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taipeishoegazer · 7 years ago

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SCOTT CORTEZ (OF ASTROBRITE, LOVESLIESCRUSHING, AND MORE) 訪談中譯

原文出處：https://somewherecold.net/2007/09/04/scott-cortez-of-astrobrite-lovesliescrushing-and-more/

By: September 4, 2007 by Brent

翻譯：Taipei Shoegazer

嘿大家好，我們已經等了這個訪談好幾年了。它是值得等待的。Scott Cortez或許是 shoegaze / dreampop 場景中最多產的藝術家。他已經發布了一系列令人眼花繚亂的項目，他們發行了一些廣受好評的CD。顯然地Cortez是一個有著獨特音樂才華的天才，但他也相對默默無聞，只能引起一個小小而忠誠的粉絲群的關注。

那些幸運地聽過Cortez各種音樂化身的人都知道，這個人就是一個天才。下面的評論，沒有大寫，冗長以及卓越的答案，挑戰讀者以一種新的方式思考noisepop，這正是人們期望Scott Cortez根據他的驚人音樂在採訪中回答問題的方法。閱讀，學習，呼吸和享受，Scott Cortez專訪：

# 你是怎麼參與音樂的，具體來說，你是怎麼第一次意識到你想製作 shoegaze / dreampop 類型的音樂？

早在'86年，我就開始用我的Korg合成器製作氛圍樂(atmospheric)。我向不��朋友借了4 tracks（譯註：早期4軌卡式錄音設備）來製作音樂，所以我不得不盡快錄下所有的音樂。開發起來非常困難，但它確實教會了我如何快速錄音。我總是從吉他手那裡借用delay效果器並且也做一些音量Swell和texture。我真的非常喜愛delay效果器和早期的Boss效果器的loop能力（譯註：loop常是Delay效果器附帶功能，可以很快錄下一段RIFF或是段落並且重複播放）。我同時也是一個Bass，而且彈的相當不錯，但是我正在撞牆期。我覺得很無聊所以轉向吉他。

'87年是個關鍵時刻，這一年我開啟了吉他之路。我有朋友在某個樂團，他有一種碩大飄渺繚繞的逆向(Reverse)吉他聲音。我問他是如何得到這個效果的，他說這是一個機櫃式的Alesis midiverb 2（譯註：MBV當時錄音也是使用這台作為標準Reverse Revb）。

這是一個啟示。這就是我以前想要的Tone，但那時候沒能夠得到。這就是我放棄使用Keyboard來做ambient聲響的原因。我看到我只是用一點轟音吉他就可以得到怪異的organic Tone。我賣了我的合成器然後買了一個可怕的Peavey練習吉他。我借了4 track和我朋友的midiverb，開始製作一些吉他牆的聲音，那是在88年。我從來沒有再回去彈合成器，太精確，不夠髒。

# 你會說誰在音樂或歌詞上對你有影響？

聲音，我聽到的一切都以某種方式影響我。我要不接受就是拒絕它。我小時候就喜歡Eno，他所有的時期。（譯註：Brain Eno，被廣為人之的是在rock, ambient, pop, and electronic等創舉）我買了Jesus and Mary Chain卡帶，但被吹走了。The Durutti Column。Cocteau Twins。4AD。電影原聲帶。

那個影響就像是不同的前輩與老師把我帶往了功夫的新層次。

所有的影響都在幫助我找到自己的聲音，那正是我在做的事。我自己的功夫風格，像個酒醉的太空猴子什麼的。早在91年，我會和 Kirk Marrison 以及T.J. Martin演奏。我們就是圍坐然後就開始做一些很長的ambient作品好幾個小時直到深夜。

Kirk現在在Waterwheel樂團然後在Fibreforms或是KILN演奏。 T.J則是在做Stone Man Hiss。在85年時，我也另外有朋友介紹Cocteau Twins給我。 4AD仍然是在黃金年代，Lush甚至都還在那邊。我盡可能蒐集所有4AD的東西。他們的音樂彷彿到達在當時極好的品質。我曾去德國拜訪一位女孩，花了兩週的時間製作為她的唱片製作卡帶。 Dead can Dance, Swans, Red Lorry Yellow Lorry, Front 242, Laibach, Kraftwerk, In the Nursery, Lustmord, SPK, Throbbing Gristle, New Order, Siouxie, Echo, Joy Division, Hafler Trio, Wire, Skinny Puppy. Kitaro, Eno, Jean Michel Jarre, Phillip Glass, Daniel Lentz, Steve Reich. Kelly Hirai. Gary Numan, Japan, Kraftwerk, David Sylvian, Eno, Shreikback, Simple Minds, John Foxx, Talk Talk, Peter Gabriel,

