bedeburro

[bedeburro]

SULT

Director: Henning Carlsen.

Dinamarca, Noruega y Suecia, 1966.

Este es un retrato desgarrador de un derrotado escritor, reducido a un vagabundo solitario, sin dinero, sin nada que comer y sin techo permanente sobre su cabeza . El espectador se convierte en un espectador mudo y ve como el hambre en el estómago de Pontus comienza a devorar su cordura. La camara levita sobre Pontus la mayoria del tiempo, y a veces el ve directo a la camara; su mirada tan fuerte parece hacer contacto directo con el espectador y a momentos dan ganas de voltear al otro lado pues su hambre provoca en nosotors un sentimiento de culpa.

La película de Carlsen, es una obra maestra sombría, una película tan empapada en tragedia que parece no existir escape de la desesperación y la locura, sobre todo porque casi seguimos movimiento en su miserable existencia del personaje principal Pontus. A pesar de tener un personaje indigente en su centro ,Carlsen evita por completo crear un melodrama. Y en el corazón de todo esto, esta el gran talento de Per Oscarsson, cuyo cuerpo debil carga la pelicula sobre sus hombros de tal manera que cuesta trabajo decifrar si realmente esta actuando. Su actuación me resulta inolvidable y de las mas conmovedoras que he visto.

[bedeburro]

Sanshô Dayû

Director: Kenji Mizoguchi.

Japón, 1954.

“Sanshô Dayû” es una película excepcional, su complicada y trágica historia se cuenta a travez de imagenes simples y logra crear orden a partir de la peor clase de caos moral. Representa una gran crueldad humana y al mismo tiempo la película nunca se vuelve cruel. Te deja con el sentimiento en todo momento de que estas viendo algo que se ha construido con la máxima precisión y que su profundo análisis de la condición humana deja a uno con mucho tiempo para reflexionar. Nos muestra que está en la naturaleza del ser humano no mostrar ningún tipo de piedad pero la piedad es inherente a la esencia de los seres humanos, incluso cuando parece estar enterrada en el sufrimiento. 

[bedeburro]

The Ladykillers

Director: Alexander Mackendrick.

Reino Unido, 1955.

Esta película retrata una época de inocencia.

A pesar de la delincuencia, la cual hubiera resultado sorprendente en esa época, todo parece muy inocente. La Sra. Wilberforce es tan ingenua y crédula y se vuelve involuntariamente graciosa y a la vez completamente entrañable  completamente ajeno Wilberforce es tan crédula , involuntariamente gracioso y a la vez tan entrañable. La casa de esta viejita parece ser tan adorable y excéntrica como ella y es de mis elementos favoritos de la película. Los cuadros ya no se pueden colgar derechos por el hundimiento de la casa y para servir agua es necesario martillar la tubería. Su sala es una manifestación muy acertada del cambio del siglo y ella encaja en ella perfectamente, con sus muebles y su cacatua. 

 "El Quinteto de la Muerte" tiene algunos giros peculiares pero su grandeza, para mí , cae en el elenco, el desarrollo de los personajes, el paisaje y su humor. Es una película de esa época en la que el bien siempre parecía triunfar sobre el mal  en el cine y , a pesar del elemento criminal en la trama, no contiene nada en absoluto ofensivo.

[bedeburro]

Suna No Onna

Director: Hiroshi Teshigahara.

Japón, 1964.

Esta es una película sobre la vida y la absurda y compleja lucha para sobrevivir. "¿Estás excavando para sobrevivir o sobreviviendo para excavar?", le pregunta el hombre a la mujer. Me hizo recordar constantemente ciertas tareas de la casa o del diario que parecemos hacer sin una buena razón. Tareas que parecen infinitas y repetimos una y otra vez solo para confirmar que estamos vivos. Solo para poder responder en alguna manera tangible a nuestro ambiente. 

Esta historia hipnotizante y obscuramente bella tambien se puede apreciar en un nivel puramente estético: lo que captura nuestra atención de manera más inmediata e impactante es su aspecto. Filmada en monocromo de alto contraste con una gran porción de la imagen sumergida en completa obscuridad, cada toma tiene una composición especifica y formal que a menudo llega al punto de abstracción pura. Planos estáticos largos de los patrones naturales formados en el paisaje árido por el viento fluyen a tomas de los contornos ondulantes del cuerpo arenoso de la mujer sin nombre que parece sufrir hasta cuando duerme. 

