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[elmartillosinmetre]

"Ser titular de una orquesta como la ROSS sería un placer"

[Giacomo Sagripanti ayer en el Maestranza, momentos antes de esta entrevista / Juan Carlos Muñoz]

El maestro italiano vuelve a dirigir a la ROSS, casi una década después, con un programa que incluye la Sinfonía de Réquiem de Benjamin Britten y la Sinfonía nº4 de Gustav Mahler 

El director italiano Giacomo Sagripanti (Giulianova, Abruzzo, 1982) dirigirá jueves y viernes en el Teatro de la Maestranza, donde tiene lugar esta entrevista, el programa Gran Sinfónico 3 de la ROSS, que, dentro del ciclo Andalucía Sinfónica, la orquesta sevillana llevará también el domingo al Villamarta de Jerez. Sagripanti vino por primera vez a Sevilla en febrero de 2014 para dirigir una Cenerentola de Rossini y un concierto sinfónico y regresó con la ROSS en noviembre de 2015.

Pregunta.–¿Qué recuerdos tiene de aquellos conciertos?

Respuesta.–Vine para hacer Cenerentola, pero el director que estaba previsto para el concierto sinfónico aquella semana tuvo una baja y, como era un programa italiano, me lo pidieron a mí. Lo recuerdo muy bien. Fue muy interesante, pero ahora es mejor porque tenemos tres días de ensayos en el mismo escenario del concierto y eso es un lujo.

P.–¿Cómo ha encontrado a la orquesta?

R.–Más joven. De repente se ha convertido en una orquesta de jóvenes. Eso es normal, porque en diez años se producen muchos cambios. Muchos de los que quedan me recordaban y vinieron a saludarme al camerino. Creo también que ahora es mejor orquesta. Lo aprecié desde la primera lectura. Fueron muy profesionales, muy atentos a todos los detalles y muy disciplinados. Pienso que han aprovechado estos diez años para mejorar.

P.–Viene de hacer un Nabucco en Toulouse y mirando su agenda le siguen Rondine, Don Pasquale, Turco in Italia, Traviata, Trovatore, Barbero... ¿Se considera básicamente director de ópera?

R.–Intento hacer cinco o seis programas cada año en sinfónico. El mes próximo debuto en la Philharmonie de París con la Orquesta de Cámara de París y la 7ª de Beethoven. Una muy buena orquesta con un programa muy interesante. Es cierto que he ganado mi fama haciendo ópera, y la ópera me permite trabajar en todos los grandes teatros del mundo, Viena, Londres, París, Madrid, este año también Nueva York. Pero intento siempre hacer programas sinfónicos con orquestas buenas. No he trabajado todavía con la Filarmónica de Berlín o la de Viena, pero puede ser que eso llegue algún día. Lo que me interesa es no parar con el sinfónico y hacer mucho repertorio, que es muy importante.

P.–¿Cuál es para un director la principal diferencia entre ambos repertorios, la ópera y el sinfónico?

R.–Hay enormes diferencias. En el estudio y en la técnica. El trabajo del director de ópera italiana es técnicamente el trabajo más virtuoso, el más difícil. Porque es un trabajo puramente técnico: en escena pueden pasar mil cosas y mantener la coordinación es esencial. El trabajo del sinfónico no tiene los problemas que tiene un teatro, el foso, la distancia, el coro, los solistas, la escena, pero tienes otras cosas que son detalles de trabajo musical. Es más fácil ir todos juntos con el sinfónico, porque hay solo una plantilla, pero es mucho más difícil buscar sonidos, atmósferas, los matices, es una cocina más refinada, si quiere. Para un director de ópera es importante hacer sinfónico, porque en el foso puedes utilizar este refinamiento del sonido que debes tener en el sinfónico. Es algo que te sirve para destacar detalles en una obra de Verdi, por ejemplo, en la ópera francesa o en Puccini, que es un compositor muy sinfónico, por no hablar de Wagner. Uno puede empezar haciendo ópera de joven y con el tiempo ir metiéndose en el sinfónico. Al revés es mucho más difícil, por esa cuestión técnica que le decía, porque tienes que acostumbrarte a muchísimas más cosas. Yo empecé con la ópera belcantista, pero siempre haciendo sinfónicos. Por supuesto que en ese terreno también hay obras de gran dificultad técnica –pienso en Stravinski, por ejemplo–, pero lo puedes preparar: el 99% de lo que ensayas sale en el concierto. En la ópera es imprevisible. Un día un cantante no tiene la voz como el día anterior y tienes que cambiar el tempo, las dinámicas..., y de todo eso tienes que darte cuenta sobre la marcha, en el foso, comprender la situación al instante y hacerlo.

"El trabajo del director de ópera italiana es técnicamente el trabajo más virtuoso, el más difícil. Porque es un trabajo puramente técnico: en escena pueden pasar mil cosas y mantener la coordinación es esencial"

P.–¿No lo han vuelto a llamar del Maestranza para una ópera?

R.–Muchas veces, pero no he podido por problemas de agenda. Este año me propusieron Turandot, y en este caso me lo impidió un problema familiar. Buscamos un proyecto más corto y salió este concierto, que me interesa muchísimo.

P.–Una obra no muy difundida en nuestro entorno, la Sinfonía de Réquiem de Britten, y una muy popular, la 4ª de Mahler...

R.–Me interesó mucho la propuesta. Primero, porque la obra de Britten no la había dirigido nunca. Segundo, porque temáticamente es muy interesante: todo el programa se modula en torno a la muerte. La obra de Britten es un Réquiem sin palabras. Cada uno de los tres movimientos lleva el título de un número de la misa de difuntos: Lacrymosa, Dies Irae, Requiem Aeternam. Eso parece significar que quiso dar una dirección muy clara a cada movimiento, y en este sentido es una obra si quiere expresionista, pero en la interpretación los dilemas son puramente musicales: mucho contrapunto, una orquestación muy interesante, muy del siglo XX. Todo se basa en la construcción del sonido. Mahler es otra cosa. La 4ª es la última de sus sinfonías Wunderhorn. Y la plantea como un viaje a la muerte, pero desde el punto de vista infantil. Toma el texto del poema y a la vez este concepto de muerte muy alemán y muy eslavo, porque la muerte en este mundo es una parte de la vida. Hay que aceptar la muerte con una sonrisa, como lo puede hacer un niño. Y esa es una idea muy mahleriana. Para nosotros los latinos tiene algo de macabro. Pero en la cultura alemana es normal: ver la muerte con los ojos de un niño y hacer bromas con la muerte. El primer movimiento de la sinfonía es una descripción muy infantil del mundo terrenal, de lo que pasa en la vida. Pero llega entonces una llamada de las trompas, que es la llamada de Dios, y empieza también a jugar con el fídel, el instrumento del diablo [Mahler lo representa con el primer violín en scordatura, un tono más alto]. Es el segundo movimiento, una danza de la muerte, otra figura típica de la cultura alemana, que Berlioz y Liszt también utilizaron. El tercer movimiento es el más mahleriano, el más profundo, el que expresa el sufrimiento por la muerte. Y en el cuarto se abre la puerta del paraíso para mostrar todo este mundo infantil, de una gran dulzura, hasta el punto de que todo termina como en un sueño. Estás vivo, y esa es la magia de la obra, que cierra todo un mundo en Mahler.