我猜只要能記得，我總是在腦中聽音樂我想我很謝謝dreampop或shoegaze，因為符合這標籤的樂團對我確實帶有某種聲音想像的親和力。我就是喜歡有趣而且獨特由吉他所塑造的聲響。早在80年，當我還是個青少年時，我聽大量的New Wave。 Frippertronics, Adrian Belew, Durutti Column, Japan, Sonic Youth, The Cure, Glenn Branca, Jesus and Mary Chain 以及最後 Cocteau Twins，他們的吉他風格，所有都留下了我對吉他解構的印象。所有這些樂團都喜愛製作歌曲同時擴展吉他的詞彙。

以前在圖書館工作的時候，我發現一本John Cage寫的書。他開創了音樂新的可能性而我仍然在追隨他而努力。我不得不說他對我還是最有影響力的。

我一開始之前是做視覺藝術。很早的時候我就開始畫畫了然後小時候就參加各種藝術活動。我的家庭是非常音樂性的，所以我是聽著各種風格的音樂成長，古典樂，爵士，搖滾，motown，tex-mex，tejano等。我的爺爺會在木吉他上演奏老鄉村墨西哥德州風格的音樂。大概三歲時，當他不在時我就會搗亂然後��會亂彈。直到高中時，我才又開始彈吉他。我的阿姨有一台管風琴然後我自己一個人的時候就會彈彈它，這真是非常美好。電影配樂也非常重要，它就是能夠吸引我。我五年級的時候曾經嘗試學小提琴但是沒有什麼在練習最後放棄。隔年有人給我一把從來調音不準的sears電吉他。我把它用來彈空氣吉他，當我在聽The Police的時候。後來我拿起貝斯開始自學，然後在九年級時參加一個Cover樂團。在高中的時候，有人介紹我Eno和他的ambient專輯，這完全給我全新的藝術感。我會在下課後在管弦樂室裡演奏，然後在自己的琴盒或顫音琴上的吊燈盒上錄音。我會拿一台微型卡帶錄音機，只是把小鎮周圍的各種事情錄下來。

大部分的音樂是一首歌。其他則專注在一首歌的質感。任何將聲音視為首要或是比較前面的音樂都是對我的影響。我真的喜歡樂曲，雖然一個人自己唱歌對我來說也是很有愛。探索和聲也是一個巨大的影響。

電影原聲帶對我有最巨大的影響。他們遵循自己的一套規則，是取決於當時的需要而決定的。他們不一定使用一套公式，所以電影音樂可以到處都是。我喜歡這個想法。

John Cage。他在音樂上的想法是不可或缺的，他讓我感覺到一切都是音樂。 Eno。Drone（譯註：被歸類在簡約音樂中的流派，經常強調持衡或反覆的聲響及音符）在環境中產生的奇異聲響。 Fripp, Belew, Branca, Ligeti, Kevin Shields, Guthrie. Budd, Jon Hassel, Reich, Riley. 最大的影響可能是早期80年代的delay loop效果器以及midiverb 2 。這些工具同樣是在創造樂曲缺一不可的，而且是我愛的那種聲音。

在89年，我總是會看到 My Blood Valentine的專輯放在店裡，但我一直沒有機會去聽他們。最後在90年時當我朋友Kirk Marrison給我一個合輯卡帶裡面有『No More Sorry』和『Lose My Breath』我才終於聽到MBV。

我喜歡它但是後來弄丟卡帶而且忘記這個樂團，一直到Loveless發行，我所有朋友都在討論它。在完整聽完Loveless之前（炒作很夠了），Melissa和我去看他們在底特律的現場。我們兩個幾乎被那場演出純粹的強度給吹走，到目前為止，那仍然是我看過最最大聲的現場。

隔一天，我們��買了Loveless的卡帶，然後它成為我們在92年夏天的總是在車上播放的專輯。那種聽起來像一個房間而不是另一個，空間本身的聲音。當他們在空氣中咽鳴時，那種人造的，鐵絲網圍籬，電纜般，路燈翁鳴，電源變壓器，無線電靜態，公路站，和歌曲相互交叉的方式如火車在遠方鳴響，有著延音踏板的鋼琴。大自然的，鳥鳴，昆蟲叫聲，貝殼聲在你耳朵。水流過管路，降雪的低喃...

