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Objeto basado en un texto recibido al azar de un compañero o compañera de clase. La pieza está basada en este vídeo:

De él rescaté las siguientes partes:

Recuperar la infancia.

Traer fuera de nosotros aquello para lo que nacimos.

Idea del "juguete preferido" de García Márquez.

Quise hacer una caja, por ser algo que se puede abrir, simbolizando esa apertura hacia nosotros mismo y la búsqueda del juguete preferido. Los espejos permiten reflejarnos y ver nuestra situación en el momento presente, y compararlo con otros momentos de nuestra vida. Por esto he incluido imágenes de mi infancia en la caja, por lo que menciona el vídeo de la importancia de recuperarla.

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Jueves, 06/05/2021

Apuntes de clase

PENSAMIENTO CREATIVO: PENSAR PARA COMPRENDER, COMPRENDER PARA CAMBIAR Y CAMBIAR PARA VIVIR.

Clase con Violeta Agudín Garzón.

TESIS: Hacia una evaluación del proceso creador y pensamiento creativo en alumnado universitario de enseñanzas artísticas.

BETAMIND ES:

Una semilla que se siembra como proyecto educativo y que germina como espacio de desarrollo de la creatividad y el pensamiento divergente: un lugar donde activar ojos, mente, corazón y pensamiento crítico, con el arte como herramienta transformadora de la inteligencia creativa y práctica.

No son los resultados los que determinan el aprendizaje sino los procesos.

Son las acciones, incluido el error, las que provocan experiencias de conocimiento y pensamiento creativo.

La motivación es el agua que hace crecer cada semilla: la idea, la acción, la creación, la curiosidad y la investigación.

Cada planta necesita de un riego diferente y sus frutos serán distintos.

¿Qué es creatividad? Palabras dichas en clase: poder, ideas, imaginación, originalidad, pensamiento, libertad, novedad, experimentación, proceso, inventar, soluciones, inspiración, escapar, construir, resolver, armonía, reflexionar, resolver, cambiar, pensar, pensamiento, cualidad, hay que desarrollar, fomentar, desarrollar, desaprender, inspiración.

¿Qué no es creatividad?

Pensadores creativos, Mitchel Resnick (2019).

Mitos sobre la creatividad:

La creatividad es una expresión artística.

Existe muy poca gente creativa.

La creatividad aparece en un momento de inspiración: el momento eureka.

La creatividad no se puede enseñar.

La creatividad no tiene límites.

Jorge Wagensberg, Teoría de la creatividad.

El nacimiento, la idea, la incertidumbre.

Ideas para pensar el mundo.

Ideas para comprender el mundo.

Ideas para cambiar el mundo.

Ideas para vivir en el mundo.

Kaprow, La educación del des-artista.

La persona creativa_artista_des-artista.

EL PRODUCTO CREATIVO

La obra de arte/producción artística.

Productos que eduquen ¿el mismo? mundo que te ha educado.

Catalogar/ficha técnica.

¿Qué quieres que sepa el público sobre tu obra?

La obra identifica a artistas.

¿Se puede aprender algo?

¿Cómo evaluar qué es o no y los factores o características que lo determinan?

Cualificación creativa.

EL PROCESO CREATIVO/EL AMIENTE CREATIVO

Modos de hacer/artistas.

¿Dónde y cómo se dan los procesos creativos in/out de la universidad?

¿Cómo se fomentan?

¿Cómo se evalúan?

*****

Para la semana que viene tenemos que llevar los objetos del texto. Aparte de la clase presencial de la semana que viene, hay 3 clases, 2 online y 1 presencial. La presentación de los proyectos finales es dentro de 3 semanas.

↑ Este es un enlace a un artículo académico que nos pasaron durante la clase. All I really need to know (about creative thinking) I learned (by studying how children learn) in kindergarten, Mitchel Resnick.

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Otras propuestas

Además del trabajo de la obra artística, se nos propuso que interviniéramos una orla de los años 80, introduciendo elementos que nosotros considerásemos que tenían relación con que nos consideremos o no artistas. También había adjunta en la carta unos esquemas que teníamos que completar, hablando sobre nuestro proceso creativo.

Estas son las imágenes que he hecho:

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LA PRODUCCIÓN CREATIVA: LA OBRA DE ARTE

Arte 2021. Vídeo

La obra de arte es un espejo. El él nos vemos reflejados y aprendemos sobre nosotros mismos. Jugamos con nuestro reflejo, juzgamos lo que vemos. Tal vez apreciamos cosas que antes no veíamos gracias a su distorsión. Ante todo, no sirve para nada más que para mirar(se).

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Notas varias

¿Qué es una obra de arte?

Hoy en día hay muchísimas cosas que son consideradas arte. Tratar de establecer una definición única sería generalizar demasiado. Tal vez debería centrarme en alguna de sus características. Lo primero que me ha venido a la mente es la inutilidad del arte. Cuando hablo de inutilidad no quiero decir que el arte no tenga una función en nuestra sociedad, sino que las piezas en sí mismas no desempeñan ninguna función, no son herramientas. Por ejemplo, en los museos arqueológicos vemos expuestos objetos de otras épocas y civilizaciones que, en el contexto en que fueron creados, tenían una función, eran útiles: unos zapatos, una barca, unas herramientas de arado. Pero hoy en día no sirven para nada. Y, sin embargo, nadie niega su valor, pero este ha pasado de ser un valor funcional a ser un valor arqueológico o artístico. Entonces, podríamos decir que es este valor artístico el que permite "salvar" todas estas piezas y que no queden olvidadas por no servir un propósito en la actualidad.

Palabras que relaciono con el arte: inútil, juego, creativo, cuestionamiento, problematización, reflexión.

