l-arqu - Tumblr blog

[l-arqu]

Mies v Gaudí: Round 2

Frank Gehry y Rafael Moneo son la versión moderna de Mies y Gaudí. No podrían ser más diferentes entre sí, pero esta vez es por un ángulo distinto. Ambos Gehry y Moneo trabajan sus obras arquitectónicas dentro del estilo moderno. Sin embargo, cada uno tiene visiones contrastantes de lo que es la modernidad, y como se piensa no solo en el diseño, si no en la experiencia física de sus espacios.

Comparándolos a sus ancestros espirituales, Gehry tiene más afinidad con Gaudí con sus fachadas escultóricas y retantes para la percepción pública, mientras Moneo y Mies comparten una lealtad por el sentido y la necesidad histórica dentro de sus museos habitables. Interesantemente, aunque sus antecesores no tenían nada que ver con cada uno, al punto que sus comparaciones solo llegan hasta el punto filosófico y conceptual, Gehry y Moneo pueden compararse al punto de la ejecución porque ambos llevan el mismo concepto gran parte de las veces.

Por ejemplo, el Kursaal de Moneo y el Guggenheim de Gehry se podía decir que son sus proyectos de identidad. Sirven muy bien para demostrar sus personalidades y razonamiento con respecto a sus carreras de arquitectos. El Kursaal es estructurado, con geometrías puras, solo se representa lo necesario para explicar lo que es el espacio. El Guggenheim es juguetón, irreplicable, busca extenderse casi hasta los límites de la física. No obstante, ambos juegan con esconder sus intenciones: el Kursaal con su sencillez de fachadas, con algunas pistas que se salen de su rejilla establecida, y el Guggenheim con una fachada intencionalmente confusas y distraen de cualquier funcionalidad en su interior.

Nuevamente, a pesar de sus evidentes diferencias, trabajan los mismos problemas del mismo punto de partida, ejecutando soluciones superficialmente contradictorias. Sin embargo, incluso esto en su esencia es la misma. Llega un punto que sus obras son opuestas interpretaciones abstractas de la misma realidad moderna.

[l-arqu]

Equipo de Opuestos

Si se comparan las obras de Mies Van Der Rohe y Antoni Gaudí fácilmente se determinan como opuestos. Aunque contemporáneos, ambos trabajan en fines contrarios del espectro del estilo y estética, al punto de que sus estilos de preferencia se vuelven enteramente suyos. A pesar de esto, hay ciertas instancias en las que cada uno comparte un poco del otro, si no en su estilo, en su forma de pensar sus proyectos arquitectónicos.

Comenzando con Mies Van Der Rohe, Mies se reconoce por su arquitectura detallada, pensada, estudiada y a cierto punto necesaria. Pocas veces vas a encontrar sus diseños con elementos o articulaciones adicionales por el mero hecho de articular. Mies busca la originalidad, en el sentido de regresar al origen de su inspiración para sus obras. Sin embargo, en algunas instancias se da el lujo de escapar de su preferida razón y explora la novedad dentro de la materialidad de sus espacios. Por ejemplo, en el Pabellón alemán de Barcelona, Mies diferencia espacios por patrones y texturas dentro de su estructurado modo de pensar. Al igual, algunos elementos del proyecto no alinean entre sí, pero solo muestra su forma de innovar “thinking inside the box”.

Por otro lado, Antoni Gaudí no muestra ningún tipo de mesura o limite en sus diseños. Su arquitectura se muestra espontanea e incluso expandiendo. Su Casa Mila y la Sagrada Familia parecen estructuras infinitamente creciendo, articulando y cristalizando. Pero, aunque Gaudí evidentemente es más escultórico que reservado como su contemporáneo, muestra gran similitud en su forma de pensar estructura, conexiones y lógica dentro del parecer laberintico que la fachada de su arquitectura puede dar a percibir.

Ambos son mentes propulsoras de la arquitectura, como la vemos y la clasificamos. Son mundos apartes, en su superficie casi sin relaciones pero en total concordancia en los detalles que hacen sus obras reconocidas a nivel mundial.

