#pioneros del rock

[notasfilosoficas]

“Algunos se preocupan de que la inteligencia artificial pueda hacer que nos sintamos inferiores, pero entonces cualquiera en su sano juicio debería sentir complejo de inferioridad cada vez que mirase una flor”

Alan Kay

Es un informático estadounidense nacido en Springfield Massachussets en mayo de 1940, se le considera uno de los pioneros en la programación orientada a objetos, y creador de sistemas de interfase gráfica de usuario.

Alan fue un niño prodigio, que aprendió a leer a la edad de 3 años, era de esos niños que nacieron con un libro bajo el brazo y como él mismo decía “Tuve la suerte o la desgracia de aprender a leer con fluidez a partir de la edad de tres años. Así que había leído tal vez 150 libros para cuando llegué a 1er grado. Y ya sabía que los maestros me estaban mintiendo”.

Alan también es un ávido y dotado músico guitarrista y tecladista, con un especial interés por los órganos barrocos. Fue músico profesional de jazz y rock and roll.

Alan siguió muy de cerca las investigaciones del inventor estadounidense Douglas Carl Engelbart, creador entre otras cosas del “ratón” como interfase para interaccionar con la computadora, el hipertexto y las computadoras en red.

Se licenció en matemáticas y Biología Molecular en la Universidad de Colorado y como maestro y doctor en la Universidad de Utah en los años sesenta. Trabajó junto con Ivan Sutherland pionero del internet y considerado “padre de la computación gráfica”.

Kay trabajó en el Centro de Investigación de Palo Alto (PARC) para la compañía Xerox en 1970, desarrolló los primeros prototipos de estaciones de trabajo en red, usando el lenguaje de programación Smalltalk. Estas investigaciones dieron origen a la comercialización de los primeros computadores Apple en el Apple Macintosh.

Se le considera junto con otros miembros del centro de investigación PARC de Xerox, padre de la “Programación orientada a objetos” y el “Dynabook”, lo que permitió sentar las bases de los ordenadores portátiles y las tablets PC actuales, así como arquitecto de los sistemas actuales de ventanas de interfaz grafica de usuario.

En aquel entonces el proyecto “Dynabook” pretendía ser un ordenador para niños de todas las edades, del cual solo se llegaron a realizar maquetas de cartón, pero que se podía describir como lo que ahora es una notebook, o computadora tableta PC.

A partir de 1984, Kay trabajó en Apple Computer hasta que Steve Jobs cerró el departamento de I+D, uniéndose a Walt Disney Imagineering, continuando en Hewlett-Packard hasta 2005.

Actualmente, Alan Kay imparte cátedras sobre ideas, conocimiento y aprendizaje no tradicional al frente de un instituto de investigación, así como a la impartición de conferencias en Ted Talk.

Fuentes: Wikipedia, historiadelatabet.blogspot.com, hipertextual.com

[jazzandother-blog]

PASSPORT es un grupo alemán pionero en el género del jazz fusión, fundado en 1971 por el saxofonista y compositor Klaus Doldinger. Desde su formación, Passport ha sido una fuerza innovadora en la escena europea del jazz, fusionando excepcionales habilidades técnicas con una gran variedad de influencias musicales, como el rock progresivo, la música étnica y la electrónica.

La música de Passport se caracteriza por su energía contagiosa, complejas estructuras de improvisación y arreglos intrincados. La habilidad de Doldinger como líder de la banda y saxofonista principal ha sido fundamental en la evolución del sonido distintivo de Passport. Su capacidad para combinar melodías sofisticadas con secciones rítmicas potentes ha sido alabada tanto por críticos como por fanáticos de la música en todo el mundo.

A lo largo de los años, Passport ha lanzado una extensa discografía que abarca más de cuatro décadas, con álbumes aclamados como su debut «Passport» (1971), «Cross-Collateral» (1975), «Infinity Machine» (1976), «Oceanliner» (1980) y Inner Blue» (2011). Cada álbum de Passport ofrece una experiencia auditiva única, explorando nuevos territorios musicales mientras mantiene la esencia de su sonido característico.

Además de su trabajo en estudio, Passport ha llevado su música en giras internacionales, ganando una base de fanáticos devotos en todo el mundo. Sus actuaciones en vivo son conocidas por su energía y pasión, con improvisaciones enérgicas que llevan al público en un viaje musical emocionante y dinámico.

A lo largo de su carrera, Passport ha dejado un legado duradero en el mundo del jazz fusion, influenciando a generaciones de músicos con su innovación y creatividad. Con su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales en una expresión cohesiva y emocionante, Passport continúa siendo una fuerza influyente en la escena musical contemporánea.

Los dejamos con un vídeo del tema "Shirokko" perteneciente al disco debut. En esta grabación podemos ver un ensayo de la banda para lo que sería la grabación del álbum en vivo «Doldinger Jubilee Concert» de 1974.

Fuente: ProgJazz.org

We leave you with a video of the song "Shirokko" from the debut album. In this recording we can see a rehearsal of the band for what would be the recording of the live album "Doldinger Jubilee Concert" from 1974.

