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Review: Abbey Road - The Beatles

Review: Abbey Road – The Beatles

Por: Jake Lemmon La mejor imagen que tiene el “cuarteto de Liverpool” ante los críticos es desde el álbum Revolver, (o incluso desde el Rubber Soul) en adelante; ya sea por un cambio en sus letras tocando tópicos un tanto sensibles para la corriente popular como el uso de drogas (Dr. Robert) o una critica débil hacia la política (Taxman), o por el uso de efectos sobre las canciones para llenarla…

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Top: Los Mejores Albumes del 2017 (14-10)

Top: Los Mejores Albumes del 2017 (14-10)

Escrito por: Duvan Sánchez   Ya de paso terminamos lo que iniciamos antes de que nos olviden en sus corazones. Al día de hoy se han publicado las dos primeras listas de los mejor del 2017 ( Las pueden checar abajo en los enlaces) y continuaremos buscando el mejor álbum del año pasado.   14. Sussane Sundfør – Music for People in Trouble Los antecedentes de Sundfør habían siempre significado una…

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Review: Healing - In Love With A Ghost

Escrito por: Duvan Sánchez.

 In Love With A Ghost a sido de esos pocos éxitos a los cuales se puede decir que haya salido ganando con Soundcloud haciendo dream electrónica y lo-fi. Es preciso decir que no es la única con talento en esa comunidad, pero es la que mejor ha hecho ese paso de hacer samples enteros a solo utilizar ese recurso, para armar un beat y de ahí partir de la canción.

 Y es que el resultado de la francesa es satisfactorio, "introduction" es el abre bocas del álbum Healing, y de una manera juguetona y enternecida, llega a impactar ese parecido intencional a los juegos de 8 - bits, teniendo una atmósfera que ya prepara para acontecido, como una buena introducción.

 "i was feeling down then i found a nice witch and now we're best friends" es transcendental como parte del storytelling el cual compone los nombres de los tracks. En está canción se ensaya el lo-fi que  bastante ritmico, y que se empapa de ese aura optimismo algo surreal.

 "welcome at azerty and qwerty's home" ¡Oh! el sonido de la puerta y los pájaros de fondo son el deleite mas que introductorios a lo que es esas tonadas divertidas y rimbombantes que sirven como ejemplificación de Azerty y Qwerty. Es algo inocente, pero encantador. Sigue funcionando como conjunto, pero quizás queda como un interludio, que pudo ser más.

 Pasamos a "chilling at nemu's place" que al igual que "I was feeling down then i found a nice witch" llevan la misma base, aunque menos interesante que la anterior. El compas 4/4 suena predecible. Aunque si admito que como canción de treinta y seis segundos funciona estupendo. Lo que me hace rivalizar del porque "welcome at azerty and qwerty's home" sea tan corta. Simplemente se reduce en ser decente pero insipida.

 Mi canción favorita y que recobra con fuerza el album es  "i know it's not easy but you're not alone anymore", añade esos arreglos de piano que llevan la canción y se focaliza en mostrar como es que se siente el protagonista de está historia contada en sampleos. La forma en que introduce ese sentimiento de al fin estar en confort, es simplemente maravilloso.

" i hope you don't mind if i come here to cry" no es algo algo a lo que sienta ese encanto al que el track pasado venía haciendo. Sí, es bueno pero sigue sin sumergir ese sentimiento a tristeza que refleja el titulo. Es como una forma de querer creer que con solo el titulo era lo suficiente para dar el mensaje. Su duración y también que conserve la misma base de el segundo track no ayudan a dar contexto a esta canción como parte de un todo.

 Con tonadas jazzys y con su cierto parecido al OST de algún boss de videojuegos, está "qwerty enchanted the house and now it's attacking us", que vuelve a volver a encender esa llama algo extinta. Divertida y juguetona, pero sigue habiendo el problema que no hay contexto musical en ella que me permita que con el titulo forme una idea.

  " let's walk across this forest, i can feel that everything is real again" suena mas chill pero sin perder el toque Lo-fi que recorre el album. Sus arreglos son de los más notable y como lleva el tempo de la batería, una muy limpia es de admirar.

   "am i a girl? am i a boy? do i really care? i'm hungry anyway" puede ser olvidable hasta en su mayor sentido, pero es divertido como toma el contexto de ella como artista (y las varias veces que le preguntan sus fans si es hombre y mujer, y que yo mismo estuve confuso a la hora de escribir la reseña) y como lo introduce en la historia que lleva a mano en el album. Los de piano y batería no son algo muy exaltantes, pero ese sonido de fondo de alguien masticando es, ridículamente pintoresco.

 "Ok, thinking about avocato, salad, cucumber, tomato"  

   Este viaje termina con "healing" y ciertamente se me hace un buen fin. Es apropiada con todo lo que quiere lograr el álbum. Su atmósfera es su punto fuerte y contempla de forma enternecida todo lo que abarca el álbum sobre la amistad, la magia y el sentido de la amistad. Y aunque sus fallos sobre como trasladar el mensaje a cada tonada del álbum rompe algunas veces, es un gran paso, además que no es fácil abarcar una historia con solo sampleos y arreglos.

 La gran falla es eso, que como música tiene más para aprovechar su medio, pero también, se limita así misma en solo mostrar atmósfera y títulos, siendo un concepto que con otros elementos se aprovechaba más.

Calificación: 6/10.

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¿Que hace a Kendrick Lamar distinto?

Escrito Por: Diego R. Ortigoza

¿Qué diferencia hay entre ser reconocido por haber logrado algo y ser reconocido por haber impactado en algo? Desde cierto punto de vista ambos suenan “similares”, pero si lo revisamos, claramente son algo distinto.

En los 60´s, The Doors lograron ser la primera banda de E.U en lograr ventas al nivel de las bandas inglesas. Aproximadamente por la misma época The Beatles lanzó el “Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band”, logrando un impacto sonoro y un cambio discreto y sin precedentes en la música. Es ahí cuando es obvia la diferencia entre lograr algo relevante e impactar.

Sé que es raro comenzar un artículo sobre Kendrick Lamar con una comparación del Rock sesentero. Pero como dijo Kanye West; “El Rap es el Rock de esta generación”, y de un modo u otro creo que como vemos a The Beatles o The Doors en la actualidad… en un futuro se verán a artistas como Frank Ocean o Kanye West en un estatus similar.

Pero… ¿Por qué comencé este texto con una comparación entre lograr algo e impactar en algo? ¿Qué tiene que ver esto con Kendrick Lamar?...  El 23 de marzo del año actual (2017), Kendrick lanzo el tema “The Hearth Part IV”. En este tema el establece una diferencia entre ser el mejor rapero del momento y el rapero más exitoso del momento. Muchos apuntan a que este tema es una respuesta a muchas indirectas que algunos raperos han dicho sobre él. Lamentablemente no estoy aquí para hablar sobre el drama de los raperos, sino para hablar sobre Kendrick...

Al escuchar ese verso, y ver que posiblemente Kendrick lancé un nuevo álbum, me encontré a mí mismo explorando toda la carrera de Kendrick y preguntándome; ¿Qué hace a Kendrick distinto al resto?

Kendrick canta sobre el mundo, el racismo, los problemas políticos y sobre su fama. Justo como cualquier otro rapero.

Kendrick es negro y usa beats bastante regulares. Justo como muchos otros raperos.

Kendrick tiene una voz un tanto gangosa y muchas veces necesita algunos arreglos vocales. Justo como cualquier otro rapero.

Eso reforzaba mi cuestión… ¿Qué demonios tiene Kendrick que otros raperos no tengan? ¿Cómo es que Kendrick es considerado la voz de una generación, y raperos como J Cole o Joey BadAss sean puesto detrás de él?

Pronto me di cuenta de la respuesta, la cual de un modo u otro era bastante clara. No debía de ver a Kendrick como un rapero o como el “vocero” de una generación… debía de verlo como un poeta.

Kendrick como muchos raperos vivió en un ambiente agresivo, lleno de violencia, rodeado de pandillas y crimen organizado… la diferencia es que realmente Kendrick nunca estuvo involucrado ni interesado en ese tipo de cosas.

Usualmente los raperos de California alardean sobre ser mafiosos, o de su odio hacia ciertas figuras de autoridad. Dando la imagen de alguien con una actitud totalmente Punk; lo podemos ver en artistas como 50 Cent, Ice Cube o incluso el mítico 2Pac.

Kendrick en cambio nos da una perspectiva distinta… una perspectiva de alguien que observa lo que está a su alrededor. La perspectiva de un pintor contemplando una orgia, o de un escritor contemplando los montones de cuerpos después de la batalla. Kendrick observa lo que hay a su alrededor y lo romantiza de un modo en el cual puedes sentir e imaginar perfectamente lo que dice.

Kendrick como muchos raperos logro el éxito, y se convirtió en el icono y el orgullo de toda una comunidad que confía en él y lo considera un salvador. Algo de lo cual muchos raperos alardean con felicidad.

Kendrick en cambio nos ofrece toda una exploración de lo que la fama puede causar en la psique de alguien. El cómo ser exitoso, famoso y rico no lleva a la felicidad sino a una confusión en la identidad y a un viaje de autodescubrimiento. Como ser considerado un salvador no suele ser lo mejor, sino usualmente es un castigo. Dándonos no solo la imagen de un “rapero” sino de un artista rodeado por gente que lo adora y lo ve como un heroe... algo que muchos de los artistas sufren en algún punto.

Cuando por fin lo pensé, llegue a una total conclusión acerca de el porque Kendrick sobresale por encima de todos, el porque Kendrick no es como cualquier artista en la industria...

Kendrick no es un simple rapero.

Kendrick es un poeta.

Kendrick es la persona que observaría a Sócrates morir, y luego pintaría un cuadro representando no solo a un hombre muriendo… sino a todo un linaje de filósofos naciendo.

Tal vez no sea el salvador del rap, pero definitivamente es el Shakespeare de nuestra generación.

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It´s The New Wave!

Escrito por: Rolando Batista

Hoy en dia tenemos el synthwave, vaporwave y el chillwave pero que tal si retrocedemos y vemos la ola que lo originó todo:

El New Wave Un estilo de música que deriva del punk rock y que incorpora sonidos pop, disco, mod, experimental y electrónicos y que posteriormente se fusionó con otros estilos como la opera (como es el caso de Klaus Nomi) La new wave difiere de otros movimientos con vínculos con la primera ola del punk, ya que presenta características comunes a la música pop, a diferencia del más "artístico" post-punk, aunque incorpora gran parte del sonido original del punk rock; mientras que podría decirse que exhibe una mayor complejidad tanto en la música como en la letra. Las características comunes de la música new wave, al margen de sus influencias del punk, incluyen el uso de sintetizadores y producciones electrónicas, la importancia del estilo y las artes, así como una gran cantidad de diversidad. Es considerado el género estampa de los años 80s ya que cadenas como MTV durante esa época popularizaron artistas y grupos del estilo como The Go-Gos, The Human League, Adam Ant, B-52s, Talking Heads, Devo, The Cars por mencionar algunos.

