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The hell of archiving in the era of digital dematerialization 

When brainstorming potential topics for my upcoming master's thesis, I naturally gravitated towards subjects that resonated with me or piqued my interest. After attending exhibitions such as Over the Rainbow at the Centre Pompidou and Hors de la nuit des normes, hors de l'énorme ennui at the Palais de Tokyo, I felt compelled to explore themes related to LGBT questions and history. Interestingly, during my research, I stumbled upon a collective focused on LGBT archives established in Paris in 2017, following a call from Act Up-Paris. This discovery prompted me to delve deeper into the evolution of archives since the rise of the internet. Traditionally, archives conjure images of large classified boxes in libraries, where one sifts through dust and old papers for days. However, with the advent of the internet, I began to ponder the implications of digital technology on the archival field. I questioned the potential positive and negative impacts that such advancements could bring.

Over the rainbow, Centre Pompidou 2023 et Hors de la nuit, Hors de l'énorme ennui, Palais de Tokyo 2023-2024

France has been at the forefront of dematerializing papers and establishing virtual archives for over twenty years. This initiative began with the dematerialization of administrative papers for enterprises, culminating in a law around 2000 that validated virtual papers as legally binding as printed ones. The onset of the Covid-19 pandemic further accelerated this digital revolution, which had already been underway in recent years.

However, online archiving poses several potential problems. Firstly, there's the issue of the cost associated with organizing these archives, which can be both in terms of time and money. Dematerializing physical papers and organizing them online is a time-consuming process. Secondly, ensuring the longevity of these digital archives is crucial. Just as physical buildings face the risk of fire, databases can be vulnerable to attacks or data loss. This can lead to inequality among institutions in their digital capabilities, as not all have equal access to resources. Additionally, the interface of online archives presents its own challenges. Designing user-friendly interfaces that facilitate easy navigation and access to information is essential for maximizing the utility of these archives.

For instance, physical archives require meticulous organization, labeling, and referencing before being stored away. However, with internet archives, this pre-organization work is assumed to be completed. The challenge lies in presenting and tidying up these archives online due to the vastly different interface and interaction methods. While physical libraries rely on indexing systems for searching, online archives offer faster access to multiple references and images simultaneously, thanks to features like multiple tabs and gallery displays. Yet, this abundance of information can lead to information overload. To address this, internet archives need effective categorization and presentation methods to streamline access while avoiding overwhelming users. As once said by Duran Duran, it’s too much information.

Example of the UK LGBT Archive website

The LGBT ARCHIVE UK is one of the few websites exclusively dedicated to LGBT Archives, indeed, unlike other platforms that may have multiple purposes, this website focuses solely on this part. It presents itself as an LGBT archive Wikipedia, but its interface doesn't resemble a traditional archive setup. Users have to navigate through multiple links and directions to find the desired information. While there is a search bar akin to Wikipedia's, its functionality is limited. The website serves more as a gateway to external resources and links, which can be beneficial if utilized effectively. However, the search process lacks efficiency to function as a comprehensive archive platform. Although some sections are categorized by topics and timelines, they often redirect to other pages without proper organization or accessibility features. A potential improvement could involve implementing advanced research tools similar to those found on university research websites. Other LGBT association websites also attempt to organize archives, but they typically focus solely on articles, lacking the necessary tools for intuitive searches.

Example of the LetterFormArchive website

The Letterform archive website serves as a prime example of a well-designed archive interface. It offers articles and conferences around specific subjects and provides a link to an external archive platform. The interface is simple, with a primarily white background and touches of red to highlight external information, accompanied by a prominent search bar. Helpful categories for research, such as disciplines, firms, creators, and formats, are also provided. Documents are presented side by side, with descriptions displayed by hovering the mouse over them. While the interface is designed to be simple and economical, it may pose challenges for accessing information, particularly for users requiring a quick search with less defined parameters. However, the website addresses this issue by allowing users to view documents in a grid or list format. Overall, while the website facilitates discovery and navigation through references, a larger archive may benefit from a more advanced research tool.

Virtual archives offer significant advantages for preserving LGBT history. Firstly, given that the LGBT community is a minority group, having physical archives may limit accessibility. Virtual archives, on the other hand, provide a platform for anyone, regardless of their location, to access these resources privately. Secondly, a substantial portion of the LGBT community is organized online, leading to the creation of virtual zines, magazine articles, and various artifacts. These virtual communities have produced valuable content that could be categorized and made more visible through online archives. As I contemplate my project options for next year, I think that creating a viable archive website for a LGBT Archive Collective emerges as a promising idea to explore.

6050 signs

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« Gothic Horror »  par PENGUIN BOOKS

Royaume-Uni, 2008 Offset, 181×111 mm (71/8 × 45/8)

La collection rassemble dix classiques de la littérature fantastique et du « roman d’horreur » anglophone au format poche. 

La ligne graphique a été conçue par la graphiste Coralie Bickford-Smith, qui a créé pour chaque couverture une image originale utilisant la technique du cyanotype, un procédé primitif de la photographie inventé en 1842 par le savant britannique John F. W. Herschel (1792-1871). Le caractère typographique employé est le Futura (1927) de Paul Renner (1878-1956).

Aperçu des différents titres de la collection

Quelle relation établissez-vous entre le procédé iconographique employé ici et les romans rassemblés dans cette collection ? 

Le moyen technique utilisé par la graphiste Coralie Bickford-Smith pour atteindre ce rendu visuel est le cyanotype. Le cyanotype est un ancien procédé photographique développé au XIXe siècle. Il implique l'application de deux solutions chimiques sur un support, suivi d'une exposition à la lumière ultraviolette. L'exposition crée une réaction chimique produisant un motif bleu distinctif. Après le lavage, l'image finale se dévoile en positif blanc sur un fond bleu prusse intense. Dans cette collection de « Gothic Horror », le principe est utilisé à l’aide d'objets et d'animaux quelconques en rapport avec les récits qu’ils représentent.

Le lien à établir entre le procédé iconographique et les romans est assez simple. Le cyanotype, créé à partir de la lumière, vient dessiner une image de façon positive. L’objet se dessine grâce à l’assombrissement du fond qu’il ne protège pas de la lumière. L’image semble résulter de la pénombre, surgir de ce fond bleu. Cette esthétique « d’apparition » fait écho à l’ambiance sombre et fantomatique des récits gothiques. On peut aussi remarquer que l’utilisation d’un papier non couché donne du relief à ces effets de lumière et d’ombre par la présence du grain. La technique du cyanotype crée par ailleurs un effet de « flottement », de flou fantomal ; les contours des objets, alors vaporeux, deviennent eux-mêmes des figures fantomatiques. Cet aspect « éthéré » dessine un aspect surnaturel, renforçant l’atmosphère lugubre des couvertures.

Détails, On s'aperçoit du flou fantimatoque créé par le procédé cyanotype et de l'aspect profond que confère le grain à l'image.

Enfin, le procédé du cyanotype vient limiter la palette colorimétrique à deux tons : jaune, bleu, et le blanc du papier qui s’inscrit en défonce. Cette restriction crée une uniformité, établissant un lien logique entre chaque titre de la collection. Cependant, cela n’altère pas l’individualité de chaque titre qui est librement composé à partir d'objets liés à leur intrigue.

La graphiste a fait le choix de composer à partir de deux tons après s’être inspirée de la ligne éditoriale d’anciennes collections de romans policiers. Cette palette réduite n’est en effet pas sans rappeler la collection Mystery and Crime (1948-1961) de Penguins, où la triade de couleurs vert, noir et blanc inscrit chaque titre dans la collection. Personnellement, cela m’a immédiatement rappelé la collection Série Noire de Gallimard, elle aussi limitée à deux tons, tons, se rapprochant ailleurs à ceux choisi dans la collection Gothic Horror. Cette référence à l’univers de la littérature policière n’est pas anodine et vient renforcer l’univers sinistre dans lequel la collection s’inscrit.