PASSPORT is a pioneering German group in the jazz fusion genre, founded in 1971 by saxophonist and composer Klaus Doldinger. Since its formation, Passport has been an innovative force on the European jazz scene, fusing exceptional technical skills with a wide variety of musical influences, such as progressive rock, ethnic music and electronica.

Passport's music is characterised by infectious energy, complex improvisational structures and intricate arrangements. Doldinger's skill as bandleader and lead saxophonist has been instrumental in the evolution of Passport's distinctive sound. His ability to combine sophisticated melodies with powerful rhythm sections has been praised by critics and music fans alike around the world.

Over the years, Passport has released an extensive discography spanning more than four decades, with acclaimed albums such as their debut "Passport" (1971), "Cross-Collateral" (1975), "Infinity Machine" (1976), "Oceanliner" (1980) and "Inner Blue" (2011). Each Passport album offers a unique listening experience, exploring new musical territories while maintaining the essence of their signature sound.

In addition to their studio work, Passport has taken their music on international tours, gaining a devoted fan base around the world. Their live performances are known for their energy and passion, with energetic improvisations that take the audience on an exciting and dynamic musical journey.

Throughout his career, Passport has left a lasting legacy in the world of jazz fusion, influencing generations of musicians with his innovation and creativity. With his ability to fuse different musical styles into a cohesive and exciting expression, Passport continues to be an influential force in the contemporary music scene.

In this video Passport are:

Drums – Curt Cress

Drums, Percussion – Pete York

Electric Bass – Wolfgang Schmid

Electric Piano [Fender-Piano] – Les McCann

Electric Piano [Fender-Piano], Organ – Kristian Schultze

Guitar – Buddy Guy, Philip Catherine

Tenor Saxophone – Johnny Griffin

Tenor Saxophone, Soprano Saxophone, Synthesizer [Moog] – Klaus Doldinger

[waltfrasescazadordepalabras]

John Fogerty, guitarrista, cantante y compositor de Creedence Clearwater Revival, la banda que en medio de la llamada "invasión inglesa" musical de los años 60, encabezada por The Beatles y The Rolling Stones, le devolvió al rock estadounidense sus raíces, cumplió ayer 75 años. Nacido en Berkeley, California, compartió con su hermano Tom durante su adolescencia el gusto por el incipiente rock de pioneros como Little Richard. En su paso por el colegio, conoció a Doug "Cosmo" Clifford y Stu Cook, futuros baterista y bajista de Creedence, con quienes, tras sumar a su hermano Tom, también guitarrista, formarían una primera banda llamada The Blue Velvets. Tras la primera visita de The Beatles a Estados Unidos, en 1964, el grupo se subió a la oleada de bandas que intentaban copiar la fórmula musical procedente del Reino Unido, momento en que cambia su nombre a The Golliwogs. En 1967, el conjunto tuvo una reformulación en la que adoptó su nombre definitivo y el estilo musical que lo distinguiría. Con Creedence volvió a los primeros planos el country, el folk, las armonías sencillas, las voces potentes y las vestimentas que renunciaban a lo estrafalario y se asemejaban más a la que utilizaba cualquier chico de familia trabajadora sureña. Entre fines de los años 60 y principios de los 70, el combo lograría reconocimiento internacional, impulsado también por el elogio de figuras como John Lennon, Bob Dylan y Tina Turner, entre otros, a partir de memorables discos como “Bayou Country” , “Green River” , “Willy and the Poor Boys” y “Cosmo´s Factory. En esos años, Creedence cosecharía un puñado de grandes clásicos como "Fortunate Son", "Travelling Band", "Have You Ever Seen the Rain?" y "Who'll Stop the Rain?", entre muchos otros . Todos provenientes de la pluma de John. En 1972, debido a diferencias internas, el grupo se disolvió. Fogerty, desde entonces, encaró una carrera solista que nunca alcanzó el brillo de aquella brillante formación. - Proud Mary (del disco "Bayou Country") - 1969 - Green river (del disco "Green river") 1969 - Travelin' band (del disco "Cosmos's Factory") - 1970

[lascosasdemichifu]

La Influencia Perenne de The Beatles en la Música Moderna.

Desde las vibrantes calles de Liverpool hasta los escenarios más icónicos del mundo, The Beatles no solo conquistaron las listas de éxitos, sino que también transformaron el panorama musical para siempre. Con su innovador enfoque hacia la composición, la grabación y la interpretación, The Beatles redefinieron lo que significaba ser una banda de rock.

Innovación y Experimentación

The Beatles fueron pioneros en la experimentación en el estudio de grabación. Álbumes como "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y "Revolver" son testimonios de su audacia creativa, incorporando técnicas de grabación avanzadas, efectos de sonido inusuales y una diversidad de instrumentos que antes no se asociaban con la música pop/rock.

