#museo mac

[ylliasbell]

Ataría

Magdalena Cordero

Museo Arte Contemporáneo

Santiago, Chile

[crinformativa-blog]

MAC abrió la muestra “RGB: Los colores del siglo”, de Carlos Cruz Diez, pionero del arte cinético y óptico

CR Informativa | redaccion@crinformativa.com Exposición incluye 16 obras del artista; además, intervención de tres pasos peatonales, para llenar de color la capital Muestra estará disponible desde esta semana y hasta el 01 de septiembre de 2024 San José, 14 de junio de 2024. El Museo de Arte Costarricense (MAC) abrió una exposición de obras del artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez,…

[lilglitterboy]

El otro día fui al museo MAC de Bellas Artes y me llamó la atención una exposición en particular. En estas obras, lo primero que se me viene a la mente es que hablan del sexo. Pero para adentrarnos en profundidad, hay que preguntarnos, ¿Qué es el sexo? ¿Acaso es un momento intimo que uno comparte con una pareja? ¿Una necesidad del ser humano? ¿O una expresión de amor?

Para mí, lo que se intenta expresar es simple, el arte del sexo, que haya deseo mutuo carnal con otra/s persona/s, lo genuino que es el placer y la atracción con otro.

[super-lupus]

“From birth I was cast upon you; from my mother's womb you have been my God.

Do not be far from me, for trouble is near and there is no one to help.” - Psalm 22

1. Velázquez, Diego. Christ Crucified. 1632, Museo Del Prado, Madrid.

2. Barbieri, Giovanni Francesco. Apparition of Christ to the Virgin. 1628 - 1630, Civic Art Gallery, Cento.

3. Sassoferrato, Giovanni Battista Salvi. Madonna and Child. 1625 - 1700, Louvre Museum, Paris.

4. Story, William Wetmore. The Angel of Grief Weeping Over the Dismantled Altar of Life. 1894, Rome.

5. Bloch, Carl Heinrich. The Crucifixion. 1870, Museum of National History, Copenhagen.

6. “Mac Finds His Pride.” It's Always Sunny In Philadelphia, season 13, episode 10, FX Network, 7 Nov. 2018. Writ. Rob McElhenney and Charlie Day. Dir. Todd Bierman.

[carmenvicinanza]

Carol Rama

https://www.unadonnalgiorno.it/carol-rama/

La rabbia è la mia condizione di vita da sempre. Sono l’ira e la violenza a spingermi a dipingere.

Carol Rama, artista visionaria, tormentata e trasgressiva, che ha conquistato il plauso della critica mondiale grazie al suo inedito punto di vista. Una donna che ha cambiato il modo di fare arte.

Le sue opere sono protagoniste nelle mostre di arte contemporanea in molti paesi del mondo.

Nata a Torino il 17 aprile 1918 col nome di Olga Carolina Rama, ha avuto un’infanzia difficile dovuta alla prematura e tragica scomparsa del padre e della conseguente malattia psichiatrica che aveva colpito sua madre.Si è avvicinata all’arte da autodidatta, negli anni Trenta, rievocando il suo tormentato vissuto in acquerelli che raffigurano donne nude, amputate, in sedia a rotelle, cariche di un erotismo spinto e perverso. Soggetti accompagnati da animali, protesi e parti anatomiche del corpo come falli, piedi e lingue, rappresentazioni scabrose e inaccettabili per i suoi tempi. La sua prima personale del 1945, infatti, venne bloccata e le opere sequestrate.

Si è poi rivolta all’astrattismo e ha fatto parte del MAC – Movimento Arte Concreta. Ha partecipato alla Biennale di Venezia del 1948 e del 1950.

Le sue opere più conosciute, che l’amico Edoardo Sanguineti aveva definito Bricolage sono progetti polimaterici in cui macchie informali si combinano a denti, unghie e occhi di vetro. Utilizzando camere d’aria di bicicletta ha realizzato tele in apparenza astratte in cui compaiono riferimenti all’anatomia umana e alla sessualità (pelle, carne, budella, falli).

La sua sensibilità provocatoria ha vantato estimatori come Italo Calvino, Andy Warhol, Orson Welles e Man Ray.