Aparte de su premisa intrigante, esta película es notable por la vida que Teshigahara le otorga a la arena que siempre esta cambiando y en movimiento, y que casi se convierte en un personaje en su propio derecho. Como material atrapado en algún lugar entre el estado de un liquido y un sólido, que se representa fluyendo a través de las grietas en el techo o transportada en grandes nubes en movimiento por el viento en el desierto fuera o ahogando al personaje principal en su infinita cantidad. 

[bedeburro]

AMATOR

Director: Krzysztof Kieslowski.

Polonia, 1979.                                                                                               "Amator" explora la censura que existía en Polonia Comunista y de la represión de la expresión individual. Filip tambien confronta las consecuencias de un hombre que descubre nuevas posibilidades y encuentra que su vida  anterior, con la que se encontraba satisfecho antes de sus descubrimientos, se vuelve opaca, vieja y limitada. Krzysztof Kieślowski enfatiza el poder del cine a travez de varias escenas en Amator. Filip a travez de sus grabaciones le permite a su amigo de luto, ver a su madre saludandolo desde una ventana alegremente y saludando a la camara. Cuando el filma la historia de un trabajador de una fabrica, que pareciera insignificante, al mostrarsela al trabajador el se llena de emoción por la habilidad que tiene Filip para darle voz y vida a su realidad ordinaria.                                                   Filip descubre que con el Cine tiene la habilidad de crear y al mismo tiempo de destruir cuando intenta proyectar un clip que expone la corrupción de un partido. El clip resulta estar mal informado y como consecuencia despiden uno de sus compañeros de trabajo que lo apoyaba, una consecuencia desafortunada por el mal manejo de informaciony la cultura de la censura de la Polonia comunista .                      Disfruté mucho esta pelicula y se me hizo una rendición al cine muy sincera y conmovedora. 

[bedeburro]

KHANEH SIAH AST

Directora: Forugh Farrokhzad.

Irán, 1963.

Un video ensayo transgresivo e inquietante que utiliza una combinación de poesía y de ciencia para revelar la humanidad que se esconde detrás de las caras y los cuerpos de los leprosos pobres que viven en la colonia de leprosos Behkadeh Raji en Tabriz desfigurados. Lloré casi todo el tiempo por que aunque hable de los leprosos creo que hace observaciones muy acertadas de lo cruel e indiferente que puede ser la humanidad. La lepra lleva siglos existiendo y es una enfermedad poco contagiosa y tratable y aun asi predomina ya que hemos optado por aislarlos y voltearnos en vez de ayudarlos. La poesia de Forough Farrokhzad me conmovio muchisimo con sus lineas concisas y simples. Aprecio mucho que sea una lectura accesible a quien la quiera leer. Su manera de hablar de la injusticia y el dolor universal parece a ratos resignada pero siempre hay lineas que muestran que la esperanza y el espiritú humano aunque frágiles, son resistentes. 

[bedeburro]

Spalovac Mrtvol

Director: Juraj Herz.

Checoslovaquia, 1969.

 Con la ocupación alemana inminente, un cremador que cree que con su trabajo libera a las almas de los muertos de su tormento terrenal - se une al partido nazi, y comienza a espiar a la comunidad judía de su pequeño pueblo ( incluyendo su propia esposa e hijos ). A medida que su compromiso crece, su contacto con la realidad disminuye, y empieza a creer que él es el Dalai Lama - una revelación que, sin embargo, no logra impedir que tome sus responsabilidades de la causa nazi al siguiente nivel sangriento. Una edición fluida, imagenes fuertes y una actuación brillante por parte de Hrusínský se combinan para crear esta maravilla de película. Clasificada como pelicula de terror esta pelicula incita temor por los pensamientos tan torcidos de un hombre que en el exterior es la epitomia de la calma, a diferencia de otras peliculas que buscan asustar con efectos epeciales y tramas superficiales y exageradas. 

[bedeburro]

Sedmikrásky

Directora: Vera Chytilová.

Checoslovaquia, 1966.

Cuando vivía en Santa Cruz fui a una fiesta en la cual sobre una sabana se proyectaba Margaritas. La película estaba empezada y no tenia subtítulos pero aun asi logro que me quedara sentada viéndola hasta su final. La verdad es que nunca había sido cautivada por una película de esa manera, el sonido, la foto, los vestuarios, las actuaciones eran diferentes a todo lo que había visto antes. Disfrute muchísimo que no tuviera una narración convencional y del cambio tan drástico de cada escena. Tiempo después la encontré en youtube con subtítulos y por segunda vez quede maravillada pues ahora ya entendía los diálogos y fue una experiencia completamente diferente a la primera. Honestamente mi conocimiento del cine era muy pobre antes de ese momento, pero esa película al ser tan diferente a todo lo que había visto previamente despertó un interés nuevo en mi. Me maravillo como podía moverme tanto una película que se salía de lo convencional, y de la inteligencia detrás de actos sutiles como el cortar objetos fálicos tan casualmente. Visualmente ni se diga, wow, y cuando entendí que no había sido algo que se edito digitalmente, y que lo dirigio una mujer y que se hizo hace 50 años wow wow wow.