Influencia Cultural

Más allá de la música, The Beatles ejercieron una influencia cultural masiva. Su estilo, actitud y filosofía de vida resonaron en la juventud de la época, convirtiéndolos en símbolos de la libertad de expresión y la contracultura de los años 60.

Legado Musical

El legado de The Beatles perdura en las generaciones actuales. Artistas de todos los géneros citan a The Beatles como una influencia clave, y sus canciones continúan siendo reinterpretadas y reimaginadas. Su música sigue siendo un punto de referencia para la calidad y la originalidad en la industria.

Conclusión :

The Beatles no solo dejaron una colección de canciones atemporales, sino que también sentaron las bases para la evoluciónr de la música moderna. Su impacto es tan relevante hoy como lo fue hace décadas, y su legado sigue inspirando a músicos y aficionados por igual.

[rogerhodgsonspanishfriendsclub]

Aquí tenéis algo entretenido. Roger está en muy buena compañía. American Songwriter lo incluye como uno de los 8 vocalistas masculinos icónicos del rock clásico. ¡Échale un vistazo!

El rock clásico es conocido por sus voces únicas e influyentes que durante generaciones han compartido historias de amor, pérdida y anhelo, dando forma al género con sus diversos talentos y perspectivas únicas.

Estos pioneros han creado algo más que melodías memorables; Han proporcionado información profunda sobre experiencias personales y nuestro viaje colectivo, sentando las bases para el legado duradero del género.

Desde los lamentos de Robert Plant hasta los canturreos de David Bowie, los tonos vocales distintivos y las energías de estas leyendas han definido el sonido del rock clásico. Más importante aún, sus poderosas voces han inspirado a innumerables aspirantes a cantantes a tomar un micrófono, soltarse y compartir sus voces. Aquí hay ocho vocalistas masculinos icónicos del rock clásico.

Roger Hodgson de Supertramp es reconocido por su distintiva voz que combina armoniosamente con sus composiciones melódicas. Canciones como “Give a Little Bit” reflejan el lirismo reflexivo de Hodgson entrelazado con su tono vocal sereno y contemplativo. Su enfoque a la hora de escribir canciones ha sido una fuente de inspiración, animando a los artistas a profundizar en su esencia espiritual y artística, creando música con una resonancia más profunda e introspectiva.

[lobuenodepuertorico]

Bad Bunny conquista el Festival de Coachella 2023 ante más de 120,000 personas: “Ahora todos quieren ser latinos”

Bad Bunny, que llegaba como cabeza de cartel al Festival de Coachella 2023, conquistó uno de los eventos musicales más importantes de Estados Unidos con un concierto de más de dos horas que puso a bailar a varias decenas de miles de seguidores en la ciudad desértica de Indio, en California.

“Estamos en el Festival de Coachella, un lugar de inspiración y donde se da respuesta a muchas preguntas. (...) Grandes artistas han pasado por aquí. (...) Espero que sea mi primera vez cerrando una jornada de este festival, pero no la última”, introdujo el puertorriqueño, consciente de la importancia de la cita este viernes.

El Empire Polo Club fue testigo del primer día de esta nueva edición a la que asistieron más de 120,000 personas -lleno absoluto- y en la que también actuaron artistas como Gorillaz, Blondie, The Chemical Brothers, Blink-182 o Becky G.

Sin embargo, el gran momento de la tarde-noche fue el show de “El Conejo Malo”, que se prodigó con toda una demostración de versatilidad en cuanto a su performance, con tiempo para grandes coreografías, juego de pantallas, uso de láseres, interacción con objetos reales como una moto de agua y hasta fuegos artificiales.

El creador de “Un verano sin ti” se mostró realmente enfocado en cumplir con las grandes expectativas depositadas en él y lograr otro hito en su carrera: encabezar el Festival de Coachella, en el que ya había participado en 2019.

“Ahora todos quieren ser latinos”, expresó en varias ocasiones a lo largo de un concierto en el que volvió a poner de manifiesto cómo su carrera ha contribuido a consagrar la música en español como una de las más escuchadas internacionalmente en la actualidad.

Durante su actuación, el puertorriqueño también honró a quienes abrieron las puertas de los ritmos caribeños en Estados Unidos con un homenaje a sus raíces en el que se mencionó a Héctor Lavoe, Tito Puente y Celia Cruz, así como a reguetoneros pioneros como Daddy Yankee y Tego Calderón, entre otros.

“Está siendo increíble, es una locura ver dónde ha llegado el reguetón”, dijo Santos, un joven californiano que asistió al festival, en declaraciones a EFE durante el concierto.

“El show está demostrando por qué tiene tanto éxito y mira qué colaboraciones trae”, añadió Sara, una neoyorquina desplazada hasta Indio este fin de semana, después de que cantantes como Ñengo Flow, Post Malone o Jhay Cortez subieran al escenario con Bad Bunny.

Blondie, Gorillaz y Blink-182, coprotagonistas en Coachella

Antes del concierto estelar del intérprete de “Ojitos lindos”, el rock de la banda estadounidense Blondie había puesto a saltar al público del Festival de Coachella con temas como “Hanging on the Telephone” o “Call Me”, bajo la batuta de la icónica Debbie Harry.