Un’importante evoluzione della sua carriera è avvenuta grazie all’incontro con la critica e curatrice Lea Vergine, nel 1980, che l’ha invitata a esporre i suoi lavori nella mostra itinerante sulle più grandi artiste del Novecento, intitolata L’altra metà dell’avanguardia.

Nel 1985, sempre con la cura di Lea Vergine, ha allestito la sua prima antologica nel sagrato del Duomo di Milano.

Oltre a figure e personaggi ispirati alla sua storia personale, che raccontano anche di desideri e fantasie inespresse, tra gli anni Ottanta e Novanta il suo immaginario si è popolato di nuovi soggetti, come la Mucca Pazza, dipinti o disegnati sopra mappe catastali e disegni tecnici prescritti.

Nel 1993 ha avuto una sala personale alla Biennale di Venezia.

La sua prima personale negli Stati Uniti è stata a New York, nel 1997. Ha poi esposto nel Regno Unito, Germania, Austria, Australia, Paesi Bassi e in numerosi luoghi cardine dell’arte contemporanea del nostro paese e non solo.

Nel 2003 la Biennale di Venezia le ha conferito il Leone d’oro alla carriera.

Il 14 gennaio 2010 ha ricevuto il Premio del Presidente della Repubblica da Giorgio Napolitano, su segnalazione degli Accademici Nazionali di San Luca.

Ha lasciato la terra il 24 settembre 2015 a Torino. La sua casa studio è diventata un museo.

Carol Rama ha imposto nuovi punti di vista alla contemporaneità. Attratta da ciò che normalmente disgusta l’opinione pubblica, il suo stile trasgressivo è stato conseguenza delle sue esperienze profonde e traumatiche che ne hanno segnato l’estetica e la poetica.

Nelle sue opere ha ricercato l’inusuale e giocato con materiali poco convenzionali dando loro nuova forma e significato. Ha usato l’assemblage in maniera nuova e con esiti mai visti, in un periodo storico in cui provocazione faceva rima con volgarità e in un contesto sociale in cui una donna non poteva permettersi di essere poco elegante.

È stata trasgressiva, libera e dissacrante, ho osato come nessuna prima, cambiando inesorabilmente il corso dell’arte contemporanea.

[soloesunmundial]

EL ONCE IDEAL DE FINALES

POR: Dibu Martínez (Argentina) Un arquero que saca una pelota en el minuto 90 y pasados de una final es indiscutible. La atajada del Mundial.

DFC: Joško Gvardiol (Croacia) El enorme Mundial de Gvardiol, que incluye un gol en el partido por el tercer puesto, demuestra que es el futuro del futbol pues ataca y defiende con solvencia (salvo que tenga que parar a Messi).

DFC: Nico Otamendi (Argentina) Solidez asegurada y experiencia también, la defensa argentina estaba en los pies de Otamendi que tuvo un Mundial parejo y enorme final.

LD: Achraf Hakimi (Marruecos) Aunque en el partido por el tercer puesto no tuvo el papel tan importante como en otros, su aplomo y capacidad de ir al ataque es merecedor de un puesto en una de las ubicaciones más complicadas de la cancha.

LI:  Nicolás Tagliafico (Argentina) Extraordinario en la recuperación, muy seguro presionando en la media cancha, el lateral perfecto que necesitaba Argentina en un partido muy complicado como la final.

MCD: Nordin Amrabat (Marruecos) No lo tenía en mente, me ha impresionado muchísimo este jugador marroquí que no solo presionaba en salida, sino que bajaba como último hombre y le sacó una pelota de gol a Mbapeé. Si hay un hombre que representa la garra de Marruecos es él.

MC: Enzo Fernández (Argentina) Considerado el mejor jugador joven del Mundial -yo pondría también a Jude Bellingham-, Enzo Fernández ha tenido una concentración y un juego sobresaliente en el mediocampo argentino, el mejor que se ha visto en años.

MC: Alexis Mac Alister (Argentina) Un jugador polifuncional, de raza, que siempre supo dónde ponerse y cómo entender a Messi. La corrida en el contragolpe que originó el segundo gol de Argentina es digna de un museo.

EXD: Lionel Messi (Argentina) Por su capacidad para desdoblares, para romper líneas, para evitar que los demás jueguen solo por su presencia, por el liderazgo: el mejor del Mundo.