Exemple de collections de romans policiers adoptant des palettes de couleurs restrictives.

Enfin, dans la suite du registre iconographique, on peut remarquer « l’inconsistance » des marges des cyanotypes. Celles-ci ne sont pas toutes similaires et ne forment jamais un rectangle parfait. Ces fonds créent des formes difformes, diverses aux aspects surréalistes sur chaque récit. Ce détail, qui peut paraître dérisoire, me rappelle l’univers architectural géométrique et surréaliste du film du Cabinet du docteur Caligari, un métrage s’inscrivant comme référence dans l’histoire visuelle du genre gothique.

Détails, Mirroir entre la forme d'encrage et l'architecture du film Le Cabinet du Docteur Caligari

On remarque par ailleurs que certains de ces titres dépassent ces contours définis ; The Masque of the Red Death, The Beetle et The House on the Borderlands. Cette liberté de composition dessert les intrigues de ces histoires, The House on the Borderland étant un récit incorporant une histoire d'autres dimensions, The Masque of the Red Death explorant les limites au-delà de la mort, ou encore avec The Beetle où cette sortie du cadre fait écho à l’aspect grouillant des coléoptères.

Détails, Titre où figure du hors-champs

Comment qualifieriez-vous le vocabulaire typographique (choix du caractère et de ses différentes variables, présence dans la composition) utilisé par la graphiste ?

La composition typographique se dévoile simplement, à l'aide d'un caractère linéal sans empattement. Elle dénote des conventions du milieu de la littérature gothique en s'éloignant de caractères très décoratifs et pleins d'arabesques. L'attention est portée sur l'apport d'informations de manière claire mais discrète, afin de ne pas sacrifier l'impact visuel des éléments iconographiques. On remarque que les informations principales se déclinent en majuscules (titre, mention d'auteur) tandis que les citations secondaires se déclinent en bas de casse. Ces citations, ayant pour vocation d'intéresser le lecteur au livre, ne prennent alors pas le dessus sur le visuel, contrairement aux pastilles et systèmes de recommandations que l'on peut apercevoir aujourd'hui, lesquels viennent dénaturer les visuels. Ces nouveaux procédés prennent le dessus sur le récit, projetant la recommandation au premier plan. La recommandation semble alors être le seul argument de vente du livre, tandis qu'ici, l'inscrire de façon plus discrète permet de ne pas détourner l'attention du titre.

La composition distincte et simple la collection « Gothic Horrors » n'est pas sans rappeler la composition des Penguin Classics en Gill Sans, un caractère moderne similaire au Futura. Ce choix suit la tradition de composition britannique et inscrit la collection dans la lignée visuelle associée à la maison d’édition Penguins. Cet aspect est amplifié par l'exagération de l'interlettrage et lune composition majoritairement centrée, comme défini dans la collection Classics par les règles de Jan Tschichold.

La simplicité du caractère permet par ailleurs de s'adonner à des compositions plus originales. Comme on peut le voir sur deux des titres de la collection : The Haunted Doll's House et The Spook House. Ces deux titres font office d'exceptions, s'imbriquant aux éléments iconographiques de manière à ne pas les dénaturer ou détourner des choix visuels forts. L’unification de la collection s'établit à partir de plusieurs paramètres (tons, procédés…) qui s'entrecroisent plutôt que seulement sur une mise en page définie.

Détails, Titre où l'informations se décline autour de l'iconographie

Comment évaluez-vous le degré d’originalité de cette ligne graphique en regard du genre littéraire considéré et de la forme visuelle sous laquelle il est généralement présenté ?

La collection Gothic Horrors de Penguin se démarque réellement du milieu littéraire gothique par sa ligne graphique. En effet, plutôt que de jouer sur des images suggérant la peur, tout se décline ici par l'abstraction. L'aspect lugubre émane du procédé techniques utilisé et du résultat qu'ils produit, plutôt que des éléments hautement figuratif. En effet, la ligne graphique du genre gothique semble souvent reposer sur des représentations littérales de l'épouvante, avec des personnages dans des situations effrayantes. En lien avec le récit gothique, l’abstraction, a ici, pour but de maintenir le suspense, conditionnant ainsi le lecteur au genre du récit qui l'attend. Cela lui permet également de construire de lui-même l'univers lugubre du récit, sans avoir d'image préconçue.

Exemple d'autres couvertures du même genre littéraire, où l'on aperçoit une sur-ornementation, la présence de caractères stylisés au possible, et une utilisation iconographique naïvement figurative, ne laissant aucune place à l'imaginaire.

Enfin, on remarque que cette collection Penguin se démarque aussi par son choix typographique, qui s'écarte vraiment de l'utilisation simple de caractères gothiques ou de tout autre caractère décoratif et sophistiqué. Ici, aucune arabesque, aucun empattement, aucune graisse marquée n'apparaît sur les couvertures. S'éloignant de toute sur-ornementation associée au style gothique, ici, toute la puissance graphique repose sur une iconographie sobre et légèrement suggestive.

7100 caractères

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How to address queerness throughout music?

Last week, I had the opportunity to see an artist I've been longing to experience live for years – Dorian Electra (they-them). Dorian is one of those enigmatic artists you stumble upon out of nowhere, all thanks to an obscure YouTube recommendation. That's exactly how it unfolded for me, and I can’t thanks enough the world for this discovery.

Dorian Electra in their Career Boy attire (2019)

The first striking realization upon encountering Electra is that Dorian Electra's name is, indeed, their real name. Some individuals seem destined for fame from the start. They come from Houston where they were born to parents with artistic backgrounds—a mother who is an artist and a father who performs rock covers in a local band. Their parents, big fan of Oscar Wilde, wanted to give their child a gender-neutral name, a decision that has proven particularly fitting now that Dorian identifies as gender-fluid. Dorian delves deeper into their perspective on gender, expressing, "The core of my being is not gendered at all¹". They began developing their first songs at the same time as when they worked as a stripper, in a club. Dorian created amateur political songs that were uploaded to social media platforms. It was during this time that they were discovered by someone affiliated with Refinery29, a women's lifestyle website. The website then enlisted Dorian to produce songs addressing various subjects related to sex education and feminism. This collaboration led to the creation of songs such as Clitoris, Vibrator, and High Heels, which explores the history of high heels and how their use declined for men after the French Revolution. It symbolizing a departure from royalty with lyrics like "Monarchy is so last season. The feet of the elite smell like treason“. Additionally, Dorian crafted songs like Drag, delving into the history of drag and travesty, spanning back 2000 years. This past history transitions to Dorian's current career, where they continue to address political and social aspects in their songs. Dorian positions themselves as a multifaceted artist, being able to sing, dance, write, and produce their songs. During this period, Electra described their creative process, stating, "I wrote them (the songs) like an essay: the theses become the chorus¹". Intertwining intellectual depth with artistic expression.