La agrupación alternativa Gorillaz fue otro de los principales nombres de la jornada, con una puesta en escena cargada de coloridos efectos visuales que hicieron enloquecer a sus seguidores en la parte final del espectáculo, cuando interpretaron éxitos como “Feel Good Inc.” o “Clint Eastwood”.

“Es la segunda vez que los veo, ha sido genial porque cantaron muchas canciones nuevas. Estuvo bellaco, aunque he de decir que estuvieron más tranquilos que en otras ocasiones”, bromeó el mexicano Alejandro, que viajó desde Ciudad Juárez (México) hasta Coachella.

Un protagonismo compartido con el pop punk de Blink-182, que regresaban juntos a los escenarios tras 9 años y decidieron abrir su show con “Family Reunion”, un tema estrenado con éxito en el año 2000 y que fue recibido con tanto entusiasmo este viernes como sus legendarias canciones “All the Small Things” y “I Miss You”.

Por otra parte, el rap de la Costa Este estadounidense hizo cabecear a los fans de corte más hip-hop gracias a las aclamadas actuaciones del neoyorquino Pusha-T y de la joven Doechii, natural de Florida, Estados Unidos; mientras que las melodías “afrobeat” ensalzaron al nigeriano Burna Boy y su tema “Last Last”.

La representación hispana, además de Bad Bunny, corrió a cargo de la californiana con raíces mexicanas Becky G que, tal como hiciera la colombiana Karol G con ella el año pasado, se presentó en solitario, pero invitó al show a otros cantantes latinos como la dominicana Natti Natasha o el mexicano Peso Pluma.

Coachella 2023, que repite distribución el fin de semana que viene, continúa este sábado con un cartel liderado por el grupo de k-pop Blackpink y por la española Rosalía, mientras que el domingo la jornada estará encabezada por el cantautor estadounidense Frank Ocean y la artista islandesa Björk.

Fuente:elviejodia

[jedivoodoochile]

Richard Steven Valenzuela Reyes, conocido como Ritchie Valens (Pacoima, Los Ángeles, California, 13 de mayo de 1941-Clear Lake, Iowa, 3 de febrero de 1959) músico, cantante y guitarrista mexicano-estadounidense, uno de los pioneros del rock and roll, y el primero que cantó ese género en español.

[superstereosv]

Esta una banda de rock gospel de Argentina liderada y fundada por Marcos Alvarez, ex Puerto Seguro….

Marcos es la voz y beterista de este grupo recientemente incorporado al mundo de la música cristiana como banda luego de su deceso de Puerto Seguro dando en estos comienzos con una producción imperdible y pegadiza para aquellos que gustan este estilo de rock pop…

Como bien sabemos Marcos es uno de los hijos de los reconocidos Jose Alvarez y Estella de Alvarez pioneros en la música cristiana. A la edad de 15 años comenzó a tocar profesionalmente en Puerto Seguro grabando en esta y en muchas otras bandas y solistas muy reconocidas en la actualidad.

Mas tarde pasa a ser el cantante, compositor y lider de Puerto Seguro luego del retiro de Elias ALvarez del grupo… Recorriendo asi más de 200 ciudades y 11 paises hasta principios del año 2007.

En febrero del mismo año conoce a los chicos los cuales encuentra un gran complemento musical potenciando sus talentos y formando lo que hoy es C.R.E.D.O …

Descarga de rock Cristiano en A todo Rock en Español sábado 8 de abril en www.superstereosv.com conduce Henry Zavaleta!!’

[festivales5454]

Guía de conciertos y festivales: explorando lo mejor de Barcelona y Madrid

España es un país que prospera gracias a la música, la cultura y las celebraciones. Dos de sus ciudades más emblemáticas, Barcelona y Madrid, son los epicentros de increíbles festivales de música y conciertos inolvidables. Ambas ciudades atraen a millones de visitantes cada año, no solo por su hermosa arquitectura y su rica historia, sino también por su próspera escena artística y de entretenimiento. Desde festivales de música internacionales a gran escala hasta conciertos íntimos en lugares históricos, ambas ciudades ofrecen un amplio espectro de eventos que satisfacen distintos gustos.

En esta Guía de conciertos y festivales, exploraremos los principales festivales de Barcelona, ​​conciertos en Barcelona, ​​festivales en Madrid y conciertos en Madrid para ayudarte a planificar tu próxima aventura cultural en España.

Festivales en Barcelona: una ciudad de tradición e innovación Barcelona, ​​la vibrante capital de Cataluña, es conocida por su combinación única de tradiciones históricas y una escena artística y cultural vanguardista. Los festivales que se celebran aquí van desde las tradicionales celebraciones catalanas hasta festivales de música de renombre internacional, lo que convierte a la ciudad en un destino dinámico para los amantes de la cultura.