EXI: Kyliam Mbapee (Francia) No hizo una buena final, pero cuando lo llaman al gol está presente siempre. Un auténtico killer del área.

DC: Julián Álvarez (Argentina) Aunque un goleador se premia por los goles que hace, la verdad es que Julián Álvarez es un jugador distinto en la lista de 9 de Argentina, con velocidad, abre espacios y no se cansa jamás, presiona en salida, una variante que en la final fue fundamental porque si el delantero presiona el equipo contrario se pone “largo” y no le llega la bola a Griezmann. Impresionante.

DT: Lionel Scaloni (Argentina) No solo su manejo de vestidor sino su visión del fútbol, muy versátil, muy inteligente para explotar los recursos de su equipo; pese a la desventaja de que no tiene un juego muy físico (y eso le costó dos empates) su capacidad para ubicar a los delanteros en puestos claves para anular el juego del contrario es sobresaliente.

[telomeke]

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Photograph of the sculpture "Caballo" (a horse with unnaturally stout proportions) by Colombian artist Fernando Botero in the Parque Forestal of Santiago, Chile, in front of the Museum of Contemporary Art (MAC), Faculty of Arts, University of Chile.

Fotografía de la escultura "Caballo" (un caballo con volúmenes extrañamente regordetes) del artista colombiano Fernando Botero en el Parque Forestal de Santiago de Chile, frente al Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Facultad de Artes, Universidad de Chile.

Okay so I found the most incredible horse statue while doing research for my job and guys. Are you ready for this. Are you sure you're fucking ready for this thing

[agrpress-blog]

Mostra “Libri di Artista – Libri di Accademia” al MAC.GUARCINO Con il titolo “Libri di Artista - Libri... #AccademiaBelleArtiFrosinone #MACGUARCINO #marmoCarrara #mostralibrid’artista #sculturacontemporanea https://agrpress.it/mostra-libri-di-artista-libri-di-accademia-al-mac-guarcino/?feed_id=8060&_unique_id=67362c99d61e8

[corazondevoluntario]

En esta ocasión, la experiencia puntual que realice fue asistir a la Exposición “Color”: El conocimiento de lo invisible. Fue organizada en colaboración con la Fundación Telefónica Movistar y el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC). El objetivo de la exposición es que los visitantes realicen un viaje fascinante, comenzando con los estudios de Isaac Newton, y explorar los usos científicos contemporáneos del color a través de seis secciones interconectadas.

Asistí a esta exposición, ya que, al ver la promoción de esta, me llamo la atención el enfoque moderno que le habían dado al concepto del color. Asimismo, me pareció una actividad muy interesante y fuera de lo común que no se hace muy frecuentemente en Lima así que al ser gratuita no quise perderme la oportunidad.

Desde mi perspectiva, lo más relevante de esta experiencia fue aprender más sobre la teoría ye historia del color. Me pareció interesante la manera en la cual la exposición fue organizada para que el público la disfrute.

Sí volviera a tener esta experiencia, tomaría más atención a las obras y lo que quieren trasmitir para poder entender la exposición mucho más. Por otro parte, en cuanto a mí entorno no cambiaria nada, ya que todo estuvo muy organizado y apropiado para que los visitantes tengan una buena experiencia.

[ylliasbell]

Firebird

2022

Ataría

Magdalena Cordero

Museo de Arte Contemporáneo, Parque Forestal, Santiago, Chile.

[latam-art]

Orígenes: Celebrando a Martínez Bonati

Orígenes es la exposición dedicada a Eduardo Martínez Bonati en el Museo de Arte Contemporáneo de Chile. Esta muestra no solo recorre su trayectoria, sino que también celebra los 50 años del MAC en su sede de Parque Forestal. Las obras reflejan la historia de un artista marcado por su exilio y su retorno, mostrando una evolución que conecta pasado y presente.

