#museo de kanazawa

[februa10]

[spendingtime]

Kanazawa

Los edificios de una misma calle no están pegados unos a otros, los separan apenas un par de palmos, quizá para que corra el aire. En algunos casos un edifico tiene ventanas laterales pero eso no significa que el espacio con el edificio contiguo haya de ser más amplio.

La lluvia es una aniquiladora del disfrute cuando éste se basa en caminar al aire libre por una ciudad.

Revivo Shogun en el castillo (lo que queda de él) de Kanazawa.

El famoso Kenroku-en me despierta el mismo sentimiento que Ogimachi.

Comemos tortilla de patata en Eden.

Locales bonitos.

Exquisitos dulces de azuki y boniato.

Azuki: alubia roja pequeña que se cuecen generalmente con azúcar y se utiliza en dulces.

Beaujolais nouveau en el museo.

Villancicos sonando en el sitio donde comemos oniguiris y donde a Dani no le dejan comprar una bolsa de patatas fritas porque son solo para llevar y nosotros vamos a comer allí.

Oniguiri: pieza triangular de arroz que por fuera siempre lleva un trozo de alga. El arroz puede estar aderezados con cualquier ingrediente.

Matcha: té verde en polvo.

Ceremonia del té: ritual en el que se prepara, sirve y degusta un té matcha. Hay que seguir una serie de pasos como disfrutar previamente de la lectura de un haiku o el observar una pequeña flor, para después, ceremoniosamente, limpiar los utensilios, coger agua, batir la mezcla en vertical haciendo espuma y después recoger circularmente la mezcla. Antes de beberlo hay que comerse los dulces que se ofrecen: se coge el plato con la mano derecha, se posa sobre la izquierda y con el palillo o la mano libre que vuelve a ser la derecha, tomar el dulce. La taza de té parecido: la zona delantera del bol o taza, la del dibujo, se sitúa visible a los ojos, se coge con la mano derecha, se apoya en la izquierda, con la derecha de nuevo se gira dos veces con el fin de colocar el dibujo o parte frontal justo al otro lado (no se bebe por esa parte), se acerca a la boca y se bebe en tres o cuatro sorbos, el último ruidoso, en deferencia y agradecimiento a lo bien que la otra persona lo ha preparado, como símbolo de que estaba rico.

Totemo oishi: que está delicioso, que ha gustado mucho.

Ichigo ichie: vive el ahora, porque no se va a repetir.

De recuerdo me llevo unos típicos boles de madera lacada de una serie de utensilios que alguien dejó en la puerta de una casa con el cartel de free to take (coge libremente lo que quieras).

[gagosiangallery]

Damien Hirst at Gagosian Rome

June 17, 2021

DAMIEN HIRST Forgiving and Forgetting

July 6–October 23, 2021 Via Francesco Crispi 16, Rome __________ It’s all about what you want to believe. —Damien Hirst Gagosian is pleased to present Forgiving and Forgetting, an exhibition of sculptures and new paintings by Damien Hirst. The presentation coincides with Archaeology Now, on view from June 8 to November 7, 2021, which intersperses more than eighty paintings and sculptures by Hirst among the historical collections of the Galleria Borghese in Rome. Forgiving and Forgetting includes works from Hirst’s Treasures from the Wreck of the Unbelievable, a project that presented sculptural relics from a fictional shipwreck off the coast of East Africa, playing fast and loose with linear time, cultural origin, and perceptions of relative status and value. Foregrounding these sculptures against an intricately woven tale of seafaring exploits, marine excavation, and laborious research, Hirst aimed to invoke feelings of wonder at their meticulous physical and conceptual fabrication. The series debuted in 2017 with a suite of Treasures—ranging from pastiches of ancient and classical busts, masks, and statues to representations of iconic Disney cartoon characters—rendered in an extraordinary array of materials, many encrusted with colorful blooms of skillfully painted barnacles, as if salvaged from the ocean floor. Forgiving and Forgetting marks an ambitious phase in Hirst’s body of work; these sculptures are carved out of pink Portuguese marble and white Carrara marble, immortalizing each figure in one of the most storied materials in Western art history.

Each subject in its monochrome marble assumes the same gravitas; the playful wave of a coral-laden Minnie Mouse is echoed elsewhere in the gallery by the outstretched hand of the female centaur Hylonome, whose statuesque form conjures both Baroque corporeality and the stately symmetry of French Neoclassical sculpture. Sparking unexpected interactions between ancient and modern, Hirst’s Treasures exemplify the idea of mythmaking that lies at the core of culture, both high and low. Hirst will also reveal his latest series, the Reverence Paintings. Originally seeking to reimagine the vibrant Cherry Blossoms in allover white, he began to overlay shifting dabs of color and flecks of gold leaf across the otherwise monochrome canvases, allowing them to take on a vivid and shimmering dynamism. Covered with bright impasto dots that add both perspectival grounding and visual haze to each composition, the Reverence Paintings underscore Hirst’s acute sense of color, expanding upon the expressionistic and pointillist impulses that have inspired his recent bodies of work. Damien Hirst was born in 1965 in Bristol, England, and lives and works in London and Devon, England. Collections include the Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples, Italy; Museum Brandhorst, Munich; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany; Stedelijk Museum, Amsterdam; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Tate, London; Israel Museum, Jerusalem; Astrup Fearnley Museet, Oslo; Gallery of Modern Art, Glasgow, Scotland; National Centre for Contemporary Arts, Moscow; Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Museo Jumex, Mexico City; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Exhibitions include Cornucopia, Oceanographic Museum of Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); Relics, Qatar Museums Authority, Al Riwaq (2013); Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then), Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museet, Oslo (2015); The Last Supper, National Gallery of Art, Washington, DC (2016); Treasures from the Wreck of the Unbelievable, Palazzo Grassi and Punta della Dogana, Venice (2017); Damien Hirst at Houghton Hall: Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures, Houghton Hall, Norfolk, England (2019); and Mental Escapology, St. Moritz, Switzerland (2021). Hirst received the Turner Prize in 1995. _____ Damien Hirst, Minnie, 2020, pink marble, 39 5/8 × 22 7/8 × 22 7/8 inches (100.5 × 58 × 58 cm), edition of 3 + 2 AP © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2021. Photo: Prudence Cuming Associates Ltd

[howmanyartists]

Olafur Eliasson

Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) es un artista danés conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala, realizadas con materiales como la luz y el agua, y por sus juegos con elementos como la temperatura del aire para sorprender al espectador.

Educación:Real Academia de las Artes de Copenhague, Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca.