Electra three albums featuring, Flamboyant (2019), My Agenda (2020) and Fanfare (2023)

Upon describing their artistry, Dorian Electra say that their music has played a significant role in helping them define their gender identity. Their recent works continue to engage with political and social themes. The first album, Flamboyant (2019), for example, the song Adam and Steve, delves into the complex connections between religion and queerness. More precisely, the song navigates through religious trauma and historical events within Catholicism that revolve around questions of homosexuality. The title itself describes the underlying theme. "Adam and Eve, not Adam and Steve" is a phrase commonly used by homophobic individuals to assert that being gay contradicts biblical teachings, since "if God wanted you to be gay, he would have created two men or two women". Throughout the song, Career Boy, Dorian draws a link between BDSM practice and capitalist works. Using lyrics such as "Stuck up in the office tower, You know it's pure joy, And that's my superpower, I’m a career boy". These satirical lyrics skillfully address the oppressive structures of capitalism through humor, presenting the notion that working in an office is remarkably enjoyable, and being a corporate man is a kind of "superpower". In an interview with Dazed, Dorian expressed, "I think parody and satire are some of the most powerful tools we have to challenge oppressive structures. (…) But also with 'Career Boy,' it's not just parody; it's about finding a way to survive in that structure²". Through satire, Dorian tackles the stereotypical image of the "masculine, powerful businessman," as a way to subvert and mock this idealized notion of the manly-businessman-hero, "I wanted to subvert and poke fun at this masculine ideal of the manly-businessman-hero and tear him apart and also make him very queer²". This song particularly reminds me of the Icelandic band Hatari, who, in numerous songs like Klámstrákur and Spillingardans, establish a connection between capitalism and sadomasochism. Hatari especially visually emphasizes this link by adopting a clothing style inspired by BDSM practices.

Image of the icelandic band, Hatari

Visually, Dorian exhibits a bold style, incorporating clothing elements inspired by queer history, such as leather culture, rainbow motifs, hijacked religious symbols, and dramatic drag makeup. They adopt a theatrical approach, crafting a character and dressing in a manner aligned with the themes addressed in their songs. This theatricality is reminiscent of artists like Bowie or Prince, who created iconic personas such as Ziggy Stardust or The Kid (Purple Rain), adding a layer to their performances and immersing the audience in a complete world.

This approach, encompassing visual aesthetics, sound, and storytelling, offers an intriguing response to the current functioning of the music industry. In today's musical landscape, simply creating music may not be sufficient; artists are expected to present a whole comprehensive artistic vision, expanding their music world to a visual one. Dorian's use of this approach represents a distinct response to the contemporary music industry, which heavily revolves around social media and visual aspects. This mirrors the way music videos emerged as a response to gain fame in the 80s with the rise of MTV.

Extract from the movie Sing Street (2016), where a father discover the existence of videoclips with Duran Duran, Rio videoclips. He's confused and find ridiculous that they don't play live anymore, not understanding the artistry behind it.

Indeed, the concept of adopting a character is inherently intertwined with addressing queer themes, as the history of queer expression is undeniably connected to the world of theater. This connection can be traced back to Shakespearean plays, the history of cross-dressing and drag, and even forms of performance like Chinese opera. Furthermore, a significant portion of today's queer community is found online. The rise of the internet has allowed people from minority groups around the world to come together in shared spaces. The internet serves as the easiest and safest way for individuals, even from remote regions, to find and build communities. Given these dynamics, it's not surprising to witness artists like Dorian Electra using all of these visual aspect in addition to sound and lyrics to address and bring their queer public together. This way of doing not only reflects the historical ties between queerness and theatricality but also acknowledges the contemporary reality of online communities as a vital platform for connection and expression.

Music Drag by Dorian Electra (2016), about the history of drag. Performed with following drag queens and artists, London Jade, Imp Queen, Eva Young, Lucy Stoole, The Vixen.

Coincidentally, it's not surprising to find Dorian Electra addressing themes related to internet phenomena and trends. In their second album, My Agenda (2020), and the third album, Fanfare (2023), Dorian delves into subjects such as incel culture in songs like Edgelord and Gentleman. In the track Gentleman-M’Lady, which unfolds in two parts, the first part portrays the stereotypical image associated with what we call an incel³. The second part offers a perspective on the "ideal" and often unrealistic woman from the viewpoint of an incel individual with deep misogynistic beliefs. This song aims to denounce the toxicity of incel culture.

Overall, Dorian know how to draw bridges between subjects to address important queer history and social phenomenons. They skillfully employ sexual language and situations not only to highlight significant facts about queerness but also to condemn the stigma that cisgender and straight individuals often attach to the sexual practices of queer individuals. Dorian Electra places particular emphasis on themes related to feminism and toxic masculinity. As more than just a singer, Dorian is a complete artist, leaving no aspect unexplored, whether it be the visual or lyrical components of their work. They delve into even the most niche events in their songs, including those that might seem trivial, if it allows them to get to the point they want to make.

Pop sensation Dorian Electra: 'I'm not a woman dressing as a man. It's more complex’, Ben Beaumont-Thomas, 12th July of 2019https://www.theguardian.com/music/2019/jul/12/pop-sensation-dorian-electra-im-not-a-woman-dressing-as-a-man-its-more-complex

Get to know Dorian Electra, the Liberace of fantasy pop music, Brian O’Flynn, 25th April of 2019https://www.dazeddigital.com/music/article/44167/1/dorian-electra-new-song-video-flamboyant-interview

a member of an online community of young men who consider themselves unable to attract women sexually, typically associated with views that are hostile towards women and men who are sexually active.

8200 signs (citation included)

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Un magazine d'art to BLAU your mind

Il y a près d'un an, un samedi glacial à Rivière-du-Loup au Québec a conduit mes colocataires et moi à explorer la ville dans le but de découvrir les commerces locaux et l’espoir de trouver un café pour nous réchauffer. Notre escapade nous a menés à la librairie indépendante locale, et en tant que graphistes, nous nous sommes empressés de parcourir les rayons sans but précis, si ce n'est celui de découvrir de nouvelles références éditoriales. Malheureusement, la plupart des livres au Québec sont des titres importés de nos maisons d'édition françaises, en raison de cela, mon intérêt s'est rapidement porté vers les rayons de romans et de revues anglaises. Lors de ma déambulation parmi les derniers numéros de presse, je tombe sur un magazine qui attire mon attention.

Un magazine se distingue des autres en affichant en pleine page une œuvre d'art du peintre Louis Fratino. Au-dessus, en caractères majuscules avec empattement, trône le nom du magazine « BLAU ». En le parcourant rapidement, je comprends vite qu'il s'agit d'un magazine d'art en anglais à vocation internationale. Ce bref aperçu me convainc, et me voilà reparti avec ce numéro 6 sous le bras.

Numéro 6 du magazine BLAU International, 2023 Photo Meiré und Meiré : https://meireundmeire.com/blau-international/

Le magazine BLAU, publié en Allemagne depuis 2014, est un magazine d'art qui a pris une dimension internationale en 2019 sous le nom de BLAU INTERNATIONAL. Plus précisément, il est un magazine de mode et d’art, qui examine ce que les deux industries ont en commun. À l'intérieur, on y trouve du contenu mettant en avant des marques de mode de luxe et des galeries d'art. Présentant aussi bien des biographies d'artistes qu'une vision du monde artistique contemporain, le magazine était initialement disponible en tant que supplément culturel du journal national allemand Die Welt (mais aussi en tant que magazine artistique indépendant). Il paraît deux fois par an, faisant de lui un magazine semi-annuel et ses numéros se vendent à un prix avoisinant les 20€.