Orígenes: Los orígenes del estilo se pueden encontrar en Estados Unidos pero principalmente en Reino Unido donde el punk tuvo su auge a mediados de los 70s, Mientras el punk perdía la popularidad alcanzada en 1976 y 1977, todo el Reino Unido fue epicentro de varias formaciones de bandas New wave. Caben destacar lugares en Inglaterra, como Merseyside, Gran Mánchester, Lancashire, Yorkshire, Bristol, Londres; en Escocia, como Glasgow y Edimburgo; y también en Irlanda del Norte, donde éstas agrupaciones se fueron formando. Cada condado, con su respectiva capital, sería el centro de una escena que marcó época en los países británicos. Bandas como Echo and the Bunnymen, Orchestral Manoevers in the Dark, Teardrop Express, New Order (que en un inicio fueron Joy Division), Public Image Ltd (formado por John Lydon mejor conocido como Johnny Rotten, el lider de los Sex Pistols), Ultravox, The Cure, Gary Numan, Duran Duran, entre otros. Estados Unidos también gestó su escena new wave con bandas como Blondie, Talking Heads, Devo, B-52's, Pere Ubu, The Motels, Television, Missing Persons. También cabe destacar países hispanos como Chile con Los Prisioneros, Argentina con la banda Soda Stereo, España con Mecano, Olé Olé, Uruguay con Los Estómagos, Los Tontos, Venezuela con Aditus.

Evolución y revival: Durante los 80s el estilo trajo derivados como el darkwave con bandas como Sisters of Mercy, Clan of Xymox o The Cure. También trajo el Ethereal Wave con bandas como Cocteau Twins, Dead Can Dance o el proyecto This Mortal Coil liderado por Ivo Watts-Russell, fundador del sello británico 4AD. El New Romantic con bandas como The Romantics, Adam and The Ants, Spandau Ballet. A mediados de los 2000 surgió el revival con bandas como Shiny Town Guns, Interpol, Kaiser Chiefs, Ladyhawke, Ladytron, entre otros. Esto a su vez trajo consigo estilos como el synthwave, el vaporwave y el chillwave que han atraído a una camada de fans gracias a su factor nostalgia

11 Albumes para comenzar a escuchar new wave:

Talking Heads - Remain In Light (1980) https://open.spotify.com/album/3AQgdwMNCiN7awXch5fAaG

Missing Persons - Spring Session M (1982) https://open.spotify.com/album/08GAuXkchZVoRsnKdcihxs

Duran Duran - Rio (1982) https://open.spotify.com/album/02tfQwJSOLP77oCd9U8bqm

Gary Numan - The Pleasure Principle (1979) https://open.spotify.com/album/6wHjdKs7VVPVcqaHRzwqJt

Devo - Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! (1978) https://open.spotify.com/album/1u2Qni8cVRptDTaA00fmBC

Tears For Fear - Songs From The Big Chair (1985) https://open.spotify.com/album/4yaypP8ytl2ghM2kiNSD8a

B-52's - Wild Planet (1980) https://youtu.be/EAwXek5oxdw

The Human League - Dare! (1981) https://open.spotify.com/album/3ls7tE9D2SIvjTmRuEtsQY

The Police - Sychronicity (1983) https://open.spotify.com/album/28eOriEfl7IGbQDNvWIWXK

Ultravox - Vienna (1980) https://open.spotify.com/album/5VcL09CBaLiYwSgzpOTCio

Soda Stereo - Soda Stereo (1984) https://open.spotify.com/album/3i4nU0OIi7gMmXDEhG9ZRt

Y si 11 albumes no son suficientes, entonces tienes esta playlist que recoge lo mejor del new wave ochentero tanto en inglés como en español:

https://open.spotify.com/user/r.batista1992/playlist/1JreKainK1dOZiK31kD0y5

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Review: Forn - Ichika

Escrito Por: Duvan Sanchez

Es aquí donde lo irreconocible tiene prioridad, mas allá de demostrar música ya conocida, también es dar a conocer proyectos que tienen un apuro por ser amadas. Llaman y tocan a la puerta por algún publico que los ampare, y como religioso voy yo, tocando ventanas y saludando de casa a casa.

Forn toca al corazón de un manera magistral, única y deslumbrante, enaltece su atmósfera surreal con una guitarra armoniosa, casi lírica. Es un recital mágico de sensaciones y de una composición de ensueño. Es ameno, no es rimbombante y aun así, deja una sensación de querer más después de "Have A Nice Dream" ultima canción del álbum debut.

Y que debo decir de Ichika, es un maestro de la guitarra, sus únicos trabajos han sido en Youtube y en Twitter, donde la comunidad oriental está enamorada de su talento inconmensurable.

El álbum en su corto tiempo de material carece de profundidad para dar el mensaje. Aunque no necesita ser mas claro, porque no es su mensaje ser profundo, es ser armonico y bello ante todo oìdo.

Calificaciòn: 9/10.

Aqui para escuchar el album: https://ichika.bandcamp.com/album/forn.

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Get The Math!

Escrito por: Rolando Batista y Leo He Recomendaciones musicales por: Leo He (Esta entrada ha sido posible gracias a la ayuda de nuestro colega Leo He, fiel seguidor del Math Rock)

Las matemáticas, amadas por unos, odiadas por otros y sin dudas esenciales en nuestro día a día y también en la música, si aunque suene loco también se aplica a la música bajo un estilo denominado:

MATH ROCK

Estilo de música rock que surgió a finales de la década de los 90s en EE.UU. teniendo como principal influencia y origen el Rock Progresivo por bandas como King Crimson, así como compositores minimalistas como Steve Reich, por lo que suele ser considerado un subgénero de este estilo. Rítmicamente complejo, y mayormente basado en el uso de la guitarra. El nombre del género se debe a que los músicos utilizaban las matemáticas para encontrar creatividad al momento de escribir y realizar la música/sus canciones. Los artistas que se encuentran en el mundo del math rock siempre tratan de innovar, buscando nuevos sonidos para mostrar; sin embargo, siempre pretenden dejarle al oído algo instantáneamente reconocible.

Sonido:

En el Math Rock generalmente tratan de priorizar los sonidos de la batería, dándole ella una característica muy especial a este genero debido a que es la que maneja los tiempos de las canciones. La voz por lo general no es muy relevante en este género. Simplemente es utilizada como un sonido más en la mezcla y muchas veces es mezclada a menor volumen, escuchándose poco o casi nada. Por esto, la mayoría de los grupos de math rock suelen ser enteramente instrumentales.

Orígenes:

Los orígenes del math rock se pueden encontrar en bandas como NoMeansNo, una banda de jazz punk fundada en 1979, se le considera como una influencia importante para el math rock. Otro exponente seria la banda de hardcore punk Black Flag con su disco My War del año 1984 que usaba poliritmos, que es algo así como la acentuación de un ritmo contra otro que ya esta establecido. También se puede considerar el EP The Process of Weeding Out del año 1985 el cual es un EP enteramente instrumental y una influencia para el estilo.

Expansión y desarrollo de la escena:

Estados Unidos:  en ciudades como Pittsburgh, Washington D.C y California han sido testigos del surgimiento de bandas como Don Caballero, Tabula Rasa, Knot Feeder, Drive Like Jehu, Sleeping People, Slint entre otros.

Europa:  con bandas como Adebisi Shank (Irlanda), Three Trapped Tigers y This Town Needs Guns (Reino Unido), Uzeda (Italia) y Foals (Inglaterra).

Japon también tiene sus exponentes como Zeni Geva, Tricot, Ling Tosite Sigure, Toe, Zazen Boys, Lite Y Yona-Kit el cual es una banda formada por músicos japoneses y estadounidenses. También cabe destacar la participación de sellos disqueros como Skin Graft Records y Tzadik Records que han hecho posible que el math rock japonés se expanda a Estados Unidos.

También el math rock ha tenido sus fusiones con el emotional hardcore (mas conocido como emo) con bandas como American Football, Drive Like Jehu o This Town Needs Guns. El mathcore, también conocido como technical metalcore (metalcore técnico), technical hardcore (hardcore técnico) o progressive metalcore (metalcore progresivo), es un subgénero del metalcore y math rock caracterizado por su alto nivel de interpretación técnica. Las bandas seminales de este subgénero son The Dillinger Escape Plan, Volt, Converge y Heavy Heavy Low Low.

Albumes para comenzar a escuchar Math Rock:

Home Alone - Totorro

https://open.spotify.com/album/6zbZhKyXuslncIbqiwwPzo

Si tuviera que definir este álbum, tal vez diría que es enérgico, adictivo y divertido.

Es cierto que no a gusto de todos. Algunos probablemente lo encontrarán algo débil debido a su simplicidad. Sin embargo, a pesar de la falta de la complejidad y el esplendor de los géneros que se inspira, "Home Alone" es sin duda un excelente álbum.

El sonido claramente dirigido por la guitarra es claro en todo el disco. Le da al álbum una sensación puramente agradable, aunque por consiguiente carece de la sensación instrumental variada. Muchos pensaran en esto como una deficiencia pero sinceramente me parece la ventaja más fuerte del álbum. Todas las canciones son vibrantes y pegadizas desde el primer contacto, proporcionando una puerta de enlace brillante para cualquier persona nueva en el género.

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Hold Your Horse Is - Hella

https://open.spotify.com/album/4E8OP5rtu4s87cGG4RgUHR

Muy pocos grupos tienen la capacidad de extraer instrumentos tan abstractos, tan caóticos, o tan decididamente originales como lo hace Hella. El estilo spazz-core y math rock, contenido dentro de las nueve pistas de “Hold Your Horse Is” es una belleza para contemplar. La forma en que Zach Hill ( Percusiones de death grips ) y Spencer Selm ocultan una detallada emoción musical de vanguardia bajo un velo agitado de ruido podrían considerarse brillantes. Por desgracia, esto también podría considerarse nada más que dos individuos jugando con sus instrumentos y llamando al desorden mutilado de la música sonora. Bueno, malo o excelente, este es uno de los álbumes que no deben faltar en tu listado de math rock.

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The Book About My Idle Plot On A Vague Amxiety - Toe

https://open.spotify.com/album/7Flt7ilAKp0t2gRzdnwQvn

Muchos Conocen el math rock/pos-rock  japones gracias a TOE y a su primer LP.

