mollyscabinet

[mollyscabinet]

Kreativ arbetsprocess

Plan för modellbygge.

Tanke/Idé: Söka, samla, dokumentera. Göra snabba skisser, moodboard, leta inspiration.

Utveckling: Utforska, undersöka. Gör/bestäm skisser, formstudier, enkla modeller, prova alternativ, form, material tekniker.

Bearbetning: Konkretisera, förenkla. Spika skisser, ritning, modell i skala.

Genomföra: Färdigställa. Gör skulptur, ting, presentationsmat.

Resultat: Presentera, redovisa, reflektera, utvärdera.

[mollyscabinet]

ANNIKA ELISABETH VON HAUSSWOLFF

ALTERNATIV SEKRETESS, Moderna Museet Malmö

”Alternativ sekretess” presenterar ett sjuttiotal arbeten från hela konstnärens karriär – från debuten och tiden på Konstfack i början av 1990-talet, via konstbiennalen i Venedig 1999 och fram till serierna i emalj och plexiglas som von Hausswolff arbetat med under de senaste åren.

Annika Elisabeth von Hausswolff (född 1967) tillhör en generation av svenska fotokonstnärer som debuterade i början av 1990-talet och som teoretiskt och bildmässigt påverkades av den postmodernistiska konsten. Idag förknippas von Hausswolffs konstnärskap ofta med hennes tidiga verk inspirerade av brottsplatsfotografier med orörliga kroppar i olika situationer. Stämning och komposition signalerar till betraktaren att något tragiskt har ägt rum.

Bildserien  ”Oh Mother, What Have You Done” (2019–2020) visar kvinnor i handklovar och bygger på dokumentära fotografier som von Hausswolff samlat under lång tid. Bilderna har framställts genom att de scannade och rastrerade fotografierna förts över på plexiglas med UV-bläck, och därefter har deras baksidor bemålats med oljefärg. Vad har de fängslade kvinnorna – alla fotograferade i olika oklara sammanhang – egentligen gjort? Verken förbryllar och får tankarna att skena.

Under Annika Elisabeth von Hausswolff över trettio år långa karriär har hennes konst uppmärksammats och analyserats i en lång rad publikationer. Genom sina många projekt har hon skapat nya verk och utvecklat sina idéer.

Serien ”The Hole is a Noun” (2020) som konstnären lagt till för utställningen i Malmö innehåller bilder av hål. Motiven användes även i verket ”Utdrag ur alternativ sekretess” (2021), skapat för foajén på museet i Stockholm. När von Hausswolff efter 2008 började samla bilder mer regelbundet från nätet blev ”hål” ett tema. Associationerna är många. Ett hål kan vara ett sår, en brunn eller en grav. Konstnären har också inspirerats av punklåten ”Har vi inte grävt för många hål”? (1985) av Stry Terrarie. Punken var en startpunkt för von Hausswolff och hon sjöng på 1980-talet i bandet Cortex.

[mollyscabinet]

[mollyscabinet]

[mollyscabinet]

Fältstudier - Tändsticksmuseet

Till en början var de svenska förpackningarna för tändstickor endast försedda med en fabriksstämpel, men tids nog blev etiketterna mer dekorativa.

Under den svenska tändsticks­industrins barndom var registrerade varumärken ett okänt begrepp. Ett gott exempel på detta är att i stort sett varje tobaks­fabrikant i Sverige under 1700 och stora delar av 1800-talet tillverkade en tobak med namnet Hoppet. Varorna var avsedda för en lokal marknad och man bekymrade sig inte om att alla fabriker i landet använde samma namn. När ångkraften slog igenom och varor kunde få större spridning blev dock tillverkarnas intresse att skilja sina varor från andra fabrikanters större. Det dröjde dock till slutet av 1800-talet (1885) innan regler för skydd av varumärken började fungera.