Festival de La Mercè El Festival de La Mercè es uno de los festivales más importantes de Barcelona. Este evento de una semana de duración, que se celebra cada septiembre, rinde homenaje a la patrona de la ciudad, la Virgen de la Mercè. Las calles se llenan de vida con desfiles, música, bailes, fuegos artificiales y las famosas torres humanas conocidas como castellers. La Mercè muestra la cultura única de Cataluña y ofrece a los locales y visitantes la oportunidad de celebrar el rico patrimonio de Barcelona a través de una serie de eventos tradicionales y contemporáneos. Haga clic aquí para más detalles festivales en barcelona

Primavera Sound Para los amantes de la música, el Primavera Sound es posiblemente el festival más emblemático de Barcelona. Conocido por su ecléctico cartel que abarca géneros que van desde el indie rock hasta la música electrónica, el Primavera Sound atrae a aficionados a la música de todo el mundo. El festival, que se celebra en el Parc del Fòrum cada primavera, ha contado con actuaciones de artistas de talla mundial como Radiohead, Arcade Fire y Arctic Monkeys, lo que lo convierte en un evento imprescindible para cualquier entusiasta de la música.

Festival Sónar Otro evento de renombre en Barcelona es el Festival Sónar, que se centra en la música electrónica y las artes digitales. Sónar es más que un festival de música; es un movimiento cultural que combina música, tecnología y creatividad. El festival, que se celebra anualmente en junio, atrae a un público global por sus actuaciones de vanguardia, exposiciones multimedia y talleres. Artistas como Daft Punk, The Chemical Brothers y Björk han encabezado el cartel de este festival pionero. Haga clic aquí para más detalles conciertos en barcelona

Conciertos en Barcelona: desde grandes teatros hasta espacios íntimos La escena musical en vivo de Barcelona es tan diversa como sus festivales. Ya seas fan de la música clásica, el jazz o los géneros contemporáneos, encontrarás una impresionante variedad de salas de conciertos repartidas por toda la ciudad.

Palau de la Música Catalana El Palau de la Música Catalana es una de las salas de conciertos más hermosas del mundo, reconocida como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Este recinto ofrece un amplio calendario de eventos, que incluye conciertos de música clásica, actuaciones corales y espectáculos de flamenco. Su impresionante arquitectura modernista y su intrincado techo de vidrieras lo convierten en un lugar mágico para vivir la música en directo.

Razzmatazz Para quienes buscan sonidos más contemporáneos, Razzmatazz es uno de los principales espacios para conciertos en Barcelona. Esta icónica discoteca y espacio para conciertos acoge una gran variedad de géneros musicales, desde el indie rock hasta la música electrónica. Con cinco salas distintas, Razzmatazz acoge periódicamente actuaciones de artistas internacionales y locales, ofreciendo una noche de experiencias musicales diversas.

Apolo Otro lugar popular en la ciudad es la Sala Apolo, que ha sido un centro cultural para los amantes de la música desde la década de 1940. Alberga conciertos que abarcan rock indie, música electrónica y pop, lo que lo convierte en un punto de encuentro tanto para locales como para turistas. Encontrarás artistas emergentes y consagrados actuando aquí, lo que lo convierte en un gran lugar para descubrir nuevos talentos.

Festivales en Madrid: una capital llena de celebraciones Madrid, la bulliciosa capital de España, es conocida por sus festivales llenos de energía que combinan tradición y modernidad. Ya sea un festival de música a gran escala o una celebración más tradicional, la ciudad ofrece una amplia variedad de festivales para disfrutar durante todo el año.

San Isidro La fiesta tradicional más importante de Madrid es San Isidro, que se celebra en mayo para honrar al santo patrón de la ciudad. La celebración incluye procesiones, corridas de toros y conciertos, ofreciendo una mezcla de encanto del viejo mundo y entretenimiento contemporáneo. Durante San Isidro, toda la ciudad se llena de vida con ferias callejeras, fuegos artificiales y conciertos al aire libre, lo que lo convierte en uno de los mejores festivales de Madrid para experimentar la cultura local.Haga clic aquí para más detalles festivales en madrid

Orgullo Madrid El Orgullo Madrid, uno de los festivales LGBTQ+ más grandes del mundo, es un evento vibrante y colorido que se celebra cada mes de julio. El festival incluye desfiles, fiestas, conciertos y eventos culturales, y atrae a cientos de miles de personas de todo el mundo. Con actuaciones de artistas y DJ de renombre internacional, el Orgullo Madrid se ha convertido en uno de los festivales más celebrados de Madrid.

Festival Mad Cool Para los amantes de la música contemporánea, el Festival Mad Cool es un evento importante en la escena musical de Madrid. Celebrado en julio, el festival atrae a los mejores artistas de rock, pop y electrónica de todo el mundo. En los últimos años, han pasado por el escenario artistas como Pearl Jam, Green Day y Billie Eilish, lo que convierte al Mad Cool en uno de los festivales más solicitados de Madrid.

Conciertos en Madrid: una escena musical diversa La escena musical en vivo de Madrid es tan impresionante como sus festivales. La ciudad ofrece una variedad de lugares que albergan desde actuaciones clásicas hasta espectáculos indie íntimos.