Ha expuesto en numerosos museos y galerías como: Galería Tanya Bonakdar. El San Francisco Museum of Modern Art l Museo de Arte Moderno, el PS1 Contemporary Art Center, Nueva York (2008), el Museo de Arte de Dallas, Texas (2008-09), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (2009) y el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (2009-10).

Kunsthaus Bregenz, Musée d'Art Moderne, París, ZKM (Centro de Arte y Medios de Comunicación), Karlsruhe (2001), Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2004); Hara Museum of Contemporary Art, Tokio (2006); el Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa, Ishikawa (2009); el Martin-Gropius-Bau, Berlín (2010) y la Fundación Langen, Museumsinsel Hombroich, Neuss (2015). Bienal de São Paulo, de Estambul (1997), de Venecia (1999, 2001 y 2005) y el Carnegie International (1999), Tate Modern de Londres (2019).

Premio Benesse de Benesse Corporation, Premio Nykredit de Arquitectura​ y la Medalla Eckersberg por pintura. Medalla Príncipe Eugen por escultura y Crown Prince Couple's Culture Prize.​ Primer Premio Joan Miró de la Fundación Joan Miró,

Premio Quadriga, Goslarer Kaiserring, Premio Mies van der Rohe, premio Eugene McDermott de Artes en el MIT.

[23-unab]

Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI de Kanazawa SANAA

[micaramel]

Artist: Federico Herrero

Venue: Lulu, Mexico City

Date: February 4 – April 4, 2020

Click here to view slideshow

Full gallery of images, press release and link available after the jump.

Images:

Images courtesy of Lulu, Mexico City

Press Release:

Lulu is pleased to present a solo exhibition of the Costa Rican, San José-based painter Federico Herrero.

Federico Herrero’s work responds to the urban environment of the city. What he makes stands as a direct rebuttal to those who assume that painting is irrelevant, elitist, or precious. Painting, his work contends, is not something removed from but deeply embedded in the everyday life of a city, taking place on curbs, buildings, street signs and a multitude of other surfaces everywhere. It is integral to our sensual and semiotic perception of the world. In what he creates, paint is liable to behave as it does in an urban context. It is for this reason he works with acrylic, oil, spray paint and ink and that his paintings often exceed the canvas and extend out to the environment of the gallery or exhibition itself.

His formal language straddles Latin American and more Western European traditions of abstraction. Bright, multicolored, and irregularly shaped forms stack up willy nilly upon one another much the way urban growth might develop in a city. Indeed, what he depicts can, at times, be read as a topographical view of the world seen from a bird’s eye perspective, at other times, a landscape in profile divided by a horizon line. In this way, the work possesses the ability to exist on several pictorial planes at once, as landscape, portrait, and the perfectly flat plane of paint. That said, for all his engagement with the practical and quotidian life of this medium, what he makes cannot be limited to such functional descriptions: a highly personal, if idiosyncratic quality of making joyously pervades everything he produces, rendering it irreducible to any kind of illustration.

For his exhibition at Lulu, Herrero will concentrate on lesser known aspect of his production: small painting. Notorious for working in a variety of predominantly large scales, Herrero here indulges in a more domestic version of his practice. Works range from his more antic proliferations of imagery to much more spare fields of color. It offers a rare opportunity to experience his work at its most distilled, object-like and intimate.

Federico Herrero (b. 1978, San José, Costa Rica) lives and works in San José, Costa Rica. He has presented solo exhibitions and public installations in New York, São Paulo; San Francisco; Dusseldorf, Germany; Kanazawa, Japan; Tokyo; Mexico City; and London. Recent major institutional projects include Tempo aberto, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, São Paulo (2019); Open Envelope, Witte de With, Rotterdam, the Netherlands (2018); and Alphabet, a site-specific installation for the atrium of the Museum of Contemporary Art Chicago (2018). Herrero received the Young Artist’s Prize at the 49th Venice Biennale (2001) and his work is in the permanent collection of numerous institutions including the Tate Modern, London, UK;  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; and the Guggenheim Museum, New York, NY. Herrero is also the founder of Despacio, a contemporary art space in his native San José, which is an important force in the continued development of Central America’s artistic voice.

Link: Federico Herrero at Lulu

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from Contemporary Art Daily http://bit.ly/3dfH0IP

[esepress-com]

Estoy organizando un nuevo viaje a Japón, país del que me he enamorado perdidamente. Mi cuarto viaje, así que debo sacar punta al lápiz y descubrir destinos y experiencias. Increíblemente nunca he puesto un pie en Kanazawa, por una cosa o por otra siempre he salteado esta ciudad tan encantadora. Poco tiempo, mucho frío, Tokyo addiction…

Pero esta vez sí voy a Kanazawa y no solo eso, me quedo un par de noches para vivirla mejor. Si estás pensando en conocer Japón no cometas mi error y hazte un tiempito para ir hasta Kanazawa, con el Japan Rail Pass es una ganga y puedes hacer un fabuloso day trip. ¡Apunta!

Kanazawa

En tiempos feudales el clan más poderoso de Japón fue el de la familia Tokugawa pero inmediatamente después de ella estaba la familia Maeda. La sede de este poderoso clan era precisamente la ciudad de Kanazawa así que en algún punto fue comparable a Kioto o a la antigua Tokio, Edo.

Lo mejor de todo es que las bombas terribles de la Segunda Guerra Mundial no le hicieron mella. Tanto Kioto como Kanazawa zafaron de la destrucción así que hoy tiene valiosos tesoros arquitectónicos para conocer. Actualmente es la capital de la prefectura de Ishikawa así que veamos cómo se llega allí y qué hay que conocer.

Cómo ir a Kanazawa

Depende de todo de tu punto de origen. Si estás en Tokio la manera mas rápida es hacerlo en shinkansen, el tren bala japonés. Mucho más si tienes el Japan Rail Pass pues caso contrario el viajecito te costará la friolera de 140 dólares ida tardando unas tres horas como máximo. Mucho más barato es el autobús, diario y nocturno, con una tarifa de alrededor de 45 dólares, pero tardas unas siete u ocho horas. Obviamente también puedes ir en avión pero los precios superan los 200 dolares.

En mi caso alcanzaré Kanazawa desde el Lago Kawaguchiko así que sí o sí tengo que regresar a Tokio para tomar el shinkanen pues entre el lago y Kanazawa no hay ni trenes ni autobuses directos. ¿Y una vez en la ciudad cómo te mueves? Pues si te gusta caminar, a pie, pues está todo bastante cerca. Si no puedes tomar el Kanazawa Loop Bus que conecta la estación principal con muchas atracciones.