Un espejo. El él nos vemos reflejados y aprendemos sobre nosotros mismos. Jugamos con nuestro reflejo, juzgamos lo que vemos. Tal vez apreciamos cosas que antes no veíamos gracias a su distorsión. Ante todo, no sirve para nada más que para mirar(se).

Escher, Mano con esfera reflectante.

03/05/2021

El miércoles pasado recibí una carta de Noelia, en la que había varias hojas.

En esta carta se nos pide que enviemos al Campus Virtual una pieza que consideremos que se acerca a la idea de arte, y una ficha con lo que nos gustaría que estuviese escrito en la cartela de esa pieza. Hay más propuestas, pero esta es la única que tenemos que preparar antes de la clase. Lo que no me queda claro es si esta pieza tiene que ser una obra original nuestra, o si puede ser algo recogido de Internet. Creo que se refiere más a lo primero, por lo que tengo que empezar a pensar en qué significa el arte para mí y cómo materializar esas ideas en una pieza.

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29/04/2021

Hoy hemos hecho las clase con Daniel Zapatero Guillén, y hemos estado hablando sobre el proceso creativo.

Apuntes de clase

¿Qué es la creatividad?

Brainstorming: Debemos tener en cuenta todas las posibilidades, sin juzgar o censurar ninguna. Esto es muy importante para el proceso creativo.

A medida que nos educan y aprendemos que hay cosas correctas e incorrectas, nuestra creatividad va disminuyendo.

Mapas mentales: Sin texto. Solo dibujos, imágenes o palabras sueltas. Tiene que ser algo que podamos retener mentalmente. No debe tener líneas rectas. Teoría de Tony Buzán.

La serie House está basada en el proceso creativo.

SCAMPER

Bloqueos:

Bloqueos cognitivos: No te deja usar la imaginación, el apego a lo lógico, la excesiva familiaridad a un tema, el abandono de los sueños, conservadurismo de los conocimientos adquiridos.

Bloqueos socioculturales.

Bloqueos afectivos: Inseguridades internas, miedo a lo desconocido, al ridículo, los propios prejuicios, la baja autoestima.

Al realizar una actividad, nuestra percepción del tiempo cambia. Puede parecer que el tiempo pasa muy rápido, o muy lento. Esto tiene que ver con el disfrute. Muchas veces este no tiene tanto que ver con qué hacemos, sino cómo lo hacemos.

Durante la clase hemos visto un capítulo de los Simpson, y hemos ido anotando aquello que nos ha llamado la atención y que tenía relación con el contenido de la clase. Esto es lo que he apuntado.

Homer se agobia porque siente que está malgastando su vida, y sin embargo no hace más que tomar decisiones que le perjudican o que le ponen en peligro. Siente que no ha conseguido nada en su vida, sin embargo cuando su familia le hace la fiesta le enseñan todas las cosas que ha conseguido. Él sigue sin ver valor a todos esos recuerdos. Cuando se entera de todo lo que hizo Edison a lo largo de su vida, Homer se siente inspirado y quiere ser como él.

Homer decide ser inventor. Se sienta en la mesa a pensar, pero no se le ocurre nada. Hace lo que cree que la gente necesita, sin realmente preguntarles qué es lo que necesitan de verdad. Sin embargo, cuando hace algo que él necesita, los demás ven un interés real en el invento (la silla con 2 patas extra). Luego se da cuenta de que Edison ya la había inventado, y decide poner sus inventos en su museo. Así, esos objetos se venden mucho más caros de lo que nunca podría haberlos vendido Homer, y encima él se queda sin el mérito.

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22/04/2021

Apuntes de clase.

Hoy hemos dado la clase con Emma Braso.

University for the Creative Arts, campus de Canterbury.

Proyectos realizados en esa universidad:

Despite efficiency: labour (2014). Links: (1), (2).

Art education in the age of metrics (2017). Links: (1), (2).

Texto: Historia, debates e ideas en torno al comisariado.

El giro educativo:

Influencia de formatos y modelos pedagógicos en el comisariado desde el 2000.

Importancia de programas públicos.

Modelos educativos en las fases de investigación, producción y exhibición.

Relación entre los departamentos curatoriales y educativos de las instituciones.

Crítica a los modelos de enseñanza unidireccional (ej. papel activo de los públicos en las visitas guiadas).

Deslizar, Museo Nacional del Prado:

*https://www.museodelprado.es/recurso/deslizar/7df96bd4-4e67-4b26-83eb-4ba9a697f7f9

Primer Encuentro Inspirador. Sobre arte y escuela.

7 y 8 de mayo.

Auditorio del Museo Nacional del Prado.

Proyectos artísticos y curatoriales socialmente comprometidos:

Intermediae - Matadero Madrid. Proyecto: Ciudad, Bailar, Exagerar. Links: (1), (2).

Concovatoria "Componer saberes para imaginar y construir futuros sostenibles". Fundación Daniel y Nina Carasso. https://www.fondationcarasso.org/es/convocatorias/#que-buscamos

Convocatoria "Art for Change", Fundación LaCaixa. https://fundacionlacaixa.org/es/art-for-change-convocatoria

Músicas memorables.

*****

Ha habido un momento en que las compañeras han estado hablando de sus experiencias presentándose a convocatorias y exponiendo. Hay situaciones en las que, aún estando a punto de terminar la carrera, aún no se ha expuesto en ningún sitio (como es mi caso). Creo que, por lo general, tenemos la sensación de que aún no estamos los suficientemente preparadas, y vemos exponer como algo lejano. Pero es verdad que en algún momento hay que hacerlo si queremos dedicarnos profesionalmente al arte. Con estos últimos ejemplos de convocatorias me han dado ganas de mirar qué más cosas hay, de exposiciones, concursos, etc., y ver cómo puedo ir construyendo un dossier que se ajuste a estas convocatorias.