Exemple de numéro de BLAU International Photo Meiré und Meiré : https://meireundmeire.com/blau-international/

Lorsque BLAU est devenu international en 2019, il a fallu créer une nouvelle identité pour se démarquer de l'édition allemande et attirer un public plus large et international. Pour cette nouvelle identité, le magazine a abandonné son caractère typographique avec empattement pour adopter un tout nouveau caractère avec empattement. Ce nouveau caractère s'inscrit dans la lignée des Didones et, associé aux images en pleine page, crée un renouveau beaucoup plus luxueux pour BLAU. En effet, ce caractère à grand contraste entre pleins et déliés fait écho au caractère Didot utilisé par HARPER'S BAZAAR dans un souci d'élégance ; ici, il crée une cohérence avec le contenu artistique sophistiqué que propose le magazine.

Comparaison entre l'édition allemande de BLAU et son édition international Photo de l'article "Eingestellt: Kunstmagazin »Blau«", 27/12/2019 : https://wjar.de/eingestellt-kunstmagazin-blau

Réalisée par le studio Meiré und Meiré, l'identité du magazine se prolonge jusqu'à ses choix éditoriaux. Mettant en avant son contenu photographique par une mise en page simple et épuré. Le contenu se décline à partir d’un seul et unique caractère à empattement en noir et blanc, dans le but de laisser l'art prendre le dessus sur la mise en page. Seules « fioritures », sont des filets fins noir qui viennent parfois délimiter les articles et des changements de taille du caractères qui viennent souligner les citations, du texte courant. Enfin, les seules fantaisies, se trouvent sur les pages d'introduction des différents articles, on remarque parfois des effets de mise en page répondant souvent à l'image qui illustre celui-ci, comme dans ces exemples où les caractères se modèlent autour de l'image ou s'effacent au profit de celle-ci.

Exemple de pages intérieures, Photo Meiré und Meiré : https://meireundmeire.com/blau-international/

BLAU se présente comme un magazine destiné aux amateurs d'art et plus particulièrement aux collectionneurs. En effet, par sa qualité, sa périodicité et son prix, BLAU ne se présente pas comme un simple magazine, mais plutôt comme un objet éditorial dans lequel investir. Cela le différencie vraiment de son édition allemande, qui se présentait davantage comme un numéro quotidien, « plus » en lien avec le journal Die Welt. Avec son ouverture à l'international, il y a eu le désir de créer une toute nouvelle esthétique pour attirer une nouvelle cible plus précise au monde de l’art, que de la cible « généraliste » à laquelle le magazine faisait autrefois face. Cependant, avec son format simple de « magazine de table basse », BLAU se montre également comme un magazine que l'on pourrait se retrouver à feuilleter dans la salle d'attente de n'importe quel médecin parisien.

≃ 4370 signes

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CERAMIC FOUL'EM

When I decided to go abroad for a year in Canada, I made a personal commitment to seize every opportunity to discover as much as I could. Therefore, when the Cégep proposed a visit to the Beaux Arts Museum in Québec I eagerly registered for the outing. 

During this visit, the indigenous art left a lasting impression on me. As a fact while encounting the ancestral Canadian art I discovered that whale bones are porous. Additionally, while exploring the design section, I stumbled upon an intriguing ceramic art piece.

Service à café, 1988. Fine earthenware et metal lattice, Collection MNBAQ

This piece was part of a coffee set design by the Quebecois ceramic artist Léopold Foulem. Born on January 11, 1945, Foulem, until his recent passing, was a contemporary Canadian artist whose contributions to the field of ceramics had a profound impact on the art scene. The particular artwork I observed was from his series of "Contenants Génériques" (general-purpose containers) and stood out for its non-functional nature.

Foulem dedicated his career to pushing the boundaries of the ceramic medium, challenging the traditional notion of ceramics as primarily functional. He believed that ceramics could be considered art if removed from its practical use, yet it must still retain its identity as ceramics, distinguishing it from sculpture.

"I think that art is a matter of ideas and abstraction... it matters a lot to me that my objects are not useful. They relate to function, but are not functional. »

The coffee set, a part of his "contenants génériques," exemplifies this approach. Although it retains the form of a functional coffee set, it is rendered unusable with numerous holes, transforming it from a utilitarian object into an artistic piece. Foulem really aims to demonstrate that it is the form as a conceptual entity and the volume as an abstract reality that define this coffee pot. Unconventional results calls for unconventional processus : the set is crafted not solely from ceramics but primarily from an alveolar metal lattice, deviating from the typical ceramic production process.

As someone who has pursued a course in design since high school, I have always been taught that design and function are inseparable elements in creation. Design, traditionally, enhances aesthetics, ergonomics, and user experience, emanating from the object's function. Foulem's work immediately intrigued me, challenging these established design principles.

Further exploration into Foulem's body of work revealed another facet focusing on social themes and his relation to queerness. Indeed, beyond the formal exploration of ceramics, Foulem delved into social and queer themes and contributed to broader conversations about identity and representation throughout his ceramics work. Theses are themes that also resonate deeply with me so that's why his work stucked with me.

Example of ceramics around social and queer aspects

Finally, by questioning the conventions surrounding ceramics, Foulem goes beyond function, asserting that craftsmanship can evolve into art. His work reignites the debate on the distinctions between art and craftsmanship.

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Vita Nuova, ou la promesse d'un renouveau

Lorsque j’ai découvert l’album Vita Nuova de Christine and the Queens, c'était sans m'y attendre. En effet, bien que fan de l’artiste depuis son opus Chris, je n'avais aucune idée de ce nouveau projet. J'avais déjà pu écouter son premier titre People, I've Been Sad grâce à la performance de l'artiste lors d'un live Colors. J'avais été marqué par la force des paroles de la chanson qui résonnaient particulièrement avec moi.

Le soir où l'EP est sorti dans son intégralité, je me rappelle être tout juste rentré chez mes parents et je me souviens tout ce que cela représentait pour moi à l’époque : l'idée de devoir cacher qui je suis auprès de ma famille alors qu’auprès de mes amis c'était tout le contraire. Alors bien sûr, tomber sur une œuvre nous promettant la « Vita Nuova » dans ce genre de contexte, ne peut qu’attirer notre attention.

L'EP a d'abord été dévoilé par le biais d'une vidéo de 13 minutes se situant entre le clip musical et le court-métrage. Le mini-film se découpe en cinq actes, où l’on suit l'ascension du personnage de Chris au fil de cinq premières chansons. La dernière et sixième musique utilisée est en fait une retranscription en anglais de la deuxième piste de l'EP. Seulement, on décèle dans cette version venant clore ce film, la métamorphose de certaines paroles. On peut d'abord penser que ces changements sont dus à un effort de traduction, mais l’on comprend bien vite qu'ils traduisent l'évolution du personnage de Chris et le concept même de Vita Nuova. La phrase « Tu voudrais l'arrêt total du monde, quand tu t'en vas » devient « Don't you dare ask of the world to stop just as you leave¹ », sonnant comme une mise en garde que le personnage n’osait pas édicter auparavant. Comme si ce renouveau lui avait permis de s’imposer lui-même.

Vita Nuova vient du poème de Dante, dans lequel le narrateur, épris, doit faire face à la mort d'un être cher. Dante exprime le besoin impérieux de la poésie après une perte, le triomphe de la poésie sur la mort, par amour. Ce poème fait écho à ce que Chris vivait lors de la production de ce nouvel EP.

La chanson "People, I've Been Sad" a déclenché un nouveau cycle d'écriture pour moi. Elle m'a frappé comme un boulet de canon lorsque ma vie était en désarroi à cause de la perte de quelqu'un de proche et d'une relation amoureuse compliquée, à un moment où chaque nuit, je devais monter sur scène pour défendre mon nouvel album, qui était charnel, puissant, bouillonnant et en totale dissonance avec tout ce que je traversais. J'ai ressenti le besoin d'entamer un nouveau chapitre, plus introspectif. Aller au-delà de mes blessures nécessitait un retour au désir et à la sociabilité. La solution était le club. Et c'est ce qui se cache derrière la chanson "La Vita Nuova" et la conclusion de la vidéo : l'opéra se transforme littéralement en un club².