[Otra foto de Giacomo Sagripanti tras el ensayo del miércoles por la mañana en el escenario del Maestranza / Juan Carlos Muñoz]

P.–Cuando estuvo en Sevilla en 2014, la ROSS buscaba director y su nombre estuvo entre los candidatos. Ahora curiosamente la orquesta vuelve a buscar director, ¿lo han sondeado?

R.–No lo sabía. Me enteré al llegar. Yo no tengo de momento una orquesta y considerar una orquesta sinfónica del nivel de la ROSS es seguramente un placer. Creo que estas cosas dependen de muchos factores... He tenido algunos puestos de responsabilidad en teatros y orquestas, pero creo que son cosas que no pueden forzarse, tienen que salir de forma muy natural...

P. –¿Lo consideraría si se lo propusieran?

R.–Claro que sí, porque Sevilla es una ciudad que adoro, tengo muchísimos recuerdos extraordinarios de aquí. Y la orquesta tiene ahora mucho mejor nivel que hace diez años. Para mí como director italiano ser titular de una orquesta como esta sería un placer. Además hago ópera en los mejores teatros del mundo. Me consta que ha habido problemas de coordinación entre la ópera y los conciertos sinfónicos en este teatro. Y creo que sería la primera vez que en la ROSS puede haber un director artístico que también puede hacer ópera al máximo nivel. Sería una opción muy interesante, pero ya le digo que tiene que ser algo que surja de forma natural. Mi relación con los músicos de la orquesta está siendo muy buena, soy feliz por estar aquí y si en la orquesta también están contentos conmigo... Ya veremos lo que pasa.

[Diario de Sevilla. 10-10-2024]

[sonyclasica]

VALENTIN SILVESTROV, ALEXEI LUBIMOV Y VIKTORIIA VITRENKO

FORGOTTEN WORD WISHED TO SAY

El nuevo álbum refleja el profundo y conmovedor viaje musical del legendario compositor ucraniano Valentin Silvestrov, con la participación del pianista Alexei Lubimov y la soprano Viktoriia Vitrenko. Disponible el 2 de agosto.

Consíguelo AQUÍ

Valentin Silvestrov, el compositor contemporáneo más destacado de Ucrania reflexiona sobre su rico viaje musical y la agitación del exilio en Berlín en la nueva grabación Forgotten Word I Wished to Say. Galardonado con un premio OPUS Klassik en 2022, en las obras de Silvestrov se perciben las influencias de Mozart, Schubert y Mahler. Forgotten Word I Wished to Say, iniciado por el propio Silvestrov y en el que participan el renombrado pianista ruso Alexei Lubimov y la soprano ucraniana Viktoria Vitrenko, muestra composiciones de los años 70 a 2023, incluido el conmovedor ciclo vocal Stufen y piezas para piano compuestas por Berlín. Estas obras, impregnadas de nostalgia y romanticismo, revelan el genio melódico y la fuerza poética de Silvestrov. Destaca la interpretación de Lubimov de Kitsch-Musik, una suite para piano en varias partes inspirada en Schumann, Chopin y Brahms, y Three Pieces dedicada a la difunta esposa de Silvestrov. Las recientes Two Pieces from Berlin captan el dolor de la guerra en curso, pero terminan con una nota esperanzadora y luminosa, que simboliza un anhelo de paz. Como uno de los intérpretes más destacados de la música de Silvestrov, Alexei Lubimov aporta una profundidad y sensibilidad sin precedentes a estas representaciones. Forgotten Word I Wished to Say es una obra de belleza atemporal y pone de relieve la brillantez y profundidad emocional de la música de Silvestrov.

El compositor ucraniano contemporáneo Valentin Silvestrov es conocido por su música evocadora y profundamente emocional. Sus primeras obras recibieron la influencia de las técnicas vanguardistas, pero poco a poco fue desarrollando un estilo único que combina la sencillez con una profunda expresividad. La diversa obra de Silvestrov abarca una gran variedad de géneros, como sinfonías, música de cámara, obras corales y piezas para piano solista, y pone de relieve su capacidad para crear amplios paisajes emocionales. Su estilo se caracteriza por un enfoque posmoderno que a menudo incorpora elementos de tonalidad y melodía, lo que contrasta con sus anteriores experimentos, más vanguardistas. Este enfoque le ha valido ser reconocido por crear obras que tienen repercusión tanto en la sensibilidad tradicional como en la contemporánea. Silvestrov, figura importante de la música clásica, ha contribuido significativamente al diálogo entre la música moderna y la tradicional. Su capacidad para combinar la innovación con la accesibilidad ha hecho que su música resulte atractiva para un amplio público, asegurándole un lugar en el panteón de los grandes compositores contemporáneos. A través de su voz única, Silvestrov sigue inspirando a oyentes y músicos por igual, tendiendo puentes entre el pasado y el presente de una forma profundamente conmovedora.

El pianista Alexei Lubimov es uno de los músicos más originales de la actualidad. Su amplio repertorio, combinado con su dedicación a los principios y a la moral musical, hacen de él una figura destacada en la escena musical actual.  Alexei Lubimov ha desarrollado una doble pasión por la música barroca y clásica interpretada con instrumentos de época y por los compositores del siglo XX y contemporáneos. Ha sido aclamado internacionalmente, actuando con orquestas de renombre como las Filarmónicas de Helsinki, Israel, Múnich o Los Ángeles, la Royal Philharmonic de Londres, la Deutsches Symphonieorchester de Berlín o la Sinfónica de Toronto, bajo la batuta de los más importantes directores internacionales. En el mundo de la música de cámara, colabora habitualmente con famosos solistas y conjuntos en festivales de todo el mundo. Ha sido un gran defensor de la música de Valentin Silvestrov, y ha interpretado y grabado su música cuando era una gran desconocida para el público occidental.