[agendaculturaldelima]

#EspacioAtemporal

🖼 “MILK AND BLOOD” 🎨🖌️

💥 Exposición que explora la identidad y el cuerpo a través de una serie de pinturas inéditas, cuya temática aborda la transformación del cuerpo y la identidad femenina en una sociedad consumista y patriarcal. Bajo las influencias de la fantasía y el terror, la artista examina los aspectos más oscuros y siniestros del crecimiento, enfocándose en las experiencias que rodean la transición de la infancia a la adultez femenina.👧👸👩👩🏻‍⚕️

🚨 “La obra de Luna encuentra en el asco y el terror por los cambios fisiológicos el detonante para crear narrativas de autoconciencia y reinvención” comenta la curadora; y es que la artista explora, a través del arte figurativo, cómo los roles de género afectan la vivencia de la corporalidad y la sexualidad, generando un espacio de reflexión sobre la identidad y la resistencia. Así, nos invita a sumergirnoss en su propio proceso de autoexploración y a desafiar los paradigmas tradicionales.🙈

😺La propuesta artística fusiona elementos de la estética infantil de Disney, la narrativa de terror del creepypasta y la vibrante paleta de colores de los mahō shōjo en el anime y manga. Dichas influencias visuales le permiten crear un universo que combina lo lúdico y lo macabro, invitando a una introspección sobre la transformación del cuerpo y la autopercepción en una sociedad que impone roles tradicionales de género.💪👀

👩 Artista Visual: Luna Dannon Pasquale @lunadannonarte

🔍Curaduría: Gisselle Girón @gissellegiron

📌 TEMPORADA:

🎯 Hasta el 19 de octubre

🏡 Now Gallery (av. Los Conquistadores 780 - San Isidro)

👪 Lunes a Viernes

🕘 9:00am. a 7:00pm.

 🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre

  📝 CV.- Luna Dannon Pasquale (Lima, 1996) es una artista visual y psicóloga clínica, cuyas obras abordan temas de género, sexualidad e identidad a través de medios como la pintura, escultura, animación y fotografía. Estudió psicología en la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP) y posee un MFA en dibujo y pintura clásica de la Barcelona Academy of Art. Su trayectoria incluye exposiciones en la Galería Índigo y el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (MAC), y ha trabajado en proyectos de arte y salud mental en comunidades vulnerables de la Amazonía y prisiones peruanas. Cueenta con una destacada participación en el ámbito académico con su investigación en temas de violencia de género, y su obra artística es una prolongación de su mirada crítica hacia las normas sociales y los estigmas que afectan a las mujeres..  

📸 Instagram: @lunadannonarte

[fotosfeatpeople-blog]

Más fotografías sociales del Fashion shock en museo Mac

para nuestro cliente #Joico.

En el set de foto el fotógrafo Cristian Sepúlveda Llancapán

[formularunning]

Nacida en Agosto de 1876, e hija de un modesto sombrerero llamado Adam Zelle, a quien sus vecinos apodaban "el Barón" por sus delirios de grandeza, Margaretha tuvo una infancia tan feliz como irreal.

A los 6 años, en su primer día de clase en el colegio más caro de la ciudad, llegó en una carroza tirada por cabritas blancas enjaezadas con cintas.

Esa feliz infancia se vio truncada por la huida de su padre con otra mujer en 1889 y por la muerte de su madre dos años más tarde.

De una exótica belleza, heredada de su madre, muy pronto tomó conciencia del poder que eso podía reportarle.

A los 14 años ingresó en el Instituto Leyden de Amsterdam, con la intención de ser maestra, pero fue expulsada al cabo de dos años, acusada de seducir a su director, un hombre casado de 51.

De allí se fue a vivir con su padrino a La Haya, una ciudad llena de oficiales de las colonias que regresaban de su servicio en las Indias Orientales Holandesas (la actual Indonesia).

Allí conoció a a los 19 años al Capitán Rudolf Mac Leod, un oficial holandés 20 años mayor que ella, con quien se casó en julio de 1897.

En búsqueda de aventuras, acompañó a su esposo, cuando fue destinado a las Colonias de Java y Sumatra.

No fue una estancia feliz.

Mac Leod no tenía dinero, estaba lleno de deudas y tenía un pésimo carácter.

Su primer hijo Norman murió prematuramente, y su esposo cayó en el alcoholismo.

Durante su estadía en la colonia, había aprendido las danzas nativas balinesas.

Luego de cinco años de infeliz matrimonio, tras el divorcio, no obtuvo la custodia de su hija Louise.