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15/04/2021

Hoy hemos presentado los trabajos sobre educación artística. Todos hicimos las presentaciones con Power Point, y tanto Noelia como Javier dijeron que esto les llamó la atención, ya que en el Campus Virtual ponía que la presentación debía ser lo más creativa posible. Es verdad que en ese sentido, al menos en mi grupo, no nos hemos esmerado tanto. Creo que en parte ha sido por las dificultades para comunicarnos. Solo para el trabajo escrito estuvimos hasta el día de antes, y al final un Power Point parecía la única alternativa para la presentación.

Durante la clase hicimos un ejercicio, en el que nos repartieron tres hojas de papel y ceras de colores, y teníamos que dibujar en cada uno algo que representase una escala, de menor a mayor, indicando la posible calidad de la presentación de los demás grupos. Fue interesante, al final cada grupo fue levantando unos u otros papeles en función de cómo creían que habían estado los demás. Algunos de los dibujos costaba entenderlos; creo que los que yo hice forman parte de esos dibujos difíciles de entender, aunque en su momento me parecía que tenían todo el sentido del mundo. Para los trabajos que estaban muy bien, dibujé una montañita toda llena de césped y árboles y un sol sonriendo (sí, muy infantil el tema, pero hay que divertirse); para los que estaban regular, hice la misma montaña, pero con menos plantas, y nubes de lluvia. Parecía muy triste la cosa, así que volví a dibujar al sol sonriendo, como para que no pareciese tan mal. Y para los trabajos que estuviesen algo peor, dibujé la montaña como un volcán en erupción, y todo el fondo rojo y lleno de lava. Aunque, al final, la situación del dibujo parecía tan catastrófica que no la usé para evaluar ningún trabajo. En general creo que todos hicimos algo parecido, algunos mejor, otros peor, pero hemos seguido dinámicas parecidas para la presentación.

*****

Para las próximas clases: Elegir un texto y presentarlo. Entre nosotros nos repartiremos los textos y tendremos que hacer un objeto con él. El texto tiene que hablar de arte y educación.

Tendremos que hacer una encuesta, que se subirá al Campus Virtual.

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14/04/2021

Mañana presentamos los trabajos sobre educación artística a lo largo de la historia. Aunque he leído los textos con tiempo, al final me estoy retrasando mucho. Creo que el hecho de que casi todas las clases sean online dificulta mucho la comunicación entre los compañeros. De momento Sarah y yo nos hemos estado organizando, pero es complicado hablar de un trabajo cuando no nos hemos visto nunca en persona. De momento hemos dividido los contenidos en dos partes, y cada una desarrollará una de ellas. Al final no se unió nadie más al grupo, a pesar de haber dicho en la última clase que quedaba sitio para más personas. En fin, el trabajo lo he dividido en estos apartados:

1. Introducción: Contexto histórico.

1.1. Diferencia entre la educación artística en Esparta, Grecia y Roma.

1.2. Grecia y el taller de artista.

1.3. Reputación de los artistas.

2. Desarrollo: Enseñanza del arte y su consideración.

2.1. Distintas enseñanzas del arte a lo largo de su historia: Atenas ("la buena vida") y época helenística (decadencia de la música y la gimnasia).

2.2. Aportaciones de Platón y Aristóteles sobre la educación artística.

2.3. Consideraciones de las distintas disciplinas artísticas: poesía y música frente a pintura y escultura. División entre arte y artesanía en la época.

3. Conclusión: Legado e influencia en la educación artística posterior.

3.1. Influencia de la concepción griega del arte en épocas posteriores (artes liberales vs. artesanía, etc.).

3.2. Importancia de la enseñanza del arte en Grecia para entender los modelos educativos actuales.

Yo haré desde el apartado 1.1. hasta el 2.2.

Al final esto es lo que he redactado (falta la otra mitad):

CONTEXTO HISTÓRICO

Nos centraremos más en la educación artística en Atenas, por ser la que más influencia ha tenido en modelos educativos posteriores. La educación en Atenas era completamente distinta de la que se realizaba en otra ciudad, Esparta. Esta última "era un Estado militarista y limitaba todas las actividades artísticas a la glorificación de la guerra" (Efland, 2002, p. 20). Las escuelas dependían del Estado, por lo que era este quien establecía qué tipo de estudios se debían seguir. En Atenas era completamente diferente: las escuelas eran privadas, y el Estado solo establecía las condiciones que estas debían cumplir. Estaba completamente abierta al comercio y al arte de otros lugares del mundo, a diferencia de Esparta, donde tras las experiencias de guerras anteriores rechazaron todo aquello que viniese de fuera, incluyendo el arte. También tendremos en cuenta el legado que dejó la educación artística en Grecia a la educación en Roma, en la que la enseñanza del arte terminó teniendo un papel secundario.

La profesión de los artistas tenía una escasa reputación: como dice Efland, en Atenas había una economía de esclavos, y los artesanos solo estaban un poco por encima de estos en la escala social (2002, p. 78). La profesión pasaba de padres a hijos, y se consideraba un trabajo común. A veces en los talleres se encontraban aprendices, es decir, personas ajenas a la familia que trabajaban en el negocio. En estos tipos de enseñanza se puede ver el origen de lo que posteriormente se conoció como el taller de artista, que es, según Belver, "el más clásico y repetido a lo largo de la historia, desde los talleres de los artistas griegos hasta los actuales" (2011, p. 16). Las piezas artísticas se tenían en gran estima, y se valoraba entre los aristócratas el poseer obras de arte de calidad, ya que los convertía en "hombres refinados y cultos" (Efland, 2002, p. 27), pese a que el autor de la pieza tuviese una reputación escasa. Pese a la consideración que se tenía de los artistas, filósofos como Platón y Aristóteles plantearon la importancia de la enseñanza artística en la educación, valorando el arte no "por sus cualidades estéticas sino por su impacto educativo como instrumentos para la conservación de la cultura" (Efland, 2002, pp. 25-26). En cambio, la música y la gimnasia eran defendidas como parte integral de la formación de los estudiantes, y como medios a través de los cuales podía alcanzarse la virtud.