Viktoriia Vitrenko es una destacada cantante ucraniana famosa por sus versátiles y potentes interpretaciones vocales. Formada en la Universidad Nacional de Cultura y Artes de Kiev, destaca en música clásica y contemporánea, con un repertorio que incluye ópera, canciones artísticas y composiciones modernas. Sus interpretaciones son célebres por su intensidad emocional y su precisión técnica, lo que le ha valido elogios tanto en Ucrania como a escala internacional. Vitrenko colabora con prestigiosas orquestas y directores, y aporta claridad y resonancia emocional a sus interpretaciones. Más allá de su carrera interpretativa, se dedica a tutelar a jóvenes cantantes y a colaborar en proyectos culturales de Ucrania, inspirando al público y defendiendo el rico patrimonio musical de su país.

TRACKLIST

CD 1 

Kitsch-Musik

1

I. Allegro vivace   

2

II. Moderato   

3

III. Allegretto   

4

IV. Moderato   

5

V. Allegretto   

Stufen

6

I. Widmung   

7

II. Elegie   

8

III. Meine Seele   

9

IV. Schon mischen sich die grauen Schatten   

10

V. Was wollt ihr Tage!   

11

VI. Elegie   

12

VII. Oh, meine prophetische Seele   

13

VIII. Ihr Schwestern - Schwere und Zärte   

14

IX. An den Schlaf   

15

X. Letzte Liebe   

16

XI. Das Wort bleibt ungesagt, ich find's nicht wieder   

Three Pieces for Piano Solo, Op. 204

17

I. Serenade   

18

II. Walzer   

19

III. Barcarole   

 Two Pieces for Piano Solo

20

I. Augenblick   

21

II. Wiegenlied   

[viviendopraga]

Hoy 8 de abril se celebra el Día Internacional del Pueblo Gitano junto a la celebración del 50 aniversario del Primer Congreso de la Comunidad Romaní. Además de celebrarse también el 42 aniversario de la institución de la bandera y el himno del pueblo gitano. Este año la celebración viene marcada por la pandemia del Covid -19. Tienen por identidad una bandera verde y azul donde destaca una rueda de carreta de color rojo en el centro. Simbolizando el cielo, el campo y el camino que emprendieron esta población nómada desde la India durante la invasión islámica del siglo IX. Su himno Gelem, gelem significa anduve, anduve. Fue compuesto por el músico romaní de origen serbio Žarko Jovanović, cuya letra es a la memoria de los gitanos y gitanas víctimas del nazismo. Quien habiendo huido de Belgrado ocupado por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial con su balalaika lanzó varios discos ambientados por los clubes nocturnos de París. Y hoy junto a la bandera quieren recordar en este día tan señalado la historia de este Pueblo. Rindiendo homenaje a las víctimas gitanas del genocidio nazi y de las distintas persecuciones a lo largo de los siglos. Este día se institucionalizó, años más tarde tras el primer Congreso mundial romaní-gitano celebrado en 1971. En la ciudad de Londres en Inglaterra. En este congreso se sentaron las bases para la Internacional Unión Roma, financiado por el Consejo Mundial de Iglesias y el Gobierno de la India, donde asistieron 23 representantes de nueve naciones. El día fue ratificado formalmente durante el IV Congreso Mundial Romaní en Polonia en el año 1990, para ser el primer Día Internacional del Pueblo Gitano. Ha día de hoy la comunidad gitana sigue luchando por ser reconocida como miembros de la sociedad y sigue haciendo frente a la discriminación. Quienes tampoco cuentan con mucho aprecio en la República Checa. Para la celebración de este día tan especial se han organizado de forma virtual, conciertos, debates y conferencias. Debido a las condiciones marcadas por la pandemia del Covid-19. Mientras que la Orquesta Filarmónica Checa con Ida Kelarová, ha organizado un concierto de gala con fusión de estilos de jazz, música clásica y romaní para conmemorar la ocasión. Y será transmitido en vivo por la Televisión Checa hoy jueves 8 de abril a las 20:15 horas.

[perspectivasdiferentes]

La mujer rompe barreras en el mundo de la dirección de orquesta sinfónica

Durante décadas, la dirección de orquestas sinfónicas ha sido un campo dominado ampliamente por los hombres. Sin embargo, en los últimos años las mujeres están logrando abrirse camino y posicionarse como directoras de grandes orquestas, rompiendo estereotipos y barreras de género.

Uno de los casos más notables es el de la venezolana Marin Alsop, quien desde 2013 es la directora musical de la Sinfónica de Baltimore, convirtiéndose en la primera mujer en ocupar este rol en una importante orquesta estadounidense. Varias décadas atrás esto hubiera sido impensado, ya que imperaba la idea de que las mujeres no estaban capacitadas para dirigir una agrupación de tal magnitud.

Otro hito lo marcó en 2016 la mexicana Alondra de la Parra, al convertirse en la primera mujer en dirigir la Orquesta Sinfónica de Londres, una de las más prestigiosas del mundo. Con su talento y carisma se ganó excelentes críticas, abriendo el camino para otras directoras emergentes.

En España también se han registrado avances, aunque más modestos. Beatriz Fernández Aguirre se convirtió en 2020 en la primera directora titular de una orquesta española, en este caso la Filarmónica de Málaga. Por su parte, Inma Shara logró en 2021 ser nombrada directora principal invitada de la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias.

Pese a estos logros, en la élite de la dirección orquestal sigue imperando el dominio masculino. Según un estudio reciente, apenas el 5% de las principales orquestas del mundo tienen una mujer como directora titular. Pero expertos vislumbran que se está produciendo un cambio positivo y que cada vez más mujeres accederán a puestos de liderazgo en este ámbito.

La presencia de directoras al frente de destacadas orquestas sinfónicas es un reflejo de la ruptura de estereotipos que se está produciendo en el mundo musical. Si bien queda mucho camino por recorrer, los avances son evidentes. El talento no entiende de género y, cada vez más, las mujeres están demostrando que tienen las capacidades para dirigir conjuntos musicales del más alto nivel.

[yolypiano]

Luis Mariano Rivera (Canchunchú, Estado Sucre, 19 de Agosto de 1906 - Carúpano, Estado Sucre, 15 de Marzo de 2002) fue un extraordinario cultor popular venezolano, recordado por su famosa canción Canchunchú Florido, dedicada al pueblo donde nació.  Su educación formal fue escasa, pero no impidió que su imaginación siguiera nutriéndose de experiencias de la vida y del paisaje natural, y destacarse como como poeta, dramaturgo, cantante y compositor, en una carrera que apenas comenzó a sus 48 años, cuando considera logró “meter un poco de luz” en su pensamiento no educado.