[l-arqu]

La infinidad de la abstracción

Jackson Pollock se puede considerar uno de los personajes más importantes dentro de la abstracción. Es reconocido no solo por su preferencia artística en el tipo de sus obras, pero más bien por tratar de estirar el concepto de abstacto hasta sus límites. Verdaderamente abstracto, sus obras dan de que hablar sin ningún contexto particular.

Se dice que Pollock comienza a explotar su tan reconocida técnica del “drip” tras un accidente que decide repetir incesantemente. Muchas veces las mejores innovaciones surgen de accidentes. Sin embargo, sus pinturas, literalmente solo son “drips” o goteos de pintura tirados al lienzo. Muchas veces estas pinturas surgían sin jamás tocar el lienzo, solo eran el producto de arrojar los colores, líquidos y otros elementos sobre este.

No obstante, aunque es evidente que sus obras no representan alguna cosa directamente, de aquí la abstracción, es de gran interés como su arbitrariedad planificada en sus composiciones siguen dándole algo al espectador de su trabajo. Es importante reconocer como el concepto abstracto ayuda a propagar el estilo moderno en la arquitectura. Se representa solo lo vital, casi al punto de representar solo la emoción o lo que podría provocar emoción.

Pollock es otro individuo que se une a la gamma de artistas que evoluciones las artes en todos los sentidos, y es fascinante ver como algo tan inexplicable en el contexto literal puede tener impacto sobre nuestro mundo físico y filosofía. La abstracción es un parque para todos, donde podemos crear más desde el sentir que desde la razón, y el público se identifica.  

[l-arqu]

Le Corbusier

 Le Corbusier fue, y sigue siendo, un personaje de gran interés para la evolución de la arquitectura y las bellas artes. De cierto modo, se le puede atribuir el titulo originario del estilo moderno que se encuentra tan común en la arquitectura gracias a sus contribuciones y exploraciones durante el siglo XX. En este ensayo, se busca ir un poco mas en detalle en las exploraciones artísticas e implícitamente arquitectónicas dentro de la disciplina, y como este fue un gran propiciador de la interdisciplinariedad complementaria para sus obras.

Un gran punto de interés para Le Corbusier fue la integración de contraste dentro de su arquitectura. Por ejemplo, varias de los espacios diseñados por Le Corbusier tienen elementos que por definición se encuentran batallando, pero en práctica se hallan armoniosamente complementarias. Con facilidad era capaz de integrar técnicas orgánicas, expuestas, casi dándole un carácter incompleto a sus creaciones estructuradas, lineales y en cierto sentido puras. Podemos ver esta dicotomía en concordia en las casas La Roche-Jeanneret y en Casa del Brasil en la Ciudad Universitaria, ambos en Paris.

Al igual, era característico de Le Corbusier darles un toque plástico a sus obras. El Visual Arts Center en Cambridge, Massachussets tiene una cubierta con formas altamente orgánicas, integrando las bellas artes o beaux arts para darle ese toque único a sus composiciones arquitectónicas, aspecto fácilmente evidenciado en sus plantas desarrolladas.

Le Corbusier permanece siendo acreditado como el padre del estilo moderno actual, sin quitarle a las contribuciones de personajes contemporáneos como Alvar Aalto. Es de gran interés como dentro de sus diseños puros, buscaba técnicas y casi formas de analizar el problema de diseño de otras disciplinas, como las artes plásticas. Le Corbusier mostro la importancia de la interdisciplinariedad para el progreso artístico y social ante el mundo, y nos permite acercarnos a la creatividad sin predisposiciones.

[l-arqu]

La evolución erguida de Turquía a Venecia

En este ensayo se entrará en detalle en el aspecto evolutivo del estilo arquitectónico característico del imperio otomán y el impacto que tiene sobre los países conquistados y los que le rodeaban. No solo se verá el impacto concreto de la conquista de una cultura, si no que se volverá a retocar cómo ambas sociedades evolucionan por la inevitable convergencia de ellas.

Como bien hemos visto anteriormente, la arquitectura sirve para crear una manifestación física de los valores de mayor importancia para una comunidad. A través de la historia, las edificaciones más reconocidas son aquellas asociadas con la importancia religiosa de la época en la cual se irguió. Por ejemplo, podemos tomar las estructuras diseñadas por el arquitecto Sinan del imperio otomán. Sus estructuras servían no solo para demostrar la vital importancia de la religión para todos nacientes de este imperio, pero también se mostraba el poderío de la gente cargando estos valores.