Margaretha regresó sola y sin dinero a Europa, hacia 1905, al París de la Belle Époque, donde explotando su natural, enigmática y provocativa belleza, comenzó una nueva vida.

Adoptó el nombre de Mata Hari, un nombre que en malayo significa "amanecer" u "ojo del día".

Debutó en la vida social con una actuación en el Musée Guimet, un museo de arte oriental de París, ante 600 miembros de la élite económica de la capital.

Al espectáculo, que tal vez podía haber sido prohibido por lo sensual, Mata Hari explicó que se trataba de una danza sagrada tradicional indonesia.

Su audacia al aparecer semidesnuda en los escenarios y su conocimiento de los sensuales y exóticos bailes malayos, la llevó en poco tiempo a lujosos cabarets y teatros, hasta convertirse en mito sexual de los escenarios parisinos y en cortesana de lujo.

Su fama se extendió por toda Europa. Viajó por todo el continente, relatando diferentes versiones de una vida tan enigmática y fascinante como inventada.

Esa mezcla de exotismo y misterio, unida a su belleza natural, le permitió acceder a contactos con militares, diplomáticos, políticos y funcionarios de alto rango en las principales capitales: París, Berlín, Montecarlo, o Madrid.

Eso le permitió tener también acceso a información privilegiada sobre la política y el desarrollo de la I GM que ya había comenzado.

Uno de sus amantes, el cónsul alemán en Ámsterdam, Eugen Kraemer, era también jefe de los servicios secretos alemanes, le ofrece importantes sumas de dinero a cambio de conseguir información del bando francés.

Así se convierte en la agente H-21, en la primavera de 1916.

Por ambición, amor o inconsciencia, poco después ella también aceptó convertirse en agente al servicio de Francia.

Eran juegos peligrosos que serían su perdición.

El servicio secreto francés, el Deuxième Bureau, comenzó a escuchar sus conversaciones telefónicas y leer su correspondencia.

Su director, Georges Ladoux estaba desesperado por capturar algún espía para justificar los desastres de Francia en la guerra. En 1916 se libraron las dos batallas más terribles hasta el momento: Verdún y el Somme.

Descubierta por el espionaje Británico, fue denunciada y detenida por las autoridades Francesas a mediados de Febrero de 1917.

Un día como hoy, comienza en París, el proceso donde Mata Hari es acusada de espionaje, alta traición y ser responsable de la muerte de miles de soldados.

[carmenvicinanza]

L’arte militante di Carla Accardi

L’arte è sempre stata il reame dell’uomo. Noi, nello stesso momento in cui entriamo in questo campo così maschile della creatività, abbiamo il bisogno di sfatare tutto il prestigio che lo circonda e che lo ha reso inaccessibile.

Carla Accardi, pioniera dell’arte contemporanea, dal dopoguerra, è riuscita a emergere in un contesto fortemente maschile e per prima ha ricevuto importanti riconoscimenti internazionali.

Figura cardine della cultura visiva contemporanea, è stata la prima donna a dedicarsi all’astrattismo, nel 1947, e prima a dare alla sua arte una connotazione politica.

Lavorando su forme indecifrabili in cui protagonista è stato soprattutto il colore, ha abbattuto i pregiudizi che vedevano le opere delle donne intrise di delicatezza e realismo.

La sua pittura costellata di confronti linguistici e sperimentazione, è riuscita a raggiungere vette altissime.

Si è espressa attraverso il segno, reinventandolo o reinterpretandolo per collaudare nuove convivenze e nuovi rapporti con lo spazio e la superficie.

Ha più volte partecipato alla Biennale di Venezia e nel 1997 è entrata a far parte della Commissione.

Ha esposto in personali e collettive in tutto il pianeta.

Le sue opere hanno fatto parte di importanti rassegne internazionali alla Royal Academy di Londra, al Guggenheim Museum di New York, al MOCA di Los Angeles, al Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain di Nizza e fanno parte delle collezioni di istituzioni come la Tate di Londra, il MoMa di New York, il Centro Pompidou di Parigi, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, il Palazzo Reale di Milano e il Museo Civico di Torino, sono per citarne qualcuna.

