#navet 2017

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DSJ3: ”Stenhimlen”.

Originaltitel: The Stone Sky. Serie: Den Söndrade Jorden (The Broken Earth #3).

Författare: N.K. Jemisin. Översättare: Jan Risheden.

Publicerad: 2017 (på svenska 2019). Medium: eBok/Norstedts.

Läses tillsammans med @kulturdasset​ i vår Läsecirkel.

Delmål 1 (Kapitel 0P–02).

Det första kapitlet gör ett bra jobb med att återintroducera läsaren till storyn utan att det känns som ett ”detta har hänt”-referat. Man glider lätt in i handlingen igen och påminns om viktiga detaljer.

Prologen är intressant, inblicken i den värld/era som skapade obeliskerna är intressant. Skall bli intressant att se om vi får göra fler besök i Syl Anagist. Jag hoppas det.

Essun och Hoa verkar utveckla samma synergi/förhållande som Alabaster och Anemon hade. Utväxlandet när Hoa äter Essuns förstenade arm känns nästan ritualistisk. Nassun och Stål kommer antagligen gå samma väg.

Samtidigt får vi följa efterspelet hos Nassun, och genom herre få en känsla av tiden som förflutit. Där tar vi vid i princip där obeliskporten slutar.

Vi får också möta de vetenskapsmänniskor som skapade obeliskerna. Och hänvisningen till en ”plutonisk motor” stärker de kopplingar jag gjorde till kärn-/atomkraft under de tidigare böckerna. Det stärker också bilden av att de var/är någon form av kraftkälla som missbrukats?

Inblicken i vad som måste vara orogenesins barndom är intressant och deras sätt att döpa sig stärker kopplingarna mellan orogener och stenätare. Är den ”revolution” det talas om det som leder till jordens nuvarande tillstånd? Blir vetenskapspersonerna vi möter här de första stenätarna? Jag tror det. Alabaster sade ju att många av dem varit med sedan före världens fall.

 Delmål 2 (Kapitel 03–04).

Essun försöker lappa ihop saker med Ykka, men den senare är inte så upprörd över vad som hände som Tonkee först fick oss att tro. Ykka är dock putt över att Essun egentligen aldrig bondad med den övriga kommen. Samtidigt som Ykka ger Rennanis-fångarna chansen att bli en del av kommen så närmar de sig en öken de måste korsa för att komma fram till staden Rennanis och där väntar nästa bekymmer: hur skall man få protein nog för att folket skall överleva? Allt verkar luta åt att man kan förvänta sig en viss kannibalism här innan det är klart.

Det är uppenbart att det väntas ett möte mellan Essun och Nassun – och en del av mig började misstänka att det skulle ske i Rennanis. Nu är jag inte så säker. Den stad som Stål pratar om kan mycket väl vara samma stad som Alabaster besökte med Anemon, den som även kallas ”kärnpunkten” och av det namnet att döma handlar det samtidigt om den stad vi besöker i forntiden ”Syl Anargist” efter mycket av det som slet världen itu verkar stamma från den staden.

”Syl Anagist”-rubrikerna verkar desstuom räkna ned till något. Med all säkerhet det som slog månen ut sin bana och skapade den 5e årstiden.

Det återstår att se huruvida personerna vi möter i staden (just nu) kommer visa sig vara orogener eller stenätare. Eller kanske – sett till den utveckling vi ser hos Alabaster, Essun och möjligen Nassun så kanske det inte är någon skillnad?

Inte mycket intressant sker Nassun under detta delmål – dock så är det kanske intressant med Shaffas bakgrundshistorik och hur han plötsligt fick instruktioner att lära upp orogener som kunde koppla upp sig mot obelisker (jag antar att det handlar om dem av dem som han förmågan att leda silvret/magin).

Så vad tror vi de här ”stationerna” som Stål pratar om är? Personligen tror jag på tåg- eller tunnelbana. Eller en avart av de bägge som växt fram senare i tidslinjen.

 Delmål 3 (Kapitel 05–06).

När Castrima beger sig in i stenskogen får sig Essun flera överraskningar: en är att hennes förmågor förändras och en annan att hon träffar en gammal vän/bekant från navet. ”Maxixe” från hennes tid som Damaya/novis där. Och det enda intressanta som händer är väl att han, och hans följare, erbjuder sig att ansluta sig till Castrima inklusive sitt eget (och deras nu avpolletterade rivalers) förråd.

Vi får reda på platsen som Nassun och Schaffa är på väg till, och lite börjar man misstänka att det handlar om Syl Anagist. Både av beskrivningen och det faktum att vi gör besök där redan. Jag har för mig att man talade om att ”uppskjutningsplattformen” låg under jord i ett av de tidigare kapitlen. Här får man för första gången bekräftat att det verkar handla om någon form av kärnkraft.

Scenen på museet är intressant, både att man redan i Syl Anargist verkat bygga vidare på gammal bortglömd teknik men också att de som byggde konstverket de beundrar var gruppen själva. Är det med andra ord någon form av tidsresa involverad?

 Delmål 4 (Kapitel 07–08).

Essun besöker Funna Månen och får reda på att hon numera kan titulera sig som änka, men också att Nassun lämnat stället med Schaffa. Intressant här att det inte är förräm nu som Essun inte ser att hon format Nassun till en kopia av sig själv, och det återstår att se vad Scaffas närvaro kommer göra för Nessun. Den kan både vara till godo och till ondo – klart är att det verkar som om både ”Stål” och Schaffa vill skydda Nassun mot den andre. Men är det så att det egentligen är Essun som kommer fungera som motpol?

I det här delmålet blir det också relativt uppenbart att Jemisin glömmer hålla isär magi och silver som begrepp. Nassun använder ibland begreppet ”magi” trots att det var något Alabaster sade till Essun och jag tror Essun omnämnt det som ”silvret” tidigare. Att uttrycket silver ”hittas på” av flera personer är inte så konstigt, för trots allt det grundar sig ju på utseendet. Men ”magi”? Jag fick intrycket av att det var ett gammalt bortglömt uttryck Alabaster plockade upp från stenätarna.

I den tredje djupdykningen i Syn Anagsit får vi reda på bakgrunden till staden, och hur stor den var. Och vi får lära känna Niesserna, det folkslag som lärde sig använda magin bäst och som ”stämmarna” är modellerade efter. Stigmat och anti-vågorna de möter på sin promenad har givetvis sin rot i författaren själv, jag uppskattar hur författaren väver in dess tyngd utan att det blir ”skriva på näsan” av det.

Avslutningsvis en intressant notering från vår käre innovatör Yaetr (som jag tror vi fått följa i varje kapitel denna bok hittills) om att årstiderna antagligen kommer oftare än vad som trotts och att orogenerna är de enda som stått mellan mänskligheten och total undergång.

Delmål 5 (Kapitel 09–10).

Intressant detalj som avslöjas om Danel, att hon egentligen är Lorist. Undrar om det kommer få bäring längre fram – är det hon som berättar? Jag har utgått från att det är Hoa som gör det, och mycket skvallrar om det, men nu börjar jag undra. Jag passar också på att minnas att Nassun, träffade en lorist innan årstiden och att hon hade viss önskan att bli en.

Jag ser det också som intressant att Essun, som tidigt i boken drevs helt av sitt sökande efter dottern, nu när hon verkar bestämt sig för att hålla sig på avstånd tappar verklighetsförankringen precis som Alabaster gjorde. Är det ett tecken på att hon genomgår samma förändring?

Nassun gör en resa genom jordens inre, och Schaffa genomgår ett elddop i ljuset från sin mästare. Det intressanta här är givetvis vad vi får veta om magin/silvret och hur man gick till ytterligheter för att pumpa upp den (precis som vi gör med olja). Och innan resan är slut har Schaffa gett sig av. Jag antar att det innebär att han är samma lallande galning som vi sett andra väktare utvecklas till – eller har han bara offrat ännu mer av sig själv för att skydda Nassun.

Vi får ytterligare ett nedstamp i Syn Anagist, det intressanta här är kanske de ursprungliga Niesserna finns kvar – som någon form ledare? Batterier? ”Stämmarna” gör hem och börjar planera – är det Syl Anagists fall som de tänker planera – och var det ett medvetet val att skjuta bort månen? Det skall bli väldigt intressant läsning framöver att se vad som pågick i huvudena när man gav jorden en 5e årstid avsedd att ta livet av mänskligheten.

 Delmål 6 (Kapitel 11–12).

Förklaringarna börjar dugga tätt och vi får i kölvattnet på att Castrima anländer till staden hur revan faktiskt ser ut. En mur av tusen vulkaner borde sannerligen vara en mäktig syn. Och berättaren lägger fram namnet ”Murens Årstid” som ett möjligt framtida namn på den här årstiden.

Essun och Ykka accepterar också att man även i framtiden antagligen kommer vara i behov av nodskötare (de där stackars utnyttjade orogenerna Alabaster introducerade oss till i första boken). Nu vet vi ju dessutom lite om vad trådstolarna ursprungligen var till, och vilket perverterat användande det här egentligen är.

Och Essun är på smällen. Big surprise där.

Beskrivningen av staden och dess statyer fick mig faktiskt att dra mig till minnes den fär scenen i Annihilation där man ser växtformationer som ser ut som människor. Troligtvis för att jag såg om filmen för inte så länge sedan.

Kul dessutom att Essun grälar lite med Syenit och Damaya inombords – det hade det gärna fått vara mer av.

Nu inser dessutom Essun att hon antagligen är på väg att förvandlas till en stenätare hon med. Intressant nog så är ju stenätarna en form av straff av Fader Jord. Innebär det att det kommer hända något med dem om Essun lyckas sätta tillbaka månen?

Staden Nassun kommer till (Kärnpunkten/Garant) är antagligen samma plats som Alabaster togs till av Antimon. Det är också den plats där man skapar väktare och där de senare spenderar årstiderna. Loigiskt, då kärnpunkten även var central när jorden rämnade första gången. Schaffa visar sig vara riktigt gammal – och Stål spekulerar i att han hållit sig mänsklig genom att på riktigt älska sina skyddslingar.