Una vez entrando a Italia y sus alrededores, en particular Venecia, podemos reconocer como el estilo turco se va moldeando al pueblo, casi en su propio tipo de renacimiento. Es de gran importancia reconocer las similitudes que se encuentran en las mezquitas turcas, como la mezquita de Solimán, y las iglesias de Venecia diseñadas por el arquitecto Andrea Palladio.

Es de gran interés como Palladio casi se lleva de la mano del estilo turco, y desarrolla la evolución de este para uno más aclimatado al pueblo veneciano y sus propios valores. No obstante, cabe destacar que ambas comunidades comparten muchos valores entre su gente. Por ejemplo, para ambos, el espacio público, fácilmente accesible desde los respectivos hogares privados del pueblo. De este modo, cobraban un peso inmenso en el diseño de las ciudades de cada uno. Por esto, al igual que sucedió en las conquistas entre los mayas/aztecas y los españoles/portugueses, podemos apreciar la evolución de un nuevo lenguaje arquitectónico compartido, y un nuevo mundo en donde emplearlo.

[l-arqu]

La colonización arquitectónica

Al llegar los colonizadores de España y Portugal al Nuevo Mundo en busca de India, se desata una batalla entre culturas que buscan sobrevivir y culturas que buscan domesticar lo ajeno. Una de estas batallas se dio entre los Mayas y Aztecas contra los recién llegados conquistadores españoles. A través de este ensayo se busca mostrar como ambos bandos tenían un claro entendimiento de la importancia que tiene la arquitectura en sus respectivas culturas, y como servían de monumentos de esperanza o sometimiento.

La arquitectura antigua de los Mayas y Aztecas son de gran esplendor y maravilla. Muchas de sus técnicas constructivas han quedado en el pasado, pero sus resultados perduran en la actualidad. Varias de sus estructuras existen puramente para rendir culto a las divinidades respectivas de cada cultura, al igual para establecer espacios comunes en acorde a los valores sociales del momento. No obstante, este hecho no solo se le atribuye a los Mayas y Aztecas, se puede adjudicar a su “contraparte” durante la colonización de estos pueblos. De hecho, casi se podría decir que este es el propósito de la arquitectura, lenguaje compartido entre toda comunidad humana, como lo es la música.

Los españoles y portugueses una vez llegados a este “Nuevo Mundo” emplean un poco de su arquitectura. No se da solo para una colonización física de los habitantes nativos, pero para una colonización cultural. Forman estructuras para alabar a sus propias deidades, y establecen espacios comunes para propagar el valor social de la comunidad española y portugués.

A pesar de la perdida de culturas, técnicas y conocimientos que siempre ocurren mediante conquistas y colonizaciones, podemos ver como inevitablemente se da una convergencia de lenguajes arquitectónicos y culturales. La cultura y el conocimiento antiguo no estaré del todo presente, pero no se desvanece en su enteridad. Lo sabemos por las mezclas de culturas, de gente compartiendo un mismo espacio, por edificaciones que toman inspiración de distintas, casi opuestas técnicas constructivas, y el verdadero nuevo mundo arquitectónico que surge de esto.

[l-arqu]

Innovando en Santa María del Fiore

Una de las creaciones arquitectónicas más reconocidas a nivel mundial es el domo de la catedral de la Santa María del Fiore. Cabe destacar que su diseñador para la construcción fue Filippo Brunelleschi, que ni siquiera se dedicaba a la arquitectura formalmente antes de trabajar en el monumental domo catedrático. Estudiando el proceso de construcción y todas las creaciones necesarias para tan siquiera comenzar la construcción nos muestra la brillantez de la mente de Brunelleschi y las grandes innovaciones que surgieron ante el inmenso reto del Fiore.

Primeramente, hay que reconocer la visión y valentía de Florencia en esta época para darse la tarea de crear un espectáculo estructural sin tener todo el conocimiento, ni siquiera las herramientas existentes para lograrla. Aquí entra Brunelleschi con el arte y la logística de diseñar el proceso de construcción del domo que no podía utilizar soporte de madera por la inmensa escala del proyecto. Ordenando los ladrillos en “spina pesce”, la estructura del domo se volvía evidentemente autosustentable.