Escribió obras de teatro, poesía y las famosos canciones del folklore venezolano: Canchunchú Florido, La Guácara, Mi coma’e Juana María, Juana Francisca.   

Su obra fue merecedora de importantes reconocimientos que recibió en vida, como las Órdenes “Francisco de Miranda”, “Andrés Bello, “Antonio José de Sucre”, en sus primera clase; Doctorado Honoris Causa por parte de la Universidad de Oriente (UDO), otras condecoraciones en el ámbito académico, así como importantes compilaciones antológicas de su producción artística; y las inolvidables interpretaciones de sus canciones por artistas de la talla de Simón Díaz, Gualberto Ibarreto, Cecilia Todd, Serenata Guayanesa, la Orquestas Filarmónica de Londres, por nombrar algunos.

[eldizque]

Daddy Yankee dará un conciero al lado de la Orquesta Filarmónica de Londres

Daddy Yankee dará un conciero al lado de la Orquesta Filarmónica de Londres

El intérprete de reggaetón Daddy Yankee dará un concierto en el Royal Albert Hall de la Gran Bretaña, acompañado de la música de la Orquesta Filarmónica de Londres. Al parecer, la juventud inglesa ha comenzado a mostrar un notable interés en los ritmos latinoamericanos, así que la connotada orquesta espera acercarse un poco más ellos por medio de este trabajo conjunto. “Tuvimos algunos problemas…

[secretariadeculturachihuahu-blog]

Gabriela Díaz Alatriste dirigirá la Orquesta Filarmónica de Chihuahua como invitada de honor durante el magno “Concierto para Violín”

** Por primera vez, la titular de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, fungirá como directora huésped de la OFECH, al lado de la violinista chihuahuense Abigail Portillo como solista.

En el marco de la conmemoración del Día Internacional de las Mujeres, la Orquesta Filarmónica del Estado de Chihuahua (OFECH), brindará un concierto este 15 de marzo, en punto de las 20:00 horas, en el Teatro de los Héroes, en el que la directora de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, Gabriela Díaz Alatriste y la violinista chihuahuense Abigail Portillo, serán las invitadas de honor.

El “Concierto para Violín”, del compositor alemán Ludwig Van Beethoven, una melodía escrita para Franz Clement. El único concierto que Beethoven compuso para violín y una de las obras más  importantes del repertorio para este instrumento musical, será ejecutado por Abigail Portillo como solista, bajo la batuta de la directora huésped, Gabriela Díaz Alatriste, quien por primera ocasión dirige la OFECH.

Abigail es egresada del Conservatorio de Música de Chihuahua, en donde estudió bajo la enseñanza de la maestra Armine Onikovna. En el 2017 fue seleccionada para participar en “Cadenza International Summer Music” en Londres, e invitada por Krysia Osostowicz al curso “Música de Cámara Brebiguieres” en Francia. Actualmente forma parte de la sección de Violines I de la OFECH.

Díaz Alatriste fue subdirectora artística de la Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM), siendo la primera mujer mexicana en obtener la titularidad de una orquesta institucional, como directora de la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, del 2009 al 2013. Fue reconocida por el Instituto de las Mujeres del D.F. con la medalla “Omecihuatl 2013”, por su destacado trabajo, al favorecer el ejercicio de los derechos humanos de las mujeres y la igualdad de género. Además, recibió la medalla “Vasco de Quiroga a la Mujer del Año 2011”. 

La obertura de la famosa ópera bufa  “Las Bodas de Fígaro”, de Wolfgang Amadeus Mozart, serán interpretadas también durante la velada, y el esplendor de “Appalachian Springs”, del estadounidense Aarón Copland, cerrará este gran concierto.

Los boletos se encuentran a la venta en los restaurantes Dennys y en las instalaciones de la OFECH, en Avenida División del Norte y Avenida Universidad. El costo general del boleto es de 80 pesos. Aplican descuentos para docentes, estudiantes y personas adultas mayores presentando credencial vigente. La taquilla del teatro abre el mismo día del evento a partir de las 11:00 horas.

Para mayores informes comunicarse al (614)4144438, o en redes sociales de la orquesta, identificadas como @ofechoficial.  

[thinkwinwincom]

"Tár", reseña: ideas regresivas que coinciden con la estética regresiva

“Tár”, reseña: ideas regresivas que coinciden con la estética regresiva

El director James Levine fue despedido de la Ópera Metropolitana en 2018 luego de acusaciones de que abusó sexualmente de cuatro hombres, sus estudiantes, tres de ellos cuando eran adolescentes. El director Charles Dutoit renunció a su cargo en la Orquesta Filarmónica Real de Londres ese mismo año después de ser acusado de agresión sexual por varias mujeres. (Ambos hombres han negado las…

[elmartillosinmetre]

Abbado, el director superfluo

[Claudio Abbado (1933-2014) / UNIVERSAL]

Universal publica la integral de las grabaciones que atesora de Claudio Abbado, una impresionante colección que reúne 257 CD y 8 DVD

En junio, Claudio Abbado (Milán, 1933 – Bolonia, 2014) habría cumplido 90 años, y Universal ha publicado con tal motivo toda la producción grabada del director que conserva en los archivos de sus dos sellos clásicos por excelencia (Deutsche Grammophon y Decca). Se trata de una caja que incluye nada menos que 257 CD y 8 DVD, y se complementa con un libro que incluye ensayos de diversos críticos, productores, ingenieros de sonido e intérpretes que trabajaron con el músico, entre ellos, los pianistas Alfred Brendel, Evgenny Kissin y Yuja Wang. Los textos de este volumen se publican en inglés y alemán. El producto ha salido a la venta el 17 de febrero y si usted quiere hacerse con él deberá darse prisa pues la edición está numerada y limitada a 2650 copias. Su precio: 764,99 euros (web de Deutsche Grammophon); 730,08 euros (Amazon España).