[bedeburro]

VYNÁLEZ ZKÁZY

Director: Karel Zeman.

Checoslovaquia, 1958.

Esta película me impacto por su extraordinaria originalidad visual. Karel Zeman se ha dedicado a reproducir el aspecto de las xilografías y litografías originales de Verne en "Voyages extraordinaires" como se ilustran por Leon Benett , Alphonse de Neuville , Edouard Riou y George Roux . Zeman logra replicar no sólo los diseños, pero la textura misma de las ilustraciones de manera que las olas del mar, el cielo o el fondo de los edificios están llenos de las mismas líneas onduladas o granuladas que son característicos de las litografías . El aspecto es único y diferente a todo lo visto antes(y despues). Zeman también hace una mezcla de animación y acción en vivo de una manera que me dejo en un estado constante de asombro - incluso más de cincuenta años más tarde, cuando tal se ha convertido en algo común debido a la revolución del CGI. 

[bedeburro]

VOSKHOZHDENIYE

Directora: Larisa Shepitko

Unión Soviética, 1977.

En la Bielorrusia de 1942, dos soldados soviéticos son capturados por los nazis. En cautiverio, la actitud de los dos hombres hacia su destino es muy diferente . Uno de los soldados se las arregla para encontrar una fuerza interior y la espiritualidad algo que se vuelve incomprensible para el otro hombre . La última película de Larisa Shepitko es una de las películas de guerra más bellas que he visto. La cinematografía, por Vladimir Chuchnov, es increíble sobre todo en su movimiento y su habilidad de darle vida al invierno como algo desesperante y lleno de soledad. 

[bedeburro]

LETJAT ZHURAVLI

Director: Mijaíl Kalatózov.

Unión Soviética, 1957.

Sería fácil pasar horas explorando y fragmentando secuencias individuales de Kalatozov pues me resultaron realmente impresionantes y un buen ejemplo de una excelente foto : el collage de despedida a los soldados en una estación de tren; cuando Verónica corre descontrolada al departamento de sus padres después de un ataque aéreo; la desgarradora visión alucinatoria de Boris del día de su matrimonio con Verónica; Verónica con la mirada perdida mientras lee una carta de boris mientras que la voz misa de el parece mandar las palabras directamente a su alma. Estos momentos virtuosos se unen para formar algo fascinante, conmovedor y completamente humano. De verdad espero encontrarla pronto para poderla volver a ver por que siento que me hizo falta profundizar mas con ella. 

[bedeburro]

LETJAT ZHURAVLI

Director: Mijaíl Kalatózov.

Unión Soviética, 1957.

En un monótono, casi desolado apartamento en Liverpool, una voz melancólica se arrastra a través de puertas y habitaciones vacías. La voz canta una canción triste y casi marchitada por largos años de una vida difícil. En esta primera toma de Distant Voices, Still lives de Terence Davies, oímos el alma de la clase obrera inglesa a mediados del siglo, y este alma se ve completamente descubierta, es una experiencia casi incomodamente intima. Davies valientemente le permite a la camara a enfocarse en un cuarto vacia, y asi permite que la cancion extradiegetica nos envuelva. En este momento logramos descubrir una verdad fundamental de los personajes de esta pelicula, que su voz los define. 

[bedeburro]

AU HASARD BALTHAZAR

Director: Robert Bresson

Francia/Suecia, 1966.