# 對於初心者，你能夠描述的你各種音樂項目（特別是Astrobrite和Lovesliescrushing）嗎？

有一件事非常重要，任何人都需要知道所有我的project都沒有使用鍵盤或合成器來產生任何聲音。我在吉他和人聲中抽取出所有我要的tone。

我未來可能下一步會使用Acoustic樂器或是Field錄音（譯註：在錄音室之外錄音的作法，用於錄製人造或是自然聲響等）然後放棄後製，但我還沒開始做。

『Lovesliescrushing』的主要人聲是 Melissa Arpin和我錄製的吉他和其他一些歌聲。他的音樂元素是簡約的但他產生的音樂是非常大且寬敞的。Melissa唱的英文以及她本身的聲音詞彙等聽起來像是Cocteau Twins的Liz Frazier。Sigur Ros也有類似作法。

這是為了最大限度地發揮新專輯中的效果，這個專輯主要是Melissa的唱詞和聲音。然後，我再將這些單詞和聲音拼接成片段，成為有節奏的人聲詞彙的基礎。接著我處理這些聲音位元直到他們成為她所唱的音樂性基底。一個人聲ambient音牆，它的特徵被退去但成為另種有機性的識別。它是一種自我參照(self-referential)的音樂，映射自己，然後再成為新的自己。

我非常期待那些關於這是"Samplers"或是"Keyboard"等等的評論與討論了。

這個音樂真是（TMD）難做，因為他聽起來像是我在用合成器或是Sequencer。這東西自己用手做更有趣。所有人都按壓Pad或是合成器。（譯註：他所有作品都沒有合成器）至於人聲，他則帶來更多和聲訊息，無論如何，這就是我的全部。

ASTROBRITE 就是一個 noisepop。我在鼓機上唱歌然後彈貝斯以及吉他。

這就像一個很棒的巧克力。這些歌對我只是彈著好玩但我並不期待在我飲食上只吃巧克力。然而，你確實需要在每天都來一些巧克力來保持健康，那些黃酮類化合物（譯註：不被認為是維生素，但是在生物體內的反應裡，被認為有營養功能，曾被稱為「維生素P」）或是某些高含量的可可食物。他是我比較流行的銷路。除了某些歌外，他的唱法非常無意識。

在發行新的Astrobrite專輯日本版時，他們想要每一首歌的歌詞。歌詞不存在，所以我必須聽完每一首然後拼奏出來然後再把字詞聲音翻譯成真實的字彙，儘管他們真的不存在。我唱了好幾首歌和不同的東西，所以那些總和創造了一個暗示的詞彙。

POLYKROMA 是96年開始，一個在old school拍子或是電子節奏上��looped ambient吉他。我會盡快發佈這個東西。

PANAURAMIC 是一個長的，textural，drone，ambient吉他作品。他的第一張作品是VEILS，是在90年錄音，接著是94年的GLITHERINE。

TRANSIENT STELLAR 則是當shoegaze遇到jungle，break beats，97年開始的。我想我最後將會在Chris Jeely的幫助下弄出這些作品。

# 在你所有的發行中，你最引以為傲的是哪一個？為什麼？

我喜歡全部，因為不同理由，但，喜歡不同方面的每一個。我想，我必須說，BLOWEYELASHWISH。因為他是所有的起源。這幾乎是我們所有的聲響實驗的入門，都集成在這張專輯中，是接下來的序曲。

他有 noisepop, dreamy, ambient noise, acapella, drones, feedback galore, 靜止爆發狂潮（static burst madness），吉他音牆，這全都在裡面。