¿ y por que ? bueno…

Su primer album, “The Book About My Idle” presento a la banda en un punto mas serio, ya que mostró a la banda moviéndose hacia un sonido más pensativo e introspectivo ( a diferencia de sus primeros ep’s).

Hermoso y contemplativo con algunos de los mejores tambores que he oído en el género. La bateria parece ser la pieza central en la mayoría de las canciones con su juego de jazz, pero los otros músicos no deben ser ignorados, todos ellos tienen su lugar en este album. Guitarras duales se utilizan en cada pista, todos los instrumentos, para jugar el uno al otro y se entrelazan lo suficiente para crear una melodía funcional.

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Ruins alone - Ruins

https://open.spotify.com/album/4PEYg8c9HpUhkodZN5EgcL

RUINS Alone combina la excentricidad y la extravagancia de los vanguardistas improvisadores “Henry Cow” con la intensidad de las bandas de rock noise que al mismo tiempo se adaptan a la línea más ambiental del math rock como Hella o Lightning Bolt. Algunas de las canciones de este álbum comienzan a sonar espantosamente similares a  “Hella Hold Your Horse Is”, pero se transforma después de sólo cinco segundos en algo singular Ruins. Las vocales de Tuvan, ocasionalmente puede ser irritantes, pero con el tiempo se hace extrañamente comprensible… si, este álbum es extrañamente hermoso.

Creo que aunque sean de los mismos creadores, pues no siento que se deban de comparar “RUINS ALONE” con el album “RUINS”.

Lo que separa la música de RUINS Alone de la de Ruins es la orquestación, que está a la libertad de las restricciones de la batería y el bajo combinado. Los arreglos de las canciones son elaborados y laberínticos, y es fácil perderse. Todo esto hace un álbum nuevo y mucho mas trabajado.

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American Don - Don Caballero

https://open.spotify.com/album/2p9TfQ9VppThnoYLfBBWx1

Don Caballero ha llegado a ser conocido como una de las bandas más interesantes, únicas y mas importantes del math/post rock.

Con American Don, el grupo se redujo a un trío. Este trío nos proporciona la producción menos agresiva de Don, centrándose más en las texturas que en la aritmética. No hay casi ninguna guitarra distorsionada que se pueda encontrar. Toman su tiempo y se centran para que el oyente se dé cuenta plenamente de todas las cualidades en el álbum. Para los nuevos oyentes, la clave aquí es pasar por la segunda pista de 10 minutos, "The Peter Criss Jazz" para así prepararse a un sonido mas pegadizo y no sorprenderse por algo mas eufórico

Los que ya están familiarizados con los otros álbumes de Don Caballero son más propensos a apreciar este, pero estoy seguro de que cualquier fan de música de mente abierta puede entrar en esto. American Don... Probablemente la mejor producción de Don Caballero.

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Bones In The Soil, Rust In The Oil - Pretend

https://open.spotify.com/album/13pw6EhA6uj12pEUUkcoZj

Realmente no es de extrañar que Pretend tome seis años entre medias cuando se tiene en cuenta lo increíblemente complejo e intrincado que es su composición. Complejidad por sí sola no va a hacer una banda especial. Bones In The Soil, Rust In The Oil es un hermoso, diverso y encantador álbum de Math rock/post-rock.

Hay guitarras absolutamente magníficas aquí, pero la banda pone un énfasis en voces y tambores que la mayoría de las bandas math simplemente no hacen. El sonido "twinkly" de las guitarras tampoco es estático, ya que la banda se presta a algunos momentos más pesados en temas como "Holy Destination" o la canción homónima del álbum. Cada instrumento se da espacio para que el oyente puede apreciar plenamente todo lo que están haciendo. Es un álbum enorme en casi ochenta minutos, pero es absolutamente excepcional si te tomas la oportunidad de escucharlo. Podría tomar hasta 2021 para el próximo disco de Pretend, pero teniendo en cuenta la calidad de este y su sucesor, vale la pena esperar.

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Massacre - killing time.

https://youtu.be/b1kPa1PTajU

A principios principios de los 80's se empieza a dar una experimentación magnífica en la cual killing time de massacre sería uno de los pioneros.

Siendo llamado uno de los álbumes más aterradores y hermosos de su decada. Este disco fue uno de los primeros álbumes en llevar la etiqueta de "math rock". Agresivo, experimental, uno de los álbumes con más legado en la escena musical. Un álbum imprescindible.

Si eres fanático del noise rock, avant-prog, seguramente encontraras lo que buscas en este álbum

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Ki - Kali Iuga

https://youtu.be/Puz3LCE0cfU

Por ultimo, no debemos olvidar que la escena del math rock esta creciendo en toda latino américa.

Una de los ejemplos mas fuertes es la banda Kali Iuga con su primer ep, "Ki".

Me lleve una gran sorpresa cuando al escuchar el ep me di cuenta que era muy variado y balanceaba muy bien la agresividad de sus vocales con la batería extremadamente suave y con una guitarra que puede ser amable, creativa y muy frenética.

Kali Iuga es una banda peruana a la que deberíamos tener en la mira.

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Entrevista: Noctem

Escrito por: Alejandro Cabrera

 Esta pequeña entrevista es parte de una serie que consiste en explorar la producción musical de distintos sectores de sudamérica, precisamente esta se realizó el primero de septiembre del 2017 a Noctem, productor independiente de beats de Mar de Plata, Argentina.

¿Por qué “Noctem”?

Pues he tenido otros apodos, entre ellos, “Lil Boat”, pero he elegido Noctem por una razón más profunda de la cual siempre digo, cuando me lo preguntan, digo: Noctem significa noche en latín. Pero nunca he dicho por qué elegí “Noche” en latín, el motivo es que casi toda mi vida, las cosas buenas me han pasado de noche, hacer mis beats, mis liricas, salir con amigos desde las 12:00 PM hasta las 7:00 AM, la noche y la calle son las cosas donde más me siento inspirado, y una tarde me dije, ¿Por qué no “Noctem”?, luego de leerlo en un libro de historia, decidí que ese sería mi sobrenombre.

¿Desde cuándo y por qué decidiste ser beatmaker?

Vaya, pues se podría decir que comencé a producir beats desde hace 2 años, pero de una forma más seria, ¿sabes?, antes solo producía cosas chiptune caótico, porque eso hacía cuando descubrí la producción digital, hasta que empecé a tomarlo no como algo para pasar el tiempo, sino como una herramienta para crear arte. La decisión fue realmente fácil, siempre me ha gustado el rap, desde que tenía mis 12 años, he escuchado de todo, artistas de España como Porta a mis 9, y Kase. O a mis 14, artistas de Argentina como Raptomaniacos a los 12, y Emanero a mis 13, de Mexico, Estados Unidos, siempre estuve involucrado en el Rap de una u otra forma, y cuando me puse serio, dije: Hombre, si me gusta el hip hop, ¿Por qué no intentarlo?, el resultado fue éste, y estoy mucho más que conforme.

¿Cuales son tus principales influencias en tu trabajo y por qué fueron importantes según vos dentro de la producción musical?

¿Mis principales influencias en mi trabajo?, siempre me ha gustado el estilo de Violadores del Verso, esos sampleos me dejaron alucinado desde la primera vez que los oí, mucho de su estilo intente plasmarlo (y darle también un toque mio) en temas como Don’t think about it, o The Truth, pero con una onda más actual y calmada, como yo, en lugar de un estilo agresivo de los 90s, “Saib.” también es un artista que ha influenciado mucho no solo en este trabajo, sino en varios, su estilo tropical con tintes Brasileros es algo que me gusta mucho de él, temas como Banana o Another Sky tienen un poco de esa magia, ¿Sabes?, un poco de esa “Selva” donde el tipo te quiere meter… Después están artistas como Charly Garcia, el cual tiene un dialogo en el Skit “Copiarse y fallar”, no podria haber elegido un dialogo mejor para este álbum, y todo gracias a haber oído sus proyectos hace mucho e interesarme por su persona. 

Hablando del último trabajo “Controversia.” ¿Cómo lo definirías usando 7 adjetivos?

Pues creo que diría… - Conceptual - Disonante - Crudo - Alegre - Personal - Decente Y por sobretodo lo ya mencionado - Evolutivo.

Este último trabajo tiene un arte conceptual bastante intrigante, ¿nos podes contar un poco más acerca del porqué de estas fotografías que acompañan a tu EP?

Claro, poniendo un poco de contexto de donde salieron: Esas imágenes las tome un fin de semana en una ciudad vecina, durante el viaje, me preguntaba, “¿Cómo puedo comunicarme con las personas?, ¿Cómo puedo reforzar mi mensaje sin decir una sola palabra?” (Entre otras cosas relacionadas con el EP). Luego de pasear un poco por esta ciudad vecina, termine encontrando un terreno enorme, montañoso, en honor Jesús y su historia, entonces ahí fue cuando pensé “¿Qué es más controversial que mi álbum?, la política, y la religión”, tome muchas fotos de cosas que pienso son disonantes. Hay una imagen donde Jesucristo le pide a su padre si puede pasar esa “copa” de él, dejándole vivir, su propio padre lo sacrifico por la humanidad, después vemos una imagen donde hay muchas notas, están pegadas a la enorme cruz de Jesucristo que encontré, todas agradeciendo a dios, o despidiendo a sus seres queridos, pidiendo por favor que estén en la gloria y paz eterna, sin embargo, existe gente en este mundo que, quizá por escepticismo agresivo, desmeritan la fe y esperanza que representa Jesús como icono, ¿Sabes?, a mí me duele pensar que en una parte del mundo, hay alguien rezándole a dios por su vida para no morir, mientras que en otra parte del mundo, hay alguien humillando y ridiculizando a algún creyente, mofándose en toda esa fe y esperanza por la vida de sus seres amados, eso es “Controversia” para mí, por eso elegí esas imágenes. 

Según vos ¿estamos en un buen momento para poder decidirse a empezar a auto producir música?

Que curiosa esta pregunta, jajajaja…Bueno, creo que si es un buen momento, la tecnología ha avanzado a la par con la música, hoy es posible sintetizar, y producir en general de formas que en 2004 hubieran sido horriblemente costosas tanto en esfuerzo como tiempo y quizá dinero, hace poco un amigo el cual es escritor dijo que estaba cansado de escribir, que quería liberarse un poco de eso, había comenzado 3 novelas, ¿Sabes?, y como es mi mejor amigo, le dije que no debía limitarse solo a la escritura, sino al arte en general, a la música por ejemplo, y pues ahí lo lleva, lo está intentando, me recuerda a mi cuando empecé, pero yo creo que es mucho más fácil hoy en día comprar Fl Studio, a comprarte una caja de ritmos, las cuales por cierto en mi país son bastante costosas. Pero, hablando en el sector social, hoy en día están saliendo muchos artistas independientes a flote, productores digitales como algunos de los famosos “Raperos de soundcloud”, y eso me agrada, ya no solo es ir a hacer freestyle en una plaza o luchar para poder dar un concierto, los métodos para dar a conocer tu arte se han facilitado enormemente. 