WiZink Center El WiZink Center es uno de los principales lugares para grandes conciertos en Madrid. Este recinto multiusos acoge conciertos a gran escala de estrellas internacionales como Beyoncé, Ed Sheeran y The Rolling Stones. Con una capacidad para más de 17.000 personas, el WiZink Center es el lugar ideal para ver a artistas de renombre mundial cuando vienen a Madrid.

Teatro Real Para una experiencia más clásica, el Teatro Real es el teatro de ópera más importante de Madrid. Es uno de los puntos de referencia culturales más importantes de España, que ofrece una amplia gama de óperas, ballets y conciertos de música clásica. El elegante interior y la importancia histórica del lugar lo convierten en una visita obligada para los fanáticos de la música clásica. Haga clic aquí para más detalles conciertos en madrid

Café Central Si prefieres una experiencia de concierto más íntima, Café Central es uno de los mejores lugares para escuchar jazz en vivo en Madrid. Este acogedor local en el corazón de la ciudad ofrece actuaciones en vivo todas las noches, con músicos de jazz tanto locales como internacionales. Con su ambiente cálido y su acústica de primera, Café Central es uno de los favoritos entre los amantes del jazz.

Conclusión Tanto si te gustan los grandes festivales como los conciertos pequeños e íntimos, tanto Barcelona como Madrid tienen mucho que ofrecer. Desde las tradicionales celebraciones de los festivales de Barcelona como La Mercè y los ritmos modernos de Primavera Sound, hasta el espíritu animado de los festivales de Madrid como San Isidro y Mad Cool, la escena cultural de España es rica, diversa y siempre animada. Así que, tanto si te encuentras paseando por las calles de Barcelona como sumergiéndote en la vibrante energía de Madrid, nunca estarás lejos de una celebración que hable a tu alma.

[zigzagderogeliogarza]

Por: Rogelio Garza

Además de revolucionar la literatura mexicana, José Agustín le prendió fuego al periodismo musical desde 1965, cuando empezó a publicar un artículo de rock a la semana. Ese material fue el combustible de un pequeño gran libro publicado en 1968. Por tercera edición, corregida y aumentada, apareció La nueva música clásica (Grijalbo, 2024), el legendario tomo en el que José Agustín narra a su manera una historia personal de “los ritmos modernos y sus principales exponentes”. Sus dimensiones y alcances son inconmensurables, si consideramos que fue el primer libro sobre rock publicado en México y que ha logrado encender a dos-tres generaciones de compatriotas, quienes caímos atrapados en la contracultura de sus páginas, atraídos por las letras eléctricas del rey del rock escrito.

Tras un estupendo prólogo del maese Alberto Blanco, donde asienta que con este libro José Agustín “colocó al rock en México en otro nivel”, arranca la mítica primera edición: fue publicada en los Cuadernos de la Juventud del Injuve, una veintena de artículos y ensayos breves sobre el rock, el blues, la psicodelia y sus protagonistas en Estados Unidos, Inglaterra y México. Aquí nacen el título y la idea de que el rock alcanza la talla del arte porque puede crear belleza, pero no todo el rock es arte. La Satánica Majestad se encarga de separarlo, como si limpiara los cocos y las varas de la mota: esto se fuma, esto no. Explica con hongos y ácidos el qué, los cuándos, los quiénes y los cómos, con el acento en los clásicos. En el 68 no eran clásicos aún, eran pioneros y exploradores contraculturales, y como anota Blanco: “Sólo José Agustín lo vio y lo dejó escrito con increíble claridad.”

ENSEGUIDA SE ENCHUFA la segunda edición, la de 1985 de la Editorial Universo, el libro que me electrocutó cuando lo leí a los quince años. Es un texto experimental, más amplio, anecdótico y rolaquero, que se mueve con un ritmo propio e innovador y cuenta la historia del rock desde los años cincuenta hasta mediados de los ochenta. Es una fusión veloz, alucinada y muy divertida del ensayo, la autobiografía, el nuevo periodismo, el gonzo y la onda: rock escrito. El tono de esta edición es más irreverente –evita la “seriedad” de la primera versión– y José Agustín abre otras puertas de conocimiento musical, literario y sensorial. El tipo de cosas que te acompañan toda la vida. Aquí refuerza la idea de que el rock es un puente entre la cultura popular y la alta cultura, de eso se trata el título que siempre me ha parecido genial porque une dos mundos en un parpadeo. Así me capturó, como a tantos otros. José Agustín conecta a primera leída para pasar corriente, sus palabras iluminan y vibran.

El cierre de José Agustín Ramírez actualiza y extiende el panorama musical. Además, se incluyen las respectivas discografías de cada edición, las primeras son de José Agustín y la última se hizo colectiva. Cada vez que tengo la oportunidad, propongo que La nueva música clásica sea un libro de texto gratuito en todas las secundarias del país. Un chico pasote para la educación.

