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Artist Statement

Being a student does not invalidate talent. Using daily life as your muse does not either. Photography can be a way of survival, I know it is for me and has been for some years now. There are stories meant to be told, and I always describe my job as 'storyteller' because I see art from that perspective. I focus on the things that happen around me and inside me, sometimes even in other people. I am amused beyond words by anyone who allows themselves to feel. I tell stories through feeling, and I have never felt more alive.

My photography reflects me, but also all of you. What you see in it tells you who you are. I am a student from Montevideo, learning to live alone among old houses and old people and lots of museums and interesting stories time is beggining to fade. My mission is to make them eternal and I am thankful for that.

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Primer proyecto

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Fer Pineirua

Me gusta ver mujeres artistas. Me gusta ver mujeres llenas de vida y pasión siendo libremente ellas. Fer Pineirua es una de estas mujeres.

Sus palabras dan esperanza a todos aquellos que por vocación emprendimos este viaje dentro del universo audiovisual y planeamos continuar dicho camino en un futuro.

Nos enseñó acerca de cómo dentro del arte vio posible unir disfrute y trabajo junto con sus múltiples facetas creativas; vj, muralista, diseñadora gráfica, etc... Realmente una musa inspiradora para cualquier joven o no tanto que esté pensando en abrirse un lugar dentro de este mundo que ha probado ya muchas veces ser más vasto de lo que pensamos.

Me hice fan por sobre todos sus demás proyectos de sus ilustraciones/pinturas, cuyas fotos son las que adornan esta entrada, pero quiero destacar el increíble trabajo que hace (y que nos mostró) como vj.

Personalmente me sorprendió mucho la cantidad de herramientas digitales que a lo mejor tenemos a nuestro alcance y no nos damos cuenta, que podrían estar ayudándonos a aprovechar al máximo nuestro potencial como futuros creadores de contenido. Fue inspirador verla realizar visuales para nosotros en el acto, e invita a intentarlo, a experimentar y a buscarnos a nosotros mismos, a quiénes muy probablemente no conozcamos del todo todavía ( si es que algún día lo haremos realmente).

Gracias Fer por visitarnos y permitirnos finalizar este semestre de la mejor manera, llenos de ganas de seguir conociendo, descubriendo y ahora más motivados que nunca a HACER.

-Juliette

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Casablanca

“The perfect love story”

Así catalogó la crítica a esta película, al sacrificio del amor por amor. Representando tal vez el ideal de pasión, romance y entrega que necesitamos ver de vez en cuando para no dejar de buscarlo para nosotros mismos.

Existe esa dosis mínima imprescindible de tragedia en todo esto, pero que forma parte de la realidad humana que representa, en un contexto social de conflicto externo que se interpone entre los amantes.

Creo que el aspecto más increíble de este largometraje yace en la abnegación casi heroica de estos amantes, al renunciar al amor por el bien común. El mensaje continúa con fuerza aún ahora, con una historia que se ha trascendido al tiempo, enemigo de tantos, pero que no logra apagar la luz de Casablanca.

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JOKER (presentación 04/11)

Joker, o la historia de un “villano” con el que lograron hacernos empatizar.

No sólo vi esta película, tenía vistas las demás apariciones cinematográficas del archienemigo de Batman, tanto las versiones live action como las animadas. Acudí también al conversatorio que tuvo lugar en la UCU la semana pasada, y he leído muchísimo sobre este personaje. Podría catalogarlo como un favorito. Fue por esto tal vez que decidí enfocar mi presentación en esto, e intentar desmembrar ciertos tópicos que merodean alrededor del concepto del Joker.

El anuncio de esta nueva película conmocionó al mundo del cine, no sólo por su director sino por la noticia de que sería enviada a festivales de cine en la búsqueda de conseguir un lugar en los Oscars. Sí, una película de superhéroes en los festivales de cine. DC comics compitiendo por un premio de la academia en 2020.

La primera impresión de cualquiera sería pensar que no tiene sentido, normalmente este tipo de películas suelen ser únicamente taquilleras, y su propósito y enfoque no pasa mucho más allá de eso. Pero este Joker trasciende. Joaquín Phoenix logra canalizar una personalidad fílmica excelente y demuestra, con un gran equipo de dirección atrás, que es posible transformar a un simple payaso de los cómics en una revolución.