No obstante, esta no fue la única innovación de Brunelleschi trabajando en el domo. Al igual conceptualizo un nuevo equipo para subir y bajar materiales hasta la cima de la construcción alcanzando aproximadamente 170 pies de altura en la base del domo.

En este retante proyecto aprendemos no solo la innovación de la construcción en sí, pero más aun la innovación de herramientas para lograr comenzar el proceso de construcción. Es vital reconocer que el proceso de diseño no solo se da en el proyecto que queremos alcanzar a formar en papel, si no que la construcción, la creación es un todo, y este proceso innovativo del diseño se puede dar en todas partes de este conjunto.

[l-arqu]

Dos mundos para las catedrales

En el documental de NOVA Building the Great Cathedrals, se enfoca en las técnicas utilizadas en los tiempos medievales para crear inmensas catedrales con la meta de casi alcanzar el cielo. Con el catolicismo en gran auge en esos tiempos, se incorporaron elementos de la biblia para acentuar aún más las catedrales como vías terrestres hacia el cielo. Sin embargo, a diferencia de otros esfuerzos restaurativos, nuestros avances tecnológicos sirven como herramienta vital para asegurar una restauración adecuada. Para proteger a las catedrales del colapso se tuvo que formar una colaboración entre expertos no solo de distintas disciplinas, pero de distintas épocas.

La tecnología utilizada para entender de donde surgen las grietas dentro de las mas reconocidas catedrales del mundo juega un papel vital para proteger las estructuras de colapso. Con láseres, se crearon catedrales virtuales con medidas extremadamente precisas para asegurar las variables que comprometen la integridad estructural del edificio, y con simuladores se puede ver al futuro de como exactamente comenzaría a colapsar. Estas tecnologías dan información vital para restaurar las catedrales de tal manera para corregir la construcción original de estas, que de por si fueron audaces y arriesgados.

En la búsqueda de crear algo jamás antes hecho, crear monumentos inmensamente altos sostenidos casi por luz celestial, se debió explorar nuevas técnicas de construcción, no solo para formar los espacios, pero mara moldear los materiales para dar el sentir que los antiguos arquitectos buscaban brindar a todo quien compartiera el espacio. No obstante, este fue un reto inmenso, esencialmente desafiando la gravedad con paredes de cristal y techos de piedra. El diseño gótico de las catedrales nos da una vista a la precisión requerida para lograr esta ilusión de fuerza estructural dentro de la fragilidad material, y los antiguos constructores necesitaron de la colaboración moderna para alcanzarlo.

Con las catedrales, nos damos cuenta de que, para crear estructuras impactantes e inspiradoras por cientos de años en el futuro, debemos tener claro por qué construimos. No solo nos dará un plano preciso de que utilizaremos en nuestras construcciones, pero como lo vamos a lograr, y todas las decisiones de diseño que van detrás eso.  La visión de los católicos fue lo suficientemente fuerte y evidente en sus diseños y construcciones para que nosotros, épocas más tarde, pudiéramos unirnos al proyecto como si estuviésemos desde sus orígenes.

[l-arqu]

Las enseñanzas del Partenón

El Partenón es uno de los monumentos más reconocidos de la antigua Grecia, y su carácter ha inspirado la arquitectura en todas partes del mundo. No obstante, a pesar de su aura de poder y grandura, ha sufrido terremotos, fuegos, robos, y ataques, comprometiendo su integridad estructural para continuar perdurando a través de la historia. Por más de 30 años, expertos en arquitectura, historia y construcción se han dado a la tarea de tratar de restaurar este gran monumento a su antigua grandeza con una multitud de retos. El mayor reto no es conseguir los materiales adecuados o coordinar esfuerzos como es de común en la construcción de estructuras nuevas. En el Partenón, el gran misterio era simplemente entender cómo fue edificada en primer lugar.