Nata a Trapani, il 9 ottobre 1924 aveva studiato Belle Arti a Palermo e Firenze prima di stabilirsi a Roma, subito dopo la guerra.

Nel 1947 è stata l’unica donna del gruppo che ha fondato Forma 1 collettivo artistico di ispirazione formalista e marxista e prima a basare la sua ricerca sull’astrazione mirata a un rinnovamento della cultura visiva italiana.

Del 1950 è la sua prima personale alla libreria L’Age d’Or di Roma, in cui sviluppava il suo originale linguaggio incentrato su segni bianchi e neri.

Successivamente, a Milano, tramite la Libreria Salto, ha iniziato a collaborare con il MAC – Movimento Arte Concreta, gruppo artistico di cui ricordiamo Bruno Munari.

Nel 1955 nella sua personale alla Galleria San Marco di Roma ha presentato una ricerca dedicata alla riduzione cromatica e segnica e partecipato alla collettiva Individualità d’oggi invitata dal critico d’arte francese Michel Tapié che ne ha consolidato la fama di prima pittrice astrattista conosciuta e apprezzata a livello internazionale.

Nei primi anni Sessanta è tornata a utilizzare il colore e a metà del decennio ha sperimentato nuovi supporti e pigmenti, utilizzando vernici colorate e fluorescenti applicate su supporti plastici trasparenti arrotolati o assemblati.

Negli ambienti e le tende – Tenda, 1965-66, Ambiente arancio, 1966-68, Triplice tenda, 1969-71 –, ha dialogato con le esperienze più radicali e innovative del design e dell’architettura italiani, costruendo spazi nomadi e anti-istituzionali, delle «stanze tutte per sé» che riecheggiano la necessità di creare uno spazio separato, precondizione alla pratica femminista dell’autocoscienza. Forme ibride in cui si intrecciano pittura, scultura e architettura, presupponendo la partecipazione attiva di chi guarda.

Nel 1969 è stata l���unica donna protagonista di Autoritratto, libro di conversazioni con artisti dell’allora critica d’arte Carla Lonzi, poi diventata la più importante teorica del femminismo della seconda ondata. I suoi interventi nel volume ruotano spesso attorno ai temi dei rapporti uomo-donna, alla condizione femminile e alle diverse forme di oppressione, con un interesse particolare per le lotte per i diritti civili delle persone afro-americane.

Nel 1970, insieme ad altre donne, Accardi e Lonzi, hanno dato vita a Rivolta femminile, uno dei primi gruppi femministi in Italia, fondato sul separatismo e sulla pratica dell’autocoscienza. Le due sono state legate da uno straordinario sodalizio durato circa un decennio che si è spezzato in seguito a una serie di conflitti e incomprensioni che ruotavano attorno alla difficile convivenza dell’arte con il femminismo.

Carla Lonzi non riusciva a pensare la creatività femminile al di fuori del coinvolgimento con l’ordine patriarcale, mentre Carla Accardi rivendicava un’identificazione come artista all’interno di una pratica femminista.

Fuoriuscita dal collettivo, insieme a Suzanne Santoro e Anna Maria Colucci, ha dato vita alla Cooperativa di via del Beato Angelico, una delle più significative esperienze artistiche femministe in Italia.

Nel maggio del 1976, la mostra Origine, rappresenta una sorta di risposta e di elaborazione dei temi discussi all’interno del gruppo. Ruota attorno ai temi della memoria personale e delle geneaologie femminili. Attraverso l’installazione di una tenda trasparente che serve da supporto a una serie di fotografie, ha costruito una narrazione non-lineare delle relazioni femminili all’interno della sua storia familiare. Ha utilizzato tecniche innovative per dialogare coi temi affrontati negli anni Sessanta, quando era alla ricerca di modalità che le consentissero di pensarsi come artista all’interno di un contesto che la escludeva a priori.

Negli anni Ottanta è ritornata all’uso della tela mentre il suo linguaggio si evolveva ulteriormente verso segni e giustapposizioni cromatiche inediti.

Nominata a far parte dell’Accademia di Brera nel 1996, l’anno dopo è diventata consigliera della Commissione per la Biennale di Venezia.

Si è spenta il 23 febbraio 2014, all’età di novanta anni. I suoi funerali si sono svolti nella sala del Carroccio in Campidoglio.