La carrera de Abbado está marcada por sus premios juveniles (el Koussevitzky en 1958, el Mitropoulos en 1963), que le abrieron las puertas de las más importantes orquestas del mundo, su rápido acceso a los principales teatros de ópera italianos, que culmina con su larga titularidad al frente de la Scala milanesa (1969-1986) y una, también relevante, pero más corta como Director Musical de la Ópera Estatal de Viena (1986-1991) y, muy especialmente, su acceso al más prestigioso puesto del orbe musical clásico, la titularidad de la Filarmónica de Berlín como sucesor de Herbert von Karajan. Abbado es elegido en 1989, el año de la muerte de su antecesor, pero no ocupa efectivamente su puesto hasta 1992 (a la Expo sevillana de aquel año vino al frente de la Filarmónica de Viena, aún se recuerda su Titán de Mahler) y lo mantiene una década, hasta 2002. Desde entonces, su trabajo se concentra en los proyectos personales en torno a conjuntos que creó o impulsó decisivamente, la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta de Cámara Mahler, la Joven Orquesta Gustav Mahler, la Orquesta del Festival de Lucerna, la Orquesta Mozart.

La última etapa del director quedó fuertemente condicionada por el cáncer de estómago que le detectaron a principios del año 2000, que exigió una cirugía muy agresiva y le obligó a cancelar su agenda, aunque fueron pocos meses, ya que en octubre volvió a dirigir a la Filarmónica de Berlín e incluso realizó una gira por Japón. Las maneras directoriales del maestro cambiaron radicalmente desde entonces. Sus registros con la integral de Beethoven de 2001 lo muestran ya a la perfección: un despojamiento casi camerístico y un acercamiento a los postulados historicistas, en los que ahondaría en su trabajo con la boloñesa Orquesta Mozart, que toca con instrumentos de época, acercándose mucho más a Haydn, Mozart y a la música barroca, que no había frecuentado hasta ese momento (grabó los Conciertos de Brandeburgo de Bach en 2007).

El legado discográfico recogido en esta integral recorre casi medio siglo y pasa por muchos podios. Los más representados son obviamente los de las Filarmónicas de Berlín y Viena y el de la Sinfónica de Londres, orquesta con la que Abbado tuvo estrecha relación entre 1970 y 1985, pero también hay registros con las Sinfónicas de Chicago, Boston y Radio de Baviera, la New Philharmonia, la Staatskapelle de Dresde, la Orquesta de la Scala, la Joven Simón Bolívar y todos esos conjuntos citados antes de reciente creación.

Sin dejar de ser amplio, el repertorio hace especial hincapié en algunos nombres fundamentales. Destacaré cinco. De Beethoven se ofrecen las integrales sinfónicas con Berlín ya citada (la de 2001) y la de Viena de 1988, pero también hay grabaciones de sinfonías de los años 60 y por supuesto están los conciertos y oberturas en diferentes registros. También hay integrales brahmsianas con Berlín y Viena, mucho Mozart (la revisión del compositor se aprecia especialmente en las sinfonías grabadas ya en el siglo XXI con la Orquesta Mozart), casi dos ciclos completos de Mahler (Berlín, Viena, Chicago, Lucerna) y bastante Verdi. Esto nos lleva al terreno de la ópera, pues aparte de los registros con la Orquesta de la Scala (Macbeth, Simon Boccanegra, Un ballo in maschera, Don Carlos, Aida, además del Requiem) y del Falstaff con Berlín hay que añadir los registros mozartianos (Bodas de Fígaro con Viena; Don Giovanni con la Orquesta de Cámara de Europa-OCE; Flauta mágica con la Mahler Chamber) y rossinianos (Italiana con Viena, Barbero dos veces, con Londres y la OCE, con la que también registró Il viaggio a Reims, y Cenerentola con Londres), Fidelio (Mahler Chamber), Lohengrin (Viena), Carmen (Londres), Fierrabrás de Schubert (OCE), Khovanschina de Mússorgski (Viena), rescate este esencial que se une a tres títulos fundamentales del siglo XX, tres grabaciones que están en la cima de las referencias: Pelléas et Mélisande de Debussy, Wozzeck de Alban Berg y De la casa de los muertos de Janáček, las tres con la Filarmónica de Viena. La obra de Janáček se incluye además en uno de los 8 DVD, siendo el único auténtico inédito de la colección. Además de algunos conciertos sinfónicos, esos registros audiovisuales traen también una Cenerentola y un Barbero de Sevilla.

[Una imagen del director en sus últimos años]

Para terminar con el repertorio, cabe citarse la preocupación de Abbado por la música contemporánea, que se cifra en registros (comparativamente, poco abundantes) de Nono, Kurtág, Stockhausen (Grüppen), Sciarrino, Ligeti, Xenakis, Rihm o Furrer. En cuanto a los colaboradores, se repiten los nombres de Pollini, Serkin (casi todo el Mozart), Argerich, Pires, Gulda, Brendel, Kissin, Shlomo Mintz y hay recitales con Ghiaurov, Netrebko, Alagna o Kaufmann. Algunas obras se repiten hasta tres veces. Es el caso del Concierto para piano de Schumann: Pollini (Berlín), Brendel (Chicago), Pires (OCE).

Aunque siempre se destacó su militancia comunista, Abbado fue una figura esencial del star system de la clásica desde los años 70. Fue también un hombre discreto, que hablaba poco, incluso en los ensayos, pero se transfiguraba en los conciertos (“había algo explosivo en su actitud: cada movimiento de sus manos y brazos, cada mirada en sus ojos transmitía un sentido de conjunto”, dijo de él el barítono Thomas Quasthoff). Sus gestos delicados, casi ingrávidos fueron luego imitados por muchos. Daniel Harding, asistente suyo en Berlín, y uno de sus principales discípulos de hoy, recuerda que el foco estaba puesto siempre en el compositor, que “su idea era hacerse superfluo como director de orquesta”. Acaso por eso, a medida que cumplía años, Abbado dejaba que tras la música creciera el silencio. Hay una grabación de 2009 con la Orquesta del Festival de Lucerna en la que arrancó del público casi dos minutos y medio de silencio tras el final de la 9ª de Mahler. Impresiona ver la transfiguración de su rostro y de su gesto durante ese tiempo.

[Diario de Sevilla. 19-02-2023]

[sonyclasica]

PIERRE BOULEZ

PIERRE BOULEZ CONDUCTS ARNOLD SCHOENBERG: THE ESSENTIAL RECORDINGS

Sony Classical publica Pierre Boulez Conducts Arnold Schoenberg: The Essential Recordings con motivo del 150 aniversario de Arnold Schoenberg. Disponible el 26 de julio.