它推進了某些東西。

建立了我們解構和改變吉他的標誌性的聲響，直到它幾乎聽不出像吉他。

我喜歡最新的那個，今年(譯註：2007)將會發行，叫做CHORUS（譯註：目前在線上找不到）。他對我來說非常特別而且困難，由於擺在我們眼前的規則使我很難做到。 CHORUS當中，沒有吉他，他只有acapella，所以真的非常難。我將努力專心在僅僅使用我們的人聲來作曲，將焦點放置在使我們LLC，為了使人聲通過。

我為此感到驕傲，因為它超出了我的期望：聽起來像我們同時又像個奇怪的外��人。它肯定會成為人們會記住我們的原因。Shoegaze，Acapella，實際上更像amibient acapella或blis-spella。我認為這可能是我們探索的一個新的方向，我不認為有很多的樂團在做這件事。我們在2001年在GLISSCEULE上用兩個acapella曲目暗示了它。

我也喜歡GLITHERINE，這是94年我大部分朋友們都喜歡的一個首曲目。 Mahogany的Andrew Prinz真的很喜歡它，吸引了他那古典的一面。大概30分鐘長，有幾個動態，並且包括大約30個吉他層。想像一下，當你站在噴氣��動機的下方時，聽著一百萬隻蜜蜂試圖效仿管弦樂隊的調音，這是一個無人機的大閃閃發光的平板。

GLISSCEULE，始終保持美學，它同時也讓我們與那些大部分對我們指責的對照產生距離。我喜歡簡約(minimal)的藝術作品，更注重內在的聲音，進入新的領域，同時進一步發展我們的風格。

# 你創造了一些優美的音牆，但最常使用低傳真（Lo-fi）錄音技術來捕捉你的音樂... 你能為我們描述一下你錄製音樂的基本方法嗎？

當走回家時，我哼著曲調，然後回到臥房工作室時，就錄把它錄下來。

首先我聽到腦中的東西，然後我試著在吉他上找到它並轉譯旋律。它也可以是在吉他上，從我喜歡或嘗試建構重複和弦片段中開始。然後，我開始錄音，並找到一個好的Tone。這時候處理和效果也加進來。在聲音正確之後，我把歌曲放下，然後錄下來。然後我回去摧毀它，把它在各種部份重新錄下(retape)再重新組合直到成為新的整體。

它類似於繪畫。首先你有一個很好的素描，你的東西是歌曲，那麼你必須把顏色放在上面然後刮去油漆，並塗上另一個濃厚的圖層。我從來不知道一首歌會如何演變，因為他們幾乎不像原始草稿。。我不認為我們會被模仿，但CASINO VS. JAPAN向我提到FENNESZ。我看到了CASION VS. JAPAN做了一個DJ Set，他把這個FENNESZ曲目放在一個LLC track前，讓我看看。我驚訝於它有多相似。我認為這是我們的一首歌的樣本。我想這可能是巧合，我甚至不認為FENNESZ聽過我的作品。我相信我們聽起來很相似，因為我們渴望類似的目的，使吉他聽起來完全不像吉他。只不過是使用不同的手段而已。

有時我受到概念和藝術的啟發，甚至從音樂的評論。當我看到一個樂團��評論，作者描述他們的聲音，我會嘗試翻譯這個音樂的敘述。當總論音樂時，字詞是一個糟的設備，但是在創作過程中可能會是一個很好的起點。我會讀一些描述聲音的東西，然後嘗試發出那個聲音。當我最終聽到樂團的時候，我的解答通常聽起來是更正確的(sound more on the money)。

# 可以介紹一下STAR嗎？成員有誰以及它是怎麼一起開始的？

STAR是Shannon Roberts的主唱。Theodore Beck處理技術方面。我從Ted製作的節奏中想出音樂，加入吉他和貝斯的聲牆，然後把那交給Shannon。她在裡面唱，Ted則將它混音。我有一些曲目，毫無進展，我不喜歡我的聲音。我沒有把它們丟掉而是因為好玩把它們給了Shannon。她賦予了他們生命。在我知道發生了什麼之前，我們變成了一個樂團。這就像相親，然後第二天早上醒來時你意識到你已經在拉斯維加斯結婚了...和Natalie Portman或Alicia Warrington。