Todos somos payasos. Con eso comienza la crítica sociopolítica escondida (pero no tanto) en esta historia. En el contexto de una ciudad gótica (Gotham) en crisis, con hambre y deseo de anarquía, en plenas elecciones para alcalde surgen dos figuras: la del candidato millonario Thomas Wayne, y el desgraciado Arthur Fleck, un payaso a sueldo.

El conflicto gira en torno al transtorno neurológico de Arthur, que lo lleva a reírse a carcajadas de forma imprevista en momentos innecesarios. Pero detrás de esto se esconde una entramada red de sucesos que lo presentan como un alma desolada y destruída, corrompida por aquellos que compartieron su pasado. Dicho transtorno y sus vivencias en esta ciudad que no hace más que romperle la otra pierna al que consigue bastón, lo destruyen. Es ahí, en ese preciso instante, cuando comienza a matar de forma consciente; en el que nos damos cuenta de que no hay vuelta atrás, y que ese pobre diablo ha pasado a ser un monstruo.

Existen varios aspectos a tener en cuenta que agregan a la genialidad de este largometraje, completamente digno de su León de Oro a mejor película en Venecia.

Primero que nada esa nueva forma de ver al villano, muy popular en los últimos años: tendemos a comprenderlos, a sentir no odio sino empatía, queremos justificarlos y no sólo perdonarlos sino en ocasiones también estar de acuerdo. Este Joker lo logra de manera perfecta. La visualización que se le otorga a las enfermedades mentales en esta película es brillante, y también un aspecto clave a tener en cuenta para la correcta comprensión del largometraje  y de este párrafo.

“The worst part about having a mental illness is people expect you to behave as if you don´t”

Traducido: la peor parte de tener una enfremedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras.

Profundo, y desde la experiencia puedo decir que es muy difícil luchar contra esta realidad. Tomo una frase del joker anterior “Madness, as you know, is a lot like gravity, all it takes is a little push” - “La demencia, como la conoces, es bastante parecida a la gravedad, todo lo que se necesita es un empujón”. Y ahí está la clave de lo que (creo) intenta comunicar esta película con mayor profundidad.

Como complemento a la carga social que posee el argumento y por ende el guión, considero necesario mencionar también la fotografía y el soundtrack.

La primera, excelente como puede ser, comunica todo con cada toma. Existe incluso un paralelismo psicocósmico si se quiere con las situaciones y la mente del protagonista, que así de transtornada como está esta última, también lo está la pantalla en todo momento. De manera brillante observamos la corrupción de un alma, el sufrimiento y la locura. No lo puedo explicar con palabras, así que me tomé el trabajo de buscar las imágenes de las escenas que pienso representan mejor lo que quiero expresar:

1- La “danza” en el baño: movimientos de tai chi en un momento de catarsis

2- Gotham según Todd Philips

3- Un inicio abrupto y desolador

4- Los colores en contraposición a la expresión y la personalidad

5- “Pon una cara feliz”

6- Un guiño a la entrega anterior del joker, con Heath Ledger como actor

7- Nuevamente, el color y la expresión, en contrariedad

8- Por último pero no por eso menos importante, la escena final de Arthur ya convertido totalmente en el Joker. Baila en las escaleras, rumbo a cometer un asesinato en un programa de TV al aire, ya nada importa, es libre, es él

Como mencioné, el soundtrack también juega un papel fundamental. Está subido a Spotify el álbum completo con todos los tracks que acompañan cada escena musicalizada, pero dejo un ejemplo para ayudar a la rápida comprensión de la genialidad detrás de esta obra de arte:

https://open.spotify.com/track/4WiqPbWvLbv317E8fB4SJC

Ese track acompaña la escena de danza en el baño, en mi opinión, la mejor de la película.

Me es difícil finalizar este texto de forma conscisa y perfecta, para que nada quede en el aire y las ideas queden palpables en cada lector, pero encontré un artículo en filmschoolrejects.com en el cual charlan con el cinematógrafo Lawrence Sher.

Cito:

“It’s Taxi Driver and Death Wish cranked to 11 and then boiled into crack cocaine. Here is hell on earth, and it is the perfect distillation for how many people are feeling in 2019 (...) Joker is an ugly parade of sorrow through the mind of Arthur Fleck, leading its audience to empathize with a character most would actively avoid in daily life and a few want to be explored in their fiction. The film is spewed from one idea of Gotham and the lowly creatures that troll its streets. Sher and Phillips welcome the dread of a city on the verge of chaos and in desperate need of a dark night avenger.”