[sonyclasica]

LÉON PHAL

NO PAIN NO CHAMPAGNE

Léon Phan ficha por Sony Masterworks y anuncia el lanzamiento de su EP digital No Pain No Champagne, disponible 20 de septiembre.

Reserva No Pain No Champagne

Léon Phal dice: "Es un orgullo para mí anunciar por fin mi fichaje por Masterworks. Gracias a Sony Music por su apoyo. Estoy deseando trabajar con este gran equipo, motivado y apasionado por la música, que me ayudará a llegar más lejos y a expresarme mejor como artista".

Hervé Defranoux, director de Masterworks Francia, afirma: "Nos llena de orgullo y emoción dar la bienvenida a Leon Phal a la familia Masterworks de Sony. Hemos seguido la corta, pero ya destacada carrera de Léon durante el último año y admiramos su arte tanto en los discos como en sus increíbles actuaciones en directo. Leon y su banda han sido absolutamente pioneros, tocando en una liga propia. También damos la bienvenida a través de esta colaboración a Franck Descollonges y su sello Heavenly Sweetness".

SOBRE EL ARTISTA: LÉON PHAL

El saxofonista Léon Phal agita actualmente la escena groove/electrónica/Hip Hop, pero se niega a dormirse en los laureles.

Este joven artista, brillante graduado en el Conservatorio de Música y ganador de varios premios al talento en Francia, representa la nueva y efervescente escena del groove, con un único deseo que se ha convertido en obsesión: llegar cada vez más lejos.

Superar los límites, haciendo bailar a la gente.

Mantener este curso de progreso constante significa romper con ciertas prácticas, así como liberarse de códigos y hábitos. Olvida las nociones académicas, aléjate de un enfoque puramente jazzístico y, sin perder el contacto, asócialo a los códigos modernos.

En lugar de partituras precisas, Léon Phal prefiere la inspiración del momento, la que surge cuando se sienta solo en su estudio frente a sus máquinas como un productor de electro o hip-hop. Buscando. Sintetizar ritmos, esbozar arreglos. Siente el ritmo a medida que se construye y se asienta. Secuenciación, looper. Buscar otra vez. El sonido correcto, la veta correcta a la que llegar. Que escuchar. Y, por último, reinterpretarlo todo. Ya no solo, sino con el núcleo de músicos que forman el quinteto. Conectados en las mismas frecuencias, respondiendo a las mismas referencias, fue con ellos con quienes se hicieron los dos álbumes anteriores, y con ellos con quienes se construyó y grabó Stress Killer.

Animado e impulsado por el deseo de hacer bailar a la gente, convierte una melodía casi infantil y unas pocas notas de teclado en las primeras chispas que encienden los ritmos. Los loops infernales de los que será difícil librarse, el foco de una intensidad que irá in crescendo hasta la liberación extática de los bailarines.

El saxofón de Léon Phal, maestro de ceremonias de esta fusión, libera notas que hablan al cuerpo en momentos de trance intenso y sudoroso, así como a la mente para viajes astrales bajo los sintetizadores.

La estética acústica de Léon Phal incorpora todo y a todos los que despiertan su curiosidad musical. Del dub al toque francés, de Jeff Parker a El Michels Affair. Una mirada regular por el retrovisor le asegura que los maestros que exploraron como nadie las teclas del saxofón, aquellos cuyos solos sigue estudiando, siguen siendo visibles; John Coltrane y su clásico Naïma se adornan entonces con una nueva pátina.

Su último álbum Stress Killer, publicado el año pasado, ha sido aclamado por la crítica y elogiado por el público. Se reeditará en noviembre con temas extra inéditos a través del sello Masterworks.

SOBRE EL NUEVO EP ‘NO PAIN, NO CHAMPAGNE’

Ligereza y sofisticación, amor y pasión: El nuevo EP de Léon Phal, No Pain No champagne, rinde homenaje a la herencia champañesa del saxofonista.

El origen del álbum es una firma característica del artista: el resultado de apasionadas conversaciones con el viticultor Stéphane Regnault, que le pidió que ilustrara 4 de sus añadas. Grabado en el estudio La Frette, un refugio del rock más que del jazz (Nick Cave, Arctic Monkeys), No Pain/No Champagne es un paso adelante para Léon Phal.

Al frente de un groove futurista nacido en la efervescencia de la década de 2010, el músico nacido en Champagne se deshace del ultramodernismo de sus anteriores lanzamientos para llenar su groove con una paleta vintage heredada de Ahmad Jamal o los Headhunters, una época casi fantaseada cuyos grooves se reproducen libremente. Léon siempre busca la rareza en todo lo que hace, el truco que ilumina el oído y lleva el jazz hacia el hip-hop nervioso con Oddisee, el lirismo conmovedor con Wolfgang Valbrun y el house dañado en “One Step Further". Es una forma de salir del encierro, de confrontar una cierta tradición con los códigos del rap, el electro o los tratamientos modernos del groove vintage.

Un groove de la vieja escuela en un entorno moderno, una línea clara sacudida por la historia de la música, por el sentimiento y la tecnología. Y sin duda también por el champán...