¿Qué reacciones crees que cause tu trabajo para con los oyentes?

En el fondo, “Controversia” es un disco sumamente personal, algunos lo tratan de 5 o 6, otros de 8, yo no creo ni espero que la gente capte mi mensaje de forma directa, sé que no todos lo harán de esa manera, pero la reacción que si tendrán, o pienso que tendrán, es de bipolaridad, quizá un viaje en avión que termina en una estación de trenes, o una mañana soleada que termina en una noche fría y lluviosa, como la película “Desde el crepúsculo hasta el amanecer”, definitivamente, espero que sus primeras impresiones cambien mientras los temas avanzan, y cambian junto con ellos. 

¿Qué opinas de tu escena local en producción musical? ¿Y a nivel global?

Pues a nivel global aun me falta aprender mucho, una vez me dijeron que tengo la pasión, pero no el conocimiento, y les doy la razón, apenas estoy comenzando, pero yo estoy conforme con eso, más que conforme. Y sobre mi escena local…Bueno, no tengo mucho que opinar al respecto, sinceramente. 

Como productor autodidacta, ¿Cuáles han sido los principales obstáculos para producir tu música y hacer que se escuche?

Bueno, he tenido los típicos problemas, falta de tiempo, de ganas, inspiración, lo que le pasa a cualquier artista, pero a veces sientes un vacío en el fondo, te preguntas “¿Por qué lo hago?, ¿Hay alguien que realmente me va a oír?, ¿Vale la pena esforzarme?”, a veces crees que no vas a ser tan bueno, no vas a llegar al nivel de monstruos como Kanye West, Kendrick Lamar o el Indio Solari, solo piensas que es un camino empinado y que quizá hay otros caminos más fáciles de recorrer, mi mayor obstáculo era yo mismo, pero a la vez, era mi mejor herramienta, en mis momentos de depresión más pura, utilizaba la música para desquitarme o despejarme, y en mis momentos de mayor alegría, utilizaba la música para reforzar mi felicidad, haciendo lo que me gusta. Llegue a la conclusión de que sí, quizá no sea como Kanye, como Kendrick, Luca Prodan, Cerati, Emanero, ni nadie por el estilo, pero…Mientras una sola persona oiga mi música, mientras le haya llegado a una persona, no me importa si mi música es buena o mala, mientras le haya llegado a alguien, siento que mi trabajo está más que hecho, algunos quieren fama para ser las estrellas del mundo, yo no soy el que quiere ser famoso, mi trabajo es el que me lo pide. 

¿Algún mensaje final para quienes lleguen a leer esta entrevista?

Bueno, ¿Qué más decir, verdad?, a veces las palabras no alcanzan…Pero si tuviera que decirle algo a los lectores, sería que se animen, no solo en la música, hablo de la vida, anímense, anímense a escuchar géneros nuevos, a cruzar la calle sin ver, a hablar con desconocidos, a emborracharse todos los días, anímense a meterse en la controversia, no tengan miedo de salir de su zona de confort, anímense a meterse en un lio y ver ambos puntos al mismo tiempo mientras sus mentes explotan, no sé si haya un dios, o si hay vida después de ésta, solo pienso en el aquí y ahora, creo que he vivido el día a día desde que nací, ustedes deben hacer lo mismo, prueben con todo, prueben haciendo música, pinturas, cine, animaciones, inténtenlo todo, una vez me dijeron “Haz de todo, porque no sabes que va a darte de comer el día de mañana”.

El album de Noctem se encuentra disponible ya en Bandcamp

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Cuatro álbumes que han pasado desapercibidos este 2017

Escrito por: Duvan Sánchez

Oímos y vemos opiniones que se muestran desinteresada en la música moderna, equivocándose y etiquetando la amalgama de tintes que ha sido este arte en el 2017, caricaturizando y llamando de mediocre a los nuevos artistas, ignorando a lo que verdad es mayoría, los trabajos bien hecho o por lo menos interesados en transmitir algo al oyente.

Y entonces, vedme aquí, queriendo hacer una lista a lo mejor de un año lleno de hechos y dichos, queriendo hacer una lista a lo mejor del año. Pero quiero ser algo diferente, quiero buscar más a fondo en aquel entorno más personal, brindando un catalogo para aquellos que quieran sin duda, ir en el transporte o en su casa y brindarle algo diferente a su experiencia, digno de ser escuchado y que no se pierda entre los años pasajeros o de gente que no está entusiasmada por la belleza del descubrir nueva música.

Nubya García - Nubya's 5ive

                  Jazz, hip hop, electronic funk, soul/  9 may 2017

 Ya en Londres se habla de una gran saxo y compositora, con virtudes tanto técnicas como sus colaboraciones. En esta entrega se encuentra con Moses Boyd conocido de una impecable percusión y ya de renombre en Inglaterra por sus brillantes sesiones. En este caso, es indudable como este ayuda a este album/sesión, dotándola con su trabajo en la batería un alucinante parecido a los beats del hip hop, volviendo este un jazz bastante pintoresco, que aunque algo allegado a este genero urbano, se aleja al acostumbrado rozamiento chill hop, y dotándolo de un ritmo peculiar, que separa bien ambas partes, sin ser un todo, pero único y bello en cuanto a como se siente la progresión y los cambios de este.

Track favorito: Hold (Alternate Take).

Dominus - Desire

                                   Chillhop, Lo -fi/  27 Jul, 2017

 Soundcloud es la cuna del material creciente y que más se infravalora, ya sea porque son entusiastas que hacen música por diversión, ya sea más por un meme que propio amor al arte, pero igual hay otros que acuden a está plataforma por una oportunidad. Dominus es un chico de 17 años con un talento increíble a la de ejecutar sample de buena manera, no abusa de los tiempos muertos, sabe ejecutar y darle segundos a las narraciones con el fin de que no sea un set vacío. Es relajante y significativo, tempera bien el ritmo y sabe separar cuando es Chillhop y cuando es Lo - Fi, sin introducir estás dos homogéneamente. Un chico con mucho talento a la hora de producir y crear nuevo material.

Track Favorito: The city of jiufen.

KSR - One - The World is MIND

                                            Hip Hop/ 9 may, 2017

El Legendario MC del Bronx, conocido por formar parte del Bowie Down Productions, pioneros de la fusión del raggamuffin y el hip hop, estilo que fue muy característico en los 90'. La esencia de KSR siempre ha sido ser critico y en su décimo tercer álbum nada cambia. Sin luces, sin anuncio sale uno de los mejores del hip hop, logra brillar siendo un rap que sigue la línea ya añeja y desgastada del East Coast rap, pero eso es su mayor logro, darle ese tradicionalismo común a las rimas que presenta un hoy bastante caótico, dándole un sentido más que necesario y muy espiritual que respira y bebe de las experiencias de KSR.

Aunque la carrera de Parker no este en boca de todos, es real que el ha sido una piedra angular de su comunidad y su género.

Track Favorito: Hip Hop Speaks From Heaven.

MIKE - MAY GOD BLESS YOUR HUSTLE

                          Hip hop, alternative rap/  21 Jun, 2017

La conmovedora historia de MIKE, de como su madre lo ha apoyado en su música y como todo ese soul conmovedor y melódico vive en el y en su destacado debut recibiendo apoyo total de la comunidad de Bandcamp y siendo apoyado por artistas como Earl Sweartshirt. El álbum se compone de una composición muy sencilla, pero funciona a la hora de entender el foco de todo, la observación de MIKE ante el mundo y lo que le rodea, en su interpretaciones surge a la hora de existir y seguir existiendo. Con una voz refrescante y smooth con los samples que trabaja de un contenido bastante cercano al fullsoul. De pie y demostrando que futuro tiene, siendo la gran sorpresa con BROCKHAMPTON.

Track Favorito: awalkingharlem ft. King Carter.

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Opinión: La belleza en interpretar personalmente el arte.

Escrito por: Duvan Sánchez

Razonando en un astroso mes de julio personal, me encontraba conmigo mismo no queriendo hacer nada, no queriendo escribir acerca de música, sólo fulminando la absurda apariencia que me quería reflejar de una figura de responsabilidad. Cuando divagas en esas dudas sin sentido, todo alrededor de ti comienza a tonarse un significado directo o indirecto, lo que vez, lo que oyes, lo que interpretas. Y aunque en esta manipulable realidad egocéntrica, reclama que todo lo que incumbe a su vida lleva un significado tajante a lo que vive, es sin duda una visión individual bastante absurda a lo que en realidad lo real es.

Mi interpretación en esos lapsos caían y recaían en circunstancias ajenas de lo que en verdad eran, no podía criticar, puesto que todo lo que pensaba era como un verso, un sonido se relacionaba a lo que sentía. Esto en todo su contexto me llevaba a sobrepensar deplorablemente, la objetividad que quería arraigar desde que inicie en esto se corrompía. Le daba vueltas sin sentido al porqué esto es así, por qué a su máxime la interpretación emocional y pensadora, distorsiona todo el aprendizaje cognitivo.

Y la verdad, es que interpretar no debe ser personal, pero siempre está el porqué esto es así ¿Será el autor o el receptor el que da el valor del mensaje a la obra? Obvio, siempre estará presente la visiones primarias de la música, la melodía, la armonía y el ritmo, pero ante todo esto siempre se verá el mensaje recalcitrante del artista y como la realidad lo interpreta.

Así que el "como" siempre tendrá un valor llamativo, es transcendental para él artista llegar  al público su mensaje directa o indirectamente. Y aunque está se ve diluida homogéneamente en el desarrollo sonoro y lírico, recaerá en el oyente aclarar y empaparse del artista y sus emociones. Y aunque como lo dije, el análisis estético y el juicio cualitativo va antes y después al hablar de una obra. He ahí, la belleza de aveces sentir lo ajeno como algo vivido.

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La Maldición de la Malinche: Lo extranjero sobre lo nacional

Por: Jake Lemmon

El siguiente artículo va dedicado a toda persona que sufra de "Malinchismo", queremos demostrar que también aquí en latinoamérica tenemos música que vale la pena.