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La libertad es una palabra grande

Pertenecemos a un mundo turbulento, somos peones en un juego del cual nos robaron el control remoto, o que a lo mejor nunca nos lo dieron. Nos hablan de libertad, de democracia, de filantropía y solidaridad. Nos hablan de humanismo y de valores sociales; nos hablan palabras bellas a la cara y por la espalda intercambian hombres ante la posibilidad de un negocio de naranjas.

Nuestro país en particular hizo un trato involucrando vidas humanas, que dicho así suena muy crudo, pero es la realidad. Publicitamos una tierra neutra y comprensiva, somos buenísimos... hasta que se nos presenta lo diferente.

La libertad es una palabra grande, sin dudas, y los prejuicios demasiado tangibles en nuestra sociedad particular. Este documental duele, nos hace darnos vergüenza, y es eso exactamente lo que deberíamos sentir. Porque somos basura en muchos aspectos, pero pecamos también de ignorantes al no darnos cuenta y preferir creer que estamos en lo correcto, adoptando posturas en la desinformación y el prejuicio de forma a veces inconsciente. Es parte implícita de la sociedad que habitamos, aunque más que eso, la sociedad que nos habita.

Más que una crítica o un mero documental, este largometraje es un espejo del uruguayo actual. Es hora de replanearnos nuestro discurso inclusivo y comenzar a vivirlo, porque no se vive únicamente de palabras.

-Juliette

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Guión: “Vecina”

-Juliette

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Citizen Kane

Poder. Dinero. América. Citizen Kane.

La reconstrucción de un hombre a quién todos conocen, pero que simultáneamente nadie conoce. Una muestra de lo enfermo detrás del consumismo por vanidad. Un coleccionista por necesidad de sentirse dueño.

Charles Foster Kane según Orson Welles se adelantó a su tiempo cinematográficamente, moralmente, humanamente... ¿quién estaba listo para un retrato tan honestamente brutal?

Es difícil escribir sobre esta película después de que el mismísimo Borges lo haya hecho, así que prefiero dejar un poco de sus palabras que mejor que las mías logran describir mis propios pensamientos... ironía o no, es cierto.

“Todos  sabemos que una fiesta, un palacio, una gran empresa, un almuerzo de  escritores o periodistas, un ambiente cordial de franca y espontánea  camaradería, son esencialmente horrorosos; Citizen Kane es el primer  film que los muestra con alguna conciencia de esa verdad.

La  ejecución es digna, en general, del vasto argumento.  Hay fotografías de admirable  profundidad, fotografías cuyos últimos planos (como las telas de los  prerrafaelistas) no son menos precisos y puntuales que los primeros.

Me  atrevo a sospechar, sin embargo, que Citizen Kane perdurará como "perduran" ciertos films de Griffith o de Pudovkin, cuyo valor  histórico nadie niega, pero que nadie se resigna a rever. Adolece de  gigantismo, de pedantería, de tedio. No es inteligente, es genial: en el  sentido más nocturno y más alemán de esta mala palabra.”

Jorge Luis Borges - Revista Sur Nº 83, agosto de 1941.-

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City Lights

De repente las palabras no son suficientes. Algo en mi interior se quebró, o a lo mejor sentí las piezas de algo ya roto volver a encajar en su lugar. Es difícil describir algo tan puro.

Chaplin no sólo utiliza humor sano para entretener a su audiencia en este filme, sino que logra que nos enamoremos del amor. El arco argumental de ambos protagonistas es simplemente hermoso; ese encuentro casual, el proceso de conocerse, el sacrificio en silencio, la separación y el reencuentro mágico que todos estábamos esperando - que supo llegar de la mejor manera- .

No podemos permitirnos olvidar la escencia detrás de amar, de besar y abrazar por amor. No concibo cómo en tan pocos minutos Chaplin logra tanto y tan bien. El mundo ya no consume historias de amor como esta, ya no interesan tanto. El mundo comete un error. Es tan fácil hacer una película hoy en día comparado a la primera mitad del siglo XX que cualquiera lo logra, y plasman en la pantalla entretenimiento carente de contenido, carente de ese sentimiento de entrega a lo que se quiere transmitir (si es que se detienen a pensar en siquiera transmitir algo).

Por eso agradezco la idea de revivir las raíces del cine mediante este pequeño proyecto de clase; para no perdernos entre la masa que busca opacarlo, para no impresionarnos ante cualquier película y lograr agudizar nuestra naturaleza crítica.