Här kan man ju stanna upp och fundera en stund över ett system som fruktar orogener – som ändock bara är människor men tydligen respekterar till viss del och är okej med varelser som är före detta människor och är tusen till tiotusentals år gamla och ständigt förlorar en del av sin mänsklighet. (Men det är ju också författarens avsikt: att få oss att se det bisarra i segregation och rasism).

Nåväl mycket riktigt skall det visa sig att de ”Niesser” som vi fått följa under ”Syl Anagist”-avsnitten också är de stenätare som är central nu i böckerna. Även det finns det en viss logik i – de hade sin hand i vad som skedde. Det var hur som helst en trevlig bekräftelse att få. Liksom att ingen av dem verkar ha placerat sig som staty någonstans och bara sett på medan tiden passerade. (Det finns ju en sådan karaktär i ”Arvet från Shannara”[1] vill jag minnas som levde som sten och slutade bry sig i vad som hände i omgivningarna ”för sten varar för evigt”).

Mycket får sin förklaring i ”Syl Anagist Noll”. Varför man slog månen ur sin bana, kriget mot fader jord och hur mycket av det som hände här gav upphov till de traditioner Essun och hennes medmänniskor fortfarande lever efter. Till och med drycken ”Säkra” nämns här som ”Sekere”. Och givetvis får vi nu äntligen reda på grunden i att man undviker att använda metall – även om kunskapen om varför man inte skall lita på metall i Essuns dagar edan länge verkar glömd.

Och med noteringen att loristerna är arvet efter Kelenlis (som ju togs ur projektet i sista stund) så känns Syl Anagist-avsnitten avrundade på ett bra sätt. Klart är dock att alla de här ruinerna man hittat är arv från Syl Anagist.

Fornot.

(Författare: Terry Brooks). Minns inte vilken av böckerna de besöker stenstaden nu, det är väl heller inte viktigt för kommentaren.

Delmål 7 (Kapitel 13–14, Coda).

En sak som slog mig spontant, i närheten av att Hoa passerar solen av Magi på vägen till kärnpunkten var att Tonkee faktiskt ”infekterades” av en metallflisa i bok två. Men visst var det så att man amputerade henne?

Schaffa vaknar, dock så verkar han stå under Fader Jords kontroll, och jag kan bara gissa mig till att det är ”den verklige Schaffa” som söker sig till trådstolen och får metallen bortplockad från sitt huvud. Det gör honom mänsklig, det gör honom döende och blir drivkraften Nessun behövde för att gå Ståls ärenden och förvandla mänskligheten till stenätare.

Nassun använder obeliskerna för att öppna obeliskporten, Essun använder väktarna för att stoppa henne. Det är skickligt här hur Jemesin ”rensar paletten” och öppnar för en nystart utan att det blir för dramatiskt. De väktare som finns kvar (skulle iaf tro att de tusental som Essun hittar i Garant är de flesta som finns) förvandlas till ädelsten under kampen med Nassun.

Och vi har ju vetat ett tag (minst sedan slutet på bok två) att Essun skulle sluta som en stenätare här, och jag borde egentligen inte vara förvånad över att Essun ger upp kampen mot Nassun för att skydda henne (och därmed öppna för Nassun att rädda världen).

Det är på det hela taget ett fint slut som upphör vid Nassuns ”ja” till Onyx-obelisken. Epilogen (”Coda”) där Hoa knyter ihop säcken med att berätta omförhandlingarna med Fader Jord, som mycket riktigt innebär ett slut på årstiderna, och hur hela den här berättelsen (och ”du”-perspektivet som jag älskat från första kapitlet) har varit Hoas sätt att få Stenätaren Essun att minnas vem hon var/är efter förvandlingen (vad kallade stämmarna det? ”Dekantering”?).

 Sammanfattning.

En bra avrundning på serien, och boken slutar väldigt bra, och det har kommer antagligen bli en av de där böckerna som, även om jag sällan läser om böcker idag, kommer ligga mig varmt om hjärtat. Inte minst för att den första delen i serien (”Den femte årstiden”) var den bok som verkligen fick mitt lässug återvända. Och det var dels för att böckerna är så snabla skickligt skrivna. Jag imponeras framför allt över hur Jemesin lyckas blanda magi och gammal teknologi med klimatkatastrofer, utanförskap och rasism utan att hon för den delen skriver läsaren på näsan med något av dem. Less is more som man brukar säga.

En del av mig hoppas att mer av Jemesin kommer ut på svenska. En större del av mig fruktar att jag kommer läsa hennes resterande böcker på engelska.

Avslutningsvis vill jag tacka @kulturdasset​ för ännu en trevlig rond i vår läsecirkel – och det gläder mig att vi tog oss igenom alla tre tillsammans trots att ”den femte årstiden” ursprungligen fick omdömet ”inte min kopp te” av Kulturdasset.

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Navet rescues Gavroche's brothers, and fights on the barricades of June 1848. Written for Barricade Day 2017.

Words: 462, Chapters: 1/1, Language: English

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Le conte : héritage du passé, regard sur le présent, germe d’avenir

chronique publiée le 29 août 2017 sur Voie Livres

« Qui n’a jamais lu ce conte ? C’est pas lui, c’est pas lui… » aurait-on envie de chantonner lorsqu’on se trouve confronté à une énième version des Trois Petits Cochons. Et pourtant, Noëlle Revaz, auteure suisse romande lancée sur la scène littéraire en 2002 grâce à son premier roman Rapport aux bêtes, agrémente cette histoire traditionnelle d’enjeux innovants grâce à son adaptation théâtrale du conte.

Geri, Friko et Freki sont trois petits garçons qui aiment s’occuper en lisant des contes, notamment les Trois Petits Cochons, qu’ils connaissent par cœur. Un jour, leur maman leur offre la possibilité de réaliser leur rêve : se rendre sur l’Ile du Lard pour construire leur maison, rencontrer le Loup : en somme, faire « comme les trois petits cochons » (p. 12) [1]. Le Loup, ils le rencontrent, mais ce dernier semble avoir perdu vigueur et mémoire avec le temps, si bien que les trois enfants ont du mal à le reconnaitre. Néanmoins, ils entendent bien faire comme dans leur conte favori : construire les trois maisons et, qui sait, rafraichir la mémoire du Loup. Quelle n’est pas leur frayeur lorsque, après avoir été nargué, le Loup retrouve enfin ses esprits et tente par tous les moyens de les appâter hors de la maison de briques pour assouvir sa faim. Les enfants résistent néanmoins à ses ruses, jusqu’à ce que le Loup finisse par descendre par la cheminée. Tiens… le Loup ressemble cruellement à leur maman : même voix, mêmes pantoufles, même verni à ongles, même parfum… Est-ce encore un subterfuge ou le Loup de l’Ile du Lard n’est autre que leur propre mère ?

Le conte des Trois Petits Cochons est pour ainsi dire actualisé grâce à l’histoire cadre des trois petits garçons. D’une part, le lecteur peut reconnaitre des éléments présents dans l’histoire « originale » (je dis « originale » parce que si la première publication date de 1843, la naissance (puis la propagation) de cette histoire est probablement antérieure à cette version écrite [2]) : évidemment sont présents dans la trame narrative mais également représentés par les illustrations, le loup et les trois petits cochons, les trois maisons, la désastreuse tentative du loup d’attirer des enfants hors de leur abris avec des navets ou des pommes (avant de recourir à l’« arbre à chocolats ») et l’utilisation de l’expression « par le poil de mon menton ». D’autre part, certains éléments sont ajoutés ou modifiés, notamment le fait que Noëlle Revaz présente des enfants en train de lire le conte éponyme ce qui rend la situation initiale familière pour un·e jeune qui lirait ou verrait cette pièce de théâtre, familiarité qui facilite probablement la capacité à se projeter, aujourd’hui, dans cette histoire. De plus, les aventures de ces trois enfants, contrairement aux trois petits cochons qui « s’en allèrent chercher fortune par le monde » [3], ne sont pas motivées par des raisons matérielles. Leur objectif est d’imiter leurs héros du moment (les trois cochonnets), d’en reproduire les mésaventures dans la joie et l’insouciance, c’est-à-dire qu’ils s’amusent à construire leur maison, à se rouler dans la boue pour faire venir le loup à eux et à provoquer celui-ci. Même si parfois ce jeu les dépasse et leur font peur, ils n’en paient jamais le prix fort, à l’inverse de deux des trois petits cochons qui ont servis d’amuse-bouche au loup. Si l’auteure garde intacts certains éléments du conte (les personnages, notamment), la relation entre ces différents éléments diffèrent : la situation initiale et l’objectif de la quête mais également les adjuvants (l’aide de la maman dans leur voyage et de la voix) et les opposants (l’amnésie du loup, sa fatigue). Quelques modifications dans le schéma actantiel rendent une histoire traditionnelle éloquente : le rapport à la lecture, à l’imaginaire, la confrontation des enfants par le jeu à ce qui les effrayent.

Outre cette actualisation du fond, les caractéristiques définitoires du conte semblent également avoir subi un réaménagement : l’essence du genre se retrouve dans cette pièce de théâtre sans pour autant que la forme traditionnelle soit scrupuleusement respectée. En réalité, la fonction ludique des contes, leur visée souvent didactique, la présence d’événements imaginaires ou merveilleux ainsi que la provenance d’une tradition orale [4] sont des attributs qui se retrouvent également dans Les Trois Petits Cochons de N. Revaz. Tout d’abord, cette œuvre semble être un retour aux sources car le conte des Trois Petits Cochons de 1843, vraisemblablement une mise par écrit d’une histoire transmise, à l’origine, oralement, recouvre aujourd’hui une dimension orale par le biais du théâtre. Bien évidemment l’oralité au théâtre ne poursuit pas les mêmes enjeux que celle d’un conte. Néanmoins, réinvestir un texte écrit d’un aspect oral lui confère presque nécessairement une nouvelle liberté, alors qu’il se trouvait figé à un stade donné de son évolution. En effet, le texte sera modifié au fil de ses performances et selon l’intentionnalité des acteurs·rices (prestation publique, dans un théâtre) ou des lecteurs·rices (prestation privée, lors de lecture intime). Ces modulations, propres à la réalisation scénique du genre dramatique, sont proches des changements dont peut faire preuve un conte déclamé par un·e interprète puisque, dans les deux cas, le texte est formellement et/ou sémantiquement influencé par les personnes en charge de sa récitation. En somme, le mode de diffusion des Trois Petits Cochons de Noëlle Revaz rejoint le mode de diffusion traditionnellement de mise pour des contes (la transmission orale) et ce conte endosse les conséquences induites par cette transmission.