ENSEÑANZA DEL ARTE Y SU CONSIDERACIÓN

En un inicio, en Atenas la educación tenía el objetivo de desarrollar por completo la personalidad, incluyendo en los programas educativos gimnasia y música. Castle establece dos modelos que se seguían con la enseñanza de la música: el ethos, es decir, el sentimiento de comunidad, y la paideia, esto es, "el sentimiento que tenía el individuo de identidad con la cultura" (1961, citado por Efland, 2002, p. 31).

Durante la época helenística el dibujo se incluyó como una parte más del programa educativo. No se sabe mucho sobre la manera en que se enseñaba a dibujar a los niños, pero se cree que "aprendían a dibujar con el carbón y a pintar sobre una tabla de madera de boj, y que la actividad principal consistía en dibujar modelos del natural" (Marrou, citado por Efland, 2002, p. 32). Por otro lado, la música y la gimnasia empezaron a decaer, siendo criticadas por Aristóteles debido a su profesionalización; ya no se usaban como ejercicios a través de los cuales alcanzar la virtud, sino como un espectáculo. Esto hizo que perdieran importancia en el currículo, hasta que en Roma se terminaron eliminando.

Dos obras resultan significativas en este período: La República de Platón y Política de Aristóteles. Platón utiliza el ejemplo de las tres camas: la idea de la cama, que es la verdad; la cama tangible, que es una imitación del ideal, y por último la imagen de la cama, que es una imitación de una imitación, por lo que proporciona un conocimiento poco fiable. Así, "todas las pinturas son engañosas como fuente de conocimiento, pues no nos dicen toda la verdad, y por extensión todo el arte está sujeto a error" (Efland, 2002, p. 33). Sin embargo, consideraba que el arte podía ser útil en la educación de los niños, ya que les permitiría familiarizarse con las formas antes de tener sentido de la razón.

Aristóteles, por otro lado, consideraba que el dibujo debía formar parte de la enseñanza, ya que consideraba que permitiría alcanzar un mayor conocimiento de la naturaleza. Asimismo, aparte de las categorías ya existentes del trabajo y el juego, introdujo la del ocio, que es "aquello que hacemos por la satisfacción intrínseca que produce" (Efland, 2002, p. 37), dentro de la cual entraría la música. Sin embargo, tiempo después fue él quien criticó su profesionalización, ya que consideraba que esto la alejaba de su propósito, que es alcanzar la virtud.

BIBLIOGRAFÍA

Efland, A. (2002). Una historia de la educación del arte: tendencias intelectuales y sociales en la enseñanza de las artes visuales. Barcelona: Paidós.

H. Belver, M. (2011). Artistas y modelos (de enseñanza). En Acaso, M., H. Belver, M., Nuere, S., Moreno, M. C., Antúnez, N. y Ávila, N., Didáctica de las artes y de la cultura visual (pp. 13-34). Tres Cantos, España: Akal.

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08/04/2021

Apuntes de clase:

Algunos enlaces:

Rosan Bosch

"Didáctica del dibujo de contornos ciegos aplicada al retrato gráfico"

"Diseño, implementación y evaluación de talleres artísticos en el ámbito de la salud para pacientes adultos en la Unidad de día de Trastorno de Conducta Alimentaria"

Miguel el Profe de Plástica

De Centros Madrid Salud a Centros Municipales de Salud Comunitaria

Programa de alimentación y actividad física:

Peso corporal, inactividad física, enfermedades cardiovasculares, diabetes, hipertensión, otras patologías de gran impacto en la salud.

Programa de salud sexual y reproductiva:

Adolescentes y jóvenes, personas en vulnerabilidad social. Planificación familiar, acceso anticonceptivos, discriminación, violencia de género, asesoría sexual.

Programa de prevención y promoción de la salud en el ámbito educativo:

Proyectos a demanda de la escuela.

Estrecha relación con familia y profesores, coordinación con recursos de distritos.

Alimentación, actividad física, sobrepeso, obesidad.

Tabaco, alcohol, otras drogas.

Imagen corporal, piercing, tatuajes.

Prevención de accidentes, sexualidad, maltrato, violencia, fracaso escolar.

Programa de envejecimiento activo y saludable:

Especial atención a problemas de depresión, aislamiento social, deterioro cognitivo.

Programa de salud materno-infantil:

El embarazo requiere atención especial.

Atención en el embarazo y en la crianza de los hijos.

Programa de prevención y control del tabaquismo.

Programa de desigualdades sociales en salud:

Disminuyendo las desigualdades injustas y evitables.

Universalismo proporcional.

Programa de promoción de la salud mental:

El objetivo es promocionar la salud mental y el bienestar emocional en la ciudad de Madrid.

Más información en Madrid Salud. Charla de Ana Orellana.

BELLAS ARTES Y EL CENTRO MADRID SALUD DE USERA

El arte y la educación al servicio de la salud.

Propón tu cambio:

Objetivo: Dar a conocer el CMS de Usera en el barrio y fomentar la participación activa de los vecinos en el mismo.

Botiquín:

artebotiquin.blogspot.com

Un salón para todos

Asociación y retención

Engranaje sináptico

Compartir las miradas

MESA

Un salón para todos:

Proyecto UnSalón: unsalonparatodos.blogspot.com.es

Objetivo: Que los jóvenes del barrio se familiaricen con el CMS y lo que les ofrece, utilizando el arte y la cultura como herramientas para crear espacios de debate y encuentro.