När Jönköpings Tändsticks­fabrik släppte den så kallade "originaletiketten", en gul etikett med devisen "tända endast mot lådans plån", var succén ett faktum och etiketten kom snart att plagieras i betydande omfattning. Denna etikett är ett av världens mest plagierade varumärke med ca 450 kända efterapningar. Termer som "Made in Sweden", Säkerhets-Tändstickor och Jönköping var begrepp som borgade för kvalitet.I och med varumärkes­lagens instiftande blev det svårare att plagiera konkurrenternas etiketter med kopior som var i stort sett identiska med originalet. Man fann dock snart på råd; en liten bild sattes in i etikettens mitt och plötsligt hade man ett "original". Med detta var också de kombinerade bild- och textmärkena ordentligt introducerade, och snart kom de att dominera helt. Bilden fick allt mer utrymme och har blivit den viktigaste delen av varumärket. 

Lektionsförslag

Efter studiebesök på Tändsticksmuseet ska eleverna designa sina egna tändsticksetiketter enligt angivna mått. Dessa ska sedan klistras på vanliga tändsticksaskar. Syftet med museivisiten och uppgiften är att bland annat belysa estetikens viktiga roll inom industrin samt hur illustrationsstilarna förändrats över tid. Historien kring etiketternas plagiat går även att använda under kursmomentet där upphovsrätt behandlas. Detta är en uppgift som lätt kan användas i ett ämnesöverskridande moment. Att undersöka exempelvis industriella revolutionen, lokalhistoria eller arbetarhistoria genom konsten är ett kreativt sätt att engagera eleverna. 

[mollyscabinet]

En eftermiddag i pysselverkstaden...

Meowmaids... Ett ord jag inte visste att jag behövde innan jag började jobba på lågstadiet. Den här veckan är det sportlov och jag har fått i uppdrag att förbereda och leda ett gäng workshops. Vårt första projekt är anpassat utefter några av mina elevers favoriter, katter och sjöjungfrur. Eleverna har modigt slagits mot det där fula inre monstret som kommer med elak kritik de senaste bildlektionerna. Jag upplever att barnen emellanåt behöver en uppgift som inte är allt för fri och inte heller fokuserar på inlärd prestation. I många fall tvivlar de mycket på sig själva under skapandeprocessen och för att inte döda deras skaparglädje vill jag alternera mellan praktiska uppgifter som kräver utmanande handarbete/skissteknik/planering med prestigelösa och roliga projekt.

Planering - Meowmaids

[mollyscabinet]

Albert Engström

I veckan besökte jag Eksjö museums utställning “Albert Engström”.

Albert Engström var en svensk konstnär, tecknare och författare, stilbildande inom svensk illustrationskonst. Skämtteckningar är hans signum, även om han också utförde landskap, porträtt och blomsterstilleben. Uppväxten i hemsocknen Hult i Småland kom starkt att påverka hans konstnärsskap. Men hans själ och hjärta kom att tillägnas det oändligt vackra Roslagen. I Grisslehamn kom Albert i kontakt med en rustik och ärlig miljö där det berättades många äldre historier som gav honom stor inspiration. Historier som han spetsade till och tolkade med hjälp av teckningar. Han studerade vid Valands konstskola med Carl Larsson som handledare, blev senare t.f. professor vid Konstakademin och invald i Svenska Akademien. Han korresponderade intensivt med August Strindberg och i hans bekantskapskrets återfinns även Bruno Liljefors, Gustav Fröding och Verner von Heidenstam. Albert Engström tillhör klassikerna i den skämtteckningstradition som blomstrade kring sekelskiftet 1900.

Albert Engström var en samhällsengagerad konstnär och författare i sekelskiftets Sverige. Mest känd är han som satir- och karikatyrtecknare.

“I utställningen får vi följa med Albert på en resa i en tid av stora samhällsförändringar. Hans bilder skildrar brännande ämnen - om förhållandet mellan överheten och vanligt folk, om synen på alkohol, kvinnor och etnicitet.”

[mollyscabinet]

ART PROJECT - KUSAMA STYLE PUMPKIN PAINTING

The brilliant artist Yayoi Kusama is known for her polka dots, infinity rooms and pumpkins. I have put together a quick and easy art project to create a painting in the style of one of her iconic spotty pumpkins.