Per commemorare il centenario dalla nascita, da marzo a giugno 2024, il Palazzo delle Esposizioni di Roma le ha dedicato una ampia retrospettiva.

Carla Accardi è stata la prima artista femminista italiana. Il suo lavoro,  stato determinante per la nascita e lo sviluppo di nuovi modi di intendere l’opera d’arte, ha lasciato un segno indelebile.

Ha vissuto la sua militanza artistica in autonomia, approfondendo i temi dell’identità, della differenza e della creatività femminile.

Attraverso la creazione di un nuovo segno, ha inventato un linguaggio indecifrabile, testimonianza diretta della sua alterità nei confronti di un mondo occidentale di appannaggio maschile.

[lamilanomagazine]

Milano, Museo del Novecento. Inaugurati e visitabili quattro progetti espositivi realizzati in occasione di Milano Art Week

Milano, Museo del Novecento. Inaugurati e visitabili quattro progetti espositivi realizzati in occasione di Milano Art Week. Nella Galleria del Futurismo, all'inizio del percorso museale, è allestito "VOL. XXXI: Futurism Drama", intervento site-specific dell'artista cipriota Haris Epaminonda (Nicosia, 1980), vincitrice della prima edizione di Fondazione Henraux Sculpture Commission. L'esposizione, a cura di Edoardo Bonaspetti e promossa dalla Fondazione Henraux in collaborazione con il Museo del Novecento, è un racconto di visioni, pensieri e temporalità. Essa apre un dialogo inedito tra i capolavori del primo Novecento, una selezione di opere di Medardo Rosso – figura di riferimento per l'avanguardia Futurista – e la ricerca dell'artista. Con le sue composizioni Epaminonda ricorda non solo l'importanza della connessione tra pensieri e tradizioni culturali diverse, ma anche il valore e la qualità che possono assumere nuovi mondi possibili (10 aprile - 12 maggio). Proseguendo nel percorso, nella saletta al terzo piano del Museo, trova spazio "Off Script", la mostra personale dell'artista olandese Magali Reus (L'Aia, 1981), vincitrice della VII edizione del Premio Arnaldo Pomodoro per la Scultura, realizzata in collaborazione con il Museo del Novecento e curata da Federico Giani. Espone una selezione delle più recenti sculture dell'artista, le Clementine, una serie che prende il suo spunto visivo dai barattoli di marmellata e di conserve della tradizione familiare. Si tratta di oggetti scultorei intenzionalmente artificiali e destabilizzanti che rappresentano, secondo la poetica di Reus, una riconfigurazione degli oggetti familiari e abituali che costituiscono il nostro mondo (10 aprile - 30 giugno). Al quarto piano, negli spazi degli Archivi del Novecento, "ARCHIVIALE_001. Dal 1940 a oggi - Istantanee dalle Gallerie d'arte di Milano", a cura di Mariuccia Casadio, è il primo capitolo di una ricerca che intende ricostruire oltre settant'anni di storia delle gallerie private di Milano con le loro scelte artistiche, le relazioni internazionali, gli eventi d'avanguardia, gli incontri con gli artisti. La mostra è promossa da MAC - Milano Art Community, il network che raccoglie le più importanti gallerie e istituzioni della città di Milano, in partnership with Gucci (10 aprile - 30 giugno 2024). Sempre al quarto piano, chiude il percorso "Ritratto di Città (20/20.000HZ)", grande installazione audio-video multi-canale del duo Masbedo (Iacopo Bedogni e Niccolò Massazza) a cura di Cloe Piccoli, che è fra i vincitori dell'undicesima edizione di Italian Council (2022), il programma della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura volto alla promozione internazionale dell'arte contemporanea italiana. Il progetto parla della rinascita culturale di Milano: dalla musica elettronica dello Studio di Fonologia RAI, dalle invenzioni di Luciano Berio e Bruno Maderna, lo sguardo si allarga all'architettura (BBPR), all'arte (Lucio Fontana), al cinema (Michelangelo Antonioni), alla grafica (10 aprile - 30 giugno 2024).... #notizie #news #breakingnews #cronaca #politica #eventi #sport #moda Read the full article