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Arnold Schoenberg, una de las figuras musicales más influyentes del siglo XX, nació en Viena en 1874. Sony Classical celebra el 150 aniversario del nacimiento del gran compositor con la reedición de 20 CD de grabaciones de CBS/American Columbia. La empresa fue pionera en documentar los logros de Schoenberg y ya demostró ese compromiso durante su vida (murió en 1952). En 1940, con el compositor al frente, Columbia Masterworks produjo la primera grabación de una de sus obras más cautivadoras y revolucionarias, Pierrot lunaire; y en los años 50 y 60, el sello emprendió una innovadora serie de varios volúmenes titulada " The Music of Arnold Schoenberg". Pero podría decirse que ninguna grabación ha hecho más por promover la causa de las obras orquestales y vocales de Schoenberg que las de Pierre Boulez, mientras que ninguna ha hecho más por promover su música de cámara que las del Cuarteto Juilliard. Sony Classical presenta ahora todo el Schoenberg de Boulez para CBS/Columbia en una caja de 13 CD, y todo el de Juilliard en un conjunto de 7 discos.

"He hecho todo lo posible por que las obras maestras de Stravinsky y Schoenberg sean aceptadas", declaró Pierre Boulez. "Especialmente Schoenberg". Era fiel a su palabra. La serie de grabaciones de Schoenberg para CBS, que se prolongó durante más de una década, abarcó la mayor parte de la producción del compositor. Verklärte Nacht fue la primera: la realizó con la Filarmónica de Nueva York en 1973, en el ecuador de su mandato con la orquesta (aunque no se publicó hasta 1979).

El proyecto se puso realmente en marcha en otoño de 1974 con la Sinfónica de la BBC (Boulez era entonces también director musical de esa orquesta), solistas y coros en las dos obras más importantes del compositor: el oratorio Gurrelieder ("El estilo cálido y expresivo de Boulez, que utiliza tempi lentos y exuberantes, saca a relucir la calidad operística que se esconde tras la enorme partitura de Schoenberg" - Penguin Guide) y su única ópera completa, Moses und Aron ("Una interpretación apasionante y conmovedora" - Gramophone). Ambas grabaciones obtuvieron nominaciones a los Grammy. A continuación, Boulez abordó una enorme parte de la producción del compositor -obras tanto de gran envergadura como pequeñas, vocales e instrumentales, bien conocidas y casi nunca interpretadas- en grabaciones realizadas con las fuerzas británicas en Londres y las fuerzas francesas en París.

Al reseñar toda la serie, el crítico del New York Times John Rockwell escribió: "Lo que distingue sobre todo a su forma de hacer música es su extraordinario cuidado. Nada suena superficial o descuidado. El fraseo tiene un sentido constante, pero hay algo más: El Sr. Boulez ama esta música y su amor la llena de vida. ... Ha hecho de esta música parte de su tradición y, por tanto, de la nuestra. Le da forma como debe darse forma a cualquier gran música, con una atención consciente a la melodía, el ritmo, el equilibrio y el pulso interior". Los críticos de Gramophone han calificado el proyecto Schoenberg de Pierre Boulez, ahora recopilado por Sony Classical completo en 13 CD, como "una absorbente visión general del encuentro de un gran modernista musical con su precursor compositivo más significativo" y "una brillante inteligencia musical y crítica que da vida de forma convincente a parte de la música más desafiante, memorable y olvidada del siglo XX".

Contenido Del Set:

DISC 1/2:

Schoenberg: Gurre-Lieder

DISC 3/4:

Schoenberg: Moses und Aron

DISC 5:

Schoenberg: Pierrot Lunaire, op. 21

DISC 6:

Schoenberg: Verklärte Nacht, op. 4 (Version for String Orchestra (1943)

Berg: Three Pieces from "Lyric Suite" (Arranged for Orchestra)  

DISC 7:

Schoenberg: A Survivor from Warsaw, op. 46  

Schoenberg: Variations for Orchestra, op. 31

Schoenberg: Five Pieces for Orchestra, op. 16

Schoenberg: Accompaniment to a Cinematographic Scene, op. 34

DISC 8:

Schoenberg: Serenade, op. 24

Schoenberg: Lied der Waldtaube from Gurre-lieder (Version for Chamber Orchestra)  

Schoenberg: Ode to Napoleon Buonaparte, op. 41

DISC 9:

Schoenberg: Die Jakobsleiter (Fragment)

Schoenberg: Erwartung, op. 17

DISC 10:

Schoenberg: Die glückliche Hand, op. 18  

Schoenberg: Chamber Symphony No. 1, op. 9

Schoenberg: Chamber Symphony No. 2, op. 38

Schoenberg: 3 Pieces for Chamber Orchestra

Schoenberg: 4 Orchestral Songs, op. 22

DISC 11:

Schoenberg: Suite, op. 29

Schoenberg: Verklärte Nacht, op. 4  

DISC 12:

Schoenberg: Friede Auf Erden, op. 13  

Schoenberg: Kol Nidrei, op. 39  

Schoenberg: 3 Volksliedsätze, op. 49

Schoenberg: 2 Kanons

Schoenberg: 3 deutsche Volkslieder

DISC 13:

Schoenberg: 4 Pieces, op. 2

Schoenberg: 3 Satiren, op. 28

Schoenberg: 6 Pieces, op. 35 

Schoenberg: Dreimal Tausend Jahre, op. 50a

Schoenberg: Psalm 130, op. 50b

Schoenberg: Moderner Psalm Nr. 1, op. 50c

[viviendopraga]

Hoy 8 de abril se celebra el Día Internacional del Pueblo Gitano junto a la celebración del 50 aniversario del Primer Congreso de la Comunidad Romaní. Además de celebrarse también el 42 aniversario de la institución de la bandera y el himno del pueblo gitano. Este año la celebración viene marcada por la pandemia del Covid -19. Tienen por identidad una bandera verde y azul donde destaca una rueda de carreta de color  rojo en el centro. Simbolizando  el cielo, el campo y el camino que emprendieron esta población nómada desde la India durante la invasión islámica del siglo IX. Su himno  Gelem, gelem significa anduve, anduve. Fue compuesto por el músico romaní de origen serbio Žarko Jovanović, cuya letra es a la memoria de los gitanos y gitanas víctimas del nazismo. Quien habiendo huido de Belgrado ocupado por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial con su balalaika lanzó varios discos ambientados por los clubes nocturnos de París.  Y hoy junto a la bandera quieren recordar en este día tan señalado la historia de este Pueblo. Rindiendo homenaje a las víctimas gitanas del genocidio nazi y de las distintas persecuciones a lo largo de los siglos. Este día se institucionalizó, años más tarde tras el primer Congreso mundial romaní-gitano celebrado en 1971. En la ciudad de Londres en Inglaterra. En este congreso se sentaron las bases para la Internacional Unión Roma, financiado por el Consejo Mundial de Iglesias y el Gobierno de la India, donde asistieron 23 representantes de nueve naciones. El día fue ratificado formalmente durante el IV Congreso Mundial Romaní en Polonia en el año 1990, para ser el primer Día Internacional del Pueblo Gitano. Ha día de hoy la comunidad gitana sigue luchando por ser reconocida como miembros de la sociedad y sigue haciendo frente a la discriminación. Quienes tampoco cuentan con mucho aprecio en la República Checa. Para la celebración de este día tan especial se han organizado de forma virtual, conciertos, debates y conferencias. Debido a las condiciones marcadas por la pandemia del Covid-19. Mientras que la Orquesta Filarmónica Checa con Ida Kelarová, ha organizado un concierto de gala con fusión de estilos de jazz, música clásica y romaní para conmemorar la ocasión. Y será transmitido en vivo por la Televisión Checa hoy jueves 8 de abril a las 20:15 horas.