MATERIALS

Pencil

Eraser

Paper - use watercolour paper for best results

Black Waterproof Marker Pen

Black and Yellow Watercolour or Gouache Paint

Use a pencil to sketch a simple outline drawing of a pumpkin on your paper. Make sure to include a few indented ridges, called ribs, in your pumpkin drawing.  For this art project include 5 pumpkin ribs (one central rib and two smaller ones to the side of it), and a small section of the pumpkin stem at the top the pumpkin. You can use our pumpkin template (above) if you need some help with the pumpkin shape.

When you are happy with the pumpkin sketch, tidy up any mistakes with the eraser.

Outline the sketch with a waterproof marker pen, or with waterproof ink, to create a stylised pumpkin drawing in black ink. Make sure it’s dry before moving on to the next stage.

Use the yellow paint to fill in all the rib sections of the pumpkin. Don’t paint the stem of the pumpkin. Leave the painting to fully dry.

Use black paint to create the spots on the pumpkin. Starting with the middle rib section of the pumpkin, use black paint to create a vertical row of dots in the middle of the section. Aim for this row of dots to take up about 1/3 of that section (rib) of the pumpkin.

In the same rib section, paint two vertical rows of smaller black dots, one to each side of the first column of dots. Aim for these black spots to be about half the size of the first spots. The rows are not straight but follow the shape of the pumpkin rib.

Then use black paint to create another two vertical rows of even smaller dots, one on each side of the previous columns. These final rows of small dots can be very near the edge of the rib section. Now the whole middle rib of the pumpkin should be filled with dots.

The next part sounds more complicated than it is, but bear with us as it’s a useful thought experiment. Take a moment to imagine that your pumpkin drawing is an actual real 3D pumpkin. To complete the painting all the ribs of the pumpkin would be painted exactly as above. BUT as this is a 2D drawing of a 3D pumpkin, you will have to use your imagination to visualise what part of the pumpkin you can see from your perspective. Keep this in mind when you move on the the next steps.

Now paint black spots on the pumpkin ridges adjacent to the middle rib. Near the outer edge of the rib section, away from middle, paint a row of large black spots (similar size to step 5). Next to them, moving towards the middle of the pumpkin paint a row of smaller spots (similar size to step 6). Moving even further towards middle and the other side of the pumpkin rib, paint a row of even smaller dots (similar size to step 7). Repeat this step for both rib sections adjacent to the middle one.

Finish by painting black spots in the two outer ribs. Start at the outer edge of the outer rib section and paint a row of semi circles, following the shape of the pumpkin edge (similar size to step 5 but semi circular). Next to them, moving towards the middle of the pumpkin, paint a row of smaller spots (similar size to step 6). Moving even further towards the middle and other side of the pumpkin rib, paint a row of even smaller dots (similar size to step 7). Repeat this step for both the outer rib sections.

To finish off add some small black dots to the stem of the pumpkin.

Leave to dry and your Kusama Style pumpkin painting is finished!

VARIATIONS

Make the pumpkin bigger with more rib sections

Use different colours combinations

Create an interesting pattern around the pumpkin

Create lots of these pumpkin paintings to create a Kusama style ‘infinity’ room of spotty pumpkins.

[mollyscabinet]

UTSTÄLLNING PÅ MODERNA MUSEET 2

LYNETTE YIADOM-BOAKYE

Den brittiska konstnären och författaren Lynette Yiadom-Boakye, född 1977 i London, för samman teckningar, funna bilder och fantasier i figurativa målningar. De mångtydiga gestalterna baseras på visuella anteckningar och skildras i vardagliga sfärer, som förtroliga och tidlösa ögonblick. Verken är inte porträtt i bemärkelsen att de avbildar verkliga personer, ändå framstår karaktärerna som tydliga och unika individer. Ett djuplodande intresse för färg, dess materialitet och hur ögat uppfattar färg, präglar konstnärskapet. Målningarnas poetiska titlar kan betraktas som ytterligare penseldrag på duken. Yiadom-Boakye ser bildkonsten och litteraturen som åtskilda men sammanflätade former av kreativitet. Tillsammans med de visuella berättelserna utgör varje titel en del av målningen, snarare än att förklara den.”Att flyga i förbund med natten” är konstnärens hittills största retrospektiva utställning, och presenterar ett 80-tal målningar ur hennes karriär, från avgångsutställningen vid the Royal Academy Schools till idag. Utställningen är gjord i nära samarbete med Lynette Yiadom-Boakye, som istället för att organisera den kronologiskt har installerat verken utifrån stämningar och dialoger mellan motiven.