Par ailleurs, les trois petits garçons semblent appliquer l’enseignement qu’ils ont pu tirer de la lecture répétée de leur conte favori. Pour le dire autrement, ils veulent faire comme les trois petits cochons mais en étant plus malins (p. 8) que les cochonnets. Les enfants, eux, arriveront à échapper au loup parce qu’ils connaissent l’histoire par cœur et peuvent, grâce à leur lecture, reconnaitre le danger que représente cette bête. S’ils savent comment ruser pour échapper au loup c’est que l’enjeu didactique a été intégré : les enfants ont retenu la morale du conte et l’appliquent. De plus, la dimension divertissante du conte, comme la visée didactique, n’est plus simplement une donnée que les lecteurs·rices reçoivent passivement. En effet, les trois enfants (lecteurs du conte) s’essayent à reproduire la joie et la légèreté des trois petits cochons, certes pour leur ressembler et attirer le loup, mais également pour mettre en pratique l’essence ludique du genre (« Ils s’amusaient tellement bien qu’ils avaient oublié tout ce qui n’était pas sur cette ile » p. 30). Quant au merveilleux et à l’imaginaire, certains éléments dans l’histoire peuvent être relev��s : trois enfants partent seuls à l’aventure sur l’Ile du Lard ; le loup est, malgré lui et temporairement, végétarien. De plus, une grande part du merveilleux peut être attribuée aux illustrations de Haydé puisque cette dernière ne représente que des cochons et un Loup dans ses dessins, sans aucune référence aux enfants ou à la maman. Ce choix plonge immédiatement les lecteurs·rices dans la magie de l’histoire, voire incite les futurs acteurs·rices de cette pièce à conserver une certaine dose de merveilleux dans leur représentation scénique à venir.

En définitive, Les Trois Petits Cochons de Noëlle Revaz réinvestit des personnages et des caractéristiques définitoires du conte dans une œuvre théâtrale pour enfants. Ce geste ouvre peut-être ce genre traditionnel à de nouvelles perspectives puisque le conte n’était pas initialement un genre dédié aux enfants. De plus, le fait que les trois enfants amateurs de contes utilisent la morale, la visée ludique et l’aspect merveilleux du genre comme support d’invention participe à l’idée qu’« un conte n’est pas déjà donné mais demande à être produit » [5], comme certains théoriciens le pensent. En ce sens l’œuvre de Noëlle Revaz fait sans doute allégeance à ce qu’était originellement le conte, à savoir un objet en mouvement, transmis oralement, que chaque interprète teintait de sa sensibilité et participait à former. Noëlle Revaz, Haydé, les trois petits garçons (téméraires, imaginatifs), le loup (amnésique), la maman (joueuse), les lecteurs·rices du conte s’inscrivent dans la tradition des Trois Petits Cochons tout en pétrissant cet héritage d’enjeux nouveaux, qui leur appartiennent et qui résonneront peut-être pour des instances interprétatrices futures. C’est en cela, il me semble, qu’un conte est un message du passé qui peut dire quelque chose de notre présent tout en étant une lucarne sur l’avenir puisque la performance des uns éclaire de nouveaux aspects du conte, restés jusqu’alors dans l’ombre, aspects qui feront peut-être germer chez d’autres des idées inédites de réappropriation.

[1] Les références de pages entre parenthèses sont issues de : N. Revaz, Haydé (2015), Les Trois Petits Cochons, Genève : Ed. La Joie de Lire.

[2] Wikipédia [en ligne], page Les Trois Petits Cochons, lien URL: https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Trois_Petits_Cochons, site consulté le 20.07.2017.

[3] Tous les contes [en ligne], Les Trois Petits Cochons, lien URL : http://touslescontes.com/biblio/conte.php?iDconte=637, site consulté le 20.07.2017.

[4] A. Komandera, « Conte de fées aujourd’hui – continuation et/ou mutation (?) », in Mutaçoes do conto nas sociedades contemporâneas, E. Keating, C. Álvares, J. Núñez Sabarís et. al., Portugal: Ed. Humus, 2016, pp. 130-131.

[5] A.-S. Haeringer, « Le conte aujourd’hui – revisiter le partage entre tradition et performance », in Mutaçoes do conto nas sociedades contemporâneas, op. cit., p. 265.

[amharas-ys]

[Anime] Sakura Quest (2017)

Quoi de plus évident que de commencer “Les confessions d’un lecteur”....Avec un anime.

Sakura Quest est un anime produit par P.A Works et diffusé durant l'été 2017 On y suit le quotidien de Yoshino Koharu, 20 ans et  ex-campagnarde qui a décidé de rejoindre Tokyo, pleine d'illusions.

Or, face aux déconvenues de la vie urbaine, elle se retrouve à devoir accepter un emploi à Manoyama, une petite commune rurale. Elle devra y être couronnée "reine" du royaume de Chupacabra. Elle est donc contrainte de retourner pour une courte période dans l'inaka japonais (le nom donné à cet espace perdu et en perte de vitesse). Mais, à cause d'un quiproquo, elle se retrouve obliger d’aider l'office du tourisme locale, pour une durée d'un an.

Les 25 épisodes suivent donc les efforts de la nouvelle Reine, et ses ministres (3 autres jeunes adultes) pour rendre attractif une ville perdue.

Nous avons donc affaire ici à un énième slice of life, feel good, avec un casting essentiellement féminin. Si le résumé fait apparaître une dimension fantastique (Manoyama s’étant constitué en un royaume autonome, le royaume de Chupacabra, afin d’attirer du tourisme), cet aspect est vraiment survolé. Il est très présent dans les premiers épisodes (couronnement, imagerie chevaleresque, palais....), mais disparaît progressivement. Je ne sais par conséquent pas trop quoi en faire... Cette dimension ne me semble pas essentielle, et est vite oubliée...mais elle crée un mélange étrange entre un traitement assez réaliste (gestion d’une campagne) et un univers mystique...

Mais pour moi, l’originalité de cet anime est ailleurs. D’abord, le casting est ici assez différent de ce qu’on peut trouver d’habitude. Toutes les héroïnes sont des jeunes adultes, contrairement par exemple à Yuru Camp, où on suit des lycéennes. Par conséquent, les quatre héroïnes sont aussi en quête d’un sens à leur vie. Si ce thème est assez classique, l’ajout de la dimension campagnarde me semble vraiment intéressant. 

Chacune va, évidement, commencer à remettre en question sa situation, au cours d’un épisode ou deux où un événement les amènent à s’isoler. Après une réflexion ou l’intervention des autres filles, elles trouveront une réponse. Mais en plus des questions sur le sens de la vie (”vais-je réussir à percer comme actrice?” “Mon travail me plait-il vraiment?”), les héroïnes vont questionner leur lien avec la campagne. Trois d’entre elles viennent de Manoyama, dont deux qui ont seulement connus cette ville. La troisième, ainsi que les deux autres filles, ont vécu à Tokyo ou dans des grandes villes. Et elles ont toutes un rapport particulier à la campagne : Par exemple Shiori adore Manoyama, tandis que Maki et Ririko n’ont aucun réel attachement à la ville, sans pour autant vouloir la fuir. 

Les développements sont aussi intéressants car semés d’échecs. Pour reprendre le personnage de Maki, l’anime évite d’en faire un personnage exceptionnel, qui finit par tout réussir avec brio. Son parcours, qui se termine sur une happy end, est aussi marqué par des retournements et des redéfinitions, ce qui m’a beaucoup plus. Le développement de Ririko est aussi assez intéressant, même si déjà un peu plus classique : elle arrive à définir un but, à évoluer, sans abandonner ce qu’elle est. L’anime fait preuve d’une forme de subtilité.

J’ai trouvé à l’inverse le développent de Yoshino très basique. Ce personnage me semble très transparent et déjà-vu, changeant vite sa vision de la campagne. Certes, la voir hésiter 15 épisodes aurait été trop... Mais elle manque selon moi de personnalité. Son lien passé avec la ville est survolé, et finalement ses remises en question sont celles de tout le groupe.

(N.B : je viens de me rappeler que cette question d’être “normale” et au cœur de son développement. Mais j’en ressors quand même très sceptique. La preuve, je l’avais complément oublié.. Il me semble que c’est juste souligner régulièrement, sans plus de développement)

Enfin, le groupe se forme petit à petit. On voit dedans, malgré tout, des affinités entre personnages. Maki et Sanae sont très vitre proches, Tandis que Shiori et Ririko se connaissent depuis la primaire. Yoshino sert de lien entre elles, et participe finalement à créer le groupe.

La dimension campagnarde apporte de bonnes choses. Une dimension globale de jeu de gestion, où il faut traiter avec la vision des habitants, des conflits d’usages, des oppositions entre groupes (les commerçants, l’office du tourisme), tout en développant les personnalités de quelques villageois, ce qui donne vraiment l’impression d’un “village”. 

D’ailleurs, l’anime reste très réaliste. A la fin, Manoyama ne devient pas une nouvelle métropole ultra-connectée. D’abord, l’anime évite le cliché de “la ville qui se révèle finalement être ultra particulière”, qu’on retrouve parfois. La ville n’a en fait presque pas d’identité, outre ses habitants. On s’attache avant tout à eux, à leur lien avec la ville, plus qu’à ses traditions (qui se résument à la sculpture sur bois, un festival abandonné, et des navets...). Manoyama reste une commune rurale comme les autres : c’est ses habitants qui créent l’attachement. 

L’étude de l’espace est très renseigné, presque géographique dans son approche, et cette partie m’a vraiment plu.

Et on voit aussi les limites pour en faire une ville attractive. Problèmes de budget, pour rendre permanents les habitants, pour attirer les touristes sans dénaturer l’identité de la région.. Bref, tout un tas de problémes de gestion qui ne seront pas dépassés à la fin. L’accomplissement reste local.  Il y a aussi une forme de réalisme et de fatalisme dans certaines situations : on ne peut rien faire pour certains problémes, et il est seulement possible de réduire les dégâts.

