canción todos los días a todas horas durante las primeras 2 semanas de que Ella me terminó, llorando una y otra vez, repitiendo y analizando la letra para buscar una respuesta del ¿por qué? me terminó” ; Termino la canción y continuó la música sin nada extraño, hasta el momento en que llegó Coldplay, Sí, no hay canción de ellos que no me recuerde a ti, a tus besos,tus abrazos,las lagrimas,risas ,las peleas,enojos y todas las aventuras que pasamos las recuerdo con sus canciones pero hay 2 que me rompen ,“The Scientist” de tristeza y “Yellow” que me hace recordar el concierto,nuestra historia de amor y aquella promesa que hicimos en aquel Tercer Fin, esa melodía es algo especial porque era nuestra canción; No se la dedicas a cualquier persona,no puedes,solo puedes dedicarla una vez a alguien y es a tu verdadero amor. Me gana el sentimiento y la tristeza al escuchar a Coldplay ya que me recuerda a nosotros, ya que me recuerda a ti.

Me despedí de Emilio y le pedí de favor que si algún día le preguntas por mi, que te dijera solo las cosas buenas,que nunca te mencionara las veces que lloré y que te contara nuestra historia tal cual como se la conté a Él.

Esta carta la inicie escribiendo a las 10:45,me fui de la casa de Emilio a las 10:56,continué escribiendo mientras iba camino a mi casa y la primera captura de la carta fue a las 11:11, es la 1 de la mañana y es otra madrugada más de la que hablo de ti. Seguiré escribiéndote,soñándote y pensándote por lo menos un buen momento, al menos hasta el día que se acabe cada uno de mis versos y el último sentimiento se muera junto con tus recuerdos,no tengo idea de lo mucho o poco que pueda durar pero de algo si estoy seguro y es que por hoy no regresarás . Yo sé que no ves y que quizás nunca verás todo esto que te escribo, le dejo todo al sentimiento,tiempo,universo y al destino, solo ellos saben si se cruzarán otra vez nuestros caminos, solo ellos saben si algún día regresaré a ti,amor mío.

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Homenaje a Cerati Ricardo Mollo Leo Garcia Crimen

Gustavo Adrián Cerati (Buenos Aires, Argentina, 11 de agosto de 1959 - 4 de septiembre de 2014)2​3​4​ fue un músico, cantautor, compositor y productor discográfico argentino, considerado uno de los más influyentes y reconocidos músicos del rock hispanoamericano y una leyenda del rock latinoamericano.5​6​7​8​9​

Obtuvo fama y reconocimiento internacional por haber sido el vocalista, guitarrista y compositor principal de la banda de rock Soda Stereo, una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Luego de la disolución de la banda, obtuvo también reconocimiento y éxito en su carrera solista, que consta de cinco álbumes de estudio y de diversas incursiones junto a otros músicos. Su camino como solista se inició a comienzos de los años noventa, en paralelo a dicha banda, debido a un receso que se había tomado el grupo tras una fuerte crisis. En esa instancia Cerati publicó su primer álbum como solista, Amor amarillo; pero con el regreso de Soda Stereo su carrera solista quedó en suspenso hasta la disolución absoluta de la banda.

Después de Soda Stereo, Cerati experimentó con diferentes estilos, desde la música electrónica (Colores Santos, Cerati y Melero, 1992) (Plan V) a la música sinfónica. En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada Me verás volver, luego de la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El 15 de mayo de 2010 padeció un accidente cerebrovascular isquémico, que lo dejó en estado de coma por más de cuatro años, falleciendo el 4 de septiembre de 2014 a causa de un paro respiratorio en la Clínica ALCLA de Buenos Aires.10���

A lo largo de su carrera como solista ganó y fue nominado para numerosos premios, entre ellos Grammy Latino, Konex, MTV y Gardel. El 5 de diciembre de 2013, el músico fue nombrado Ciudadano ilustre, una distinción que le fue otorgada por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires11​12​ en reconocimiento a su trayectoria. En su edición de septiembre de 2012, la revista Rolling Stone posicionó a Cerati en el puesto n.° 3 de los 100 mejores guitarristas del rock nacional. Nació el 11 de agosto de 1959 en el barrio de Barracas, ciudad de Buenos Aires, Argentina, hijo mayor del ingeniero y contador Juan José Cerati y Lilian Clark.13​ Desde pequeño estuvo ligado al ambiente musical. Su primera incursión fue en un grupo de palos de escoba que formó en la primaria, donde se destacó frente a los demás alumnos. Además de la música, tenía otros pasatiempos: dibujaba durante largos ratos, creando personajes de historietas, como «Supercerebro» ―parecido a Superman, pero con la peculiaridad de que la kryptonita no le hacía nada, solo los médiums llegaban a afectarlo, sin poder sentir―.

Hábil para los deportes (practicaba natación y atletismo), obtuvo un segundo lugar en un certamen de la revista Billiken, tras correr los 100 metros en una competición intercolegial. Una de las actividades fundamentales que realizó durante esos primeros años consistió en dirigir el coro del colegio Instituto San Roque, donde más tarde debió cumplir con una suspensión por eructar durante una misa (pudo volver a su cargo luego de ganar un premio de canto en el Coliseo y donarlo a la institución).

En su época de adolescente trabajó como visitador médico en el Laboratorio Boehringer Argentina, a mediados de 1971.[cita requerida] Luego, años más tarde fue llamado a cumplir con el servicio militar argentino.

Sus primeras influencias musicales fueron grupos como The Police (a quienes ofreció un tributo de la canción «Bring on the night», donde él cantó y tocó el bajo, junto a Andy Summers en la guitarra y Vinnie Colaiuta en la batería), Queen (grabó una versión de «Some Day One Day» con Soda Stereo llamado «Algún día») y The Cure. También David Bowie, Luis Alberto Spinetta, Brian May de Queen y Ritchie Blackmore de Deep Purple.

En la secundaria formó los grupos con los que ganó un concurso de canción navideña en Canal 9. Luego formó dos bandas simultáneas, Savage (de rock y blues), y Vozarrón (de música de fusión). Savage estaba integrada también por dos cantantes británicas, y solía actuar en un cabaret frente al Parque Centenario. También formó un trío llamado «Triciclo».14​

A principios de 1982 tocó junto a Zeta Bosio y Sandra Baylac con la banda The Morgan, en Punta del Este (Uruguay). The Morgan empezó como un grupo punk rock inspirado en The Police (que había visitado Argentina en 1980), y The Cure. Más tarde, ese mismo año, formó el grupo Stress junto a Sandra Baylac (cantante), Pablo Guadalupe (batería), Alejandro O'Donell (teclados), Carlos Amato (guitarrista) y Zeta Bosio (bajo).