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El país sin indios

Identidad: circunstancia de ser una persona o cosa en concreto y no otra, determinada por un conjunto de rasgos o características que la diferencian de otras.

Me quedo con ese “ser una persona y no otra” ... ¿Dónde se dibuja esa línea? ¿Quién la dibuja? ¿Cuándo dejo de ser yo para ser alguien más?

Muchas veces no lo sabemos ni nosotros mismos. Nadie nace seguro de quién es, algunos lo descubren y lo aceptan, otros lo niegan, el resto siquiera llega a descubrirlo.

En esta película, ambos directores se embarcan en un viaje hacia el conocimiento de la verdad acerca de la identidad indígena de nuestro país. Toda mi vida crecí con la idea de que los habían exterminado a todos, que ya no quedaba nadie y que toda esa cultura había desaparecido con la conquista. Resulta que para nada es así, y que estuvimos negando todo este tiempo a una comunidad más grande de lo que podríamos llegar a imaginar, que vive entre nosotros, con nosotros.

Este tipo de documentales buscan siempre la reflexión del espectador, pero en “El país sin indios” logran ir más allá para adentrarse al cuestionamiento del ser, de las costumbres y de lo que decimos conocer. Nos muestran la otra cara de nuestra propia moneda, que estuvimos ignorando... pero ya no más.

A partir de esta producción se abren muchas puertas hacia la mejoría del relacionamiento humano en nuestra sociedad. Ya nos dieron todas las herramientas necesarias para producir un cambio, queda en nuestras manos el sacarle provecho. Es delicado tocar estos temas, son heridas aún sensibles y el mínimo paso en falso culminaría en más separación de la existente.

Considero que como uruguayos todos deberíamos buscar en nuestra conciencia la capacidad de reinicio, para transformar nuestros errores en oportunidades. Para unirnos no sólo entre los de siempre, sino también con aquellos a quiénes creíamos parte de una historia antigua.

-Juliette

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Sunrise: a song of two humans

No concibo manera más adecuada de comenzar el análisis de semejante romance como el presentado en “Amanecer”, que con una cita de Oscar Wilde.

“Guarda el amor en tu corazón. Una vida sin amor es como un jardín sin flores ni sol. La conciencia de amar y ser amado le confiere a la vida un calor y una riqueza que ninguna otra cosa puede proporcionar”

Partiendo de una idea tan hermosa como utópica de lo que se considera vivir el amor como tal, nos ubicamos temporalmente hace ya casi un siglo atrás para observar a la pareja protagonista de la película, y sentir con ellos. Se inicia el proceso de inmersión en estereotipos de época, en sus formas y sentires, mientras atravesamos una estructura dramática de hilado fino y sencillo que lo muestra todo en 90 minutos.

Muchas veces las personas que consumimos cine de manera casi pretenciosa, olvidamos apreciar la belleza de aquello que conmueve desde lo básico y lo transforma en perfecto. Me sucedió con “Amanecer”, que con el típico marido infiel y su esposa sumisa, sin colores ni diálogo, me sacudió desde adentro. Busca un mensaje directo sobre los conflictos internos del humbre y su lucha contra la más pura naturaleza animal humana, acerca del amor romántico y sus múltiples grises... nos habla a nosotros hombres y mujeres que decimos amar.

Creo en la importancia del cuestionamiento y la reflexión, creo en el arte más allá del entretenimiento o la estética. Creo que aprender a amar es algo muy difícil.

¿Cuántos de nosotros nos planteamos cuestiones como el concepto de amor de manera seria e incursionamos en la búsqueda de respuestas? Solemos ser simples consumidores de clichés, meros espectadores de la vida de los otros. Películas como esta nos lo dan todo, lo que esperamos ver en ese final feliz, pero también el dote de realidad impregnado de engaños,remordimientos, que no pueden pasar desapercibidos como algo negativo a solucionar para evitar daños; para cuidar eso tan hermoso que sentimos al entregarnos a nuestros sentimientos, a nuestras “mariposas”.

Ver la continuidad de errores de 1927 en el presente se materializa en un temible espejo que muestra lo errados que estamos como especie al afirmar una evolución para mejor en las relaciones interpersonales. Más allá del amor y el romance, más allá de la infidelidad y lo trágico en esa esposa triste y un hombre siempre impune, más allá está la imagen de la mujer.