Asociación y retención:

Objetivo: Cuidar y fomentar la memoria a través del arte.

Mesa:

Objetivo: Generar recetas creativas y sanas a partir de diferentes conceptos como, por ejemplo, "árbol".

Proyecto CMYK:

Objetivos: Trabajar con la memoria a través del arte y estudiar las relaciones entre color, sentimientos y sonido. Eva Heller y Neil Harbison.

RefrescArte con Smoothies:

Objetivos: Trabajar con la alimentación saludable, introduciendo alimentos fuera de la zona de confort.

Jugger.

Si queremos hacer el proyecto de las cajas, contactar con Javier para dudas. Si queremos trabajar el proyecto Yo x ti, tú x mí contactar con Noelia para dudas.

Presentación de proyectos

Disfraz, hacer muchas cosas a partir de una cosa.

Piezas sueltas, el juego infinito de crear. - Libro.

Me interesa trabajar el el proyecto de arte en contextos de salud relacionado con las cajas. De momento no tengo muy claro cómo voy a hacerlo, pero en un principio quería relacionarlo con la humanización de los espacios, teniendo en cuenta que este proyecto está destinado a niños y adolescentes. A mí me interesa más trabajar con niños, y el contenido de la caja quiero que tenga que ver con un disfraz, o con algo que sirva para decorar el propio cuerpo; algo que permita a los niños salir de la monotonía de llevar siempre la misma ropa en el hospital. Como se ve en los dos puntos del principio, Noelia me dio la idea de no hacer solo un disfraz, sino de aportar elementos que permitan obtener muchas formas de caracterizarse a partir de las mismas cosas.

La clase de la semana que viene es presencial, en el aula 118A.

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Efland, 2002, pp. 77-80.

CONCLUSIONES

"Hemos visto que muchas de las posturas que se mantienen hacia las artes visuales tuvieron su origen en las circunstancias sociales específicas que se dieron en la sociedad griega, harto distinta de las actuales. Entonces la profesión artística gozaba de escasa reputación porque la sociedad ateniense se basaba en una economía de esclavos, en la que los artesanos ocupaban un lugar sólo ligeramente superior a éstos en la pirámide social. Por este motivo nunca se animaba a los hijos de los aristócratas a convertirse en artistas, aunque en la época de Aristóteles había comenzado a introducirse una cierta formación en dibujo. Incluso así, el dibujo sólo recibía un tratamiento indirecto; la música, en cambio, era defendida con firmeza." pp. 77-78.

"Las artes visuales resultaban sospechosas también en razón de su estatus cognitivo como formas de conocimiento, un problema que fue planteado por Platón. A pesar de que éste defendía la exposición a un arte bello de un estilo apropiado, cuando el modelo griego de enseñanza pasó a los romanos la educación general estaba dominada por los estudios literarios." p. 78.

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Al final toda esta descripción me ha quedado larguísima. Ahora tengo que ver cómo lo resumo, qué apartados incluyo y cuáles no, y cómo nos vamos a repartir el trabajo Sarah y yo.

02/04/2021

Aquí pondré los párrafos que más me han interesado de los textos de Efland y Belver, y pondré en rojo aquellas palabras o partes que me interesen más.

Textos que tengo que leer:

Efland, A. (2002). Una historia de la educación del arte: tendencias intelectuales y sociales en la enseñanza de las artes visuales. Barcelona: Paidós. 

H. Belver, M. (2011). Artistas y modelos (de enseñanza). En Acaso, M., H. Belver, M., Nuere, S., Moreno, M. C., Antúnez, N. y Ávila, N, Didáctica de las artes y de la cultura visual (pp. 13-34). Tres Cantos, España: Akal.

Tengo que leer el último texto completo, y del texto de Efland tengo que leer la introducción (pp. 15-24) y el capítulo que corresponde a Grecia (pp. 25-41 y 77-80).

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25/03/2021

Apuntes de clase

GIMUPAI

Desde el año 2003 viene desarrollando una serie de investigaciones en torno a las posibilidades de mejora de los niños y adolescentes hospitalizados a través del juego, la creatividad y el arte.

En estos años, muchas han sido las colaboraciones y proyectos con diferentes instituciones del ámbito de la salud (hospitales, centros de día, etc.) y con diferentes colectivos (niños, adolescentes, personas mayores, etc.).

Educación artística en contextos de salud:

Educación artística → Arte como catalizador del cambio y transformación → Procesos creativos, creatividad, aprendizaje.

Grupo de investigación (proyectos de investigación I+D+i): Equipo multidisciplinar, especialistas de diferentes áreas → Producen desarrollo de conocimientos de investigación individuales y grupales, generando:

Ideas

Implicación y compromiso

Acciones transformadoras

Experiencias compartidas

Diálogo, análisis y reflexión

Modelos de investigación

Conocimiento, publicaciones→ Redes de transmisión de conocimiento y experiencia → Publicación de resultados: revistas de impacto, monográficos, libros, tesis doctorales, congresos, etc.

CurArte:

Antecedentes:

Las primeras intervenciones (2003) en el espacio hospitalario comienzan con los aspectos más relacionados con la humanización de espacios: decoración y ambientación con ilustraciones infantiles en espacios pediátricos.

Hospital clínico de Valladolid: La humanización de los hospitales pediátricos demanda el diseño, desarrollo y evaluación de sistemas de cuidados centrados en el niño y su familia.

Espacio y tiempo de la hospitalización infantil y adolescente:

Tiempo de ingreso: Tiempo para ver el estado clínico y sintomatología del niño o adolescente.

Tiempo terapéutico: Donde se realiza la organización de las actividades de diagnóstico, tratamiento médico y cuidados físicos.