En México se cuenta que a la llegada de Cortés y sus conquistadores, una indígena, conocida como la Malinche, le ayudo como traductora a ganar la confianza de los emperadores del nuevo continente para que estuviesen a su lado, pasando a la historia con la fama de traidora y que su nombre fuera utilizado para describir a las personas que tienen una preferencia enorme por lo extranjero a lo nacional.

En toda latinoamerica siempre a habido malichismo en la sociedad: desde la ropa, imagen y hasta comida; todo eso para dar un aspecto de superioridad no sólo económica sino estética también, ya que el malinchista no reconoce sus raíces, las desprecia y las minimiza.

El Malinchismo en la música: Los Consumidores

La corriente de consumo popular en latinoamerica carece de originalidad y calidad, sobretodo cosas como la Televisión o Música, por eso es fácil entender la preferencia por cosas extranjeras, pero no todo lo nacional es malo, al menos para la música no.

En la sociedad podemos encontrarnos gente que pregona ser mas lista que el promedio solo por escuchar música en inglés (aunque esa música sea él Top 100 Hot de Billboard), y que la música nacional está obsoleta y no aporta nada, que bandas nacionales jamás llegarán a las "complejas" letras de la canción en turno de Ed Sheeran o los ritmos "nuevos" de Drake, tachando a cualquiera que escuche música en español como un inculto. La idea errónea de estas personas hacia la música de su nación viene gracias a la colección MP3 de las baladas más melosas de los grupos favoritos de tu abuela, música “degenerada“, (como el reggaton, la banda o hasta la cumbia y la salsa), o estaciones de radio que solo se ocupan en pasar a Mana y Arjona cada 3 horas.

En la escena Alternativa e Independiente de latinoamerica se crean nuevos proyectos que a veces quedan en el Underground y otras tienen la suerte de salir a la luz, proyectos que demuestran la creatividad de su país y lo que tienen, que lejos de canciones románticas y baladas pop, ofrecen sonidos nuevos y letras críticas sobre inquietudes o meramente artísticas, este mismo enfoque hace que sean desconocidas ya que lo que quiere la sociedad es una canción sin fondo que les nuble los problemas y los haga bailar a 120 BPM.

Burbujas y Cámaras

En mi artículo pasado ("I WAS BORN IN THE WRONG GENERATION": La evolución de la música y sus detractores), comenté un poco sobre las "burbujas" que sirven como zona de confort para que las personas no busquen sonidos o proyectos nuevos, ahora me gustaría comentar sobre la cámara de eco.

La cámara de eco es una metáfora sobre la recepción de información que aumenta tus creencias en un sistema "cerrado", (por ti mismo), y que inhibe información contraria a la que recibes, entonces si eres apoyado por información parcial al punto de vista de deque la música en inglés es superior por el simple hecho de estar en otro idioma y bombardeado de noticias que traen sólo lo peor de la música en español obviamente terminarás rechazandola y sintiendo que tu país es una tragedia para la música.

Menciono esto porque se debe recalcar lo importante que es experimentar y buscar, salirse de las cosas de siempre con la mente abierta puede ayudarte a encontrar proyectos de tu agrado que demuestren que en tu país hay música que vale la pena apoyar.

Bajo lupa: ¿Que tan buena es la musica Nacional?

Las personas cuestionan el contenido en las canciones nacionales porque sólo tienen como referente la corriente popular en la cual se destacan los géneros como el Reggaeton, Banda, Bachata y Pop, todos con letras muy "genéricas" con el mero punto de entretener y fuera del agrado de muchas personas.

Lírica:

La lírica es una de las partes importantes en la estructura de una canción, ya que junto con su composición podremos darle un valor crítico a la pieza, esta ayuda a expresar y a conectarnos con las emociones y sentimientos que el autor nos quiere transmitir. Bandas y proyectos antiguos como los de Spinetta, demuestran tener una mejor lírica sin pedirle nada a bandas extranjeras.

"Tengo tiempo para saber si lo que sueño concluye en algo. No te apures ya más, loco, porque es entonces cuando las horas bajan, el día es vidrio sin sol; bajan, la noche te oculta la voz." -.Bajan de Spinetta

Sonido y Composición:

El sonido es crucial como parte de la identidad de una banda o género mientras que en su composición se observa la creatividad y potencial que un proyecto puede dar no sólo a una escena, sino a una cultura.

Proyectos semi nuevos como TITAN y Los Macuanos, (ambos de México), demuestran la creatividad inspirada en su país dando pie a sonidos nuevos (TITAN) y a géneros nuevos (Los Macuanos), ambos aunque tienen en común la estética Dance, tienen un mensaje artístico y político directo hacia la sociedad y de paso creando una escena y contracultura llena de inconformidad pero a la vez con una solución.

https://www.youtube.com/watch?v=tgO8xtETTlM&feature=youtu.be

Bandas como Almirante Ackbar de lima o FACA  (aunque ya desintegrada) de México y Argentina demuestran que la vieja moda de las guitarras eléctricas en la música aún no ha muerto creando sonidos frescos con fusión entre Rock, Surf y Pop

Logros:

Puedo decir que es un orgullo para Costa Rica y México que las bandas Cocofunka y Café Tacvba pongan a sus países en la mira de críticos expertos en música, con sonidos que despiertan su atención ante una "interrupción latina" en la escena musical extranjera, donde otros proyectos como The Mars Volta o ARCA han dejado una marca y reconocimiento para latinoamérica, logrando que cada día otros países estén más al pendiente de la escena alternativa en esta parte del continente, además, de que más foros grandes de debate en Internet sobre música están reconociendo el aporte de América Latina y su osadía de fusionar géneros, crear sonidos e implementar letras más ricas.

Causa y Efecto: Apoyos y Trabas para los proyectos emergentes.

El desprecio hacia la música nacional evitando toda identidad con ella, afecta a aquellos locos que quieren hacer una vida de composiciones. Un músico con fama nacional obviamente no gana tanto como uno de talla internacional, menos uno que por su música con esfuerzos llegará ser la pista más pedida en la radio, y aún peor por el odio irracional a lo hecho en tu propio país, prefiriendo comprar otro disco de The Beatles que apoyar al menos con un dolar en su Bandcamp a proyectos buenos, nuevos, frescos y emergentes.

Por fortuna existen plataformas como Soundcloud y la ya mencionada Bandcamp que permiten a bandas emergentes darse a conocer mejor, también existen estaciones de radio alternativas que transmiten bandas nuevas de la escena nacional, también existen proyectos independientes de páginas o blogs de música que remarcan la presencia de latinoamérica en la música valorando sus trabajos y proyectos. Pero este no es suficiente si seguimos con la idea de que algo es mejor simplemente por su idioma.

Latinoamérica está, cada vez más, bajo la atención de países extranjeros, lo cual demuestra que tenemos la misma oportunidad de triunfar como cualquier otro país en la escena musical, tanto alternativa como popular, dejando en claro que no tenemos nada que envidiar o reclamar ante bandas inglesas o americanas, la música no va a ser mejor o peor por un idioma, sino por la creatividad y capacidad de movernos, ya que como arte eso es lo que cuenta, y el arte no conoce de lenguas.

Community Speaks: Terocks14

Para hablar sobre este tema quise invitar a la blogera Terocks14, ya que en sus vídeos muestra un gran apoyo a la escena nacional haciendo reviews y comentarios sobre discos del alternativo mexicano:

Yo creo que desde siempre la gente ha comparado a México con Estados Unidos, Inglaterra o con lugares que tienen una mejor imagen de la industria musical que aquí (México). En la actualidad no es muy distinto, la gente prefiere escuchar los mismos temas de siempre o lo que esta de moda. Las bandas emergentes cuentan con apoyo pero no de la misma manera que grupos clásicos y esto sumado al desinterés de la gente por la escena nacional  y las constantes comparaciones crean barreras para el crecimiento de cualquier banda nueva no solo en México sino en latinoamérica en general.

Muchas gracias por leernos y muchas gracias a Terocks14 por darnos algo de su tiempo, les dejamos sus redes para que la sigan y también les dejamos una playlist con 3 canciones de parte de Rolando (Panama), Carlos y yo (México) de nuestras bandas favoritas de nuestros países, la cual sera colaborativa para que agreguen ustedes tres canciones de sus bandas favoritas de su país

Blog de Terocks14:http://terocks14.blogspot.mx/

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCfW8A7-9unjAqsh2huCshAQ

Twitter: https://twitter.com/terocks14

Facebook: https://es-la.facebook.com/terocks14/

Tumblr: https://www.tumblr.com/blog/terocks14

https://open.spotify.com/user/lmljakelemmonlml/playlist/7jPQIgr18zTf6jNlV5y8cr

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Review: Murder of The Universe - King Gizzard And The Lizzard Wizzard

Por: Carlos Alfonso

“MotU“ es por lejos uno de los mejores discos de rock que ha salido en este 2017, teniendo este una narrativa bastante descabellada y llena de horror cósmico, donde nos presenta 3 historias, siendo dos de estas consecuentes y otra que está separada de la historia principal en cierto punto.

El disco empieza con el Capítulo 1, donde narra la historia de la bestia alterada, un ente no tangible que tiene un solo propósito, y este es consumir toda la carne humana posible mostrándonos la parte más obscura y corrompida del ser humano como tal, este se le presenta a un sujeto, del cual no sabemos su nombre, y es convencido por la bestia para entrar en él y así poder traer terror a la poca gente que queda de la tierra.

Pasando a lo que es el Capítulo 2, nos cuenta la historia de Balrog cuando pelea contra el Señor del Trueno el cual se ubica entre las canciones de People Vultures y Gamma Knife del disco Nonagon Infinity. Aquí nos narra el nacimiento y la muerte de la criatura Balrog por lo que deduzco que Balrog es la criatura que nace en People Vultures.

Al final el Capítulo 3, narra la historia de un futuro alterado, donde las personas abusan de la tecnología y convierten a una persona en un cyborg que desea 2 cosas, la muerte y el vómito; está en su búsqueda egoísta de estas dos cosas, y crea a una criatura sin nombre y sin razón de vivir, repitiendo así un ciclo; el fue creado sin deseo y sin propósito, y la criatura que crea es igual que él, Han Tyumi decide conectarse a su criatura, volverse uno con ella y así se vuelve el Asesino del Universo, pero al hacerlo, este crea uno nuevo, cubierto en sangre y vómito.

Como se puede observar el Capítulo 1 es la continuación del 3 y el Capítulo 2 es continuación de los sucedido en Gamma Knife/People Vultures, algo que sin duda está bien elaborado a lo que se refiere en narrativa ya que este disco solo expande más el universo de King Gizzard, y lo más interesante es que en discos como Quarters! O Im In Your Mind Fuzz hacer muchas referencias a lo que es la historia de la bestia alterada (siendo esto menciones de cierta forma indirectas a la historia pero que aun así complementa dicho disco).