L’ambiance reste agréable, avec des personnages attachants et diversifiés, des lieux de rendez-vous...bref, une forme de familiarité. 

On a donc affaire à un anime plutôt agréable, qui se distingue des slice of life/feel good anime par un traitement original de ses personnages, et un cadre qui apporte de nouvelles thématiques. Et qui surtout reste peu ambitieux, et évite plusieurs travers du genre.

Pourtant, l’anime ne me semble pas exceptionnel, limité par plusieurs aspect.

D’abord, graphiquement, je le trouve très revu. Je crois même m’être dit ‘Oh, j’ai déjà vu ces personnages quelque part”. Chapeau malgré tout pour avoir créé une tsundere à la retraite en la personne de Madame Oribe.

De plus, outre l’opening 1 qui résume parfaitement l’esprit de la série, les musiques restent très banale, et servent seulement de petit bonus oubliable.

L’anime souffre aussi de points trop prévisibles dans son développement. Si dans la globalité, il évite d’être trop prévisible, les conclusions d’arcs sont souvent très attendue. Je pense notamment à celui sur le reportage télévisée et le concert, dont la fin et les conséquences sont visibles DES LE DÉBUT. C’est parfois désagréable. 

Je l’ai déjà développé, mais l’héroïne Yoshino est vraiment transparente par moment, dépassé par des personnages secondaires plus intéressant. Et l’anime de manière générale semble avoir abandonné la dimension “Royaume de Chupacabra”, et laisse en suspend l’histoire autour de la photo....

Enfin, il n’y a pas eu le même effet entrainement que dans le cas de Yuru Camp. Yuru camp développe vraiment une forme initiation au camping, présentant les bases pour débuter, et donne envie de s’y mettre. Tandis que Sakura Quest donne un tout petit peu envie de vivre à la campagne (mais je suis déjà un peu sensible à cette idée), mais sans vraiment offrir de bases comme Yuru Camp. Bref, c’est un tremplin limité.

L’anime prend aussi moins sont temps. Pas de beaux plans de ciels étoilés ou de pause dans la narration...De manière générale, les actions s’enchainent vite, avec peu de pauses... Et donc, l’anime laisse un peu de côté la “beauté” de la campagne, là où Yuru Camp montre le plaisir de contempler la nature. On ne retrouve pas ce genre de plans dans Sakura Quest.

Sakura Quest est donc un anime intéressant par ses thématiques et son ambiance, mais qui souffre d’un sentiment de déja-vu. Il ne tombe pas dans tout les clichés, et traite de manière réaliste la campagne...mais pour autant, il ne marque selon moi par autant que des animes semblables, comme Yuru Camp. Je n’ai pas envie d’y retourner pour l’instant, alors que j’ai déjà revisionné 2 fois les aventures de Shimarin et Nadeshiko.

Bref, pour la même ambiance, et si vous ne l’avez pas vu, commencez par Yuru Camp. Sakura Quest sert de bon substitut. D’un point de vue sociologique, par contre, je le trouve plus aboutit que Yuru Camp, en ce qu’il perrmet d’ouvrir sur une thématique intéressante (comment dynamiser la campagne japonaise) et traite de manière réaliste de ce thème.

J’ajoute dans les liens utiles ce blog, dans le même thème, d’un français qui a décidé d’aller vivre dans une campagne japonaise. A travers des petits billets, il décrit le quotidien là-bas, de la récolte du thé sauvage à la restauration d’un vieux temple abandonné...

https://inaca.me/

et l’Op 1, parce qu’il m’a vraiment marqué. Il résume bien l’ambiance qu’on attend  de ce genre d’anime, et pourrait selon moi trés bien passer comme opening de Yuru Camp.

https://www.nautiljon.com/lyrics/sakura+quest/morning+glory.html

[wiadomosciprasowe]

Telia Lanserer Data Boost: - Ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder

https://www.y6.no/telia-lanserer-data-boost-ubegrenset-datamengde-for-tidsbegrensede-perioder/

Telia Lanserer Data Boost: - Ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder

Årets første mobilnyhet: Med Data Boost kan kunder surfe ubegrenset i én eller tre timer til en pris på henholdsvis 19kr eller 39kr. Dato: 15-01-2018 11:00 CET Opprinnelig tittel på pressemeldingen: Telia Lanserer Data Boost: – Ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder Kategori: , Økonomi, finans Turisme Data, telekom, IT Media, kommunikasjon Ved hjelp av ett enkelt tastetrykk kan Telia-kunder nå motta en ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder. 

Ved hjelp av ett enkelt tastetrykk kan Telia-kunder nå motta en ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder. Med Data Boost kan kunder surfe ubegrenset i én eller tre timer til en pris på henholdsvis 19kr eller 39kr.

– På samme måte som Telia-kunder legger til ekstra mobildata ved ett enkelt tastetrykk i appen vår Mitt Telia, kan de nå motta ubegrensede datamengder i perioder hvor man vet mobilen vil trekke mye data og vil surfe bekymringsfritt. Dette er en fantastisk nyhet spesielt for folk som ser mye serier, filmer og sportsbegivenheter og hører på musikk eller radio, sier Kjersti Jamne, leder for privatmarkedet i Telia Norge.

En sikker vinner under OL i Pyeongchang Telias kunder bruker telefonen mye og databruken øker år for år. Fra 2016 til 2017 økte den gjennomsnittlige mobildatabruken blant kunder med 54 prosent, og alle tegn tilsier at utviklingen vil fortsette. I Telia-nettet registreres det økt trafikk i mobilnettet i forbindelse med sportsbegivenheter, noe det er mange av i 2018.

– I 2018 er det mye som skjer og først ut er de olympiske leker i den Sørkoreanske byen Pyeongchang. Startskuddet for arrangementet er 9. februar, og vi vet at mange av våre kunder vil sette pris på å kunne strømme øvelsene på mobilen uten å være bekymret for å bruke opp datakvoten. Data Boost er perfekt til stunder som dette, hvor man vil strømme store mengder data over kortere perioder. Enten det er på bussen, toget, hytta eller jobb, sier Jamne.

– Tell mål, ikke gigabytes Selv om sportsarrangementer er populært, viser en undersøkelse Gallup har utført på vegne av Telia at TV-serier, filmer og radio er de mest attraktive bruksområder for en tjeneste som Data Boost. For Telia sin del er et viktig element å stimulere til bruk av Mitt Telia-appen:

– I Mitt Telia-appen får kundene enkelt tilgang til vårt univers, som gir enkel administrasjon av alle abonnementet og valget mellom å ta i bruk eller justere tilgangen til tilleggstjenester som kostnadskontroll, HBO, Storytel, Spotify. Det beste med Data Boost er at tjenesten ikke bruker noe av den normale datapakken til våre kunder. Dette gjør tjenesten relevant og attraktiv for alle. Det er tross alt hyggeligere for kundene våre å telle mål, ikke gigabytes, når de ser f.eks. på håndball, smiler Jamne.

Data Boost fra Telia lanseres 15. januar og er tilgjengelig for eksisterende kunder gjennom Mitt Telia-appen.

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Slik fungerer Data Boost:

Når en kunde vet at han eller hun vil komme til å benytte mye mobildata i en kortere periode, kan personen gjennom ett enkelt tastetrykk i Mitt Telia-appen velge å betale for en Data Boost. Data Boost gir ubegrenset datamengde for tidsbegrensede perioder. Data Boost finnes i to lengder: Prisen for Data Boost er følgende: – én time: 19 kroner – tre timer: 39 kroner Fem minutter før en Data Boost er over, får kunden varsling om dette. Ny varsling kommer ved slutten av boosten via SMS med mindre den blir fornyet. Typiske eksempler på bruk: – Under en busstur – På hytta, eller – På farten når skilandslaget skal gå stafett i OL

Les mer: Telia Data Boost

Kilde: Pressekontor Telia Norge – PRESSEMELDING –

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Vi er Telia Norge, den nye generasjonen telekom-selskap. Våre 1200 dyktige kollegaer møter hver dag tusenvis av kunder i verdens mest oppkoblede land. Vi er navet i det digitale økosystemet som gjør det mulig for mennesker, virksomheter og samfunn å få tilgang til alt som er viktig for dem, på deres vilkår, gjennom hele døgnet – året rundt. Som del av Nordens største mobilselskap er vi en digital tilrettelegger som sammen med partnere skaper våre digitale borgere sin fremtid og fører verden nærmere alle kunder.

Telia, The New Generation Telco

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[yorkcalling]

Dracula: The Bloody Truth Heads to York Theatre Royal Soon

Dracula: The Bloody Truth Heads to York Theatre Royal Soon

Le Navet Bete in association with Exeter Northcott Theatre Present: Dracula: The Bloody Truth York Theatre Royal, 24 & 25 September Award-winning kings of comedy Le Navet Bete bring their critically acclaimed, five-star smash hit show Dracula: The Bloody Truth to York Theatre Royal on 24 & 25 September. Since premiering at the Exeter Northcott on April Fool’s Day 2017 the show has been seen…

[i-ozone76bmp-richy-world]

Ozone présente         THE CYBORGS LIVE

bmpr pour la période post ozone4, & tandis que leur répertoire devient de chansons a l’idée d’inventer un avatar d’ozone, et cela sera : �� the cyborgs live / un retour à l’instrumental, mais avec simplicité, + ou - loin des titres multisequences de la période3 / dans ce cadre, s’intègrent :

« ramseyer » (version1 de « playing rock’ n’ roll »)

une composition de s., aussi : le titre le + inattendu de tout le répertoire ozonien (peut-être avec la plage spirite, « lonely hollywood)) de cette période, du pur afterpunk ou cyberpunk, ou pouvant être estampillé « spage-age pop »