Espacio y tiempo de ocupación de la hospitalización del niño y adolescente. Tiempo educativo y libre.

Tiempo educativo: Recursos disponibles para en en el entorno hospitalario (Educación en Aula Hospitalaria) → Educación artística y creatividad.

Tiempo libre: Familias, voluntarios, personal sanitario → Talleres artísticos, creatividad, juego.

Acciones curarte I+D:

Talleres educación, Proyectos comunitarios.

Humanización de espacios.

Intervenciones artísticas.

Actividades realizadas en hospitales: monotipia, técnicas aditivas con cintas adhesivas de papel...

Artes visuales participativas como recursos de bienestar para niños y adolescentes, 2019-2020.

Artes visuales participativas y educación artística como recurso de apoyo a niños y adolescentes en contextos de salud, 2020-2024.

PROPUESTA DE TRABAJO FINAL

Diseño de Actividad a distancia con niños o con adolescentes hospitalizados en tiempos de Covid19.

El cofre del arte y la creatividad.

Diseñar un kit fungible artístico/creativo completo, de regalo individual, adaptado a niños o adolescentes hospitalizados.

Consiste en realizar el diseño de una o varias actividades artísticas y creativas que puedan ir alojadas en un contenedor parecido a una pequeña caja/cofre, con una dimensión similar o menos a: 20 cm ancho x 30 cm largo x 15 cm de alto.

El kit/cofre debe contener:

Instrucciones de la/s actividades (desarrollo, uso y/o montaje).

Los materiales que deberían ir en el interior de ese cofre.

Diseño del contenedor (Cofre), realizar un prototipo.

Nota: tener en cuenta que los materiales tienen que estar pensados para poder ser esterilizados y que no sean cortantes ni punzantes.

cofre + arte + hospitales + niños + adolescentes

Se puede desarrollar entre una y tres actividades.

Lo ideal es que, si hay varias actividades, estas sean conexas o tengan relación.

Las actividades tienen que ser cortas, es decir, que no se tarde más de una hora en realizarlas.

Actividades adaptadas a las edades elegidas (niños o adolescentes).

Las actividades son sin nuestra presencia (facilitar instrucciones).

La caja/cofre se enviaría como un regalo.

Desarrollas un presupuesto de coste de los materiales.

Algunas posibilidades temáticas:

Cofre de viaje: Lata como lugar donde guardar los materiales y documentos de trayecto, el espacio (recorridos, mapas...).

"Un museo en una caja", podría ser el diseño de una actividad.

Cofre como recipiente escenográfico.

Dibujos y texto derivado del dibujo (para ser analizado).

El tiempo: (cómic, dibujos seriados, visual thinking, relatos visuales...).

El juego: juegos de montaje bidimensionales o tridimensionales, juguetes lúdicos creativos, puzles.

Diseños de actividades con adhesivos para niños.

Pueden ser relacionados con estos y los que se te ocurran.

Resumen de lo que se pide para este tipo de trabajo:

Diseñar la caja con un prototipo, realizar el arte final del diseño.

Diseñar la o las actividades (más o menos de una hora).

Diseñar las instrucciones de uso y/o montaje.

Seleccionar los materiales adecuados al cofre (esterilizables).

Presupuesto del trabajo.

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25/03/2021

Durante la clase se nos ha propuesto que utilicemos la última hora para investigar sobre la educación artística de uno de nuestros artistas de referencia. Yo he elegido a Jenny Saville, y esta es la información que he podido encontrar:

SAVILLE, Jenny (1970)

Es miembro del grupo Young British Artists.

Estudió secundaria en la Lilley and Stone School (ahora The Newark Academy).

Estudió en la Glasgow School of Art (1988-1992).

Tuvo una beca de seis meses en la Universidad de Cincinnati, donde se matriculó en un curso de estudios de la mujer.

Terminó su formación en la Slade School Of Fine Art (1992-1993).

Mayores influencias: Rubens, Lucian Freud.

En 1994, Saville pasó muchas horas observando operaciones de cirugía plástica en la ciudad de Nueva York.

Jenny Saville - Wikipedia (18 de marzo de 2021). Recuperado 25 de marzo de 2021, de https://es.qaz.wiki/wiki/Jenny_Saville

The Newark Academy

Es una escuela privada fundada en 1774 al norte de Nueva Jersey. El edificio original fue quemado durante la Guerra de la Independencia. Volvió a reconstruirse, y cambió de localización tres veces, hasta llegar a la actual. Se caracterizó desde el principio por acoger a estudiantes de orígenes muy distintos.

La primera clase con mujeres se dio en 1971. La escuela se hizo completamente mixta en 1972.

Newark Academy. (s. f.). History. Recuperado 25 de marzo de 2021, de https://www.newarka.edu/about/from-the-head-of-school/history

Glasgow School of Art

Fue creada en 1845 como una de las primeras Escuelas de Diseño del Gobierno. Imparte estudios de Bellas Artes, Arquitectura y Tecnologías Digitales. Es muy conocida por haber sido diseñada por Charles Rennie Mackintosh. Es una institución acreditada por la Universidad de Glasgow desde 1992, por lo que sus cursos de grado y posgrado tienen validezgener de título universitario.

Glasgow School of Art. (s. f.). The Glasgow School of Art. Recuperado 25 de marzo de 2021, de https://www.gsa.ac.uk/

Universidad de Cincinnati

Fue fundada en 1819 en Ohio. Se considera una de las mejores universidades de Estados Unidos, y tiene grados en Artes y Ciencias, Ciencias de la Salud, Negocios, Música, Arquitectura, Arte y Planificación, Ingeniería y Ciencias Aplicadas, Derecho y Medicina, entre otras. Ahí Saville obtuvo una beca de 6 meses en estudios sobre la mujer (Wikipedia, 2021).