No solo fue comprender la sencillez de sus plantas, pero la calidad de sus herramientas en la talla del mármol, destrezas que hemos perdido en el nombre de la “eficiencia”. Por ejemplo, dado a la magnitud de la estructura y los detalles imperceptibles a simple vista que sus piezas contienen, trabajar diagramas y plantas como nosotros tenemos de costumbre hubiese sido ilógico e inefectivo. Los antiguos griegos redujeron ciertas proporciones dentro de un mismo elemento y los plasmaban en las mismas piezas que iban a ser construidas, mostrando un dominio experto de las medidas, escalas, ilusiones, e incluso ritmo de trabajo para utilizar este sistema de referencia.

Adicionalmente, la restauración del Partenón nos ensena la importancia de las herramientas utilizadas, al punto de que herramientas antiguas eran mucho mas efectivas para la precisión al recrear piezas perdidas para ir acorde con el resto de las ruinas. De hecho, con nuestras herramientas con punta de diamante y conexiones de titanio, descubrieron que el equipo utilizado para la construcción original del Partenón era de mucho mejor calidad y mucho más filosas para lograr cortes precisos y necesarios en el mármol tan difícil de conseguir hoy día.

El Partenón nos trae lecciones acerca nuestros “avances tecnológicos”. En nombre de la eficiencia y rapidez, hemos olvidado técnicas no solo de taller, pero en la creación de nuestras herramientas para trabajar mas que eficientemente, efectivamente. En la restauración de este monumento no solo se dio una búsqueda y análisis del monumento en sí, pero como su edificación nos da una vista al peritaje de los antiguos griegos y todo lo que nos falta aprender de ellos.

[l-arqu]

La espacialidad de la materialidad

Aunque el sistema espacial va de la mano con la materialidad de los que diseñamos y construimos, son entidades casi opuestas. De cierta forma, su efecto se da independientemente del otro, aunque funcionen en conjunto. Los colores, temperaturas, tamaños, direcciones, sonidos afectan como interpretamos un espacio para movernos y actuar dentro de el adecuadamente. Podemos captar estándares, reglas, actitudes e incluso propósitos funcionales del espacio en el que nos encontramos. Analizando estas variables con Simon Unwin, podemos notar como el sistema espacial es dictado, en la cual la materialidad pasa a un segundo plano casi subconsciente.

Los colores, temperaturas, tamaños y direcciones son vitales para mentalizarnos dentro de un espacio. Por ejemplo, podemos comparar la función de estas variables en las películas y fotografía. Sirven para establecer una actitud, llegando al punto de causarnos emociones y reacciones para con el espacio.

Acercándonos más a la materialidad, se pueden utilizar ciertos componentes de construcción para lograr estas actitudes y mentalidades al entrar o pensar sobre un espacio. Por ejemplo, espacios “serios” como los que encontramos en oficinas puede contar con hormigón y metales acompañados por colores neutrales y opacos. Por otra parte, parques de diversión o espacios recreativos para niños cuentan con la vibrante gama del arcoíris y tiene a utilizar plástico, capaz de ser moldeado a formas llamativas y orgánicas.  No obstante, los mejores espacios se diseñan cuando se combinan estos materiales y sus respectivas mentalidades asociadas para crear nuevas, únicas al espacio en el que se emplean.

A través de estas mismas estrategias es que asignamos distintos cuartos, edificios y terrenos enteros para actividades distintas. Esencialmente, como indicado por Simon Unwin, son las variables que nos ayudan a identificar un espacio, a mentalizarnos y atribuir emociones a los espacios. El sistema material y espacial son imposibles de separar, pero cuando se implementan adecuadamente, pasan a un segundo plano. La importancia se encuentra en el efecto de la materialidad con la espacialidad, y finalmente a los que habitan un espacio.

[l-arqu]

Qué es diseñar

El documental Eames: The architect and the painter provee una vista detallada y verdaderamente embarcadora de qué es diseñar.  La pareja Charles y Ray Eames se establecieron como revolucionarios en el diario vivir a través del diseño, y lo que esto significó para ellos. Constantemente curiosos sobre el mundo y como nos relacionamos a él, lograron enfocar su “juego” o vista divertida sobre la complejidad de la sencillez del mundo y nuestra sociedad, estableciendo uno de los mayores precedentes para el diseño moderno estadounidense.