Existe una inclinación, cuando se ve una película sobre la vida de un animal, a sentimentalizar al personaje principal. Una película de este tipo por lo general obliga al público a sentir compasión y comprensión por el personaje principal. Ese es el camino más fácil. En Balthazar, la película no intenta celebrar los pequeños triunfos del lindo burrito, pero en lugar toca temas más cerebrales, como la fe, el capitalismo, la crueldad humana y el sufrimiento. Por lo tanto, al usar transiciones abruptas, Bresson evita que el público se vea arrastrado por la emoción o la narrativa, y obliga a la audiencia en lugar a ver a Balthazar y a los otros personajes de una manera objetiva. Sin emociones ni cancioncitas que nublen nuestra visión de la historia, se nos permite utilizar nuestra mente.Aunque Balthazar es el personaje principal de la película, el mas bien se vuelve una ventana a las vidas de otros personajes. Nos presenta varias ironías del mundo, como el hecho de que el borracho del pueblo, a pesar de todas sus otras fallas, termina por convertirse en el dueño mas respetuoso de Balthazar, y a la inversa vemos como el mas respetado Sacerdote parece ser el mas pecador pues vende el perdón espiritual a cambio de favores personales. Observamos cómo el capitalismo se ha convertido en la nueva religión y es la fuerza que mueve las intenciones de los personajes. En la búsqueda por el dinero sobre el amor, los personajes de la película se ven vacíos. Dos niños se prometen inocentemente matrimonio en el futuro, pero al avanzar la película se olvidan de ese deseo. El capitalismo los obliga a solo preocuparse por uno mismo y volverse abusivo y egoísta para “sobrevivir. Los seres más nobles e indefensos, que menos merecen el dolor son los que mas sufren como vemos con el burrito Balthazar.

[bedeburro]

DU CÔTÉ DE LA CÔTE

Directora: Agnés Varda.

Francia, 1958.

Es increíble como Agnés Varda logra convertir un trabajo de encargo en una verdadera delicia del cine. Su extraordinaria foto combinada con su humor tan sutil e inteligente crean un paraíso deslumbrante en la tierra, pero el tono de la película se oscurece gradualmente, incluso si sus imágenes individuales no lo hacen. La noción del Edén es cuestionada en dos secuencias culminantes. En la primera, el Edén se presenta como una isla rocosa en la union del sol y del mar, donde la vida vegetal reseca,y corren los caballos. Pero no hay evidencia de actividad humana reciente - un caballo tira de un carro sin jinete; los instrumentos de metal se oxidan en el sol; dos toallas y pares de chanclas se encuentran abandonadas en la playa. Esto crea un ambiente post apocalíptico de manera muy sutil y juguetona. 

[bedeburro]

SULLIVAN´S TRAVELS

Director: Preston Sturges.

Estados Unidos, 1941.

Una película altamente satírica, burlandose de el mismo Hollywood y mostrando que tan frívolo y desconectado a la realidad puede llegar a ser. Es mucho mas interesante cuando se crea una obra basada en el acervo personal de alguien y no cuando se busca apantallar o aparentar ser algo, pierde toda sinceridad y se vuelve aburrido. Las actuaciones me divirtieron mucho y Veronika Lake es guapisima, me gustaria poderme peinar así. 

[bedeburro]

AUCH ZWERGE HABEN KLEIN ANGEFANGEN

Director: Werner Herzog.

Alemania, 1970.

La película se conforma en su totalidad por enanos, y plantea un mundo en el cual esta es la norma a pesar del hecho de que ninguna otra cosa en este mundo se ha reducido a su tamaño. El conflicto entre los habitantes de la prisión y el director es una simplificación de la anarquía contra el orden y de la libertad contra la opresión. Los enanos comienzan una serie de actos violentos y la anarquia total parece reinar. Sin embargo, las imágenes más perturbadoras no vienen directamente de los enanos, sino más bien de los pollos. Desde el comienzo de la película, Herzog implementa una serie de tomas rapidas que muestran a los pollos y gallinas picoteandose el uno al otro. A medida que avanza la película su esto lleva a la pérdida de extremidades, ojos, y a la desfiguración general entre los pollos.

[bedeburro]

LEKTIONEN IN FINSTERNIS

Director: Werner Herzog.

Alemania, 1992.

A pesar de haberse filmado en una época contemporánea, la horrible destrucción y el sentido de humanidad tan distanciada casi perdida que vemos  la pantalla, hacen que la película se sienta más como una obra de ciencia ficción. . El material que presenta Herzog se centra principalmente en los incendios de los campos de petroleo en Kuwait. Utiliza tamaños a escala y tomas que realidad muestran la magnitud del fuego para poner el conflicto en perspectiva y al mismo tiemo  demostrar nuestra fascinación por la belleza de algo tan destructivo y natural como lo es el fuego.La fascinación de Herzog con el fuego se extiende a una fascinación con su opuesto, la oscuridad ( de ahí el título ). Las fuerzas malvadas y crueles que se esconden en los corazones de los hombres parecen estar más allá de la comprensión civilizada o control racional . Estas cuestiones o la crueldad y la locura son tan elementales como el fuego .