Slade School of Fine Art

Fundada en 1868 en Londres, incluye en su programa estudios en fotografía, arquitectura, sonido y vídeo, entre otros.

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También tenemos que hacer un trabajo durante Semana Santa. Tenemos que hacer grupos de 3-4 personas para investigar un período de la historia de la educación artística occidental. De momento estoy en el grupo de la investigación de la educación artística en Grecia con Sarah Serrano. No se ha unido nadie más.

Tenemos que usar como referencia los textos que se han subido al Campus Virtual de Efland y Belver, además de otras fuentes que consideremos relevantes.

[acecuadernodebitacora]

18/03/2021

Apuntes de clase

EL ARTISTA COMO EDUCADOR

¿Quién o qué es un artista?

Un artista es quien hace lo que hoy en día llamamos arte.

Arte: El arte es una forma de estar en el mundo, de pensar. El arte es una forma de creación necesaria y única del ser humano que se utiliza para expresar inquietudes positivas o negativas como una especie de bienestar propio e incluso de desarrollo meritorio. O bien aquello que las grandes autoridades artísticas declaran como artístico (mercado, esferas museísticas, críticos, coleccionistas). El arte debe tener la intención de problematizar las diferentes cuestiones que nos afectan en el mundo y señalarlas creando espacios donde observarlos y/o hablar de ellos. El artista tiene como labor la construcción y experimentación estética en base a su momento contemporáneo.

¿Quién o qué es un educador?

Un educador es quien educa.

Educación: Educar es enseñar. Es la cualidad en el ser humano que se desarrolla gracias a causas externas como referencias en otras personas y se puede informar directamente a través de la palabra o de forma indirecta a partir de la práctica. Nos ayuda a desarrollar nuestras capacidades.

La educación es una acción y un proceso intencional, continuo y sistemático de perfeccionamiento de la persona en cualquiera de sus dimensiones (intelectual, física, estética, social, profesional, ética...).

¿Qué es educar?

Educare: criar, nutrir, alimentar.

Ex-ducare: extraer, sacar, hacer salir.

Educación directa: Modelos de copia de otras imágenes.

Educación no directa: Estimular, vivir el proceso de creación y/o aprendizaje.

Educar:

Dirigir, encaminar, doctrinar.

Desarrollar o perfeccionar las facultades intelectuales y morales del niño o del joven por medio de preceptos, ejercicios, etc.

Enseñar:

Instruir, doctrinar, amaestrar con reglas o preceptos.

Dar advertencia, ejemplo o escarmiento que sirva de experiencia y guía para obrar en lo sucesivo.

Pedagogía:

Ciencia que se ocupa de la educación y la enseñanza.

Didáctica:

Perteneciente o relativo a la enseñanza.

Propio, adecuado para enseñar o instruir.

¿Quién educa y hace arte?

Educador/a artístico/a

Artista educador/a

Arteducador/a

Art educator

¿Qué es la educación artística?

Grandes clásicos de la educación artística:

Friedrich Schiller (1759-1805).

¿Cómo hacemos que el ser humano sea noble y racional?

La belleza surge del juego, lo único en lo que el ser humano es libre.

Hombre moral: equilibrio entre lo moral y lo sensible.

John Dewey (1859-1952).

El conocimiento viene de la experiencia.

Educación progresista vs. educación como preparación, adiestramiento o formación. Escuela como medio para reconstruir el orden social.

Educador/a como guía, orientador de las/os alumnos.

No hay un único método posible, si lo hubiese no valoraríamos las diferencias en el proceso y, por lo tanto, no actuaríamos de forma inteligente.

Necesidad de partir de intereses y experiencias del estudiante.

Herbert Read (1893-1968).

El arte como base de la educación porque es integral, fomenta el crecimiento personal y la integración en la sociedad.

El arte potencia las cuatro funciones principales de los procesos mentales: pensamiento, sentimiento, sensación e intuición.

Lev Vigotski (1896-1934).

Se aprende por la interacción social, interiorizando la cultura ajena al sujeto pero propia de la sociedad a la que pertenece.

Actividad creadora como proyección hacia el futuro.

Juego = Creación.

Arte como vehículo para adquirir un nuevo lenguaje y poder expresar más cosas.

Carl R. Rogers (1902-1987).

No directividad.

La libertad favorece el desarrollo.

Importancia de la empatía, la autenticidad y la confianza.

El niño/a como protagonista de la enseñanza.

Viktor Lowenfeld (1903-1960).

Importancia del área artística desde infantil a secundaria.

El arte como actividad dinámica y unificadora, hace que el niño reúna elementos para crear un conjunto con un nuevo significado.

Lo importante es que el niño dibuje, no el qué.

Bodgan Suchodolsi (1903-1992).

Preocupación por la educación que necesitamos para el futuro que queremos.

El arte aporta imaginación, expresión, comunicación y creatividad para que haya educación y no instrucción.

La imaginación como algo necesario para la vida mental.

La creatividad y el acto de creación como algo cotidiano, no inusual y de genios.

Rudolf Arnheim (1904-2007).

El arte como medio de realización personal, para el desarrollo del amor, el interés, la comprensión, la creación, el anhelo, la espera...

La necesidad de producir y percibir del ser humano.

Arno Stern (1924-).

Estudia la expresión infantil.

Educar para consumir vs. educar para crear.

Expresión como medio para crear mundos mejores y personales.

No hay expresión sin libertad.

Jacques Rancière (1940-).

La emancipación intelectual como objeto de la educación vs. docentes que viven de la diferencia de conocimiento entre ellas/os y los/as discentes.

Howard Gardner (1943-).

Inteligencias múltiples.

Afinidad entre el niño pequeño y el artista adulto.