TEKNIK OCH PROCESSER

Lynette Yiadom-Boakye arbetar i olja på duk. På det sättet verkar hon i en tradition av konst som under århundraden utforskat måleriets materialitet och förmåga att skapa bilder bortom tid och rum. Tidigt i sin utbildning arbetade hon utifrån modell. Snart kom hon fram till att snarare än den noggranna och långsamma processen att måla av en verklig person ville hon kunna agera i stunden och fritt utforska möjligheterna i färg, komposition, ljus och ton.

Människorna i Yiadom-Boakyes målningar kommer från teckningar, fotografier, historiskt måleri, tidningsbilder och annat material som hon samlar i klippböcker. Målningarna improviseras fram i en konversation mellan pensel, färg och duk. Motiven kan växa fram över en dag. Färdiga verk får under en period mogna i ateljén och gå in i dialog med nya målningar, en metod som återspeglas i hur konstnären har komponerat utställningen som ett flöde av rytm och dramaturgi.

[mollyscabinet]

Photographic Processes and Materials around 1900

In 1888, Kodak launched the first roll-film hand camera. It revolutionized the market and turned photography into something everyone could enjoy. The specially constructed cameras were sent back to the factory where the pictures were processed. In 1900, Kodak introduced the popular Brownie, a classic box camera.

Another aspect of the increased interest in and use of photographs was that mass produced pictures were now easy to publish in books, volumes of prints and magazines. One example is photogravure, but there were many other processes. The pictorialists used various processing methods and materials, some of which were closer to printmaking and painting, and they avoided regular photographic materials. The craft of making photographs was important, which was in line with an interest in and revival of older techniques as industrialism gained momentum during the Jugend period.Professional photographers engaged in portrait photography and took on other commissions for their customers. Among the most prominent pictorialists, many had second jobs. The tension between, or the different preconditions for photographers who embraced a more artistic form of expression and those who were forced to earn a living from selling their photographs is relevant to this day. There were many conflicts between members of Fotografiska Föreningen (the Photographers’ Association) – which to begin with only accepted amateurs – and the industry association Svenska Fotografers Förbund (the Association of Professional Photographers). At the same time, there are many examples of contacts and collaborations between different types of photographers around the turn of the last century.Terminology was often translated from German and English, and in older literature you often find processes described in Swedish as gummitryck (gum print), pigmenttryck (pigment print) or oljetryck (oil print). However, the process is not strictly “printing”; the images were developed on light-sensitive paper. Instead of using the most common type of photographic paper with light-sensitive coating of silver salts in gelatine or albumin, the pictorialists worked with other light-sensitive solutions. The image was often contact printed under a negative, which resulted in a picture with the same dimensions as the negative. The pictorialists’ images are characterized by soft focus and often a grainy, print-like texture in hues that go from earthy browns to strong reds and blues.

CARBON PRINT A pigment, potassium bichromate and gelatine emulsion on thin paper is subjected to natural light in contact with a negative. The image is formed with the help of pigment in the desired colour. After exposure, the image is transferred to a new paper. This is the original. The image stands out in clear relief and is reversed, which can be corrected by repeating the transfer process onto a new paper. The tone is often dark brown or black, but it varies depending on the type of pigment used. Factory-made paper by Bühler and Höchheimer were sensitized in alcohol. This process is called carbon print, especially when it features black pigment. It was in use between 1864 until the end of the 1930s.