[eikyolove]

Midori es una artista, activista y educadora visionaria, con una trayectoria única que ha traspasado los límites tradicionales a través de su impulso implacable para explorar y construir conexiones entre la música y las experiencias humanas. Midori aporta la misma innovación dinámica y visión expresiva que la ha convertido en una destacada violinista en otros ámbitos como reconocida embajadora cultural mundial y educadora musical. Midori sorprende regularmente a públicos de todo el mundo, llevando cuidadosamente una precisión y una expresividad íntima que permite que el público no sólo escuche la música, sino que se mueva con ella. Ha actuado con, entre otras muchas, las orquestas sinfónicas de Londres, Chicago, Boston y San Francisco, las filarmónicas de Berlín, Viena, Nueva York, Los Angeles, San Petersburgo y República Checa, la Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks y la Mahler Chamber Orchestra. Hoy, actúa en el @palaumusicacat de Barcelona. (en Palau de la Música Catalana) https://www.instagram.com/p/COIFN4ehKji/?igshid=1tuzw5xsd0pkx

[androidmaniaco]

6,63GB de un gran MMORPG llamado Genshin Impact a lo Zelda: Breath of the Wind

6,63GB de un gran MMORPG llamado Genshin Impact a lo Zelda: Breath of the Wind

Vamos a empezar fuerte: Genshin Impact es un nuevo MMORPG a lo Zelda: Breat of the Wind con un estilo visual excelente y una serie de habilidades técnicas que te llevan a un combate inesperado.

Es decir, que hablamos de todo un MMO en el que los hechizos de fuego quemarán literalmente todo lo que te rodee, para que incluso haga menos efecto si un enemigo se baña en agua y pueda protegerse de tus magias. Un juego en tiempo real con mundo abierto en el que el entorno «sirve» para algo, ¡vamos a ello!

Los detalles importan y los 6,65GB también

Cuando comienzas a jugar a Genshin Impact, luchas con tu primer enemigo, mantienes pulsado el botón de ataque de una de tus habilidades, tu avatar comienza a realizar conjuros hasta soltar todo un hechizo potente y ver como el enemigo sale despedido a una buena distancia, comienzas a pensar que no estás ante un juego cualquiera; y más si hablamos de un juego para móviles.

Si nos vamos después a estar ante un juego que pesa sus 6,65GB y que te vas a tener que descargar, no estamos ante uno cualquier. Incluso los gráficos impactan tanto que cuando pasas la cinemática de introducción al juego, ves como tu avatar se queda parado esperando tu mismo a que cargue la pantalla cuando te das cuenta que ya estás jugando. Lo controlas, y esos gráficos son los mismos. La verdad, que increíble en este sentido.

Y así empiezas a frotarte las manos porque quizás puedas encontrar un MMORPG a lo Zelda: Breath of the Wild donde un mundo abierto te espera para comenzar las mejores de las aventuras con tus colegas; ah, y porque no también puedes darle a nuestro juego del mes de septiembre y que a nivel visual y técnico, aunque ante otro estilo, lo rompe también.

Y dos gemelos llegan al mundo de Genshin Impact

Si hemos hablado de lo grande que es el sistema de combate, solamente hemos dado una pista de lo que es, ya que tenemos una serie de elementos que hemos de dominar: Anemo, Electro, Hydro, Pyro, Cryo, Dendro y Geo. Todos ellos relacionado a lo electro, al frío o mismamente al fuego.

Y es aquí donde entran las dinámicas cooperativas para que con otros jugadores puedas combinarlos y crear efectos más poderosos para acabar con jefes finales y más. Es este aspecto de este nuevo MMORPG con mundo abierto donde nos lleva a disfrutar en compañía.

Estamos diciendo que un mundo abierto persistente y no pobre en detalles, sino que tienes sus montañas, ríos y mucho más. Estos elementos geográficos tendrán que ser explorados en su medida para que incluso puedas escalar, así que no le falta de nada a un juego por descubrir y que más bien estamos haciendo un preámbulo de todo lo que ofrece.

Crossplatform y una banda sonora única

Genshin Impact nos ofrece la habilidad de poder jugar desde distintas plataformas, así que te vas a dar cita con más jugadores que provienen de consola o PC. Todos a disfrutar de un juego del que podemos incluso alabar su gran banda sonora interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de Shanghái. Tampoco podemos echar en falta del equipo y esa subida de nivel para poder enfrentarnos a todo tipo de monstruos.

Un MMORPG que es toda una oda a lo visual para dejarnos maravillados con ese lenguaje visual a lo manga. Un mundo rico de detalles, animaciones perfectamente calibradas y una paleta de colores que nos recuerda al juego de Nintendo. Está en español, así que no vamos a tener ningún problema en conocer la historia y esos personajes que pasarán ante nosotros como si estuviéramos viviendo nuestra propia historia. Podríamos seguir hablando de la maravilla que es, pero os dejamos el resto para que lo probéis por vosotros mismos.

Genshin Impact llega a Android con sus 6,63GB de instalación y con toda la fuerza y empuje para convertirse en uno de los MMORPG del año. Todo deslumbra en el y será cosa de ir conociendo su contenido cuando tengamos mucho nivel para ver si es capaz de retener a los jugadores. Todo será cuestión de ir añadiendo nuevo contenido con actualizaciones.

Opinión del editor

Si buscas un MMORPG de gran calidad y para echarle horas, lo acabas de encontrar.