[afterpunk, un genre flou inventé par le dandy rock (quelquefois lisible) y. adrien de rock & folk en 1978, et genre qui pourrait être considéré comme né, selon lui,  en fait à l’apparition du genre space très populaire du début des années soixante, quand « telstar » devenait un tube (-instrumental- mondial), une notion assez vague, mais celle-ci implique l’utilisation du synthé, dans un univers global moins robotique cependant que celui amené par les allemands ; haute présence de synthé donc, mais genre voulant cependant subsumer le rock, avec donc aussi utilisation des instruments traditionnels, mais dans une posture toujours no-futuriste +  assez live (et selon adrien ?, se séparant de la new wave pop trop commerciale) ainsi ce concept non abouti, juste évoqué ici malaisément, n’aura existé que durant quelques mois, un concept donc à ressusciter  à l’occasion et bmpr s’y rattache quand s’élabore cette pièce musicale hors norme et incluant aussi, spectaculairement, du rock, d’autant que ces instrus, composés après… la vague punk, qui a demandé ! de : la simplicité en rock, ainsi, ici, cela sera de la simplicité dans le progressif]

bmpr, fasciné par « Ramseyer », cette très inattendue construction qu’il aurait tant aimé composer lui-même (il va se rattraper avec les arrangements), et ne cessera de se demander comment s. avait élaboré un tel fulgurant ovni musical. Un de ces instrus qui purent mieux exister bel et bien grâce à l’utilisation de  la batterie électronique de dz et  du rack d’effets ultraperformant acquis par s. pour sa guitare mais qui, on l’a vu, était détourné par  les claviers, d’où le fait : il « se passait quelque chose » de nouveau et donc d’inspiratif

ce dytique composé donc d’une 1ère partie ultra sophistiquée, déjà un peu floue, un flou si spacey, avec bientôt un assaut de guitare ne ressemblant à rien de connu, directement se positionnant dans le futur, cette 1er partie d’un futurisme pop à couper le souffle, et celle-ci a inspiré à bmpr un accompagnement anthologique au synthé mono, tant sur la 1er partie (il amène toutes les lignes de synthé, basses ou « lead », qui donne le sens voulu confusément par s.) que dans la seconde ; bmpr, avec ce titre, aura pu montrer : il pouvait être un maître de l’instrument. La seconde partie voulue comme une sorte de défoulement rock n roll à la fois vintage et décalé du fait de ce qui a précédé.

ce titre répété alors que le festival international annuel de danse contemporaine investissait les prémontrés. Un des chorégraphes invités, j. c. ramseyer, les entendit répéter et vint les voir dans leur local, trouvant bientôt : ce titre pouvait sonoriser originalement la fin de sa toute nouvelle  

chorégraphie. Ainsi, le groupe s’installa quelques jours plus tard dans l’église abbatiale où les 2 créations couplées furent données en live. Du coup, le titre trouva son nom de code, fut baptisé « Ramseyer », le danseur en fut charmé.

the  cyborgs  live / “playing rock’ n’ roll”

bmpr tenait donc « ramseyer » de s. pour fabuleux, comme méritant d’être revisité. Aussi, quand pour le groupe il a été question d’une séance de studio possible à tel moment : le clavier proposa de revamper ce titre, et curieusement, cela, accepté par le producteur, valentin c.

bmpr avait une nouvelle véritable vision du morceau ! ; il imaginait ça donc joué par des « cyborgs » musiciens, on restait sur la longueur d’onde kraftwerkienne, mais en sortant quand même franchement aussi de l’esthétique musicale des 2 novateurs pop allemands ; ces cyborgs joueraient la musique que l’on attend d’eux (surprenante…, futuriste) mais AUSSI de la musique « à l’ancienne » ou presque… ; il fallait imaginer alors : 4 cyborgs sur le toit du + haut gratte-ciel de Tokyo, interprétant un rock du 3ème type déjà, ainsi la 1ère partie procéderait d’une écriture futuriste, 0 la seconde faisait la part belle au bon vieux rock n roll (un peu customisé certes), de l’atticisme rock !, comme si les cyborgs, dans un second temps ironique, voulaient singer des rockers ou bien tout au contraire, ou bien les deux,  les admiraient pour cette curieuse musique primitive…mais jouissive !

fréderic niobey, au studio, aida, déjà au mieux, à cette réalisation, mais sans percevoir trop l’intérêt de l’instrumental si spécial ; cela commença bien : il accepta de refaire à l’identique la partie d’orgue naïve, l’arrangement du second organiste (de naguère, claude cohu) ; cependant fut constaté bientôt un relâchement, en fait, fred s’était juste montré poli mais avait, dès que le prod avait demandé des nouvelles de sa session,  dénigré la proposition d’ozone  (et qu’il n’avait donc en fait pas saisie !, alors que ce garçon : un parisien particulièrement sophistiqué) et v. a dû lui signifier, suite à cette description diffamante (comment juger un titre en cours de fabrication !, rappelons : les techniciens sur le tournage des « tontons flingueurs » s’amusaient de l’incroyable navet auquel ils prêtaient leur expertise) que c’était pour lui aussi un déplaisir…, ainsi fréderic s’est montré complétement -cette fois- démotivé, il a dû se dire : il était temps de relâcher mes efforts ! ; voilà sans doute pourquoi la partie rock’ n’ roll a été salopée, peu travaillée (au mix : certaines interventions de synthé -avec le son enfin !- crevaient l’écran ! & d’ailleurs si indispensables, ici, devant nourrir absolument cette partie « faible » (un rock sans parole) : oubliées !, considérées comme de l’amusette, et de toutes façons, le mix de celles-ci et général, sans une console avec mémoire s’avérait particulièrement difficile ici, dans le cas d’un titre si compliqué, cependant avec une vraie volonté de vouloir faire exister cette pièce, fred aurait pu faire bien mieux), F. s’est montré trop laxiste, dès les 1ères prises  !, et en fait de mix, il n’y en eut même pas.

Ce que fn considèrera comme un mix !, et qui est un mauvais pré-mix sera présenté au producteur, lequel va cette fois (et pour cause) confirmer : on arrête les frais…., pour lui et fred niobey donc, ce genre de musique n’allait nulle part…, genre : bmpr délire… /

bmpr, avec un peu de recul, comprendra : lorsque « Ramseyer » fut enregistré par le groupe, sous forme de maquette, tous les « réglages » (en répétant) de ce morceau avaient conduit à le rendre parfaitement « existant » et excitant, & eh oui, dans leur local cela possible : il s’agissait de ne rien laisser au hasard !, eux avait donc réussi

cela, veillé à cela, ayant parfaitement conscience de ce qui devait nourrir ce morceau, et lorsqu’il s’est agi de coveriser « ramseyer », ils pensaient, magie du studio, tout cela allait complétement refonctionner, or pas du tout …, de nombreuses heures auraient été là aussi indispensables pour donner de la cohérence, on en arrivait donc à : si paradoxalement la version studio ne parvenait pas à cet état « existant », un comble, mais en même temps, logique…, dans des pareilles conditions d’enregistrement

Autrement écrit, the cyborgs live « playing rock’ n’ roll » » : non vraiment « en place »… Une superstructure donc difficile à jouer, s’agissant autant de l’interprétation que du son, / or en + il y avait eu aussi, d’emblée des problèmes (dont une méchante stridence envoyée dans le casque de dz, alors que celui-ci jouait sur sa batterie électronique, batterie que f. n’attendait pas, sans doute comptait-il utiliser pour le morceau… une boite à rythme !), et en fait, en +, il n’y avait que bmpr pour vraiment défendre ce titre et sa nouvelle vision, le guitariste et le batteur se montraient comme absents !

bmpr se battit pour améliorer ce qu’il était possible d’améliorer ! Il demanda à un américain (un patron ou gérant d’un restau texan sis du côté des Champs,  à côté du journal de bmpr, un type rencontré anecdotiquement lors d’une interview réalisée là par bmpr, dans le cadre de ses activités journalistiques alimentaires) de faire la présentation des « cyborgs », comme si ceux-ci annoncés avant un méga concert, et bmpr avec un walkman  enregistrant donc cette annonce  + que réussie / (bmpr bien  + tard ? changera l’entrée en la remplaçant ou en la complétant par le début d’une 1ère version de « rams », où il se passait quelque chose, & ainsi l’intro -assez longue- avec ce début et cette note de basse moog persistante devenait tout à fait étonnante ; en tout cas,  un titre que v. (pour en apprécier la pertinence) aurait dû écouter en live, alors…, sur une cassette..,  sur ses mini-mini enceintes dans son bureau, quel minimalisme !, cela du fait de sa volonté -comme beaucoup de pros- d’ « écouter » comme sur un transistor ; bmpr eut beau parler à V. de l’afterpunk et de la possibilité de faire entendre cet instrumental en tant que leur tentative musicale instrumentale la + originale : V. ne s’intéressa pas à ce titre, quelle tristesse d’être managé par quelqu’un comme lui !

bmpr a pris, bien + tard, quelques rendez-vous pour faire découvrir (par initiative personnelle) « playing rock- n’ roll », ne rencontrant que l’incompréhension la + totale. Bref, confirmation, l’originalité ne payait toujours nulle part, ni en interne, ni en externe, c’était une constante.

avec le revamping 2017 de bmpr : les manques dans l’instru ont pu, à plein !, être utilisés !!!!!, c’est comme si cela avait été prévu !, et fn doit en être remercié !, un petit miracle, le titre devient ce que bmpr, avec un peu de lucidité…, a pu alors nommer « the most unexpected post from all souncloud » (ce qui ne doit pas trop plaire à soundcloud…), et plusieurs mix ont pu être postés, le génie pop des arrangements de bmpr a rejoint le génie de compositeur pop de s., bmpr, après cette opération a pu souffler…, il avait réussi à sauver cet instru, il le devait bien à s. qui avait apporté cela…, le guitariste s’est montré génial, là, a toujours vu bmpr [lequel se console, en pensant, lui aussi l’avait été, dans un cadre aussi d’avant-garde avec son « daguerréotype de Terpsichore », une superstructure musicale jouée… automatiquement, sur son farfisa, quelques années + tôt (cf autres bios), mais,

cela ne pourra pas être homologué, si la seule copie qui reste de cette composition incroyable, existe encore dans les archives du dessinateur jacques tardi, sur une cassette, d’ailleurs non susceptible d’avoir gardé trace de ce trésor]