Las conexiones que tienen los discos (como se menciono en mi anterior reseña) son bastas, algunas directas, otras indirectas, pero lo que sorprende es lo bien elaborada que está la narrativa que llevan las canciones de King Gizzard y siendo Murder Of The Universe un disco que está más enfocado a la narrativa sin ignorar a la música. Sin duda alguna King Gizzard And The Lizzard Wizzard está haciendo un buen trabajo, solo esperemos que sus siguientes discos expliquen más acerca de su universo y sobre todo como encaja todo.

Calificación del Disco: 8/10

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King Gizzard And The Lizzard Wizzard: Un análisis a su narrativa

Por: Carlos Alfonso

"As the lord of lightning prepares his mighty finger for his final blow, Balrog growls at the sky preparing his final attack…"

Lo que podría parecer una locura en estas líneas, es de hecho dos de los personajes en está retorcida y atípica historia que nos narra la banda King Gizzard And The Lizzard Wizard en su disco Murder Of The Universe, aunque no entraremos en mucho detalle por el día de hoy (no quiero hacerles tremendo spoiler del disco).

El día de hoy nos enfocaremos en lo que podría ser una de las más estrafalarias narrativas que he visto en un buen tiempo (en lo que se refiere a discos conceptuales claro está) y este es el  G I Z Z V E R S E , lo que empezó como una loca teoría en Reddit, poco a poco fue tomando forma, aunque estas teorías de Reddit eran un tanto rebuscadas yéndose desde reptilianos y demonios, ha estado tomando forma en estos últimos dos discos de King Gizzard junto con el que se viene este 23 de Junio, aunque no de la forma en que Reddit lo plantea.

Analizando las letras de todos los discos pude darme cuenta que de una forma u otra los discos están conectados (lo cual ya fue confirmado por la misma banda en varias entrevistas), pero lo interesante es que se divide en dos secciones

Los mundos que son indirectamente afectados por la narrativa principal o que la complementan de una forma u otra.

El mundo donde pasa toda la narrativa principal.

Dicho esto creo que será un poco más fácil (y entendible para los que no conocen a King Gizzard) explicar la narrativa del  G I Z Z V E R S E , siendo todos los discos antes de Nonagon Infinity mundos separados de sí mismos pero que de una forma u otra se conectan entre sí, es decir, son diferentes mundos, pero pueden interactuar entre ellos, un ejemplo de esto sería Quarters! Donde en una de sus canciones nos narra una travesía de alguien por tierras lejanas e inhóspitas para muchos, y al analizar el video de la canción Gamma Knife y lo que plantea, llegue a la conclusión de que pudo ser la travesía que pasaron los acólitos del Nonagon para llegar al punto de su ritual.

Otro claro ejemplo de esto puede ser Billabong Valley del disco Flying Microtonal Banana donde se narra la historia de este vaquero llamado Mad Dog Morgan siendo este un estilo de caza recompensas/Sheriff y vaya sorpresa, uno de los discos de King Gizzard se llama Eyes Like The Sky, el cual es la narración de una historia del viejo oeste y donde el personaje principal no tiene nombre alguno, analizando bien llegue a la conclusión de que Eyes Like The Sky sucede en la misma tierra de la narrativa principal siendo este disco el pasado y lo que es Nonagon Infinity y Flying Microtonal Banana el presente de está misma y Murder Of The Universe el futuro incierto y corrupto de está realidad.

Ahora a lo que se refiere a la narrativa de la historia principal, nos cuenta como existe este culto de los Gamma Knife los cuales se podrían tomar como protectores de la puerta, o un montón de “Lunáticos” fanáticos de su secta que quieren invocar a este hombre cuervo y de paso abrir las puertas al N O N A G A M A V E R S E  siendo este una puerta a otra realidad donde todo es controlado por robots y magia incomprensible para la humanidad (aunque no para este culto aparentemente) .

Pasando el tiempo los acólitos son olvidados en cierta forma y nos acercamos a un poco más al futuro, un futuro contaminado a nivel china pero global y super futurista donde los cyborgs son una realidad, y donde este mundo ya está sufriendo del derretimiento de los polos, así es Flying Microtonal Banana podrá ser el primer acercamiento de la banda al concepto de microtonos pero eso no les impide que el disco lleve una narrativa de un futuro que tal vez nos toque vivir dentro de poco.

Y ustedes dirán:“¿Pero Carlos, cómo es que estos tres discos pasan en el mismo mundo sino parecen tener relación uno con el otro?" Mis queridos lectores esa es una pregunta que por el momento no podre responder hasta la salida del Murder Of The Universe, donde muchas cosas empezaran a cobrar sentido y harán un poco más clara está peculiar historia; pero por el momento tendrán que quedarse con esa duda y esperar hasta que salga el disco.

Y aunque los ritmos que maneja King Gizzard en sus discos tiende a ser demasiado repetitivos y monótonos en cierta forma, es interesante como este septeto se interesa más en la narración de su propio Multiverso y como poder llevarla a mena con su música para que el escucha pueda entrar de lleno a este universo y no solo es entrar de lleno si no también es sentirlo, como si fuera un ente separado de está realidad, que te crees que en realidad todo lo que te narra está sucediendo y no solo eso, sino que te preocupa y te ocupa el destino que llevará la historia con sus personajes.

Calificación de la Narrativa: 9-10/10

Calificación Musical: 7.5-8/10

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Review: Masterpiece - Big Thief

Escrito por: Duvan Sánchez

 En nuestra primer lista, aquella que contemplaba lo mejor del 2016, aparece un debut que se pronunciaba como un "Masterpiece", y aunque no llego hasta esa propia estima que la banda, Big Thief tenía, por nuestra parte le dimos su debido reconocimiento por encima de gente como Swans o Frank Ocean, pero el porqué les podría parecer inaudito, injustificable e incluso poco profesional.

Cabe aclarar que yo como reseñador no busco la originalidad en un artista, ya que ser original no justifica a un obra de ser excelsa, el único panorama para mí como alguien que lleva poco tiempo haciendo esto, es el como transmite el mensaje aprovechando todo lo que da el género y el medio para construir o desconstruir ante su propia experiencia.

Masterpiece es la primer obra de la banda Big Thief, que aunque no reboce de originalidad en cuanto su sonido, es como propiamente ayuda armonizar, y a su vez como la banda ejecuta esa atmósfera que preñan de forma consciente las letras en un  baldazo de emociones que van en inercias con lo que oigo y entiendo. Bien esto se puede ver en "Real Love":

"having a bad week? let me touch your cheek i will always love you

having your face hit having your lip split   by the one who loves you"

La guitarra en casi en su propia libertad, siendo más un acompañante de coro a esa voz que reposa augustamente, que un instrumento desamparado. Es enfático a lo que vive y se respira en la letra, dejando de ser solo un complemento y mas un marcaje.

En su proximidad, y otro punto de discutir es  "Paul", "Lorraine" y el storytelling:

"paul, i know you said that you'd take me any way i came or went but i'll push you from my brain see, you're gentle baby   i couldn't stay, i'd only bring you pain"

En lo más cercano a lo salvaje y campirano, en encuentran historias enternecidas, que se decoran como si fueran añejas ante su propio material, pero no siendo disonantes, porque sigue habiendo esa melancolía que repercute desde "Little Arrow" hasta "Parallels" Significando esta ultima un crescendo en un sentido multitudinal, tanto de nuestro vació encarnado y la necesidad de llenarlo.

"caterpillar on the floor can you teach me to transform i'll step right in and cocoon 'til i’m born and I can't say that i'll miss my human form much "

Masterpiece brilla con su propia luz, con cosas que ya fueron hechas, con énfasis en los coros y acompañamientos casi entusiastas, con una forma tan fuerte y arrogante, pero enternecida y demostrando que su obra es y debe ser, el despecho artístico que todo arte debe tener. Que te hará regresar con emociones encontradas.

Calificación: 9/10.

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HARDVAPOUR Killed the VAPORWAVE Star!!!

Por: Rolando Batista

A lo largo de la historia de la música hemos visto como aparecen contra partes, respuestas a ciertos géneros musicales que han alcanzado popularidad, por ejemplo el Punk Rock en los 70's que consiguió acaparar los medios y la escena musical de Reino Unido se vio enfrentado por el Heavy Metal a comienzos de los 80's creando así una rivalidad; el New Wave que se vio confrontado por el No Wave aunque no duró mucho logró tener exponentes como Lydia Lunch, Glenn Branca o Sonic Youth; el Glam Metal se vio confrontado por el Thrash Metal aunque ambos fueron populares en medios como MTV a través de programas como Metal Mania o Headbangers Ball y luego el Glam desparecería de la escena musical gracias al Grunge.

¿Que por qué digo todo esto? Porque está pasando desde 2015 y es que un colectivo de productores le está haciendo frente al Vaporwave y creando un nuevo género llamado:

HARDVAPOUR

Un micro género de internet que es la anti tesis del vaporwave, este género toma mas influencia de la actitud punk con un sonido basado en estilos como el acid house, hard trance, hardcore techno, speedcore, big beat, noise, hardstyle, hard bass, gabber, drum n bass, entre otros estilos donde la distorción se haga presente.

“You will meet me, under the dust, where the tree of life once stood. This world is out of time, and now it is mine, …prepare to die!”

On the fourth anniversary of the birth of vaporwave, we are delighted to inform you that vaporwave is, at last, dead”

Historia

El 29 de noviembre del 2015, un productor canadiense bajo el pseudónimo de Wolfenstein OSX (quien hizo un documental sobre vaporwave el cual pueden ver perfectamente en este enlace por si les interesa, eso si está en inglés: https://youtu.be/PdpP0mXOlWM ) lanzó lo que es considerado el primer álbum de hardvapour: End of World Rave, álbum publicado via bandcamp a través del sello Dream Catalogue, un sello disquero dedicado al vaporwave. End of World Rave mostró un sonido totalmente distinto a lo que ofrecían los artistas dentro del rooster de Dream Catalogue, un sonido caótico con cierta reminiscencia al cyberpunk en su portada.

En diciembre del 2015, Wolfenstein OSX junto con un ucraniano de nombre Vladyk Predovitch fundarían el sello Antifur, en la ciudad de Mykolaiv, un sello dedicado al hardvapour del cual les recomiendo dar un vistazo a su bandcamp: https://antifur.bandcamp.com/

El 9 de diciembre del 2015, un productor de vaporwave como lo es Hong Kong Express bajo el pseudonimo de Sandtimer publicaría un álbum con un titulo revelador: Vaporwave is Dead, publicado a través del bandcamp de Dream Catalogue se trataba de un álbum que incluye spoken words en uno de sus tracks el cual dice esta linea:

“Now, in the beginnings of the end of the world, vaporwave is dead. From now on, it will only be… the hardvapour.”