Este loop bus pasa cada 15 minutos en ambas direcciones y es muy barato, unos dos dólares nada más. Hay otro autobús más turístico que es el Kenrokuen Shuttle que parte de la estación cada 20 minutos y cuesta un dólar por viaje y dos los fines de semana o días festivos. Une la estación con el Jardín Kenrouken, el más hermoso de todo Japón. Puedes aprovechar y comprar el pase de 24 horas de autobús que permite el uso de los autobuses y otorga algún descuento en ciertos sitios turísticos.

Hay un autobús JR también en el que puedes hacer uso del JRP y va de la estación al parque. Funciona unas tres veces por hora y el viaje apenas dura 12 minutos. Sin el JRP cuesta 2 dólares. Si estás en Kioto puedes usar trenes exprés limitados, JR. El viaje dura dos horas y aunque cuesta unos 63 dólares lo cubre el JRP. También puedes ir en trenes locales pero tardas de cuatro a cinco horas porque hay que hacer trasbordos. Otra opción  es el autobús que cuesta entre 35 y 40 dólares y tarda cuatro horas. La distancia entre Osaka y Kanazawa es más o menos la misma.

Qué ver en Kanazawa

Hablé más arriba del Jardín Kenrokuen como uno de los jardines más hermosos de Japón, sino el más hermoso para muchos especialistas. Se trata del jardín externo del Castillo de Kanazawa y fue construido en tiempos del clan Maeda. Recién abrió al público en 1871 y abunda en flores y árboles preciosos. Cada estación es como ver un jardín distinto.

Dentro hay un museo de artesanías, monumentos, linternas de piedra, una fuente, cascadas, casas de té… Este parque está en la ruta de los autobuses turísticos y abre entre las 7 de la mañana y las 6 de la tarde. La entrada cuesta poco más de tres dólares. Por otro lado dijimos que Kanazawa es una ciudad que sobrevivió a las bombas aliadas así que tiene muchos edificios antiguos y muchos de ellos se concentran en el llamado Distrito Higashi Chaya, el de las casas de té y las geishas.

La ciudad tiene tres de estos distritos de chayas o casas de té atendidas por geishas: el de Higashi, el de Nishi y el de Kazuemachi. De ellos el de Higashi es el mas grande y bonito. Hay aquí dos casas de té abiertas al público, la Kaikaro y la Shima, y muchas tiendas y cafeterías. La chaya Kaikaro abre de 9 am a 5 pm y cuesta 7 dólares y la Shina cierra una hora más tarde y cuesta 5 dólares. A Higashi llegas en el loop bus en 10 minutos desde la estación.

Japón y los ninjas. ¡Qué historia! Y el Clan Maeda tenía los suyos, obvio, así que si te gustan los ninjas y samurais debes visitar el Templo Myoryuji, también conocido como el templo del Ninja. ¿Por qué? Pues porque tiene muchas construcciones defensivas ocultas. Es que el shogun, el señor feudal más poderoso de todos los señores feudales del Japón medieval, imponía ciertas reglas de construcción para volver a sus adversarios débiles. Entonces, los Maeda, construían un edificio que seguía esas reglas pero que por dentro era distinto.

Es decir, este templo tiene pasadizos ocultos, rutas de escape,corredores laberínticos, defensas. Más que un templo era un fuerte militar oculto que protegía al castillo familiar. Hoy puedes conocer todo mediante un tour que si bien es en japonés ofrece un panfleto en inglés- Llegas en el loop bus bajando en la parada Hirokoji. Abre de 9 am a 4:30 pm y cuesta 10 dólares.

Siguiendo con el tema de los samurais tenemos Nagamachi o el distrito samurai que está a los pies del castillo. Es donde vivían los samurais y sus familias y sus callecitas y casitas han preservado ese viejo encanto. Casas, jardines privados, canales, callejones. En especial no puedes perderte una casa samurai restaurada que se llama Nomurake y la vieja farmacia, la Shinise Kinenkan, hoy museo. La entrada a la casa samurai cuesta 5 dólares y la del museo es mas barata, 1 dólar solo.

Finalmente esta el Castillo de Kanazawa, destruido y reconstruido varias veces, incluso en el siglo XXI. La entrada es gratuita. Es cierto que tal vez un día baste para conocer Kanazawa pero si no te gusta el turismo exprés conviene quedarse una noche o dos, si es que te gustan las excursiones a la redonda. Una de ellas consiste en darse una vuelta por la zona montañosa de Shirakawago y Gokayama, Patrimonio Mundial.

Hay un puñado de aldeas con casas con techo de paja muy tradicionales, con techo a dos aguas como si fueran las manos de Buda rezando. Un estilo particular que tanto en verano como en invierno, cuando cae la nieve y las cubre, es llamativo. No tienen un solo clavo y en el ático se cultivan gusanos de cera. De entre todas las aldeas la mas recomendable para conocer es la de Ogimachi.

Aquí se pueden ver las casitas en un museo al aire libre cuya entrada cuesta 6 dólares. Para la postal de la aldea debes subir al punto panorámico de Shiroyama, a unos 20 minutos del centro. A Ogimachi llegas en autobús desde Kanazawa. Básicamente viendo todo esto tienes una bonita postal de Kanazawa. Ya lo sabes, si te cansas de los rascacielos de Tokio, viaja, viaja, viaja.

[estudiodedecoracion]

SANAA

SANAA. Empresa de arquitectura y diseño de mobiliario.

SANAA (Sejima y Nishizawa and Associates) es una empresa de arquitectura ubicada en Tokio (Japón), que se ha establecido con relativa rapidez en la vanguardia de la arquitectura internacional.

SANAA fue fundada en 1995 por los arquitectos Kazuyo Sejima (1956, Ibaraki, Japón) y Ryue Nishizawa (1966, Tokio, Japón).

Antes de fundar SANAA, Kazuyo Sejima se graduó en 1981 con una maestría en arquitectura por la Universidad de Mujeres de Japón.

Era una Universidad progresista, donde trabajaban mucho los proyectos a pequeña escala, mientras en otras escuelas del país abordaban escalas de mayor envergadura. No había demasiadas mujeres arquitectas dedicadas a la gran escala.

Su primera experiencia laboral fue como becaria del arquitecto Toyo Ito, en Toyo Ito and Associates, con quien trabajó hasta 1987, cuando estableció su propio estudio, Kazuyo Sejima & Associates.

Trabajadora incesante, a lo largo del tiempo ha construido una sólida trayectoria profesional en la cual su arquitectura habita entre lo material y lo abstracto.

Ryue Nishizawa, graduado como arquitecto por la Universidad Nacional de Yokohama, y que había sido alumno de Sejima, fue contratado para trabajar en Kazuyo Sejima y Asociados al poco tiempo de licenciarse en 1990.