Los Eames fueron un dúo complementario, se podría decir que entre ambos personificaban la belleza con lo funcional, perfectamente casando ambas características que parecerían ser contrarias. El gran éxito de Charles y Ray comenzó con un objeto tan común y cotidiano como la silla. Luego fueron expandiendo a otra mueblería, otros medios de arte como la cinematografía y a proyectos de inmensa escala usualmente pedido por corporaciones. Diría que el éxito de los Eames surge por simplemente conectar sus respectivas pericias a las masas. Ya estos ingenios no se quedan solo para aquellos que la puedan “entender”, porque entenderla es simplemente interactuar con ella. Como bien fue su lema: “The Best for the Most for the Least”.

Aquí estuvo su ingenio, revolucionaron nuestra vida cotidiana de la forma más sencilla. Fueron audaz en el contexto más ordinario, cambiando enteramente lo que podía ser artístico, bello, herramienta, útil y más que nada, qué tenía la propiedad de ser diseñado. Para los Eames, lo era todo. Desencadenaron esta palabra completamente para donde se quiera incorporar. Incluso, fueron maestros a tal nivel que diseñaban experiencias, como el pabellón de IBM.

Los Eames no fueron “el arquitecto y la pintora”. Ambos eran enteramente diseñadores. Iteraban y cambiaban y visualizaban lo más básico de maneras enteramente distintas a lo establecido, al punto de innovar como fabricamos los objetos en nuestros hogares y oficinas que tomamos por dado. Ataban su curiosidad, elemento crucial para el diseño, para comprender la infinidad de formas que podría tomar una idea, finalmente acertando la idónea para su contexto espacial y de usuario.

[l-arqu]

Conección: Ambiente a Arquitectura

En este ensayo, se discutirá como la arquitectura debe trabajarse en armonía con sus elementos internos y el ambiente que lo rodea. Se traerán ejemplos respecto a cómo se toma el tiempo para crear arquitectura con materiales y técnicas que apoyan el concepto o la idea que se busca representar con el gesto arquitectónico. Luego, se discutirá como estos materiales y técnicas particulares pueden formar parte del ambiente en el que se encuentra sin destruir para reformar las estructuras naturales que ya existen. En sí, se vera como podemos tomar el tiempo para descubrir los materiales y las técnicas apropiadas para formar espacios en armonía con nuestro entorno, creando verdadera arquitectura.

Primero veremos la importancia de los materiales y técnicas arquitectónicas para asegurar esta harmonía de todas partes. Tomamos como ejemplo a Peter Zumthor y su diseño de las piscinas termales en Vals, Suiza. Zumthor dedico su obra a ser parte del mundo natural, por mas que haya sido construido artificialmente. Incorpora materiales simulando las rocas que rodean las piscinas termales en un ambiente completamente natural sin intervención humana, pero trae el orden matemático en la espacialidad de sus materiales. Es decir, se diseñaron “cuartos” o espacios específicos con divisiones casi inexistentes para permitir la entrada de la luz natural, una vez más incorporando sus técnicas y materiales para acentuar la naturalidad de Suiza.

Finalmente, vemos como se lleva a cabo el gesto arquitectónico considerando el ambiente en el cual esta surge. En el episodio de e² design Deeper Shades of Green, los diseñadores Ken Yeang, Werner Sobek y Willian McDonough buscan alertar mediante sus obras la importancia de considerar todo el sistema por el cual nuestras estructuras y materiales pasan, desde su creación hasta su vida útil. Ellos hacen hincapié en la falta de visión holística en casi todo lo que hemos creado en nombre del avance y la comodidad. Traen ejemplos de cómo por décadas hemos utilizado botellas de aguas que innecesariamente cargas componentes tóxicos mientras reciclamos de forma ilógicamente inefectivo, como creamos edificios públicos que requieren aire acondicionado constantemente y construimos nuestros hogares sin mucha consideración acerca de la cantidad, y la fuente de energía, necesaria para habitarla como hacemos en la modernidad. De formas ingeniosamente sencillas, muestran la facilidad en diseñar contenedores pensando en su próxima vida eliminando elementos dañinos a nuestra salud y la del ambiente, en construir edificaciones que autorregulan su temperatura y ventilación puramente por su estructura, y en como podemos tener hogares en armonía con nuestras necesidades modernas y la del medioambiente.