« vorcoder (ou vocoder, ou vocodeur), the elvis presley mix »

la version instrumentale de « vocoder » (musique : s. desavelle), revampée par bmpr  

the cyborg live / « a space wedding march for « 2001 »»

proposé par bmpr. L’idée : composer une musique qui se substituerait volontiers au « beau danube bleu » de « 2001 odyssée de l’espace », cette œuvre comme tout le monde le sait venant accompagner une célèbre, longue, éternisante scène du film de Kubrick

le + prometteur -d’un point de vue commercial- de leur instrumentaux courts, et on se trouve donc, depuis 2016, avec une pièce musicale, revampée enfin, laquelle peut vraiment exister ; en 1983 ? bmpr avait piloté synthé et casio (comme pour « ramseyer ») et s’en tenant à ces 2 claviers, et claude cohu, le second clavier s’étant occupé de l’orgue farfisa (bmpr s’en veut de n’avoir pas encouragé c à développer longuement le solo esquissé à tel moment de l’instru, mais à l’époque il s’agissait de faire un morceau assez efficace et court même  si ultra planant)

un slow de groupe, là encore, donc, et un instru, n’ayant plus rien à voir avec la variétoche, cependant ses thèmes restant tubesques ; il s’agit ici clairement de space-age pop (avec un son très « violonnisé », ce qui pourrait être + tard revu et corrigé)

bmpr a compris trop tard , manquait donc un pont, un passage de batterie électronique de type son massif et des gimmicks...., mais le groupe aimait cette idée de réduction native, il s’agissait pour eux un peu d’une détox ; heureusement donc bmpr repassera par là…, donnant sa seconde chance au morceau (enregistré initialement sur un magnéto sharp à bande, déjà à bout de souffle…, et récupéré sur une antique cassette saturée évidemment….), là encore un sauvetage des eaux, un petit miracle dû à bmpr

l’organiste a été évidemment, en sa petite enfance atteint par le miraculeux « telstar » (avec le fameux mini clavier monophonique : le clavioline ? de 1947 employé, à écouter aussi sur un titre des beatles, instrument qui peut s’avérer vite insupportable !), & ce titre : on l’a vu, le modèle de hit instru qu’il voulait composer un jour ou un autre, & l’en aura empêché : la volonté du guitariste de passer à la chanson en 1980 (s. comprend alors, peut-être à raison ! : l’instru n’a pas d’avenir, et bmpr n’en revient pas en effet : les directeurs artistiques veulent complètement oublier notamment un tel tube (telstar) (c’est complètement sorti de leur esprit) et enterrer le genre instrumental, qui pourtant peut réapparaitre régulièrement sous forme de succès planétaire puisque en seule langue musicale (alors que les français ne s’exportent pas, à part jarre, et ses… instrumentaux), mais non les d. a., formels..., « non les instrumentaux ne nous intéressent pas »).

ce passage au chanté a d’ailleurs assez sévèrement éteint tout un pan d’inspiration de bmpr (et quelques instrus composés par lui, dans cette

période, qu’il prévoyait pour un ensemble + important n’ont pas été proposés –stupidement- à ozone, & ont été perdus, car écrits donc pour des temps futurs, d’où l’égarement, bmpr était sûr de les avoir sauvegardés sur cassette…, cela n’était pas le cas découvrira-t-il trop tard, une catastrophe)

avec le revamping tardif de « 2001 » (avec notamment une séquence nouvelle où le compositeur s’est souvenu de la série « perdus dans l’espace », suivie de près alors très jeune adolescent), bmpr considéra : il réussissait à rejoindre un peu la force évocatrice de « telstar »

« en réécoutant vers 2015 puis en y repensant et en le réécoutant je me disais : j’avais compris enfant l’importance de ce tube, mais à l’époque, peu d’occasions de l’entendre !, j’avais 5 ans…, mais en fait il fallait le placer encore bien + haut : ce tube était divin,  « cela n’est pas possible » me suis-je donc dit au milieu de la 1ère décennie du nouveau millénaire : pour avoir atteint une telle sublimité, une telle quintessence (de la variété !) meeks a dû voir dieu ! (mais pas comme, le pitre lester bangs qui salissait tangerine dream en écrivant lourdement que défoncé, il avait, vu dieu à un de leur concert  au madison square garden !, juste de la moquerie, et pour t d et pour dieu), et cela amené donc au + haut de la musique populaire (qu’est-ce qu’une réussite pareille ?, une « découverte » pareille peut faire dans le cerveau de celui qui l’a menée à bien, d’ailleurs pas étonnant que le compositeur se soit suicidé quelques années après, plus besoin d’exister après une telle existence d’un tube) &, en toute immodestie bien sûr, j’avais aperçu dieu moi aussi, moi : telle nuit dans mon village, & telle nuit encore + profonde, à pont-à-mousson, bien avant d’avoir composé « 2001 » & cela s’entend en écoutant mon « 2001 » ?, mais ne pas oublier, « telstar », élaboré par un producteur, meeks donc, lequel avait les moyens techniques derniers cris (et même inventés par, pour lui) et avec le temps de propre studio en mode infini, pour peaufiner son « satellite » ; nous avec ozone5, on a donc enregistré « 2001 » sur un déjà très fatigué petit sharp, un 2 pistes, modèle de magneto à bande, peu cher, que même des fauchés pouvaient s’offrir, & ce fut un enregistrement live, sans chichi je crois, un peu anecdotiquement, & d’ailleurs on l’a fait écouter à personne…, c’était l’époque, on faisait cette fois de tels instrus dans le cadre de notre petite créativité perso ! en cours, & qui heureusement donc fonctionnait encore et toujours, & quelques personnes seulement l’ont entendu en concert, ou quand on le jouait dans notre local, je ne l’ai jamais fait écouter à paris, une démo trop pauvre, alors que j’avais amené depuis trois ans des maquettes de bonne tenue »

(à noter, c’est en pensant refaire « 2001 » que bmpr a commencé « the sense of silence (sy) » en studio, à paris, en improvisant, mais du coup, « 2001 » a été oublié, une faute grave de plus…, « 2001 » aurait pu être coverisé sans problème durant cette session)

« Viking ».

période afterpunk et spacey encore et titre élaboré aussi avec claude, le second clavier, à une poque où sans doute le bassiste nouveau non encore arrivé. L’envie encore de se reposer des chansons en élaborant à nouveau des instrus. Les thèmes très archétypiques, trop. Le titre plaisait par sa forte valeur ajoutée planante, il a été  

joué live, moment roboratif de concert. Le titre permettait une mise en valeur de la batterie électronique, était voulu volontairement basique, n’en étant que + prenant, mais souffre du manque de claviers performants. Le titre souffrait d’une composition déjà basée sur l’improvisation, donc surtout signée bmpr et sylvain desavelle, mais il aurait fallu ensuite être + exigeant, mais pour bmpr, il s’agissait de se laisser un peu aller, mais bien sûr, dans le cas d’un enregistrement, la reflexion aurait repris droit de cité. A ce jour, non encore revampé

« Cinéma » : l’hommage au cinéma par the cyborgs live

sans doute la toute dernière compo de bmpr, avant son installation à paris, qui scellera la fin d’Ozone5 / au départ, une chanson. Finalement « rabaissée ! » en instrumental avec ses thèmes affirmés, sucrés. Une pièce quelquefois jouée live, mais restée non finalisée ; dommage, l’enregistrement a été fait sans l’apport de claude, le second claviériste aurait sans nul doute apporté un +. (Claude, devra quitter le groupe, un peu triste, mais rejoignant une région autre pour y exercer un job) ; le revamping 2017 de bmpr lui donne le lustre qu’elle attendait, avec notamment l’apport d’une pré-intro, un passage musical, et un sample offensif, dont bmpr se dit assez fier…, « la belle histoire des samples et d’ozone, qui continuait, X années après… », précise-t-il

« élévation»    (« A. F. » à la sacem)  

une chanson aussi, déjà, composée, paroles et musique, par bmpr vers la fin de la période 4 du groupe, soit à sans doute à la mi 81, alors que le groupe ne travaillait pas encore « Edition spéciale » et « vocoder » ; & une song prévue (proposée clés en mains !) pour être  chantée par les deux voix féminines de l’expérience ozone4, mais un 1er essai ne fut pas concluant selon elles ! ; du coup, bmpr (qui ne s’en formalisa pas), proposa de laisser « élévation » sous forme d’instrumental, que de suite il proposait de compléter ; un instru, au final, si intéressant, qu’il sera régulièrement réinterprété en concert, du fait de ses thèmes édéniques et de son punch de titre post-progressif.

pour la petite histoire : la ligne solo ajoutée sans préméditation, jouée sur un clavier crumar (un instrument loin d’être une nouveauté et au clavier assez abimé, avec des touches générant des notes non attendues !, ce qui demandait à bmpr, pour une fois, de faire de la gymnastique) mais qui leur permettait l’ajout de quelques faux violons ou cuivres, en tout cas bienvenus, et cet ajout sur « élévation », assez virtuosistique, n’a nécessité qu’une seule prise et il y a des témoins, les deux jeunes femmes présentes, et pour cause, on vu et entendu cela !, le guitariste qui « opérait » sur la platine cassette (car il s’agit bien d’un overdub dans ses conditions !, le titre enregistré sur le cassette, et idem pour l’overdub1, ça se passe comme ça ! avec les moyens du bord) a été, aussitôt la 1ère prise, enthousiaste, il serait impossible à bmpr de faire mieux…, et bmpr s’est laissé convaincre, en effet…

une des créations d’ozone qui par sa forme et la teneur de ses mélodies annonce la période5 synthépop, c’est comme si il n’y avait pas eu de période4, mais si, le groupe conservera l’idée de chanter, et le pli était pris en 1980

fin de the cyborgs live      février 2019

[gwenndael]

Un groupe d'enfants mange leur repas de Noël : navets et choux.

Je me suis dit :

“Ils sont trop chous, mais ils n’avaient qu’à être sages.”

Mais c’était pas drôle.

Du coup, il faut que je compense un peu cette vision de tristesse...