2 personajes femeninos en la película: la esposa y la amante, ambas presas de enamoramientos muy distintos pero correspondientes al mismo hombre. Representaciones de algo palpable en nuestra sociedad heteropatriarcal que consumida por el machismo no permite a una mujer ser otra cosa que una bruja malvada por amar a un hombre casado por un lado, ni valerse por si misma y abandonar al infiel en el otro. Nadie piensa en el hombre como otra cosa que no sea un pobre diablo confundido, y ahí entra el error de la romantización de sus acciones. No existe nada romántico en engañar a una esposa fiel y el abandono de una familia que nos ama. No existe nada romántico en el intento de homicidio así como tampoco hay heroísmo en el regreso arrepentido y la luna de miel. Son todas acciones que minimizan el sentir de esa esposa, que le quitan el poder de decisión y su independencia e individualismo.

Las mujeres no somos un objeto, no somos una mascota. No somos la decoración de la casa, no somos la herramienta de placer del hombre. Tampoco somos un carga... no somos otra cosa que personas sintientes y pensantes.

Con eso dicho, cierro esperando que películas como esta nos despierten, y en ese abrir de ojos hallemos el verdadero romance, aquel que no duele.

-Juliette

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Los tiburones

El día viernes 8 de agosto nos visitó Lucía Garibaldi, la directora de la película “Tiburones”. Esperé a poder ver tambien la última película de Tarantino “Once Upon a Time in Hollywood” porque surgió en la charla un tema muy interesante y que me gustaría desarrollar; se trata de la clasificación del cine entre masculino y femenino. Nunca antes en mi vida se me había ocurrido pensarlo, y siendo que crecí en una época en la cual el género se vuelve cada vez más insignificante y relativo, a lo mejor jamás en un futuro se me ocurriría pensarlo tampoco.

Pero sucedió, y me resultó sumamente interesante como si analizado de cierta forma, si es posible esa clasificación, y como la crítica que surge de una producción cinematográfica masculina es totalmente distinta a la de una de carácter femenino. Hombres en disgusto con “Tiburones” por tener una mirada muy femenina, comentarios de “no todos somos así” que nosotras mujeres estamos hartas de escuchar. Existe tanta generalización, sexualización y estereotipos de la mujer en el cine “masculino” la cual rara vez es cuestionada, pero la mínima dosis de esa medicina hacia los hombres y todo se vuelve caótico.

Es difícil ser artista, más difícil es ser una mujer artista; pero Lucía demostró que incluso desde Uruguay, respondiendo preguntas absurdas que sólo a una mujer le preguntarían (¿te resultó difícil haceresta película por ser mujer? etc), igual resulta posible y asombroso hacer un arte tan maravilloso como es el cine y no perecer en el trayecto.

Nos regala “Tiburones”, una historia increíble en su simpleza y honestidad. Es difícil para mi ser objetiva en algunos aspectos debido a que tengo una gran cantidad de recuerdos personales muy lindos en Piriápolis, y ya el hecho de ver en la película los lugares en los cuales yo fui esa nena con cara de amargada y el pelo sin peinar, ocupando mi verano en llamarle la atención a un muchacho, me desbloquea emociones que había a lo mejor olvidado levemente.

Juega con la vida de la temprana adolescencia, cuando todo empieza a cobrar un nuevo sentido para nosotros y nos damos cuenta de que todo es demasiado complejo para nuestras mentes y cuerpos aún inmaduros. La protagonista representa todo eso, y tal como dijo Lucía, la actriz seleccionada para el papel lo refleja perfectamente.

Muestra también costumbres uruguayas, la vida en la costa, nuestra costa. Ahí aparecen los infames tiburones, que nadie sabe todavía si eran simplemente una amenaza o realmente estaban ocultos en el agua, devorando los peces que los pescadores tanto necesitaban. Gracias a esa incertidumbre es que el final queda abierto a la imaginación o percepción del espectador. Todos tenemos una interpretación diferente de lo que sucede en el océano y entonces no sabemos si Rosina en acto de venganza envía a Joselo a perecer a merced de los tiburones o simplemente le juega una broma pesada para obligarlo a sufrir un poco mientras recupera su embarcación. También podría ser tomado de manera más metafórica y pensarse que así como ella trajo a los tiburones con su advertencia, se ocupa de llevárselos de vuelta a lo profundo del océano.

La lata de guaraná al final resulta en la cúspide de esa rebeldía preadolescente que en su inocencia busca ser peligrosa, y no hay nada más poéticamente emocionante que eso, porque estuvimos ahí en algún momento de nuestras vidas, escribiendo “putos” en la arena esperando que el resto viera lo enojados que estábamos.