GUM BICHROMATE PRINT The gum bichromate process was invented in 1894. It is achieved by applying a solution of pigment, potassium bicharbonate and gum arabic to paper. The components are mixed in water and brushed on. When the coat has dried, it is light-sensitive, and the areas under the negative that are not exposed to light is stabilized. The rest is rinsed off in water. The colour range is very limited. The motif is often built up through multiple coats, erasures and applications of colour. The images are generally monochrome, reminiscent of charcoal or pastels. It is necessary to use a coarse-grained or uneven paper for the emulsion to adhere, which enhances the graphic qualities of the image. Custom-made paper for this method was marketed by Höchheimer, Bühler and Fresson.

OIL PRINT

An emulsion consisting of potassium bichromate and gelatine is applied to paper and exposed to light. It results in an almost invisible gelatine image in relief. The gelatine absorbs and repels greasy pigments, which can be fixed by means of a rubber roller or brush. This method gives a grainy image that resembles art prints and drawings.

BROMOIL PRINT

Colour pigments on a silver, potassium bichromate and gelatine emulsion on paper. A silver bromide image on paper is sensitized by means of potassium bichromate with an addition of copper sulphate and potassium bromide, then fixer is added. The image is soaked in water, and a gelatine relief is produced, which can be coloured multiple times by brushing or rolling on greasy ink. The tone is determined by the pigments in the ink. A variation is achieved when the wet, tinted gelatine relief is pressed against a paper and the ink is transferred. The image is reversed with a matt finish and pressure marks from the original print. This method was used between 1907 and the 1940s.

Källa: Moderna museet.

Utställning: In Lady Barclay´s salon.

[mollyscabinet]

Botar rastlösheten med att testa nya pennor.

[mollyscabinet]

Screenprint “Strepen//Riscos”

Här är ett kort klipp från 2018 där jag förberedde ett textilverk inför utställningen Sammelsurium på Galleri Tegel.  

250x150cm. 

Sammelsurium: a hodgepodge, a jumble, a mix (of things without order), a mess.

Musik: The Dip - O.P. Jebediah

[mollyscabinet]

Nu ställer jag undan bokhyllan och påbörjar nya projekt

Redovisningen är över och reflektionstexten inskickad! 

[mollyscabinet]

Artificial red society // Soemardja Sound Art Project

Fick syn på den här videon under gestaltningsprocessen, den fick mig att tänka på mitt eget koncept. Personerna i röda ponchos påminner mig om böckerna i min bokhylla. Lite av en konkretisering av att kunskapen är i konstant förändring/under uppbyggnad. 

Det interaktiva performance-stycket är skapat av en indonesisk konstnär vid namn Bob Edrian Triadi, 2018.

[mollyscabinet]

- The evaluative bookshelf -

Händelseförlopp, symbolik och eftertanke

Rekvisitans symbolik

Bokhylla: Läroplanen, kunskapsmålen, undervisningsunderlag och bestämmelser.

Färgburk (röd akryl) och pensel: Förtydligande och “inringande”, lärarens uppdrag att visa och presentera. 

Böcker med röda pärmar: Den traditionellt ansedda kunskapen. Exempelvis kulturkanon och så kallade “grundläggande” kunskaper. 

Böcker med olikfärgade pärmar: Dessa symboliserar information och kunskap som jag anser vara viktig för ett livslångt lärande men som inte står listat som kunskapskrav osv i läroplanen. Dessa placeras först bland de röda böckerna men blir automatiskt nerkastade (utan att jag rört dem) då de inte anses höra hemma i den originalröda bokhyllan (läs läroplanen).