This photo is from 1955, it was called "a few seconds before happiness". pic.twitter.com/kavW9SBvpg

— banksy (@thereaIbanksy)

28 novembre 2017

P.S: et moi de repenser à ce conte d'Andersen qui m'avait émouvé quand j'étais petit... (je me suis endurci depuis)

Submitting my old sketch for “The Little Match Girl” For “home” #decdoodle #clmooc pic.twitter.com/qTGO8dHrQ3

— Amy Burvall (@amyburvall) 18 décembre 2017

[viktorfredriksson]

Decenniets 50 bästa filmer – Del 4 (11-20)

20. Toy Story 3 (2010)

Som tredje filmen i en redan vida uppskattad filmserie är Toy Story 3 smått unik i sitt slag. Där filmserier i regel förlorar gnista för varje ny uppföljare bevisar Toy Story 3 att det inte är någon naturlag. Berättelsen skiftar obehindrat mellan humor, värme och spänning, och leker samtidigt raffinerat med olika genrer och klichéer. Det är intelligent och oerhört underhållande. Mer kan man inte önska sig. 

19. The Irishman (2019)

Från min färska recension:

Robert De Niro har spelat stoiska figurer förr – mer oväntad är kanske Joe Pescis nedtonade roll. Men det är ett smart drag av Scorsese. Filmens fascination för tidens gång har självmedvetna kvaliteter; Joe Pescis utveckling från naivt explosiva Donny DeVito i Goodfellas till förtroendeingivande, seniora Bufalina i The Irishman, vittnar om en framväxt mogenhet hos Scorsese. Han har själv påtalat flera gånger att han växte upp i nära anslutning till den sortens människor och den jargong han skildrar i sina maffiafilmer. Nu är Scorsese 77 år och blicken har förändrats därefter. Mot slutet finns en närmast meditativ inställning till skuld, ånger, förlåtelse – till tidens gång – och det är svårt att inte tolka det som, åtminstone delvis, självbiografiskt.

18. Den skyldige (2018)

Svenska Gustav Möllers regidebut är ett danskt filmstycke i världsklass. Filmen vilar på ett vågat koncept: likt brittiska one location-snackisen Locke med Tom Hardy i titelrollen berättas i princip hela filmen genom telefonsamtal och därmed publikens fantasi. I Den skyldige spelar svensk-danska Jakob Cedergren polisen Asger som tillfälligt och motvilligt sitter i larmcentralen och besvarar 112-samtal. När en kvinna ringer är Asger på väg att lägga på innan han förstår att hon sitter i en bil och bortförs mot sin vilja. Asger försöker genom kvicktänkta ordväxlingar att lokalisera kvinnan, och kontaktar därefter polisens sambandscentral för ytterligare hjälp – och jakten är igång. Filmen imponerar från start till mål. Oväntat innovativt, effektivt filmat och med ett manus utan större luckor. Extra plus till Cedergren och ljuddesignen. En äkta nagelbitare. Amerikansk remake med Jake Gyllenhaal är beställd. 

17. Prisoners (2013)

Denis Villeneuve är en av decenniets mest tongivande regissörer. I kanadensarens första engelsktalande film spelar Hugh Jackman en man som tar lagen i egna händer efter att hans sexåriga dotter försvinner. Intrigen fångar tittaren omedelbart och Roger Deakins läckra foto – i synnerhet arbetet med motljus – sätter an en minst sagt suggestiv stämning. Jake Gyllenhaals porträtt av nyckfulla kriminalinspektören Loki är på befriande avstånd från den stereotypa poliskaraktären. Tematiskt kretsar berättelsen kring hämnd, våld och moral – utan att Villeneuve pekar med några fingrar. Det finns ytterst få filmer i genren av den här kalibern. 

16. Lady Bird (2017)

Indiedrottningen Greta Gerwigs delvis biografiska regidebut kretsar kring 17-årige Lady Bird, spelad av talangfulla Saoirse Ronan, som drömmer om att lämna Sacramento och leva ut sina kreativa drömmar i New York. På ytan är filmen en uppväxtskildring som vilken annan, men den övertygar på ett djupare plan. Den komplicerade relationen mellan Lady Bird och hennes principfasta mamma (Laurie Metcalf) är navet i berättelsen. En osentimental och finstämd skildring om drömmar, ursprung och tuffa val. 

15. Phantom Thread (2017)

I sin uttalat sista film spelar Daniel Day Lewis en erkänd kostymdesigner, Reynolds Woodcock, i 1950-talets London. En dag träffar han den unga Alma (Vicky Krieps) och en relation inleds. Paul Thomas Anderson brukar inte sällan jämföras med Stanley Kubrick, men här känns det mer befogat än någonsin. Som regissör, manusförfattare och fotograf vet Anderson här exakt vad han är ute efter och kvaliteterna finns just i detaljerna. Tonfall, blickar och kroppsspråk formar detta okonventionella möte mellan två till synes förvirrade själar – och man vet aldrig vart det ska ta vägen. »There’s an air of quiet death in this house«, säger Woodcock och sätter därmed själv ord på den märkbart olustiga stämning som genomsyrar hela filmen. Formmässigt enkel, men desto svårare att skaka av sig.

14. Blade Runner 2049 (2017)

En av mina mäktigaste bioupplevelser någonsin: uppföljaren till min favoritfilm, på legendariska Chinese Theatre i Hollywood. 

Originalfilmen från 1982 är min favoritfilm någonsin. Därför var det med skräckblandad förtjusning jag satte mig i biosalongen till Denis Villeneuves uppföljare. Så mycket som kunde gå fel. Så lite att vinna, så mycket att förlora. Men faktum är att filmen gör det mesta rätt – en mer värdig uppföljare är svårt att föreställa sig, ännu mindre att förvänta sig. Respekten gentemot originalet är verkligen delikat avvägd. Allt från Goslings patenterade likgiltighet och det Vangelis-ekande scoret, till produktplacering, inredning och arkitektur. Den rätta atmosfären är ständigt närvarande utan att det känns mekaniskt. Dessutom befriande att Villeneuve motstod frestelsen att reprisera någon slags finalmonolog. Även tematiskt värnar filmen om sitt arv, och ställer även nya intressanta frågor. Och såklart, visuellt är filmen inget annat än en sensation.

13. Jagten (2012)

Nordens bästa film från årtiondet stod våra rödvita grannar för i Thomas Vinterbergs (Festen) obekväma Jagten. Mads Mikkelsen spelar nyskilda förskoleläraren Lucas som felaktigt anklagas för sexuellt övergrepp på sin bästa väns dotter. Det är som sagt en obekväm film att titta på. Skildringen av småstadens häxprocess känns stundtals väl tillspetsad, men tyngden kvarstår – i synnerhet, såklart, efter #metoo. Själva skuldfrågan är aldrig Vinterbergs primära intresse – filmen står på Lucas sida, och som tittare är det enkelt att göra detsamma – men samtidigt är det inte svårt att förstå människorna runt omkring. En skakande bild över en demokratis sönderfall – när bevisbörda och oskuldspresumtion plötsligt blir tomma ord. 

12. Boyhood (2014)

Tillsammans med Mad Max: Fury Road är Richard Linklaters Boyhood förmodligen den film från decenniet som mest övertygande lyckats förena stora visioner med stor publik och enade kritiker. 

Filmer som inte siktar på ren eskapism, utan vill avspegla verkligheten för den vardagliga människan, har en tendens att hamna – lite hårddraget – i antingen manierad socialrealism eller småsliskigt livsbejakande carpe diem-filmer. Därför är det befriande att se en film som inte väljer någon specifik väg. Boyhood skildrar, som alla vet vid det här laget, en pojkes uppväxt från sju till nitton års ålder, filmat under tolv års tid med samma skådespelarensemble. Autenticitet är alltså ledordet, och visst är det drabbande. Och en mängd andra förtjusande adjektiv om man så vill. Styrkan ligger lika mycket i de små detaljerna som i den stora bilden, och Linklater försöker varken förklara sina karaktärer eller påtvinga något budskap. Mer än någonting annat så ÄR filmen, precis som livet självt. Denna anspråksfulla anspråkslöshet lyfter filmen högt över konventionella uppväxtskildringar.

11. The Florida Project (2017)

The Florida Project är en väldigt effektiv skildring av fattigdom. Berättelsen kretsar kring sexåriga Moonee som bor med sin ensamstående mamma Halley på ett sjaskigt motell alldeles i utkanten av Disneyworld, Florida. Sällan har kontraster utnyttjats lika förtjänstfullt som här: den oskyldiga barndomen mot den bistra vuxenvärlden; turism och överflöd mot kampen att betala månadens hyra; en putsat yta mot ett sargat inre. Det livfulla och färgsprakande barnperspektivet lyfter filmen till något annat – och kanske något mer – än dyster diskbänksrealism. Däremot anas såklart en kapitalistisk kritik i kanterna, men det kastas aldrig i ansiktet på tittaren. Porträttet av motellets ägare, en suverän Willem Dafoe, nyanserar det hela. Han är inte boven i dramat – tvärtom balanserar han lönsamhetskrav med moral, och är tveklöst filmens mest sympatiska karaktär. 

FORTSÄTTNING FÖLJER...

[perleounavet-blog]

FLOP 10 NAVETS 2017

[sarasampaiocloset]

Glamour’s Women of the Year Awards | 13/11/2017 by sarasampaiocloset on Polyvore

White Navete Triple Marquise Ring - Graziela Gems, €4.760

[alystayr]

Valérian et la Cité des mille planètes – Film raté de Luc Besson (2017)

Luc Besson avait déclaré qu’il ne devait faire que 10 films… Avec Valérian, il en est à 17, et ça explique peut-être le désastre absolu de ce coûteux navet.

Alors on nage en plein space-opéra coloré, avec deux agents spéciaux au Service du gouvernement interplanétaire, Valérian et Laureline chargé des missions les plus délicates. Ils les remplissent avec une finesse de pachyderme, et finissent par devoir sauver la station spatiale Alpha, lieu de rencontre de plein de races de l’univers, cible d’un dangereux complot.

Ce film est un ratage impressionnant, en grande partie à cause de son scénario, profondément débile. Les péripéties sont généralement ultra-prévisibles, mais tout le monde s’en fiche car les personnages ne génèrent aucune empathie. Les héros se comportent de manière stupide, ergotant sur des détails tout en ignorant des incohérences criantes. Les dialogues sont creux au possible, en enchaînant les platitudes les plus absolues, et des passages comiques qui tombent à plat. Les deux acteurs principaux, Dane DeHaan et Cara Delevingne ne jouent qu’avec une unique expression chacun : le crétin sûr de lui pour Valérian et la blonde qui fait la tronche pour Laureline. Les seconds rôles célèbres sont grimaçants (Alain Chabat) ou caricaturaux (Rihanna). Même les effets spéciaux ne sont pas à la hauteur : on est loin de l’inventivité du Cinquième Élément (1997, ça commence à faire) et depuis, les derniers Star Wars et surtout Avatar ont mis la barre bien plus haut dans le genre.