La creatividad como recurso necesario para que las sociedades avancen.

G. James Daichendt (1975-).

Los profesores de arte deberían ser productores de arte.

Revisa la historia de la enseñanza del arte.

Autoras en arte y educación:

Ana Mae Barbosa (1936-).

Primera doctora en Educación artística en Brasil.

Investigación sobre la educación en los museos.

Basa su metodología en tres ideas: contextualización histórica, quehacer artístico y apreciación artística.

Marian Caro (1964-).

El arte tiene un potencial sanador para quienes han vivido y tienen situaciones de trauma.

Revisión de los museos desde el feminismo.

María Acaso (1970-).

El sistema educativo está obsoleto y transmite ideología machista, racista, heteronormativa...

El arte debe usarse como herramienta educativa porque fomenta el pensamiento divergente, el placer en el proceso y el trabajo colaborativo.

La educación es un acto creativo y cultural.

Otras referencias:

Efland, Freeman y Sturk: Educación artística posmoderna.

Eisner: Educación artística como disciplina.

Roser Calaf y Olaia Fontal: Educación patrimonial.

Ricardo Martín, Carlos Escaño y Joaquín Roldán: arteinvestigación.

Manuel H. Belver y Ana Ullán: Arte en contextos de salud.

Uso esencialista del arte: Usar el arte para enseñar sobre arte. Uso instrumentalista del arte: Usar el arte para transmitir otros valores y conocimientos.

Proyectos en arte y educación: El arte como educación - La educación como arte.

El arte como educación

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Durante la clase hemos hecho una actividad en grupos, en la que teníamos que intentar definir los conceptos de educar, enseñar, pedagogía y didáctica. Esta es la conclusión a la que llegamos en mi grupo:

Educar/enseñar: Lo puede realizar cualquier persona, consiste en aportar una serie de conocimientos y habilidades. Se puede hacer en cualquier ámbito. Se puede usar como término paraguas que engloba otras formas de enseñar.

Pedagogía/didáctica: Se siguen unas normas, se relaciona con instituciones, colegios, etc., donde se tienen que seguir unas pautas para aportar conocimientos.

Escribimos las definiciones en dos bloques, aunque en el momento de poner las respuestas en común nos dimos cuenta de que lo que se pedía era definir cada palabra por separado.

[acecuadernodebitacora]

18/03/2021

ESTEREOTIPOS

Artista

Imagen: Pablo Picasso (1881-1973).

He escogido esta imagen porque creo que, fuera del ámbito artístico, la mayoría de las personas tienen una idea del arte que sigue estando muy centrada en la idea del artista como genio y del arte como algo "elevado"; de hecho, muchas personas menosprecian el arte contemporáneo diciendo que "no es arte", teniendo en mente una idea del arte como aquellas prácticas que se hacían antes de las vanguardias del siglo XX.

Educador

He elegido esta imagen porque creo que la mayoría de las personas, yo incluida, cuando pensamos en quién enseña lo primero que pensamos es en un profesor de colegio o instituto. Si bien es cierto que la educación puede venir de muchas partes, como la familia, amigos, actividades culturales, etc., la imagen del profesor de instituto es la primera que viene a la cabeza cuando pensamos en un educador.

Artista y educador

Imagen: Joseph Beuys (1921-1986), Cómo explicar arte a una liebre muerta (1965).

He elegido esta imagen porque considero que una persona que al mismo tiempo sea artista y educadora sabe cómo sacar el máximo partido a ambas prácticas haciendo que ambas se complementen. Así, un artista educador incorporaría la docencia a su práctica artística y, al mismo tiempo, aprovecharía sus conocimientos sobre arte para aplicarlos a su actividad como docente.

[acecuadernodebitacora]

11/03/2021

Hoy hemos estado exponiendo nuestros artistas y educadores de referencia. La clase ha sido en el jardín de la facultad, y la verdad es que ha estado muy bien. Hacía buen tiempo, y se agradece poder estar tomando el aire en vez de estar en un espacio cerrado. Nos sentamos formando un círculo, y fuimos colocando las imágenes en el centro, ordenándolas cronológicamente. Al final de la clase hicimos unos minutos de relajación.

Actividad:

Para la semana que viene tenemos que preparar tres imágenes con tres estereotipos:

El de artista.

El de educador.

El de alguien que haga las dos cosas.

Pueden ser imágenes de todo tipo: de Internet, montajes, fotos nuestras...

[acecuadernodebitacora]

Parece que han aceptado la publicación original, y al final puede quedarse visible de forma pública. Conservaré esta segunda presentación de todos modos, como recordatorio de lo que ha pasado y de lo poco fiable que son los algoritmos de este tipo para establecer qué imágenes son "apropiadas".

10/03/2021

Artistas y educadora (2)

En la publicación anterior había puesto las imágenes que había usado para el ejercicio de exponer a nuestras artistas y educadora de referencia. Una de las imágenes corresponde a una pintura de un desnudo femenino, por lo que el algoritmo de Tumblr lo ha marcado como contenido inapropiado, y ha ocultado la publicación. Ya he solicitado una revisión del post, ya que se supone que el desnudo con fines artísticos está permitido en la plataforma, aunque es cierto que el algoritmo que clasifica las imágenes como apropiadas o inapropiadas puede fallar. No caí en la cuenta al crear un blog en este sitio web que desde hace unos años se ocultaron todas las publicaciones que se consideraban como contenido para adultos, por lo que debo tener cuidado con las cosas que publico.

Dicho esto, aquí están mis imágenes de referencia:

Jenny Saville (1970). Plan, 1993. Se puede visualizar en https://www.mutualart.com/Artwork/Plan/AF985678C97F2709

Rosa Bonheur (1822-1899). El Cid, 1879.

Natalie Wynn "ContraPoints" (1988).