Bok med porträtt av ett barn: Boken som har motivet av ett barn på framsidan visas både under den förutbestämda ordningen på de röda böckerna samt under processen där jag väljer vilka böcker som borde prioriteras ihop med annan litteratur. Barnet symboliserar eleven. I den senare delen av videon målar jag ett hjärta runt ”porträttet” för att belysa elevens vikt vid anpassandet av information och undervisning. När jag påstår att sållandet av information sällan är objektivt menar jag inte att det endast är läraren som bestämmer vad som ska undervisas. Undervisningen anpassas till största del efter eleverna samt bestämmelserna som kommer ifrån regeringen. Trots ett löfte om likvärdig och objektiv undervisning krävs viss anpassningsförmåga. Skolväsendet är inte en maskin. Demokratin genomsyrar skolorganisationen, denna innefattar inte bara lagar och läroplaner framtagna av Skolverket. Elevdemokratin är minst lika viktig, därav uppmuntrar jag ett organiskt lärande. 

Skor: Skorna som placeras på hyllan representerar ett avtryck. Huruvida det är ett personligt eller lärotematiskt sådant är upp till åskådaren att tolka. 

Musik: Paul Desmond - Bossa Antigua. Valet av musik var lätt, jag älskar bossa och det passar till det mesta! Musiken ger videon ett lugnt och mysigt uttryck. Min tanke var inte att klippet skulle vara dramatiskt och konfrontativt utan mer ge känslan av en inre process.

Videons händelseförlopp

Videon börjar med en tom bokhylla och en färgburk. Dessa representerar en blank kunskapsbank hos mig som lärarstudent. Färgburken representerar min egen vilja, förmåga och intresse.

Röda böcker ställs varsamt på och bredvid bokhyllan. Olikfärgade böcker (irrelevant kunskap) kastas vårdslöst in i bilden. 

De röda böckerna tas ned och studeras av mig. Detta symboliserar mina universitetsstudier. Jag pluggar, lär mig innehållet, platsen i hierarkin och dess värde. 

Skor ställs upp. Dessa visar avtryck/påverkan. 

Jag ställer upp en bok med blå pärm. Den faller ner av sig själv, puttas ut av de röda böckerna. Hör inte hemma där. 

Olikfärgade böcker sparkas omkring, göms under samt bakom bokhyllan då de inte är värdiga en plats på den. 

Reflektion... något saknas. 

De röda böckerna kastas ner och omvärderas. Hierarkin förändras. 

Någon tänder lyset, avbryter och öppnar gardinen i bakgrunden. Detta symboliserar en granskning av exempelvis kollegor, skolverket eller kvalitetsmätningar. Gör du som vi sagt åt dig?

Gardinen dras för igen. Jag återgår till mitt urval och undervisning. 

Fortsatt uppbyggnad. Eleven i centrum. 

Ny litteratur målas röd för att bli en del av den obligatoriska kunskapsbanken på bokhyllan.

Alla böcker som fläckats av färgen, även de böcker som varit röda från början tas ned. Hur objektiv är undervisningsmaterialet egentligen? Alla värderar information olika. Man fokuserar mer eller mindre på olika delar i litteraturen. Den vinklas trots försök till objektivitet.

De böcker som står kvar på hyllan har använts objektivt och lärarens roll/avtryck/påverkan visas nu genom en överblick av all litteratur som lagts på vaxduken.  

Frågor och beskrivningar i textform.

Ett sista långsamt videoklipp på mig när jag känner mig klar. Jag reflekterar, gör ännu en omvärdering och lämnar scenen. Detta ska symbolisera att jag visat vilken litteratur som är relevant för en grundlig undervisning. Nu är det upp till eleven att själv ta del av kunskapen. 

Slutsats: Läraren, ihop med demokratiskt framtagna medel, har sammanställt ett “startpaket”. Med underlaget och budskapet kan eleverna fortsätta lära utan lärarens direkta närvaro. 

To battologize is to annoy someone by repeating the same thing over and over again. And again. And again. Revaluation is key!