Mencion aparte merece otro sello de nombre H.V.R.F (Hardvapour Resistance Front) el cual de acuerdo a su descripción en bandcamp su sede queda en el pueblo de Pryp'Yat', Ucrania.

Carácteristicas Músicales:

Los elementos comunes incluyen sonidos de sintetizador pesados, baterias programados, ritmos rápidos e influencias de acid house, big beat, broken beat, gabber, speedcore, noise, hard techno, techno industrial, hardstyle y drum 'n' bass. El álbum de compilación de 56 pistas Hardvapour de DJ VLAD, publicado a través del bandcamp de Antifur, muestra elementos e influencias de una variedad de estilos, como el techno, la música industrial y trap. Hacking For Freedom por Wolfenstein OS X bajo el otro pseudónimo: Flash Kostivich fue caracterizado por el periodista Matt Broomfield como un "espacio sonoro único entre las primeras compilaciones de Clicks & Cuts y la banda sonora de Ghost in the Shell".

Se interpreta el sonido del hardvapour como una rebelión contra la onda de vapor que a veces juega con elementos de la música punk. Ejemplos como "Humanoid Sound (гуманоид звук)" de Trende toman prestada la estructura de la canción de tres cuerdas del punk, mientras que "Immortal" de DJ Alina ofrece líneas de bajo distorsionadas de manera similar a las obras de Circle Jerks o Dead Kennedys. Hardvapour fue interpretado por el periodista Rob Arcand como en algún lugar entre vaporwave. De acuerdo con Arcand, lo que tiene en común con vaporwave es que el hardvapour utiliza herramientas de software de música similares "no fuera de cualquier fijación especial con ellos, sino simplemente porque son ahora las herramientas más baratas y más accesibles alrededor".

Origénes culturales y Estética:

Al igual que con el vaporwave, el hardvapour suele tener una estética basada en la cultura del Este de Europa y se cree que alguno de sus productores son originarios de esa parte de Europa. Lo cierto es que el compilatorio Hardvapour revela que alguno de esos productores son de Rusia, Croacia o de Ucrania mientras productores como Dj Alina, Flash y Krokodil Hunter son etiquetados falsamente como productores originarios del Este de Europa. Si el vaporwave es una critica al capitalismo, la música de acensor, funky, ochentera, smooth jazz, etc; la nostalgia, los bustos romanos, paisajes tropicales, centros comerciales y todo este concepto etiquetado como la "Virtual Plaza" entonces el hardvapour te transporta a un mundo donde la "Virtual Plaza" no existe, solo hay un ambiente de opresión, post-apocaliptico, muy cyberpunk y esto es algo con lo que asocias al escuchar el sonido caótico del hardvapour, e incluso esto se puede ver en algunas portadas de álbumes del estilo. Imaginar un rave en un ambiente post apocalíptico (End of World Rave) o imaginar una mundial en el Brazil del 2034 mientras sucede una guerra en ese mismo instante (Brazil World Cup 2034)

Álbumes para comenzar a escuchar Hardvapour

Si bien el hardvapour es un estilo bastante joven, es increíble encontrar una gran cantidad de álbumes de hardvapour en bandcamp por lo que te recomendaré un par de álbumes que considero escenciales:

1 - Dj Vlad - Hardvapour (varios artistas) https://antifur.bandcamp.com/album/hardvapour

2 - Wolfenstein Os X - End of World Rave 2020 https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/end-of-world-rave

3 - Sandtimer (Hong Kong Express) - Vaporwave is Dead https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/vaporwave-is-dead

4 - Flash Kostivich - Hacking For Freedom https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/hacking-for-freedom

5 - Dj Alina - Classix https://antifur.bandcamp.com/album/classix

6 - Krokodil Hunter - кримінальну Господь https://antifur.bandcamp.com/album/--2

7 - Dj Alina - Maniax https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/maniax

8 - Wolfenstein Os X - Brazil World Cup 2034 https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/brasil-world-cup-2034

9 - Yoshimi - Tokyo Restricted Area https://dreamcatalogue.bandcamp.com/album/tokyo-restricted-area

10 - LeonLS - No Sleep In Paradise https://antifur.bandcamp.com/album/no-sleep-in-paradise

Y si 10 álbumes no son suficientes, aquí tienes la playlist oficial publicada por el sello Antifur en spotify:

https://open.spotify.com/user/yougone/playlist/35HUzOoEPH5AuUB50iDuw4

Link de bandcamp del sello Antifur: https://antifur.bandcamp.com/ Link de bandcamp del sello H.V.R.F: https://hvrfcentralcommand.bandcamp.com/

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"I WAS BORN IN THE WRONG GENERATION": La evolución de la música y sus detractores

Por: Jake Lemmon

Algo de contexto sobre la imagen principal: (Esta en Ingles)

https://www.youtube.com/watch?v=JcmylxQ0ma4

Con la llegada del Internet se ha facilitado el acceso a todo tipo de información y cultura en general y en el ámbito de la música no es la excepción. Desde saber un poco mas de la vida privada de una estrella por sus redes sociales hasta formas legales e ilegales de escuchar álbumes o canciones de nuestra predilección y aunque uno pensaría que esto serviría como una herramienta para abrir las puertas a nuevos proyectos o sonidos de parte de un publico mas amplio, a veces resulta lo contrario.

La Burbuja de la comodidad: Grupos Nostálgicos

Muchos de los lectores recordaran casi de inmediato el nombre "El Rock es Cultura" como una pagina dedicada a compartir la pasión y afición por el rock y a dar un lugar a el trabajo de las estrellas de rock más famosas en la red social por excelencia y con mayor numero de usuarios: Facebook. Todo esto no tiene nada malo hasta que uno ve las opiniones y pensamientos de algunos fanáticos que siguen estas paginas, aunque haya usuarios abiertos y completamente cómodos con el avance de la música y el hecho de que el rock no es un genero tan relevante en la corriente popular como solía serlo décadas atrás, hay otros que elevan a una categoría casi ridículamente religiosa su afición por este genero y gracias a ellos machan la reputación de estas paginas. Me di a la tarea de realizrle preguntas sobre este tema a las páginas más populares con este tipo de seguidores  y un cuestionario para saber si ellos son o no detractores de una reinvención musical. Logre contactar a los administradores de la popular página "El Rock es Cultura" y aunque amablemente aceptaron, no pudieron responder por compromisos mayores a excepción de Berny Lopez, administradora del grupo y pagina la cual nos regaló un poco de su tiempo para la entrevista:

-Jk: ¿Crees que la música moderna es mala a comparación con la de décadas pasadas?

-BL: "Sí"

-Jk: ¿Consideras que géneros como el rock, metal y sus derivados se encuentran muertos?

-BL: "No"

-Jk: ¿Consideras que los intentos de algunas bandas modernas al tener roces con subgéneros del rock se quedan cortos comparados con bandas de antaño?

-BL: "Sí"

-Jk: ¿Crees que todo lo que pasan en la radio es basura?

-BL: "No"

-Jk: ¿Que opinas de géneros como el Hip-Hop, Pop, Trap, Electrónica y Reggaeton?

-BL: "No me gusta, las letras ya no son bonitas"

-Jk: ¿Crees que la música de antes es mejor que la actual y si es así por que?

-BL: "Antes había mejores letras"

-Jk: ¿Para ti el éxito o popularidad es igual a calidad?

-BL: "No, porque lo importante es la calidad"

-Jk: Con respecto con la pregunta 7 ¿Qué es calidad para usted?

-BL: "Bueno para mi  calidad es que aunque toquen pocas rolas. Pero que sean de calidad."

-Jk: Entiendo pero podría definir qué es para usted "calidad"

-BL: "Que esté bien cantada y bien tocada"

-Jk: ¿Crees que el rock o metal es cultura y si si lo crees así,  porque deberían ser elevados a tal término?

-BL: "Si. Porque tanto la música y las letras son mejores"

-Jk: ¿Qué es cultura para ti?

-BL: "Cultura es aquello que identifica a cierto grupo de gente y transmite un sentimiento"

-Jk: ¿Consideras géneros como el Rock, Metal y sus derivados como géneros superiores a otros como Dance o Rap?

-BL: "Sí"

-Jk: ¿Te interesa conocer mas bandas y/u otros géneros musicales?

-BL: "Sí"

-Jk: ¿Cuando buscas una banda nueva quieres que te transmita lo mismo que una banda clásica o tenga el mismo sonido?

-BL: "Qué transmita lo mismo"

-Jk: ¿Prefieres comprar materiales nuevos o antiguos de bandas clásicas a materiales de proyectos nuevos o de otros géneros?

-BL: "Comprar de bandas clásicas"

-Jk: ¿Hace falta más apoyo a los nuevos proyectos o que más gente escuche a los "grandes"?

-BL: "Las 2"

-Jk: ¿Crees que una persona que no escuche rock es una persona tonta o inculta?

-BL: "Depende de la persona"

(Quiero aclarar que la preguntas y respuestas están citadas tal cual y como se dio la entrevista y estas son una opinión personal de Berny, cualquier persona tiene derecho y libertad de expresar su opinión sobre un tema de interés)

Utilice las mismas preguntas como cuestionario a seguidores de este tipo de páginas en una edad de 16 a 40 años, no es de sorprenderse que los jóvenes fueran más abiertos a experimentar con nuevas bandas aunque muchos prefirieron apoyar a las grandes estrellas en lugar de los nuevos talentos, en el caso de los mayores 6 de 10 entrevistados dieron un claro odio con la música moderna dejando ver que no tenían ninguna intención de escuchar bandas nuevas aunque de rock se tratacen.

Muchas de estas personas terminan por enfadarse y lanzar insultos que ellos consideran como "argumentos válidos" para ganar la discusión que se originó por una sencilla pregunta:

¿Es mejor la música de ahora o la de antes?

Cómo había mencionado con anterioridad, cualquier persona tiene derecho a compartir su idea sobre cierto tema, pero si lo único que sabe hacer es lanzar berretas y tratar de discutir sobre algo que no conoce basándose sólo en prejuicios y su argumento más sólido es insultarte, no veo que clase de cultura deja el rock para esas personas.