# 最近在聽什麼CD？

我朋友的樂團 PAIK。我正在導一部劇情片，PAIK將會負責配樂。所以我已經嘗試去找適合故事背景的各種他們的曲目。是的。

# 你已經成為『地下』音樂界受人尊敬的藝術家......提昇到這種地位的感覺如何？

我不知道我是有名還是有某種地位的。我仍然覺得沒有人知道我是誰。我仍然一文不值，所以我不覺得做你所愛的這件事有所提昇並且靠它生活。而這個狀態就意味著人們正在聆聽音樂，而那才是最重要的。做一些相較於自己對別人來說更有意義的事，如果這是真的，感覺很棒。我到處看看找新的東西，然後試著駕馭它，如果我喜歡然後我就會發行它。

有一次，97年在芝加哥的Projekt Fest。我們正在做 Lovesliescrushing 的演出，演著短瞬恆星似，吉他完全蓋過鼓節奏和貝斯的聲響。在演出之前，我看到有個女孩在門口遇到麻煩，因為她太年輕了，所以票口不讓她進來。我走了出去和她談了一下，發現她是一個Lovesliescrushing 粉絲，而且她來自波士頓或那附近。我感到很難過，她一路那們遠來看我們演出，但不能進去。這讓我覺得自己好像有某種地位，有人願意到別州去看我們。如果有人知道這個女孩是誰或是有她的Email，我可以給她一個唯一卡帶或其他的東西。我有個盒子放一些��為其他粉絲做的音樂，他們不知道，所以這會是一個夏天的驚喜。

我不會介意人們為我挑選紅色的m＆m，或者做出來，但是那不會發生......那件事。

# 名氣會影響你對待各種音樂努力的方式嗎？

至少我可以給別人發電子郵件，問他們是否想就某件事情進行合作，並且對此感到興奮。所以我的名氣相當令人興奮，聽到我的人，這是很酷的。因為音樂對我來說不是一件利潤豐厚的事，我的價值僅來自於同行對我的敬意。如果粉絲有好的要說，意味著聽到我的音樂在以某種方面感動他們。這個神秘的東西，我一直是個媒介。如果他們有負面的要說，只有真的才重要。如果是廢話，我不在乎。

有很多我高度重視的人。Andrew Prinz, Rob Smith(The Cure), Kirk Marrison, Adam and Cat Cooper, Roland Daum. Jehn Cerron. 很多很多人。有些東西，我音樂上的喜愛，然後有些地方，我希望我已經發現過，但這些人做到了。最後，我想誰先發現什麼並不重要，我只是想讓人們從現在開始哼唱我的歌，如果他們夠好的話。

# 能和我們解釋Wavertone背後的概念嗎？

這個名字指的是波動性質，光，聲，或能量，音樂的本質以及物質的結構。

該死，我聽起來他媽的像new-agey。我只是覺得這個名字聽起來很酷，很科學，old school，好像我正在進行聲波實驗和開拓性的研究和開發。我想讓它聽起來像一間音響公司。這只是我發佈音樂測試版本之前給上標籤的一個平台。最後我將會開始釋出其他音樂，但現在只限於我自己。明年我將進入那個場域。以目前而言，我仍在琢磨著 Wavertone 的藝術性，它將專注於實驗音樂，重點放在吉他，有時涉獵一點流行。有人也用『Wavertone』這個詞來形容我們的音樂，看吧，這真的成了這個標籤的名字。

# 如果你有機會告訴年輕吉他手或只有4-track錄音設備的車庫樂團或世界各地新銳音樂家一件事，你有什麼建議？

在『非音樂性』的情況下去聆聽並且意識到聲音。使你的限制成為創意解法的機會。在錄音上，如果你想要很多卡帶嘶嘶聲那就把錄音音量降低，如果想要少一點，那麼就將錄音音量增強。做這首歌真正需要的東西，他真的需要那個或這個嗎？還是你只不過是遵循過去公式而放進去的呢？享受去發現原本屬於你的聲音。不要限制你自己，往前推進自我。

時不時讓自己脫離��適圈並且總是把握機會。

# Scott Cortez 將來會怎麼樣？

推動和擴大我音樂上的詞彙。加強合作。製作一些樂器和吉他。做一些放在沙漠他們也會自己動起來的音樂裝置。全國巡迴。釋出更多Project。

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