Bref, il faut à tout prix éviter ce gigantesque accident industriel, qui va donner une image calamiteuse de la série de BDs de Pierre Christin et Jean-Claude Mézières. Et espérer que Luc Besson arrête enfin d’écrire lui-même ses films.

Approximate translation in english...

Valerian and the city of a thousand planets - a wasted movie from Luc Besson (2017)

Luc Besson once declared he would only realize 10 movies. With Valerian, the amount is 17, and it might explain the absolute disaster of this expensive bad movie.

So we are in a colored space-opera movie, with two special agents working for interplanetary government, Valerian and Laureline, in charge of the most delicate missions. They complete them with the elegance of the elephant, and eventually have to save the Alpha space station, where many races of the universe meet, which is the target of a dangerous conspiracy.

The film is a complete failure, maily because of it’s deeply dumb scenario. The challenges can usually be predictible, but no one cares because the characters produce no empathy. The heroes behave stupidly, arguing about details while they ignore amazing inconsistency. The dialogues are dull, vain and hollow, and funny parts don’t work. The main characters, Dane DeHaan and Cara Delevingne, act with a unique expression each : the overconfident moron  for Valerian, and the sulking blonde for Laureline. Even the special effects don’t work allways : we are far from the creativity of The 5th Element (1997), and since, the last Star Wars and Avatar have highly increase the expectations in this genre.

Si, avoid absolutely this gigantic industrial failure, that will give a bad idea of the Comics from Pierre Christin and Jean-Claude Mézières. Let’s hope that Luc Besson will stop writing his own movies.

[guenaelboutouillet]

« Le gladiateur marche dans les rues de la ville basse, suivi de son ombre. Le cuir du casque qui emprisonne sa tête provient d'une brebis galeuse ; trempé de sueur, il a durci au soleil pour prendre la couleur de la tourbe. Ni cimier, ni décoration. Les coutures grossières ressemblent à des cicatrices. La fente pour les yeux est étroite. L'homme adore observer le monde comme de l'intérieur d'une caverne noircie par le feu. Son haleine mâle emplit le casque. Son épée fidèle bat sa cuisse. Il est ravi de marcher ainsi. Le peuple, l'heureux peuple, ivre d'ignorance, brut de décoffrage, vaque à ses affaires. Dans le quartier des potiers, les tours, entraînés par des pieds calleux, couinent. Dans le quartier les forgerons on martèle à tout va, bling bling. Dans le quartier des tanneurs tout sent le faisandé. Le quartier des bouchers est noir de mouches. Une grande foulonnerie dégage des odeurs de moutons, de soufre et de saponaire. La ruelle des teinturiers a pris des couleurs. Des artisans accroupis sur leurs seuils tressent et martèlent, la tête baissée sur leur ouvrage. Des enfants balayent. Un vendeur de vilaine vaisselle mâche un cure-dent. Un parfumeur vante son huile de sésame à la rose. Dans les maisons on cuisine ragoût de poisson, galette de mil aux herbes, navets au curcuma, langue de bœuf, amandes pilées avec du miel, riz d'Alexandrie à l'écorce de citron, soupe de vinaigre, mouton romarin. La rue est le royaume du torse nu et de la fesse rebondie, du bon mot et du gai juron. Le gladiateur traverse la grande place aux dalles irrégulières, contourne un groupe de saltimbanques qui préparent une atellane et s'engouffre sous les arcades de l'arène, que Vel le téméraire a fait construire sur l'emplacement de l'ancien marché aux bestiaux. Il frappe à une porte. Un clapet s'ouvre. Deux yeux scrutent. Le Clapet se referme. Le verrou grisse et claque. La porte grince. –Comment ça va Publius ? La voix est étouffée par le cuir du casque. L'esclave bossu tord sa bouche dans un grand sourire édenté. –Helmet ! Tu daignes me visiter ! Ses long bras invitent le gladiateur dans un couloir rempli de grognements. Derrière une grille les pupilles des molosses scintillent. Leurs mufles sont humides : ils ont éventré un des leurs, dont la carcasse, côtes en éventail, gît au milieu de la cellule. L'odeur du sang se mêle à celle de l'urine et de fèces. –Maudites bestioles, murmure Publius en frappant les barreaux de sa massue. Les chiens montrent leurs dents. Un molosse jaune aboie et charge. —Ils n'ont rien mangé depuis hier. Il faudra les séparer. Mille fois je l'ai dit à Laetus. Mais qui écoute le vieux Publius ? Publius fais ci, Publius fais ça, Publius ferme ta gueule, voilà le refrain de ma vie ! –Ferme ta gueule, Publius, dit le gladiateur, tendrement.

Dans une niche un foie de mouton brille dans une assiette. –Alors, les présages ? –De grandes choses se préparent, mon Helmet. Et toi, tu en fais partie. Tu n'es pas venu pour rien. –Avant notre venue, rien ne manquait au monde. Après notre départ, rien ne lui manquera. –C'est ça, ducon. Faudrait vraiment qu'on t'enlève ce casque un jour, pour que je puisse voir ta gueule de petit malin. –Un jour, peut-être. Mais pas aujourd'hui. –Comment tu fais pour boire ? –Avec une paille. »

(Mika Biermann, Roi., août 2017, éditions Anacharsis)

[wiadomosciprasowe]

Telia og Chess slås sammen

https://www.y6.no/telia-og-chess-slas-sammen/

Telia og Chess slås sammen

Chess+Telia = Sant: Med en forenklet merkevareportefølje i privatmarkedet vil Telia Norge bli en mer fokusert virksomhet som skal ligge i forkant og utfordre på innovasjon og kvalitet for sine kunder. Dato: 04-04-2018 11:00 CEST Opprinnelig tittel på pressemeldingen: Telia og Chess slås sammen Kategori: , Arbeidsliv Økonomi, finans Data, telekom, IT Media, kommunikasjon Transport Merkevarene Telia og Chess slås nå sammen. Sammenslåingen markerer slutten på et norsk mobileventyr, og videreføring av satsingen på et annet.

Merkevarene Telia og Chess slås nå sammen. Sammenslåingen markerer slutten på et norsk mobileventyr, og videreføring av satsingen på et annet.

– Vi ønsker alle Chess-kunder velkommen til Telia. Vi kan love tilgang til mange nye spennende tjenester, som blant annet Data Boost og Svitsj, og naturligvis alle våre 64 landsdekkende butikker. Alle mobilkundene beholder samme pris og datamengde som de har, og de trenger ikke å foreta seg noe eller bekymre seg for å bytte SIM-kort. Alt skjer automatisk, betrygger Kjersti Jamne, leder for privatmarkedet i Telia Norge.

Telia og Chess har i lengre tid vært en sammenslått organisasjon etter flyttingen av funksjoner fra Bergen til Oslo og Trondheim i 2017. Et naturlig neste steg er å slå sammen merkevarene. Med en forenklet merkevareportefølje i privatmarkedet vil Telia Norge bli en mer fokusert virksomhet som skal ligge i forkant og utfordre på innovasjon og kvalitet for sine kunder.

– Når vi nå slår sammen merkevarene forenkler vi og gjør det bedre for kundene samtidig som vi styrker vår konkurransekraft i det norske markedet. Det vil komme alle våre mobilkunder til gode. Vi kan love Chess-kundene en ekstra hyggelig velkomsthilsen samt at vi skal gjøre alt vi kan for at de skal trives hos Telia, fortsetter Jamne.

Satsing på unge mobilbrukere

Chess har appellert til unge mobilbrukere, men Jamne er ikke bekymret for at denne målgruppen ikke skal føle seg ivaretatt i Telia:

– Unge mobilbrukere er også en viktig målgruppe for Telia, og vi jobber utrettelig for å levere produkter og tjenester som denne kundegruppen ønsker. Vi ser for eksempel at særlig Data Boost har blitt veldig godt mottatt av de unge. I tillegg til at Chess-kundene nå får tilgang til Telias valgfrie tjenester, 64 landsdekkende butikker, lengre kundeserviceåpningstid og en app med spennende innhold, kan de selvsagt også velge å bytte fritt til noen av våre andre Telia-abonnementer. For eksempel SMART Ung som inkluderer Music Freedom, sier Jamne.

Fortsatt Norges beste kundeservice

Kundene kan fremover forvente den samme gode servicen som de kjenner fra Chess, og ønskes velkommen til en operatør som kan tilby innovative løsninger og en kundeorientert organisasjon som hver dag jobber for å levere suverene kundeopplevelser i Norges beste 4G-nett.

– Chess har gjort en fantastisk jobb med å bygge en lojal kundebase og en sterk merkevare over en årrekke. Denne arven skal nå leve videre i Telia, og vi er trygge på at vi skal klare å forvalte denne på en god måte, sier Jamne, og legger til:

– Faktisk er det slik at kundeservicen til Chess etter flyttingen i 2017 har fortsatt å levere knalltall, og i januar i år kåret Kantar TNS Chess til best i Norge på kundeservice innen telekom.

Les mer: chess.no/telia

*Alle Chess-mobilkunder vil i løpet av 4. april motta en SMS-melding fra Telia med informasjon om endringen. *Alle mobilkunder bevarer sine eksisterende prisplaner. *Omlag 170 kunder med Mobilt Bredbånd vil få justert abonnements- og prisplan. 

Kilde: Pressekontor Telia Norge – PRESSEMELDING –

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Vi er Telia Norge, den nye generasjonen telekom-selskap. Våre 1200 dyktige kollegaer møter hver dag tusenvis av kunder i verdens mest oppkoblede land. Vi er navet i det digitale økosystemet som gjør det mulig for mennesker, virksomheter og samfunn å få tilgang til alt som er viktig for dem, på deres vilkår, gjennom hele døgnet – året rundt. Som del av Nordens største mobilselskap er vi en digital tilrettelegger som sammen med partnere skaper våre digitale borgere sin fremtid og fører verden nærmere alle kunder.

Telia, The New Generation Telco

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