Visuellement, le court-métrage filmé au sein du Palais Garnier adopte une esthétique néo-romantique vampirique mêlant des références littéraires mythiques comme Le Bossu de Notre Dame ou Le Fantôme de l’Opéra, à des références esthétiques du milieu du Ballroom. Les personnages se présentent tous comme des créatures sans genre prédéfini, présentant aussi Vita Nuova comme une œuvre intrinsèquement queer³.

Avec La Vita Nuova, j'ai initié une idée différente autour d'une véritable fluidité. J'existe dans le film sous différentes formes. […] La queerness³ est mieux comprise dans le monde anglophone, qui a longtemps été confronté à des personnalités qui se construisent comme des créatures en dehors de la binarité des genres. Je m'engage dans des espaces de fluidité et de liberté².

L'esthétique du court-métrage se prolonge à travers les choix graphiques de l’album cover. La pochette est simplement iconographique. Elle présente l’artiste adossé à un lampadaire dans une atmosphère onirique soutenue par la brume et une colorimétrie violâtre. Le cadrage en pied permet de renforcer la dimension mélancolique, en présentant Chris dans un vaste décor désert. Il reprend l’aspect poétique lié à l’EP ainsi que l'esthétique théâtrale du court-métrage. L’artiste est baigné de lumière bien qu'il lui fasse dos. Une impression de flou est créée par l’usage de la brume, mais avec une pointe d’espoir naissant de la lumière, la Vita Nuova arrive.

Au dos, on retrouve en contraste, un visuel entièrement typographique venant révéler les titres de l’album. Le travail calligraphique, fruit du labeur du typographe français Julien Priez, vient lui aussi parfaitement répondre au symbolisme de l’EP. Les lettres se déclinent comme des dessins, des œuvres en elles-mêmes. La sur-ornementation des caractères et de leur environnement traduit l’aspect baroque et poétique de la musique. Le contraste entre les pleins et délié fait preuve d’une virtuosité qui témoigne de la vulnérabilité exprimé dans les chansons.

Pour moi, cet album est celui qui résume au mieux le personnage de Chris. Il y présente sa sensibilité artistique, son talent poétique et témoigne de son parcours personnel entre les relations qu’il entretient avec autrui, son identité sexuelle, son identité de genre, ses questionnements et émotions autour du deuil… C’est un album qui m’a marqué à sa sortie par les thèmes qu’il aborde et la force avec laquelle il le fait par la poésie. Malgré le fait que je l’écoute moins souvent aujourd’hui, c’est un album que je reviens continuellement explorer et qui reçoit toujours autant le même écho en moi. Par ailleurs, garant d’une affinité avec l'esthétique néo-romantique et avec l'obsession queer de tout ce que l’univers vampirique représente, le court-métrage lié au projet s’inscrit comme l’un de mes clips musicaux favoris. Peu d’artistes comme Chris ont le pouvoir de survivre à mes obsessions éphémères.

¹ "Ne t'avise pas de demander au monde de s'arrêter juste au moment où tu t'en vas." ² Propos retranscrit en français à partir d'un interview de l'artiste pour Numéro (fashion) : Christine and the Queens: “I experienced sexism in its purist state”Colin Solal Cardo, Thibaut Wychowanok, 23/11/2020 https://www.numero.com/en/mode/christine-and-the-queen-la-vita-nuova-chaleur-humaine-colin-solal-cardo-interview-shooting-inedit-numero

³ Queer est un mot emprunté de l'anglais ; signifiant à l'origine « étrange », « peu commun » ou « bizarre », il est utilisé de manière péjorative, neutre ou méliorative pour désigner tout ou partie des minorités sexuelles et de genres, c'est-à-dire les personnes ayant une orientation sexuelle ou une identité de genre différentes de l'hétérosexualité ou la cisidentité. https://fr.wikipedia.org/wiki/Queer 4755 caractères (citation non-comprises)

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The never-ending French debate about Inclusive writing

Recently in France, the debate around inclusive language and especially inclusive writing returned to the spotlight because of a new bill aimed at restricting it.

Indeed, on Monday, October 30, 2023, the French Senate passed, in its first reading, the bill aimed at protecting the French language from the drifts of so-called inclusive writing. The vote resulted in 221 votes in favor and 82 against. 

According to the bill's authors, inclusive writing hinders reading and understanding of written text. They argue that the inability to transcribe texts using this type of spelling orally hinders reading, pronunciation, and learning. In general, they think about it as a threat to the French language. This bill was specifically passed to ban inclusive writing in official French documents and in education, particularly at universities where inclusive language is gaining popularity in student’s theses.

Inclusive writing seeks to avoid linguistic discrimination based on gender and to include all individuals, regardless of their gender. In French, this is achieved through the use of midpoints, capitalization, or the use of neutral or epicene terms.

But is inclusive writing a real threat to the French language?  Looking back at French history, the language has not always been sexist or dominated by the masculine grammatical gender. In fact, until the 17th century, the feminization of some words was a normal aspect of life. But In an attempt to restrict women's access to some professions, authorities decreed that the masculine gender was more noble than the feminine which led to new grammatical rules.

But does it obstruct reading abilities? The primary argument that’s used against it is that it is difficult for people with dyslexia to read it. Of course, because dyslexia is a learning disorder that affects a person's ability to read it could affect them. However the characteristics of dyslexia vary from one person to another, and what is challenging for one person may not be for another. So the question of whether inclusive writing is difficult for people depends on the individual. Moreover, studies showed that people with reading difficulties can take time to adapt to this novelty but in under fifteen minutes, they are used to it. Some dyslexic people even spoke up about being used by the far-right as an argument against inclusive writing despite not facing real difficulties reading it.

Since graphic designers can play a big part in text layout and in creating intuitive design, we could ask ourselves : could typography enable the standardization of inclusive writing? Bye Bye Binary is a graphic design collective that chose to take on this challenge. Since 2018 they have been creating new typefaces aimed at being inclusive. The characteristic of their typeface is that more than just proposing the use of midpoints, they propose real alternatives by defining new forms. Visually, it's through a play of positive and negative shapes as well as through cutting that the collective creates new letters. By using cutting techniques, they ensure not to create new characters that would be confused with those already existing. Ultimately, instead of limiting themselves to what’s already existent, they push their typeface to another level by creating new characters and ligature. 

Example of the typeface Baskervoll by Bye Bye Binary https://typotheque.genderfluid.space/index.html

An example of the typeface Adelphe designed by Eugénie Bidaut. The different font allows either the use of midpoints or new glyphs to express inclusiveness.

That’s what I found brilliant in their proposition/ Because by creating these new forms we are not reducing readability, instead, we are asking people to learn new elements just like anyone would learn about a new alphabet. Plus we have to accept the undeniable esthetic quality of these characters.

In summary, graphic design could undoubtedly participate in the democratization of inclusive language by creating new forms. Since language and the alphabet are learned, being confronted with these new forms on a daily would just make us accept them. 

Example of Russian cursive writing

I have a personal fact about word readability. Indeed when I was at the university pursuing a language degree, I remember what my Russian classmate used to say about cursive Russian. They used to say that every character looked the same and that the only thing that made it distinguishable was the place that some character held in the word. Because in the end, the reading of a word is possible thanks to the relationship that its characters maintain with each other. Simply adding a new glyphs/ligature at the end of it won’t make it illegible. 