Es normal entender que sus preferencias estan basada en los estereotipos sociales no sólo modernos sino de antaño, donde una persona que escucha música extranjera era superior a una que escucha música en su propio idioma, también argumentando que la música de ahora solo se enfoca en tener sexo, como si no fuesen fans del lema: SEXO, DROGAS Y ROCK N ROLL. También al considerarla muchas veces "arte" o "verdadera música" por el simple hecho de utilizar instrumentos aunque prestan poco o nulo interés en la lírica, una prueba de ello son los fans de Limp Bizkit o Nickelback y tal vez actualmente Twenty One Pilots.

¿En verdad apesta tanto?

Mucho se señala la música moderna de pecar por falta originlidad, sonido o Feel, comparándola con bandas de los 60's hasta los 90's que a veces nada tienen que ver una con la otra, pero... ¿en verdad apesta la música contemporánea?, NO, no mí pequeño lector, el decir que la música moderna o contemporánea apesta es solo un prejuicio de personas que se basan por lo que escuchan en la radio o por líderes de opinión que carecen de iniciativa para indagar y descubrir más bandas en este amplio mundo de la música. Entonces... ¿la música antigua apesta?, TAMPOCO, la música de décadas pasadas no apesta por el simple hecho de de ser vieja o de que las composición tanto la musical como la lírica no cuadren con este tiempo, la BUENA MÚSICA  termina siendo atemporal y cada día van surgiendo nuevos artistas que desafían el cambiante estado de la música establecido por otra persona para imponer el suyo esperando a ser cambiando por alguien más

El Rock...No tiene la culpa

En la entrevista anterior Berny contaba que el propósito de crear el grupo y la pagina era compartir el amor por el Rock y sentirse orgullosos de ello, Berny y los demas administradores no tiene la culpa que su pagina se vea manchada por la actitud tosca y cerrada de muchos de los seguidores que lo único que ocasionan es sentir vergüenza de pertenecer a una comunidad que a veces es más cerrada de lo que dice ser.

Al final me gustaría dar un mensaje para todas esas personas que viven con la mente cerrada:

Si en verdad disfrutamos la música, si en verdad queremos lograr una fraternidad, no debemos pelear contra el mundo ni cerrarnos a lo desconocido, sino disfrutar, respetar y experimentar cosas nuevas.

Un agradecimiento especial a los Administradores de la pagina "El Rock es Cultura" por aceptar tan cordialmente la entrevista y a todos los demás entrevistados por hacer está nota más veraz en su contenido.

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Review: La Maquina de Hacer Pajaros

Escrito por: Aga Teron

Hoy toca un álbum que quería reseñar hace tiempo ya: La Máquina de Hacer Pájaros “LMDHP” es el álbum debut de la banda homónima, publicado en en 1976. Una de las piezas esenciales del rock progresivo en Latinoamérica, fue llamada por su cantante y teclista Charly García como “El Yes del subdesarrollo”. La banda incluyo en sus trabajos elementos de Genesis, Yes, Camel, Pink, Focus asi como elementos del folk argentino. Este álbum cuenta con 7 canciones, durando un total de 38 minutos. La primera canción del álbum es Bubulina, canción que ya había sido tocada por Charly Garcia en el último recital de su anterior banda (Sui Generis). La canción abre con una lenta y potente introducción con teclados junto a la voz de Garcia para luego pasar a unos sinfónicos arreglos de guitarra (de Gustavo Bazterrica), mezclados con una simplista línea de bajo (por parte de José Luis Fernández) y una batería con un excelente Groove (por parte de Oscar Moro). Un elemento que notamos aquí es que el álbum no parece dar una mayor prioridad a ningún elemento, manteniendo a cada instrumento en un volumen adecuado, solo destacándolos cuando necesiten brillar. Los teclados se mantienen en el fondo mientras la guitarra suena, pero luego los teclados toman la canción por completo después de una pausa, dando un excelente sonido sinfónico (muy diferente del rock de guitarras típico de Argentina en esa época). Cada instrumento brilla, manteniendo un ritmo bastante consistente a la vez que complejo, una guitarra que brilla sin necesidad de anteponerse a los otros instrumentos, teclados creativos, potentes y sinfónicos y la armoniosa voz de Charly, quien sin ser un gran cantante, cumple. La canción con constantes referencias a la fantasía, dramática y hermosa hace una introducción perfecta al álbum. La segunda canción, Como mata el viento norte, se siente mucho más folk, igual de armoniosa y sinfónica con un gran bajo y teclados pero con una guitarra acústica, un mensaje con referencias a la mitología, al amor. Los arreglos son igual de buenos, incluyendo ahora un piano dándole un sonido más clásico a la canción. Los coros se sienten mucho mas completos que en Bubulina, pues se cuenta con María Rosa Yorio (ex esposa de Charly) y Nito Mestre (ex colaborador de Charly). Los teclados se sienten más potentes, esto es debido a que cuenta con la participación del segundo tecladista, Carlos Cutaia (quien no toco en Bubulina). Haciendo referencias no tan leves a la dictadura y al asesinato de inocentes (siendo Charly una persona con ciertos ideales izquierdistas), dándole aún más profundidad y un trasfondo socio-político al álbum. Boletos, pasos y abonos cuenta con un sonido más optimista. Un bajo más complejo, una batería más rápida sin sentirse cargada, una guitarra jazzera. Una queja personal con esta canción es que la voz de Charly apena se escucha, algo bastante malo porque se nota que es una muy buena performance de su parte, y yo, como Rioplatense, no puedo entender casi nada de lo que dice. Afortunadamente, los teclados dobles siguen sonando excelente. Creo que se puede entender el problema en producir esto, pues LMDHP contaba con demasiados instrumentos, sonidos y voces, por lo que lograr un mixing equilibrado fue difícil y decidieron sacrificar al elemento más débil, la voz de Charly. La letra de la canción hace referencia al sufrimiento, la despedida de Sui Generis y una especie de venganza de ego de Charly y una reafirmación de su ego, haciendo cierto contraste con el sonido considerablemente más alegre que tiene esta canción. La canción mantiene elementos progresivos, con cambios erráticos, toques jazzeros, solos de teclados, bajo y guitarras, dando como resultado una canción muy muy completa. Perdiendo y ganando toques sinfónicos a lo largo de la canción, parece durar mucho más de 6:32 minutos (en un excelente sentido). No Puedo Verme Más es la brutalidad hecha canción, con una de las mejores relaciones batería-bajo-teclados que he tenido el gusto que escuchar. No puedo dejar de alabar el trabajo de Moro en esta canción, pues parece poseído por el espíritu del jazz, teniendo una gran velocidad y a su vez un Groove perfecto. La línea de bajo se vuelve más compleja, la guitarra se aparta un poco del jazz, las vocales siguen sonando demasiado bajas (aunque los coros ayudan a darle más cuerpo y por lo menos son levemente más apreciables) y los teclados siguen teniendo una excelente sinergia. No hay mucho que comentar de la letra, pues no le encuentro realmente mucho sentido, aunque sin embargo se hacen referencias al miedo, cosa que se menciona a lo largo del álbum. Rock inicia como una pieza con mucha más clase, con obvios elementos de música clásica y romántica, siendo una canción mucho más calmada y más orientada a los pianos. La guitarra gana un sonido más rockero, la batería mantiene el Groove y el bajo se vuelve menos audible. La canción luego gana un sonido más frenético, similar a No Puedo Verme Más, agregando teclados y sintetizadores, que hacen contrastes con el piano. Durante estos momentos se incorporan varios solos de guitarra de calidad y el bajo vuelve a ganar cierta relevancia, manteniendo la regla de darle brillo a los instrumentos cuando lo necesiten. Una canción frenética y variada, 4 minutos empaquetados con una tremenda variedad. La canción trata temas recurrentes del álbum, el miedo y el hedonismo, además de menciones a la naturaleza, tema que hace referencia tanto en los proyectos folk de Charly como en Como Mata el Viento Norte. Por probar vino y agua salada resulta aún más folk que Como Mata el Viento norte, sonando sumamente clásica. Por lejos, la canción con menos influencias internacionales. La canción sigue contando con los elementos de las otras canciones, teclados en una constante sinergia y una batería muy efectiva, solo que ahora las vocales ahora pueden ser escuchadas de manera mucho más adecuada (por suerte). Es sin duda la canción menos progresiva del álbum. La letra parece intentar transportar al oyente a la realidad argentina, sumando con los clásicos elementos fantásticos y metafóricos que tiene el álbum a lo largo de toda su canción. En sus últimos segundos, sin perder el toque folk, la canción gana un sonido más similar al resto de las canciones, más orientado a los teclados. Y la gran canción que cierra este álbum es Ah, te vi entre las luces. Obra maestra del rock progresivo. Variada, emocional, poética, perfecta en todo instrumento, única y a su vez con tantas reminiscencias a Yes, Genesis y Pink Floyd. Es el epíteto del rock argentino, una obra de arte que nunca fue apreciada como se debía. Una introducción conmovedora, que pasa al formato habitual de la banda, manteniendo un sonido igual de emocional y serio en un sonido de rock. Se mantiene dramática, con un gran sonido de teclados y pianos, sin opacar a los otros instrumentos (que realizan un trabajo excepcional, pero esta canción se la roban los teclados). Volviéndose más seria mientras pasa, sumando reminiscencias a la música clásica y a las ya mencionadas bandas, se aparta del sonido de jazz para un sonido más cercano al art rock y el rock sinfónico. Con solos de guitarra frenéticos y emocionales, un bajo justo y necesario que combina muy bien con la batería aun algo jazzera de Moro (ya más tirando al rock progresivo), la canción termina siendo una muestra de originalidad, plasmando todas las influencias de la banda en una manera coherente, junto a un buen nivel de experimentación. La canción en ningún momento se vuelve demasiado compleja o realmente difícil de escuchar, por lo que los 11 minutos que dura no se vuelven una experiencia en la que se debe sobre-analizar exageradamente lo escuchado, si no que se vuelve una experiencia de inmersión total. La canción podría haber sido perfectamente instrumental y, pese a ser el track más largo del álbum durando 11:11 minutos, es la que posee menor contenido lirico. La letra breve pero melancolica, con una leve alusión a lo romántico, solo está ahí para agregarle un sentimiento poético a una canción que ya de por si perfecta. Esta canción es la conclusión perfecta para el álbum, cerrando con broche de oro este disco. Conclusión: Album sumamente variado, excelente a nivel instrumental, poético a nivel lirico, con trasfondos políticos y sociales, con una producción y mixing balanceados y justos que permitieron a cada instrumento brillar como se debía. Un álbum que logro escapar a sus influencias y lograr dar un producto de calidad, dando algo que es tan parecido y tan diferente a la vez de sus contrapartes americanas y europeas .Una obra de arte que nunca brillo como se debía fuera de su país.

100/100