-Juliette

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Las hormigas

Hormigas rojas, hormigas  negras. En el jardín de aquella anciana, Mabel supuestamente, habían muchas hormigas. Todo por los tomates, por las hojas de los tomates, aquellos deliciosos, brillantes y jugosos tomates.

Nunca faltaban en el jardín, que era mitad huerta y que Mabel cuidaba muy bien, pero que por alguna razón no protegía de las hormigas. Y ellas aprovechaban, y en grupos invadían ese espacio verde casi paradisíaco y se llevaban todo cuanto su cuerpo pudiese cragar, que no es poco, las hormigas soportan hasta 20 veces su peso. Comenzaban en la mañana, después de que la anciana regaba las plantas y tiraba el abono que había preparado el día anterior.

Cuando ella entraba a la casa y se disponía al desayuno, cuando se sentía el olor a bizcochuelo y la ventana liberaba el vapor del café, ahí se producía el saqueo. Temblaban los tallos mientras las hojas eran despedazadas de a poco, y las verduras lloraban la pérdida de su buen aspecto. Ay de los tomates, los pobres tomates... eran el postre, y ninguna hormiga pasaba por alto el postre.

Así era siempre, y Mabel nunca tomaba medidas de protección, simplemente regaba y esparcía el abono; agua y abono, agua y abono, eso era todo.

Una vez cada tanto las hormigas se reunían en el hueco grande debajo del sauce Ernesto, aquel que había en el fondo, aquel al que nadie le prestaba atención desde que se plantaron los malvones en el jardín.

En esas reuniones decidían los grupos de saqueo, los horarios, se organizaban. No era fácil, las hormigas rojas eran un tipo difícil, muy arrogante y con pocas pulgas. La última vez que se reunieron la discusión se puso muy violenta, las rojas estaban cansadas de los tomates, además los de esta temporada no estaban recibiendo tan buen abono; querían saquear la casa, querían bizcochuelo: ese bien dulce que Mabel cocinaba para el desayuno. Las hormigas negras advirtieron que sería peligroso y de muy mala educación, la pobre anciana les dejaba total libertad sobre su huerta, que terrible sería invadirle la casa. Pero las hormigas rojas nunca obedecían a las demás, sus decisiones siempre eran las mejores, incuestionables.

Así que al día siguiente se metieron a la casa, por la rendija de la ventana del café, se escondieron atrás de la tostadora y esperaron allí a que le bizcochuelo saliera del horno. En cuanto la anciana se distrajo buscando un cuchillo para cortarlo, las rojas devoraron cuanto pudieron y se llevaron tanto más. Al volver a donde las negras comenzaron a alardear, pero estas les advirtieron que podría ser peligroso seguir intentándolo.

Aún así, al día siguiente las rojas hicieron lo mismo, pero al ver el bizcocho notaron que la anciana había colocado grajeas rojas de un olor muy penetrante alrededor del plato a modo de decoración. Contentas, comieron todas las grajeas rápidamente para pasar al dulce, pero al poco tiempo una a una comenzaron a desfallecer.

Afuera, en la huerta, las hormigas negras habían encontrado grajeas en el abono; contentas por haber tomado la sabia decisión de no entrar a la casa, se las comieron emocionadas, pensando en lo bondadosa que había sido Mabel por premiar de esta manera tan gentil, su buena conducta.

-Juliette

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“Balance” (sinopsis)

Este corto presenta a 5 hombres de pie sobre una plataforma suspendida en el aire, la cual cuenta con un eje de equilibrio en el medio. Dichos hombres mantienen una secuencia de movimientos tales que permiten la quietud de la plataforma en posición horizontal, buscando entre todos no caer al vacío. Un mínimo movimiento en falso y dicho equilibrio se vería interrumpido.

Sucede entonces que una especie de baúl misterioso se hace presente en la plataforma y el instinto curioso de los hombres surge de inmediato. Este evento desencadenará una serie de movimientos que pondrán en riesgo el equilibrio en el que venían existiendo hasta entonces, y la situación se les “escapará de las manos”.

Balance da lugar a muchísimas refelxiones dependiendo del enfoque filosófico que se tome para analizarlo, pero lo que tendrán en común todas esas visiones es una cosa: el hombre es su propio peor enemigo.

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El mundo entero es una Bauhaus

Este mes se abrieron las puertas del Museo Blanes de Montevideo a una exposición muy completa e interesante sobre la primera escuela de diseño del mundo.