3770 characters

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Avant-Propos, Fables de Marie de France

« Al finement de cest escrit qu'en Romanz ai traitié e dit me numerai pur remembrance Marie ai num si sui de France »

« Au terme de cet écrit, Qu'en roman j'ai tourné et dit, Je donnerai mon nom pour la postérité : J'ai pour nom Marie et je suis de France. »

De la vie de Marie de France, nous héritons de peu d’informations. Nous savons qu’elle est une femme de lettres française du XIIe siècle, est qu’elle est reconnue pour sa contribution significative à la littérature de l’époque. Effectivement, puisque nous héritons cependant d’elle de nombreux et riches écrits. Récits religieux, traductions, lais, mais surtout un important recueil de fables qui s’imposent par la vision unique de la société médiévale qu’il offre. C’est plus précisément cent-quatre fables écrites entre 1167 et 1189, dont quatre-vingt-dix-neuf qui lui sont attribuées. Écrit dans un Français vernaculaire, anglo-normand, ce corpus représente la première version disponible en français des fables d’Esope.

Dans leur forme, les fables de Marie de France sont écrites dans un style poétique, sous forme de vers et présentent une histoire courte mettant en scène des animaux anthropomorphisés. Abordant des valeurs morales importantes de l’époque, les fables ne viennent pas bercer d’illusions le lecteur sur le monde qui l’entoure. Au fil des récits, on entrevoit les notions du code de l’honneur féodal, système politique en place en France au XIIe siècle, mais aussi des notions d’excès de pouvoir et d’injustice. Et c’est cette nouvelle interprétation, qui, forte d’une vision critique de la société auquel elle appartient, rend les fables de Marie de France aussi populaire. En effet, Marie de France n’hésite pas à évoquer l’oppression des pauvres ainsi que l’excès dans lequel les puissants vivent. Par un jeu de transcription habile et d’inspirations multiples (latines, arabes, indiennes), l’autrice nous offre un corpus de fables unique et intemporel. C’est donc en toutes ces qualités que cette nouvelle parution s’avère pertinente.

L’objectif autour de cette nouvelle publication, est de valoriser le texte original de Marie de France en le plaçant au cœur même du projet, aussi bien de façon éditoriale que littéraire. Bien loin d’une édition prônant une mise en regard de ces fables à celle de La Fontaine, l’intérêt derrière cette édition bilingue est de se focaliser sur les écrits de Marie de France, et de présenter à un lectorat préparé, son travail dans son aspect originel.

Au détail près du respect de l’absence de titrage, l’idée est d’exposer la structure authentique des fables. Mais il s’agit aussi de permettre l’étude de ses textes dans leur langue originale, l’Ancien Français, tout en donnant les clés nécessaires à la compréhension du lecteur grâce à l’ajout d’une traduction moderne et de correspondances littéraires.

Au-delà de ses intérêts structurels et linguistiques, l’importance d’une édition comme celle-ci est de mettre en lumière un matrimoine trop souvent oublié à travers la figure de Marie de France. Ces fables sont le reflet d’un témoignage riche et d’une conception politique osée d’une époque trop souvent mal représentée. Pour les étudiants de littérature médiévale, ce recueil est un moyen d'explorer la société médiévale et d'acquérir une compréhension plus profonde des valeurs et des idéaux moraux de l’époque.

3325 caractères

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Série Noire or the true colors of an actor

During my year at the university, I took the habit of watching a movie every time I could. And upon this new passion, I decided to start following people with similar interests on social media. This is how I stumbled upon the movie Série Noire and most precisely the actor Patrick Deweare. I discovered the actor via a photo that someone posted. I could not explain why but the looks of the actor in this exact photo stuck with me and without knowing further information about the movie, I decided to watch it.

The actual photo I stumbled upon that day

Although I jumped into this movie with no information, for the sake of the blog, I am going to contextualize the movie. Série Noire is a movie made by Alain Corneau in 1979. The story is adapted from a novel written by Jim Thompson which was translated into French by the director himself with the personal help of famous writer Georges Perec. Corneau chose to adapt the novel after wanting to take a turn in his filmography. For Série Noire, Corneau specifically wanted Patrick Deweare to play the main character. To the point that he said that he wouldn’t pursue the project if the actor refused to take the role. Upon reading the script, Patrick Deweare agreed immediately to join Corneau in this movie. This character was exactly the kind of role that Dewaere wanted to play, indeed at the time he felt like he was always behind in his acting career. He had most of his famous actor friends (like Gerard Depardieu) taking on the main role in most of the big movies while he was stuck on the same kind of second role.

Série Noire poster aside from the novel it is from. The poster took its design from the Gallimard "Série Noire" collection at that time.

Serie Noire tells the story of a failing door-to-door commercial whose relationship with his wife is also reaching a dead end. One day, as he is prospecting in his district, he stubble upon a vicious old woman who wants to buy him one of the dressing gowns he is selling. But the thing is that the woman wants to pay him, by giving him her young niece's body. Franck disgusted by this technique doesn’t touch her and goes away. But from this day on he fell for her. To distract himself from his chaotic life and find a way to save her, he starts a life of lies, robbery, and murder. The movie follows him as he rushes his life into an infernal spiral.

One scene stuck with me during the watching of this movie. This scene is the one in which Mona tries to join Franck at his work several days after they killed her aunt and got her out of her condition. The scene where they are in a deserted industrial place in the suburbs shows the two characters in all their despair. By trying to escape their conditions, they got themselves into a worse situation. Franck knows that since meeting Mona he spiraled into making the worst decision in a try to leave his bleak life and suburb. The desperation of his character can be seen in this scene as he rushes his head into his car multiple times. This scene, which was improvised at the time by Patrick Deweare shows how trapped the character feels. How desperate he is. What makes the scene even more striking is the fact that it was improvised, even more, so when we know the actor's life at the time. He was going through a lot of things such as break up, drugs, and debts and had the reputation of being an « écorché vif ». Which would later become even more real following his suicide in 1984. Deweare also had the reputation of being someone who had difficulties in leaving his roles on set. He lived his roles to the fullest which sometimes created even more conflict in his intimate life. After filming one of the murder scenes Deweare even thought he had killed someone as it was confessed by some of his friends who saw him that day, "But do you realize that today I killed someone? It is not anything to kill someone“. So this scene confirms Franck Poupart's despair but also feels like an implied way to show Deweare's true hopelessness. That's what makes it striking, that’s what makes it feel even more raw.

The extract in question

Out of the aspect of following the downfall of a character, Série Noire is a movie that also works as an implied social critic of that time. By watching the movie we get how the environment in which the characters evolve is one of the aspects that makes them this tormented. The grayness of the suburbs, the poverty, and the loveless marriage are what pushes Franck to a point of no return. He convinces himself that Mona could be his way to escape, even though deep down he knows his life is hopeless. It pushes him to a point that he even considers the most absurd way of getting out of this bleak life, with scenarios of murders and robbery. This absurdity is something that I searched for in several movies after Série Noire and that I only found again by watching Buffet Froid, a movie made the same year by Bertrand Blier. Both movies expose stupid situations which the characters get into because of the cruelty of society. Both movies evolve in cold and deserted scenery (empty subway, sad deserted industrial zones, cold and bare apartments…) which are only furnished by the sorrowfulness of the characters. In Série Noire just like in Buffet Froid, murder is never here in a gratuitous way, it serves a message, it denounces something. The madness in which poverty and dehumanization can put someone through. Murder is a response to the condition in which the characters live.