Puntuación: 7,7

Lo mejor

Visualmente es impactante

Entornos muy vivos y un mundo abierto persistente

El diseño de los personajes y sus animaciones son de fábula

El combate gusta mucho y los hechizos interactúan con el entorno

Visualización de personajes y hechizos bien lejana

Está en español

Lo peor

Que no tenga voces en español

Descarga Aplicación

Genshin Impact (Free, Google Play) →

Androidsis https://ift.tt/341oQ9O

[fredymetalshow]

07 de junio del 2004. La banda finlandesa de power metal sinfónico Nightwish, lanza su quinto álbum llamado ''Once''. Por mantener una gran fama a nivel mundial, consiguierón un presupuesto de grabación mayor y Tuomas decidió contratar una orquesta para acompañar el álbum de la banda la elegida fue la famosa Orquesta Filarmónica de Londres, cuyos músicos grabaron todas sus partes en tan solo ocho horas en el estudio. Once fue el último trabajo con Turunen la cual es despedida por una carta abierta escrita por Tuomas. Durante su primera semana de lanzamiento, Once entró en el número uno en Grecia, Noruega, Finlandia, y Alemania, además en ese país vendió 80 000 copias. https://www.instagram.com/p/CBKR2DVl7vt/?igshid=1hcewyj46ckhe

[alterna2mag]

Tindersticks en el Palau de la Música (Festival Mil·lenni)

25.02.2020 | Palau de la Música Catalana | Organiza: www.concertstudio.com

A finales de 2019 tindersticks lanzarán su 11º disco y se pasarán el 2020 presentándolo por todo el mundo.

Nacidos en Londres en 1992, los tres miembros fundadores de Tindersticks, Stuart A. Staples, David Boulter y Neil Fraser se unieron y rejuvenecieron a finales de la década pasada con la incorporación de Dan Mckinna y Earl Harvin Jr.

Después de diez álbumes de estudio y de ocho bandas sonoras (estas, para la reconocida directora Claire Denis), tindersticks continúan forzando los límites para explorar nuevas texturas y emociones en su música.

Durante los últimos 25 años tindersticks han sido unos habituales de las mejores salas de conciertos de Europa, así como invitados recientemente a participar en los programas inaugurales de las filarmónicas de París y Hamburgo. A menudo han colaborado con orquestas, tanto como músicos como vocalistas. Han grabado también dúos con artistas como Lhasa de Sela, Mary Margaret O’Hara e Isabellla Rossellini.

Su música ha sido utilizada en varias instalaciones de arte, así como en proyectos de danza y teatro, en espectáculos de moda y en numerosas películas y producciones televisivas. En 2014 fueron los comisionados encargados de crear los paisajes orquestales de la representación del poema «In Flanders Fields» en el museo WW1, de la ciudad belga de Ypres. Su último disco, «The Waiting Room» (2016), fue también una colaboración con el festival internacional de cine Short Film de Clemon-Ferrand, del cual fueron curadores y donde se encargaron de la creación de una serie de filmaciones relacionadas específicamente con su música. En 2017 Stuart Staples dirigió su primera película, «Minute Bodies – The Intimate World Of  F. Percy Smith» y en 2018 puso banda sonora a la aclamada película de Claire Denis «High Life», a la cual la banda contribuyó con la canción «Willow», cantada por Robert Pattinson.

[turismocero]

X festival de música de los siete lagos

En el imponente marco natural de Villa La Angostura y San Carlos de Bariloche, del 20 al 31 de enero de 2020, se llevará a cabo la décima edición del Festival de Música de los Siete Lagos, con Dirección Artística de Germán Clavijo (Director  Musical), Teresa Usandivaras (Profesora de Iniciación Musical) y Alexander Panizza (Pianista argentino-canadiense de formación internacional). Cada año, el Festival busca acercar a la región un programa de música de cámara a cargo de destacados artistas internacionales.

“Nos da mucha satisfacción a quienes hemos contribuido de muchas maneras a la realización de este Festival, desde hace ya diez años, poder ofrecer al público conciertos y actividades de formación de calidad, con artistas de renombre internacional. A lo largo de cada una de sus ediciones y gracias al trabajo ininterrumpido, el Festival de Música de los Siete Lagos creció hasta posicionarse como un hito en la agenda cultural de la región, atrayendo tanto a músicos como oyentes grandes y jóvenes, locales y a turistas, de muy diversas procedencias, que visitan Villa La Angostura y comparten estas jornadas cada verano” dijo Andrés de la Cruz, presidente de la Asociación Filarmónica de los Siete Lagos, organizadores del Festival. Esta edición contará, tanto para los conciertos de cámara como para las actividades de formación, con la presencia de: Alexander Panizza (Canadá -Argentina); Simone Bernardini (Italia), Amalia Hall (Nueva Zelanda) y David Mc Carroll (Estados Unidos) en violín; Mathieu Herzog (Francia) en viola; y Pierre Doumenge (Francia) y Bartholomew LaFollette (Estados Unidos) en violoncello. Para celebrar el décimo aniversario, su sumará también el cuarteto de cuerdas Échea integrado por músicas del Royal Academy of Music de Londres. Por último, el barítono Víctor Torres (Argentina) y el pianista Fernando Pérez (Argentina) serán los invitados de lujo para un concierto especial dedicado a Schubert. Además, año tras año en el marco del Festival, la Asociación Filarmónica de los Siete Lagos patrocina las actividades de la Academia Músical de los Siete Lagos, un espacio de formación de características únicas en Argentina. Dependiendo de la edad y el nivel de formación de los jóvenes músicos postulantes, se agrupa a los seleccionados en dos formaciones: Sonidos de Huemul para niños de 11 a 20 años (que en 2020 cumplirá su décima edición) y la Camerata Siete Lagos para jóvenes de 18 a 28 años (quinta edición con una orquesta de cámara juvenil entrenada en la tradición formativa europea). Tras diez años ininterrumpidos, gracias al trabajo colaborativo con la Municipalidad de Villa La Angostura y el apoyo del Consejo de las Artes de Canadá, el Festival de Música de los Siete Lagos es un hito que marca la agenda cultural de la región de los Siete Lagos y posiciona a Villa La Angostura en el calendario de festivales de música clásica que atraen intérpretes y público de todo el mundo. SOBRE LA ASOCIACIÓN FILARMÓNICA DE LOS SIETE LAGOS La Asociación Filarmónica de los Siete Lagos fue fundada en 2005 y busca promover la cultura musical y el conocimiento de los intérpretes nacionales y extranjeros en la zona cordillerana patagónica. Es así como en 2020 suma a sus actividades la primera edición de la semana musical 7 LAGOS-JAZZ. Del 3 al 7 de febrero de 2020 la región contará por primera vez con cuatro días dedicados a la música Jazz, albergando a artistas de primer nivel que brindarán recitales y workshops abiertos al público. Read the full article