Judíos, comunistas, mujeres... vanguardistas fundiendo arte con artesanía, estableciendo una estética totalmente nueva, logrando que por primera vez el diseño gráfico e industrial fueran considerados profesiones. Todo esto en el período de entreguerras.

“ Sólo hicieron falta unos años (de 1919 a 1933) para que la Bauhaus (nombre derivado de la unión de las palabras en alemán “Bau”: construcción y “Haus”: casa) superara la función de cualquier centro de enseñanza y se convirtiera no sólo en la primera escuela de diseño del s. XX sino en todo un movimiento artístico que se convirtió en todo un referente internacional de la arquitectura, el arte y el diseño. Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida oficialmente como la Staatliches Bauhaus («Casa de la Construcción Estatal»). “

extracto de: www.cultier.es

Partiendo de la convicción de que “la forma sigue a la función”, la escuela se transformó en sinónimo de modernidad, colores primarios, nuevas concepciones del espacio y de la forma e integración de las artes.

Del propio manifiesto de la Bauhaus es posible extraer sus objetivos de forma muy clara:

“La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.

Allí se aprendía trabajando y los alumnos salían con una formación muy completa. Se concebía al arte como una respuesta a las necesidades de la sociedad y con el tiempo crearon sus propios métodos.

Lamentablemente, los nazis ordenaron su cierre en 1933 para eliminar cualquier rastro de “cosmopolitismo judío” y de arte “decadente y bolchevique”, pero el boomerang de la vida se dio cuenta de que valía la pena traer a la Bauhaus de nuevo y sacarla del olvido. Así es como hoy, en pleno julio de 2019 el mundo tiene una nueva chance de apreciar la magnificencia del ingenio y talento de cada una de las personas que formaron parte del movimiento.

Resulta fascinante lo adelantados que estuvieron a su tiempo. Mientras se camina por los pasillos del museo, apreciando sobre todo sillas o elementos de “uso diario” como calderas o lámparas, uno puede darse cuenta de que esos mismos modelos o con ligeras variaciones son los que utilizamos en nuestros hogares 100 años después, y los catalogamos de modernos y novedosos.

Literalmente visionarios, creadores de un modelo que no será olvidado y que continuará evolucionando e inspirando a generaciones de nuevos artistas.

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Sinopsis a partir de fotos

Hoy Belén estaría cumpliendo veintitrés años, pero la perdió hace veinte, cuando el dinero comenzó a darle órdenes a las armas y Pamela se la tuvo que llevar lejos.

Todavía compra una torta con velas cada diciembre, para no olvidarlas… pero en su mente sólo perdura una imagen borrosa de dos siluetas en la playa, que como sirenas se alejaron mar adentro y nunca volvió a ver… casi como si la desgarradora memoria del momento en que su vida se le deslizó por las  manos hubiese desaparecido.

Aunque sabe que esa mañana hubieron gritos y llantos y una nena que preguntaba ¿qué pasa papá, a dónde vamos? no recuerda su respuesta, sólo está seguro de que estaban pasando un millón de cosas terribles, y que él no pudo ir a ninguna parte.

Belén tenía ojos azules, o verdes… ya no recuerda, eran los ojos de su madre, pero pensar en Pamela le dolía tanto que un día comenzó a olvidarla, y ahora, es sólo una idea tan efímera que se transforma y varía cuando la evoca, en recuerdos que eluden la realidad y se encuentran más allá, en otra parte.

Entre la tragedia y el presente se sucedió una vida, su vida, pero nunca supo qué hacer con ella. Desde entonces es un lobo solitario, que como fantasma de su propio pasado reaparece ante el mundo de vez en cuando, pero sólo para recordarle que sigue ahí.

Él se perdió también en su memoria, como rastro del desastre, como augurio de una pena que ya sucedió, pero parece persistir en forma de un río turbulento que impide continuar el viaje.

Hoy Belén estaría… “feliz cumpleaños”, enuncia Martín sentado a la mesa del comedor, y  la casa lo escucha, y se duerme con él.

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“Feliz cumpleaños” es la historia de Martín (54), un hombre que sufre por la pérdida de su esposa (Pamela, 50) y su hija (Belén, 23), a quiénes tuvo que ver partir en un avión hacia España cuando la dictadura volvió la vida en el Uruguay inhóspita. Desde el fatídico día nunca las volvió a ver, y perdieron el contacto, y las buscó, pero un día se cansó de hacerlo.