Exemple of empty cold scenery setting that both movies shows. Série Noire by Alain Corneau, 1979 (right), Buffet Froid by Bertrand Blier, 1979 (left)

Out of the social critics that the story holds, the filming of this movie could today also serve as a critic of filming conditions. Indeed, this movie was filmed in only six weeks and was described by everyone on the project as a very laborious filming. There is the fact that Deweare was mostly under the substance and was only lucid during the scene shooting. But also overall Marie Trintignant resumed her experiences as the following "I have the impression that we all threw ourselves into the scenes, into the elements, like animals … It was a violent film. Everything was violent!“. Moreover, the actress then aged 16 forever kept after effects of this filming because of the nude scene she had to take part in. She developed trouble with nudity following this shooting. So, with the recent discussions around the film industry, we can wonder if this movie could have been released in today’s setting.

Personally, even though I devoured Patrick Deweare's filmography following this watching. I didn’t find a more striking movie on it. I adored "Mauvais Fils", and I loved "La meilleure façon de marcher" but never has my mind been blocked as much as in this movie. Série Noire beyond being a brilliant movie, really showed all the talent and character of Patrick Deweare person. So much that his performance haunts you even after the end of the movie. Leaving you wondering if you faced a character during these last hours or the real desperation of a man. 5500 characters without space, 15/10/2023.

[anthosvtr]

ALICEGAVINSERVICES™, UNE EXPOSITION SOUS LA FORME D'OEUVRE TOTALE

C’est à la fondation MABA que nous nous dirigeons ce vendredi 22 septembre. Fraichement arrivé dans la région parisienne, j’apprécie pouvoir découvrir ce genre de lieux moins populaire. La MABA est un centre contemporain ouvert en 2006 à l’initiative de la Fondation des Artistes. La fondation aide à la diffusion et au développement d’artistes à l’internationale. La MABA, quant à elle, aide les artistes en mettant à leur disposition plus de trente ateliers et en soutenant chaque années des écoles d’art. Présent à Nogent-sur-Marne la MABA dispose par ailleurs d’un EHPAD prévu spécifiquement pour accueillir des artistes provenant de tout milieu. Le centre permet par ailleurs à ses résidents d’exposer.

Chaque année le centre présente trois expositions différentes autour des sujets suivant : le graphisme, l’art contemporain et l’image animée. C’est dans cette envie de représenter le milieu du design graphique que l’exposition d’Alice Gavin intervient. Bien que d’autres artistes-autrices aient déjà exposé là-bas, cf l’exposition « Variation Épicènes » sous le commissariat de Vanina Pinter, l’exposition d’Alice Gavin s’impose comme la première monographie d’artiste-autrice féminine que le centre propose.

Alice Gavin, c’est une graphiste autrice qui ne se refuse rien, en effet, sa conception du graphisme est large, s’étendant du design graphique simple à la direction d’image, la typographie et bien plus encore. Elle souhaite représenter le graphisme autrement que par l’espace défini que l’on réserve habituellement à ces oeuvres en 2D, fini l’élément fixe, encadrés et accompagné d’un simple cartel. Au cours de cette exposition, Alice Gavin se demande plutôt comment présenter son travail en rapport avec l’espace qu’il occupe, poussant les limites de ces créations hors-cadre.

Et c’est plutôt réussi puisque l’exposition, en son ensemble fait écho au oeuvres multiples rencontré il y a quelques semaines au Multiple Art Days. Celle-ci me donne l’impression d’être une un œuvre totale en elle-même, plutôt qu’une simple exposition. L’exposition se déploie sur plusieurs étages, les objets ne sont pas réduit à leur simple forme, mais composent un tout avec l'environnement. Cela se confirme notamment lorsque l’on se retrouve devant un immense chemin de fer qui prend la forme d’une pièce en elle-même ou bien encore une fois à la fin de l’exposition lorsque l’on culmine dans une pièce entièrement monochrome qui nous présente trois bancs, spécimens typographiques appeler à être déplacé et manipuler par le visiteur. La monochromie entraîne le détachement des bancs de l’environnement et permets leur mise en valeur. Permettant par ailleurs aux spectateurs de basculer entièrement dans cet espace typographique. 

Photo du spécimen typographique réalisé pour l'exposition et du chemin de fer, projet éditorial réalisé en collaboration avec le Ballet National de Marseille.

Ce qui confirme cet aspect total, c’est le niveau de réflexion posé par l’artiste elle-même en effet, elle est autant la scénographe, que la commissaire, que l’artiste de cette exposition. Certes les éléments ne sont pas réalisés spécialement pour l'événement mais leur scénarisation, l'est. L'artiste va plus loin en allant jusqu’à réaliser les brochures de l’événement. Et bien que l’exposition soit majoritairement constituée de collaborations, l’artiste-autrice se déploie sous différentes facettes, en tant que graphiste, typographe, directrice artistique, et en présentant des productions aux moyens multiples.

Par cette réflexion scénique dépassant les réalisations, on plonge en réalité dans l’univers de l’artiste tout comme Alice bascule au pays des merveilles.

Cependant, si je devais émettre une critique face à cette exposition, c’est que j’aurais aimé connaître le chemin artistique qui a mené l’artiste à cet univers graphique aux multiples facettes. Je comprends l’absence de cartel dans une idée de décloisonner les œuvres de leurs formes physiques, les étendre à l’espace. Mais je déplore peut-être l’absence d'une pré « entrée », d’une pièce qui ferait office d’introduction au parcours de l’artiste.

Je ressors donc sur ma faim avec plein de questions, mais peut-être qu’au final, cela confirme l’aspect d’œuvre totale qui émane de cette visite.

3960 caractères avec espace.

Objectifs : Apporter une problématique et y répondre, Porter plus attention à l’élaboration des phrases, Éviter les formulations trop longues,

[anthosvtr]

Glory to all underground associative movie theater

In 2018 thanks to a little associative theater near where I lived, I fortunately discovered the movie "Leto" by Kirill Serebrennikov. At first I wasn’t even supposed to go out this night, but my whole family was away at a soccer game and I was dreadfully bored. While I didn’t hear about this movie before, I was deeply interested about it. In fact, at that time, any movie set in the 70s/80s and talking about music was a catch for me. So i grabbed my keys and with only thirty-five min left for a forty-minutes trip to the theater I ran. Gladly thanks to the trailer playing beforehand, I didn’t miss any minutes of it. Once I sat in that middle row I knew I was in for a good moment.

Leto, which faithfully translate to summer/summertime, is a movie set in soviet russia and tells the origin story behind the Russian rock band Kino. More precisely through the glance of a love triangle that forms between a rock'n'roll musician (Mike Naumenko, Zoopark singer), his protege (Viktor Tsoi, who will, soon became Kino lead singer), and his wife (Natasha Naumenko). The chosen name "Leto" also come from the most famous Kino song Leto "summer will be over soon".

Leto movie poster Leto, by Kirill Serebrennikov, 2018.

The movie starts just like a summer would, we discover the leading characters in a beach party scene where Viktor Tsoï meet Mike Naumenko for what’s seem the first time. Even thought, Mike is already a prominent musician in the local rock scene in Moscow, the key focus seems to already be on Viktor Tsoï who intrigues Mike but also his wife, Natasha. This introducing scene feature Mike singing. While the song seems to start peacefully by describing a summer day, the tones suddenly switch in a way that immediately set the anxious soviet environment at that time, with lyrics such as

«I recently heard someone say, There’s a comet on the way,  Gonna blow us all to bits».

This anxious environment is emphasized by the fully black and white color scheme that the movie adopts, it also appear as a nod to the famous brutalism architecture that were omnipresent at that time in Russia. 