En 1992 Kazuyo Sejima fue nombrada Joven Arquitecta japonesa del año por el Instituto de Arquitectos de Japón.

En 1995 Sejima fundó, junto a Ryue Nishizawa, la oficina conjunta Sejima and Nishizawa and Associates, SANAA, con base en Tokio.

SANAA fue creada fundamentalmente para encarar y compartir en equipo el trabajo de grandes proyectos y competencias internacionales. Cada socio preserva, asimismo, un espacio para encargos más pequeños que resuelven de manera individual (casas, tiendas, interiores).

Así en 1997, dos años después, Nishizawa fundó Ryue Nishizawa y Asociados, por lo que los arquitectos describen SANAA como una empresa que se compone de tres, y que se reúnen para discutir y criticar las ideas.

SANAA es mundialmente conocida por sus edificios blancos y ligeros muy enraizados ​​en los orígenes culturales y la sensibilidad japonesa.

A pesar de los exteriores blancos, su arquitectura está lejos de seguir los preceptos arquitectónicos del Movimiento Moderno.

SANAA lleva las propiedades reflectantes del vidrio y el brillo del color blanco a un nuevo nivel.

La incorporación de elementos de duda y ambigüedad en los edificios de SANAA, así como la utilización de elementos lúdicos en su arquitectura, añade una nota de humor cuando se visita uno de sus edificios, lo que se revela como una experiencia refrescante y juguetona.

Las obras arquitectónicas más destacadas de SANAA son el Pabellón de Vidrio del Museo de Arte de Toledo (Ohio, EE.UU.); El New Museum de Arte Contemporáneo de Nueva York; El Centro de Aprendizaje Rolex de la EPFL (École Polytechnique Fédérale de Lausanne, Suiza).

The Serpentine Gallery Pavilion 2009 de Londres; El edificio Christian Dior en Omotesandō, Tokio; El Museo del Arte Contemporáneo del siglo XXI en Kanazawa, y el Museo Louvre-Lens en Francia.

El trabajo de SANAA, en este caso de diseño de mobiliario, se incluyó en la exposición “City of Girls” en el Pabellón Japonés de la Bienal de Venecia 2000 y en el “Garden Cafe” en la VII Bienal Internacional de Estambul (Turquía).

Su trabajo también ha sido expuesto en Zumtobel Staff-Lichtforum de Viena (Austria); Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia (España); Zeche Zollverein de Essen (Alemania); Galería MA de Tokio (Japón); N-museum de Wakayama (Japón) y New Museum de Arte Contemporáneo en Nueva York.

SANAA ha sido galardonado con el León de Oro por el trabajo más destacado de la exposición “Metamorph” en la IX Exposición Internacional de Arquitectura, en La Biennale di Venezia en 2004.

En 2005 recibieron el 46º Premio de Artes Mainichi Shinbun, y ese mismo año el Premio Schock en el ámbito de las Artes visuales.

En 2010, fueron galardonados con el Premio Pritzker, el más alto de los honores en arquitectura, que convirtió a Kazuyo Sejima en la segunda mujer en ganar este premio.

El jurado del Pritzker declaró que SANAA “explora como pocos las propiedades del espacio, la ligereza, la transparencia y la materialidad para crear una síntesis sutil“.

Sobre el uso persistente del color blanco, Sejima ha comentado que es un método para evitar una jerarquía en su arquitectura, trayendo la luz a todas partes en lugar de intensificar solo ciertos espacios.

Su difusión democrática y la circulación de la luz también reflejan su objetivo de crear sentimientos sobre la continuidad y la comunidad en espacios públicos.

Esta translucidez y los límites poco claros entre los espacios -buscando establecer la aspiración a la ligereza trascendente- se pueden ver en muchas de sus famosas obras.

Grace Farms es precisamente un buen ejemplo de ésto y ganó el Mies Crown Hall Americas Prize 2014/2015 que reconoce las obras arquitectónicas más destacadas construidas en el continente Americano (norte y sur).

El jurado se sorprendió “por la forma radical en que se borra la línea entre la arquitectura y el paisaje… el proyecto Grace Farms demuestra de manera única la capacidad de la arquitectura para crear un lugar para una nueva institución innovadora“.

En 2017 SANAA estuvo entre los ganadores, también por Grace Farms, del AIA Institute Honor Awards (Instituto Americano de Arquitectos), uno de los más altos reconocimientos de la profesión por la excelencia en el diseño, que nombró 18 proyectos arquitectónicos y de interiores como receptores de los premios.

El dúo de arquitectos SANAA ofrece en su trabajo de mobiliario la síntesis de modernidad occidental y estética japonesa tradicional que aplica en sus obras arquitectónicas.

Sus piezas de mobiliario, siempre relacionadas con un proyecto arquitectónico concreto, también expresan un lenguaje formal frío y minimalista, pero con un carácter simbólico ligeramente poético.

La empresa alemana Vitra lleva varios años colaborando con SANAA, por ejemplo en la construcción de uno de los Pabellones de producción del Vitra Campus, que se finalizó en el verano de 2010.

Así por ejemplo Vitra, ha incorporado a su catálogo de 2010 los bancos orgánicos llamados “Flower” (2001) que fueron utilizados por primera vez en un café-jardín durante la VII Bienal de Estambul, así como en la Biblioteca infantil diseñada por SANAA en la Mediateca de Toyo Ito en Sendai.

Más tarde, este mueble ha sido utilizado en otros proyectos de importancia de SANAA, como el Museo de Arte Contemporáneo de Kanazawa (2004) y en el Pabellón temporal Serpentine de Londres (2009), en el que la arquitectura y los asientos entablaban un intenso diálogo.

La idea de usar el banco en el Learning Center del EPFL hizo que SANAA y Vitra se decantaran por la fabricación en serie, ya que hasta el momento sólo se habían fabricado en pequeñas cantidades y siempre en relación con un determinado proyecto.

Este asiento triple y con forma de flor recuerda a un trébol o a una flor de tres pétalos. Por un lado resulta una perfecta plataforma en espacios públicos para la comunicación informal, y también puede utilizarse para el asiento y el descanso independiente.

SANAA (pág. web).

SANAA, formada por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, y la “Drop” chair (2005) para el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI en Kanazawa.