A partir de entonces vive entre la soledad y la nostalgia, en una pequeña casa, con un trabajo terriblemente aburrido como gerente de un supermercado, esperando poder jubilarse. Sin  nada mejor que hacer más que aferrarse al pasado, continúa comprando una torta con velas cada diciembre para celebrar el cumpleaños de su hija, una hija de la cual no recuerda bien el rostro.

En este cortometraje se lo presenta sentado en una silla de su comedor, solo y a la luz de unas pocas velas que se ubican en la torta de cumpleaños de su hija. Mientras fuma su cigarro recuerda la playa y las siluetas de las dos mujeres de su vida, felices, siendo una familia. Luego piensa en la tragedia que los separa, y vuelve a su realidad, con un cigarro hecho cenizas, una botella de whisky vacía y lágrimas que recorren su rostro. Cantará feliz cumpleaños una vez más, hasta el año siguiente.

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Se nos pidió escribir una sinopsis tomando dos fotografías al azar como guía argumental. Las mías consistían de una torta de cumpleaños y en una mujer tomada de la mano con una niña pequeña en la playa.

En mi mente aparecieron Pamela, Belén y Martín, y decidí crear una historia de pérdida, con recuerdos y un poco de dolor. El primer escrito que hice se transformó más bien en un cuento corto, por eso decidí escribirlo de nuevo abajo intentando seguir un poco más la línea de sinopsis, en la cual se debe dar cierta información clave para imaginar el cortometraje tal cual como surgió en mi mente. Dichos detalles como las edades y datos objetivos de lugares o elemetos figuran mejor en la segunda versión. Aún así debo admitir que me costó un poco escribir de manera técnica u objetiva porque tiendo a querer darle un cierto tono estético a lo que escribo.

Espero el trabajo esté logrado de todas maneras, y se de a entender lo que quiero transmitir.

Juliette-

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Pasado, presente y futuro

Si tu yo de la infancia estuviese mirando la televisión y alguien aparece para decirle que en 15 años va a conocer al creador de ese programa que tanto disruta de mirar, ¿cómo reaccionaría? Porque honestamente, yo no supe como procesarlo en el momento.

Walter Tournier es poseedor de una extensa filmografía, pero mi vida estuvo especialmente marcada por Los Tatitos y Selkirk. Me gustaban mucho las marionetas y el stop motion (usé esta técnica en proyectos de la escuela inspirada en su trabajo) y por eso también comencé a interesarme en la filmografía animada de Tim Burton. Recuerdo muy bien cada película y a cada personaje. Recuerdo cuestionarme el cómo era posible mover muñecos sin tocarlos, cómo parecían hablar de verdad, cómo todo tenía la misma vida que una película realizada con actores de carne y hueso.

Siempre fui una aficionada al cine y a la música. Pero hace quince años mirar una película no era tan fácil como ahora. Todos los fines de semana había que ir al videoclub a seleccionar muy cuidadosamente la película que queríamos ver, porque hasta el siguiente viernes no íbamos a poder elegir otra. Después teníamos que rezar para que no estuviera muy gastada, sino se trancaba o no se veían bien ciertas escenas.

Con el tiempo y la tecnología determinadas costumbres fueron quedando atrás, pero conocer a Tournier trajo todo eso de vuelta. Volví a ser una nena frente a una tele Sony cuadrada, pesada y enorme con una pantallita de 24 pulgadas y un reproductor de VHS abajo.

La puerta de su casa actuó como túnel del tiempo, y sentarme en su living me resultó absolutamente religioso. Mientras nos hablaba se podía sentir la experiencia y el espíritu creativo emanar de su persona. Amable, humilde e inteligente, al igual que su esposa y compañera cinematográfica, Lala.

No sólo nos respondieron las preguntas que teníamos para hacerles, sino que también nos permitieron visitar el taller y el estudio. Mágico. Es el único adjetivo posible.

La cantidad de trabajo que requiere una obra del calibre Tournier resulta impresionante una vez que se te revela todo el proceso, y podría pensarse como algo hasta triste que nos contara que para proyectos como Selkirk se está 8 años consiguiendo el presupuesto necesario; pero a pesar de todo continúa creando, casi indetenidamente podría decirse.

Alterna entre la animación, la carpintería y su labor como escultor, que es a lo que se dedica actualmente. Estoy muy agradecida de haber tenido la oportunidad de visitarlo, conocerlo e interiorizarme en el trabajo de un uruguayo tan importante para mí como para muchos otros.