La arquitectura siempre debe alinearse con crear armonía entre nuestras creaciones y lo que ya esta creado. Se ha demostrado como esta mentalidad no solo beneficia al medioambiente, pero asegura diseños de verdadera utilidad, eficiencia, y más que nada, efectividad. A través de esta disciplina, tenemos la capacidad de comprender como todos estos elementos y sistemas interactúan y se afectan entre si. De tal modo, la arquitectura pasa a ser mucho más que solo un balance entre placer y funcionalidad, es un reto a impactar el futuro integrando el entorno en nuestros diseños.

[l-arqu]

La Gestión Arquitectónica

Cuando se habla de la arquitectura cotidianamente, lo primero y casi único que se piensa es en la ideación de hogares modernos, geométricos y grandiosos; puramente placenteros de mirar. Sin embargo, aunque la arquitectura tiene esta habilidad, no es su único propósito: es mucho más interdisciplinario y funcional de lo que muchos creen. La arquitectura es una palabra que trata de acaparar una disciplina magníficamente diversa y cambiante. Trabaja con el aspecto más cotidiano para sentirnos en un placer familiar en nuestro hogar, con los espacios óptimos para avanzar nuestras carreras y a donde escapamos para encontrar reposo y aventura.

Por ejemplo, en la arquitectura se debe tener una comprensión macro del proyecto a trabajar en el sentido físico y funcional. Los arquitectos deben tener el conocimiento para crear espacios que puedan contener la actividad para la cualquier el espacio se diseña. No obstante, esta funcionalidad no solo es en un sentido productivo como asociamos en nuestra comunidad modernamente particular.

Al igual, el sentido funcional se puede percibir en la habilidad que construimos en nuestras estructuras para la propagación de información, sea histórico, valórico o de identidad. Nuestros pueblos con marcos estructurales protegidos para la conservación de nuestra historia puertorriqueña, las estatuas designadas para fomentar conversaciones y curiosidades entorno a los mayores valores de nuestra comunidad, y el conjunto de estos que cementa nuestro sentido de unión al país.

Tampoco tienen que darse en instancias macro y culturales, se puede encontrar en como organizamos la mesa de nuestro hogar para comidas o juegos familiares y los colores que incorporamos en nuestros cuartos. De todos modos, la arquitectura es una herramienta por la cual podemos proyectarnos en espacios físicos con cualidades funcionales y estéticas. Es una combinación que podría parecer contradictorio, pero verdaderamente resulta ser más complementaria.

[l-arqu]

Paz y Baraka

La edificación de estructuras siempre se hacen considerando la estetica sobre todo, pero no solo se rige por el placer. Tambien debe tener cierta funcionalidad, permitiendo que se interactue de habitud con el espacio. Sin embargo, la funcionalidad puede ser más que tan solo practica o incluso física. Las edificaciones y monumentos del mundo cuentan la historia de la población que la rodea y crean espacios para facilitar los valores compartidos, sean espirituales, sociales o tradicionales. Siempre hay un por qué; no es arbitrario el diseño del mundo. La creación de espacios físicos son una representación de nuestro interior, una forma de coordinar deseos y reglas entre una comunidad. Y este metodo ha perdurado a través de la existencia humana.

La funcionalidad no es solo para tener un modelo filosofico tangible entre gente, sirve para asegurar la perduracion de esto. Por ejemplo, paredes ventiladas para la quema de cientas de velas en un solo espacio, moldear viviendas para cohabitar con la naturaleza, diseños tallados en las paredes para aconsejar a la nueva generación y estatuas para adorar fuerzas mayores que el ser humano. Seguimos el ejemplo de la naturaleza. Obligada a formarce en armonia funcional con los demas elementos del planeta (el cielo, las nubes las montañas, los rios, los bosques, desiertos, las cuevas), mas con identidad propia para resaltar en sí, fuera de su papel en el sistema mundo.

Mientras el mundo se ha globalizado y avanza, la estructura se encuentra en la forma simple. En lineas automatizadas, hemos perdido el sentido inato en lo organico. La fluidez ya no es eficiente, se debe recalibrar el camino del rio, sin gastar preciados segundos en la consecuencia.

Es tan subjetivo y universal a la vez. La arquitectura, la artesania moderna, es un medio por el cual habilitamos nuestros espacios naturales para establecer nuestra identidad en un mundo eternamente cambiante.