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[februa10]

iPhone12miniで撮影

[gagosiangallery]

Third Phase of Damien Hirst’s Yearlong Gagosian Takeover Opens Today in London

October 5, 2021

Third Phase of Damien Hirst’s Yearlong Gagosian Takeover to Feature Emergency Paintings, Danger Paintings, Hazard Pictures and Seizures Opening in London on October 5, 2021

It’s about violence and danger and escapism and death and warning signs and being safe or getting caught. —Damien Hirst LONDON, October 5, 2021—Gagosian is pleased to present Emergency Paintings, Danger Paintings, Hazard Pictures and Seizures, the third phase of Damien Hirst’s yearlong takeover of the Britannia Street gallery. The exhibition features paintings, photographs, and sculptures that address the experience and emotions of warning, danger, crime, rescue, and death. The works take their inspiration from a variety of sources, including the bold designs on emergency vehicles, the skins of dangerous animals, and media images of police activity. The exhibition follows the inaugural installment in the takeover sequence, Fact Paintings and Fact Sculptures, and the second, Relics and Fly Paintings. The Emergency Paintings series (2014–16) was born from long car journeys during which Hirst was struck by the graphics emblazoned on emergency vehicles and their use of color as a warning. He took photos of these disturbing and beautiful designs with his phone and incorporated their high-visibility stripes and chevrons into his paintings. Powerfully conveying a sense of real-world crisis, these works also evoke the hard-edge abstractions of such painters as Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, and Frank Stella. Featured alongside the paintings is a framed selection of Hirst’s original source photos, which the artist values for their raw documentary quality: “They aren’t careful or considered. . . . They are quick and easy snaps taken as the world was flying by,” he remarks, “and all the better for it.”

Also on view at Britannia Street are several smaller oil-on-canvas compositions from the related series Danger Paintings (2016). These show close-up views of the skin of dangerous animals including poisonous frogs, snakes, insects, and sea creatures—living things that employ color and pattern to signal their danger to potential predators. As Hirst notes, this coloration represents “a thing that nature does that’s similar to what we do on emergency vehicles. We stole the idea from nature, of course, and hid it in geometry.” Finally, the exhibition includes several sculptures based on media photographs of police drug seizures, in which large quantities of illegal substances are displayed to promote the authorities’ success. The Seizures series (2021) represents a continuation of Hirst’s long-standing fascination with drugs and medicine—which has also resulted in such iconic series as Instrument Cabinets, Medicine Cabinets, and Pill Cabinets—and reflects his interest in and use of systems of taxonomy and display. Damien Hirst was born in in Bristol, England, and lives and works in London and Devon, England. Collections include the Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples, Italy; Museum Brandhorst, Munich; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany; Stedelijk Museum, Amsterdam; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Tate, London; Israel Museum, Jerusalem; Astrup Fearnley Museet, Oslo; Gallery of Modern Art, Glasgow, Scotland; National Centre for Contemporary Arts, Moscow; Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Museo Jumex, Mexico City; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Exhibitions include Cornucopia, Oceanographic Museum of Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); Relics, Qatar Museums Authority, Al Riwaq (2013); Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then), Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museet, Oslo (2015); The Last Supper, National Gallery of Art, Washington, DC (2016); Treasures from the Wreck of the Unbelievable, Palazzo Grassi and Punta della Dogana, Venice (2017); Damien Hirst at Houghton Hall: Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures, Houghton Hall, Norfolk, England (2019); and Mental Escapology, St. Moritz, Switzerland (2021). Hirst received the Turner Prize in 1995. __________ DAMIEN HIRST Emergency Paintings, Danger Paintings, Hazard Pictures and Seizures Open from October 5, 2021 6–24 ­Britannia Street, London _____ Damien Hirst, Safety, 2015, acrylic and acrylic lacquer on canvas, 94 × 84 inches (243.8 × 213.4 cm) © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2021

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El parque corre por las venas de cada necochense de crianza o por opción. En mi caso este parque ha sido mi compañero de andanzas más de una vez, supe empezar a caminarlo con un año de edad para hacerme caer en sus agujas de pino, supe recorrerlo a caballo y pernoctar en el con mi uniforme de scout, supe perderme en los brazos de amores lejanos al ritmo del viento entre las ramas, supe pasar los inviernos al abrigo de los vapores del agua hirviendo infusionada con semillas de eucaliptus, supe cruzarlo en bicicleta a las tres de la mañana escuchando metal en los auriculares, supe crecer con su compañia.

El Parque Miguel Lillo se encuentra localizado desde la Calle 89, hacia el oeste, entre la Avenida 2 y la Avenida 10, la que le da acceso a las playas de la costa y al mar. Es uno de los distintivos de la ciudad de Necochea, ya que cuenta con una extensión de 640 hectáreas de reserva forestal y más de un millón de especies arbóreas (en su mayoría coníferas) que son el resguardo de aves de esta zona.

En el año 1945 la Asociación Fomento de Necochea, con la intención de crear un parque público pide al interventor de la provincia de Buenos Aires la expropiación de las tierras pertenecientes a la familia Díaz Velez. El primero de noviembre de 1947 mandan al ingeniero agrónomo Edgar Gatti a la ciudad de Necochea para que realice un estudio de factibilidad y poder crear a su vez un vivero en la casona, perteneciente a la familia antes dicha. El resultado fue aceptado para crear dicho vivero y el primero de marzo de 1948 le ofrecen al ingeniero Gatti el cargo como Jefe. Entonces se radica en Necochea para comenzar los trabajos de planificación y organización, compra de maquinarias, herramientas, muebles y útiles, etc. Las primeras semillas de Acacias y Pinos fueron enviadas desde el vivero de Miramar y se hicieron los primeros almácigos con cajones de madera. En 1949 se realizan los primeros trabajos de fijación de dunas sembrando especies forrajeras tapadas con paja de lino. El vivero producía 300000 plantas al año, 80 % de pinos y el resto Acacias y Eucaliptos.

Llegaron a trabajar 70 personas y funcionó desde el año 1949 hasta aproximadamente 1972 con esa producción.

El Parque Miguel Lillo fue la inspiración de un idealista y acaudalado caballero: Don Carlos Díaz Vélez, propietario de toda esta basta extensión, fue fundado en marzo de 1948, abarcando casi en la actualidad casi 600 hectáreas con un total de aproximadamente 4.500.000 ejemplares de especies arbóreas. El después de largas cavilaciones, decidió convertir esas, en apariencias inhóspitas arenas, en una plantación sin pensar que con el correr de los años la obra así proyectada se transformaría en el monumental lugar turístico, que es hoy, poblado de ejemplares y habitado por las mas hermosas variedades de pájaros, visitado y admirado por millares de personas.