In the movie, Russia appears as a grey and depressing country which only show colors through the lense of rock music. The only moment of joy seems to remain the ones that are topped by rock music. The movie briefly shows us that people used to run illegal record markets. It consisted of making pirates copy of rock record that were banned in Soviet Russia at that time. Sometimes, rock isn’t enough to infringe the rules, and we are reminded of the strict atmosphere through small details. In fact, during the first concert that is shown, we see that some sort of officials force attendees are present to restrain the spectators. So that they could not express too much excitement and remains sat down during the show. Since Russia was under a cold war with the west, foreign cultural movement such as rock were seen as propaganda and forbidden under any form. Russian bands could only performed in Communist Party-licensed clubs and everything was strictly supervised.

The scene that really stuck with me, is the scene that take place in what appear to be a railway carriage. While some of the main characters act obnoxiously loud, we can see that the oldest generation present on the train seems to castigate them for acting as westernized clowns. The characters, in what seem to be a hallucination scene, soon cover “Psycho Killer“ by Talking Heads. Swiftly, we are taken away by the song and the lyrics that are appearing in screaming letters behind. Some dribbles unexpectedly appear outside of the strict framework of the movie.

Extract from the railway carriage moment, Leto, by Kirill Serebrennikov, 2018, https://www.youtube.com/watch?v=Fj_c9z9JQ3M&t=105s

The utterly chaotic scene chiefly serves as a way to respond to this old generation that seems to take comfort in this dictatorship situation.

Thanks to this movie I got to discover the band Kino, which I now, listen to religiously. I could never thank enough this little movie theater that, one day, decided to be the only to show this movie near me. Forthwith, I must end by saying all the glory to underground theater!

≈ 3300 without space september, 24th 2023

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L'édition d'un stand à l'autre

La fondation Fiminco est ce qu’on pourrait appeler un trésor caché (littéralement). Il nous a fallu un bon moment avec Salomé et Clara pour déchiffrer le chemin à suivre, jusqu’à ce que nous réalisions que l’ancienne chaufferie se situait en fait juste après les travaux qui nous faisaient obstacle depuis dix minutes.

Après cet arpentage aux aspects labyrinthiques, nous rejoignons enfin Mme Joly et découvrons au fil du communiqué de presse, ce que cette 8e édition du Multiple Art Days nous réserve. Cette lecture permet de formuler mes premières attentes, je m'imagine prêt à découvrir une avalanche de stands variés prêts à m’initier à différentes pratiques d’édition. J'aspire à découvrir des objets bien loin de la conception simpliste que le grand public se fait de l’édition, j’attends l’inattendu. Par la présence du mot multiple, je sais par ailleurs que je vais assister à des projets mettant en étroite relation différents acteurs de la chaîne d’édition.

Après un rapide tour par le hall présentant les lauréats en lice pour le prix récompensant un artiste émergent, nous pénétrons dans une première pièce laissant percevoir des stands en tout genre, affichant des objets allant de l’édition stricte à de grands tirages lithographiques. Lorsque nous continuons vers la prochaine pièce, un exposant attire rapidement mon œil. J’aperçois un recueil d’œuvres de Dominique De Beir, artiste qui aux Beaux-Arts de Caen, m'avait quelques mois plus tôt, marqué par l’immensité de ses créations. Je comprends bientôt que la personne à laquelle je m’adresse par la suite s’avère être Dominique De Beir elle-même.

Celle-ci se présente en tant qu’artiste et professeure aux Beaux-Arts de Rouen. Et tandis que ses élèves exposent tout près, elle représente la maison d’édition Friville. Friville Édition, c’est tout d’abord un nom qui fait écho à une petite ville aux allures désertiques des Hauts-de-France. Et pour cause, Dominique nous explique que toutes les entreprises qui rythmaient autrefois la ville ont fui vers l'étranger dans le but de maximiser leurs profits. La maison apparaît comme en adéquation avec la ville qui lui prête son nom, puisque lorsque l’on se penche sur le concept de la maison, on comprend vite qu’on se trouve loin des grandes infrastructures d’édition et on décèle une envie d’investir les friches du design éditorial. Dominique m’explique brièvement que la maison est aux antipodes des objectifs de grandes maisons d’édition. Elle fonctionne plutôt au bouche-à-oreille autant pour mener ses ventes que pour attirer des auteurs à venir publier sous son nom. Ici, la production y est libre et représente des tirages très limités. 

La maison présente principalement deux types d’objets éditoriaux, l’un axé autour d’une collection de blocs-notes A5 réalisée en collaboration avec des artistes plastiques et l’autre axée vers des publications plus libres autour du concept de cahiers de recherche.

Couverture, dos et page intérieur d'un des bloc-note, Chaque pages du bloc présente des esquisses d'artistes divers, Format A5, 30 pages, tirage à 500 exemplaires

BLOC présente des pages blanches classiques agrémentées de réalisations artistiques. Le bloc vient remettre en question la relation sacralisante que l'on porte à l'égard de l’art et des livres en général. Ici, le détenteur du carnet est appelé à s’exprimer sur ses nombreuses pages comme on le ferait dans un bloc-note vierge, tout cela sans forcément prendre en compte son pré-contenu. Le bloc aborde d’ailleurs les phrases suivantes à son dos : l’acquéreur peut faire usage de BLOC comme il l’entend. « C’est notre côté provocateur », affirme Dominique De Beir.

Détails présent au dos des bloc-notes.

Lorsque Friville Édition publie des carnets de recherche, elle laisse carte blanche aux artistes. Ces réalisations présentent l’édition sous un nouveau jour, comme étant une extension des œuvres et démontrent que parfois l’objet éditorial n’est pas la finalité d'un projet. Dominique appuie par ailleurs cet aspect en nous présentant son portfolio artistique, qu’elle a voulu avec une reliure libre, brisant toutes règles de lecture, en n’imposant aucun sens de navigation, mais aussi dans lequel elle est ré-intervenue à la main au-delà de tout façonnage définitif.

Enfin, Dominique nous apprend que suite à l’inflation, la publication des blocs-notes est devenue onéreuse. Son système de reliure étant plus cher qu’une reliure simple piqûre à cheval. À cette anecdote, Dominique réfute l’envie de changer la reliure, puisque cela reviendrait à compromettre la fonction même de l’objet. En somme, l’édition, c’est parfois des sacrifices (monétaires pour la plupart).

C’est aux alentours de 18h30, que je réalise que je vais devoir interrompre mon errance artistique afin de courir vers mon train Paris-Granville, dommage, j’aurais aimé continuer à écumer tous ces stands. Cependant, mon conseiller Bouygues Télécom en a décidé autrement en envoyant ma box wifi en Normandie plutôt que de la déposer près de son prochain lieu de résidence.

Après deux marathons mêlant métros bondés et bagages démesurés, je rejoins enfin mon siège et je profite de ces prochaines heures pour revenir sur mon expérience. Ce qui me marque essentiellement, ce sont les nombreux échanges que j’ai pu avoir avec chaque exposants. Je ne m’attendais pas à autant d’ouverture de la part des exposants et encore moins au fait que je rentrerai aussi facilement dans le récit de leur vision du design éditorial. Les travaux qui me paraissaient aux premiers abords abstraits révélaient au final toujours un niveau impressionnant de réflexion autour de l’objet. Je repars aussi avec une meilleure compréhension de ce qu’est un multiple artiste, et que cette définition se révèle être plutôt fluide. Chacun mélange ses relations, ses passions et compétences diverses pour amener à des projets tous plus inspirant et originaux les uns que les autres. De quoi faire remonter en flèche sa créativité et ses ambitions.

17 sept. 2023 ≈ 4940 caractères sans espaces