TRACKLIST DEL EP ‘NO PAIN NO CHAMPAGNE’

Healthy Ground

Life in a Wind

One Step Further

Shaped by Water

SOCIALS

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[djizselektortracks]

HISTORIA DE T. REX (PIONEROS DEL GLAM ROCK)

[julio-viernes]

Ian Whitcomb no pasó de ser un "one hit wonder" en los años sesenta, pero fue pionero total en incluir el viejo music hall remozado, modernizado (Mod Mod Music Hall) en el contexto beat-R&B del momento, incluso antes que los Kinks. No me malinterpreten, no quiero decir con esto que Whitcomb fuera mejor que ellos ni mucho menos. Ian no se puede medir con Ray Davies, para mí el gran genio del rock británico. Quiero decir lo que quiero decir, y creo que lo que digo es justo. Pionero.

1965 fue el año de Ian, tuvo éxito como parte de la British Invasion. Salió en los programas de tv norteamericanos Shindig, Hollywood A Go-Go y American Bandstand, tocó en el Hollywood Bowl con los Beach Boys y giró con los Rolling Stones, Kinks y Sam the Sham and the Pharaohs. Ian recuperó el ukelele para el pop antes de la sorprendente aparición de Tiny Tim, y es posible que hiciera "I´m Henry The Eighth, I´m", antes que Herman´s Hermits.

Su gran error, al menos comercial, fue decantarse por completo por los viejos estilos en su 2º y 3º elepés, discos que me resultan cargantes. En el primero supo compaginar sabiamente lo nuevo y lo antiguo.

La caprichosa, neurótica, "The End" fue la cara B exclusiva de "N-E-R-V-O-U-S!", su me-me-medio éxito de 1965, dando forma a uno de los sencillos más extraños y bizarros de la era. Johnny Walsh hizo una brillante versión un año más tarde.

[bodhisattvaang]

Fatboy Slim

DJ y productor musical británico

Norman Quentin Cook (nacido como Quentin Leo Cook; Bromley, Londres, 31 de julio de 1963), más conocido como Fatboy Slim, es un DJ y productor británico. Junto con otras bandas como The Prodigy y The Chemical Brothers, fue pionero en el género big beat, el cual es una combinación de hip hop, breakbeat, rock y rhythm and blues.

Brighton i360

(Buenos aires argentina)

British Airways i360 ,es una torre de observación de 162 metros en el paseo marítimo de Brighton, Inglaterra, Reino Unido, en el extremo terrestre del antiguo West Pier. La torre se inauguró el 4 de agosto de 2016. Desde el mirador totalmente cerrado, los visitantes pueden disfrutar de vistas de 360 grados de Brighton, South Downs, el Canal de la Mancha y en los días más claros es posible ver el cabo Beachy a 27 km al este y la isla de Wight a 66 km al oeste.

[trastornadosrevista]

LIT killah estrena su nuevo single "Dreams & Love"

A pocas semanas del lanzamiento de su nuevo álbum, el exponente argentino de la nueva escena del R&B urbano, presenta este single que marca a fuego el deseo encarnado en la fantasía.

El cruce fue casual, el deseo sigue intacto. Bajo este paradigma y tras el hit que fue “Carta de despedida” ft Milo J, LIT killah, arremete nuevamente en la escena para presentar “DREAMS & LOVE”, el nuevo anticipo de lo que será su tercer álbum de estudio, el cual se presentará próximamente.

Con esta canción, el artista bucea por el lado más urbano del R&B que hoy está generando un ascendente apogeo en Argentina con cada vez más fans que experimentan los sonidos derivados del Trap, la música urbana y el Pop de los 90 para contar nuevas historias. Señoras y señores, la nueva escena del R&B es un hecho y así lo demostró LIT killah con este video, dirigido por Maldo y El Doc, y producido por Blinders Audiovisual.

Grabado en un solemne hotel perdido de la ciudad, el video “DREAMS & LOVE” lo encuentra a LIT con una camarera (que podría ser la camarera o la camarera podría ser la encarnación de otra historia no resuelta) que se acerca a él para ofrecerle un Whisky On The Rocks. El momento es una excusa. Lo real pasa cuando él la ve: la cabeza ilimitada de LIT abre un universo paralelo de nostalgia y fantasía, una premonición del pasado, aquellas premoniciones que despiertan lo carnal: “Nena, te pido perdón, tuve una premonición, nos vi solos en el hotel, pero no en la habitación. Besos donde no se ven, aguantándome el calor, llegando a tu punto G, desperté solo” nos cuenta el pionero argentino de la música urbana, canalizando el deseo en canción: “Soñando que era para mí, soñando que te comía, Sex & Dreams, Dreams & Love”. Lo demás, queda en nuestras cabezas.

LIT killah está actualmente de gira por España, luego continuará por Ecuador, México y finalizará en el festival argentino Buenos Aires Trap.

[radio-tvmickyandoniesigloxx]

#undíacomohoy