Esta incomparable empresa que nuestros días parece obra de la varita de algún mago o salida de la lámpara de Aladino, surgió casi el mismo año en que se edificó  el Necochea Hotel, allá por 1909. El comienzo fue sumamente penoso para los que trabajaron en ella, ya que en el lugar no predominaban otra cosa que los médanos, que como niños juguetones, algunas veces, o caprichosos otras, mudaban de sitio, modificando de uno a otro día, o en pocas horas según la velocidad del viento, la fisonomía del solitario lugar. El hotel hasta tenía un tren funcional con la única finalidad de trasladar las toneladas de arena que se acumulaban de vuelta al … medano …

Su nombre, Miguel Lillo, esta relacionado a un botánico tucumano quien lucho por el mantenimiento de los espacios verdes Con más de cien especies de árboles, es una de las tantas bellezas que la naturaleza, ofrece en nuestra ciudad para disfrutar, para vivir, para tomar las vacaciones en serio.

Verdadero pulmón verde de Necochea y lugar de recreación y oxigenación, el Parque Miguel Lillo es el fruto de la creatividad, el tesón y el laborioso esfuerzo humano puesto al servicio de un objetivo: forestar las indómitas dunas y médanos que existían a lo largo de la costa local.

Los principales atractivos y servicios son: Lago de los Cisnes, Circuito aeróbico, Jardín Japonés, Área de Museos, Juegos Infantiles, Anfiteatro “Pedro Arozarena”, Jardín Francés y Reloj del Sol, Tren Ecológico del Parque, Jardín de Rocas y Paseo del Sol.

Lago de los Cisnes. Enmarcado por la playa y el parque Miguel Lillo,  este lago artificial, nos permite apreciar distintos tipos de aves acuáticas, dando un marco natural en el cual se aproximan diferentes especies. Además cuenta con un mini-zoo, con animales como, cabritos alpinos, aves de corral exóticas, conejos, ovejas, chivos, pavos reales, faisán, gallinas, chanchitos de la india, tortugas de agua, y diferentes especies de aves acuáticas y terrestres.  Para disfrutarlo, el lago puede ser recorrido en bicicleta acuática o por su senda peatonal. Cuenta también con instalaciones como kiosco, baños y espacios para tomar sol, descansar y pasar una tarde en familia acompañado de la naturaleza.

El circuito aeróbico, posee 3 circuitos posibles, de 3.000, 6.400 y 10.000 metros completamente señalizados. Se puede acceder desde Pinolandia, sólo transitable a pie  o en bicicleta (ideal para realizar mountainbike), teniendo además un sector exclusivo para realizar ejercicios al aire libre. Este circuito le permitirá recorrer los senderos internos del parque Miguel Lillo, disfrutando del aire puro,  la serenidad y avistar las numerosas especies de aves que se pueden encontrar en su hábitat.

Jardín Japonés, El 23 de noviembre de 1971 llegan a Necochea 115 cerezos y 25 durazneros que el intendente de la ciudad de Kanazawa (Japón) envió a la Municipalidad de Necochea, para ser plantados en el Parque Miguel Lillo. Este fue el comienzo de un intercambio, cuyo propulsor fue el doctor Hideo Anada, ya que se mandaron semillas de ceibo (Flor Nacional de la Argentina) a la localidad de Kanasawa. A 25 años de estos hechos, la colectividad japonesa de Necochea solicita a la Sub Secretaría de Cultura, Educación y Deportes, que fuera erigida alguna construcción que recordara la visita del Dr. Anada y la ubicación de las plantaciones de cerezo. En consecuencia, se resuelve desarrollar un proyecto, a través de la Dirección de Equipamiento Urbano y Vivienda para emplazar el acceso al “Patio de los Cerezos” y el “Tori” (arco de entrada). Mediante las formas de esta realización se expresa al pueblo de Necochea, algunas de las tradiciones japonesas y con el color, por el hecho histórico de haber plantado los cerezos, se obtiene sentido cuando se observan los mismos en primavera.

Área de Museos:

Mueso de Ciencias Naturales de Necochea, funciona en la que fuese la vivienda de los caseros de la familia Díaz Vélez. Este museo comienza a funcionar en 1965 cuando se forma la asociación de “Amigos de Ciencias Naturales”. En la actualidad se puede observar un rico material de la flora  y fauna local, incluyendo especímenes marinos y llamativas de paleontología y osteología. También sorprende el diorama de aves marinas que cuenta con unas 50 especies diferentes; además de una ballena y una tortuga laúd, procesadas mediante la taxidermia.

Museo Histórico Regional, funciona desde 1981, lleva el nombre de “Egisto Ratti” -quien fuera su primer director, desde el año 1982- se encuentra ubicado en el Parque Miguel Lillo. La “casona” en la que está emplazado, es de estilo neo-colonial construida con estas características de la década de 1920, por los herederos de Eustaquio Díaz Vélez quien fuera propietario de las tierras donde hoy se encuentra la Villa que lleva su nombre. Recorriendo su interior se podrá conocer la evolución cultural e histórica del partido de Necochea y la región a través de objetos antiguos, fotos y/o documentos, vestimenta de la época, obras de arte, material fotográfico, maquetas y  todo tipo de documentación histórica, exhibidos de manera tal que quienes lo visiten puedan recorrer nuestra historia y las características edilicias de la época. Cuenta con siete habitaciones que actualmente funcionan como salas de exposición y un patio central con un aljibe, muestra de ferrocarril y bancos para sentarse para disfrutar de un momento de esparcimiento, y un baño original de la “casona” con muestras del tipo de construcción de la misma, en las diferentes galerías internas. Allí mismo puede consultarse el Archivo Histórico.

Juegos Infantiles, cuenta con hamacas, toboganes, areneros y la tradicional Calesita del  Parque, es un lugar ideal para que los niños se diviertan.

        Anfiteatro “Pedro Arozarena”, inaugurado en el año 1977, cuenta con una capacidad para 1.500 personas y es escenario de todo tipo de actividades culturales, espectáculos y eventos al aire libre. Su nombre es en honor al gran educador Pedro Arozarena, maestro, escritor, periodista y ecologista, fue una de las figuras más descollantes de la cultura necochense del Siglo XX. Permaneció como profesor de diversas materias durante 35 años, de 1922 a 1957, en el Colegio Nacional “José Manuel Estrada”.

  Jardín Francés y Reloj de Sol, este sector es especial para disfrutar  el sol,  ofreciendo un marco particular,  en donde saborear la naturaleza, brindando un atractivo más del Parque Miguel Lillo.

      Tren Ecológico del Parque, abarcando un recorrido de casi 3 kilómetros, atravesando el interior del parque visitando distintos puntos de interés, como la zona de fogones, juegos infantiles y Lago de los Cisnes. El Complejo del Tren del Parque cuenta con servicios de cafetería, comidas, bebidas, heladería, paseo de artesanos, baños públicos comunes y para personas con movilidad reducida.