[mollyscabinet]

Presentation av gestaltningen

Imorgon ska gestaltningen presenteras och jag känner att jag behöver samla tankarna. I fråga om val av metod var jag först inne på att använda mig av papper och andra människors engagemang men sedan insåg jag att jag lätt kunde misslyckas med detta då det krävdes att andra människor handlade så som jag förutsatt. Att dyka med huvudet före in i riskfyllda projekt är annars något jag tycker är intressant. Är man inte helt säker på vad resultatet blir, är det som att se verket skapar sig självt. Det blir en överraskning trots att man varit med hela vägen från idéstadiet till utförandet. Jag kom på ett bättre koncept och övergav min första idé, behöll dock konst genren/utförandeformen. Jag har inte använt mig så mycket av videoformatet tidigare och har varit nyfiken på det länge. Har blivit mer intresserad av Performance art efter att ha börjat experimentera i det offentliga rummet på “min fritid”. Så ville bygga vidare på det.

Performance och video konst kan ibland kännas lite långdraget och är videorna för långa tappar jag personligen snabbt intresset. Jag ville att min video skulle fånga betraktarens nyfikenhet och behålla deras uppmärksamhet. Jag valde då att filma allt i ett uppsnabbat tempo. Händelseförloppet sker snabbt, därför valde jag att beskriva vad som händer i videon, vad rekvisitan symboliserar och vad min tanke med verket var. För att förtydliga mina frågeställningar och få fram budskapet la jag även till text i videon som belyste dessa. 

I fråga om val av rekvisita ville jag att den skulle vara relevant i förhållande till temat. Böcker kändes givet då dessa representerar kunskap och förknippas med undervisning. 

[mollyscabinet]

Process och reflektion av lärarrollsgestaltningen

Under det här projektet har jag ändrat min frågeställning x antal gånger, undersökt olika infallsvinklar och funnit ny inspiration varje gång jag reflekterat över uppgiften. Till en början var jag säker på att jag ville undersöka lärarens roll i multimuralt lärande men efter ett par dagars fundering insåg jag att jag var tvungen att utöka min frågeställning för att få fram allt jag ville behandla i frågan. Jag vred och vände på delarna som min gestaltning till slut nu visar. Behövs läraren utanför klassrummet? Kan läraren vara närvarande i ett livslångt lärande trots att hen inte är med och guidar när kunskapen inhämtas? Hur ska eleverna lyckas sålla relevant information på egen hand? Är lärarens roll att presentera en grund? Vem bestämmer vad som är relevant? 

Mitt svar är svävande men jag känner att jag kommit närmre en slutsats. Jag har bildat mig en uppfattning om hur jag önskar att det skulle se ut. Som tur är formulerade min handledare det så att i ett konstnärligt undersökande ligger inte fokus på det ultimata svaret, utan på frågan. Presentationen av olika perspektiv är också viktig. Utifrån mitt eget tyckande och vad jag kommit fram till genom den undersökande gestaltningen är svaret på de främsta frågorna  “I vilka rum, utanför formella institutioner krävs vägledd kunskap? Vilken information är relevant? Vem bestämmer?” att läraren tillsammans med eleverna och övriga medborgare är de som bestämmer vad som ska undervisas. I min senare text kopplar jag detta svar till demokrati, samarbete och professionalitet. Kopplar även detta till Skolverkets bestämmelser och varifrån de hämtar sina riktlinjer. Spoiler alert: full circle-dilemma! 

Jag diskuterar även rollen man har som lärare utanför klassrummet och vad man har för påverkan på elevernas kunskapsinhämtande. Det är svårt att ta till sig allt, därför fungerar läraren till en början som guide. Sedan har eleverna tillräckligt med kunskap för att lära sig mer. Denna tes ville jag förtydliga genom videon där jag ringar in vad som är relevant för en ung användare av medicinerna jag tog bipacksedlarna ifrån. Texten är liten och kompakt. Känns som en enda stor gegga om man inte inriktar sig på specifika stycken. 

Med min senare video, som jag räknar som min huvudsakliga gestaltning behandlar jag också frågan om urval, personligt anpassande och inflytande. Med den vill jag visa hur organiskt yrket är samt hur mycket man måste ta hänsyn till när man undervisar. Alla klasser man möter har olika behov. Därav poängterar jag också att elevdemokratin och elevernas egna förmåga att välja undervisningstema/material spelar stor roll och bör respekteras, precis lika mycket som lärarens erfarenheter och Skolverkets riktlinjer.