    Jardín de Rocas ubicado en Av. 2 y calle 95, con senderos y escaleras rodeadas de arboleda y piedras se conforma el espacio conocido como Jardín de Rocas ideal para el descanso y la recreación familiar.

  Paseo del Sol, inicia en Av. 10 y Pinolandia, en el sector se instalaron mesas y sillas de tronco concordantes con el paisaje con el fin de equipar este sector elegido espontáneamente para el descanso y la recreación, generando así un paseo de aproximadamente 300 metros.

Vivero Municipal, dentro de este espacio se puede apreciar diversas especies de arboles y arbustos como pinos, acacias, tamariscos utilizados para la fijación de las dunas, cuenta con una produccion de 40 mil plantines al año aproximadamente.

Plaza Neptuno, se trata de un espacio verde donde se conmemora al dios del mar, con un monumento en su honor; ideal para descansar y disfrutar con una hermosa vista al mar.

Vayan y disfrútenlo.

El Sol a Través de sus Ramas – Parque Miguel Lillo – Necochea El parque corre por las venas de cada necochense de crianza o por opción. En mi caso este parque ha sido mi compañero de andanzas más de una vez, supe empezar a caminarlo con un año de edad para hacerme caer en sus agujas de pino, supe recorrerlo a caballo y pernoctar en el con mi uniforme de scout, supe perderme en los brazos de amores lejanos al ritmo del viento entre las ramas, supe pasar los inviernos al abrigo de los vapores del agua hirviendo infusionada con semillas de eucaliptus, supe cruzarlo en bicicleta a las tres de la mañana escuchando metal en los auriculares, supe crecer con su compañia.

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Damien Hirst at Gagosian Britannia Street, London

June 10, 2021

DAMIEN HIRST Relics and Fly Paintings

Open from June 5, 2021 6–24 Britannia Street, London __________ I always say [my work is] about life, but I don’t know, I suppose it does dwell on the dark side. —Damien Hirst Gagosian is pleased to present Relics and Fly Paintings by Damien Hirst, the second phase of the artist’s yearlong takeover of the Britannia Street gallery, following the inaugural exhibition of Fact Paintings and Fact Sculptures. For this new iteration, the artist has clad the interior of the gallery in black butterfly-patterned wallpaper that reproduces the kaleidoscopic surface of his painting Valley of Death (2010). With its uniquely immersive atmosphere, the exhibition brings together a number of Hirst’s bodies of work, prompting reflections on themes of darkness and death, the past and the future. Hirst’s Relics are memento mori: cast in bronze, they depict corpses, skeletons, and mummies in meticulous detail. Juxtaposing morbid realism with fantastical sources of inspiration, these bodies frozen in time emphasize the artist’s deft combinations of art, science, history, and religion. A suite of metallic Meteorites of various sizes continues Hirst’s engagement with the concept of the simulacrum and plays into the long-standing human fascination with outer space. The monumental sculpture The Martyr – Saint Bartholomew (2019) follows the historical tradition of depicting its subject flayed alive as an écorché figure study, balancing biblical devotion with a similar reverence for the human body. While Hirst’s sculpture is a nod to this centuries-old artistic practice, the holy man’s solid stance and gleaming figure are also reminiscent of a robot or a modern anatomical model.

Hirst incorporated real insects into his Fly Paintings, mining their myriad symbolic associations with cycles of life and the fear of death. Like much of his oeuvre, these paintings revel in startling dichotomies while harking back to various formal precedents; subjecting organic matter to the strictures of geometry, they evoke Kazimir Malevich’s Black Square (1915) and Richard Serra’s black paintstick drawings, among many other references. The Fly Paintings offer a hauntingly detached perspective on human existence that is at once microscopic and macrocosmic in its purview. Damien Hirst was born in 1965 in Bristol, England, and lives and works in London and Devon, England. Collections include the Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples, Italy; Museum Brandhorst, Munich; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany; Stedelijk Museum, Amsterdam; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Tate, London; Israel Museum, Jerusalem; Astrup Fearnley Museet, Oslo; Gallery of Modern Art, Glasgow, Scotland; National Centre for Contemporary Arts, Moscow; Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Museo Jumex, Mexico City; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Exhibitions include Cornucopia, Oceanographic Museum of Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); Relics, Qatar Museums Authority, Al Riwaq (2013); Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then), Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museet, Oslo (2015); The Last Supper, National Gallery of Art, Washington, DC (2016); Treasures from the Wreck of the Unbelievable, Palazzo Grassi and Punta della Dogana, Venice (2017); Damien Hirst at Houghton Hall: Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures, Houghton Hall, Norfolk, England (2019); and Mental Escapology, St. Moritz, Switzerland (2021). Hirst received the Turner Prize in 1995. _____ Damien Hirst, Destruction, 2008, flies and resin on canvas, 84 × 84 inches (213.4 × 213.4 cm) © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2021

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Damien Hirst at Gagosian Paris

May 20, 2021

DAMIEN HIRST Cathedrals Built on Sand

June 8–September 22, 2021 4 rue de Ponthieu, Paris __________ I can’t understand why most people believe in medicine and don’t believe in art, without questioning either. —Damien Hirst Gagosian is pleased to present Cathedrals Built on Sand, the largest exhibition of Damien Hirst’s Pill Cabinets to date. The presentation is realized in conjunction with Cherry Blossoms, on view from July 6, 2021, to January 2, 2022, at the Fondation Cartier pour l’art contemporain in Paris, marking Hirst’s first solo museum exhibition in France. For this landmark sculptural series, Hirst filled wall-mounted cabinets with arrangements of pills—some real, some fabricated from resin, metal, or plaster. Intermingling art and science, the Pill Cabinets examine the limits of human belief and confront society’s faith in drugs as a panacea. The works have taken on new significance during the COVID-19 pandemic, a testament to the enduring and prescient nature of Hirst’s creations. On view is Prototype for Lies (1998), the first work created in the series. Featuring open fiberboard shelves, the sculpture imbues the sterile grid of pills with a certain warmth. The Pill Cabinets as a whole evolved from Hirst’s earlier Medicine Cabinets, in which empty pharmaceutical packages are arranged on shelves, emulating the displays one might see at a drugstore. Clinical and pragmatic, yet inextricably linked to the human body, the Medicine Cabinets unite Hirst’s interest in post-Minimalist forms with Pop art–inspired commentary on commercial goods.

Unlike the preceding body of work, however, the Pill Cabinets revel in playful chromatic variations that are made all the more striking by the simple shapes and rounded edges of the capsules at the heart of each work. Infusing these pared-down sculptural forms with what Hirst calls “minimalist delicious color,” the installations evoke the industrial origins of Gerhard Richter’s color charts, as well as the intimacy and seriality of Felix Gonzalez-Torres’s candy arrangements. Pills have been a part of Hirst’s artistic vocabulary for years; he is drawn to their power to convince, their symbolic combination of remedy and risk making them an ideal subject for his dichotomous focus. While the sheer number of pills in each cabinet is designed to elicit a sense of wonder, it also raises moral questions about the commodification of healthcare. The Pill Cabinets present the pharmaceutical drug as a sort of fetish object; removed from its packaging and laid out for individual consumption, each unassuming tablet becomes a loaded promise—a seductive token of trust between the patient and the faceless medical institutions that dictate his or her well-being. Damien Hirst was born in 1965 in Bristol, England, and lives and works in London and Devon, England. Collections include the Museo d���Arte Contemporanea Donnaregina, Naples, Italy; Museum Brandhorst, Munich; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany; Stedelijk Museum, Amsterdam; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Tate, London; Israel Museum, Jerusalem; Astrup Fearnley Museet, Oslo; Gallery of Modern Art, Glasgow, Scotland; National Centre for Contemporary Arts, Moscow; Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Museo Jumex, Mexico City; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Exhibitions include Cornucopia, Oceanographic Museum of Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); Relics, Qatar Museums Authority, Al Riwaq (2013); Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then), Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museet, Oslo (2015); The Last Supper, National Gallery of Art, Washington, DC (2016); Treasures from the Wreck of the Unbelievable, Palazzo Grassi and Punta della Dogana, Venice (2017); Damien Hirst at Houghton Hall: Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures, Houghton Hall, Norfolk, England (2019); and Mental Escapology, St. Moritz, Switzerland (2021). Hirst received the Turner Prize in 1995. _____ Damien Hirst, When the Heart Speaks, 2005, glass, stainless steel, steel, aluminum, nickel, bismuth and cast resin, colored plaster, and painted pills with dry transfers, 52 × 78 × 4 inches (132 × 198 × 10 cm) © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2021

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Damien Hirst at Gagosian Britannia Street, London

April 12, 2021

DAMIEN HIRST Fact Paintings and Fact Sculptures

Opening April 12, 2021 6–24 Britannia Street, London __________ I like to say something and deny it at the same time. —Damien Hirst Gagosian is pleased to announce Fact Paintings and Fact Sculptures, an exhibition of rarely seen works by Damien Hirst created between 1993 and 2021. The exhibition marks the first phase of Hirst’s yearlong takeover of the Britannia Street gallery, and is his first exhibition there since The Complete Spot Paintings 1986–2011 in 2012. As artist and curator, Hirst presents this highly personal series of work through his own eyes. Throughout his storied career, Hirst has confronted the systems of belief that define human existence, from common trust in medicine to the seduction of consumerism. At a moment when the idea of “truth” has never been more tenuous, Hirst’s Fact Paintings and Sculptures question the obduracy of “fact” as a governing principle of society. Mimicking color photographs, the Fact Paintings are rendered in oil on canvas, sometimes with meticulous fidelity, at others reveling in the physicality of mark making. Their verisimilitude recalls the historical role of painting as a tool to represent the visible world and lead the viewer to believe that a two-dimensional image is, in fact, the three-dimensional object it portrays. With the birth of photography in the nineteenth century, painting’s relationship with reality continued to evolve. Hirst’s Fact Paintings explore this back and forth between the brush and the camera as the agents of “truth.”

The first exhibition of the Fact series, The Elusive Truth, was presented at Gagosian New York in 2005 and focused on paintings derived from newspaper photographs. Other subjects include Hirst’s signature motifs of butterflies and diamonds, depictions of his own previous works, and portraits of his friends and family. In many ways, the Fact series can be seen as the artist’s self-portrait, highlighting significant moments of Hirst’s life and career: Michael with Diamond Skull (2008), for example, portrays Michael Craig-Martin—his former tutor at Goldsmiths—posing with the famed sculpture For the Love of God (2007); in Self-Portrait as Surgeon (2007) the artist, dressed in blue scrubs, stands next to a hospital bed; while Cleaning New Baby (Cyrus) (2007) depicts his own newborn son. In the Fact Sculptures, presented alongside the related paintings, Hirst moves beyond the readymade, instead constructing detailed replicas of real objects. In Love Dies Fast (2020) and Station (2014), physical elements of workshops and storage spaces appear, while in Snob (2006–20) and Public School Tosser (2006–20) he makes reference to his own iconic jewelry cabinets, wryly juxtaposed here with garbage bags and cans. Other sculptures attest to Hirst’s preoccupation with the order of things, their preservation and display: in Persil (2015) and Coke/Diet Coke Vending Machine (2007), a stacked pallet and a vending machine underscore the significance of consumer goods and product packaging, the high with the low. Some of the sculptures on view are charged with relevance to lived experience in the COVID-19 era. Remedies Against the Great Infection (2020) offers hand sanitizer and personal protective equipment, while sculptures such as Don’t Stop Me Now (2006) and Warsaw (2008), replete with medical supplies, take on new meaning within the context of the enduring pandemic. By incorporating these by-now-ubiquitous commodities into sculptures, Hirst speaks to the new landscape of material culture that has become a dark fact of contemporary life. Damien Hirst was born in Bristol, England, and lives and works in London and Devon, England. Collections include Tate, London; Gallery of Modern Art, Glasgow, Scotland; Stedelijk Museum Amsterdam; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany; Museum Brandhorst, Munich; Astrup Fearnley Museet, Oslo; Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid; Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples, Italy; Israel Museum, Jerusalem; Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Museo Jumex, Mexico City; National Centre for Contemporary Arts, Moscow; and 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. Exhibitions include Cornucopia, Musée océanographique de Monaco (2010); Tate Modern, London (2012); Relics, Qatar Museums Authority, Al Riwaq, Qatar (2013); Signification (Hope, Immortality and Death in Paris, Now and Then), Deyrolle, Paris (2014); Astrup Fearnley Museet, Oslo (2015); The Last Supper, National Gallery of Art, Washington, DC (2016); Treasures from the Wreck of the Unbelievable, Palazzo Grassi and Punta della Dogana, Venice, Italy (2017); Damien Hirst at Houghton Hall: Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures, Houghton Hall, Norfolk, England (2019); and Mental Escapology, St. Moritz, Switzerland (2021). Hirst received the Turner Prize in 1995. _____ Damien Hirst, Papillio palinurus in Achillea millefolium, 2009, oil on canvas, 36 × 54 inches (91.4 × 137.2 cm) © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2021. Photo: Prudence Cuming Associates

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